Suplemento Cultural 30-08-2013

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Suplemento Cultural Guatemala, 30 de agosto de 2013

Una idea original de Rosauro CarmĂ­n Q.

Remanentes de la vida de Renoir en subasta PĂĄgina 6


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Nueva Guatemala de la Asunción, 30 de agosto de 2013

FOTO LA HORA: (AP Foto/Juan Karita)

En esta foto la policía patrulla las cercanías de la Basílica de San Francisco en La Paz, Bolivia.

Saquean arte indígena de iglesias en Bolivia

Los ladrones cavaron un túnel bajo los gruesos muros de la iglesia colonial en la pequeña población de San Miguel de Tomave, en el sur de Bolivia, y se alzaron con cinco cuadros al óleo del siglo XVIII, de un valor incalculable.

E

ra el quinto robo de arte sacro que sufría la iglesia andina desde 2007. La mayor parte de la plata finamente labrada que adornaba su altar ya había desaparecido. “Este es un pueblito chiquito, deben haber unas 300 personas. Y no hay la seguridad necesaria porque antes tampoco la necesitamos”, contó el sacerdote Francisco Dubert. “La iglesia tiene muchas riquezas del tiempo de la colonia pero no tiene una protección necesaria y no es el primer robo ya ha habido

FOTO LA HORA: (AP Foto/Juan Karita)

En esta foto se ve un cuadro de un artista anónimo titulado “San Francisco de Asís”.

antes otros robos en 2007 y otro más”. “¿Quién hubiera dicho que se llevarían también los lienzos?”, dijo Dubert en alusión a los cuadros de 2 por 1,75 metros que muestran escenas de la vida de la Virgen María. La falta de seguridad vuelve a las iglesias presa fácil de los ladrones de las reliquias artísticas, que en lo que va del año han saqueado al menos 10 templos en estos países tan ricos en cultura como económicamente pobres. Además de cuadros, los ladrones se llevan objetos de oro, plata y joyas donados por feligreses. “Creemos que los robos se realizan en nombre de los coleccionistas”, dijo el sacerdote Salvador Piniero, arzobispo de la provincia de las tierras altas de Ayacucho, Perú. Las iglesias bolivianas han sido despojadas de 447 objetos en 38 robos desde 2009: platería bellamente labrada, lienzos, piezas de altar, oro y plata y joyas, según la jefa del patrimonio cultural del país, Lupe Meneses. En Perú se han denunciado al menos 30 robos de iglesias y capillas desde enero de 2012, incluidas dos este mes: iglesias en las provincias de Ayacucho y Puno fueron despojadas de platería ornamental laminada, coronas de oro y plata, aretes y collares. En Tomave, se dejaron otros lienzos, dijo Dubert, lo cual indica que los ladrones sabían exactamente qué querían. “Estas iglesias están siendo robadas porque gente malvada quiere poseer cosas bellas”, dijo en su blog Donna Yates, arqueóloga de la Universidad de Glasgow. Yates, quien estudia los robos andinos como parte de un proyecto global financiado por la Unión Europea, dijo que la desaparición de obras invalorables de arte sacro de la región continúa, “pero se vuelve

Por PAOLA FLORES Y FRANK BAJAK

cada vez más audaz”. “¿Quién está detrás de esto? No lo sé”, añadió la experta. “El mercado para estos bienes está en Europa y Estados Unidos”. Precisó que Santa Fe, Nuevo México, se ha vuelto un polo de atracción para coleccionistas de arte latinoamericano. Funcionarios culturales de los Andes libran desde hace muchos años una lucha desigual para proteger el arte precolombino, al que se suma ahora el arte sacro colonial. Por ley, estos tesoros son parte del patrimonio nacional y su exportación es ilegal. Donde resulta posible, se fortifican las iglesias. El año pasado se instalaron cámaras de video y se apostaron guardias nocturnos en la catedral de Huamanga, Ayacucho, donde se realiza la mayor peregrinación anual del Perú. Pero las parroquias rurales pobres están libadas a sus propios medios, sobre todo en las sierras, donde misioneros coloniales españoles construyeron asentamientos aislados. En enero, ladrones sustrajeron 12 coronas de oro y un par de zapatos de plata de una imagen del niño Jesús en Santo Domingo de Chungui, una población aislada del departamento de Ayacucho, dijo el director de cultura regional Mario Cueto, quien pidió mayor vigilancia en las carreteras y los aeropuertos internacionales. En uno de los atracos más audaces, en abril, ladrones se llevaron tesoros nacionales de la iglesia de la Virgen de Copacabana sobre el lago Titicaca. Una imagen de madera de la santa patrona de Bolivia, que data del siglo XVI, fue despojada de 18 joyas de un valor estimado en 1 millón de dólares. Envenenaron a dos mastines, durmieron a los seminaristas con somníferos que mezclaron en la comida, treparon una escalera en la noche y

rompieron una ventana que da al altar mayor de la iglesia para consumar el robo. Un cura visitante y la dueña de la hostería donde se alojaba fueron arrestados bajo sospecha de complicidad con una pandilla criminal. La mayoría de los blancos son como la iglesia de Tomave, sin más protección que una cadena y un candado. Se encuentran a 4.000 metros sobre el nivel del mar y a 100 kilómetros del puesto policial más cercanos. En cuanto a las alarmas contra robo, la electricidad no existe o se corta a cada rato.

FOTO LA HORA: (AP Foto/Juan Karita)

El cuadro “Jesús con la cruz a cuestas” fue robado de la iglesia de San Pedro en La Paz el 11 de junio de 2003 y recuperado en Lima, Perú, en abril de 2005.


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Nueva Guatemala de la Asunción, 30 de agosto de 2013 “La seguridad es imposible”, dijo Yates. “Es la clase de situación en la que se puede intentar llevarse todo de estas iglesias rurales, lo cual es cuestionable desde el punto de vista étnico porque es despojar a la gente de su patrimonio cultural”. Pero aunque las autoridades se llevaran las obras de arte, no tienen lugar seguro donde almacenarlas. Ni siquiera la iglesia de La Merced, en la capital regional sureña de Potosí, cuya mina de plata fue otrora el motor de la economía española, ha sido inmune a los robos. El botín robado después de desactivar la alarma incluye un escudo escapulario del siglo XVII de estilo barroco con incrustaciones de perlas, diamantes, rubíes y esmeraldas valuado en 1 millón de dólares, según las autoridades. La directora de patrimonio cultural de Perú, Blanca Alva, dijo que en su gran mayoría de la plata robada es simplemente fundida. Si solo fuera robada, dijo, “por lo menos que se conservaría y me espero que se pudo recuperar.” Las autoridades no han tenido mucha suerte en la recuperación del arte colonial. Los funcionarios del ministerio de Cultura boliviano no quisieron revelar detalles acerca de los objetos robados por temor a incrementar su valor en el mercado negro. Uno de los escasos éxitos se produjo en 2005, cuando pinturas de San Francisco de Asís y de Jesús robadas de la iglesia boliviana de San Pedro de la Paz fueron recuperadas en Lima Perú, donde alguien intentó venderlas a unos extranjeros por 100.000 dólares. “Este país debería tener policía especializada (en antigüedades) como Italia”, dijo Carlos Rúa, jefe de restauraciones artísticas del ministerio. Cuando atrapan a los saqueadores, las consecuencias suelen ser severas. En el caso de la iglesia de Quila Quila, en la región de Chuquisaca, unos 441 kilómetros sureste de La Paz, un grupo de campesinos atraparon a los ladrones que estaban saliendo con el botín de joyas de plata y dos lienzos, lo cual enardeció a la turba y los lincharon, contó el periodista del diario Correo del Sur a la AP Henry Ayra. “La gente, cansada de la inseguridad en las iglesias tomo la justicia por su mano”, indicó Ayra. Los dos ladrones fueron colgados y golpeados, luego enterrados en una fosa común detrás de la iglesia, ambos maniatados. La policía tardó un día en llegar a la población, debido a la crecida de un río, para desenterrar los cuerpos.

DESDE MI BALCÓN

FOTO LA HORA: GOOGLE IMAGES.

La Catedral de Sevilla.

LOS SEISES

Desde sus lejanos inicios al culto religioso, fue famoso en la Catedral de Sevilla, el canto y la danza sagrada de los Seises, ante el Santísimo Sacramento en la Octava de Corpus, de la Inmaculada Concepción y en el Triduo de Carnaval.

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esde sus lejanos inicios al culto religioso, fue famoso en la Catedral de Sevilla, el canto y la danza sagrada de los Seises, ante el Santísimo Sacramento en la Octava de Corpus, de la Inmaculada Concepción y en el Triduo de Carnaval. La Catedral de Sevilla, que sus inicios datan del año de 1401, es la más grande de las catedrales del mundo cristiano, con cinco naves amplias de estilo gótico y columnas que alcanzan los quince metros de altura y sostienen sesenta y ocho bóvedas ojivales. Se accede por diez puertas siendo la más antigua la de El Perdón. Cuando los Canónigos tomaron la decisión de levantar la Catedral sobre la antigua mezquita árabe que a la vez fue construida en el sitio y con los materiales del circo romano, lo hicieron de esta manera “Hagamos una iglesia hermosa y tan grandiosa que los que la vieren labrada nos tengan por locos.” Está dedicada a Santa María de la Sede y entre sus ceremonias principales, está la participación de los Seises. Seis niños que revestidos de pajes de diferente color para la octava del Corpus que para la octava de la Inmaculada, cantan en el coro. Son los acólitos en las misas y danzan especialmente en las tres grandes festividades. Cantan himnos eucarísticos como Pange Lingua escrito por Santo Tomás de Aquino cuyas últimas estrofas es el Tantum Ergo y terminaban su participación con Benedica-

Mario Gilberto González R.

mus domino, que quiere decir: bendigamos al Señor. Estos cantos eucarísticos los conserva el Codex Calixtimus. Dos niños cantores subían al coro mientras sonaban los tres órganos de la iglesia y a una señal, se echaban al vuelo las campanas. Los Seises, vivían en casa del maestro de capilla, quien se encargaba de su educación y alimentación. Eran seis niños entre los cinco y los diez años de edad. Si se agregaba uno más, se le llama supernumerario. La Catedral de la Nueva Guatemala de la Asunción, contó también con los Seises que cantaban y danzaban frente al Santísimo Sacramento en la festividad del Corpus Christi. Por decreto del Ylmo. Sr. Arzobispo Dr. Cayetano Francos y Monroy de 3 de noviembre de1781 y auto del Venerable Sr. Dean y Cabildo de fecha 7 del mismo mes y año, se compró la casa a doña María Josefa Montúfar para que sirva de Colegio a los Ynfantes Seises. Se contó con los réditos del aniversario de Ntra. Sra. del Carmen y San Lorenzo que fundó el señor Lorenzo Pérez Dardón con el principal de mil 500 pesos. Se contó también con los réditos del Aniversario de San Martín que fundó el señor don Martín García de Sagastizabal con el principal de 700 pesos, para la casa que se compró para Colegio de Seises que fue, a la vez, el embrión de lo que más tarde sería, el renombrado Colegio San

José de los Infantes. Los Seises en Guatemala, también vivían en casa del Maestro de Capilla, quien cuidaba de su educación, alimentación y preparación de su voz, para solemnizar las grandes ceremonias catedralicias. La octava fue una ceremonia tan solemne como el mismo Corpus Christi. La octava de Corpus Christi en la Catedral de la ciudad de Antigua Guatemala, fue por largos años, una festividad en la que participaba toda la ciudad. Se renovaba el adorno del Altar Mayor y cuatro altares eran ornamentados con cortinas, flores y velas en candelabros altos. Terminado el rezo, se iniciaba una solemne procesión eucarística en las dos naves catedralicias. Se cantaban himnos eucarísticos solemnes acompañados del órgano que el maestro de capilla, don José María Vielman España, hacía sonar hasta inundar las naves cuyas notas se escapaban por las dos puertas abiertas de par en par, al oriente y al poniente. Los sacerdotes vestían dalmática y vecinos honorables portaban las insignias. Al momento de impartir la bendición, sonaban en la iglesia, las campanas de mano y las ruedas de campanillas y en lo alto, las campanas se echaban al vuelo y por más de media hora, se quemaban bombas y cohetes. Era una octava de Corpus, esperada por los vecinos antigüeños que, espontáneamente contribuían con flores, incienso, cohetes y bombas, especialmente por su sacristán Julio Rodríguez, que fue el organizador de la ceremonia religiosa y popular. .


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La obra artística de Marc Chagall es un vaivén existencial y estético entre los mundos reales e imaginarios en los que el artista vivió y configuró su obra pictórica. La belleza de su obra, que conjuga la magia del color con la fantasía de lo onírico, es un canto estético a la fantasía y a la tolerancia entre los hombres. HÉCTOR CAMARGO

M

arc Chagall fue un pintor de esos quienes, no obstante producen una obra de un valor estético universal, rehuyen las tumultuosas escenas de la fama. Ciertamente, Chagall fue un artista que siempre mostró afinidad por las pocas palabras y entera discreción en las emociones. Sin embargo, la timidez sería un concepto erróneo para describirlo. Mientras que el culto por la serenidad del espíritu es, posiblemente, la caractéristica más apropiada para calificar la personalidad de este gran y sublime pintor del siglo XX. La obra pictórica de Chagall abarca y armoniza rasgos fundamentales de varios movimientos artísticos tales como el Cubismo, el Simbolismo y el Fauvismo. EL JUDAÍSMO En Marc Chagall, quien nació en 1887, se conjugan muchos mundos que, de una u otra forma, influyen y marcan su obra pictórica. Uno de estos mundos es el ambiente del judaísmo de Europa del este. La ciudad donde nació Chagall, Witebsk, hoy en Bielorrusia, contaba en ese entonces con unos 500 mil habitantes de los cuales la mitad eran judíos. Así se explica, entonces, el hecho que la totalidad de la obra de Chagall esté marcada por la vida, las tradiciones, la religiosi-

dad y la simbología del pueblo judío. En efecto, los temas y símbolos del judaísmo se observan en casi la totalidad de las pinturas de Chagal. La evolución se producirá únicamente en las tonalidades, gamas y técnicas artísticas. Pero los temas representados estarán entrelazados por un cordón umbilical que es la cultura y religiosidad del judaísmo asquenazi. El nacimiento, el matrimonio, la vida rural y la música ruso-judía, con la exaltación del violín como instrumento emblemático de la música judía oriental –que hoy internacionalmente se conoce con el nombre de Klezmer cantada en idioma Yiddish, son los temas representados que predominan de principio a fin en las obras de este maravilloso, genial y universal pintor de origen ruso nacionalizado francés. LO RUSO Lo ruso, al lado de lo judío y fantasioso, es otro de los aspectos que cohabitan en las obras pictóricas de Chagall. Por lo que desde sus primeros años, en San Petersburgo, Chagall elaboró lienzos en los que lo ruso y lo judío se perciben como transfondo de las escenas familiares que son uno de los motivos que caracterízan a este período. Y si forzamos el pensamiento aristotélico que afirma que el amigo de los mitos es también, en cierta forma, filósofo, bien podríamos creer que los estereotipos son portadores de un grado de verdad y afirmar que el alma rusa es eso: profunda, meditativa y melancólica. Las pinturas de Chagal, previo a sus años parisinos, son ejemplo de esto. La vida de los judíos rusos, la comunidad y sus tradiciones y valores religiosos son representados con tonos oscuros muy cercanos a la melacolía experimental pero que otros preferirían denominar ataraxia espiritual.

FOTO LA HORA: GOOGLE IMAGES.

En la foto se observa al artista ruso Marc Chagall, (1887 - 1985).

AÑOS PARISINOS Como muchos tantos otros artístas –escritores e intelectualesMarc Chagall emigra a Francia. Chagall, con 23 años, en 1910 se instala en París. La capital francesa –no me canso en repetirloha sido siempre la luz que atrae tanto a los malabaristas del color como a los artesanos de la palabra pero también a los seguidores de la razón. París ha sido, históricamente, el refugio de poetas, pintores y filósofos hambrientos de libertad, de ideas y de espacios culturales y artísticos en los que la universalidad prevalece y se impone como medida de valor espiritual.

MAR CHAGA

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En ese tiempo, durante la primera década del siglo XX, lo ruso estaba un tanto de moda en la escena parisina. Sobre todo, gracias y después del éxito que en ese entonces había tenido la presentación del Ballet Ruso en París. Por ello

es que Chagal decide, como otros pintores -Jawlensky y Kandinsky- emigrar a París. Parece que los años parisinos, que también se caracterizan por la vida bohemia, se convertirán en el periodo más impor-


Nueva Guatemala de la Asunción, 30 de agosto de 2013 que los tonos azules y rojos sobresalenestarán llenos de motivos que translucen la vida cotidiana de su ciudad natal, Vitebsk, pero también un vasto arcoíris de reminiscencias de la niñez. EL PINTOR Y LA REVOLUCIÓN La Revolución rusa de 1917 será también determinante en la vida del ciudadano y artista Chagall. En 1914 el pintor había regresado a su patria natal y se había casado con la escritora Bella Rosenfeld quien se convertirá en uno de los principales personajes de sus obras. Más tarde, con el triunfo de la Revolución rusa Bielorrusia y su lugar de nacimiento Vitebsk pasarán bajo el control y administración de los bolcheviques. Un nuevo capítulos se inicia en la vida y obra del artista. Chagall, al principio, se identificó con los ideales, proyectos y propuestas de los líderes revolucionarios rusos. Así se

Suplemento Cultural 5 sión de los judíos. Otro aspecto interesante es que en el lienzo hay una cinagoga en llamas y un soldado observando la devastación. En la parte izquierda se observa a un grupo de soldados, con la bandera roja del Ejército Rojo, quemando y saqueando un poblado. Mientras que en la parte de abajo, a la izquierda, se observa a un judío con un pequeño anuncio colgado al cuello. Originalemente esta figura tenía escrito Ich bin Jude, Soy judío. Mientras que el soldado de arriba –el incendiariotenía la esvástica nazi en el brazo. Es indudable que La crucifixion blanca, que es una pintura al oleo, es una alegoría que simboliza la opresión de los judíos en la Union Soviética como también en Alemania durante la ascensión del nefasto nazismo. Y es posible que Chagall, con el recurso del Cristo en el centro del lienzo, quizo, aparte de acentuar la idea de persecusión y opresión,

La obra pictórica de Chagall es una metáfora al amor, un canto a la tradición ruso-judía y una alabanza a la fantasía humana. Es una obra universal, llena de humanidad que nos recuerda que lo humano es lo único que nos une y nos salva de las garras de la barbarie a rostro humano. La sensualidad mágica de los colores de Marc Chagall son eso y mucho más.

RC ALL tante en la consolidación y formación del estílo artístico, propio, de Chagall. Durante estos años el pintor producira la mayor parte de sus obras más importantes y que lo identifican con un estilo propio y particular. Los lienzos – en los

explica que haya aceptado el puesto de Comisario de Arte en su pueblo natal y donde había decidido radicar desde su regreso de París. En Vitebsk, Chagal, al lado de sus responsabilidades laborales y trabajo artístico, fundó una Escuela de Arte de la que sería director hasta 1920. Pero parece que los métodos de los bolcheviques produjeron un desencanto con la Revolución y la euforia –roja- de los primeros años desapareció del alma del pintor. Por lo que Chagal, en 1923, decide emigrar de nuevo y para siempre. La ciudad luz, París, será de nuevo el lugar donde Chagall y su familia se rufugiaran de la borrasca política que empezaba a cobrar sus primeras víctimas políticas en la tierra de Lenin. LA CRUCIFIXIÓN BLANCA Esta es una de las obras menos conocidas por el público en general, pero una de las más comentadas por la crítica especializada. Este lienzo, que data de 1938, es una obra que denuncia, a través de un estetismo profundo, la opresión y martirio del pueblo judío. En el centro del cuadro hay un Cristo crucificado. Y pareciera que Chagall -contrariamente a la tradición cristiana que representa al Cristo flajelado y ensangrentado- Chagall presenta un Cristo sin heridas ni sangre, únicamente crucificado, pero vistiendo el típico rebozo o chal que los judíos utilizan para rezar en la cinagoga. Un talit. Es indudable que la utilización de un símbolo puramente cristiano en medio de un conjunto de metáforas que simbolizan el judaísmo tiene algo, a primera vista, de irónico. No obstante, Chagal utiliza la representación del Cristo, quien ciertamente era un judío, para simbolizar la opresión, persecusión y martirio del pueblo judío. El Cristo en la cruz representa la simbiosis de la opre-

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Foto de la obra: “París a través de mi ventana”.

como un mundo, aparece y desaparece“. Bajo esta perspectiva habría también que mencionar la trilogía El Violinista. El último de estos liezos, El violinista verde, de 1923-24; mientras que los otros dos son trabajos de sus últimos días parisinos durante su primera estadía en la capital francesa. A estos últimos hay que agregar el Toro violinista y El concierto (1957). Por último, paciente lector/a, únicamente quisiera agregar que la obra pictórica de Chagall es una metáfora al amor, un canto a la tradición ruso-judía y una alabanza a la fantasía humana. Es una obra universal, llena de humanidad que nos recuerda que lo humano es lo único que nos une y nos salva de las garras de la barbarie a rostro humano. La sensualidad mágica de los colores de Marc Chagall son eso y mucho más.

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LA CRUCIFIXION BLANCA, es una obra que denuncia, a través de un estetismo profundo, la opresión y martirio del pueblo judío.

darle también un sentido universal a su obra. Lo que no es más que una simbiosis discursiva a través del color, la forma y la metáfora. Somos del parecer que la obra de Chagall, al igual que una obra de Picasso se asemejan bastante, no solo por los estilos artísticos que ámbos pintores compartieron, sino que por los temas y figuras representados en las pinturas. Ejemplo de esto son los cuadros relacionados a las artes populares pero, sobre todo, circences. El circo es, para Chagall como para Picasso, un lugar de magia e inspiración. Los acróbatas, los músicos y los saltimbanquis son personajes y representaciones en las que bifurcan ambos genios de la pintura del siglo pasado. Chagall mismo afirma que: “El circo es para mi un espectáculo mágico que,

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El violinista verde, pintado de 1923 a 1924.


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Anunciado como el mayor archivo de Pierre-Auguste Renoir, una subasta de cientos de cartas personales, fotografías y otros objetos del pintor ofrecen una imagen veraz de su vida como artista, esposo amante y padre abnegado.

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Archivo de Renoir a subasta en NY

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Por ULA ILNYTZKY ⁄ AP

demás la venta incluye 19 modelos para esculturas en yeso, conocidos como maquetas, creadas durante los últimos años de la vida de Renoir entre 1913 y 1918 con la ayuda de un joven ayudante, Richard Guino. Renoir, un artista consumado que pintaba diariamente, murió en 1919. Su archivo personal permaneció en manos de sus herederos hasta 2005 cuando su nieto Paul lo puso a la venta como un solo lote en una subasta en Maryland, donde fue adquirido por el propietario actual. “Es una mina de oro”, dijo Virginie Journiac, historiadora de arte y excuradora del Museo Renoir en Cagnes-surMer, al sur de Francia. “Estos objetos personales de Renoir serán vistos por última vez como una colección completa, a menos de que un solo comprador

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FOTO LA HORA: (Foto AP/LM Otero)

Brian Roughton, director de arte en Heritage Auctions, abre una vitrina con objetos de los archivos personales de Renoir.

adquiera todos los lotes”. Otros objetos en la venta incluyen el pañuelo de seda con lunares de Renoir, su licencia de matrimonio y una libreta llena de reseñas de críticos. También hay cartas de sus contemporáneos Claude Monet y Edouard Manet; sus medallas

a colección del patrimonio de Renoir será vendida en Nueva York el 19 de septiembre en 143 lotes. Heritage Auctions ha estimado su valor en 3 millones de dólares.

FOTO LA HORA: (Foto AP/LM Otero)

La pintura “Les Bécasses” (1919) de Pierre-Auguste Renoir, creada horas antes de su muerte, forma parte del archivo personal de Renoir que será subastado en Nueva York en septiembre.

de la Legión de Honor; cientos de negativos en cristal y documentos relacionados con la construcción de Les Collettes, su propiedad en Cagnes-sur-Mer. Varios museos, a los que se consultó para conocer su opinión, rechazaron revelar si intentarán comprar algo. La colección “ilumina la carrera, la vida y la eminencia de este ser humano tan humilde”, dijo Brian Roughton, director ejecutivo de arte en Heritage. “Muestra su inseguridad ante la vida, sobre ser artista... y a un hombre increíblemente amoroso y sensible con toda su familia”. Célebre por sus desnudos sensuales y paisajes encantadores, Renoir también hacía esculturas, pero eran me-

FOTO LA HORA: (Foto AP/LM Otero)

El busto de la hija Claude “Coco” de Pierre-Auguste Renoir realizado en 1907-08.

nos conocidas. Las maquetas, muchas de las cuales permanecieron en Les Collettes hasta 1960, estaban basadas en los dibujos y pinturas de Renoir y fueron producidas después de que una artritis incapacitante que casi le había paralizado las manos. Guino recibía pagos para trabajar bajo la guía de Renoir y no firmó las esculturas. Una corte lo reconoció como coautor en 1973. El vendedor actual, quien también es propietario de las maquetas, tuvo una batalla legal con la familia de Guino por los derechos de autor de ocho de las maquetas. El caso llegó a un acuerdo en 2008 y Heritage dijo que el material a la venta no tiene impedimentos para ser rematado. La casa de subastas no reveló al consignador de los lotes, pero según reportes se trata de Tracy

FOTO LA HORA: (Foto AP/LM Otero)

Noah Fliesher mira la escultura “Grande Vén Dallas.


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Pintora brasileña abre retrospectiva en Río

Fue recibida a bombo y platillo en Nueva York, y en París la adoran, pero Beatriz Milhazes opina que no hay nada como el hogar.

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Por JENNY BARCHFIELD ⁄ AP

FOTO LA HORA: (Foto AP/LM Otero)

El pintor Pierre-Auguste Renoir sentado bajo una sombrilla en una fotografía de un álbum de la familia Renoir.

Penwell, una propietaria de galerías en Arizona. Renoir consideraba a su “Grande Vénus victorieuse”, una estatua a escala natural de la diosa romana tomando elegantemente una tela en su mano y una manzana en la otra como una obra maestra. Creada entre 1914 y 1915, se calcula que facturará entre 900 mil y un millón de dólares. En la subasta también se rematarán las únicas dos esculturas que Renoir realizó completamente, un medallón (valuado en 20 mil dólares) y un busto de su hija menor Claude, “Coco” (valuado en 30 mil dólares). La obra “Les Bécasses” (estimada entre 80 mil y 120 mil dólares) es la única pintura a la venta. Aunque es pequeña tiene un gran significado histórico porque se cree que fue el último trabajo de Renoir, dijo Journiac, cuyo libro “The Late Renoir, The Riviera Years” está basado principalmente en el material de la colección. “Pintó esta naturaleza muerta con dos pájaros muertos horas antes de morir, bastante simbólico”, dijo. Aunque se conoce mucho de Renoir, dijo Journiac, “esta colección da mucha información nueva, especialmente sobre su último periodo, el menos estudiado”.

nus victorieuse” de Pierre-Auguste Renoir en

ás de un decenio después de su última muestra en su natal Río de Janeiro, la artista mejor pagada de Brasil se prepara para una especie de regreso a casa con una importante retrospectiva que cubre la mayor parte de sus 30 años de carrera. La exhibición, que se inaugura el jueves en el Centro Cultural Paco Imperial, en el centro de Río, reúne más de seis decenas de pinturas, serigrafías y collages cubiertos en el típico estallido de colores saturados, círculos concéntricos, flores y arabescos de Milhazes. “He expuesto en lugares que obviamente son muy alentadores para cualquier artista, pero de cierta manera tener una exposición en tu ciudad natal -nací aquí, vivo aquí y trabajo aquí- te atrae más, te alienta más y te impulsa más”, declaró Milhazes- el viernes en una entrevista mientras supervisaba la instalación de la muestra. “Es como decir: ‘Mamá, mira lo que he logrado’’’. Y Milhazes tiene mucho de qué enorgullecerse. La artista, de 53 años, ha exhibido en la Bienal de Venecia, una muestra exclusiva en la Fondation Cartier de París y tiene obras en el Museo Reina Sofía de España y en el Museo Guggenheim de Arte Moderno de Nueva York. Su pintura “O Magico” (El mago) de 2008, se vendió en más de 1 millón de dólares, aproximadamente cuatro veces lo que se esperaba, en una subasta en Nueva York, lo que la convirtió en la artista brasileña viva mejor pagada. Y rompió el récord nuevamente el año pasado con “Meu Limao” (Mi limón), que se vendió en 2,1 millones de dólares en otra subasta en Nueva York. Aunque una vez dijo que le tomó 25 años convertirse en un éxito de la noche a

FOTO LA HORA: (Foto AP/Felipe Dana)

FOTO LA HORA: (AP Photo / Felipe Dana)

La exposición reúne a más de cinco docenas de pinturas, serigrafías y collages cubiertos en Milhazes. la mañana, Milhazes dijo que su lento camino a la fama la ayudó a hacer frente a la atención. “El primer decenio de mi carrera, en los años ochenta, era muy local. Fue sólo en los años noventa que comencé a mostrar obras fuera de Brasil, primero en América Latina, en México, Venezuela, y después en Nueva York. Luego fue en Europa y Japón, pero muy poco a poco”, dijo Milhazes mientras hace correr los dedos por los rizos de su cabello, que recuerdan las ondulaciones de sus obras. “Durante ese proceso, algunas veces me iba y pasaba algún tiempo en estos otros países. Pero nunca corté mis lazos con Río. Esa fue una decisión importante. Necesito sentirme en casa, esa comprensión de dónde está mi hogar”. Río, una metrópolis costera y caótica de 6 millones de habitantes, ha impulsado la obra de Milhazes desde el principio. Los primeros collages tenían pedazos de tela de los disfraces que se usan en el mundialmente famoso Carnaval de Río, y su obra todavía explota con estampados y arabescos que recuerdan su exuberante vegetación. Hay algo muy de Río en su asombrosa paleta de

colores, con sus naranjas y amarillos brillantes, que evocan el potente sol estival de la ciudad, el azul de sus cielos y los rosas y púrpuras de los árboles de primavera en flor. En vez de pintar directamente sobre el lienzo, Milhazes desarrolló una técnica en que usa acrílicos para pintar formas en plástico, y entonces las transfiere al lienzo, creando palimpsestos de intrincadas capas. En reproducciones, sus obras lucen tan perfectas que parecen generadas por una computadora. Pero al observarlas de cerca, están vivas con pequeñas imperfecciones que las hacen aún más irresistibles a la vista. Las superficies de resina de las pinturas están llenas de pedazos de pintura, mientras que restos de líneas y manchas de color están visibles debajo de una capa después de otra capa superpuesta. Frederic Paul, curador de la muestra de Río, dijo que a pesar de su apariencia festiva, la obra de Milhazes es en lo fundamental inescrutable. “Cuando uno mira las pinturas de cerca, no las entiende en lo absoluto”, afirmó. “Nunca se podrá conocer de verdad la obra de Beatriz. Pero siempre la descubrirá”.

Beatriz Milhazes posa frente a una de sus pinturas en Río de Janeiro. Más de un decenio desde su última muestra en Río, la artista prepara una importante retrospectiva de su carrera artística.


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AGENDA CULTURAL

Del 30 de agosto al 6 de septiembre

VIERNES 30 DE AGOSTO

Teatro: Algún Día 19:00 – 20:00 horas. Lugar: Centro Cultural de España, Edificio Lux 2o piso. Donación Q25.

Pascale Archambault 09:30 – 19:00 horas. Lugar: Galería El Túnel, 16 calle y 1a avenida zona 10 CC Plaza Obelisco. Exposición-venta de escultura de la muestra “Preludio en cuatro tiempos”. Hasta el día 13.

Mimo y Pantomima 20:00 – 21:00 horas. Lugar: Teatro de la Universidad Popular. UP 10a calle 10-32 zona 1. Todos los viernes del mes hasta el 27 de septiembre. Dirige Fernando Mencos. Admisión Q40.

Pendientes de un Hilo 2013 10:00 – 17:00 horas. Lugar: Casa MiMA 8a avenida y 14 calle esquina zona 1. Exposición venta de cerámica pintada a mano por Rigoberto Castañeda Asturias. Admisión Q20. Hasta el 28 de septiembre de lunes a sábado.

Teatro. 3 Intentos de Suicidio 20:00 – 21:00 horas. Lugar: Alianza Francesa de Guatemala. Admisión Q65 /Últimas funciones.

Entendiendo el Retrato Contemporáneo 18:30 – 19:30 horas. Lugar: La Fototeca, Vía 6, 3-56 zona 4 Edificio OEG. Impartido por Juan Brenner.

Teatro. Las Preciosas Ridículas 20:00 – 21:00 horas. Lugar: Teatro de Cámara Hugo Carrillo. Admisión Q50. SÁBADO 31 DE AGOSTO Taller de Teatro del Oprimido 4:00 – 18:00 horas. Lugar: Centro Cultural de España 6a avenida 11-02 zona 1 2o piso del Edificio Lux. Los sábados de agosto, septiembre y octubre. Donación mensual Q200. Cupo limitado. Audiovisuales 19:00 – 20:00 horas. Lugar: La Casa del Río, Calle del Hemano Pedro, Prolongación No. 6 Antigua Guatemala. Entrada: Q15. Teatro: Algún Día 19:00 – 20:00 horas. Lugar: Centro Cultural de España, Edificio Lux 2o piso. Donación Q25. DOMINGO 1 DE SEPTIEMBRE Teatro para niños. El Árbol 11:00 – 12:00 horas. Lugar: Teatro Dick Smith del IGA. Admisión Q50. Todos los domingos de septiembre y octubre. Parqueo Q20. LUNES 2 DE SEPTIEMBRE Imágenes híbridas y retratos mezclados 09:00 – 17:30 horas. Lugar: Sol del Río Arte Contemporánea 14 avenida 15-56 zona 10. Exposición venta de fotografía por Luis González Palma. Cerrado de 1 a 2 pm.

MARTES 3 DE SEPTIEMBRE Cine de Convergencia por los Derechos Humanos 15:00 – 18:00 horas. Lugar: Teatro de la Universidad Popular UP 10a calle 10-32 zona 1. Proyección de “En Un Mundo Mejor” (2010) de Susanne Bier. Donación Q10. Laboratorio de Creación Escénica 16:00 – 20:00 horas. Lugar: Centro Cultural de España, 6a avenida 11-02 zona 1 Edificio Lux 2o., piso. Entrada: Q200 mensuales. Cupo limitado. 3er festival de Cine por la Diversidad Sexual 18:00 – 21:00 horas. Lugar: Centro Cultural de España, 6a avenida 11-02 zona 1 2o. piso Edificio Lux. Entrada libre. Cinema. El Decamerón (1971) 18:00 – 19:00 horas. Lugar: Sala Dante Alighieri 3a avenida 9-08 zona 10. Pier Paolo Pasolini. MIÉRCOLES 4 DE SEPTIEMBRE Taller de Cultivo Hidropónico de vegetales 10:00 – 12:00 horas. Lugar: Caminos Sin Marcas, 9a avenida 0-71 zona 4, contiguo a la Librería del IGA. Entrada: Q30, más materiales por día. Más información en 5739-6806. Cine. Sin Nombre (2009) 18:00 – 19:00 horas. Lugar: Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua. Dirigia por Cary Fukunaga.

Back to the Past 2009-2013 20:00 – 21:00 horas. Lugar: El Gran Hotel, 9a calle y 8a avenida zona 1. Conmemoración de aniversario. JUEVES 5 DE SEPTIEMBRE BAMXNOX Subasta de Arte 09:00 – 17:00 horas. Lugar: Museo Ixchel del Traje Indígena 6a calle final zona 10 UFM. Puede visitarse todo el mes de lunes a viernes y sábado de 9:00 a 13:00 horas. Entrada libre. Gómez Carrillo, su Historia 18:30 – 19:30 horas. Lugar: Museo Popol Vuh, 6a calle final zona 10 UFM.

Cupo limitado, continúa el día 12. Romanza Latinoamericana 20:00 – 21:00 horas. Lugar: Museo Ixchel del Traje Indígena 6a calle final zona 10 UFM. Admisión Q250 / parqueo Q30. VIERNES 6 DE SEPTIEMBRE Poesía Clandestina II 19:30 – 20:30 horas. Lugar: Trasbastidores 4a calle 5-10 zona 1. Un Cocktail de Bandas 20:00 – 21:00 horas. Lugar: El Gran Hotel 9a calle y 8a avenida zona 1. Bandas de distintos géneros para conmemorar el aniversario.


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