LATEATRAL #33 by Noletia, Comunicación & Gestión Cultural

Ω ENTREVISTA RICARDO INIESTA El director de Atalaya nos habla de “Celestina, la Tragicomedia” y de un año frenético

Ω MANUELA NOGALES. DANZA Su nuevo trabajo, “Breve ensayo de amor”, a punto de ver la luz

Ω ENCUENTRO DE IMPROVISACIÓN El Teatro Duque - La Imperdible, sede del I encuentro de una disciplina en auge

Nº 33 | ABRIL / JUNIO 2012

CEREMONIA DE ENTREGA LUNES 30 DE ABRIL. RETRANSMITIDO POR LA 2 DE TVE DISFRUTA MAX

WWW.PREMIOSMAX.COM

Ω EN PORTADA:PREMIOS MAX El Teatro Circo Price de Madrid recibe la gala de los principales premios de la escena Ω COMENTARIOS Repasamos lo último de Choni, Histrión, Panicomedia, Israel Galván o La Serda

Ω MONOGRÁFICO NUEVAS FORMAS Consecuencias y alternativas a la situación económica

DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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04 EDITORIAL

DESMEMORIADOS Texto | Gonzalo Andino

EDITA: Noletia, S.L. Parque Empresarial Los Llanos C/ Castilla y León, nº 251, Planta 1ª CP: 41909 Salteras (Sevilla) Tel: 954711166 (comunicacion@noletia.com) DIRECCIÓN: Gonzalo Andino Lucas (director@lateatral.com) PUBLICIDAD, SUSCRIPCIONES Y DISTRIBUCIÓN: Luis Martín (luis.martin@noletia.com) REDACCIÓN: Gloria Díaz Escalera (gloria.diaz@elclubexpress.com) Juan Vinuesa (juan.vinuesa@elclubexpress.com) Ramón Vargas-Machuca (ramon.vargas@elclubexpress.com) Lidia Gamero (lidia.gamero@noletia.com) DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Pablo Álvarez (correo@penkorama.com) NEWSLETTERS INFO CULTURAL Berto Cáceres Caracuel (berto.caceres@noletia.com) ADMINISTRACIÓN: Mª Esperanza Torres (esperanza.torres@noletia.com) COLABORADORES PARA ESTE NÚMERO: Javier Berger, Eduardo Chivite FOTO PORTADA: Ceremonia de entrega de los Premios Max TIRADA:15.000 ejemplares IMPRIME:Tecnographic LOGÍSTICA:Susme DEP LEGAL: SE-46363 / ISSN: 1887-8709 Descárgala en pdf,infórmate y suscríbete en: www.lateatral.com www.issuu.com/lateatralnoletia * www.facebook.com/lateatral.noletia. ** También estamos en Twitter: @noletia *** Puedes buscar en Facebook otros proyectos de Noletia: Festival Circada o Teatro Anura *** Si quieres que te enviemos información cultural y participar en sorteos, envía un email con el asunto “suscribirse” a sic-no@noletia.com LATEATRAL ES UN PROYECTO DE ELCLUBEXPRESS

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Quizás soy el menos indicado para hablar de memoria. Al fin y al cabo, tengo 32 años. Recuerdo lo que recuerdo, y los ejercicios al respecto suelen consistir más en intentar vislumbrar en algún escondrijo de mi cerebro la primera vez que pudo aparecer con cierta nitidez un tal Naranjito que en cualquier otra cosa. Pero me acuerdo de hace dos, tal vez tres, o incluso cuatro años. Hace esa asombrosa cantidad de años, meses, días y minutos, podíamos pensar en el paso siguiente. El futuro era algo coherente, una relación de causas y efectos que, en cierta medida, creíamos comprender. Y discutíamos sobre cómo queríamos el futuro, en este caso de las artes escénicas, pensando que algo estaba en nuestra mano, y que las manos ajenas, donde probablemente residían los mangos de toda suerte de sartenes y cacerolas, eran permeables a nuestras opiniones. Obviamente ya no hay discusión, salvo la de aquellos que se aferran con uñas ya desgastadas a su en-algún-momentoadquirida condición de gurús, ésa que tan nervioso me pone, ésa de tantos y tantos que tanto dicen y tan poco hacen. Esos, los gurús, aún intentan validar su palabra con los próximos acontecimientos, pero, como le decía a mi padre hace poco, el que quiera predecir el futuro hoy en día o bien se autoengaña o bien está engañando. Salvo si estamos hablando de la aniquilación total de lo existente, sin mucha concisión acerca del nuevo modelo; en ese caso aquí tiene usted mi voto. ¿Y qué es una realidad -la del teatro- sin futuro? ¿Se han bajado los brazos? Sí. −Mire usted, todavía hay quien cree en el futuro, y que éste está en nuestra mano. −Claro, y antes había quien creía justo lo contrario. Yo, por ejemplo. Volviendo a esos dos, tres, cuatro años atrás podemos recordar, tal vez, que hablábamos de diversidad, de valores, de calidad, de estrategia, de responsabilidad pública, de derechos del ciudadano... y también de viabilidad. Queríamos construir un sector (industria lo llamaron algunos, y se quedaron tan panchos) que trabajase de forma multidireccional. Que acogiese las inquietudes artísticas más íntimas y experimentales, que reflejase las realidades idiosincrásicas de cada territorio, que tuviera presente el factor pedagógico, que nunca abandonase el compromiso. Y que fuera sostenible. A medio, a largo plazo, y conviviendo con minorías necesarias, segmentos de trabajo imprescindiblemente deficitarios por definición. Bueno, y eso lo

vemos ahora, porque entonces ni siquiera esa palabra, “deficitario” tenía demasiado sentido cuando hablábamos de cultura, de arte, de teatro, de danza. Hace dos, tres, cuatro años cualquier paso atrás era denunciado y respaldado socialmente. Cualquier mínimo recorte era resorte para una movilización coordinada o una reacción espontánea. El ciudadano no estaba dispuesto a que los cimientos de su existencia, aquellos que le hacen sentir que los últimos 25 ó 30 siglos han servido para algo, se erosionasen lo más mínimo. Pero todo eso acabó. Ahora los proyectos culturales son “empresas” y han de ser “viables”. Y punto. Nadie puede creerse con el derecho a existir, por bien que lo argumente, sin en beneplácito de los monederos populares arrojando euros por ver el éxito del momento. Quien no consigue desplumar a su masiva audiencia o firmar con la CocaCola es un inútil que merece la horca. Podemos seguir llamando la atención sobre el absurdo de trazar paralelismos, pero continuaremos escuchando comparaciones imposibles entre quirófanos y coreografías. Y el dueño del bar de la esquina, ahora más que nunca, no comprenderá por qué sus cañas no están subvencionadas y sus pinchos de tortilla no entran en planes bienales. Es más, se manifestará por ello, intentando al menos que las arcas públicas no queden arrasadas por esa horda de chupópteros perroflautas izquierdosos que tanto tiempo llevan en situación de privilegio gracias a sus amiguitos los concejales. Porque ellos (o nosotros), los teatreros, han ido encendiendo puros con billetes públicos de “quinién”, se han llevado calentito todos los dineros de sus impuestos, y ya está bien, hombre, ya está bien. Ahora, no lo dudemos, un recorte en cultura es una buena noticia para un buen número de emponzoñados ciudadanos, a los cuales comprendo, desde su más profunda e iracunda frustración, en ése ímpetu porque todo lo demás, no solo lo suyo, también conozca el más horripilante armagedon. Han podido con nosotros. Nos han vencido. Y mientras observamos como fieles espectadores todo lo que sucede, algunos seguiremos intentando hacer cosas que merezcan la pena, que sean útiles y con las que sea feliz. Tal vez porque no sabemos hacer otra cosa, tal vez porque éste sea el principal lema de cualquier buen teatrero... “teatrero”, una de mis etiquetas renegadas favoritas.

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INDICE

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Programación de abril a junio, 2012 ConCiertos 9 de abril, 2012

orquesta Joven de andaluCía

Director musical, José Ramón Encinar Tomás Marco, Concierto para violonchelo Giancarlo Menotti, El teléfono Gustav Mahler, Sinfonía nº 1 Ópera para familias 15 de abril, 2012. 19.00 horas

la CeniCienta

de Gioachino Rossini Adaptación al público infantil de la producción de Comediants de La Cenerentola Adaptación musical, Albert Romaní Dirección de escena, Joan Font (Comediants) Producción, Gran Teatre del Liceu de Barcelona Ópera en ConCierto 20 de abril, 2012

el triunfo del tiempo y del desengaño

(il trionfo del tempo e del disinganno) de G. F. Haendel Director musical, Enrico Onofri Orquesta Barroca de Sevilla Principales intérpretes: Raquel Andueza, Gemma Bertagnolli, Luciana Mancini, Fernando Guimarães

Ópera 5, 6*, 8, 9*, 11, 12*, 14 y 15* de junio, 2012 madama Butterfly de Giacomo Puccini Doble reparto Dirección musical, Pedro Halffter Dirección de escena, Mario Gas Principales intérpretes: Svetla Vassileva, Amarilli Nizza*, Héctor Sandoval, Javier Palacios*, Marina Rodríguez-Cusí, Ángel Ódena, Luis Cansino*, Mikeldi Atxalandabaso, Fernando Latorre Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza. Producción, Teatro Real de Madrid Ópera en ConCierto 28 de junio, 2012

CristÓBal ColÓn (Cristóforo Colombo) de Ramón Carnicer Dirección musical, Santiago Serrate Principales intérpretes: Yolanda Auyanet, Cristina Faus, David Alegret, Joan Martín-Royo, César San Martín, Manuel de Diego Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza

teatro de la maestranza. paseo Cristóbal Colón, 22. 41001. sevilla

teléfono de información: 954 22 33 44. www.teatrodelamaestranza.es

añonueve nº30

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06 ENTREVISTA: RICARDO INIESTA

RICARDO INIESTA Nos habla del excitante momento de Atalaya y de TNT Texto | Lidia Gamero

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A TNT

ENTREVISTA: RICARDO INIESTA

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El motor de Atalaya y TNT siempre está en marcha, echando humo, sin que nadie lo pare, ni siquiera la crisis. Ocho espectáculos girarán con sus dos sellos este 2012, cuatro de ellos de los que aún siguen dando frutos, como Ricardo III y A solas con Marilyn de Atalaya o La casa de Bernarda Alba y El sueño de una noche de verano de TNT. Los otros cuatros montajes, estrenos absolutos. Dos proyectos europeos de trabajo social e inspirados en el desempleo y los indignados y, por fin, las grandes apuestas de la cía Atalaya: un espectáculo de flamenco para la Bienal dirigido por Juana Casado y Celestina, la Tragicomedia, el diamante ya pulido de Atalaya y la segunda pieza de la trilogía del Siglo de Oro. Todos los espectáculos suman una cifra récord en la historia de Atalaya y TNT de 50 personas en gira. Y es que su director, Ricardo Iniesta, como su compañía, es un hervidero de ideas.

En medio de cifras tan apocalípticas en las artes escénicas andaluzas, con una caída del 67% del número de bolos para las compañías, vosotros tenéis ocho espectáculos en gira. ¿cuál es la clave? Por un lado, tanto yo como los que trabajan conmigo somos muy cabezotas. Segundo, la clave de rigor. Siempre le comento a los alumnos que el actor tiene que tener rigor, creatividad y ética. Es lo que aplicamos a nuestro trabajo. Creatividad, la prueba es que estamos en un espacio que rápidamente pusimos en positivo el estar al lado del poblado chabolista del Vacie. El rigor está en el

desapareciendo muchas compañías, algo que tiene que ver quizás con la falta de solidez de los propios ayuntamientos. Los ayuntamientos de Andalucía están en una situación muy límite y no pagan, y ésa es una de las mayores deudas que tenemos, ya que algunos de ellos nos deben dinero desde hace cuatro años. De nuevo recuperáis un clásico y lo actualizáis. ¿Por qué es Celestina, la Tragicomedia también de nuestro tiempo? La Celestina ya no es sólo actual, sino que es eterna. Podría haber estado escrita hace 4.000 años o podría

Atalaya Un crítico de El Mundo que la vio en Valladolid hacía alusión a cómo Carmen Gallardo no tiene nada que envidiar a Jeanne Moreau. La actuación que hace Mamen creo que va a pasar a la historia del teatro. Mamen es además tan buena persona, tan humilde... En el teatro Calderón [Valladolid], la presenté como la Messi del teatro andaluz, porque ella no habla mucho, no es nada diva. Es como Messi, ella habla en el campo. Para su estreno, habéis realizado un gran trabajo, tanto por la reducción del texto original a una quinta

“CELESTINA ES LA CUMBRE DE TODO LO QUE HEMOS HECHO HASTA AHORA” trabajo cotidiano, cuando los actores de Atalaya no están de gira, están aquí entrenando. La ética se asume como coherencia, intentamos no copiarnos a nosotros mismos. Por eso Atalaya hemos hecho en los últimos años un musical como La ópera de los tres centavos, la tragedia griega con Ariadna, Shakespeare con Ricardo III y ahora una tragicomedia como la de Fernando de Rojas, Celestina. ¿Cómo ves las artes escénicas en Andalucía? Realmente ahí sí que estoy preocupado, si hacemos un zoom la situación mundial es mala, Europa peor, España está remal pero Andalucía está en las últimas. Están

leerse o escribirse dentro de otros 4.000 porque es eterna. De las 20 obras que yo he dirigido, nunca he encontrado dibujados de esta manera los personajes, con esa cantidad de detalles, riqueza y fuerza expresiva. Hemos tirado mucho hacia el teatro de la crueldad. Yo me atrevo a decir que es la cumbre de todo lo que hemos hecho hasta ahora. Siento que en los últimos 30 años he estado preparándome para llevar a cabo esta barbaridad de obra, como adaptación y dirección. El trabajo de voces de La Celestina también es la cumbre de todo lo que hemos hecho. En el papel de Celestina, de nuevo la actriz Carmen Gallardo, clásica de

parte como por los 142 ensayos. ¿Es así como se hace teatro? Hemos batido nuestro récord con 800 horas de ensayos y seis meses de adaptación mío, de refundir 75.000 palabras y reducirlas a 10.000. Ha sido un trabajo muy apasionante para mí, porque he descubierto que la adaptación teatral me fascina y además no se me da mal, según los comentarios. No es que seamos geniales, sino que acertamos por el rigor y el trabajo constante, aunque tengamos que pasar un año o dos dirigiendo, porque el proceso de búsqueda es muy grande. Es lícito hacer cualquier tipo de teatro cuando se haga con calidad. Yo no soy turista de teatro, yo soy aventurero y no me importa perderme. añodiez nº33

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08 ENTREVISTA: RICARDO INIESTA

Gran éxito de público en su estreno en Valladolid, luego Cataluña, Comunidad Valenciana y ahora en abril en el Lope de Vega de Sevilla. ¿Cuál crees que será el recibimiento del público sevillano? Tengo mucha ilusión porque se vea aquí en Sevilla, donde creo que ya se nos quiere. Hace años nos sentíamos extraños en la propia ciudad de Sevilla, aunque ahora seguimos estando la mitad del año fuera de Andalucía. Aún así, el trabajo del TNT y las mujeres del Vacie nos ha acercado mucho al público de Sevilla. En mayo, llega el siguiente estreno pero esta vez dentro del programa europeo ‘Al este del Edén’, al frente Pepa Gamboa y un colectivo de jóvenes desempleados. ¿Qué nos puedes adelantar del proyecto? Trabajamos con personas en situación de paro. Hay actores, ingenieros, indigentes, que tienen entre 20 y 30 años y que forman parte de unos talleres que está impartiendo Pepa. Se está grabando un mediometraje con todo este trabajo de investigación que se terminará en breve. Ella empezará a dirigir Seis personajes en busca de autor con seis actores, posiblemente tengan que ver con los que estén dentro, y la idea final es que el montaje vaya en gira a seis ciudades de España. El otro montaje europeo sigue con más economía. Bajo el título

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de ‘Renacer de la crisis’ se harán cuatro espectáculos, uno de los cuales será de TNT, y por el nombre de todo el proyecto, Caravan Project, suena a teatro itinerante. En este proyecto, que empieza en Turín y acaba en el mes de julio, habrá cuatro actores italianos que van parando más o menos cada 300 km en 10 ciudades de Europa, cinco de ellas españolas. En cada ciudad están tres días desarrollando un trabajo social y finalmente se hace un espectáculo. Luego cogeremos el relevo, con una semana de actividades llevando el camión con el espectáculo a la Rinconada, al Vacie, a nuestro barrio, e iremos por España y Europa hasta Dinamarca, a la ciudad del Odin Teatret. Juana Casado va a dirigir nuestro espectáculo a partir de El hombre de la Mancha, actualizándolo con el conflicto de los indignados y partiendo partir de la danza de denuncia social. Juana Casado también dirige el nuevo montaje para la Bienal de Flamenco, la Aleluya erótica de Lorca. La trágica historia de Don Perlimplín, que por demostrarle el amor a su esposa joven, Belisa, se acaba quitando la vida. ¿de dónde surge la idea del nuevo espectáculo de flamenco? Cuando nombraron a Rosalía Gómez directora de la Bienal me preguntó si teníamos algún proyecto, y yo le planteé éste, porque

quería darle unos visos teatrales entorno al baile. Ahí tuve la idea de hacer un espectáculo especial, en el cual pudiera entrar Rosario Toledo, la bailaora, que hace de Belisa; José Valencia, una de las grandes voces del flamenco, que la gente me dice que es un cañón, hace de Perlimplín y, Dani Méndez es el guitarrista. Juana Casado es la única persona de la que se puede decir que es directora y habiendo sido bailaora. Ella fue la que me planteó dar el subtítulo como título, cosa que yo no conocía. Lo bueno es que es un espectáculo que también hará gira y de hecho ya tenemos previsto que actúe en Valladolid y Galicia. Este año no puede tener mejor pinta y el 2013 llegáis ya a las tres décadas, ¿ya sabéis cómo lo vais a celebrar? Mi utopía para el próximo año, que se cumplen 30 años de Atalaya y cinco de la muerte de mi hermano Carlos, es remontar la trilogía de la tragedia griega: Elektra, el fuego; Medea, la tierra, y Ariadna, el agua y el viento. La obra tendría un orden inverso y terminaría con esos giros finales que hacía Elektra. Mi idea es presentarla en festivales, y que entre el Grec, el Festival de Mérida y Sagunto ya podemos plantear hacerla. Es un homenaje a mi hermano en primer término y una satisfacción de hacer algo que tenemos que tener siempre

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MANUELA NOGALES

ULTIMA “BREVE ENSAYO DE AMOR”

IMÁGENES DE LA COMPAÑÍA MANUELA NOGALES

LA SOLEDAD Y EL INDIVIDUO A TRAVÉS DE LA DANZA La bailarina y coreógrafa de danza contemporánea Manuela Nogales, una de las creadoras más respetadas en Andalucía, presenta ahora un nuevo trabajo para su compañía: “Breve ensayo de amor”. Curiosamente, se trata de un espectáculo que hablará del amor, pero partiendo de la soledad, la intimidad más profunda, que no nos exime de relacionarnos a través de la danza, porque “el movimiento es un acto de amor”. Inspirándose en poemas de Roberto Juarroz, Manuela Nogales concluye que nuestra propia individualidad se hace realmente consistente cuando adquiere la capacidad de encontrarse y vincularse con la de los demás. La individualidad, en este caso,

también se plantea desde una perspectiva de género, o más bien desde la ausencia de diferenciación de género. “Siempre he tratado el cuerpo del hombre como al de la mujer”, manifiesta Nogales, pero al mismo tiempo es la danza un vehículo, una herramienta de excepción, para expresar toda la complejidad de cada hombre y de cada mujer. Tal vez sea por ese tratamiento consciente del género como algo inexistente, igual que la individualidad parece interesar más en el momento en el que se trata de soledades compartidas, que Manuela Nogales propone sobre la escena a un total de cuatro bailarines, dos mujeres -Anna Paris y ella misma- y dos hombres -Fernando

Ger y Dani Gómez-. La aparición del breakdance o bboying, de la mano de estos dos bailarines de la compañía Crazy Zoo, es una declaración de intenciones sobre una artista que siempre ha apostado por los lenguajes multidisciplinares y por renovar. Y, aunque aún no hemos podido disfrutar del resultado final, la incorporación en el equipo de la videocreadora Rocío Huertas muy probablemente marcará de forma determinante la configuración final del lenguaje y plástica escénica. El equipo lo completan Lehonidas Boskovec en el sonido o Florencio Ortiz en la iluminación, mientras que la producción y distribución son responsabilidad de laClac arts management

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LA GALA DE LOS

MAX

EN EL TEATRO CIRCO PRICE DE Madrid

FOTO: ISRAEL GALVÁN, EN ESTA PÁGINA, O ESPEJO NEGRO Y LAVÍ E BEL (PAG SIGUIENTE), ANDALUCES CON OPCIONES

LATEATRAL

El 30 de abril 40 espectáculos competirán en las 23 categorías que componen los Premios Max, considerados algo así como los “Goya” de las artes escénicas en España. Estos premios, promovidos por la Fundación Autor de la SGAE, van rotando en sus quince ediciones, en las cuales han visitado un total de 10 ciudades. Por poner un ejemplo, aún recordamos la estupenda gala dirigida por Juan Carlos Rubio el año pasado en su tierra, en el Gran Teatro de Córdoba, donde “La función por hacer” fue la gran vencedora. El 30 de abril será el Teatro Circo Price de Madrid el magnífico auditorio para una gala que conserva el acento andaluz, ya que las propuestas andaluzas siguen manteniéndose fuertes en la fase final de los premios, y con muchas opciones de prácticamente cualquier cosa, entre otros motivos porque casi todos los artistas andaluces nominados ya saben lo que es volver con una manzana con antifaz a casa. Así, Eva Yerbabuena (Granada), está nominada en las categorías

espectáculo de danza con “Cuando yo era…”, en coreografía y como Intérprete femenina de danza por “Federico según Lorca”; Olga Pericet (Córdoba) le disputará a Yerbabuena el Max de interpretación femenina de danza, por “Rosa metal y ceniza”; Israel Galván (Sevilla), con doble candidatura en coreografía e intérprete masculino de danza por “La curva”; Laví e Bel (Granada), finalista por “La barraca del zurdo” en las categorías de espectáculo de teatro musical y dirección musical; y El Espejo Negro - Ángel Calvente (Málaga), con su nominación en espectáculo infantil por “El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide”. El extenso y participativo proceso de selección hasta llegar a la fase final en Madrid es un buen indicativo no solo de la calidad artística andaluza en la actualidad, sino del posicionamiento de estos creadores en el panorama escénico. ASPIRANTES A CASI TODO Este año parece que la etiqueta de “gran vencedor” se la disputarán entre “Veraneantes”, de Kamikaze

ACTUALIDAD

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Las compañías andaluzas consolidan su posición en el escaparate escénico

Producciones y Teatro de la Abadía y “La Avería”, producido por Avance y Entrecajas y dirigido por Blanca Portillo, quienes compiten en casi todas las categorías teatrales, con el permiso de “Todos eran mis hijos”, de Producciones Teatrales Contemporáneas, que les disputará tres de los “premios gordos”: mejor espectáculo, adaptación y actor (Carlos Hipólito). Las nominaciones en las categorías de danza están muy repartidas, y de hecho solo Yerbabuena y Galván,

junto al espectáculo “Belmonte”, de Gelabert Azzopardi, aspiran a ganar varias de ellas. PREMIOS ESPECIALES Salco el Premio Revelación, que se conocerá en la propia gala, ya sabemos que la actriz Julia Gutiérrez Caba ha sido galardonada con el Premio Max de Honor, tras una vida dedicada a los escenarios. El Premio Max Nuevas Tendencias recala en Temporada Alta - Festival de Otoño de Catalunya Girona/Salt, un festival

que es un auténtico referente en la escena contemporánea europea. El Premio Max Iberoamericano será en esta edición en el Festival de Teatro Las Translatinas, situado en el País Vasco francés y organizado por la compañía Théâtre des Chimères. Al cierre de esta edición supimos que el Premio de la Crítica recae este año en Nuevo Teatro Fronterizo, un proyecto impulsado por José SanchísSinisterra

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12 ACTUALIDAD

Del texto a la danza con Expertos en..., 11 y 12 de mayo en Sala Fli (Sevilla) Como no hay dos sin tres, la compañía PorinerciaTeatro se encamina hacia el estreno de su tercera producción Expertos en…. Tras probar una faceta más textual en sus anteriores trabajos, la compañía vuelve a apostar por la fusión entre teatro y danza, algo que ya nació con la participación de la compañía en el segundo Certamen Nacional Coreográfico y de Interpretación de Danza en 2009 donde ¿Talla treinta y qué?, coreografiada por Baldo Ruiz, director de la compañía, quedó como finalista. En Expertos en… , también de

creación propia, Baldo Ruiz, que actualmente se encuentra en plena formación profesional en el Centro Andaluz de Danza, cuenta con la participación en escena de la bailarina e intérprete Greta Jonsson, con quien se adentra en un mundo de fantasía apto para niños y adultos. Un baúl rojo es la clave en torno a la cual gira una obra que juega con la imaginación y la pérdida repentina de ésta. Los muñecos son guardados en el baúl y dan paso a las nuevas tecnologías. Y la pregunta es ¿estamos avanzando o retrocediendo? Cada día que pasa

la imaginación es más efímera en las personas, incluso en los niños; la mayoría de ellos quieren crecer muy rápidamente, dejando a un lado la creatividad y el juego. Por este contenido crítico hacia la educación y los valores, la obra puede recordar a clásicos infantiles como El Principito o Momo, pero teniendo la clave en la combinación de grandes dosis de danza contemporánea, varios estilos musicales y sorprendentes elementos audiovisuales que estarán al alcance de todos los públicos que acudan los días 11 y 12 de mayo a la Sala Fli de Sevilla

Por inercia Teatro NOS PONE EN MOVIMIENTO HACIA LA IMAGINACIÓN FOTO: GRETA JONSSON Y BALDO RUIZ

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Texto | Ramón Vargas-Machuca

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LIBRO DISCO DE LA GOTERA DE LAZOTEA

Más información:

www.lagoteradelazotea.es

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LA COMPAÑÍA JEREZANA RECOGE LAS CANCIONES DE SUS ESPECTÁCULOS EN “CANCIONES PARA CANTAR CONTITERES” La Gotera de Lazotea es una de las más clásicas y prestigiosas compañías de títeres de Andalucía, con tres décadas de exitosos espectáculos a sus espaldas. Precisamente, son tres de los últimos, concretamente La Boda de la Pulga y el Piojo, Viento Pequeño y La Mata de Albahaca, los que han servido de base para su penúltima aventura: la grabación y edición del libro disco Canciones para cantar conti Teres, una joyita que de momento se puede adquirir contactando directamente con la compañía o en la librería Luna Nueva de Jerez, aunque ya están trabajando para ampliar su distribución. Todas las canciones se han extraído de los espectáculos, y por ello la mayor parte de ellas son de autoría propia, aunque no faltan referencias al cancionero tradicional y al folclore. Son estos tres espectáculos los que también estructuran en bloques el disco, siendo la parte de La Mata de Albahaca la más cercana a la narración, la de La Boda de la pulga y el piojo la más lúdica y la de Viento Pequeño la más musical y probablemente la más incisiva y bienintencionada, con geniales referencias al mundo de los mayores. Y es que el libro disco es un magnífico reflejo de la filosofía de la compañía: cuidado en todos los detalles, chispa, humor, sensibilidad sin sensiblería y mensajes con lecturas diversas y para todas las edades. Además, el libro cuenta con unas cuidadas y coloridas ilustraciones de Raúl “Guridi”, quien ha interiorizado perfectamente la iconografía de la compañía para, inspirándose en las escenografías y títeres reales, plasmar un universo gráfico muy llamativo

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El Teatro Central celebra un aniversario especial Texto | Gloria Díaz Escalera

El Central lleva 20 años luchando. Luchando para sobrevivir, para innovar, para crecer y para consolidarse. Un camino largo y arduo que tiene como mayor satisfacción el reconocimiento y el agradecimiento de un público fiel, que espera ansioso cada mes de septiembre conocer qué grandes nombres de la escena contemporánea visitarán esa temporada la ciudad y que confía (confiamos) en seguir celebrando muchos años, muchas décadas, de excelencia escénica. Con unas características y una versatilidad técnica que lo convirtieron en puntero -y que no muchos teatros han logrado alcanzar en estos 20 años- el escenario del Central LATEATRAL

es casi mágico. Verlo desnudo, sin ciclorama, ni patas, ni focos en las varas, con la chácena al descubierto y sus gradas totalmente plegadas es en sí un hermoso espectáculo, una promesa de todo lo que puede albergar, de todo lo que da de sí. Emio Greco, Anne Teresa de Keersmaeker, Àlex Rigola, Jan Fabre, Peeeping Tom, La Zaranda, Histrión Teatro, José Mª Pou, Wim Vandekeybus, Mario Gas, Zimmerman & De Perrot, Ute Lemper, Eduard Lock, José Luis Gómez, Patrice Chéreau, Bèla Pinter, María Muñoz, Juan Dolores Caballero, Koen Agustijnen, Akram Khan, Israel Galván… pequeñas muestras de una extensa lista –inabarcable casi si hacemos memo-

ria sobre las figuras del flamenco, de la música contemporánea o del rock que también han tenido un sitio predominante-. Una lista que nos ha regalado espectáculos inolvidables y que ha abierto las puertas de esta ciudad a la innovación y a la modernidad (me abstengo de utilizar la palabra vanguardia porque a Manuel Llanes, padre y alma de este teatro, siempre le ha horrorizado). Quieren saber la espinita que tiene clavada este teatro: nunca pudo traer a la gran dama de la danza contemporánea. Pina siempre se le resistió… Muchas felicidades querido Teatro Central… y que cumplas muchos más

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el mayor evento hasta la fecha de un género que llegó a Sevilla para quedarse Del 11 al 15 de abril se celebrará el I Encuentro de Improvisadores Ciudad de Sevilla, que tendrá al Teatro Duque-La Imperdible como eje principal y centro de operaciones, aunque precisamente el arranque, el día 11, la acción comienza en la librería Un Gato en Bicicleta. Será allí donde, a las 20.30, dé lugar un encuentro más teórico entre las compañías, escuelas y aficionados que cada año aumentan la nómina de “enganchados” a la impro. Una forma de ir calentando el ambiente para la primera de las funciones, el día 12, ya en La Imperdible. Ese jueves, a las 21 horas, será el Impronoveles, un match entre los grupos impro-

Isadoras y los Improductivos. Y si esa palabra, “match” te resulta ajena, no dudes en pasarte, en proponer temas, en asombrarte con cómo de la nada sale una escena tras otra y en votar en cada una de ellas al grupo que más te haya convencido. Al día siguiente serán los ninjas de Impro K.O., Fran Machado, Andrés Blanco y José Manuel Poga, los valientes guerreros en saltar a la arena para recrear todo tipo de historias a partir de las sugerencias del público. Por su parte, el sábado 14 serán los Indigestos los que presenten Secuestrados, en doble función (20 y 22 horas), gracias a dos secuestradores de armas tomar:

La Juani, Encarni Corrales y El Rafita, J.J. Sánchez. Por último, el domingo 15 se cerrará el ciclo con la Gala-Banquete de Impro, presentada por Mª Paz Sayago y Almudena Zurita y con la participación especial del introductor de la improvisación en Sevilla, Alfredo Mantovani. Contará con Indian food, Teatro indigesto, impro KO, y nuevas estrellas del mundo impro, así como con música improvisada en directo a cargo de los Mormones de Utah. Además, esa misma semana de jueves a domingo habrá un curso intensivo de improvisación a cargo de Encarni Corrales, J.J. Sánchez y Joserra Muñoz Leza

FOTO: IMPRODUCTIVOS

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16 ACTUALIDAD

LEIOA BASTIÓN DE LAS ARTES DE CALLE FOTO: INDUSTRIAL TEATRERA

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UN AÑO MÁS, UN GRAN ESCAPARATE, Y LA CASA DE LAS COMPAÑÍAS VASCAS La Feria Umore Azoka de Leioa cumplirá del 17 al 20 de mayo su XIII edición manteniéndose como un férreo bastión para las artes de calle. Leioa, muy cerquita de Bilbao, ha sabido hacerse muy fuerte por esta apuesta por las artes de calle, pero también gracias a su condición de centro de operaciones de los artistas y compañías vascas, quienes se sienten como en casa y saben que pueden contar con esta feria como una herramienta útil y accesible para sus necesidades. Una prueba es la presencia de las catorce compañías vascas que actuarán en esta edición, todas ellas estrenando sus nuevos montajes. Está claro que Leioa es un punto clave en el calendario de compañías como Trapu Zaharra, Gaitzerdi, Simulacro, Organik, Xabi Larrea, Matrioska o Ane Miren, quienes saben que pueden encontrar en esta feria ese espacio estratégico en el que comenzar andadura. Además de estos catorce estrenos vascos (sumen a las compañías anteriores Atx Teatroa, Krego-Martin Danza, Malas Compañías, Pez Limbo, Próspero Teatro, Iñaki Mata y Teatro Salitre), este año se presentan en Leioa otros seis estrenos absolutos, entre los que destaca “Spanish Omelette” de Sol Picó, además de lo nuevo de los sevillanos La Calabaza AARRIBA: DOBLE MANDOBLE ABAJO: INDUSTRIAL TEATRERA Danza, dos propuestas de ArteBusca o los estrenos de las compañías internacionales A Part Etre (Francia) y Marco Carolai (Italia). Cuatrocientas son las propuestas totales sobre las que ha tenido que trabajar el equipo de la feria para llegar a una selección final de 45 compañías, que presentan 47 espectáculos. Y, aparte de los estrenos absolutos, también Leioa será la oportunidad que tengan compañías como Zanguango para mostrar por primera vez en

calle sus espectáculos, en este caso “Aquí va a pasar algo”. En igual circunstancia se encuentra el espectáculo “Lava”, del Teatro Lliure a partir de una creación de los belgas Estudio Orka. También podemos considerar Leioa un puente fundamental para muchas compañías internacionales, ya que casi todas ellas (trece) cruzan los Pirineos por primera vez con sus nuevos trabajos. Leioa 2012 vuelve a traer muchas propuestas interesantes, como “De Paso” de la Industrial Teatrera, compañía que trabaja en lenguajes mixtos entre el teatro, clown y circo y que ya ganó en 2009 el premio al mejor espectáculo de calle con “Rojo”. En “mixturas” semejantes también podemos encontrar a los belgas Doble Mandoble o los granadinos Vaivén, mientras que sin salir del apartado circense podemos recomendar espectáculos como “Gris” de La Córcoles” o “Shake Shake Shake” de Pakí Payá. En Leioa cabe de todo: Danza, teatro, circo, magia, performance, danza vertical, clown, instalaciones artísticas. Todos estos atractivos son los que sitúan a la Umore Azoka como un claro referente de los profesionales de las artes de calle (unos 150 se concentran cada año) y los que sirven como reclamo para miles de espectadores. Estos son también los argumentos que hacen que Leioa, en un duro año como 2012, sea una de las ferias que mejor mantienen el tipo y que sigue apostando por abrir mercados, incluso en un sector como el de las artes de calle que vive una situación crítica y que seguro que agradece el esfuerzo. Sin duda, este año será una edición trascendental en la que muchos ojos y oídos estarán puestos en Leioa, una feria que siempre ha garantizado el espacio para ver, escuchar, hablar y evolucionar

añodiez nº33

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añonueve nº31

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MONOGRÁFICO Nuevas formas o cómo atravesar el huracán

PROHIBIDO HABLAR DE COMO ESTÁ LA COSA

Texto | Gonzalo Andino

a hace unos meses comenzamos a dar vueltas a la cabeza sobre cómo enfocar un nuevo monográfico de LaTeatral vinculado con los actuales tiempos económicos que todo lo copan y que arrasan casi cualquier otro discurso, por muy ideológico que sea. La realidad del día a día parece haber acabado con los principios, los modelos e incluso la propia coherencia, la que marca que los acontecimientos van siguiendo una línea aparentemente evolutiva en la que trazar relaciones de causaefecto. Ha sido tan rápido, que no sabemos ni siquiera donde estamos, ni mucho menos a dónde vamos, ni se han podido evaluar los daños. Pero nosotros queríamos ir a pie de calle. Queríamos enfocar el asunto desde el qué se está haciendo y el cómo. El aquí y el ahora, con un ojo puesto en el mañana más inmediato, por si algunas de estas cosas que se están haciendo terminan por romper la tendencia y de nuevo vuelve la coherencia de la evolución de acontecimientos, de la causa y el efecto, y podemos mantener la fe en el trabajo y en las ideas.

Por supuesto, no solo se trata aquí de ver qué se está haciendo y qué debemos hacer, sino también qué ha sido de nosotros, es decir, cómo ha afectado la situación actual en el sector, qué ha provocado, qué ha generado, al margen de la aniquilación de muchos proyectos y estructuras conocidas. Qué se respira, qué ambiente se vive, de qué se discute y qué panorama nos arroja por el momento. De hecho, la aparición de nuevos perfiles profesionales, de nuevos “buscavidas de alta cualificación y excelente trayectoria”, encarnados por ejemplo por Blanca García, Sofía Peula y Olga Beca fue, en parte, el detonante de este monográfico. Solo que nos fuimos “liando” y quisimos dar una visión mucho más completa, que incluyera, por supuesto, opiniones discordantes y posicionamiento antagónicos. Asociaciones de compañías autoproclamadas independientes, actores-periodistas, funcionarios directores de espacios emblemáticos, artistas que no conocen otra manera de trabajar que con la crisis y artistas que saben

lo que es (lo que era) una buena subvención y un circuito público a caché, gestores de espacios muy críticos con sus compañeros de profesión, empresas que ofrecen servicios acordes con tiempos de reducción de gastos, equipos de gestión cultural que siguen sacando ideas, pensadores de la cultura con una mano en el ordenador y otra en el fango, nuevos directores de festivales que aterrizan justo para vivir las vacas flacas, compañías que inventan formatos paralelos para la explotación de una producción... Lean, disfruten, asómbrense, o reafirmen su planteamiento. Y quizás lleguen a alguna conclusión. Yo les anticipo alguna que otra: estamos en el tiempo de la colaboración, la cooperación, el contagio, la mezcla, la solidaridad, la generosidad militante... y de pensar distinto, de no dar nada por hecho ni nada por imposible, aunque eso pueda sonar incluso a optimista y de repente no vayamos a la moda. Porque un huracán, bien mirado, es una ráfaga de viento que nos lleva muy rápido a otra parte. añodiez nº33

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20 ESPECIAL NUEVAS FORMAS

Olga Beca, Blanca García y Sofía García Peula La búsqueda del trabajo, la adaptación al medio. Análisis del “freelancismo”

PROFESIONES

AUTOENCONTRADAS Los freelances en comunicación o producción, nuevas realidades que responden a decisiones personales o a obligaciones del entorno.

Extremadamente inquietas, extremadamente cualificadas, extremadamente amables y profesionales. Nos preguntamos si Sofía García Peula, Olga Beca y Blanca García Carrera forman parte de un nuevo perfil profesional dentro del sector cultural y, concretamente, en las artes escénicas, y sospechamos que sí, en gran medida. Un perfil que llega al autoempleo o al estilo de vida freelance, a veces contratados por terceros pero siempre con espíritu nómada, por una mezcla de idiosincrasia y de circunstancias de los tiempos. Autosuficientes, polivalentes, apañadas. Con un ordenador en frente pueden recrear la efervescencia y efectividad de toda una oficina. Dominan aparatos, tecnologías y nuevos lenguajes (como el del 2.0) y se manejan en idiomas -“o estamos en ello”, que diría Blanca García desde Francia-. Han probado mil y una sillas, comparten su tiempo entre proyectos que asumen como propios, se involucran, se adaptan, son equipo de aquí y de allá. Y, sobre todo, han aprendido a crearse sus propias redes, a conectar y a conectarse; a vivir sin cerrar ninguna ventana. Con más o con menos éxito, cada vez existen más profesionales independientes entre nosotros. Algunos consiguen asentarse entre un buen puñado de buenos proyectos. Otros lo intentan porque llegaron rebotados de algún otro sitio, normalmente tras salir de empresas o compañías artísticas que adelgazan sus estructuras, o porque después de formarse concienzudamente han descubierto que el mercado cultural no les asimila. Con esa mezcla de competitividad, profesionalidad y trato personal, casi artesanal, pero a menudo con más ganas que experiencia -y no son estos el caso-, los freelance nos inundan. No lo olvidemos, estar solo o sola es agotador, aunque nos siga moviendo un infatigable espíritu de supervivencia.

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Olga Beca

“EL AUTOEMPLEO ES UNA DECISIÓN PERSONAL” Empezó a trabajar en comunicación cultural con Pony Bravo en 2006, en los inicios del grupo, compaginando su trabajo en una productora con el apoyo a amigos que trabajaban en cultura, como la librería La Araña, Montana Shop & Gallery Sevilla (Ahora Delimbo Arstpace) o Mopa. Actualmente es un referente de la comunicación cultural en Sevilla, desde su propia marca Telegrama Comunicación (www. telegramacomunicacion). Cómoda en entornos tecnológicos y fiel a las Creative Commons. ¿Cómo ves la situación actualmente? La situación es diferente. En el ámbito de la prensa la crisis ha hecho que la mayor parte de la plantilla de cultura de los grandes medios se haya reducido y con ellos gran parte de las páginas, esto ha afectado ya que al trabajar con proyectos pequeños tienes que competir por espacio con grandes festivales. Por el contrario, cada vez existen más medios online y de acceso gratuito. Sueles actualizarte permanentemente y trabajar con todo tipo de herramientas novedosas ¿Ese “estar a la última” ayuda a la hora de adaptarse a las nuevas situaciones? En todas las profesiones es necesario actualizarse, depende del sector en el que te muevas. En el ámbito cultural para mi lo más interesante son las licencias Creative Commons y todo lo relacionado con este nuevo mundo y este otro modelo de negocio, mas justo y más rentable en muchos casos. ¿Las relaciones cliente-proveedor también han evolucionado? ¿Cómo se gestiona la comunicación del equipo de comunicación? Las relaciones han evolucionado gracias a la tecnología y a Internet. Ahora es sencillo generar discursos en el mismo momento reenviando artículos de prensa, entradas de blogs o vídeos de Youtube. Con la comunicación pasa ahora como hace pocos años con el diseño, se está empezando a conocer como servicio útil y a darle

la importancia que merece en cada proyecto cultural. ¿La falta de trabajo nos lleva al autoempleo? Aunque en mi caso se trató de una decisión personal, sí que es verdad que a mi alrededor cada vez hay más freelances y es un síntoma de los tiempos que corren. También vienen imposiciones desde las empresas que prefieren trabajar con autónomos a tener que contratarte. El autoempleo puede ser una opción en estos tiempos, pero no debería ser la única. Además, la mayoría de la gente que conozco estaba en esa situación antes de comenzar la crisis, es decir, apostando por el autoempleo y sus proyectos, no como solución al problema económico, sino como una opción personal. ¿Qué es lo mejor y lo peor de ser freelance? Lo mejor de ser freelance es marcar tus propias prioridades. Antes sí que había muchas diferencias respecto a un trabajo clásico con un sueldo fijo mensual, el freelance tenía siempre ingresos inestables de dinero y temporadas sin trabajo, pero el mercado laboral está igual ya para todo el mundo, lo que reduce la decisión a algo puramente personal, se trata de trabajar en lo que te gusta o al menos intentarlo, que es lo importante. Hay que poner mucha pasión en lo que haces, es más una cuestión de encontrar tu vocación en este mundo que otra cosa, y de ser feliz con tu trabajo.

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22 ESPECIAL NUEVAS FORMAS

Blanca García Carrera

“LA INCERTIDUMBRE Y EL DESCONTENTO TAMBIÉN PROVOCAN LA ASOCIACIÓN DE PROFESIONALES QUE INSISTEN EN IR HACIA DELANTE” Blanca García Carrera es un buen ejemplo de perfil profesional todoterreno. Comunicación, documentación o producción. Desde una gran estructura, como el Festival de Cine, hasta la creación de compañía propia (Blablabla) junto con un equipo con el que también puso en pie una empresa de servicios culturales. Ahora retoma la aventura emprendedora, mientras toma fuerzas y aprende el idioma desde Francia por unos meses, para comenzar con otro proyecto cultural, La Maleta (www.la-maleta.org), y la producción del documental El Desorden de los sentidos (http://eldesordendelossentidos.wordpress.com) ¿Crees que encontrar trabajo en el sector escénico y/o cultural está más difícil ahora que hace unos años? Comencé a trabajar hace unos 10 años cuando el sector cultural estaba en un momento de plena expansión y con cuotas muy altas de actividad, a partir de ahí todo ha ido para abajo. Muchas grandes iniciativas gastan más energía en idear cómo adaptarse a los recortes y a buscar financiadores, que a redefinir su proyecto o innovar. Esto plantea un panorama bastante desolador. ¿Para qué envar curriculums a departamentos de recursos humanos? Las iniciativas propias, el asociacionismo y los pequeños proyectos son los que nos están haciendo funcionar a todos. ¿Con qué dificultades te has encontrado? Las palabras clave son incertidumbre y descontento. Elegir, más allá de unas prácticas no remuneradas, es un privilegio que pocos se pueden permitir. Por contra, muchos estamos lanzándonos con proyectos propios, volcando nuestra energía, y es increíble cómo, en este momento, hay compañías, asociaciones, colectivos y nuevas empresas que se arriesgan a moverse hacia “no se sabe dónde” con tal de seguir en activo y reinventarse. La asociación entre profesionales está siendo la clave para muchas LATEATRAL

de estas iniciativas. LT: ¿Trabajar en proyectos propios y ajenos es una estrategia consciente? B.G.C: Mi objetivo principal hasta ahora ha sido alternar proyectos externos con propios como método de aprendizaje. La trayectoria con proyectos personales lleva muchos años sin detenerse, con momentos en los que estos proyectos han ocupado todo mi tiempo. LT: ¿Conoces a mucha gente del sector en situación de no encontrar trabajo? B.G.C: Tristemente conozco a muchísima gente desempleada. Encontrar clientes, funciones o apoyos es una auténtica aventura. Hay muchos profesionales que intentan moverse a otro sector más estable y con menos vaivenes políticos y financieros, o bien compaginar su trabajo en el mundo escénico con otros sectores. ¿Crees que formas parte de un nuevo perfil profesional en el ámbito de la cultura? No creo en los retratos generacionales. Es cierto que nos une un cúmulo de circunstancias y que hemos aterrizado a la vez en una situación catastrófica, pero esos “nuevos perfiles” en este momento los estamos comenzando a tener todos: el profesional con 30 años en activo y el que acaba de llegar (reciclaje, adaptación inevitable al entorno, generación de ideas y proyectos constantes...)

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Sofía García Peula

“TENER COMPAÑEROS DA SENTIDO AL TRABAJO. TE HACE MÁS FELIZ” Sofía García Peula es una profesional de la comunicación que sabe lo que es trabajar de creativa “en fábrica”, para una gran empresa y también toparse con la crisis tras iniciar un proyecto de comunicación (www.elpantostao.com) vinculado a la movilización de todo un barrio en Granada. Trabajar en el Proyecto Lunar le puso en contacto con el sector cultural, concretamente con Animasur, a quuien considera “la guerrilla de las artes escénicas en Granada”, en pleno lanzamiento del CAU, el Centro de Artes Urbanas. Actualmente trabaja para otras empresas y proyectos de forma estable, como Histrión Teatro, Caravansar, ElClubExpress.com, La Ventana y una ongd, ASAD (Asociación Solidaria Andaluza de Desarrollo), además de otros proyectos puntuales

LaTeatral: Dedicarse a la comunicación exige mucha implicación con los proyectos, ¿no crees? Sofía García Peula: Totalmente de acuerdo. Trabajar en comunicación es adoptar la personalidad de tu cliente de forma estructural, así que para que funcione tienes que hacer familia, es la única forma de saber qué debes contar y cuándo, y, sobre todo, de tener verdadera confianza y libertad por parte de la empresa o el proyecto; yo creo que el secreto del éxito está en ser una más dentro del equipo. Además, en el sector cultural las empresas suelen tener tan pocos recursos que necesitan a alguien que sea como un kit de combate: que pueda hacer una estrategia de posicionamiento, una web, una campaña publicitaria, gestionar la relación con los medios, escribir contenidos, llevar sus redes sociales… todo en uno.

impactos y estímulos. Ahora tienes que evitar invadir o molestar, tienes que crear un diálogo con el público, día y noche. ¿Eso es el doble? Eso es todo el tiempo, incluso desde la creación del proyecto.

LT: Se suele decir que ahora mismo hay que trabajar el doble que hace apenas unos años para obtener los mismos resultados. ¿Estás de acuerdo? S.G.P: Sí, pero no sólo por la crisis. La principal razón de esta vorágine comunicativa es la explosión de las redes sociales y la nueva concepción de la publicidad como una relación bidireccional, y antes que eso, la evidencia de que todos estamos saturados de

LT: Hay quien opina que la mejor empresa hoy en día es ser tú con tu ordenador y tu móvil... S.G.P: Vale que con el ordenador portátil y el móvil se eliminan casi todos los gastos estructurales, pero si tienes un equipo, al menos un compañero/a, no sólo te reevalúas, te nutres y aprendes constantemente, sino que trabajar tiene más sentido. Eres más feliz

LT: ¿Eres freelance por decisión propia o como forma de adaptación? S.G.P: Imagino que por ambas razones. El trabajo fijo está muriendo en España, pero ¿alguna vez existió en el sector cultural? Yo creo que es positivo: ni tú eres buena siempre para un proyecto ni el mismo proyecto es siempre bueno para ti, pero una continuidad razonable es muy importante y simultanear varios trabajos te obliga a estar ágil y a ser buscadora. La adaptación permanente se convierte en la regla, y más que inseguridad, provoca la sensación que caiga lo que caiga, alguna nueva oportunidad surgirá.

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24 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Juan Víctor Rodríguez Yagüe Nos cuenta sin dramas dramas cómo el Lope de Vega de Sevilla afronta el temporal

ASUMIENDO LAS CIRCUNSTANCIAS

Teníamos muchas ganas de conversar con Juan Víctor Rodríguez Yagüe, director del Lope de Vega de Sevilla hace ocho años y retornado ahora a este mismo puesto tras el periplo de Antonio Álamo. Queríamos tener la visión desde la gestión de un gran espacio escénico, pero además esta circunstancia, el salto en el tiempo de ocho años, nos parecía que tendría un valor excepcional. Los presupuestos, las realidades de los artistas o incluso el bolsillo del público no es para nada similar al de hace ocho temporadas. ¿Cómo se afronta esto? ¿Cómo mantener el nivel y hacer más por menos? ¿A qué nuevos obstáculos nos enfrentamos? Ahora el lector podrá ver respuesta a todo esto, aunque adelantamos: tal vez sea porque estamos frente a un profesional con tres décadas de experiencia, que ha visto de todo, pero sea como sea Juan Víctor no se asusta, no se encoge. Desdramatiza y solo mira hacia delante.

“Pensar más en la taquilla no te hace perder libertad como director artístico. Es cuestión de imaginación y de negociar mejor para ambas partes”

Vuelves al Lope de Vega tras ocho años. ¿La situación es muy distinta? Prácticamente sigue igual, todo el personal que trabajó conmigo: técnicos, administrativos, sala, etc., sigue en sus puestos. Un personal muy cualificado y con el que las relaciones personales son bastante fluidas. Por otra parte, ha sido muy gratificante volver a dirigir el Lope de Vega después de varios años y reencontrar tantos amigos, aparte de ser un espacio que conozco a fondo. ¿Crees que la actividad artística ha crecido o que debido a la crisis ahora hay menos donde elegir? Están los productores de siempre que siguen en su empeño de ofrecer cada vez productos más interesantes, aunque evidentemente preocupados por la situación en la que nos encontramos. A esto hay que añadir la incorporación

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de nuevos productores, con lo cual la oferta es más amplia sin duda. ¿Notas que las compañías han cambiado su actitud, que hay nuevos productos (tal vez con formatos más pequeños) o que las negociaciones para la contratación son diferentes? La situación económica actual te obliga necesariamente a tratar los temas de forma distinta. Muchos productores se están planteando obras más reducidas en cuanto a los intérpretes y montajes escenográficos, de forma que se puedan abaratar costos aunque manteniendo la calidad tanto escénica como actoral. Las negociaciones de contratación también han variado. Con menor presupuesto tienes que mantener los nueve meses de temporada, lo que te obliga a buscar soluciones imaginativas, más pensadas, más negociadas y tener siempre presente el equilibrio presupuestario y de calidad. Y

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LA AVERÍA, UNO DE LOS ÉXITOS DE ESTA TEMPORADA EN EL LOPE DE VEGA

algo absolutamente importante es pensar en el público al que vas a dirigir tu programación, ya que él te va a proporcionar unos ingresos adicionales que son del todo necesarios, sobre todo en estos momentos. Tu opción ha sido la de multiplicar la oferta del Lope. Actualmente hay un ritmo de programación frenético, casi sin días libres. ¿Cómo se programa más con menos dinero? Pues como te decía antes, negociando más y mejor, buscando soluciones más imaginativas, ofreciendo un abanico de posibilidades escénicas más amplio de manera que el público siempre encuentre en el Lope de Vega variedad y calidad. Si eres capaz de conseguir este objetivo, tendrás más demanda que a su vez te proporcionará más ingresos y la vez podrás negociar con las compañías opciones más ventajosas. Es cues-

tión de mantener ese equilibrio, difícil, no cabe duda, pero se puede conseguir. Al negociar teniendo tan presente a las taquillas, ¿se pierde libertad en la dirección artística? Para nada, todo es cuestión de negociación. Siempre se puede llegar a buen acuerdo que sea favorable para ambas partes. ¿Qué tal está respondiendo el público? ¿Se nota la crisis? No cabe duda que se nota, pero los precios de las localidades se siguen manteniendo razonables para estos tiempos. El público también espera la crítica o el comentario para decidirse a venir. Afortunadamente se están produciendo muchos llenos, espero que se mantenga así. Respecto al aumento de actividad, también aumenta el trabajo. ¿Entienden bien la situación los

técnicos y trabajadores del teatro? El trabajo ha aumentado, pero se mantienen sus turnos y calendarios escrupulosamente. Por otra parte tengo que decir que es una plantilla muy cualificada y profesional que siempre es elogiada por compañías que actúan en el Lope de Vega. Ahora parece haber más cabida para propuestas que antes solo aparecían puntualmente, como la copla, música de perfil más popular, etc. ¿Otras propuestas, tal vez más innovadoras o diferentes, como el hip hop, el rock, la poesía escénica o los festivales privados de la ciudad volverán al Lope? Estoy abierto a cualquier actividad escénica siempre que sea de calidad. En mi larga trayectoria profesional he tenido que “jugar” en campos muy diferentes y siempre me he sentido cómodo tanto en actividades más progresistas como en otras más populares

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26 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Jorge Barroso “Bifu” Otra forma de montar un espacio escénico

DEJARSE LA PIEL

Cuando acudimos unos días antes de la inauguración del espacio La Carpa, de Varuma Teatro, vimos, literalmente, a una persona dejándose la piel en el empeño. Una piel curtida por el sol, manos encallecidas por el trabajo. Por miedo a los robos, mejor dicho, por miedo a que se repitan, Jorge Barroso “Bifu” lleva meses viviendo en un módulo dentro de su terreno. Intentando demostrar que es posible, aunque a muchos probablemente no les compense, levantar un proyecto así de forma totalmente diferente. Me quedo con una frase, dicha como de paso: “No tengo dinero. Me han robado la escenografía en la furgo de Varuma. Tengo un terreno. Mi energía está aquí”. Sin duda, otra manera de hacer las cosas, otra manera de trabajar, otra manera de vivir. Texto | Gonzalo Andino

“Duermo en el terreno y trabajo 16 horas diarias desde hace 7 meses. Hago de albañil, fontanero, director de teatro o gestor del espacio” LATEATRAL

Cuando el Plan Director empieza a ponerse en marcha, muchos espacios de Sevilla se vieron beneficiados. ¿La mala fortuna ha hecho que los recursos no llegaran para cuando empezaste con La Carpa? No creo que nadie tenga la culpa del momento económico por el que pasan las artes escénicas, pero si fomentamos las compañías con sueldos vitalicios como si fueran “funcionarias”, es normal que sólo crezcan las mismas. Lo que ocurre es que ahora estas compañías a las que se les ha acabado el “chollo” piensan en cerrar sus salas, por viabilidad del negocio, no pueden mantener sus empleados, ni sus sueldos, ni sus casas… ¿Es posible que hayamos estado ayudando a negocios con poca viabilidad? ¿Es real que la cultura tiene que estar pegada a la política? Por suerte o por desgracia, nosotros no hemos estado en esa situación, creo que los proyectos son realizables, siempre y cuando tengas la suficiente energía, el compromiso y las ganas. Cosas como el Plan Director no dejan de ser elementos externos,

los cuales te pueden dar un empujón en un momento determinado. ¿Llegamos tarde para las ayudas? Ellos siguieron dándosela a los mismos al menos dos años. No, no llegamos tarde, de hecho, aquí estamos. ¿Has redimensionado el proyecto por la aparición de la crisis? Lógicamente vamos a un ritmo más pausado, quizá más precario. Vamos por el camino que podemos ir y esto anima a una gran parte del sector a redirigir la fórmula de trabajo. La cooperatividad crece, el trabajo colectivo, el trueque… se hacen más presentes. Y eso está bien, ya que entendemos que obramos para un mismo fin, y no por el enriquecimiento personal de un solo individuo. ¿Qué has hecho hasta ahora para conseguir recursos? Hemos hecho un poco de todo; galas, préstamos, e incluso abrimos un número de cuenta donde las personas podían ayudarnos con una participación mínima económica…todo sin demasiados

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resultados. Pero más que recursos económicos hemos conseguido la ayuda física de muchos familiares, amigos y colectivos que comienzan a ver un lugar multicultural aprovechable, necesario y con infinidad de salidas. Supongo que estarás muy agradecido por esas ayudas Tengo mucho que agradecer. Al participar tanta gente el fin coge otra dimensión: La Carpa no sólo pertenece a Varuma. De hecho estamos comenzando a tener un número de socios considerable en nuestra asociación cultural. Han asistido al espacio desde las asociaciones de vecinos colindantes, hasta una reunión que tuvimos con unos 40 colectivos sevillanos para presentarles el espacio. Creo que esto dice mucho de la filosofía de trabajo a realizar en el terreno. Cesiones, convenios, participación… Hay mucho de sacrificio personal en todo esto... ¿aguantarás? Pues sí, incluso duermo en el terreno, y además muy poco. Llevo trabajando 16 horas diarias desde hace 7 meses, sin descansar ni un solo día. También es cierto que hago de todo: albañilería, fontaneríala gestión del espacio o llevar la compañía adelante. Te diré en unos meses si resistimos al mismo ritmo. Pero creo que todo esto es necesario, para poder valorar realmente lo que se ha conseguido y sentirnos totalmente identificados con lo realizado. Con dinero es más sencillo pero se le pierde apego y esencia. ¿Cómo enfocas la viabilidad económica del proyecto? El espacio ha de conseguir dinero para mantenerse por sí mismo y hasta ahora vamos tirando. Y mientras yo he de ganar dinero como director de Varuma y en otros proyectos artísticos. La apertura ha sido hace un mes y no podemos valorar con

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exactitu, pero cada vez hay más asistencia de público, más demanda de cursos y espectáculos. ¿Estás contento con los primeros pasos del proyecto? Si te soy sincero, aún no he podido disfrutarlo. Aunque ha habido momentos… como estar sentado en el ambigú, al sol, y que se me pongan los pelos de punta por todo lo que habíamos conseguido. O ver a mi hermano (Rubén Barroso “Mini”) con su “Espectáculo Mínimo” rodeado por unas 300 ó 400 personas que no paraban de aplaudir. ¿Qué actividad está teniendo ahora mismo el espacio? Tiene un ambigú con una cocinera maravillosa, un espacio ideal para la tertulia. También cursos esporádicos; Clown (Fran Torres), Malabares (Rubén Barroso “Mini”), Lira o aro volante enfocado desde la danza contemporánea (Judith Mata), Vestuario teatral (Angie Paz)… Tenemos otra actividad permanente: Los Martes y Jueves Juego que consiste en ceder el espacio gratuitamente para que todo el mundo puedan venir a entrenar. Y Los Domingos a Mediodía…, donde ofrecemos una degustación de comida con la bebida + un espectáculo gratuito de calle. Del 30 de Marzo al 1 de abril tendremos la exposición de fotografías Un sofá cama de dos plazas, fácilmente transformable en doble diván. Todos los Jueves Jam Session de Jazz… Además estamos en proyecto con Juan Vergillos para ir introduciendo un día a la semana flamenco que se llamará Flamenco periférico. Con El Cangrejo Pistolero y su Perfopoesia, con ImproKO para sus locuras improvisadas... En abril comenzaremos ciclos de proyecciones todos los viernes. Empezamos con la proyección del documental En la Red de Guillermo Cruz y Recetas Urbanas. Y queremos tener actuaciones todos los sábados

Ambigú, Araña y Carpa y Laura Bolón en plena actuación

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28 Cﾃｭa Barrﾃｩ

Se basa en la originalidad y presenta dos formatos de un mismo montaje

CUANDO VENDER ES EL ESPECTﾃ，ULO

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El circo andaluz, en su vertiente contemporánea, apenas cuenta con una década de historia. Sin embargo, en estos diez años una serie de artistas con una gran sensibilidad y con unos fuertes lazos entre sí han creado un pequeño y sólido conjunto de compañías fiables, como sucede con la Compañía Barré. Muchas de estas compañías intercambian conocimientos, recursos o se mezclan entre sí en cada montaje y se ayudan en cada función. Probablemente, el mundo del circo contemporáneo sintetiza, de forma natural, muchas de las nuevas maneras de trabajar. Porque siempre han vivido en crisis o porque hayan heredado esa vieja solidaridad circense, ahora llamada “cooperación empresarial”. Barré comenzó pisando fuerte, con el montaje Tras la escoba, un éxito que fue evolucionando durante cinco años, con dos versiones principales, gracias a la aparición de un músico que se sumó a Javier García “Mimo”, alma mater de la compañía. Ahora, Mimo se acompaña de los artistas Nicolas Cronier y Samuel de Lara para presentar Juan Palomo. Historias a la intemperie, un espectáculo muy de estos tiempos, por temática y por fórmulas.

“Juan Palomo” habla de la crisis, de nuestras crisis, y de cómo el trabajo está presente en nuestras vidas. ¿Nos podéis contar un poco más? Queremos contar cómo nos tomamos nuestros trabajos, cómo nos afectan personalmente; es una manera de hablar de la precariedad personal a través de la precariedad laboral. El trabajo siempre pasa por delante de nuestras inquietudes e ilusiones, de nosotros mismos y marca irremediablemente el ritmo de nuestras vidas. Nosotros proponemos que el cambio parta de lo personal. Hablamos también de relaciones laborales, de enfrentamientos con la familia, de rebeldía fracasada. Habéis trabajado mucho y se ve una producción muy cuidada. ¿Es importante no olvidar la calidad? Es cierto que hemos pasado casi 2 años trabajando en este proyecto. Pero ha sido el proceso el que ha marcado los tiempos, nosotros pensábamos acabar mucho antes. Teníamos objetivos muy claros desde el principio: queríamos fusionar verdaderamente circo y teatro, no caer en utilizar el teatro como excusa para hacer circo. Comparado con “Tras la escoba”, ahora contamos con un equipo amplio de personas, guión, y cuidamos los más mínimos detalles.

La calidad siempre es importante, pero creemos que la originalidad lo es más. Confiamos en que los formatos que presentamos este año son cosas que no estamos acostumbrados a ver como público, porque no están basados en otras cosas. Habladnos de eso precisamente, de los formatos del espectáculo Hemos llegado a ejercer de verdad el propio oficio de palomitero. De hecho tenemos recién sacados nuestro carnet de manipulador de alimentos (¡¡de mayor riesgo!!). De eso han salido los dos espectáculos que presentamos este año, que son complementarios y esperamos hacerlos a la vez en festivales y sitios así: Primero “Juan Palomo, historias a la intemperie”, de teatro de calle y para todos los públicos, pero con un mensaje dirigido especialmente a los adultos. Mezclamos lenguajes desde el clown gestual hasta momentos casi Brechtianos. Un formato donde trabajan todos los sentidos: vista, oído, tacto, olfato y gusto. Luego “Juan Palomo ya está aquí” consiste en hacer venta de palomitas combinada con interacción con el público, música en directo, circo, clown, con mucho humor y desparpajo. Es un espectáculo abierto, no hay principio ni fin, no hay escenario ni montaje: Es un carro con recursos y 2 personas vendiendo palomitas de verdad, aprovechando

esta cercanía con el público para poder sorprenderles en cualquier momento. También está pensado para cubrir servicios en festivales, galas… servir de punto de información, venta de merchandising, presentaciones de números… Si el otro espectáculo habla de crisis, este se adapta, ya que la venta de palomitas la usamos tanto para promocionar como para recaudar parte de nuestro caché. ¿Pensáis que ahora hay que darle más vueltas a todo para conseguir que un espectáculo tenga salida? Sin duda, ahora ya no cabe todo. Los festivales son cada vez más específicos y los presupuestos por supuesto más, o mucho más bajos. Pero creemos que esto tiene algo bueno, que es que estimula la gente a que sea más creativa, que busque nuevas alternativas, que surjen de nuestra pasión por este oficio, y sobre todo parece que está acabando con la dependencia total hacía las instituciones. Además, ahora colaboramos más los unos con los otros y compartimos más nuestras experiencias; es parte de la magia de este sector, algo ejemplar. Hay tantas necesidades por cubrir para el circo en Andalucía, que éste es el medio para tener aunque sea un sitio para ensayar, tener un asociación que nos represente, tener sitios donde poder actuar, compartir inquietudes…

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30 ESPECIAL NUEVAS FORMAS José Mª Peña Digo Digo y Bic Bic, dos experiencias muy diferentes para un mismo actor

CAMBIAR LOS HÁBITOS

José María Peña sabe bien qué es estar al frente de una compañía. Procedente de la gran hornada de actores que salieron del desaparecido Instituto del Teatro de Sevilla, fundó en 1998 la cia Digo-Digo junto a su “compadre”, el también actor José Luis García Pérez. Desde entonces, no ha parado de actuar por escenarios de toda España cuando los tiempos han sido buenos para la profesión y ahora, por la crisis y los recortes en subvenciones, trata de sobrevivir gracias a toneladas de ilusión y a la ayuda desinteresada de buenos colegas. BIC, BIC es su nueva compañía, con la que acaba de estrenar la obra “Mi amigo del alma”, coprotagonizada junto a José Chaves. Texto | Ramón Vargas-Machuca

¿Cómo definirías el momento que vive el teatro en la actualidad? Ruina. Hay un estado de ruina mezclado con el temor del “veremos a ver lo que va a pasar”. Pero lo que va a pasar es lo que ya está pasando. Ante este panorama, ¿cómo se reinventa alguien como tú, consagrado ya en el mundo del teatro? Yo estoy a verlas venir mientras sigo malviviendo, porque si antes se sobrevivía, ahora se malvive del teatro. Sé lo que quiero hacer, tengo muchas ideas, por ejemplo un espectáculo infantil, pero sin dinero no sé qué es lo que voy a poder hacer de verdad finalmente. Incertidumbre absoluta.

“Hemos tenido que buscar gente dispuesta a trabajar por amor al arte. Nunca habíamos tenido tantos problemas para financiar un proyecto.” LATEATRAL

¿Has encontrado más dificultades a la hora de financiar tu último montaje que nunca? Totalmente. De partida, hemos tenido que buscar gente que trabajara, y nunca mejor dicho, por amor al arte. Les he ido diciendo la verdad, que no hay dinero para nadie de inicio, pero que si se saca algo, que lo dudo, les pagaré, aunque ellos insis-

ten en que lo hacen por mí. Sentir ese aprecio de la gente que ha gastado su tiempo y no ha cobrado un duro es muy gratificante. En cuanto a las ayudas, hay un baremo por el que puedes pasar o no, y en este caso yo no lo pasé. Y aunque no soy muy partidario de las ayudas, volveré a pedirlas por poder pagar a esa gente que ha trabajado codo a codo conmigo desinteresadamente. En la cultura podemos pedir un crédito y tirar para adelante, aunque las ayudas son importantes para promover que se mueva el trabajo, facilitar a las compañías actuar en los teatros. Prefiero hacer circuito por cuarenta pueblos a caché antes de que me den 100.000 euros en ayudas. Entonces, ¿falla el apoyo institucional o falta el público? Yo creo que público hay y quien va al teatro por primera vez, repite. Aunque hay que educarlos a que eso de la cultura gratis se acabó. La cultura hay que pagarla, aunque sean tres euros, porque tú estás llevando allí un trabajo. Lo que sí me parece

ESPECIAL NUEVAS FORMAS

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bueno es que se esté educando a los niños a ir al teatro, son el futuro y muestra de ellos es que ha subido un montón el teatro infantil. Y cada vez hay más salas en Sevilla y la gente se anima a abrirlas, pero falta el apoyo institucional por ejemplo para la difusión de los espectáculos. Por esto y más, creo que hay un 70% de actores y gente que se dedica a esto parada. ¿El cine y la televisión se salvan de esta crisis? Yo hablo con mi socio, José Luis García, y él me corrobora que va todo mal. Antes se iban haciendo cositas en televisión, aunque fracasaran, pero ahora no arriesgan en series. Y del cine ya ni hablamos, se han recortado todas las subvenciones, así que solo les queda buscar amiguetes, al igual que he hecho yo con mi última obra de teatro. ¿Cómo ves el ánimo entre tus compañeros de profesión? Hay algunos compañeros que han vuelto a trabajar en bares, como cuando estábamos estudiando, pero con la diferencia de que ahora tenemos muchas facturas que pagar. Hemos vuelto unos diez o quince años atrás y como sigamos así iremos aún más atrás. Hay pesimismo, pero al fin y al cabo somos gente muy inquieta y con ganas de hacer cosas. ¿Algún consejo para compañías y actores nóveles? Si es que se puede dar alguno… Claro, que sigan para adelante. Que esto es una profesión muy jodida, pero una vez que estas dentro ya estas pillado, es como una droga dura. Te enamora. Les diría que le echen imaginación al poder, que tiren de amigos o como puedan, es la única solución porque dinero no hay. No nos vamos a hacer ricos con esto, pero te satisface plenamente el subirte a un escenario y hacer disfrutar al público

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32 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Fabián Pérez de laClac, un distribuidor surgido en tiempos de crisis.

VENDER SIN MERCADO

Los distribuidores son probablemente los profesionales que se enfrenta a una situación más delicada. Tener la responsabilidad y la necesidad de vender en un mercado que, si no es inexistente, cuanto menos ha sufrido una transformación radical, exige un profundo ejercicio de reflexión, reciclaje y readaptación. Como en este monográfico se trata de hablar de cómo sobrevivir en la situación actual y qué alternativas surgen para el futuro, quisimos centrarnos en quienes solo conocen estos tiempos, en quienes han nacido y crecido en la tempestad. Nos encontramos así con Fabián Pérez de la empresa laClac, un profesional que aparece hace dos años con muchas ganas de hacer bien las cosas. En estos dos años, y sin dar pasos atrás, se ha formado, ha compartido y valorado cada oportunidad de aprender y de crecer y ha desarrollado una trayectoria, servicios y cartera más que interesante, siempre avanzando al mismo ritmo y hacia la única dirección, hacia delante. www.clacart.com

Emprendiste directamente con la crisis, ¿cómo fue? Comencé por casualidad en abril de 2010. Llevaba la comercialización del espacio “Pista Digital” e intenté ir a la Feria de Castilla-La Mancha. Me costó que me admitieran porque no les valía mi actividad, tenía que ser Compañía, Programador o Distribuidor. En media hora acordé con tres compañías amigas y me planté en Albacete. Fue una revelación y una revolución en mi vida. Mi relación con el sector siempre había sido muy estrecha: Empecé a estudiar Arte Dramático con 15 años y había hecho de todo: Trabajar como actor, como locutor, organizar pequeños eventos culturales y ver mucho teatro. ¿Te asustó el panorama? Mi suerte y mi desgracia son que llegué cuando todo estaba ya desmoronándose. No puedo lamentar lo que no tuve, que es lo que ahora no existe; para mí no hay ningún paraíso perdido que añorar. Me cuesta vender bolos de mis compañías y quizá para muchos

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esté vendiendo más bien poco, pero ese poco para mí es mucho, porque, de momento, cada logro suele ser mi máximo logro. ¿Realmente venimos de un paraíso? Bueno, también sé que fue un pasado glorioso sólo para los que hablan de él, porque mucha gente tampoco tuvo acceso a esas oportunidades. Quizá, aunque doloroso para algunos, ahora estemos todos en un mismo lugar, o más similar, al menos. Con esto no quiero decir que esté de acuerdo con la situación actual, que es completamente injusta. ¿Crees que haber entrado en el sector en tiempo de crisis te da una visión diferente? Absolutamente. Estoy convencido de que lo que para mí es genial para otros es un desastre. Yo estoy viviendo un época fundamental en mi vida, llena de oportunidades: Oportunidad constante de conocer gente talento-

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sa, creativa, comprometida con su trabajo; oportunidad de crecimiento personal y profesional, y oportunidad económica también. ¿Dónde ves el futuro para el distribuidor? Analizando el futuro del propio programador tal vez podamos pensar el del distribuidor. Se comenta que la figura del distribuidor desaparecerá, y algunos ya han abandonado o lo están valorando. Pero estoy convencido que los distribuidores tendremos mucho que aportar para seguir haciendo teatro, porque las compañías seguirán teniendo que centrarse en crear y seguirán necesitando que las comercialicen, que las muevan. En mi caso particular también veo que mi apuesta es el aprendizaje: Aprender, aprender, observar, prepararme, seguir formándome, e intentar muy poco a poco hacerme un hueco en los círculos tan cerrados del sector. ¿Cómo empezaste a llevar compañías? ¿A quién distribuyes? laClac nació por casualidad, ya que yo estaba en Buenos Aires para el Bicentenario de la Independencia de Argentina, intentando vender danza (ChinaBaus y Mar Gómez Danza) en el Teatro San Martín. Mauricio Wainrot, director artístico de la división danza, me sugirió traer a su Ballet Contemporáneo. Monté una gira que arrancó en el Teatro Maestranza y terminó en el Municipal Basauri pasando por el Jovellanos de Gijón o el Falla de Cádiz. Fue mi máster en Distribución y Producción. Para cuando acabó la gira, ya había traído a Teatro Corsario con su “Aullidos” a La Fundición, ahora seleccionada para el Cipaem, y nos habíamos encontrado con Manuela Nogales. Tras llevar su co-producción con Bud Blumenthal al Festival Madrid en Danza, me enfrento, ahora, a un nuevo gran desafío y a un absoluto

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placer: “Breve ensayo de Amor”, su nuevo trabajo, del que estoy llevando la producción y distribución. Pero también trabajas en otros ámbitos de la gestión cultural... Sí, porque estoy viviendo con total entrega y pasión mi otro gran reto que es la gestión del TMG (Teatro Municipal de Gelves), con 400 butacas. He presentado un Proyecto de Dinamización y Rentabilización del espacio, en el que estamos trabajando desde septiembre de 2011 y que ya ha dado sus frutos, como un exitoso Ciclo de teatro educativo con compañías como Búho&Maravillas, TNT, Teatro Clásico de Sevilla, la Orquesta Barroca de Sevilla.o Síndrome Clown. ¿Debemos apostar por la calidad, la diversificación, la política de precios, la comunicación, la originalidad, o.....? Cada cuál deberá buscar su propia fórmula, que podrá ser cualquiera de esas soluciones. Y volver a los orígenes, que ahora parecen tan nuevos: Colaboración, co-working, intercambio, trueque, llámale como quieras. Yo mismo, cuando empecé a ver que el volumen de trabajo era inasumible, empecé a colaborar con la empresa Gestora de Nuevos Proyectos, que me proporciona una gran infraestructura que yo no podría asumir por mi cuenta. Vengo de un país, Argentina, donde el sector nunca tuvo los apoyos que ha tenido aquí y es un país rebosante de teatro. Tampoco con esto justifico nada, digo que el teatro es posible en cualquier circunstancia. Calidad, originalidad, estas cualidades no deberían mencionarse como opciones para salir adelante porque se entienden implícitas siempre. Suelo decir que a esta sacudida sólo sobrevivirá el talento. El talento para diversificar, para comunicar, para generar propuestas, para… el talento, nada más

“Vengo de un país, Argentina, donde el sector nunca tuvo los apoyos que ha tenido aquí y es un país rebosante de teatro. El teatro es posible en cualquier circunstancia” añodiez nº33

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34 ESPECIAL NUEVAS FORMAS NOLETIA

Empresa de comunicación y gestión cultural

UNA NUEVA FORMA DE CONECTAR CON LA CULTURA ElClubExpress.com, un nuevo proyecto, en todos los sentidos A finales de marzo vio la luz el mayor proyecto de Noletia desde su fundación: la plataforma web de contenidos y servicios culturales www. elclubexpress.com. No son tiempos para grandes aventuras, o eso parece, pero tal vez el nuevo panorama también abre un nuevo mundo de oportunidades. En nuestro caso las oportunidades han sido tanto buscadas concienzudamente o como encontradas por circunstancias a partes iguales. Y podemos hablar de dos líneas estratégicas que marcan claramente este proyecto y que tienen que ver con ese nuevo panorama. La primera, en la que nos hemos LATEATRAL

esforzado conscientemente, es la clara definición del destinatario. Teníamos que centrarnos, clara e inequívocamente, en el público. Solo con una herramienta potente y versátil, capaz de influir, de movilizar y de generar nuevos, más inquietos y más informados públicos llegaríamos a alguna parte. A partir de un uso masivo de ElClubExpress.com conseguiríamos la captación y seguimiento del sector cultural, pero no al revés. Así pues, este club cultural está pensado completamente para los consumidores de cultura, con el objetivo de resultar cercano y exclusivo, como cualquier club, con ventajas tangibles, como la obtención de descuentos en acti-

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vidades, acceso a información de calidad y exclusiva posibilidades de interactuación, acceso a actividades exclusivas o participación puntual en concursos y sorteos. La segunda línea estratégica, a la que llegamos por evolución natural y por filosofía de empresa, nos llevó a una conclusión clave: para ElClubExpress.com trabajaríamos de forma diferente. Por vez primera decidimos compartir una idea original, asumiendo todas las acepciones y consecuencias de la palabra “compartir”. Para ser fieles a la realidad, nuestra situación, tan buena o mala como la de cualquier empresa de nues-

tras características (es decir, horrorosa), y la situación de muchos profesionales, invitaba a plantearse una nueva manera de hacer. Y rápidamente nos dimos cuenta no sólo de que manejábamos una idea con excelentes posibilidades, sino de que estamos en tiempos de receptividad. Así, en apenas unos meses, y sin una web que poder mostrar, hasta quince provincias se han unido a ElClubExpress.com, gracias a empresas como Caravansar en Granada, Diávolo en Huelva, es.Comunica en Cádiz o Centro de Arte y Naturaleza Cuevas del Pino en Córdoba; pero también a profesionales como la periodista Mar-

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ta Moya en Ciudad Real y Toledo, Carmen Morilla en Málaga, Juan Vinuesa, Marina Urruticoechea, Xoel Yáñez e Ignacio Serrano en Madrid o Miguel González y Mónica Yáñez en Galicia. Actualmente estamos terminando de concretar otras zonas, como Jaén, Almeria o las dos provincias canarias, pero ya el equipo del proyecto supera las cuarenta personas. Además el proceso de participación en el proyecto va más allá de las delegaciones, ya que en el propio núcleo central cuatro profesionales se han unido al equipo de Noletia como socios del club. Además, el próximo lanzamiento de las tiendas virtuales también conlleva una formula de asociación, con la tienda de circo Ooops y la librería cultural Gato en Bicicleta como primeros escaparates confirmados. También hemos comenzado conversaciones con una nueva plataforma de ticketing, con la idea de complementar servicios y vincular ambas marcas y proyectos. Incluso algunos profesionales de prestigio, como el promotor musical Francis Cuberos, ya están implicándose con el club en sectores concretos, en su caso, como es lógico, en el musical. En definitiva, se trata de un proyecto que supone una revolución, en forma y fondo, en proceso y resultado. Con multitud de implicaciones, algunas incluso emocionales, como la de poder poner en pie uno de los proyectos más ambiciosos en el campo de la comunicación cultural a partir de pequeñas y bien enraizadas empresas, o que ese proyecto, además, esté absolutamente desterritorializado entre todas las provincias participantes que, además, no están coordinadas desde una de las dos grandes ciudades de este país. Insólito

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36 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Jordi Gaspar nuevo director, nos da su visión sobre los festivales

TRAPEZI QUIERE AVANZAR

Los tiempos de la pirotécnica se han acabado para los festivales. El problema es que no solamente se han eliminado o reconvertido aquellos que estaban sobredimensionados, o esos eventos que buscaban los focos de las cámaras televisivas, que trabajaban solamente la espectacularidad a base de dólares, sin bases sólidas, sin arraigo y sin ideas. Algunos festivales, coherentes, medidos, asentados y útiles, también están en la encrucijada. Tomamos como ejemplo, por ser uno de nuestros festivales favoritos, Trapezi, en Reus (Tarragona) que volverá a ser el referente del circo del 17 al 20 de mayo, pero también porque este duro año es motivo de otro cambio fundamental para el proyecto, ya que tras quince años cambia la dirección artística. Jordi Gaspar sustituye a los carismáticos Escarlata Circus, y la expectación es monumental. www.trapezi.org

¿Cómo asumes el reto de sustituir una dirección artística tan personal como la de Jordi Aspa y Bet Miralta de Escarlata Circus? Ante todo con un respeto y admiración, ya que son ellos los artífices de que Trapezi goce del reconocimiento que tiene y que sea un referente. Con esta difícil herencia, ahora hay que mirar hacia el futuro sabiendo que estamos en momentos complicados, pero con la perspectiva de colaborar en acercar el circo donde se merece. Mi trayectoria me hace apostar la variedad, la calidad, la innovación y la actualidad. Tu nombramiento llegó un poco tarde. ¿Cuáles son las principales dificultades de tener poco tiempo para preparar el festival? Principalmente ha complicado configurar una programación variada en técnicas y estilos, ya que

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había muchas compañías ocupadas en nuestras fechas. También ha sido inviable introducir novedades importantes, aunque se haya trabajado en ello. Cualquier cambio notable en un evento de estas características requiere de una meditada confección y madurez de las nuevas propuestas. No se pueden dar pasos en falso que puedan comprometer el resultado y con ello el futuro. Sinceramente, con el tiempo que hemos tenido ha sido una carrera de fondo a ritmo de los cien metros lisos. LT: ¿Cómo se conjugan los recortes con la ilusión de la primera edición a tu cargo? J.G: La verdad es que no he tenido muchos dilemas con esto. He podido estar en muchas ediciones de Trapezi como espectador, artista, técnico..., pero nunca he administrado su presupuesto. Para mi es una nueva aventura,

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ya veremos con el tiempo, ahora la ilusión está íntegra. ¿Cómo puede avanzar un festival a pesar de contar con menos presupuesto? Trapezi está muy arraigado. Cuento con un equipo de profesionales resuelto y eficaz, con una gran trayectoria y conocimiento. Las brigadas de la ciudad se han convertido con el tiempo en expertos montadores de carpas y estructuras y la población anhela la llegada de cada Trapezi. La ciudad ha tomado el Trapezi como emblema del proyecto de ser una de las ciudades de circo de Cataluña. El CAER, que es el consorcio que gestiona Trapezi, ha hecho grandes esfuerzos para reducir lo menos posible las partidas económicas. Las direcciones artísticas se irán sucediendo, pero si se mantiene los pilares básicos que mantienen este sustrato, Trapezi solo puede avanzar. ¿Cuál crees que es el futuro y la viabilidad de los festivales como Trapezi? Tiene que haber un replanteamiento de base, que busque soluciones y que a largo plazo sea positivo para todo el sector. Hay que reforzar cosas como la interactuación del territorio, para que la gente se sienta parte imprescindible. Particulares, empresas, asociaciones, centros, ayuntamientos, delegaciones territoriales… Esto tambien implica la búsqueda de capital humano y económico privado, hay que hacer entender a las administraciones que generamos interés en diferentes ámbitos. Hay que calar en la población en general. Solamente así se crean marcas con valores en que la gente se siente identificada, y luego son capaces de entender, defender, ayudar y desear. Hay que generar sinergias con entidades que tengan objetivos comunes, tanto dentro

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como fuera del país. Tambien creo imprescindible hacer entender a la gente que detrás del arte y la cultura hay gente que come de esto. Consumir cultura, igual que comprar un libro, un CD de música o ir a un museo vale algo de dinero, porque además se valora más el arte. ¡Yo sigo sin entender que se page un 18% de iva de los cachés! Naturalmente, también hay que tener en cuenta que quien más necesita la cultura es precisamente quien no tiene dinero para pagarla, por eso es inconcebible no pensar en ellos. ¿Crees que los artistas ya están cambiado sus modelos de producción y de distribución? Si que tengo constancia de que puntualmente hay proyectos que tratan de buscar nuevas fórmulas, como ir a taquilla. Pero no es generalizado. Pero veo un tema que me está haciendo encender las alarmas, pues si no se corrige vamos hacia un callejón sin salida. Muchas compañías se están profesionalizando en producción y contratan vestuaristas, escenógrafos, técnicos, dirección, coreógrafos, creaciones de luz, contables, etc… Todo esto incide muy positivamente en los resultados con una mejora de la excelencia y calidad de las propuestas, pero es obvio que incrementa el precio final. En un país en que en mejores épocas no se ha pensado en apoyar la creación, con una red de centros de residencia, un sistema de cotización que nos ampare devidamente y un circuito de exhibición en condiciones, hay que amortizar las inversiones directamente sobre los cachés. Esto nos hace vulnerables no solo en el territorio, sinó mas allá de las fronteras. Estamos perdiendo competitividad para internacionalizarnos, que es una de las bases de nuestro futuro

“La ausencia de un buen contexto para la creación, de buenos apoyos, hace que perdamos mucha competitividad en el mercado internacional. ” añodiez nº33

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38 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Las compañías malagueñas se asocian contra el abismo Texto | Asociación de Compañías Independientes de Artes Escénicas de Málaga.

EL ASOCIACIONISMO,

¿OTRA NUEVA VÍA?

En Málaga hace unos años que venía fraguándose algo. Un grupo de artistas y compañías, en general con pocas protecciones oficiales, se encontraban con frecuencia y compartían una visión nueva y diferente, crítica pero no beligerante y alejada de la convención, no solo artística, sino en la gestión, de funcionamiento. No se trata de que quieran demostrar algo al mundo, sino de que quieren hacer cosas, y hacerlas bien, fundamentalmente, vivir de su profesión, trabajar con dignidad y hacerlo de acuerdo a unas condiciones y principios mínimos. Ahora, ya articulados desde una asociación y están dispuestos a seguir compartiendo experiencia y conocimiento, por lo que les pedimos que nos escribieran dentro de este monográfico.

Lo que para algunos es el desmantelamiento del medio teatral, es sencillamente la declaración oficial del estado de excepción que ya se venía anunciando atrás

http://lacenital.blogspot.com lacenital@gmail.com LATEATRAL

Hace ahora un año empezamos a fraguar lo que llamamos Asociación de Compañías Independientes de las Artes Escénicas de Málaga, integrada por Trasto Teatro, SilencioDanza, Teatro de los Orígenes Laboratorio, D´A Deux Teatro, Línea6-Wakamé y Bazar Kolobok. Un puñado de compañías con una costumbre en común: malvivir a la intemperie, sin el confortable palio de las instituciones. Nos reconocimos por esa mueca que cose en los labios el desencanto, el sarcasmo y otros materiales amargos. Así que tal vez por compartir, a partes iguales, incertidumbres y espanto, decidimos asociarnos para hacerle frente a la ferocidad de este tiempo canalla. Esto que estamos viviendo hoy, que para algunos es el desmantelamiento del medio teatral, es sencillamente la declaración oficial del estado de excepción que ya se venía anunciando atrás. Y

ante semejantes asperezas, en una provincia como la malagueña -siempre tan lejos de los ríos de leche y miel que bañan el teatro de la capital, históricamente tan seca a pesar de su mar- decidimos que la resistencia, si era posible, pasaba por la cooperación, la creatividad y el trabajo obstinado. Nos hemos replegado sobre nosotros mismos, para encontrar el metal exacto de nuestra voz. Hemos buscado las palabras que queríamos decir y el acento en que acunar su eco. Dejamos de mirar a Sevilla, Madrid, Barcelona, Valencia… con los ojos mitificadores del complejo de inferioridad. Nos reconocemos periferia y reivindicamos una identidad propia -inconclusa, siempre; insatisfecha, sí- pero crítica e independiente, ni anhelante ni devota de los centros aglutinadores. Esa es nuestra naturaleza imperfecta, y la riqueza y la autenticidad que

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NO ES LA LLUVIA, ES EL VIENTO, DE SILENCIO DANZA Y TRASTO TEATRO, DOS COMPAÑÍAS DE LA ASOCIACIÓN

podemos aportar al medio teatral andaluz. Tras un año de esfuerzo constante, hemos conseguido ejecutar algunos movimientos de esperanzada gracilidad. De ellos, el más visible es La Cenital, una publicación digital que, con carácter mensual, trata de ser un amplificador de las preguntas, los atolladeros y el trabajo de las compañías independientes del panorama malagueño y andaluz. Por otro lado, la asociación ha cerrado un acuerdo con la Universidad de Pedagogía, con el objetivo de acercar las artes escénicas al público joven; un feliz encuentro –con vocación de continuidad- que posibilitará, hasta finales de curso, una serie de lecturas dramatizadas, debates y representaciones en el teatro de la facultad. Un binomio, teatro y universidad, de entusiastas reminiscencias. Además, se han impulsado ini-

ciativas como la organización de una mesa sectorial, que convoca a todos los actores del medio escénico provincial (políticos, empresarios, programadores, compañías, salas, público…) a reflexionar y buscar soluciones conjuntas a la difícil coyuntura actual. Asimismo, y ante la escasa oferta cultural que llega a las zonas rurales más remotas, se ha completado un plan de intervención trimestral a lo largo y ancho de la provincia. Igualmente, nos planteamos acometer un anteproyecto para regular el teatro independiente de la región, tomando como punto de arranque el estudio de las leyes provinciales de teatro independiente en Argentina y Brasil… Y todo ello sin abandonar el fin último y prioritario de cada una de nuestras compañías: los procesos creativos. Unas creaciones muy diversas, ya que cada cual anda su propio camino y, a veces, en direc-

ciones estéticas muy divergentes. Como compañías independientes, nuestra relación con las instituciones pretende ser cabal. Nos mostramos críticos con ellas (también lo somos con el propio medio, tan clientelar a veces, y con nosotros mismos, siempre tan torpes y tardíos), pero no beligerantes. Estamos dispuestos a trabajar con las instituciones, les tendemos nuestra mano, siempre y cuando den un paso al frente, valiente, creativo y sincero. No somos ejemplo de nada. Simplemente nos hartamos de llamar a las puertas de otros, de casas que no eran las nuestras. Simplemente nos negamos ya a tanto plato vacío y el pan duro en la mesa. Porque si esa insuficiencia se torna orden, hábito o destino, quien la padezca –artista, minero o campesino- tendrá como derecho el monte y cualquier bandolerismo

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Lamatraka empresa de gestión cultural nacida con la crisis

Alamedeando los puso en el escaparate. Un evento que simbolizaba su forma de entender la cultura y su interés por desarrollar redes, trabajar en lo local, preocuparse por la participación y dimensionar proyectos a realidades. lamatraka es una empresa nacida ya con la crisis que se reinventa cada pocos meses, pero siempre desde una misma línea, para no perder coherencia. Los que quieren ser un motor de la cultura también tienen mucho que decir, y que pensar.

ANDAR, PARAR, MIRAR, PENSAR, ANDAR EN LA FOTO: SARA ROBLES, JAIME FERNÁNDEZ Y GOME,QUIEN DICE LLAMARSE “JUAN JESÚS GÓMEZ”

“La crisis nos ha dado algo bueno, nos ha dado la obligación de inventarnos a nosotros mismos. Es duro, pero necesario. ”

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Para empezar trabajáis en una oficina compartida.... Coworking le llaman a eso. ¿Qué ventajas tiene? Para nosotros es algo importante ya que tratamos de que las empresas con las que compartimos la oficina estemos vinculadas al sector creativo-cultural. Eso aporta muchas sinergias, contactos, sugerencias y al fin y al cabo, hace el día a día más enriquecedor porque compartimos muchas cosas, no sólo la oficina. Hace poco tiempo hicisteis un ejercicio de reflexión para replantear toda la empresa... Solemos hacer periodos de reflexión en los que tratamos de alejarnos de la vorágine del trabajo diario y ver las cosas con mayor perspectiva. Creemos que es un ejercicio sano, no sólo para la empresa, sino para nosotros. Muchas veces nos hemos visto a nosotros mismos perdidos en una vorágine de proyectos, ideas, creaciones o colaboraciones que hacen que pierdas el paisaje y te dediques sólo a caminar. El último “exilio” nos llevó a definir algunas de las líneas que estamos siguiendo ahora, como la especialización en proyectos que vinculen cultura y participación ciudadana y la formación, todo elementos básicos. Existía una demanda de talleres que se orientasen a temáticas más actuales, con personalidades importantes en el mundo de la cultura, pero de difícil cabida en programas formativos oficiales. Y no nos perdemos ni un taller, y así el beneficio es doble. ¿Cómo afecta la situación económica actual a un equipo de trabajo como el vuestro? De forma muy grave: los recortes pactados desde las instituciones afectan a lamatraka de forma directa. No creemos que la cultura

sea algo que debe ser subvencionado al cien por cien, pero tampoco creemos en la cultura minoritaria tratada como un bien de lujo, sino como algo básico. Por otra parte, lamatraka nació en la misma fecha que la actual crisis, en Septiembre de 2008, por lo que somos una empresa “acostumbrada” a trabajar bajo mínimos. Escuchamos que Alamedeando tal vez se financie mediante Crowdfunding ¿Pensáis que está ahí el futuro? LM: El crowdfunding es un método muy sugerente, pero tampoco es la panacea… Para nosotros lo importante no está en la obtención de recursos, sino más bien en que te da independencia y en generar una comunidad que apoya el proyecto, que lo defiende, y que confía en él. Después de la eliminación de apoyo por parte del ayuntamiento para la edición del 2011 y con el absoluto desinterés para la edición de 2012, puede ser una opción, pero no es seguro. Creemos que Alamedeando es un proyecto que ha demostrado su viabilidad, utilidad (todos los artistas son sevillanos) y crecimiento en sus tres ediciones y que en términos económicos es humilde, pero hay que cuidar otros proyectos también. ¿Os preocupa la autoexplotación? Por mucho que te guste tu trabajo, la autoexplotación es un problema… y serio. Si después de estar trabajando muy duro todo el mes, no llegas económicamente siempre te preguntas si podrías haber hecho más o mejor, aunque sabes que no todo depende de ti. Cuando eres tu propio jefe es muy difícil desconectar, más si te dedicas a consumir cultura en tu tiempo libre. Pero en general es un problema de los emprendedores y

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los sacrificios son muchos. ¿Cuáles son las nuevas oportunidades? La crisis ha abierto la mente a mucha gente, aunque mucha gente aún se aferra a unas formas de hacer y pensar tal vez caducas. Hay que aprender a mirar alrededor. Los movimientos sociales, la increíble apertura de internet, las nuevas fórmulas de trabajo y cooperación… Este momento es una putada, pero hay que seguir viviendo, tratar de desaprender y generar nuevas formas de relación, de trabajo, de inspiración, de vinculación social… Cada nuevo proyecto es un mundo por descubrir. La crisis nos ha dado algo bueno, nos ha dado la obligación de inventarnos a nosotros mismos. Es duro, pero necesario. ¿Y cómo os habéis inventado vosotros? ¿Cuáles son vuestros nuevos proyectos? ¿Qué es eso de Entretejas? Entretejas (www.entretejas. org) es un proyecto muy innovador que quiere crear una red de azoteas culturales. Va a tratar de implicar a un gran número de ciudadanos que participen de forma libre y autónoma en la programación y desarrollo del proyecto, utilizando sus propias azoteas como espacios culturales. Entretejas es la red de azoteas que denominamos ‘oficiales’ y que son propiedad de instituciones públicas. La red de azoteas privadas, que se vincula a Entretejas conceptualmente, pero que es totalmente independiente, se llama Redetejas. Creemos importante que las instituciones comprendan que estamos viviendo un cambio de paradigma y que es necesario comenzar a apoyar iniciativas de este tipo, en las que los ciudadanos se auto-organizan, gestionan y financian independientemente. Por ello, ha sido un lujo encontrarnos con el CICUS y la Casa de la Provincia que han entendido el proyecto en su conjunto.

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Juan Vinuesa de Albolote al cielo

TOCANDO PALOS Juan Vinuesa es un buen ejemplo de... muchas cosas. Abarca el hecho escénico desde casi todos los ámbitos: la interpretación, la dramaturgia, la creación o la gestión. Pero paralelamente ha trabajado y trabaja como periodista, y no por supervivencia, sino por convicción y por formación. Además, hace muchos años que hizo ese casi inevitable viaje de Granada a la capital, a Madrid, donde ha sabido desenvolverse sin perder el contacto con sus compañeros del sur. Inquieto, ¿nervioso tal vez? Curioso y, sin duda, singular, Juan Vinuesa, quien también escribe frecuentemente para LaTeatral, ahora nos cuenta su particular forma de salir adelante.

“Trabajar en varias ramas me ha aportado una visión más global del arte escénico y me ha dado mayor autonomía en mi trabajo”

Periodista y actor... ¿por vocación, necesidad o ambas cosas? Por futbolista frustrado. Soy muy aficionado al fútbol y eso me llevó a querer ser periodista deportivo. Y resulta que he hecho periodismo local, de sucesos o escénico, pero nunca de deportes. Periodista deportivo frustrado también. Y en Albolote hacía teatro aficionado con 13 años, en una época en la que pensaba que ser buen actor era gritar mucho y moverme aún más. Luego, a los 21 años, me matriculé en el Laboratorio William Layton, donde LATEATRAL

aprendí con grandes maestros. ¿Crees que con perfiles polivalentes es más fácil sobrevivir? Creo que es más fácil adaptarte a los tiempos que corren si te mueves por varios campos. He trabajado como actor, periodista o dramaturgo y el pasado año dirigí una Escuela Municipal de Teatro en Madrid. Me he formado en todo, pero estoy empezando en todo también. Lo que sí puedo decir es que trabajar en varias ramas me ha aportado una visión más global del arte

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escénico y me ha dado mayor autonomía en mi trabajo.

para afrontar esta aventura por el apoyo que recibí.

¿En cuántos proyectos estás? Escribo en revistas como Actores o Lateatral, en prensa en el Grupo Joly, colaboro en medios como la Cadena Ser Madrid o Canal Sur Radio y, actualmente, coordino “El Club Express Madrid”. Tengo una obra como autor y otra como coautor que andan girando. Y como actor los proyectos van y vienen. En eso llevo seis años. Pero lo que me quita el sueño es que llevo dos meses montando mi propia compañía. Comienzo con un texto tragicómico “Me llamo gorrión” escrito por José Padilla, un joven autor con mucho talento que acaba de estrenar con Alfredo Sanzol y ahora se nos va a Londres, al Globe Theatre, con una versión suya de Enrique VIII.

Vives en Madrid, pero mantienes mucho contacto con los compañeros andaluces. ¿Crees que el interés por ir a Madrid ha aumentado entre los actores andaluces? Está claro que en Madrid hay más oportunidades por cantidad. Pero también hay gente que ahora está volviendo: en Andalucía hay una gran infraestructura y hay claros ejemplos de gente que está allí y hace grandes cosas. Y sí, mantengo mucho contacto con compañeros de allí. Artistas como Julio Fraga o Miguel Zurita me han ayudado mucho y son personas y creadores en los que fijarme. Y mi “hermano” Chema del Barco y su mujer Antonia Osorno, dos de las personas más importantes de mi vida personal y profesional.

¿Estamos en época del “yo me lo guiso yo me lo como? Creo que es la época de las ideas, de la reinvención. Si el mercado ha cambiado tanto, la forma de acercarse y trabajar sobre él, también debería hacerlo. JUAN VINUESA Por ejemplo, las piezas breves, de repente, han tenido un auge que muestra que se puede hacer teatro de calidad con bajo coste. Pero debemos respetar las diferentes ramas y seguir formando profesionales. Que la falta de dinero y recursos no sea un “todo vale” y cuidemos todos los aspectos, sea la distribución, iluminación o interpretación.

¿Qué es lo más raro que has hecho para ganarte la vida? He trabajado en bares, McDonalds y creo que he puesto palomitas a todo el cine español. Pero lo que más recuerdo son los tres años que trabajé como animador en cumpleaños y comuniones. Tengo un problema: no me caben los gorros, y cada vez que pedían un personaje tipo Peter Pan o Jack Sparrow, lo pasaba fatal. En lugar de estar la hora y media animando o inflando globos, me la pasaba explicando por qué llevaba un pañuelo en la cabeza y no ese gorro tan característico de estos personajes. Los niños me llamaban impostor, pedían a los padres que me fuera y viniera el mago… Los pequeños te curten como un crítico especializado. Igual que mi madre, cuando los veranos voy a trabajar a la churrería que tienen y me dice con su guasa que sí, que estudie y trabaje mucho, pero que no olvide que me va a servir para ser “un churrero mu listo”. Y luego ya se verá

Nos han contado que hiciste unas papeletas para financiar tu espectáculo... Pensé en sortear un jamón y un bono regalo de 150 euros. El sorteo era para conseguir un dinero que no tenía y necesitaba para arrancar, pero inesperadamente se convirtió en una importante inyección moral

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44 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Gestora de Nuevos Proyectos EL EQUIPO DE GESTORA DE NUEVOS PROYCETOS. FOTO: ANTONIO ACEDO

EL ARTISTA A LO SUYO, AL ARTE

Nos lo pensamos mucho a la hora de localizar distintos profesionales que pudieran darnos una visión sobre cómo trabajar de forma diferente y adaptada a estos tiempos. Sin embargo, fue sencillo con este nuevo caso, el de Gestora de Nuevos Proyectos (GNP). Una empresa que lleva años aplicando fórmulas de eficacia y eficiencia a los artistas y compañías que trabajan con ella, aportando una cobertura legal asequible y evitando la creación de costosas y ruinosas estructuras. Pero, además, poco a poco GNP se ha ido involucrando en el sector, ayudando en la producción, colaborando, distribuyendo. Una amplia mirada y nuevas formas. Nada mejor para seguir sacando conclusiones. Nos vemos con Montse Pérez (gerente), Julio Erostabe (responsable de la gestión empresarial) y Sofía Aguilar (departamento de distribución) y sus respuestas nos sirvieron para seguir analizando la situación actual. LATEATRAL

ESPECIAL NUEVAS FORMAS

¿Podéis resumir vuestros servicios? Montse Pérez: Las pequeñas compañías necesitan desarrollarse y trabajar dentro del marco de la legalidad, por lo que GNP ofrece un cauce legal y administrativo para aquellas a las que no les resulta rentable constituirse como empresas. De esta manera, liberamos al artista de toda la carga administrativa, permitiendo que se ocupe de su verdadera profesión: la creación, y no los trámites burocráticos. ¿Qué repercusión tiene todo esto? M.P: El descenso en el volumen de trabajo de algunas compañías no les permite continuar constituidas como empresas. Si una compañía no tiene regularidad en sus ingresos no puede asumir costes empresariales fijos y esto lleva en ocasiones a trabajar en semiclandestinidad. GNP da de alta en la Seguridad Social y gestiona todos trámites e impuestos con Hacienda, para que así el artista esté dentro de la legalidad. Estas obligaciones, además, repercuten beneficiosamente a la sociedad. No solo la cultura es imprescindible, sino que estas pequeñas compañías en su conjunto hacen una gran aportación al desarrollo económico, al encontrar el cauce legal para su contribución tributaria. ¿Pensáis que ahora más que nunca a los artistas o compañías les pesa mucho el haber creado y mantenido estructuras empresariales? Julio Erostabe: Cada vez son más las compañías que no pueden afrontar los costes empresariales y tienen que cesar en su actividad, algo que no es positivo para el conjunto de la sociedad. Nosotros intentamos que aún en una situación adversa, la cultura y el

arte en sigan vivos y constituyan una fuente de riqueza. GNP supone una alternativa cada vez más valorada para los que no desisten en su empeño de vivir del teatro y la música de forma legal. También trabajáis en el terreno de la distribución. ¿Cómo veis el panorama? ¿Es la venta de espectáculos uno de los puntos calientes de la situación actual? Sofía Aguilar: La venta de espectáculos es el punto más delicado del proceso teatral, la parte menos apetecible del engranaje porque no está garantizada la rentabilidad de tu trabajo. Sin embargo, es una pieza clave del mecanismo y aún así sigue siendo una de las grandes lagunas en la producción. La inversión del esfuerzo se realiza a muy largo plazo, pero es uno de los procesos donde siempre hay trabajo. Siempre hay compañías deseosas de que las lleves y agradeciendo el esfuerzo que hacemos por canalizar su proyecto. El beneficio económico es otra cosa. Pero de eso la gente de teatro ni hablamos. Nosotros trabajamos por amor al arte. ¿Qué perfil de producción recomendaríais a los artistas y compañías hoy en día? S.A: Se está distribuyendo mejor el pequeño formato, sin grandes complicaciones técnicas y con cachets reducidos. Todos estamos haciendo un esfuerzo grande por seguir trabajando en la situación actual. Tanto los artistas como los gestores trabajamos más horas y tenemos inferiores ingresos, pero nuestra voluntad firme es seguir trabajando en nuestro sector, la cultura, con la misma energía y confianza en lo que hacemos. Qué os cuentan las compañías con las que trabajáis? ¿Cuáles son sus problemas? ¿Qué hacéis para

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ayudarlas a salir del bache? JE: Los problemas más generalizados son los relacionados con los recortes o la suspensión de los recursos que las Administraciones Públicas han venido destinando a la industria cultural. Desde GNP intentamos que el proyecto sea mas competitivo aliviando trámites y exigencias administrativas, ofrecemos la opción de anticipar el cobro del caché o contribuir a su financiación. Y también facilitamos un servicio de distribución, nuestra web y redes sociales. Precisamente esa experiencia de tantos años os ayuda a tener una visión con perspectiva. ¿Son estos los peores tiempos que recordáis? JE: Para las grandes compañías sin duda, para las pequeñas siempre han sido malos… Hay que buscar otras alternativas para llegar a todo el público, conseguir sacar a las gentes de su casa, que dejen apagada la televisión en sus cerebros y conecten en sus conciencias con el placer de contemplar una buena obra. Este modelo mezcla de ocio y cultura ha de ser un objetivo colectivo e individual de todo el sector. Pero además la Administración no puede dar de lado a una industria tan importante como la cultural, fuente de riqueza fundamental para un país civilizado

Montse Pérez: “GNP ofrece un cauce legal y administrativo para las compañías a las que no les resulta rentable constituirse como empresas” añodiez nº33

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46 ESPECIAL NUEVAS FORMAS

Cía. Milagros

aporta la visión de una compañía joven

QUIEN NO VIVIÓ OTRA COSA ENTIENDE

LA CRISIS COMO ALGO NATURAL La Cia Milagros, o lo que es lo mismo, la unión de fuerzas e ilusión de Sonia Astacio y Carolina Montoya, es el ejemplo de una compañía joven que se inicia en el mundo del teatro cuando todo está en contra. Ellas aprovechan cualquier ocasión para hacer lo que llaman “terrorismo teatral”: se plantan a actuar en plena terraza veraniega abarrotada de gente o en el comedor de un festival de teatro para conseguir así llamar la atención y ser escuchadas por un momento a modo de autopublicidad. Llevan vinculadas al teatro desde muy niñas y ahora acaban de estrenar su segunda obra: Sexapil, una delirante comedia musical que mantiene encendida la sonrisa de cualquier mortal durante más de una hora. Texto | Ramón Vargas-Machuca

SONIA ASTACIO Y CAROLINA MONTOYA

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¿Cómo entendéis el teatro? Sonia Astasio: Como una droga, una necesidad vital. No sabemos hacer otra cosa. Carolina Montoya: Es una forma de lucha, de provocación, de hacer lo que nos gusta y, al fin y al cabo, una forma de vivir. Me planteo la vida a través del teatro. ¡Lo nuestro es puro teatro! ¿Es difícil para compañías nóveles como la vuestra empezar en estos delicados momentos de crisis? ¿Cómo se tira para adelante? CM: La crisis se nota, pero tampoco nos ha cambiado nuestra forma de trabajar porque nunca hemos recibido subvenciones ni ayudas. Es la gente que más ha estado acostumbrada a tener y a sacar la que lo está pasando realmente mal. SA: Toca buscar más formas de reinventar, como por ejemplo hacer teatro en la calle y poner la gorra para poder seguir “malviviendo” del teatro.

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saquemos de taquilla lo repartimos entre todos los que hemos colaborado. Es momento para que no haya rivalidad entre compañeros, ¿cierto? CM: Es el momento para la unión, la resistencia y la creación. Toda crisis es momento para fomentar el amor al arte y competencia apenas existe, aunque también hay que saber a quién te unes. No queremos gente competitiva, solo que aporten buen rollo. SA: Y la ilusión puede con todo lo malo. Esta profesión tiene muchos altibajos y nos queremos dedicar a ella toda la vida, por lo que toca acostumbrarse a todo tipo de fases y momentos. ¡En el teatro hay hambre para rato!

¿Cualquier tiempo pasado fue mejor o quedan esperanzas para el mundo del teatro? SA: Ahora está la gente más metida en sus propios proyectos, ya que antes trabajábamos para otras compañías, con buenos contratos, Para vuestra primera pero eso ahora es un recurso obra como compañía promínimo y con nuestra propia basteis previamente los compañía tenemos más lisketches a pie de calle, bertad para crear lo que nos ¿habéis hecho lo mismo gusta. Yo soy más feliz así para la nueva obra, Sexapil? aunque dé menos dinero. “TERRORISMO TEATRAL” SA: Para esta obra priCM: Si algún día las cosas mero la hemos escrito y vuelven a estar bien econóa partir de ahí hemos ido micamente, vamos a tener probando los personajes en la calle, mientras que la tantas tablas, tanta experiencia y vamos a ser tan otra vez fue todo más resultado de la improvisación buscavidas, que nos vamos a comer el mundo. Así tras probar directamente en la calle. de claro (risas). ¿Ha colaborado mucha gente con vosotras para que Sexapil se estrene? CM: Por supuesto. Estamos empezando y no tenemos dinero. Nosotras misma dirigimos, escribimos, producimos, distribuimos… pero aparte contamos con la ayuda de muchos colegas, la mayoría de los cuales trabaja desinteresadamente a cambio de que también colabores con sus proyectos. Nos tenemos que echar una mano de cualquier forma. SA: En los dípticos no nos caben los agradecimientos. Son todos estupendos, desde compañeros de Barcelona que han venido solo para echar un cable, el de vestuario que viene de Madrid, familiares, la abuela de Carolina que ha hecho de productora poniendo su dinero… Y bueno, como esta obra ha tenido muy bajo presupuesto, lo mucho o poco que

Ya que no hay dinero para ayudas, ¿de qué otra forma podrían ayudar las instituciones para fomentar la cultura? CM: Dándole la importancia que tiene a todo tipo de cultura en general. SA: Por ejemplo, yo he vivido en Buenos Aires y he comprobado como allí el teatro forma parte de la vida. En todos los barrios hay locales para que los vecinos ensayen obras hechas por ellos mismos y habrá unas doscientas salas con actividades programadas para cada fin de semana y ninguna está vacía, por lo que te da a entender que eso es posible. Pero hay que concienciar a la población de que la cultura es necesaria para que algo así pueda darse en nuestro país. Integrar la cultura en la educación es la clave

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48 ESPECIAL NUEVAS FORMAS

Un caso práctico

Tomamos a Sevilla como ejemplo de las distintas movilizaciones que se van dando por toda España

TIJERA Y REACCIONES Texto | Gonzalo Andino

Distintos colectivos plantean resistencia activa frente a los recortes en Sevilla

Más información:

www.escenariosdesevilla.org

EN PÁGINA SIGUIENTE. ARRIBA: JOSÉ Mª ROCA, PRESIDENTE DE ESCENARIOS DE SEVILLA Y DIRECTOR DE PROD. IMPERDIBLES ABAJO: UN MOMENTO DE LA INAUGURACIÓN DE LA TEMPORADA ESCÉNICA, ORGANIZADA POR LA ASOCIACIÓN

Escenarios de Sevilla reclama una reunión con el alcalde, entendiendo que el problema de los presupuestos trasciende a la Delegación de Cultura LATEATRAL

A mediados del mes de marzo la delegada de cultura de el Ayuntamiento de Sevilla, Mª del Mar Sánchez Estrella, convocó una rueda de prensa para definir políticas que aclarasen el nuevo mapa cultural. En ella se ofreció una serie de recortes que afectaban fundamentalmente a los proyectos privados de la ciudad, especialmente a festivales y a espacios escénicos de gestión privada. Muchos de estos festivales quedaban dentro de un plan de bienalidades, otros afrontarían recortes de entre el 20 y el 40 por ciento en la ayuda municipal y algunos se encomendaban a futuras convocatorias, otras dependencias o directamente no eran contemplados desde Cultura. Los festivales, que llevaban meses de negociaciones, tardaron cierto tiempo en reaccionar, tal vez porque hasta la comunicación pública de las medidas no fueron conscientes del retroceso o quizá porque su estructura -la Plataforma de Festivales- no es muy operativa para momentos de urgencia. Pero lo hicieron, y contundentemente, a tra-

vés de un comunicado que ponía en duda todo el proceso de negociación y en el que afirmaban no considerarse valorados. Escenarios de Sevilla actuó mucho más rápido. Según esta asociación, en 2011 se pactó con el ICAS la no convocatoria de ayudas a la programación, por la herencia del gobierno anterior, a condición de que salieran en 2012. Estas ayudas finalmente se anuncian para este año, pero por un montante total de 50.000 euros, frente a los 200.000 de la última convocatoria, de 2010, que ya venía con recortes, un auténtico despropósito según las salas. La asociación rápidamente empezó a coordinar acciones, empezando por una carta abierta a la delegada en la que se manifestaban “engañados”. Se abrieron dos perfiles, en Facebok (norecortessvq) y Twitter (@norecortessvq), se redactó un manifiesto que hasta la fecha han firmado varios cientos de personas, a través de www.escenariosdesevilla.org o en los propios halls de las salas, y empezaron a llegar adhesiones de

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asociaciones afines. Tras un breve pero intenso fuego mediático cruzado, en el que la delegada defendía la apuesta por la cultura y las artes escénicas del ICAS o hacía referencia a la situación crítica de las arcas municipales, mientras que Escenarios convocaba su primer acto de protesta multitudinario en el Teatro DuqueLa Imperdible el 19 de marzo, llegó la reunión entre ambas partes el 22 de marzo. Desde ese momento, en el que Sánchez Estrella dejó claro que no existía posibilidad alguna de modificar su postura, el objetivo de Escenarios se situó definitivamente en el alcalde, Juan Ignacio Zoido, con el que esperan reunirse en la mayor brevedad. PERMÍTANME INTERPRETAR Llama la atención la más que probable destrucción de un modelo consensuado de planteamiento cultural para la ciudad de Sevilla, con resultados más que contrastados y una obvia rentabilidad social. Tal vez nos veamos abocados a presenciar un cierre masivo de salas, o el aumento de la precariedad, al tiempo que estos promotores se debaten entre las demandadas cifras de público y los también demandados objetivos culturales y sectoriales que las mismas administraciones les exigen. ¿Es posible un teatro comercial, social y sostén de la profesión al mismo tiempo? ¿Pueden espacios de menos de 200 butacas y sin un presupuesto importante a fondo perdido competir en igualdad de condiciones con los teatros públicos? ¿Se puede desde lo público, cuando incluso hay quien duda del carácter de privado de este tipo de iniciativas, entender lo que significa realmente emprender en cultura en una ciudad como ésta? ¿Son los mismos que deben apostar por el servicio público de la cultura los que están dando lecciones de mercadotecnia a los empresarios? Tal vez simplemente estamos perdiendo, como mínimo, el juicio

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50 ESPECIAL NUEVAS FORMAS Pedro Jiménez de Zemos98, muestra la lucidez de un equipo en permanente evolución Texto | Gonzalo Andino

DESDE FUERA, DESDE DENTRO Zemos98 no forma parte de las artes escénicas. No son parte de nada, pero son parte de todo. Es un equipo de trabajo que ha lanzado, consolidado o sugerido algunos de los conceptos y reflexiones no solo más interesantes sino, lo que es más importante, útiles, en el terreno de la gestión cultural. Siempre hemos tenido la impresión de que, en cierto sentido, han estado andando un paso por delante de lo que percibían en su entorno, o al menos han sabido dar la nomenclatura exacta y marco teórico más adecuado a las situaciones que el resto estábamos viviendo. Cuando el árbol no te deja ver el bosque, Zemos98 ha sabido dar algunos pasos atrás para disfrutar del paisaje y, sobre todo, describirlo. Y con ello, como nadie, han sabido saborear el presente. En momentos en los que eso, el presente, no existe y todo es un frenético “tirar p’alante”, tal vez Pedro Jiménez pueda aportar una pizca de calma y un gran saco de buenas ideas.

“Quien crea que en cultura existen productos cerrados, es que se dedica al empaquetado de ocio para supermercados” LATEATRAL

¿Estamos más al final de algo o al principio de otra cosa? Estamos en transición pero la transición no es nueva. Si lo viéramos todo desde una especie de determinismo económico mal estaríamos enfocando la cuestión: ni los cambios que se producen en la cultura es lo más importante que está ocurriendo a nivel social, ni estamos al borde de un precipicio. A veces, a fuerza de nombrar las cosas terminamos cayendo en ellas. ¿Crisis? sí claro, pero es que la precariedad del trabajador cultural, la falta de planificación política o el despilfarro en eventos innecesarios lo hemos visto “desde siempre”. Puedo parecer un optimista naif pero al margen de lo conocido se está bordando un tejido de proyectos culturales diferente al que se conocía, más híbrido, con menos subsidios públicos y con más intercooperación. ¿Hay que reclamar

lo que teníamos hasta ahora? Sí, claro, pero para repartirlo de otra forma. ¿Qué fórmulas son las que estáis valorando para poder seguir generando proyectos? En primer lugar centrarnos en hacer las cosas que más nos apetecen o que parece que son las claves para nuestro entorno. En segundo lugar abrir los procesos, quien crea que en cultura existen productos cerrados, es que se dedica al empaquetado de ocio para supermercados. Hay que intentar aportar más de lo que recoges y sobre todo siendo honestos con el proceso. Nuestro grado máximo de control y de experimentación es el Festival ZEMOS98. A partir de ahí vamos ideando otros proyectos. Y por último, algo que a veces se nos olvida, documentarlo todo muy bien, tener buenas imágenes, vídeos o crónicas es

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la mejor forma de poder evaluar y compartir procesos. Internamente usamos una palabra: producomunicación. Producir y comunicar al mismo tiempo. ¿Qué importancia tiene la innovación, el compromiso y la teoría actualmente, algo que es vuestra impronta? Aunque nos ha costado, y nos hemos enfrentado a etiquetas incómodas, creo que nos vemos como un equipo de investigación que al mismo tiempo produce contenidos. Miramos a nuestro alrededor, buscamos compañía en los viajes y aprendemos e intercambiamos conocimientos. Esto nos ha llevado a renegar, en los últimos tres años, de los procesos dicursivos propios de la investigación académica y a poner en valor el aprendizaje significativo y el laboratorio situado en nuestro aquí y ahora. Pero ese viaje no es propio de ZEMOS98, es un viaje colectivo, con sus vaivenes y sobre todo con sus procesos de “ecualización” colectiva. Además se ha generado una oportunidad, ya que esta reflexión en abierto nos permite ser conocidos como posibles docentes y la formación es algo que nos está permitiendo hacer otros contactos. Como equipo con afinidades con las artes escénicas, ¿Cómo crees que se han hecho las cosas en el sector? Nosotros podríamos considerarnos parte de muchos sectores, pero no formamos parte exactamente del de las artes escénicas, que es un sector “hecho y derecho”, con sus asociaciones, sus espacios de poder conquistados con el tiempo y su, perdón si suena duro, ombliguismo. Las artes escénicas es el sector más importante de la cultura en Sevilla y se lo ha ganado por historia y por trabajo, pero si ahora las cosas no van bien es por-

que seguro que todos hemos hecho algo mal. Desde fuera el sector ha marcado mucho su territorio, no ha dejado hibridarse, está muy clara en las reuniones colectivas, quiénes son los “teatreros” y quiénes no. Y eso a lo mejor es bueno, porque te permite ser fuerte, pero el hermetismo quizás ha provocado el rechazo de otros sectores incipientes. En todo caso la importancia de la red de salas, de compañías y de eventos debería ser atendida con mejores ojos por los que nos gobiernan porque si esto cae, reconstruirlo es harto complicado. ¿Y cómo lo habéis hecho este año con el Festival? Hemos vuelto a la autoimposición de plantear un “tema nuevo”: Copylove. Creo que este año es el más satisfactorio de todos y para ello nos hemos apropiado de una práctica de las artes escénicas: nos hemos autoconvocado en residencia junto a agentes locales que han querido acompañarnos. No queríamos presentar un armazón compacto que dijera “Esto es Copylove”, así que hemos utilizado las residencias para pensar sobre ello, generando así la mayoría de contenidos del festival y reflexionando sobre las comunidades y cómo se construyen, no tanto a partir de normas o leyes, sino a través de afectos, cuidados, vulnerabilidades que suelen estar invisibilizadas por la economía productiva que tenemos. Con más incertidumbre y precariedad que nunca, pero hemos querido regalarnos esto, que para quebraderos de cabeza ya tenemos el resto del año. No podemos menospreciar tampoco nuestro presupuesto, aunque sea muy inferior al de otros años. ¿Qué piensas sobre las protestas por los recortes? Es una reacción lógica, lo que

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no entiendo es cómo en 2011 no se hizo algo similar o cómo no se ha sido más tajante con injerencias como la de Giralda TV o la BIACS. Creo que no se ha creado un clima de movilización previo y que eso se está creando ahora, pero por otro lado se cae en el riesgo de ver estas “manifestaciones” como algo de muy cortas miras. Lo importante es que las protestas no se conviertan en un fin en sí mismo, en un acto aislado, hay que reclamar que la cultura debe ser participada, hay que desmontar la idea de que somos unos “subvencionados”. Lo más triste es que los medios parecen los más excitados con estas polémicas y con las artimañas de un supuesto periodismo de investigación sobre reuniones y filtraciones. ¿Qué crees que pueden hacer las artes escénicas por su supervivencia? ¿Hacia dónde deberían mirar? Yo no conozco las recetas mágicas, pero supongo que hay que mirar dentro para hacer autocrítica y fuera para conectarse con otros que están en situaciones similares. Debemos tejer redes de confianza con el público, con otros agentes culturales, con otros eventos y aprender de lo que tenemos cerca. Es importante darse un tiempo de calidad para pensar conjuntamente, y construir un espacio tupido al mismo tiempo que inclusivo. En la cultura, como en muchas otras cosas, es importante que todos nos vaya lo mejor posible, si hay medios de comunicación culturales de calidad, fomentarán la formación y la información de las compañías, festivales o salas, y todos aumentaremos el nivel poco a poco. Y mucho ánimo, no decaer, seguir adelante, repensar y exponer honestamente cómo se hacen las cosas; así seguro que encontraremos más oportunidades de trabajo cooperativo

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CRONICAS

SE PUEDE CRECER

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SERES QUERIDOS FOTO DE BEN ALBARES

EL TEATRO QUE VIENE CULMINA UNA EXCELENTE EDICIÓN CON CAMBIO DE FORMATO La nueva edición del Teatro que viene suponía todo un reto, y más en los tiempos que corren, al sufrir un radical cambio de formato y convertirse en un primer certamen, y no en lo que hubiera sido la décima “muestra”. Hasta ahora esta iniciativa había sido lanzada desde La Imperdible y apoyada por el CICUS con la idea de mostrar espectáculos de compañías con proyección. Pero este año Producciones Imperdibles apostó por la reinvención, con objeto de potenciar el proyecto y reforzar el objetivos de llamar la atención y ayudar a estos artistas emergentes a empezar a consolidar una trayectoria. Así, de la mano del CICUS y de un nuevo cómplice, el portal de servicios y contenidos culturales www.elclubexpress.com,

se realizó una convocatoria a la que respondieron unas 30 compañías de toda España. La selección, nos consta, fue difícil. Seis fueron los espectáculos escogidos y sometidos a examen por parte de un jurado formado por profesionales de la escena, quienes se dieron un buen atracón de teatro entre el 13 y el 25 de marzo. Y, aunque suene a tópico, lo cierto es que tampoco el jurado lo tuvo fácil, ya que todos los montajes mostraron un nivel realmente bueno, perfectamente asimilable al de cualquier programación regular de cualquier teatro. Commediais, una compañía hispano italiana, ganó el Primer Premio por su rigor en el tratamiento de la comedia del arte con Don Giovanni, mientras que los malagueños Bajotierra se llevaron

el galardón al montaje más innovador por su vitalista Seres Queridos. Ambos recibirán una cantidad en metálico y la opción de volver a ser programados en Sevilla, en el Teatro Duque-La Imperdible y Auditorio del CICUS respectivamente, mientras que Commediais además obtiene una serie de herramientas de difusión a través de LaTeatral y ElClubExpress.com. Además, el certamen fue testigo de muchos buenos momentos, como la frescura y descaro de Pespunte Teatro y su “Recuerda a los Ramírez Winchester”, la intensidad dramática de “Pedro y el Capitán”, de los cordobeses Círculo Teatro, el llenazo de “-Adas” o esos quince mágicos minutos iniciales de Pirómano Teatro en Extraordinaria Oscuridad

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54 CRÓNICAS

FESTIVALES QUE

HUMANIZAN CIUDADES TEXTOS: GONZALO ANDINO

FOTOS: RAQUEL ÁLVAREZ

ESCENAMOBILE CIERRA SU VI EDICIÓN CON EXCELENTES SENSACIONES

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CRONICAS

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EL CLIMA DE INCERTIDUMBRE GENERALIZADA, LA OBSESIÓN POR RECORTAR, POR DESBROZAR Y CASI POR PONERLO TODO EN DUDA NO HA ESQUIVADO, PARA QUÉ NEGARLO, A UN PROYECTO TAN SINGULAR COMO EL FESTIVAL DE ARTE Y DISCAPACIDAD ESCENA MOBILE, QUE POR SEXTO AÑO LLEGÓ A SEVILLA DE LA MANO DE DANZA MOBILE. El tándem formado por la directora del festival, pertenecían al círculo de Danza Mobile. También una de Esmeralda Valderrama, y el responsable de producción, las tres exposiciones que se inauguraban en simultáneo Fernando Coronado (al que seguro que no le gustará estaba protagonizada por varios de los miembros de los verse destacado en esta crónica), sin embargo, ha sabido talleres permanentes de creación. La clausura, mucho abstraerse de todos los obstáculos -empezando por la más informal e improvisada, pero igual de cálida y nureducción de cuatro a dos días de la programación en merosa, consistió en una tarde noche de relax en la Sala el Lope de Vega- y volver a poner en pie un año más un El Cachorro y sirvió para hacer un repaso a lo vivido, toda festival privado que es, como pocos, un necesario servicio una buena praxis, ésa de parar a saborear lo conseguido, público. También han vuelto a saber rodearse de un que en demasiadas ocasiones se olvida, pero también conjunto de miradas afines, cómplices, capaces de sumar fue un guiño al futuro y una prueba de fuerza. y de asumir el proyecto como propio, comenzando por el impagable Nicolás Nishiky, una de las vértebras de Danza Esta amplia participación también tuvo su reflejo en Mobile, atento a cualquier detalle, responsable, en gran el público asistente -más de 3.000 personas- a algunas medida, de que en el festival de las variadas actividades, o todas sus heterogéneas partes en las inscripciones a los talleguarden coherencia, dispuesto res, siendo además el aspecto a responder cualquier mínima formativo una de las claves del duda, a ser artista y artesano festival. En este caso, se duplial mismo tiempo, a ayudar al caron las solicitudes respecto crecimiento personal y profea la capacidad e incluso en la sional de los miembros de sus Muestra de Cine Sordo, dentro talleres plásticos que luego del Taller de Cine y Discapacidad expusieron en la Casa de la conducido por Pablo Navarro, se Provincia, a ser el alma en la cambió la sede sobre la marcha sombra de Escena Mobile. Y, para poder acoger a los más de cómo no, nuevos compañe200 asistentes. El cine ha sido ros de viaje que solo supieron uno de los grandes protagonissumar, como Fernando Lima, tas del festival, con momentos IMÁGENES DE “UNA CASA ENCENDIDA” director de “Una ciudad encenrealmente álgidos del Certamen dida” de Danza Mobile, quien CineMobile, como la multitudino se limitó a tomar la batuta naria entrega de premios. Sin del espectáculo que cerró la embargo, este año nos volveprogramación escénica el 26 mos a quedar más que con los de febrero, conmoviendo al público de un abarrotado datos, balances y actividades, con aquellos pequeños Lope de Vega, sino que estuvo muy presente y activo detalles que son lo que realmente dan sentido a produrante todo el festival. yectos como éste. Normalmente no es sencillo intentar trasladar el aroma de un festival, porque al fin y al cabo Probablemente a esta capacidad de implicación y de se trata de una experiencia muy personal basada en un colaboración, de generación de redes y de enraizamien- sinfín de apreciaciones imposibles de poner en orden. En to en general es a lo que más se ha agarrado Escena el caso de Escena Mobile este cúmulo de sensaciones Mobile en esta edición. Los actos más simbólicos, como emanan casi a borbotones, convirtiendo el contacto las inauguraciones y las clausuras suelen ser un buen con el festival en un momento único. Confiamos en termómetro para medir este tipo de temperaturas. Así, que las distintas instituciones que apoyan el proyecto el 2 de febrero en la Casa de la Provincia fue un buen sepan ver ese carácter único y definitorio, así como la reflejo de la salud en cuanto a participación, convocatoria imprescindible labor de humanizar la ciudad, haciendo un y movilización del festival, comenzando porque los 25 guiño al espectáculo dirigido por Lima. Me van a llamar artistas participantes en la performance dirijida por exagerado, pero prescindir de proyectos como éste solo Dennis Deniis, de la compañía de Gales Hijinx Teatre nos haría ser cada vez más animales

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56 CRÓNICAS

LOS LÍMITES DEL CIRCO EN LA FOTO: MY!LAIKA, SENSACIONAL

AL FILO PULE SU PROPUESTA EN SU SEGUNDA EDICIÓN Texto | Gonzalo Andino

Al Filo es el nombre con el que en 2011 el Teatro Circo Price de Madrid gestó un maratón de circo que asumiera no solo riesgo técnico sino también artístico y estuviera dentro de los parámetros de la escena contemporánea. Respecto a esa primera edición se ha producido una mejoría artística, una evolución y una consolidación de formato. Tal vez la línea artística sea más clara ahora para sus responsables que hace un año y además se ha tomado nota de la primera experiencia y se han pulido los desajustes, manteniendo lo que mejor funcionaba -como la orquesta- y apostando por cosas nuevas. Además, el circo contemporáneo necesita mantener este tipo de encuentros valientes, capaces de conectar a distintos agentes, no solo artistas, con inquietudes similares, y de hacer llegar estas LATEATRAL

realidades a la sociedad. Al Filo ha de ser una lanzadera para estas compañías, proyectos deseosos de conocerlas y un público incipiente, este año más numeroso, dispuesto y demandante de nuevas experiencias artísticas. Probablemente podríamos considerar que My!Laika fue el gran descubrimiento de la noche. Una puesta en escena contundente, con todos los elementos para ser clasificada en cualquier estrato: habilidades y técnica extrema, humor accesible, estética rompedora, música en directo, dramaturgia desconcertante. Para todos a los que nos importa un pimiento esa manida pregunta de “¿pero esto es circo?”, nada mejor que arrojar a los ojos de los incrédulos. La gala comenzó bien, con la mejor propuesta de los granadinos Vaivén hasta la fecha, un fragmento de su espec-

táculo Do not Disturb que dio pistas sobre el potencial de este magnífico montaje, y terminó como todo buen final de fiesta, con la locura energética de la siempre admirada Alba Sarraute, dispuesta a la difícil labor de levantar el auditorio tras más de dos horas de contemplación. En medio pudimos observar la constante el número de malabares de Silver, a los italianos Betticombo con un interesante diálogo de mástil y cubos, el virtuosismo contenido del valenciano Sergio Pla con las pelotas, la apuesta por las nuevas tecnologías de los valencianos Proyecto EDI, el trabajo sobre materiales de obra de Ervha Daninha o el juego de simetrías, equilibrios y asimetrías en el que parecen querer profundizar Doblemandoble. Que continúe la apuesta, por favor, que continúe, abriremos una Botella porque así sea

CRONICAS

Y QUÉ MADRE

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FOTO DE FÉLIX VÁZQUEZ

EL FENÓMENO LA GLORIA DE MI MARE, DE CHONI CÍA FLAMENCA

Texto | Juan Vinuesa

“Hijo, que nadie se vaya a reír de ti en los teatros. Si tienes problemas, llámame”. Y no le haces caso. Adviertes más voluntad que conocimiento. Y en los problemas que surgen, quizás, no puede ayudarte. Pero es ella la primera que se te viene a la cabeza. Tu madre. Es aquí donde se adentra La Gloria de mi mare, de Choni Cía Flamenca, en un mundo que sitúa en el lugar merecido a “la madre de la artista. A todas las madres. A todas las artistas”. El montaje se estrenó en 2010 dentro de la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla y lleva dos años cosechando un rotundo y sorprendente éxito por toda España. Desde la dirección, Estrella Távora crea una propuesta cargada de

ternura que se contrapone a estos tiempos deshumanizados. Ternura, a veces, incluso terrible. Habría sido una profanación violentar con manierismos la conmovedora actuación de los cuatro intérpretes: Juanjo Macías da como madre una lección de autenticidad, emoción y versatilidad: colosal el talento para el espectáculo del gaditano. La hija, Choni, despoja de prejuicios al flamenco a través de una técnica bailaora que transmite un hondo subtexto. Raúl Cantizano es el empresario, con una compleja creación de guitarra que aparenta sencillez, mientras que Alicia Acuña, su mujer, da rienda suelta a una voz y cante magistrales rebosantes de una fuerte carga emocional. A ritmo de seguiriyas y alegrías el montaje ha obtenido,

entre otros, el Premio Escenarios de Sevilla 2011 al Espectáculo de Teatro de la Temporada y al Mejor Intérprete Masculino (Juanjo Macías). Una historia que no queda en las tablas: desde 8co80, Elena Carrascal y Patricia Garzón mantienen su creencia en esa necesaria ligazón entre creación, producción y distribución. Juanjo Macías se incorpora a la comedia Catering de Concha Rodríguez, pero esta “Gloria” queda en buenas manos: las de Juanfra Juárez, quien ya ha demostrado, y lo vimos también, que el traje de madre exprime sus excelentes condiciones artísticas. “La Gloria de mi mare” sigue así con su exaltación del mundo del arte. Y de esas madres que te limpian una mancha con saliva sin importarles quien esté delante

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58 COMENTARIO

HA NACIDO UNA PAREJA CÓMICA Texto | Gonzalo Andino

Moncho Sánchez Diezma y Joserra Muñoz Leza son dos actores de extensísima trayectoria, bien mirados y respetados, y en situaciones algo distintas. Joserra, por ejemplo, lo mismo trabaja con una gran productora o compañía institucional que organiza un curso con gente que está empezando por amor a la

pedagogía y compromiso pasional con el oficio. Moncho compagina el teatro clásico y la televisión con la misma facilidad con la que pone un pie en Sevilla y otro en Madrid. Dos profesionales. Dos actores que, tras cruzarse varias veces en las tablas, se dan cuenta de que son un verdadero complemento, de que sus lenguajes, recursos y registros, físicos, corporales y textuales, son absolutamente compatibles. Esto no es más que una hipótesis, pero dudo que diste mucho de la realidad. Panicomedia es la compañía con la que lanzaron El inglés con dos

palabras, espectáculo que llenó cuatro días La Fundición y que volverá a la escena sevillana en mayo. Una sucesión de scketches que mantienen una línea argumental y un conjunto de personajes que se entrelazan, con la obsesión por dominar el inglés como trasfondo del asunto. Escenas muy cortas en las que asistimos a un humor contenido, llevado al absurdo en ocasiones, directo en otras, blanco “con un poquito de mala leche”, siempre. Percibimos un humor “contenido” porque el rigor en la interpretación, en respetar una cierta cadencia, en aguantar fielmente cada personaje y en no estirar absolutamente nada, marca el devenir del espectáculo. Un espectáculo con cierto mensaje, pero nada pretencioso, pensado para pasarlo bien. Un gusto de interpretación -atentos a la transformación en personajes femeninos de ambos actores- en la que se sucede un golpe tras otro, y en la que se percibe mucho más material de trabajo detrás del escenario. Ojalá que salga a la luz y Panicomedia nos haya mostrado solo su primer paso

Dos trayectorias se unen en El inglés con dos palabraS LATEATRAL

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OPORTUNO, NO OPORTUNISTA

Por un cuñado de dólares, de La Serda autoengaña, ese tragicómico payaso cuyo drama se esconde tras una fachada de risas, es la base de dos personajes que se encuentran casualmente en un gimnasio para compartir desgracias y plantear soluciones.El planteamiento escénico resulta muy familiar para el espectador, a través de una historia de supervivencia y personajes que llegan a situaciones disparatadas en una suerte de “poyaqués”, tal vez con ciertas transiciones un tanto mejorables que, en ocasiones, perjudican el ritmo y el mantenimiento del climax humorístico, pero con dos actores que han alcanzado una complicidad fundamental para aquello de la risa. “En España somos lo que somos y venimos de donde venimos, y nos hemos creído otra cosa”, nos decía Ignacio Andreu tras la representación. “Por un cuñado de dólares” anima a quitar hierro al asunto, a asumir la situación con visión de futuro, y a echar unas buenas carcajadas. Más oportuno, imposible

IGNACIO ANDREU Y ANDRÉS BLANCO

La Serda abrazaba su primera década de existencia con la creación de Por un cuñado de dólares, su última comedia, de original y perspicaz título, cuyo enunciado ya ponía el acento en la gran y tal vez única preocupación por la que gira el mundo hoy en día. Ignacio Andreu, paso a paso, ha consolidado un lenguaje y un perfil de comedia que arrastra a una ingente cantidad de seguidores, que también ocuparon fielmente las butacas de la Sala Cero en febrero. Muchos llenos y solo un “cuñado” de butacas vacías, las suficientes para hacerle el juego al título y a la situación que plantea el espectáculo. Es que la cosa está fatal... Andreu, quien vuelve a acompañarse por Andrés Blanco en el escenario, todo un descubrimiento con el anterior montaje El Delirio, se centra ahora en la obsesión por el dinero y por el estatus social a partir del trabajo y de la posesión o no de recursos económicos. De nuevo, el perdedor, la persona que se

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60 COMENTARIO Contemplar a los actores de Histrón Teatro en el escenario es una delicia. No se puede decir otra cosa. El fenómeno de “Los Corderos”, su montaje anterior, los catapultó probablemente porque, además de ser un sensacional montaje, los dirigió Daniel Veronese, uno de los directores más respetados en la escena contemporánea, quien los hizo subir un peldañito, pero, sobre todo, los consolidó como compañía absolutamente fiable, en parte al trasladar parte de su prestigio a una compañía que ya lo tenía más que ganado. Ahora, bajo la dirección de otro argentino en boga, Marcelo Subiotto, Histrión confirma, sobre todo para aquellos

que conocieron a la compañía a través de “Los Corderos”, que Veronese no hizo ningún milagro. La pasta de la que está hecha Histrión es su descomunal potencial interpretativo, en el caso de “Traición” encarnado por Constantitno Renedo, Manuel Salas y, cómo no, Gema Matarranz. Un material bruto dúctil y apetitoso, todo un lujo para el director que cuenta con este recurso y todo un manjar para los paladares hambrientos de buen teatro. No existen muchas compañías que se agarren al texto, la palabra y la interpretación como lo hace Histrión, ni actrices que crezcan en escena, sin mostrar soberbia, como Matarranz.

IM PE CA BLES

Histrión vuelve a sacar partido de sus actores con Traición

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Con estos mimbres, nunca mejor dicho, nada mejor que historias que se crucen, que jueguen con los tiempos, que entrelacen historias y que den al espectador la oportunidad de construirse su propio itinerario. El texto de Pinter, versionado por Rafael Spregelburg, es una magnífica oportunidad para Subiotto y el elenco para desarrollar un ritmo frenético, una exposición de inseguridades y cotidianeidad sin concesiones. Todo en frasco pequeñito, un auténtico concentrado de buen teatro, casi minimalista, abrupto como la propia naturaleza, confuso y humano como la propia realidad. ¿O acaso sabemos lo que queremos?

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La CurvA de Israel Galván apabulla Textos | Gonzalo Andino

Si algo tiene Israel Galván es lo mejor: que es único. Uno de esos escasos patrimonios vivientes y movientes que te hacen sentir seguro cuando sales del teatro en la primera función que presencias: “Ok, ya lo he visto antes de morirme”. Es para tanto. No veía a Galván desde su mítico solo en la Fábrica de Artillería para la inauguración del Mes de Danza 2010, cita para la cual rescata ahora varios pasajes. Allí me maravilló. Aquí me fascinó. Es una experiencia indescripFOTO DE GONZALO POSADA tible situarse frente a un creador de 360 grados. Todo él es pura creatividad, no se trata de flamenco, de evolución, de contemporaneidad o de expresión escénica. Se trata de

que es un animal que respira con generosidad y humildad para transmitirnos su esencia artística. En La Curva el despliegue creativo comienza con el planteamiento del espacio. Él solo se basta para cubrir el gigantesco escenario del Teatro Central completamente desnudo, en bruto. Unas sillas amontonadas, una mesa, un montoncito de harina, un piano de cola, un hombre con actitud de patriarca (Bobote, al compás), una señora a la espera (Inés Bacán, al cante). Israel, con su precisión habitual, va activando los distintos resortes del espectáculo. Una Sylvie Courvoisier descomunal aparece para darle al piano lo que

Galván da al baile; realmente estamos en un juego de construcción y deconstrucción continuo entre baile, cante y piano y es ahí donde la llamada a un taxi se convierte en coreografía y la expresión del rostro sustituye a un taconeo. Empieza el baile de los sentidos, en el que durante casi todo el espectáculo se van planteando nuevas situaciones, se van añadiendo nuevos elementos. Ponerse o quitarse la chaqueta es todo un acontecimiento, como lo es la llegada del humor, fundamental en el juego dramático. En La Curva Israel Galván muestra muchísimas cartas. A ver cuáles serán las siguientes

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62 TEXTO TEATRAL sección coordinada por Javier Berger

EDUARDO CHIVITE TORTOSA Profesor de Literatura Dramática de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla. Doctor en Literatura Española y Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Córdoba, y en Escenografía por la Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba. Graduado en el Máster de Escritura Creativa de la Universidad de Sevilla. Autor y productor de “Sharaija murió con trece años” (publicada por la editorial La Bella Varsovia en 2008). Promotor teatral y director artístico del proyecto de teatro de calle “Entre actos” para la empresa de gestión cultural La Caja del Agua. Colaborador habitual del Festival de Perfopoesía y las editoriales Cangrejo Pistolero Ediciones y La Bella Varsovia. Poeta, antólogo, investigador y crítico literario.

JAVIER BERGER es el coordinador de los textos teatrales de LaTeatral. Ya ni nos acordamos de cuando la revista no tenía textos teatrales. Pero este director, dramaturgo, guionista y actor (artista “apañao”, en definitiva) se propuso que abriéramos la puerta a la dramaturgia contemporánea. Y bien que lo consiguio. Premio Romeo Esteo, actor con Los Ulen, guionista de cine y televisión, cómico / poeta humorístico y descarado con su compañía Os Reverendos... Si quieres publicar con nosotros, él es la persona: jberger666@yahoo.es

Llámame Ofelia

OFELIA, CON SUS PASOS PERDIDOS, EL CABELLO DESNUDO Y LOS PIES DESCALZOS, ANDA CON UNA TORPEZA QUE EMBRIAGA A QUIEN LA MIRA, SUS CADERAS ALARGADAS Y SUS MANOS BLANCAS, BLANQUÍSIMAS Y ABIERTAS. CON LOS OJOS PERDIDOS Y LA BOCA DESNUDA Y SU ERRAR DESCALZO. TRAS DE ELLA, INQUIETA, UNA JOVEN LA BUSCA. IGUAL QUE EL SOL A LAS HOJAS, UN RAYO DE LUZ TRAZA INASIBLE UNA LÍNEA ENTRE AMBAS.

Ofelia. (Sin girarse hacia ella) Tengo que ir, tengo que ir, de veras; si lo entendieses…, eso no podría ser... Ser, ¿verdad que no?

Ofelia. (Cómica) Es así, así, sin más, no hay otro modo, no tiene razón, así, de pronto, y… y luego no se entiende, ni siquiera. Es así, te digo, así, sin más.

La otra joven vestida de Muerte. Ser… no (pausa). No, no vayas, cómo podrías, y… además, fíjate, ¡mira, fíjate qué cálido! (Se acaricia). ¿Cómo podrías?

La otra joven envuelta en tristeza.- No. No. (Pausa) ¿Por qué?, ¡di!, (molesta) ¡mírame! (Silencio, entristecida) Mírame, está todo tan hermoso; no vayas.

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TEXTO TEATRAL sección coordinada por Javier Berger

Ofelia. (Concluyente) Mi nombre… ¿Tú no tienes nombre? Un nombre obliga a ciertas cosas. Es de ese modo, el mundo es de ese modo, todo es… La otra joven sin nombre verdadero. (Interrumpiéndola) Tú no eres de ese modo. Yo lo sé, lo sé. Te he visto. Ofelia. ¿Cuándo? ¿Dentro?, ¿aquí?, ¿sí, me has visto?, ¡tú! ¿Por qué no tienes tú su nombre?, dime, ¡eh! (Silencio, se miran). Podías llamarte Cintia, o May, May sería un nombre bueno para ti. Si tuvieses ese nombre serías como pequeña siempre, y nada podría hacerte daño, y no habría más que sol en rededor tuya. La otra joven todavía de vida. (Divertida) Podemos darte otro nombre, cambiarlo todo con la facilidad de una sola palabra. Ofelia. (Interrumpiéndola, agitada) De un silbido de tu boca, de un guiño, de un momento… ¡Ofelia! Llámame Ofelia. La otra joven desnuda de llanto. No. No, cómo podrías, y… además, fíjate, ¡mira!, fíjate qué cálido (el sol es aún más tibio y dorado, se acaricia)… ¿Cómo? Ofelia. (Sin mirarla, de nuevo) Tengo que ir, tengo que ir, de veras. Eso no podría ser... ¿verdad que no?

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sé uno, sé uno!, ¡Ofelia! La otra joven a la espera aún de llevarla consigo. (Posa la mano en su boca silenciándola) “Ofelia” (niega con el rostro). Ofelia. (Le da la espalda) Tengo que ir. (Silencio. Gira el rostro sin llegar a mirarla) Dame otro nombre, ¡grítalo!, no sé…, ¡otro! La otra joven buscando otro nombre. (Cerca de su oído, susurrando) ¿Y “Te quiero”? “Te quiero” es un nombre hermoso. “Te… (Pausa) “Ofelia”. Ofelia. Hace frío, amor. La otra joven en medio del invierno. (Mira en todas direcciones. Riéndose, sin moverse) No hay flores, no hay ni una sola flor, nada; no puedo tejerte una corona, no puedo besarte la mejilla, ni siquiera dejar una orquídea abierta sobre tu cama, ¿ves?, ¡nada!, ¡ni una flor, ni una tan sólo! Ofelia. (Se arrodilla tanteando el suelo con los dedos, con las manos blancas y abiertas y desnudas, sonríe) Es así, así, sin más. (Abatida) No tienes su nombre. La otra joven vistiéndose de Ofelia. (Le acaricia el cabello y la mejilla) Un beso tuyo, un susurro de tu boca, un momento… (le acaricia el torso); ¡qué cálido sería! (cerrando ambas los ojos).

La otra joven vestida de esperanza. (Abrazándola) ¿Ser?... No. (Pausa) Otro nombre, otro: “Cielo”, “Pájaro”, “Arbusto” incluso. (Llora) ¡“Arbusto” no es mal nombre!

Ofelia. (Queda tumbada en el suelo de costado, buscando flores con su mano perdida, el cabello desnudo, los ojos abiertos. La otra joven la acaricia) Ni una, ni una, ni una, ni una…

Ofelia. (Lo intenta de nuevo, muy alegre, muy divertida, salta sobre sí de contenta, sonríe) ¡Ya, ya, sí,

Telón.

añodiez nº32

umOReaZOKaLeIOa feria de artistas callejeros XIII EDIZIOA 2012 maiatzak 17,18,19,20 mayo

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