Posada 13/100

pOSADA (13/100)

“Colapso y recuperación”

José Guadalupe Posada 1913-­‐2013

Coordinación: s José Antonio Platas jplatas@prodigy.net.mx

Curaduría: s Holger Roick

flat62@yahoo.com.mx

s Juan Ramón Lemus lejuanra@yahoo.com

PRESENTACIÓN El día 20 de enero de 1913 murió a los sesenta años de edad el artista grabador José Guadalupe Posada, figura clave del arte del siglo XX en México.

Este peculiar artista describió con originalidad el espíritu del pueblo mexicano de finales del siglo XIX y principios del XX. Abordó desde los asuntos políticos hasta la vida cotidiana, el terror por el fin de siglo y por el fin del mundo, los desastres naturales, las creencias religiosas y también la magia, nutriendo su obra con el imaginario popular mexicano.

Es considerado prototipo del artista del pueblo y precursor del movimiento nacionalista mexicano en las artes plásticas. Se dice que sus imágenes críticas evidencian la desigualdad e injusticia social existente en la sociedad porfiriana en México, cuestionando su moralidad y culto por la modernidad.

Nuestro artista presentó en su trabajo el colapso que vivió la Nación en el inicio de la revolución de 1910-1917, proponiendo un encuentro con la recuperación a través de lo cómico y lo grotesco. Colapso y recuperación son también temas muy actuales que nos preocupan.

No sabemos si Posada se lo propuso, pero lo cierto es que él ha sido maestro de varias generaciones.

Hoy todavía es referencia importante para un número significativo de grabadores mexicanos, aunque traspasen lo tradicional y experimenten con su obra gráfica, empleando las herramientas de la era digital.

A cien años de la muerte del grabador, el grupo xilografía mexicana (meXylo) ha logrado convocar a 14 artistas gráficos procedentes de diversos puntos geográficos: Alemania, Argentina, Canadá y México, para conmemorar a Posada y su legado artístico, con una exposición gráfica en la que mediante diversas técnicas de la gráfica; tradicionales, medios alternativos y nuevas tecnologías, abordarán temáticamente los conceptos de colapso y recuperación

PROYECTO La exposición itinerante “pOSADA 13/100” está integrada por 56 obras, realizadas ex– profeso durante el año 2012, por los artistas: Alec Dempster, Alejandra Basáñez, Alejandro Villalvazo, Alicia Candiani, Bodo Korsig, Elsa Madrigal, Guy Langevin, Holger Roick, Joel Rendón, José Antonio Platas, Juan Ramón Lemus, Nunik Sauret, Thomas Rissler y Rafael Zepeda Es una exposición colectiva de obra gráfica con las siguientes características: Temática: Colapso y recuperación. Queda a criterio del artista hacer referencia a la obra, concepto o propuesta de José Guadalupe Posada.

Técnica: gráfica tradicional, digital, serigrafía y mixtas. Toda obra contempla en uno de sus procesos al menos una estampa en relieve (madera, linóleo u otra).

Número de obras: 42 (treinta y nueve) de 52 X 52 cm./ 14(catorce) de 26 X 26 cm./ TOTAL 56 (cincuenta y seis) piezas

Cabe aclarar que la obra incluida en esta carpeta es una avanzada. La exposición completa estará disponible a partir del mes de febrero de 2013. En cuanto se reúna la serie completa se le hará llegar fotografía y demás información técnica.

Requerimientos para la exposición a platicar con los organizadores s Invitaciones, cartel s Difusión de la exposición en los medios de comunicación.

Apoyo museográfico s Las sedes podrán organizar actividades paralelas a la exposición (los coordinadores del proyecto o artistas participantes podrán actuar en ellas, siempre y cuando sean proporcionados viáticos y material requerido para el buen desempeño de las mismas). s Viáticos y transporte para el comisario de la exposición, que estará presente durante la etapa final del montaje y asistirá a la rueda de prensa e inauguración. s Aseguramiento de la obra.

Por su parte meXylo se compromete a: s Entregar en los tiempos convenidos la obra, el material de soporte y apoyo de la muestra. s Estar presente en la entrega-­‐recepción de la obra y participar del dictamen en esa fase. s Participar en al menos una de las actividades paralelas planeadas por la sede. s Estos requerimientos se realizarán de acuerdo a las condiciones y recursos de la sede.

Artistas:

Alec Dempster Alejandra Basáñez Alejandro Villalvazo Alicia Candiani Bodo Korsig Elsa Madrigal Guy Langevin Holger Roick Joel Rendón José Antonio Platas Juan Ramón Lemus Nunik Sauret Thomas Rissler Rafael Zepeda

ALEC DEMPSTER (Canadá, 1971) Estudia Artes Plásticas en York University y regresa a México donde se establece primero en Tepoztlán, Morelos. Se traslada al Estado de Veracruz donde vive primero en Santiago Tuxtla, Veracruz. Su obra está íntimamente relacionada con la cultura popular de Veracruz. Ha expuesto individualmente en México, Canadá, Francia y España. Es músico especializado en el género de Son Jarocho. Ha dado conciertos en México y el extranjero. En 2001 creó el sello discográfico Anona Music para difundir las grabaciones de campo y entrevistas que realiza con músicos campesinos de Santiago Tuxtla y San Andrés Tuxtla. Recientemente grabó un disco de sones jarochos con su pareja, Kali Niño Mendoza llamado ¨Café Con Pan¨.

ALEJANDRA BASAÑES (Argentina, 1963) Mi tema de creación se articula alrededor de mi experiencia migratoria. La migración me ha permitido de vivir otro tiempo espacial: otra vida. Este cambio de país estuvo relacionado a un rol desestabilizador de mi vida. Las diferentes búsquedas me han conducido a recorrer el camino de la migración, como tema de investigación, en el cual me encuentro totalmente sumergida. Para mí, la migración es una herida que marca en cierta forma el desarrollo subsiguiente de mi existencia. El hecho dejar las raíces de los orígenes, seguido de una integración en una nueva sociedad que nutre mi discurso de múltiples identidades.

Estudió Profesorado en Artes plásticas en Argentina, licenciatura en Artes en París, Francia, y ha realizado una maestría en Quebec en la Universidad de Laval.

Se establece en 2003 en la ciudad de Trois-­‐Rivières, Quebec, Canadá, desde entonces se dedica intensamente a desarrollar su carrera de artes visuales en el Atelier Presse Papier. Se desenvuelve también como gestora de arte y cultura, organizando y participando en numerosos proyectos colectivos e individuales.

Los campos predilectos como artista visual son sobre todo la instalación, estampa sobre vidrio, litografía, serigrafía y grabado sobre madera. Su principal proyecto consiste desde 2006, la búsqueda de una fusión entre la instalación y la estampa: Desde el año 1990 ha expuesto su obra en numerosas exposiciones colectivas y en quince exposiciones individuales, en Argentina, Canadá y en diversos países. Ha obtenido varias becas, premios y nominaciones, entre ellos el premio de las Artes visuales Stelio-­‐Sole, el gran premio cultural de Trois-­‐ Rivières.

ALEJANDRO VILLALBAZO (México, 1970) “La conjunción de técnicas, tanto tradicionales como alternativas en la gráfica actual y esta inagotable cotidianidad que nos rodea, sumada a la complejidad de sus lenguajes, abren una posibilidad más en el campo visual, ésta es la posibilidad de Alejandro Villalbazo”

Alejandro Pérez Cruz.

Realiza licenciatura (mención honorífica) y maestría en Artes Visuales en la ENAP-­‐UNAM, con orientación en pintura y gráfica respectivamente, ha asistido a numerosos cursos de especialización en el área de pintura, gráfica, teoría y pedagogía del Arte. Actualmente cuenta con más de 100 exposiciones entre colectivas e individuales en México, EEUU, Cuba, Puerto Rico, Argentina, Costa Rica, Italia y Alemania. Ha sido becario de diferentes instituciones en las que se destacan: FONCA (Jóvenes Creadores), Postgrado de la UNAM y la del programa de Estímulos a la Creación, del FOCAEM en la categoría de creadores (2007 y 2008). Ha trabajado como docente a nivel superior y medio superior principalmente en la UNAM y UAEM. Es el fundador del Taller de Producción e Investigación Gráfica LA PINTADERA. Ha ilustrado numerosas publicaciones en México y el extranjero. Actualmente se desarrolla como productor e Investigador plástico y visual independiente.

ALICIA CANDIANI (Argentina, 1953) “En mi entender, el arte contemporáneo tiene la misión de plantear preguntas más que de dar las respuestas. Utilizo la gráfica como un oxímoron que me permite canalizarlas: la técnica me da la oportunidad de disfrutar del material, de envolver al espectador a través de los sentidos para que, cuando descubre la incomodidad de mis preguntas, necesariamente esté atrapado en la reflexión que me interesa”.

Licenciada en Grabado y Arquitecta graduada de la Universidad Nacional de Córdoba, se especializa en técnica gráficas alternativas e imágenes digitales en la Iowa State University en Estados Unidos y en Arte Argentino y Latinoamericano en la Universidad de Buenos Aires. La obra de Alicia Candiani se ha expuesto nacional e internacionalmente en numerosas oportunidades desde 1977, participando como artista invitada en muchas de las principales bienales y exposiciones de arte contemporáneo del mundo. Ha obtenido numerosos premios y reconocimientos, siendo los más recientes el Gran Premio de la International Print Network Cracovia-­‐Oldenburg-­‐Viena en Alemania (2010) y el Premio Turner a la Excelencia en las Artes Visuales en la Universidad de California en Estados Unidos (2009). Paralelamente a su carrera artística se ha desempeñado como curadora, jurado de bienales internacionales y profesora universitaria. Durante los años 2008 a 2010 fue miembro del Consejo Directivo del Southern Graphic Council International con sede en Estados Unidos. Actualmente, Alicia Candiani es directora de “Proyecto‘ace”, un centro de residencias y producción de arte contemporáneo focalizado en la gráfica y sus interrelaciones con el diseño, la fotografía y los nuevos medios, del cual es su fundadora y presidenta de la Fundación ´ace para el Arte Contemporáneo.

BODO KORSIG (Alemania, 1962) "Mi tema principal ha sido el modelo de la conducta humana en condiciones extremas, tales como el miedo, la violencia, la presión o la muerte. En esto estoy especialmente provocado por el conflicto artístico de los procesos neurológicos y cognitivos que tienen lugar en el hombre que es difícil de registrar puramente científico. Aquí, en la interfaz de la determinación biológica y la conciencia humana, que quieren provocar una nueva percepción de estos procesos a través de mi arte. ” En su trabajo plástico favorece la xilografía impresa con aplanadora, la escultura y la instalación. Desde 1992 ha expuesto su obra en más de 100 galerías en todo el mundo, como por ejemplo en Berlín, Hamburgo, Munich, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, San Antonio, Chicago, Auckland, Tokio, Kyoto, Beijing, Barcelona, Copenhague, Paris, Praga, Milano, Luxemburgo y Palma de Mallorca.

Recibió once premios y becas internacionales y forma parte tanto en diferentes acervos de museos como en más de 40 colecciones públicos y particulares.

ELSA MADRIGAL BULNES (México, 1971) “Mi obra representa una manera de enfrentar la vida y todo lo que implica –la crudeza, la crueldad, la malicia, lo macabro, lo siniestro y la muerte– de una manera inteligente, con una ligera sonrisa que, lejos de negar la realidad, me hace alejarme de ella y verla desde otra perspectiva. Puedo volver a observar ciertos aspectos sombríos de la infancia con serenidad y placidez, o buscar mis propias víctimas y atacarlas sin llegar a dañarlas”

Maestra en Artes Visuales, especialidad en Grabado (Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos, UNAM). Cuenta con siete exposiciones individuales y desde 1992 ha participado en más de 70 exposiciones colectivas tanto nacionales como internacionales entre las que destacan: la Primera Bienal Metropolitana de Poesía y Pintura (UAM, Xochimilco, 1993) y el IV Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 1996), en donde obtuvo menciones honoríficas, así como Dalí lector y lectores de Dalí (Centro Cultural España, México, DF, 2004). Ha sido seleccionada en diversos certámenes como en el Premio La joven estampa, La Habana, Cuba; en Tokyo International Mini-­‐Print Triennial, Tokyo, Japón; en International Little Graphic Arts Competition Railways and Ecology, Vilnius, Lituania; en la Bienal de Ex Libris 1999, Sint-­‐Niklaas, Bélgica; en XIII Premio de Grabado Máximo Ramos Ferrol, Ferrol, Coruña, España; en VIII-­‐th International Biennale of Small Graphic Form and Ex Libris Ostrów Wielkopolski 99, Polonia, entre otros. Desde 1996 es integrante del Salón de la Plástica Mexicana, desde el 2000 integrante de la Sociedad Mexicana de Autores de las Artes Plásticas, y desde el 2006 de la Asociación Mexicana de Ex Libris.

GUY LANGEVIN (Quebec, 1954) « Mi trabajo explora la dualidad; la de la persistencia de los sentidos frente al olvido, la de la luz fugaz. Como esta dualidad, la imagen oscila entre la precisión y la vaguedad. Esto no quiere decir contradicción. La memoria y el olvido son los dos lados de la moneda , como la vida y la muerte, son indivisibles, inseparables. La luz necesita de la sombra para ser apreciada, y los recuerdos, para ser magnificados, encuentran en el olvido el compañero perfecto. La vida, como la memoria es fugaz.

La memoria está en el centro de ésta aventura. Esta dirigirá a cada uno de sus expectadores a la interpretación de la imágen, pero todos obedecerán a la plausible puesta en marcha, la presencia humana, una presencia palbable, como un olor más que sabor identificable, que lleva al espectador a sus propios recuerdos; a la interpretación a partir de sus experiencia. » Langevin es egresado de la Universidad de Québec en Trois Rivières. Cuenta con más de cincuenta exposiciones individuales en países como Francia, Portugal, Bélgica, Rusia, Puerto Rico, Reino Unido, Rumania, Bulgaria, España, Italia Yugoslavia. Ha participado de igual manera en más de sesenta bienales y exposiciones internacionales. Ganó el Concurso de Estampa Loto-­‐Quebec en 1988, en el 2006, en la 7e Bienal Bharat Bhavan de Arte Impreso, ganó el Grand Prix. En el año 2009, obtuvo el Premio Internacional de Guanlan, en la Bienal de Guanlan, y una Mención Honorífica en la Primera Bienal de Fuchun, también en China.

Participó en la fundación del taller Presse Papier, en Trois Rivières, Quebec, fue Presidente del Consejo para la Estampa de Quebec. Es uno de los fundadores de la Bienal Internacional de Estampa Contemporánea de Trois Rivières. En la actualidad se desempeña como Comisario de la Organización de Exposiciones de Intercambios Internacionales en el campo de la estampa. Ha sido becado por diversas instituciones de Canadá y de otros países. Obra suya forma parte de importantes colecciones de museos en Canadá y varios países más.

HOLGER ROICK ( Essen, Alemania, 1962) “Me hubiera gustado ser jazzista. Como artista plástico prefiero el grabado en madera. Es definido, por naturaleza, como una armonía entre extremos. También el jazz surgió del encuentro entre ‘negro’ y ‘blanco’... en el afortunado encuentro de dos razas. Lo que tanto jazz como xilografía comunican y muestran es la esencia y el significado de la vida.”

Estudió Artes plásticas y Carpintería/Ebanistería en Alemania. Después de varios viajes por toda la república en los años ochenta y una estancia por un año en el Centro de Estudios Científicos Na Bolom en San Cristóbal de las Casas, Chiapas, se estableció en 1991 en la Ciudad de México. Desde entonces ha sido instructor de carpintería, ebanistería y restauración como docente de artes plásticas y diseño en diferentes instituciones educativas. Cursó varias especialidades de xylografía en la Academia de San Carlos con el maestro Alejandro Pérez Cruz.

Desde el año 2002 se desenvuelve también como gestor de arte y cultura. Es fundador del grupo de artistas de gráfica mexicana actual, meXylo. Sus trabajos se presentan en exposiciones tanto en los países de habla alemana como en México. Talleres educativos y ponencias sobre gráfica y arte en general redondean las exposiciones que organiza. Los campos predilectos como artista plástico son sobre todo la escultura y el grabado en madera. Su principal proyecto consiste desde 1997 en una fusión de arte y diseño: CADA FIN… UN COMIENZO – Nuevos Ataúdes, una suerte de funeraria imaginaria para la que diseña, realiza y ofrece una gran gama de ataúdes y urnas de nuevas formas, materiales y conceptos humanísticos. Desde el año 2000 ha expuesto su obra en todo el país en numerosas exposiciones colectivas y en diez exposiciones individuales.

JOEL RENDÓN VÁZQUEZ (México, 1967) Realiza estudios de Licenciatura EN Artes Visuales en la ENAP-­‐UNAM. Paralelo a estos estudios, toma clases en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. De 2006 a 2008 cursa la maestría en la ENAP-­‐ UNAM.Ha participado en diversas exposiciones en África, Argentina, Cuba, Colombia, España, Estados Unidos, Holanda, Puerto Rico, Colombia y México. En 1993 obtiene menciones honoríficas por su participación en el III Concurso Latinoamericano de Grabado "La Joven Estampa" en la Habana, Cuba; en la II Bienal Nacional "José Clemente Orozco", en Guadalajara, México y en el Salón Anual de Mini-­‐estampa realizado en la ciudad de México. En 1994 es artista en residencia en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago; ese mismo año obtiene la beca "Jóvenes Creadores 94-­‐95" del FONCA, México, en el área de gráfica. En 1995 recibe el primer lugar en el III Concurso Nacional de Grabado "José Guadalupe Posada" celebrado en Aguascalientes, México. En 1997 es artista en residencia en el Centro Banff para las Artes en Alberta, Canadá y en 1998 nuevamente obtiene la beca "Jóvenes Creadores 98-­‐99" esta vez en el área de multimedia y en 2006 obtiene dos premios Promax, Oro y Plata en la ciudad de Nueva York, por su participación en una campaña de la compañía de televisión mexicana Televisa sobre el Día de Muertos. En su labor como docente ha colaborado en difundir las técnicas de la estampa, tanto en las aulas y talleres como en la televisión, en Estados Unidos, México e Italia. Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales, su obra gráfica ha sido difundida en diversos medios editoriales como las revistas Escala, Matíz, Play boy, Artes de México y Letras Libres, en el Fondo de Cultura Económica, Editorial CONACULTA, Editorial de la Universidad de Chapingo y de la UNAM, en la Editorial Alfaguara, y en periódicos como La Jornada y Reforma. De 2002 a 2004 conduce el programa para canal 11 Estampa al minuto.

JOSÉ ANTONIO PLATAS (México, 1964) “Construimos imágenes y las imágenes nos construyen. En este continuo ir y venir salgo a la caza de personajes, circunstancias, momentos y entornos.

Siempre en la calle captando lo sorpresivo, el diario hacer, lo accidental: la ciudad.”

Realizó estudios de licenciatura en ENPEG, La Esmeralda, INBA; Maestría en Artes Visuales en la División de Estudios de Posgrado-­‐UNAM y Museografía Aplicada en la Escuela de Restauración del INAH. Cuenta con quince exposiciones individuales y más de cuarenta colectivas nacionales e internacionales. Ha sido seleccionado en diversos certámenes como la III Trienal Havirov 2002, República Checa; International Small Engraving Salon Carbunari 2001, Muzeul Florean, Rumania; Qingdao International Print Biennial, 2000, Qingdao, China; Salón de la Estampa, Museo Nacional de la Estampa, México; ilustración para Mensaje del Día Internacional de la Danza 1997, ITI-­‐UNESCO, por mencionar algunos. En junio de 2008 fue invitado a participar con una estampa en la Caja del Tiempo 2008, colocada en la torre oriente de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México. Como ilustrador ha participado en las editoriales Praxis, México; Ánfora Nova, España; Ruptures, Canadá; Nexos, México y el periódico La Jornada, México. Dentro de la actividad museística ha sido jefe de departamento y colaborado en la Coordinación Nacional de Artes Plásticas del INBA, el Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble del INBA, la Feria Internacional del Libro Infantil de la DGP-­‐CNCA, el Museo Nacional de Culturas Populares, el Museo de América del Ministerio de Cultura de España, el Museo Universitario del Chopo-­‐UNAM. y como Director de la Galería de Historia del INAH.

JUAN RAMÓN LEMUS (México, 1961) “Después de dar más de tres vueltas en uno y otro oficio -­‐ nunca dejé de pensar en las artes visuales-­‐ me vi de repente muchos años después, haciendo grabado.

Actividad plástica de la que admiro la posibilidad que tiene de mostrarme opciones diversas de una misma imagen, desde la paciencia y el asombro.”

Desde inicio de los años ochenta recibió instrucción de manera no formal en el dibujo y la pintura. A inicios de los años noventa comienza a producir gráfica en el taller del Maestro Rafael Zepeda en la Academia Nacional de San Carlos, e inicia su trabajo como gestor, promotor cultural y museógrafo. También se ha desempeñado como funcionario de la cultura. Entre 1998 y 2006 participó en talleres diversos de plástica, crítica e historia del arte con Ignacio Salazar, Magali Lara, Víctor Lerma, Roberto Cortázar, Alberto Castro Leñero y José Raúl Bravo.

Cuenta con más de quince exposiciones individuales en la Ciudad de México, diversas ciudades del país y Quebec, Canadá; y múltiples muestras colectivas en México, Argentina, Uruguay, España, Italia, Austria, Checoslovaquia, Holanda, Polonia y Rumania, entre otros países. Obra suya forma parte de las colecciones: Centro Cultural San Ángel, CONARTE-­‐Nuevo León, Universidad Iberoamericana-­‐ Puebla, CONECULTA-­‐Chiapas, México, Belgrado Ex – libris Circle. Belgrado, Vórtice y Centro de Arte Moderno. Argentina, Pa´nstwowe Muzeum Na Majdanku. Polonia, Museo Civico di Grafica. Italia, Florean Muzeum. Rumania, Museo Nacional de Grabado: Fundación Lolita Rubial. Uruguay, Atelier Presse Papier y Atelier Silex. Quebec, Canadá.

NUNIK SAURET (México, 1954) “Los grabados de Nunik Sauret son historia. No contingencia ni acontecimiento, sino la historia permanente, la de los orígenes de la cultura, la del principio de los mitos. Al revocar el presente, no cancela la modernidad de las figuras. Son hombres y mujeres actuales; son seres y ángeles de carne y hueso, quienes entran en ese túnel del tiempo, negándose a asumir la trivialidad de lo cotidiano”.

Marta Traba

Egresada de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda, I.N.B.A., México, DF. Entre 1968 y 2010 realizó estudios de grabado con Octavio Bajoneiro, Mauricio Lazanski, Cornelio von Megerhsusen. Kisei Kobayashi, Tatsuna Watanabe, Kuniko Satake, Mokurito, Iwakiri Yuko. Cuenta con más de 100 exposiciones individuales en México, Colombia, Panamá y República Argelina, y participado en más de 400 exposiciones colectivas en México, Colombia, Holanda, Puerto Rico, Yugoslavia, Francia, Brasil, EUA, Japón, Finlandia, Noruega, Alemania y Portugal. Ha estado presente en 55 bienales y/o trienales en México, EUA, Colombia, Venezuela, India, Puerto Rico, Yugoslavia, Noruega, Bulgaria, Cuba, Brasil, España, Japón, Canadá, Polonia y Francia. Tiene en su haber premios, becas y menciones en México, Yugoslavia, EUA y Canadá.

Su obra se encuentra en más de 120 carpetas de grabado y litografía, en 26 museos, universidades e instituciones culturales de México, Colombia, Bulgaria, EUA, Puerto Rico y Japón.

THOMAS RISSLER (Alemania, 1962) “La imagen obtenida apunta sutil y consecuente a la vez hacia una dualidad de bendición y maldición sobre la información iconográfica producida en serie y de manera masiva: la xilografía. Al cuestionar estructuras técnicas y temáticas, sus trabajos permiten un vistazo a diferentes niveles de la realidad de una manera analítica y distanciada y a la vez conciliada e inspirada”

Entre 1983 y 1986, Thomas Rissler aprende el oficio de escultor en piedra. De 1988 a 1996 estudia en la Facultad de las Artes de la Universidad de Bremen, siendo alumno del maestro Bernd Altenstein. En 2006 su trabajo se ve impulsado por una beca del Galerista alemán Hans-­‐Jürgen Müller (†) para el proyecto futurista Mariposa en la isla de Tenerife. En el año 2007 gana la beca de la ciudad de Esslingen. Desde 1999 trabaja en el medio de la Xylografía y desde 2005 es miembro de XYLON-­‐Alemania. Thomas Rissler vive desde 1996 cerca de Stuttgart al sur de Alemania, donde tiene su taller y estudio.

El artista desarrolla sus imágenes o escenas en la pantalla de una computadora para después trabajarlas dándoles una expresión artística.

RAFAEL ZEPEDA (México 1938) “No siempre sé qué voy a hacer, pero empiezo a dibujar y voy encontrando algo que me interesa, entonces me quedo ahí resolviéndolo (…) Pinto para mí, porque yo siento que me da fuerza, que me revitaliza, estoy contentísimo haciendo algo y por consecuencia sé que a alguien le va a gustar, pero en un principio soy muy egoísta, lo hago para mí”.

Zepeda es uno de los artistas expertos en las técnicas de Litografía y Grabado. Desde temprana edad fue admirador de la obra de José Guadalupe Posada, esto lo llevó a tomar la decisión de estudiar en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Luis Nishizawa, Antonia Trejo, Luis García Robledo, Adolfo Mexiac, Antonio Ramírez, Héctor Ayala, Gabriel Fernández Ledezma, Ignacio Asúnsolo, Fernando Castro Pacheco y Antonio Rodríguez Luna, obteniendo posteriormente, la ayudantía en el taller de este último maestro sin olvidar a Francisco Moreno Capdevila, quien influyó en su formación como grabador. Con más de 50 años de trayectoria, ha tenido múltiples exposiciones individuales y una cantidad innumerable de colectivas en México, San Antonio, Texas, Caracas, Venezuela, Washington, D.C., Habana, Cuba, Italia, Madrid, España, Monterrey Nuevo León, Academia de Bellas Artes de Cracovia, Polonia. En 1972, a su regreso de Europa, se integra a la docencia en la “Academia de San Carlos” y en “La Esmeralda”, las dos instituciones más importantes de México en la formación artística profesional, y donde ha destacado en este campo y formado un sinnúmero de grabadores, litógrafos y pintores. Entre sus premios destacan: 1er. Premio Pintura Casa el Lago (1961); Mención Honorífica en Pintura, Premio ENAP, (1963); Premio Mención Calcográfica en la Casa de las Américas, Habana, Cuba, (1968); 1er.

Premio de Arte Gráfico. "Solar 68", Palacio de Bellas Artes México, (1968); 1er. Premio Adquisición de la Trienal Internacional Carpi Modena, Italia, (1969); Mención Honorífica de Pintura, Concurso Nacional del "Acero", Palacio de Bellas Artes México, (1971); Mención Honorífica a Nivel Nacional en el Concurso de Grabado "José Guadalupe Posada” (1995); Mención Honorífica en la categoría de Grabado en la Bienal de Pintura y Grabado "Alfredo Zalce", Morelia, Michoacán., (1997); el premio en "Crónica y Testimonio de la Enseñanza de las Artes", CNA Churubusco, (1998), Medalla Goya, en la XI Bienal Iberoamericana de Arte "Litografía de fin de siglo a 200 años de su invención". Su obra aparece en la mayoría de ediciones dedicadas a la Gráfica Nacional e Internacional, y los críticos más importantes le han dedicado importantes espacios a su obra. Su obra se exhibe de manera permanente en el Museo Ugo Da Carpi en Modena, Italia, Museo de Arte Moderno en Santiago de Chile, y el Museo de la Estampa en México, D.F. Desde 1999 radica en la ciudad de Aguascalientes, donde difunde la cultura creando nuevos espacios para la gráfica nacional.

Sobre meXylo meXylo se constituyó en febrero del 2002 por iniciativa de Holger Roick, artista plástico y promotor cultural alemán, quien vive desde 1991 en México. meXylo, nombre conformado por las palabras México y Xylografía, presenta gráfica actual tanto en México como en Europa, sobre todo en los países de habla alemana.

El grupo fue originalmente integrado por doce miembros. Aunque al principio se buscaba presentar solamente grabados en madera y en linóleo, ellos trabajaban con todas las técnicas tradicionales y varias formas alternativas de expresión gráfica, a menudo combinándolas. Cuatro de ellos eran extranjeros viviendo desde hace varios años en el país, de suerte que temáticamente su trabajo estaba profundamente arraigado en la realidad mexicana. Así, la premisa del altorrelieve quedó por el momento atrás.

Hasta el 2005, meXylo presentó sus trabajos en más de 30 exposiciones en Alemania. En los años 2006, 2007 y 2008 se mostró el trabajo de todo el grupo en diversos recintos de la Ciudad de México y a partir del 2009 se han organizado exposiciones colectivas con invitación explícita en diversos estados de la República.

En 2007 meXylo produjo la carpeta “Graficaciones”, incluyendo a 15 artistas aplicando técnicas diversas con las medidas 28 x 19 cm. En 2009 meXylo se realizó la carpeta “9”, incluyendo 9 artistas aplicando técnicas diversas con las medidas 33 x 33 cm.

Actualmente, meXylo elige a los artistas participantes exclusivamente para cada exposición, que frecuentemente son temáticas, dando nuevamente preferencia a las técnicas del alto relieve.

Para cada evento, otro integrante del grupo asume la responsabilidad y la coordinación, delegando la curaduría y las demás tareas. Los últimos proyectos están a cargo de los artistas e igualmente promotores culturales Juan Ramón Lemus (Chiapas) y José Antonio Platas (DF): 2012: Demarcar el Cuerpo, Exposiciones en Cuernavaca y Toluca 2013: Exposición pOSADA (13/100) en Aguascalientes

Coordinaci贸n: Jos茅 Antonio Platas jplatas@prodigy.net.mx Curadur铆a: Holger Roick flat62@yahoo.com.mx Juan Ram贸n Lemus lejuanra@yahoo.com