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El pasado 25 de Abril del presente año, dio inicio la Segunda Feria del Libro UAEM Sembrando Futuro organizada por el Patronato Universitario, la Dirección de Publicaciones de Investigación, la Dirección de Bibliotecas, e-UAEM, la Facultad de Artes, la Facultad de Diseño y la Federación de Estudiantes Universitarios de Morelos (FEUM), en coordinación con Venados UAEM. Esta feria brinda un espacio cultural de fomento a la lectura y al conocimiento, con el objetivo de poner al alcance de los asistentes la oferta de editoriales, así como acercar a los diversos autores al público lector, además de presentar diversas actividades culturales y académicas. Dichas actividades dieron inicio en la explanada del edificio Principal de la UAEM en el Campus Norte con la venta de libros, la exposición de los trabajos que participan en los concursos de Fotografía y Diseño de Cartel y la expo Ex Libris de Sergio Sánchez Santamaría, grabador de Tlayacapan. La inauguración de la Feria estuvo a cargo del rector de la UAEM, Alejandro Vera Jiménez. Hubo las presentaciones de algunos libros como el de “EL IMPACTO DE LA IMAGEN”; conferencias como: “El top ten del cine mexicano”, La presentación de la revista “Moira” y hasta un grupo de ska “Guante Blanco” nos acompañaron.
El video del evento completo lo encuentras en YouTube, puedes verlo desde la comodidad de tu hogar y aquí te dejamos algunas razones por las cuales de verdad deberías buscarlo.
Presentaciones de libros:
-Meta-Modelo ECO2 -Letras de tu cuerpo -A quien mucho ve al cielo acaba por salirle alas -Hacia el ámbito de derecho familiar -Once maneras de ver una gata rosa -Pablo Neruda en Morelos -Poemando en Cuernavaca -La noche y la luz. Fabulas de lo extraño
Conferencias:
-La agronomía del Tlacolote -5 razones por las que la lectura te va a conseguir trabajo -El top ten del cine mexicano -Seguridad hídrica
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El arte, en diferentes periodos, se dedicó a delatar el sentimiento común de sociedades enteras. Algunos como los japoneses buscaron siempre algo clásico; otros, como los italianos, utilizaron el arte como propaganda, del mismo modo que lo hizo Rusia y que en cierta medida también lo hizo México. Para los brasileños apropiarse de las formas del arte y hacer algo novedoso se convirtió en un mantra y los estadounidenses, como si fuera un presagio de la sociedad actual, se ocuparon del consumo desmedido. Así, entender las corrientes artísticas en su espacio y tiempo es vital para comprender el arte en general.
Modernismo Hace énfasis en el estilo y en la estética de la “buena forma” Mientras el Modernismo era tipificado dentro de las nociones de la permanencia, la paleta de color del Modernismo mutaba hacia la prevalencia del blanco, el negro y los grises; el Modernismo admiraba las propiedades de la integridad del material.
Art Nouveau
Un estilo decorativo exageradamente asimétrico que era utilizado en toda Europa durante 1893 y 1905. Utiliza técnicas que le son propias: la producción mecánica, como el cartelismo y la impresión. Se caracteriza por su adaptación a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla ligado a la producción industrial. Usa formas y líneas onduladas, libres y casi nunca rectas, del desborde de detalles pero en un sentido calmado.
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Expresionismo
Fue un movimiento modernista, originado en Alemania en 1890 como una reacción al positivismo y otros estilos artísticos como naturalismo y el impresionismo. Busca y logra expresar violentas emociones, que van desde adentro hacia afuera, al contrario del impresionista. Su objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador por medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con audacia de formas y rigido colorido.
Cubismo
Se inicia en París entre 1907 y 1914 buscando romper con la pintura “tradicional” que se había practicado hasta antes de este, lo que permite la apertura a nuevos movimientos contemporáneos. Resalta la bidimensionalidad del lienzo. Por lo que reducen y objetos fracturado en formas geométricas, y luego realinearse éstos dentro de un espacio poco profundo, tipo de relieve. También utilizaron múltiples o contrastantes puntos de vista.
Futurismo
Fue un movimiento artístico y social que se originó en Italia en el año 1909. Hizo hincapié en los temas del futuro como la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia, y los objetos de la industria. Repudiaban el culto del pasado y toda imitación, alabaron la originalidad, llevaban con orgullo “la mancha de la locura”, desestimó críticos de arte como inútiles, se rebelaron contra la armonía y el buen gusto, barridos todos los temas y sujetos de todo el arte anterior, y se vanagloriaban en la ciencia.
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Constructivismo
Un movimiento de arte abstr acto que surgió en Rusia antes de la revolución. Este movimiento intenta crear arte a través de diferentes propiedades abstractas. Sin embargo, lo hicieron de estudios más científicos como el estudio de la superficie de la obra, construcción, línea y color. Buscaban aplicar su arte a las necesidades industriales y sociales de su tiempo, integrándola a la arquitectura y experimentando con distintos materiales como ropa o mobiliario. Tuvo gran influencia para instituciones como la Bauhaus.
Dadá
Dadá no significa nada y así como su nombre, este movimiento intentó establecerse como el primero antiarte. Durante la Primera Guerra Mundial, Hugo Ball, Hans Arp, Tristan Tzara y otros artistas que escaparon de la guerra, utilizaron el sinsentido en textos y performance como protesta contra los ideales del mundo entero.
Bauhaus
El histórico Bauhaus (1919-1933) cuyo objetivo era combinar el arte y la artesanía, busco ofrecer el entorno adecuado para la realización de la obra de arte total. Con este fin, a los artistas prometedores se les ofrecería una combinación única de la investigación, la enseñanza y la práctica que fue inigualable por academias y escuelas rivales de artes aplicadas. Enseño métodos para trabajar con materiales creativos que utilizan un enfoque educativo nuevo y, a veces experimental. Esto fue seguido por la formación en los talleres, que en gran parte prescindido de la división entre la teoría y la práctica.
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Art Decó
Apareció por primera vez en Francia en los años 1930 y 1940. Es un estilo que combina motivos tradicionales del arte con imágenes de la era de la máquina y los materiales. El estilo se caracteriza a menudo por ricos colores, formas geométricas en negrilla, y la ornamentación lujosa. Una de sus principales atributos es un abrazo de la tecnología. Esto distingue Decó de los motivos orgánicos preferidos por su predecesor Art Nouveau. Representa lujo, glamour, la exuberancia, y la fe en el progreso social y tecnológico.
Art. Pop
Retomó elementos del consumismo y la cultura de masas para evocar ironía y celebración. Comenzó en los años 50 y hasta mitad de los 60, se caracteriza por el uso de imágenes tomadas de a cultura popular, usando fotografías o dibujos de revistas, comics, anuncios publicitarios o fotogramas de películas, sacadas de contexto. Nace como reacción al elitismo de la cultura oficial y el expresionismo abstracto imperante por entonces, y no le hace falta un toque irónico que resalte lo banal de las imágenes.
Elementalismo
Movimiento pictórico surgido en 1926 como una reacción contra las rígidas normas del neoclasicismo. Admite, no obstante, que su origen radica en el propio neoclasicismo de Piet Mondrian y al igual que el elementalismo dota de nuevas exigencias dinámicas. Van Doesburg estableció unas nuevas pautas artísticas a partir del Neoplasticismo hacia mediados de la década de los 20. Aunque continúa con la preferencia por el ángulo recto el protagonismo de la intersección de verticales y horizontales añadiendo líneas diagonales. Consigue introducir la inestabilidad en la rígida red.
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Movimiento CIAM
El Congrès International d’Architecture Moderne, fundado en 1928 y disuelto en 1959, fue el laboratorio de ideas del movimiento moderno. Constó de una organización y una serie de conferencias y reuniones. Vio la arquitectura como una herramienta económica y política que se podría utilizar para mejorar el mundo mediante el diseño de edificios y el urbanismo, proclamaron que los problemas a los que se enfrentaban las ciudades se podrían resolver mediante la s egregación funcional estricta, y la distribución de la población en bloques altos de apartamentos en intervalos extensamente espaciados.
Funcionalismo
Surge en Inglaterra en 1930 cuando se comenzó a superar el periodo del Art Noveau. Se basa en la utilización y adecuación de los medios materiales en fines utilitarios o funcionales, que sin embargo puede ser considerado como medida de perfección técnica, pero no necesariamente de belleza, para responder a las nuevas necesidades de la sociedad. No era suficiente deleitar la vista, si no que tenía que tener un propósito útil.
Organicismo
Promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural, fue promovido durante la decada de los 30. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada. El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura.
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Escuela Suiza
Surge en los años 50, también conocido como Diseño Suizo, y pronto se expandió por todo el mundo, llegando a ser el estilo predominante hasta los años 70. Nace por la necesidad de formatos multilingües y claridad comunicativa para trascender las barreras del idioma, y este estilo ayudo a satisfacer las dichas necesidades. Sus principios se basan en los ideales del modernismo y constructivismo: busca la sencillez y el orden, bajo la reducción de ornamentos, priorizando la comprensión y organización. Se caracteriza por la presentación objetiva de la información de forma clara, la maquetación del texto en bandera con tipografía sans serif, se convirtió en la protagonista de los impresos.
Op Art
Un movimiento abstracto del año 1958 en Estados Unidos. Se basa en los efectos ópticos que se logran con la estimulación visual. Da sensación de movimiento a una superficie bidimensional, logran que el expectador colabore de manera activa, ya sea desplazándose o moviéndose para captar el efecto óptico, es por este que este tipo de obras no tiene ningún tipo de apariencia emocional. Se basa en principios científicos a fin de producir efectos visuales inéditos y existe la posibilidad de que el expectador modifique la configuración que ofrece.
Minimalismo
En los años 60 se utilizó este término para describir al arte que había abandonado todas las pretensiones, elementos sobrantes, se reduce a lo esencial. Las figuras se dan por la oportunidad, como un puñado de arena, o se hacen con formas geométricas simples que tienden a repetirse. Buscan la sencilles y la reducción de toda alusión simbolica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, volumen o espacio.
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El Anti-Diseño Este movimiento, originado en Italia en los años 60, Es la forma de dirigir el potencial del diseño, algo que iba más allá que acariciar un estilo con el único fin de incrementar las ventas. Anti-Diseño se identificó con la idea de la “efimeridad” del Pop, el consumismo y el lenguaje propio de los medios masivos de comunicación; le daba riqueza al potencial del color; exploraba el ornamento y la decoración.
Art Punk
Nace en los ‘70 en Inglaterra, como rechazo al mundo de las ‘buenas costumbres. Como movimiento, se relaciona estrechamente con el Dadaísmo, y el Surrealismo. Donde tomaron parte de su estética y técnicas o las posturas frente a la vida y a la sociedad. Se utilizó letras recortadas para fabricar tipografías al estilo “carta de extorsionista”, y collages con imágenes fotocopiadas, donde la legibilidad no importaba, sino el sentimiento y el concepto que se transmitía con el diseño.
High Tech
Es un estilo arquitectónico que se desarrolló en los años 70 que se caracteriza por ser símbolo y expresión de poder. Buscó dar un aspecto estético industrial, neutro y flexible a todas las obras arquitectónicas mediante el uso de materiales como el vidrio, acero u hormigón.
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Postmoderno
El término se utilizó por primera vez alrededor de 1870. “La razón de ser, es escapar de la doble mental del Modernismo por ser cuidadoso en su crítica al extenderla a la religión, así como la teología, al sentimiento católico, así como a la tradición católica”. Mezclan imágenes del arte tradicional con el comic, el graffiti, así como con publicidad, todo lo interpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva. Se asume el arte como objeto y finalidad en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad circundante.
Deconstructivismo
Es un movimiento que surge en los años 1960 en Francia y su apogeo fue en 1980, 1990. La apariencia se caracteriza por una estimulante IMPREDECIBILIDAD y un CAOS CONTROLADO. Rompe con las funciones, formas, materiales y con volúmenes creando una confusión geométrica a gran escala. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal y el uso de la geometría con formas no rectilíneas, que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales como las estructuras. Su propósito es liberarse de las reglas modernistas. LA FORMA SIGUE A LA FANTASIA
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Tiburones de México Documental El Cinema Planeta, A.C., con el apoyo del Gobierno del Estado de Morelos y el Ayuntamiento de Cuernavaca, te invita a ver “Tiburones de Mexico” un documental bajo la dirección de Gerardo del Villar, quien logró en el 2004 el sueño de ser fotógrafo subacuático y enfrentarse por primera vez a los tiburones. Ha colaborado como escritor y fotógrafo con varias revistas como México desconocido y National Geographic Traveler. Realizó el Proyecto tiburón y es el único latinoamericano que ha fotografiado e interactuado libremente con los 10 tiburones más peligrosos del mundo. En 2014 produjo el documental Tiburones de México, el cual obtuvo varias distinciones en festivales internacionales. El proyecto que dura 50 minutos tiene como objetivo el desmitificar a los tiburones, para cambiar la percepción que se tiene de ellos y asi contribuir en su conservación, educar a la gente por medio de diferentes estrategias, mostrando la cara real de estos depredadores. Los tiburones llevan en la Tierra más de 400 millones de años, han sobrevivido más de cinco extinciones masivas. Habitan este planeta desde mucho tiempo antes que los dinosaurios, y nosotros, los humanos, los estamos llevando al borde de la extinción, y México es un santuario de tiburones a nivel mundial, hay más de 400 especies a nivel mundial de tiburones, de las cuales en México tenemos registradas 104. Interesante ¿no?, aquí te dejamos los horarios para que asistas a alguna de las funciones de Cinema Planeta. CINE MORELOS/ SALA MORELOS Jueves 21 de Abril, 20:30 hrs. CINE MORELOS/ SALA MIGUEL ZACARÍAS Viernes 22 de Abril, 18:00 hrs. CINETECA NACIONAL Sábado 07 de Mayo, 18:30 hrs. Si no puedes asistir, también te dejamos la pagina oficial de Gerardo del Villar, para que lo descargues ¡no te pierdas esta oportunidad! www.gerardodelvillar.com
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El 2017 ofrece a los diseñadores gráficos nuevas opciones en lo referente a tendencias que adoptar. Mientras que muchas de las tendencias de diseño gráfico de 2016 se mantienen populares como siempre, hay algunas nuevas que dirigían la vanguardia de las mentes de diseño.
2. Aplicaciones web progresivas PWA
1. El diseño web se convierte en diseño móvil Ya los días de diseñar una experiencia web para los usuarios de PC, y luego adaptarlo a las pantallas de tableta y de teléfonos inteligentes, son cosa del pasado. Ahora ya se asume que el diseño móvil sea el que abarque a la mayoría de tus usuarios. El diseño móvil es el nuevo estándar para el diseño web. Esto significa que las funciones móviles, como la hamburguesa/menú oculto o pantalla de ancho completo, pronto serán comunes en los sitios de escritorio también. Esta tendencia será un elemento común a la mayoría de los elementos de esta lista.
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Es como una aplicación normal (nativa), pero que vive en nuestros navegadores, no necesitas descargar nada en tu dispositivo. Son servidos desde la web. Se pueden iniciar desde el escritorio y no necesitan de app store o play store para existir. El diseño web se estaba pareciendo cada vez más al diseño de aplicaciones. Las experiencias web se parecerán a las aplicaciones, y se desarrollarán como si fueran aplicaciones. Pronto la web tendrá el aspecto de una aplicación. Y la otra parte parecerá…. anticuada.
4. Microinteracciones
5. Reticulación
3. Diseños en Esqueleto.
No se refieren a la apariencia de un sitio web o aplicación. Son acerca de la forma en que se cargan. . Son un sistema que asegura que tu experiencia en la web o la aplicación sea lo más rápida posible, proporcionando el esqueleto de la pantalla sobre la cual estás navegando. Así los usuarios pueden predecir o anticipar lo que estás a punto de cargar, haciendo que el corto tiempo de espera sea más fluido.
En cada dispositivo, cada vez que cambias una configuración, estás realizando una microinteracción. Cuando pasas el cursor sobre un botón, su color cambia. Cada ‘like’ es una microinteracción también. Las microinteracciones le permiten al usuario saber que su acción ha provocado un cambio, y no necesita hacerlo de nuevo. La microinteracción también puede sustituir fácilmente procesos. Pedir la opinión del usuario, donde una elección entre tres o cuatro emoticones puede suprimir la necesidad de llenar un aburrido formulario en línea.
Tendremos una cuadrícula basada en CSS funcionando en casi todos los navegadores. Es decir. que la construcción de una cuadrícula impecable y sensible para el diseño de tu sitio web será más fácil que nunca. Ya no sera una cuadrícula geométrica para organizar su contenido. Los elementos que rompen los límites de las cuadrículas rectas tradicionales se convertirán en el nuevo estándar. Incluso los sitios corporativos en las industrias van a adoptarlos, haciendo que los sitios web que aún se adhieren a la vieja cuadrícula luzcan un poco desgastados.
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8. Animaciones por desplazamiento e imágenes cinemáticas
6. Diseños verticales y divididos
7. Imágenes SVG´s
Dado que son escalables, significa que son independientes de la resolución y se verán perfectos en cualquier pantalla. Esto soluciona el problema en el que se preparaba Los módulos horizontales ya archivos para las pantallas de eran la norma, especialmente resolución normal y otro para las pantallas de retina. en las landing pages, la disposición vertical y dividida finalmente ha surgido como una Esto es mejor para los logos y cualquier elemento de maralternativa fuerte. Funcionan bien y ofrecen dos ca. Crea tu logo una vez, y o más opciones diferentes siempre se verá genial, no importa en qué tamaño. para el usuario. A menudo veAdemas no realizan ninguna rás este diseño del sitio emparejado con un montón de es- solicitud http. Esto se debe a pacio negativo y tipografía en que todo el contenido es sólo texto, lo que lo hace muy rápinegrita. Incluso puedes utilizar más de do para que los navegadores lo lean. dos módulos verticales. Esto divide tu contenido en va- Por si no fuera poco, pueden rias facetas, lo que las hace ser animados, y son perfectos perfectas para la navegación para crear fondos geométricos. del sitio.
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Cada animación que descubrimos a medida que nos desplazamos hacia abajo de la página se han convertido en un elemento clave de la narración. Los GIF han vuelto gracias a la locura de los memes. Pero ahora, los GIF vienen en una nueva forma: el cinemagraph o imagen cinética. Que son imágenes donde una pequeña parte tiene un movimiento repetitivo, creando un bucle animado. Tienen la capacidad de volverse virales fácilmente, y pronto será ampliamente utilizado por sitios de comercio electrónico y para publicidad en banners.
10.- Degradados y duotonos
11. Retro / Brutalismo 9. Botones de call to action animados
Una vez que hayas probado todo para que tus botones de llamada a la acción (Call to Action o CTA, por sus siglas en inglés) se destaquen (estilos 3d, colores contrastantes …) Animarlos todo lo que puedas! Esto no es lo mismo que un aviso emergente pop-up o un de subida fly-in. Los botones CTA animados significan que el movimiento está dentro del botón, lo que te atrae a hacer clic en él. Pero ten cuidado; cuando no se hacen bien, los CTA animados resultan molestos.
Estos de hecho son el mismo efecto, que consiste en “imprimir” una imagen en dos tonos del mismo color, o negro y un tinte de color. Por lo general se denomina así cuando se aplica a un fondo plano, siguiendo un patrón establecido. Mientras que el duotono se utiliza frecuentemente para describir el efecto de aplicar sólo dos colores a cualquier imagen dada. La técnica de superposición de dos colores proviene de la industria de la imprenta. Ahora, como parte de una tendencia general en la que todas las cosas no digitales están resurgiendo, es hora de adoptar de nuevo el degradé y las superposiciones de dos colores.
El diseño retro nunca pasará de moda. En este sentido, todo un movimiento llamado Retro Wave ha traído de vuelta el estilo gráfico de los años 80: colores de neón, fondos de palmeras y todo lo que te recuerda a la era de Miami Vice. Incluso hay una herramienta en línea gratuita para generar efectos de texto y fondos ochentosos, el impresionante Retro Wave Generator. Los extremistas en esta tendencia de diseño son los Brutalistas: anhelan una web sin ninguna concesión al diseño – igual que el texto y los sitios de principios de los 90’s.
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12. Diseño textil
14. Colores vivos y tipografía
13. Minimalismo en Branding y Logos
La textura y la profundidad eran algo que Material Design puso sobre la mesa, después de haber sido una especie de algo “prohibido” por el Flat Design. Pero el diseño material dejó suelta a una bestia peligrosa. El diseño textil trae una mezcla de diferentes metáforas de diseño, en su mayoría con características 3D. El objetivo es comunicar cómo se sentirían los objetos si pudiéramos tocarlos en lugar de simplemente verlos. Es como un puente entre el diseño material y el diseño skeuomórfico.
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Hay un uso específico en el que el estilo minimalista no se desvanece, sino que se hace más fuerte: logos y branding. La web pronto lucirá como una aplicación. En la interfaz de una aplicación, el logotipo y otros elementos de marca no deberían competir por la atención a expensas de funciones importantes para el usuario. Esta es la razón por la que el minimalismo para las marcas tiene sentido y vas a ver más y más de él en el futuro.
Ya comenzamos a ver paletas de color vivas defendidas por Google Material Design. Espera ver un montón de home y landing pages donde el color audaz y la tipografía sean los elemenvvtos principales. El espacio blanco ya no tiene que ser tan blanco. Todavía se utilizará como una forma de dejar que los elementos brillen y darles espacio para respirar, pero ahora bien puede estar lleno de colores ricos y hermosos. No todos los diseños pueden o deben usar paletas audaces de colores. De hecho, como sucede con todo lo que se vuelve una corriente principal, habrá una reacción a la tendencia: bastantes rebeldes se mantendrán fieles a los colores suaves y pasteles.
16.- Inteligencia Artificial para el diseño
17. Gestos e interacción de gesto y voz
15. Tipografías Caligrafica
No todo pueden ser ángulos rectos y patrones racionales. Tómalo como una reacción necesaria al estilo geométrico del diseño material: las tipografías de caligrafía manual serán más populares que nunca, y vendrán en más formas y tamaños que nunca antes. Esa es la belleza de usar una tipografía similar a la caligrafía manual: es más fácil transmitir un estilo único y personal. Simplemente no uses los que has visto presentados docenas de veces hasta ahora (Brush Script viene a la mente) y estarás bien.
El diseño web basado en AI ya existe. The Grid (creado por un ex Googler) es quizás el ejemplo más conocido de una plataforma de diseño web AI, pero hay más (basados en la web, basados en aplicaciones y para todos los presupuestos). Tienes suficientes opciones para que reflexiones durante horas si debes contratar a un diseñador humano o a un bot.
La mayoría de los usuarios dejarán de sentirse “extraños” al hablar con Google, Alexa, Siri o cualquier otra aplicación. Del mismo modo, los gestos para la interacción del usuario se convertirán en menos de una rareza. Solo se debe diseñar el icono de voz, para hacerle saber al usuario que puede controlar la aplicacion con gestos pero sin abrumarlo con informacion. A partir de este punto, las interfaces gráficas no serán con todo lo que un diseñador UX debe luchar
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Congreso de Diseño,
organizado por los estudiantes de diseño gráfico, y Digital, de la universidad La Salle Cuernavaca. Evento dirigido a estudiantes de preparatoria, estudiantes de universidad de Diseño y áreas a fines.
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Benito Cabañas
Es reconocido como uno de los diseñadores más importantes de América Latina. Ha recibido muchos premios, incluyendo el premio de quórum y ha dado exposiciones internacionales como la Trienal Internacional del Cartel Político en Mons. Ha impartido talleres y conferencias en más de 25 ciudades. Su trabajo ha sido publicado en varios libros de diseño y forma parte de la colección varios Museos. Su estilo es difícil de definir porque cada uno de sus carteles magistrales es completamente diferente y eso es algo para ser admirado en un diseño moderno cartel. Combina colores contrastantes con fuertes poderosa fotografía e ilustración para crear imágenes sorprendentes que captura los ojos.
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El papel del cártel de hoy, la esencia o la importancia que tiene con respecto al campo de la comunicación es que creo que se está convirtiendo más en un medio dirigido a las galerías. Pocas veces nos encontramos con carteles diseñados por los diseñadores. Podemos decir que empieza a perder esa característica y calidad que el cartel tiene. Los carteles, parece ser sólo en un gabinete de antigüedades porque no es un medio que se utiliza más como un dispositivo de comunicación. Todavía es una forma de expresar ideas y emociones, sino que se queda en un valor diferente que es el cambio que quiere o que tal vez no quiere: que se utilizará sólo para las galerías y se centró en las personas que pueden visitar. Pero para diseñar un buen cartel de la parte básica y fundamental es que tiene la síntesis. Debido a que en una imagen que tiene que decir tanto con tan pocos elementos. Es la perfecta convivencia de la imagen y la tipografía unidos en medio Theis llamado cartel. Y no puede haber carteles de todo tipo y clase, pero siempre es importante que conserven estas cualidades, de ser una imagen que le impactos en unos pocos segundos y que, reitero, estarán a cargo de la síntesis. Mi consejo para las personas que están estudiando Yougn diseño y quieren centrarse en el diseño de carteles es entender el proceso, el desarrollo, el diseño, y para aprender acerca de la síntesis y el poder que tiene el mensaje dentro de esta síntesis. Imaginar que es como el viejo profesor que les enseña los principios básicos del diseño, del diseño del cartel en este caso, y para abrazarla con este sentimiento de la sabiduría. Y especialmente que puedan ser proposicional, con el conocimiento y hablities que tienen el fin de hacer una nueva generación de lo que puede llamarse “el nuevo cartel”.
Hoy hablaremos sobre los primeros carteles promocionales de la serie Star Wars Rebels Creada por Carlo Olivares.
Carlo Olivares
La saga esta apostando por diseños vintage para promocionarse y estan imitando el diseño Nazi de los años 30 y 40. Esta es la increíble publicidad para promover la serie de televisión
Si te quedó el casco ¡Póntelo!
Apoya a las ¡Unete a la Se necesitan fuerzas del fuerza naval pilotos Imperio del imperio! expertos
Protege a Lothan, Protégete a ti
Guia el camino, Unete hoy
Es originario de Cuernavaca, México, estudió durante dos años la escritura de guiones en la UCLA, y más tarde asistió al Art Center College of Design, en Pasadena, se graduó con un Maestría en Cine. Como creativo, su obra ha sido reconocida por Cannes Lions, The One Show, Art Directors Club, el Festival de New York, FIAP, los Premios Hispanos de Anuncios, el Círculo de Oro México, El Ojo de Iberoamérica, Premios de Licencias LIMA, Promax América Latina y Promax BDA. Como director, su trabajo ha sido reconocido por varios festivales de cine incluyendo, LA Shorts Fest, Cortos Yahoo en “Yahoo en Español,” y el Festival de Cine Latino de San Diego. Carlo vive en Los Angeles, CA. Ahora es escritor y productor de Disney XD, y realiza campañas promocion
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Siempre hemos tenido frente a nosotros diseños innovadores que le han dado la vuelta al mundo, el problema es que a veces no nos detenemos a averiguar que fue nuestro vecino el que los hizo. Se caracteriza por su interés en la tipografía conectada a un enfoque posmodernista a nivel internacional. En cuanto a tipografía se muestra un estilo muy ecléctico, colorido y dinámico al que cada diseñador da su toque personal. LA forma pesa más que la función, y hay presencia de elementos de la cultura popular. tvvv que trabajan ya de manera independiente, ya como parte de grandes despachos de diseño. Gabriel Martínez Meave
Ilustración, caligrafía, tipografía, arte, letras, diseño y la combinación de todas ellas son la pasión de Gabriel Martínez Meave, quien nació en la ciudad de México en 1972. Es Diseñador Gráfico por la Universidad Iberoamericana, se especializó en la tipografía y caligrafía debido a su pasión por las letras. Su trabajo no se encasilla en un área, pues realiza proyectos culturales, de índole comercial y editorial, realizados para clientes nacionales e internacionales, siendo todos ellos realizados con lápices y pixeles. En 1994 fundó el estudio Kimera en el que se dedican a la creación de identidades corporativas, diseño editorial, ilustración, tipografías, entre otras cosas. Su trabajo lo ha llevado a ser contratado por clientes de talla internacional como Warner Music, Unilever, Kelloggs, Pearson, Richmond, McMillan, Santillana, Siruela, Coca-Cola, Heineken y de camellos, así como para Leo Burnett, JW Thompson, Lowe, Ogilvy & Mather, Terán TBWA, así como instituciones mexicanas como: la Presidencia de la República, Instituto Nacional de Bellas Artes, Fondo de Cultura Económica, CONACULTA y empresas como Grupo Modelo, José Cuervo, Maseca, Jumex, El Palacio de Hierro, Telcel, Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma, Gandhi y otros.
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Domingo Noé Martínez Es diseñador gráfico , quien fue editor y director creativo con más de 20 años de experiencia en comunicación visual, procesos editoriales y producción. Altamente calificado en Dirección de Arte y liderazgo en la conformación de equipos multidisciplinarios para la creación o redefinición de nuevos productos editoriales, comprometido con la calidad, el desarrollo de talento y el logro de objetivos. Ha sido consultor en medios editoriales para diversas empresas, especializándose en la dirección creativa y de arte para el diseño de revistas, libros y medios de comunicación interna, lo que le ha permitido ha permitido participar en prestigiadas publicaciones internacionales y nacionales como Harper’s Bazaar, National Geographic, Marie Claire, Travesías y Artes de México por mencionar algunas. Su interés y participación por el desarrollo del diseño en nuestro país, le ha llevado a ser parte de la coordinación de encuentros internacionales con países como Japón, Francia y Holanda, jurado de la primer bienal de diseño en Argentina y del festival internacional de la imagen (FINI), así como conferencista en México, Estados Unidos, Argentina y Holanda. En el año 2000 fundó su propio estudio de diseño, La Fe Ciega, desde el cual ha colaborado para diversas empresas e instituciones otras.
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Eduardo Barrera Arambarri
Es un gran diseñador del cartel en México. cursó la carrera de diseño gráfico en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Trabajó como coordinador de publicaciones para la Bienal Internacional del Cartel en México y la revista Lúdica. Fungió como director de arte y director creativo en algunas agencias de publicidad. Desde 2001, Barrera trabaja como diseñador independiente en diferentes vertientes del diseño gráfico y comunicación visual, desarrollando imagen corporativa, publicidad, fuentes tipográficas, carteles, diseño editorial, empaques, sitios web, motion graphics y presentaciones multimedia para diversos clientes, empresas, instituciones y agencias.
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El cartel está en esa delgada línea entre el diseño y el arte puro. Lo más cerca -creo yo- que puede estar un cartel de ser considerado arte es cuando un autor es invitado a diseñar un cartel, o dicho autor, por su cuenta crea un cartel que refleja su opinión sobre un tema que le interesa: Ayotzinapa, Ciudad Juárez. Ahí se toma una postura y la decisión de hacer una aportación más o menos poética sobre ese tema. Nadie te lo encargó, no hay cliente ni paga; en ese sentido, quizá pueda hablarse de un trabajo de artista. También puedes hacer un cartel muy interesante que cumplió su función efímera y pasado el tiempo es considerado un hito del diseño gráfico o del arte mismo, aunque se haya hecho por encargo para un cliente comercial, como las series de zapatos que hizo Andy Warhol para Harper’s Bazaar. En su momento, eran sólo viñetas para ilustrar un artículo de revista, pero a la larga, como son Warhols, se convierten en piezas de arte. Creo que el cartel, en el sentido estricto, y sobre todo en el momento de su creación no es ni pretende ser una pieza artística.
Ahora se esta lanzando este magnifico libro, que si eres diseñador o no, debes de tener, ya que explica de forma sencilla, al estudiante de diseño partiendo del planteamiento conceptual y esquemático: desde los rápidos esbozos hasta los consejos y trucos técnicos para conseguir un elevado nivel de calidad y sofisticación en los acabados finales.
El dibujo es la unión de la técnica, práctica, sensibilidad y creatividad, pero para representar una idea también es necesario saber observar, analizar y sintetizar. En el diseño gráfico, la representación técnica de una idea se halla estrechamente vinculada al concepto que se desea comunicar y al conjunto de valores que esta imagen debe transmitir para ser eficaz en su mensaje. Lo que hace de este libro una obra especial en su enfoque. Muestra, mediante estudios de caso con distintos lenguajes gráficos, una perspectiva amplia del dibujo como herramienta o como resultado final. Han colaborado en ella figuras de prestigio y jóvenes diseñadores de distintos lugares del planeta, portadores de estilos y culturas diferentes, que se han agrupado en función de las distintas especialidades del diseño gráfico para mostrar sus procesos y sus técnicas de trabajo particulares.
Eric Olivares Lira
Es licenciado en diseño gráfico, diplomado en ilustración y master en artes digitales. Ha trabajado para diferentes compañías e instituciones internacionales. Su trabajo en diseño, ilustración y arte newmedia ha sido publicado y exhibido por el mundo. Premiado en la 14ª Bienal Internacional de cartel y otros premios internacionales. Su trabajo forma parte del acervo de museos e instituciones. Realiza proyectos de comunicación visual 360º y arte electrónico, organiza exhibiciones de diseño y eventos culturales desde su estudio. Ha desarrollando proyectos de identidad corporativa, ilustración, cartel, editorial, espacios expositivos, museografía, escenografía, publicidad, multimedia, broadcast design y como director de arte.
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Felipe Covarrubias
Nació en Guadalajara en 1945. Realizó la licenciatura en Arquitectura y estudios de fotografía y tipografía en Inglaterra, se ha desarrollado en el área de diseño gráfico y editorial. Trabajo como director de diseño en el Departamento de Bellas Artes de Jalisco, fue socio fundador de Trama Visual, asociación organizadora de la Bienal Internacional del Cartel en México, Fundo y fue director de la Galería Azul en Guadalajara, obtuvo en 1984 el Premio México de Diseño y al final de los 90’s, el Premio en Artes en Jalisco.
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Felipe Covarrubias fue director de la Revista Magenta de diseño durante los años 80 y ahora se hara un homenaje de lo cual hablaremos hoy. En el Museo de las Artes (Musa) de la Universidad de Guadalajara fue presentado el renovado proyecto editorial de los cuadernos de diseño Magenta, en su edición de invierno que intenta rescatar, a manera de homenaje, el trabajo de los años ochenta por la entonces revista Magenta, dijo el editor de la publicación, Felipe Covarrubias. La nueva era de Magenta pretende ser una guía para estudiantes y amantes de todas las áreas de diseño. La publicación sale a la venta en cada estación del año, y para este invierno lanzan un nuevo número, donde se puede leer un artículo de un arquitecto de relevancia local, así como la explicación en un par de páginas sobre una construcción internacional. La revista en los ochenta fue un detonador del diseño de los jóvenes diseñadores y artistas de la época. “La Magenta actual retoma un proyecto del diseño no sólo como elemento que está absolutamente en todo, sino el diseño gráfico en su versión de papel; para que haya gráfica tiene que haber papel, en ese sentido, Felipe rescata el papel y con ello rescata a la gráfica”, subrayó. Magenta es una tentativa cultural e intelectual por mejorar el diseño, porque recopila el trabajo de diseñadores, de curaduría, aportes en didáctica y docencia. “Es un intento intelectual, profesional, estético y ético por hacer mejorar el diseño”.
Gonzalo García Barcha
“Empecé a pintar a la edad en la que empezamos todos. Mi pasión por los símbolos es más tardía. Nace del placer de inventar y descifrar códigos. Con el trazo de las primeras letras entendí cómo funcionaba un sistema de símbolos, lo que me inició en la tipografía. Un conocimiento que nos da un poder especial: el de comunicar mensajes a distancia y a través del tiempo, esta es la razón del taller, guiar a los jovenes”, cuenta García Barcha. Se trata de un ejercicio de arqueología tipográfica -como él mismo lo denomina- que ya ha dado a conocer en México y París. Busca que el estudiante se sensibilice con los “símbolos, gráficos y tipográficos que se encuentran en el entorno y que pudieran servir como punto de partida para nuevos diseños de alfabetos o sistemas de comunicación”. Además del taller será uno de los conferencistas en la Tercera Bienal de Tipografía Latinoamericana, que finaliza este 23 de mayo y dictará su conferencia a estudiantes de diseño gráfico de Bogotá.
Nació en México, en 1962. Es diseñador en la Parsons School of Design (E.U.). Trabajó en México como diseñador gráfico y de créditos de películas entre 1986 y 2002. Es tipógrafo y diseñador gráfico, con larga experiencia ya en la imprenta y en los títulos de crédito del cine. Se formó en Nueva York e inició sus actividades profesionales en México en 1986. Allí ha ido reuniendo un buen compendio de tipos mexicanos que restaura y difunde desde su propia editorial, Blacamán. Con gran estoicismo de líneas y formas, Gonzalo busca la fugacidad de un momento apenas vislumbrado.
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Javier Ramires El Cha!
El músico, diseñador, locutor y empresario , mejor conocido como El Chá! por su trayectoria como bajista de las bandas Fobia y Moderatto, nació en 1968. De padres autoritarios, su pasión por el diseño se vio reflejada desde muy pequeño. Al llegar a la etapa universitaria, entró a estudiar a la UNAM la carrera de Odontología. Poco tiempo duró en ella, ya que entre la música y su pasión por el diseño, decidió que quería estudiar una carrera para mantener su vida y tener a la música como un pleno hobbie. Como el diseño le llamaba la atención, decidió inscribirse en la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Continental, sin que su padre supiera.
Es un estudio de diseño formado por Quique Ollervides y Javier Ramírez en la ciudad de México en 1996, el que está enfocado, principalmente, a la industria del entretenimiento. Han trabajado para empresas como Sony, BMG, EMI, Warner, MTV, Doritos, Hard Rock Café, Festival Morbido, Cartoon Network, Coca-Cola, entre otras. Su trabajo se ha publicado en Communication Arts, Los Logos, Latin American Graphic Design y Diseño Gráfico en México: 100 años. Una de las principales virtudes que mantie-
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nen en el estudio es el equilibrio entre lo análogo y lo digital, ofreciendo a sus clientes una experiencia
diferente y alternva a la que se podría encontrar en cualquier otro estudio, todo esto gracias a la forma de trabajo que El Chá! ha madurado a lo largo de los años. Uno de los proyectos más sobresalientes de El Chá! y del equipo de Hula + Hula fue Santología, que nació de un concurso para interpretar al Santo, caricatura que lanzaría el canal de tele-
Enrique Ollervides
visión Cartoon Network. Actualmente, tienen más de 70 portadas de discos diseñadas para las principales compañías discográficas, más de veinte fuentes, han participado en un montón de revistas y han representado México en varias exposiciones colectivas.
Nació en la Ciudad de México en 1974. Es egresado de la carrera de Diseño Gráfico de la Universidad Intercontinental. Su trabajo se ha caracterizado por un impecable uso de tipografía e ilustración, asi como una diversidad de proyectos en el ámbito musical. En su cartera de clientes destacan Google, Microsoft, MTV Latin America, Cartoon Network, Nike, Vans y Coca Cola entre una larga lista de marcas como evidencia de la trayectoria y experiencia del diseñador mexicano.
Quique Ollervides y Javier Ramírez, conocido como El Cha! Se conocieron en la carrera en la Universidad Intercontinental y fundaron el estudio en 1996 especializado en diseño editorial, de identidad corporativa y tipográfica. Empezaron a trabajar juntos un poco antes cuando Quique colaboraba como diseñador para el grupo Fobia donde El Cha! era el bajista.
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Ricardo Luevanos
Es ilustrador y diseñador gráfico. Sus fuentes de inspiración son la fantasía, los sueños, el romanticismo, los textos que lee, las personas cercanas a él y especialmente a la música que marca cada uno de sus proyectos. Estudio la licenciatura en diseño para la comunicación gráfica en la universidad de Guadalajara, así como en varios talleres. Actualmente es el encargado de la imagen gráfica de Belanova. Muy pronto saldrá a la luz la línea oficial de productos de Denisse Guerrero, vocalista del grupo, inspirada y diseñada por ella misma e ilustrada por él. Ha trabajado también con Jesse&Joy en la creación del oficial de su gira “con quien se queda el perro”. Considera que su estilo y procesos creativos, su percepción sobre la composición y los elementos que utiliza para crear imágenes que hablen por si solas son las que lo diferencian de los demás.
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Nace en México, D.F., en 1946. En 1979 obtuvo su licenciatura en arquitectura por la Universidad Nacional Autónoma de México, con mención honorífica. Posteriormente realiza estudios de diseño industrial en la Universidad de Florencia, Italia, y de semiótica en la Sorbona, y además trabajó en Francia como diseñador gráfico de la Société Look. En México inició sus trabajos en la Imprenta Madero, donde colaboró con Vicente Rojo, y en 1985 ingresó a Redacta, taller donde desarrollaría el diseño editorial y corporativo. Sus trabajos mas premiados fueron el catálogo Miguel Covarrubias, la revista El observador internacional, y por el libro Imágenes de un encuentro, y por su obra De las estaciones, asi como el catálogo Retablo de los dolores, y la mención honorífica del Consejo de Diseñadores de México al boletín Biodiversitas.
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¡Ven, hada! ¡Ven hada! publicado por Ediciones SM (México), con texto e ilustraciones de Alejandro Magallanes, obtuvo mención en el Bologna Ragazzi Award, en la categoría New Horizons dentro de Feria del Libro Infantil de Bolonia, Italia. “La publicación ofrece a los niños una idea de cómo las palabras y las imágenes forman parte de una tradición que empezó con Gutenberg y la forma en que éstas se pueden yuxtaponer de maneras muy diversas. Así, el niño puede reconocer cuán entretenida es la página impresa y que tan divertido puede ser jugar con las imágenes y las palabras”
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Estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Nació en la ciudad de México en 1971. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc. En 1997 coordinó la exposición. Ha ganado premios en la Bienal del Cartel en Varsovia, en la bienal de carteles a favor de la ecología 4th Block y el premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal del mismo nombre en Rusia, entre otros. Su trabajo como diseñador ha sido publicado en libros importantes especializados en diseño gráfico y en numerosas revistas internacionales, ha ilustrado más de 15 libros para niños; entre ellos, “Ven Hada”. En sus pósteres, sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, Y así aparecen la fotografía y el dibujo, la escritura a mano y las fuentes de imprenta, la caricatura y la silueta, el dibujo y la cita visual, el color plano y los matices; todo ello utilizado en una inagotable serie de combinaciones. Alejandro Magallanes ha ilustrado más de 15 libros para niños, entre ellos: Cuando las ranas duermen (Gobierno de la Ciudad de México, 2000), Adivinancero (Nostra Ediciones, 2003), Jueguero (Nostra Ediciones, 2005) y Kikirikí (Nostra Ediciones, 2005). También ha escrito dos: Esto no es (Editorial SM, 2005) y Ven Hada (Editorial SM, 2006). Sus carteles han sido premiados en numerosos países. Hasta la fecha ha realizado más de 300, que han sido expuestos en Polonia, Japón, Canadá, Francia, Holanda, Argentina, República Checa, España, México y otros muchos lugares.