Revista gomez entregar ya by elayn siloe

ANIM

nยบ100 septiembre 2013 4,00 $

Indice &Roll 6 Xenozoic Sinopsis Xenozoic Tales. charla con Pellejero 10 Una Del follet铆n al culebr贸n.

Heath Jr.(Cuadro informativo) 16 Russell Haunted tank(G.I. Combat),Sargento Rock(Our army at war). Ghibli 18 Studios Hayao Miyazaki anuncia. 22 Portafolio Obras propias.

28 Memoria

Xen & 6

nozoic

&Roll! A finales de septiembre se inauguraba en el Casal Solleric la muestra dedicada al creador americano Mark Schultz. En ella pueden contemplarse parte de los originales que componen su obra más conocida, Xenozoic Tales. También algunas de sus portadas e ilustraciones para series y personajes tan populares como Conan, Predator o Alien. Sumen a eso un amplio conjunto de bocetos y un catálogo profusamente ilustrado, que contiene una extensa entrevista con el autor. Como podrán suponer, quienes hemos tenido el honor de participar en este proyecto, nos sentimos especialmente orgullosos de sus resultados. Hace ya casi un mes, cuando ultimábamos algunos detalles de su viaje, tuve ocasión de expresarle mi pesar por lo ocurrido en Nueva Orleans. Su respuesta fue más o menos la siguiente: “Sí, la situación allí es una desgracia. Y es especialmente triste porque la ciencia ya nos había dicho que esto iba a suceder tarde o temprano. Era sólo cuestión de tiempo, pero muy pocos se lo tomaron en serio, hasta que fue demasiado tarde. Así de arrogante se muestra una sociedad en declive”. Ese tono científico-apocalíptico define bien a un autor que ha labrado su carrera mezclando profecías ecológicas sobre posibles desastres futuros, con acabados deudores de glorias pasadas. Esas preocupaciones le llevaron a escribir un argumento para Superman en el que prácticamente predecía lo que ha ocurrido con Nueva Orleans. En esa historia, el héroe se enfrentaba a la disyuntiva de desviar o no el curso de un tornado que amenazaba unas casas construidas sobre terreno ganado al mar. El alienígena favorito de América se preguntaba si los hombres tenían dere-

cho a jugar con la naturaleza a su antojo y si era moral proteger a semejantes inconscientes. Similares discursos encontramos en algunos de sus argumentos para Alien, otra de las series en las que ha colaborado como argumentista y portadista.

Schultz fácilmente podría ser definido como un conservador en lo formal y un radical en lo temático. No es su única contradicción. Su propia carrera parece contada al revés. Desarrollar Xenozoic Tales le llevó diez años. Tiempo que apenas se traduce en un conjunto de algo más de 300 páginas. Piensen que los autores americanos dibujan normalmente más de 200 planchas al año. Es poco incluso para Europa. Si entendemos que los creadores más populares sólo sacan un álbum de 48 páginas al año, en una década tendríamos cerca de 500 páginas. Schultz, por tanto, se tomó su tiempo con esta serie. Hay un gran componente de desafío personal, ya que corrió sus riesgos al dejar un trabajo insatisfactorio pero que le permitía vivir. Su aventura incluía recuperar un estilo clásico de muy difícil elaboración y exquisitos acabados, intentando alcanzar las cimas que anteriores autores como Foster o Williamson habían establecido. Pero es que después de esos diez años de trabajo independiente, en los que construye un mundo propio que luego pasará a las consolas de ordenador y a los dibujos animados, deja plantados a sus seguidores y se dedica a vivir de encargos. Encargos como los ya citados guiones para Superman, portadas para series como Aliens o Subhuman y, más recientemente, ilustraciones para libros como Conan el bárbaro.

tar y perfectamente admirables, si nos sacudimos de la cabeza nuestra habitual obsesión por lo nuevo. Obsesión que, como acertadamente han señalado Heath y Potter, los autores de ARebelarse vende@, consigue que sean los más radicales quienes más colaboren en el mantenimiento de un sistema que desprecian, al favorecer el ciclo interminable de nuevos productos. Personalmente, mi capacidad para rendirme ante las supuestas novedades es cada día más limitada y agradezco la existencia de creadores como Schultz, dispuestos a reinventar aquellos campos de formas que agradan a una mayoría. O eso creo. Más aún cuando esas formas no vienen solas sino acompañando unas aventuras que también pensábamos perdidas. Selvas misteriosas, duros cazadores, dinosaurios, bellas mujeres, civilizaciones olvidadas, tribus enigmáticas... Muchos componentes marcadamente románticos, que, sin embargo, el autor consigue renovar y, en más de un caso, mejorar en su actualización. Como ya he sugerido, en la base de todo su relato está la preocupación ecológica. En Xenozoic Tales se nos cuenta la historia de un mundo como el nuestro, tras un desastre que ha hecho retroceder la civilización millones de años. Eso permite una fascinante mezcla de escenarios y personajes, con cadillacs huyendo de triceratops enloquecidos. También una recurrente discusión sobre las bondades de la ciencia y el descubrimiento, frente a las desgracias que puede provocar una curiosidad mal entendida. Ese necesario equilibrio es uno de los leit-motiv de la serie, pero no su único punto de interés. Sumen a ello unos personajes fascinantes y un nutrido y cuidado elenco de secundarios, un delicado equilibrio entre secuencias de acción e intrigas políticas, entre la reflexión y el movimiento, y empezarán a entender porqué la lectura de Xenozoic Tales ha fascinado a miles de lectores.

Mark Schultz.

Así que Schultz no se introduce en la industria, se profesionaliza y desarrolla luego una obra independiente, sino justo al revés. Primero establece sus normas y luego las abandona para entregarse a lo que tradicionalmente llamaríamos trabajos alimenticios. Su explicación tiene que ver con todo lo que Xenozoic Tales le exigía. Necesitaba demasiado tiempo para alcanzar los niveles de calidad que deseaba. En la serie entran en juego todos los factores que definen al autor de comics completo. Argumento, dibujo, narrativa, rotulación... Nada escapa a la exigencia de este maniático del control. Evidentemente, es más relajado construir guiones para otros o dibujar portadas o ilustraciones sueltas. Como podrán comprobar quienes acudan al Casal Solleric, el que para el autor resulten más rentables estos trabajos esporádicos, no rebaja un ápice su calidad. Y es que, como ya he señalado, Schultz transita la senda de los grandes clásicos. Para algunos éste es su principal defecto. Su dibujo, de un realismo perfeccionista, no aportaría ninguna novedad y sería deprimentemente conservador en sus intenciones. Claro que para otros, entre los que me cuento, la tradición en la que se mueve es encomiable. Su dominio de los contrastes de blanco y negro, la vitalidad y movimiento de sus figuras, sus exquisitos acabados... Son todas ellas destrezas difíciles de imi-

Mención especial para sus protagonistas, Jack y Hannah, dos líderes de sus respectivas tribus y que, más allá de sus marcadas características personales, funcionan como arquetipos de dos maneras de entender el mundo. Jack es el ecologista radical, preocupado siempre por las consecuencias de nuestra relación con el entorno. Y Hannah expresa la curiosidad extrema por lo que nos rodea, la eterna voluntad humana de saber más, explicar y dominar los sucesos que nos condicionan. Lógicamente, cuando se juntan saltan las chispas, en una brillante vuelta a la guerra de sexos que encontramos en cintas como las del director favorito de Schultz, Howard Hawks. Un apunte final para los acabados. En su recuperación de técnicas clásicas, el autor se ha ido centrando cada vez más en el pincel. De las posibilidades de la herramienta son buena prueba muchas de sus ilustraciones, donde sobresale especialmente el uso del pincel seco, aplicado primero a fondos, luego a texturas y fi-

“Sí, la situación allí es una desgracia. Y es especialmente triste porque la ciencia ya nos había dicho que esto iba a suceder tarde o temprano. Era sólo cuestión de tiempo, pero muy pocos se lo tomaron en serio, hasta que fue demasiado tarde. Así de arrogante se muestra una sociedad en declive”.

“¿Así que estuviste allí, eh? ¿Lo hiciste, no muchacho? Eres un tipo duro. Bueno, yo también, pero a mi me llevaba mi equipo sobre sus hombros”. nalmente a todo tipo de bordes y superficies, consiguiendo en ocasiones resultados tan sutiles que recuerdan a la ductilidad del lápiz. Además, este procedimiento suele ir emparejado con el gusto de Schultz por los motivos rítmicos, por los despliegues decorativos, haciendo de muchas de sus imágenes un auténtico festín visual. La exposición es también una oportunidad única de asomarse a la fase de bocetos del autor. En ellos sorprende especialmente el grado de detalle, cómo los dibujos se afirman desde los primeros acercamientos y cómo las relaciones entre negros y blancos y la composición se definen poco a poco. Por supuesto, también hemos querido que el escaso trabajo con el color esté presente, aunque el propio Schultz se define en ese terreno como un aprendiz. Juzguen ustedes mismos. Mientras aprovechó su visita para recorrer el Torrent de Pareis. Una de sus razones personales para acudir a la isla, era reencontrarse con los escenarios donde se habían filmado algunas de las

películas de otro de sus favoritos: Ray Harryhausen, maestro de monstruos animados y otras magias fílmicas. Se sitúa en el corazón de Mark justo detrás de King Kong, que para él es la mejor película de todos los tiempos. Schultz tuvo ocasión de conocer a Harryhausen y contaba con regocijo una sonada anécdota. Estaban entrevistando al maestro en uno de los hoteles más selectos de Paris, en una sala donde todo el mundo hablaba en voz baja y se comportaba de manera refinada. Preguntado el cineasta por lo que se necesitaba para triunfar en Hollywood, respondió, a voz en grito: “¡Lo más importante es... lamer muchos culos!”. Tras sobrevivir a la dura travesía del Torrente, con el inefable Pau de guía, Mark se divertía imaginando un improbable encuentro con el cineasta. Imitando su imposible y profunda voz, decía: “¿Así que estuviste allí, eh? ¿Lo hiciste, no muchacho? Eres un tipo duro. Bueno, yo también, pero a mi me llevaba mi equipo sobre sus hombros”. Mark confiaba también en volver a encontrarse con Caroline Munro, heroína de películas de Simbad, fuente de inspiración de una de sus ilustraciones. Tuvo ocasión de conocerla en una convención y la definía como una dama encantadora. Ahora quería decirle: “Yo también estuve allí”.

xenozoic tales sinopsis “Xenozoic Tales” está ambientada en el siglo XXVI, en una futura Era Xenozoica, donde tras un cataclismo que ha terminado con la mayor parte de la población humana, convirtiendo los nuevos territorios en una zona de marismas y grandes selvas poblada por todo tipo de criaturas prehistóricas, desde dinosaurios a mámuts y dientes de sable. Los pocos supervivientes que se refugiaron en refugios subterráneos intentan sobrevivir, al salir en la superficie, agrupándose en tribus en torno a las antiguas ciudades, desarrollando y arreglando parte de la tecnología de tiempos pasados, principalmente armas de fuego y coches de época (cadillacs, principalmente). En este contexto, la historia gira en torno a la relación entre Jack Terenc, una especie de chaman perteneciente al antiguo linaje de la Ciudad del Mar (Nueva York) dispuesto a hacer cualquier cosa para mantener el acuerdo -Machinatio Vitae- entre los hombres y la Naturaleza de no alterar el medio natural y evitar otro cataclismo, y Hannah Dundee, la embajadora de Wasoon (antigua Washington) mucho más inteligente y dispuesta a aprender todo lo posible de los antiguos para mejorar sus duras condiciones de vida

Mark Schultz.

Pell 10

Una charla con

lejero Podemos afirmar que, si es un placer disfrutar con sus dibujos, no lo es menos compartir su amable charla y su serena presencia. Eso hicimos en su casa de Badalona el pasado abril. Respecto a las conclusiones que se puedan deducir de ella, subrayaría una: la relación entre tema y estilo. Aunque un observador exterior podría pensar que el dibujo de Pellejero evoluciona desde dentro, por una lógica de desarrollo interno de las formas, su argumento es el contrario, son las historias que debe contar las que le llevan a estilos diversos. Tal y como él lo plantea, no hay capricho estético alguno, tan sólo una pregunta: ¿cual es la forma más adecuada al asunto tratado? Estas son sus palabras .Hablemos

del salto a Cimoc

Llevaba años colaborando para el mercado italiano, pero empezaron cada vez más a declinar los encargos. Esto, unido a mi deseo frustrado de ver trabajos míos publicados aquí, me llevó a realizar algunas historietas por cuenta propia y presentarlas a las editoriales de Barcelona. Primero me dirigí a Toutain Editor, allí mi trabajo no gustó demasiado, así que me acerqué a Norma, con Historias de una Barcelona. Joan Navarro se mostró interesado en publicarlo en la revista Cimoc. Como aún seguía trabajando de encargo para Italia no tenía tiempo para encargarme de mis propios guiones, así que me aconsejaron que me buscase un guionista. Fue el propio Navarro quien me presentó a Jorge Zentner. Además de la evolución gráfica, aparecen ya unos aspectos narrativos en los que va a insistir a lo largo de toda su carrera: tiempos muertos, ciertos alejamientos, viñetas estiradas...

¿En qué medida estaban en el guión o son cosa suya? Este es un tema complicado. Yo aporto mucho a los guiones y por eso no me gusta particularmente que se premie una obra sólo por el mejor guión o sólo por el mejor dibujo, ya que está todo muy interrelacionado. En nuestro caso en particular, hay muchísimas imágenes a las que yo he aportado mi propia visión.

En el caso de los tiempos muertos, a veces aparecían en el guión de Jorge y otras los alargaba yo, no por capricho sino porque creía que era necesario para el buen desarrollo de la historia. A mí me gusta hablar de ese “guión invisible” que hay en toda historieta y que viene dado por las aportaciones propias del dibujante, sean de tipo narrativo, compositivo, visual... Estrategias gráficas al fin y al cabo que hacen que la historia que estás leyendo funcione o no como tal. Luego está el propio “look visual” de cada historia. Tabú, por ejemplo, no sería Tabú sin ese característico ambiente visual o en todo caso vendría a ser otro Tabú muy diferente. Lo mismo podemos decir de Malka, de Lumpen, etc. Son herramientas del dibujante, que afectan al propio guión.

Parece evitar una representación demasiado directa de las escenas de acción. Mi deseo es no caer en la vulgaridad. Algo a lo que el comic es propenso en general, sobre todo en las escenas de acción o de sexo. Me interesa mucho más ese desafío que hay en decir lo mismo pero del modo menos habitual, que escenificarlo tal cual sin ningún tipo de reflexión. No es por mojigatería, sino porque creo que el resultado final puede ser mucho más sugerente.

Los primeros episodios parecen más pensados para el B/N. Sí, sobre todo los 4 primeros. Aún no tenía esperanzas de que les pudiesen interesar en color. Fueron las portadas, especialmente la primera que salió en Cairo, correspondiente a Juegos de Azar, las que les hicieron pensar que se podía publicar Lumpen en color. Fue premiada en el Salón de Barcelona y entonces se decidió continuar en color, lo que lo hacía aún más exportable. De hecho el primer álbum había funcionado mal, ya que apenas había mercado para el B/N. Luego se ofreció a Casterman y a otras editoriales. Coloreé directamente a partir del segundo álbum y cuando, años después, Casterman decidió publicar los primeros episodios en A Suivre, también di color a estos.

Lumpen tiene una paleta muy característica, llena de tonos pastel, poco habituales en los tebeos: azul cielo, verdes, amarillo nápoles, violetas... Tiene que ver con la luz, con la búsqueda de una posible realidad. En Malka o Âromm el color es más expresivo, más acorde

con lo que estamos narrando. En Dieter el color por lo general intenta acompañar sin excesiva brusquedad el devenir de Lumpen por los paisajes exóticos por los que deambula. Es como yo lo veía entonces. Sé que los cómics usan normalmente tonos más impactantes, pero yo quería algo que encajara más con la suavidad del “tempo” de esas historias.

Hablando de color, ¿con que álbum de Dieter se quedaría? Dejando El precio de Caronte aparte. Enemigos comunes aún me sigue gustando mucho. También algunas paginas de Caribe, pero son dos tipos de iluminación muy diferentes. De las historias cortas me quedo con el color de Los pecados de Cupido, quizás la que tiene un color más acertado a nivel narrativo.

En ocasiones Vd. resuelve las conversaciones paseándose por el paisaje y olvidándose de los personajes, como en Caribe o en Enemigos comunes. A veces Jorge me indicaba diferentes planos para las secuencias en las que había una conversación. Los dos creíamos que de ese modo no se aburría al lector, lo veíamos como un acierto. Pero con el tiempo, y especialmente desde que he trabajado con Denis Lapière, he visto que a veces es necesario dar al lector esta sensación de pesadez que a veces puede llegar a generar una conversación. Con Lapière he hecho planos muy aburridos de dibujar, pero necesarios para el relato. En Dieter Lumpen, tanto Jorge como yo pensábamos que teníamos que “mover la cáma-

Rubén Pellejero

ra” (expresión propia suya) constantemente para no resultar pesados. Es cierto que es muy importante no aburrir visualmente al lector pero a veces hay que dibujar cosas muy aburridas, como cuatro tipos en una habitación, charlando, plano medio, primer plano, plano medio, etc., etc., porque esto es lo que en realidad necesita esa secuencia para dar efectividad al conjunto de la narración.

¿Cuándo se cansan de Lumpen? Es una suma de factores. Ya llevábamos varios álbumes publicados del mismo, las ideas escaseaban, el personaje se había estancado a nivel de ventas, así que tampoco daba para mucho más. Tuvo una etapa muy enriquecedora al principio, con ideas nuevas y con el ímpetu inicial que nos generaba el propio personaje pero ya en El precio de Caronte se aprecia una especie de agotamiento de la fórmula. En ese álbum intentábamos abrirnos hacia otros caminos, más cerrados, con otra intencionalidad, bastante alejados del genero digamos de “aventuras exóticas” y tal. El cambio se nota en esas secuencias del álbum tan contrastadas y ese cierto desapego hacia el mismo personaje. El final era un final dudoso... ¿Despertará Dieter? ¿Será todo un sueño dentro de un sueño? ¿Habrá un próximo álbum del personaje?... Nuestros intereses empezaban a ir por otro lado.

Hablemos de la importancia del paisaje en Dieter Lumpen y Malka. Rubén Pellejero

Es total. El paisaje es un elemento más para contar, como lo es una silla o los mismos personajes. El paisaje nos envuelve. Yo no lo utilizo porque queda bonito ponerlo, sino porque tiene

terman deseaba editar una colección de álbumes en B/N y nos propuso que participáramos. Teníamos ya el guión muy digerido y yo particularmente deseaba descansar un poco del uso del color, después de mi experiencia con Lumpen y Malka, y preferí hacerlo en B/N. En las pruebas previas que realicé vi muchas posibilidades gráficas de cambio y de fuerza visual, que no había visto en las pruebas de color anteriores para Navarro. Al respecto debo decir que estoy mucho más satisfecho con la edición en castellano de Tabú que con la francesa. El álbum ha gustado más aquí que en Francia. El formato de Glénat, con su tapa dura, fue mucho mejor que el de Casterman, más pequeño y en rústica.

No varía prácticamente la estructura de página hasta Âromm, que resulta bastante chocante por eso. ¿A qué obedece ese cambio?

Rubén Pellejero

lógicamente un peso muy importante sobre el carácter de los personajes y los hechos que a veces acontecen. Por citar un ejemplo: en el inicio de El precio de Caronte, comentamos con Jorge las dos primeras páginas. Queríamos indicar el paso del tiempo sólo con las nubes y la luz del día que iba menguando. Aquí el paisaje es primordial en la narración. En El silencio de Malka el paisaje impregna todo el álbum, desde el propio suelo de La Pampa, su horizonte y sus cielos, sin ellos, dudo que se pudiera transmitir al lector la sensación de lejanía que existe en toda esa historia.

Lo veíamos así. Como algo muy visual, mucho más que Malka. Malka es muy visual, pero en Âromm, nuestra intención era intentar ser espectaculares. Barajamos pocas viñetas por página, formatos grandes e intercalar viñetas con un concepto más actual. La influencia del cómic americano e incluso del manga está presente, si bien de un modo muy tímido. Intentamos a nuestra manera añadir elementos visuales más novedosos con respecto a anteriores trabajos, pero siempre con una funcionalidad narrativa. Cada historia tiene sus propias recetas. Tabú, por ejemplo, hablando en términos cinematográficos, estaría más cercana al cine independiente y Âromm a un film de gran presupuesto.

¿Le supone un esfuerzo dibujar?

Los tonos azules y rojos en Malka parecen tener Por supuesto. Si dibujase lo primero que surgiera de mi cabeza, una clara intención simbólica. lo tendría más fácil, pero no sería lo mismo, me acercaría más Sí, es cierto, incluso los amarillos, relacionados un poco también con la enfermedad. El rojo es evidente que lleva toda una carga dramática y los azules y verdes están más ligados a escenas apacibles y de cierta espiritualidad. Es una teoría del color quizás un poco simplista, pero en Malka era imprescindible utilizarlos así, con la intención de definir momentos en concreto. Malka es un compendio de toda una trayectoria, de muchos modos de ver las cosas. Dejé salir al pintor frustrado que llevaba dentro. Había visto cosas de Matotti y gente así y me apetecía hacer algo en esa línea. Si ves los bocetos, notarás que estaba explorando diferentes grosores y otras técnicas de color. La pista me la dio la propia historia. Está muy ligada a la tierra, al barro. La técnica del grabado y de las ilustraciones en xilografía, con esos contornos tan gruesos, me dieron las pistas para poder captar esa sensación digamos “terrosa” que tiene gran parte de la historia. El gouache sobre un trazo más grueso en negro me daba unos valores interesantes, trazaba la línea más gruesa y luego la cubría en parte con el color. Haciendo pruebas descubrí lo de las ceras, que me daban buenos resultados sobre todo para las tierras y las maderas. Me interesaba darle plasticidad al suelo de La Pampa. Había escenas en el guión en las que no había nada para dibujar, me faltaban elementos. Terreno y Malka. Malka en el campo, etc. No había nada. Jorge describía la pampa como una línea. Un arbolito aquí, una valla allá, nada más. Yo pensaba ¿Qué le pongo ahí?... No podía hacerlo como en Lumpen.

al trabajo a destajo. El esfuerzo está más en la reflexión durante

¿Por qué el abandono del color en Tabú? Inicialmente Joan Navarro se interesó por el proyecto y llegamos a hacer incluso unas pruebas en color para él, pero Cas-

el trabajo que en el dominio del propio dibujo o trazo. Además, no me considero un buen dibujante de tipo realista. Mi anatomía es la justita para desenvolverme. Funciono mejor en rostros de personajes que en figuras. En planos generales se me da bastante bien la figura. Y los decorados y paisajes me gusta hacerlos. Como el cómic no es sólo dibujar figuras, utilizo mi astucia. Tienes el enfoque, el color, el plano, el corte de plano, la ambientación. Yo he tenido que recurrir a estos otros elementos.

Después de Lumpen, sorprende la variedad de géneros que aborda. Parece que sea un todoterreno ¿verdad? Esa pregunta inquieta porque a veces puede cuestionar si uno tiene o no personalidad. Yo sólo deseo llevar a buen puerto una serie de historias que me puedan interesar. A mí de un guión me atraen los personajes y la historia en sí. Jorge me ha ofrecido guiones que a veces no me han interesado en absoluto. Otros dibujantes los han hecho más tarde y mejor que yo y no pasa nada. A veces ciertos elementos visuales me pueden proporcionar un reto gráfico que me apetece y esto es suficiente para que acepte dibujar esa historia. No soy un dibujante obsesionado por un tema en concreto. Si hubiera seguido con un personaje fijo, mi obra estaría más definida y catalogada, pero también es cierto que el componente que me estimula la creatividad estaría metido en un cajón.

Después de tantos años colaborando con Zentner, ¿cómo fue la experiencia con Lapière? Muy positiva. Personalmente Denis es encantador, muy abierto. Profesionalmente ha sido una etapa más, un cambio en muchos aspectos, de mejora, de tranquilidad y asentamiento en el mercado francés.

Rubén Pellejero

Ha sido un poco como volver a empezar, pero con la diferencia de que él conoce muy bien el mercado francés. Su modo de narrar es mucho más clásico, algo a lo que el lector francés está más acostumbrado. No investiga tanto en la forma de narrar la historia como lo podía hacer Jorge, pero sí que sabe desarrollarla y finalizarla de un modo coherente y con emoción. Describe muy bien las relaciones entre los personajes, sus sentimientos, sabe cómo llevarlos a buen puerto a lo largo de toda la historia. Quizás no es tan creativo ni personal como Jorge, no investiga tanto. Jorge intenta en cada guión aportar su toque, su idea particular. Denis utiliza conmigo su vertiente más íntima y sutil. Él tiene en el mercado francés varias series digamos populares, pero de vez en cuando colabora con otros dibujantes, desarrollando proyectos concretos.

El dibujo en este álbum transmite una gran convicción. ¿Supone un resumen de todo lo aprendido en trabajos anteriores? Siempre arrastras lo aprendido en otros trabajos. De todos modos, muchos de mis planteamientos anteriores a la hora de enfrentarme con un álbum, no me servían con Denis. El aspecto visual pasa a un segundo o tercer plano y sus diálogos y textos hacen que todo mi esfuerzo se centre básicamente en los personajes y sus actitudes. Por ejemplo, Denis utiliza mucho secuencias largas de conversaciones en lugares cerrados y esto me obliga a crear un ambiente fijo durante varias viñetas. Cuando miras el álbum, el trabajo no parece tan dispar como en otros que he realizado. No hay esas rupturas de secuencias tan marcadas, como en Malka. El devenir de los acontecimientos es mucho más tranquilo. Esa lentitud de Denis es admirable, te va metiendo poco a poco dentro de los personajes. Los humaniza, permite que los hagas tuyos y te emociones con ellos.

DEL FOLLETÍN AL CULEBRÓN Hacía ya tiempo que no sabíamos nada de Rubén Pellejero, un gran dibujante caracterizado por la elegancia de su trazo y la armonía y sensibilidad de su color. Tras muchos años colaborando con Norma, sus últimos trabajos habían sido traducidos por Glénat y ahora es Astiberri quien edita estos dos volúmenes que han titulado En Carne Viva. Toda nueva obra de Pellejero es siempre una buena noticia. Aquí recrea la vida de un desgraciado pintor en el bohemio París de finales del XIX. La narración se inicia durante los últimos días de la Comuna, en uno de los escenarios más literarios de la ciudad de la luz, el cementerio de Pere Lachaise. Luego sigue las peripecias del hijo deforme de un carnicero, dotado con una extraordinaria habilidad para el dibujo. Su carrera como pintor despega cuando conoce a la bella Mathilde, pero luego todo se complica. Por un lado él sufre por un amor no correspondido y por el otro el motor de la historia es una sórdida intriga familiar, que no será desvelada hasta el final. Rubén Pellejero

El guión falla a causa de su tortuosa estructura folletinesca. Supongo que desean rendir un homenaje a las clásicas novelas por entregas, actualizadas. Pero eso no justifica todas las vueltas, idas y venidas, deambular de personajes y citas misteriosas dedicadas a algo no especialmente dramático. Creo que el personaje central está muy bien construido y su relación con esa musa inalcanzable resulta verosímil y enternecedor. Incluso me parece conmovedora esa brevísima escena final en que se encuentra con el pariente que padece la misma minusvalía que él. Pero así como esa secuencia funciona por su sencillez e intensidad, el desarrollo general fracasa por aparatoso y prolijo. Una mayor simplicidad en la exposición de los hechos habría mejorado mucho el resultado final. Simplicidad como la que sí consigue Pellejero con su dibujo, sin duda la gran baza de este trabajo y la razón por la que deberían comprárselo. Se le nota en su salsa en el periodo histórico que retrata y las citas visuales a los ilustradores fin de siglo se suceden, imponiendo desde el principio su personalidad gráfica. En este caso, la técnica elegida, esos grises que aplica con la línea y sobre los que luego pinta, rebajan su luminosidad, aportando una sensación de pesadez general, un clima un poco opresivo. Contiene mucho su gama cromática y prácticamente sólo juega con dos o tres variantes, sobre todo en diálogos de amarillos-marrones, pero también en suaves entonaciones grises y algunas estridencias de color muy medidas. Como siempre, es un verdadero placer contemplar la modulación de su línea, todo nervio y sensualidad. Es un trabajo de dibujo grandísimo, magistral, con una retícula de viñetas muy contenida y eficaz.

Sargento Rock 1961

total nº128

13 13

1962

total nº118 nº125

26 13 13

1 1 -

1963

total nº126 nº45

2 1 1

1966

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total nº175 nº178 nº180 nº181 nº182 nº183 nº185 nº187

110 17 14 14 13 13 13 13 13

2 1 1 -

total nº197

12 12

total nº208 nº209 nº210 nº211 nº212 nº213

80 13 13 13 14 13 14

total nº214 nº215 nº218 nº219 nº221 nº223 nº225 nº226

113 14 14 14 15 14 14 14 14

total nº227 nº230

118 14 14

1967 1968 1969

1970 1971 16

(O. A. A . W.)

nº231 nº232 nº234 nº235 nº236 nº237 nº239

14 14 12 12 12 12 14

total nº241 nº243 nº244 nº245 nº246 nº247 nº248 nº249 nº250 nº251 nº252

155 14 14 14 14 15 14 14 14 14 14 14

1973

total nº253 nº254 nº255 nº256 nº257 nº258 nº259 nº260 nº262 nº263

138 14 14 14 14 14 14 14 14 14 12

1974

total nº264 nº268 nº271 nº273 nº275

61 12 12 12 12 13

1975

total nº277 nº279 nº281

37 12 13 12

1972

Haunted Tank 1961

total nº87 nº88 nº90 nº91

13 18 13 13 13

1962

total nº93 nº94 nº95 nº96 nº97

67 13 15 13 13 13

4 1 1 1 1

1963

total nº98 nº99 nº103

17 17 -

3 1 1 1

1964

total nº104

1 1

1965

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30 15 15

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1966

total nº117 nº118 nº119 nº120 nº121

27 15 12

4 1 1 1 1

1967

total nº124 nº125 nº126

58 11 18 14

4 1 1 1

1968

total nº128 nº129 nº130 nº131

40 14 14 12

4 1 1 1 1

1969

total nº137 nº138 nº139

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1970 1971 1974

(G.I. COMBAT)

total nº141 nº142 nº143 nº144 nº145

69,5 14 13,5 14 14 14

total nº146 nº147 nº148 nº149 nº150 nº151

84 14 14 14 14 14 14

total nº172

Russell Heath Jr. Heath se encargó de la serie desde su presentación en G. I. Combat nº 87, firmando una espectacular portada que poco tenía que ver con lo narrado en el interior, pero que se ha mantenido como una de las preferidas por los aficionados. Permanecerá en Haunted Tank toda la década, es la serie a la que dedicará más esfuerzos después de Rock. En los sesenta dibuja 336,5 planchas del tanque, frente a 259 de Rock. Luego, en los primeros años 70, la proporción se invierte. De 1970 a 1975 dibuja “tan solo” 153,5 planchas de Haunted Tank, frente a 622 de Sargent Rock. En el terreno de las portadas, el tanque gana con amplitud, multiplicando por cinco las de Rock en todo el recorrido de ambas series.

Studio

nuevas p

Ghibli

películas para 2013 Historia y sinopsis del filme “The Wind Rises La nueva película de Hayao Miyazaki ya es un éxito de taquilla, pero su argumento sobre los peligros del nacionalismo y la guerra han provocado críticas sin precedentes al oscarizado director de animación. “The Wind Rises”, que debutó el mes pasado en lo más alto de la taquilla japonesa y competirá en el próximo Festival de Cine de Venecia, está basada en el hombre que diseñó el temido avión de combate Zero utilizado por Japón durante la Segunda Guerra Mundial. Los críticos cinematográficos ven el trabajo como una alerta velada sobre el camino similar que podría estar tomando de nuevo Japón. Miyazaki, de 72 años, resaltó esa advertencia en un ensayo mordaz a mediados de julio sobre la propuesta del primer ministro Shinzo Abe de revisar la constitución pacifista nipona. “La época mostrada en la película se parece a la actual”, dijo el crítico Ryusuke Hikawa, refiriéndose al terremoto de 1923 que devastó Tokio y la Depresión de los años 30, paralelos al sismo y el tsunami de 2011 y al largo estancamiento de la economía de Japón. “Después del terremoto tuvo lugar un período de agitación y Japón comenzó a acercarse a la guerra. Es posible ver algunas semejanzas… La economía estaba mal y psicológicamente era una situación de tener que hacer algo grande y así es como creció el nacionalismo”, agregó. Abe, cuya coalición ganó las elecciones parlamentarias a la Cámara alta el mes pasado, ha prometido recuperar la economía, fortalecer la postura de defensa de Japón y revisar la constitución. Los votantes recelan de su visión constitucional pero apoyan sus medidas económicas. Impregnada de los colores vivos de Miyazaki, la historia del ingeniero Jiro Horikoshi es su primera película basada en una figura histórica y en hechos reales:

la marcha de Japón hacia la guerra. Gran parte de la amenaza está oculta tras una trama romántica, mientras el trabajo de Horikoshi en el modelo Zero resulta un esfuerzo noble de un hombre enamorado de los aviones. Es un amor compartido por Miyazaki, cuyo padre construía piezas de aeronaves de combate. “Esta película no es más que un himno al Zero”, dijo un comentarista en Internet. Los críticos y algunos espectadores han rechazado esa idea, pero temen que otros puedan ver la película como un elogio de la guerra que haya llevado a Miyazaki a escribir el ensayo. El cineasta también criticó la destrucción medioambiental con su filme “El viaje de Chihiro”, premiado con un Oscar en 2001. “Uno solo puede asombrarse por la falta de sentido histórico e ideas fijas de una parte de los líderes políticos”, escribió, sin mencionar nombres, en una revista publicada por su productora y después subido a Internet. “La gente que no ha pensado suficientemente no debería jugar con la constitución”, agregó. Los críticos destacaron que “The Wind Rises” no es tan extravagante como la mayoría de trabajos de Miyazaki, muchos de ellos éxitos en el extranjero. No se ha anunciado por el momento cuándo se estrenará fuera de Japón, según dijo un portavoz del estudio. La película y el ensayo de Miyazaki “deben verse como un conjunto”, dijo el crítico Yuichi Maeda. “Él no quería que la gente confundiera lo que quería decir, que pensaran que la guerra es algo glorioso”, escribió Maeda. “Justo después de ver el primer viaje exitoso del Zero hay una escena donde el suelo está repleto de aviones estrellados, ese es el mensaje”, afirmó. Un artículo en Internet sobre la película fue bombardeado con cerca de 3.000 comentarios, desde los de-

cepcionados con la “intrusión” de Miyazaki en la política a aquellos que le llamaban traidor. Al final, “The Wind Rises” parece dejar un sentido menos profundo a los espectadores. “Horikoshi trabajó duro por su sueño”, dijo la ama de casa Yukari Yamazaki. “Me hizo sentir que toda la gente joven debería descubrir sus sueños y darlo todo por realizarlos”, dijo. El aplaudido director de cine de animación Hayao Miyazaki ha asegurado que hace películas “para hacer negocio, no para cumplir un cometido cultural”, en una entrevista publicada hoy en la versión digital del diario Asahi tras el reciente estreno de su nuevo film. A sus 72 años el realizador nipón explicó en el texto que con el tiempo ha aprendido a admitir “las limitaciones” de sus empeños y que ya no se siente “obligado a hacer algo por el mundo” como cuando era más joven. Miyazaki quitó peso a la influencia que ejerce con sus largometrajes sobre espectadores de todo el mundo. “Hago películas para hacer negocio, no para cumplir un cometido cultural. Mis películas simplemente tienen éxito. Si a la gente no le interesara lo que hago, mi empresa (Studio Ghibli) se iría a pique”, reconoció durante la entrevista. “Algunos de los que se han unido recientemente a Studio Ghibli parecen creer que han logrado un empleo en una empresa estable, lo cual es pura ilusión”, añadió. El cineasta recordó que en contra de la actual tendencia de subcontratar animadores en el extranjero para rebajar costes, Ghibli insiste desde hace dos décadas en emplear una plantilla japonesa fija para cada filme de cara a “asegurar la calidad” y porque el pago por pieza perjudica a los artistas. “Sabíamos, claro está, que hacer esto nos iba a obligar a ser más prolíficos a la hora de producir nuevas obras

Hayao Miyazaki

para llegar a fin de mes, y que esto reduciría nuestra eficiencia operativa”, confesó el director, cuya cinta “El viaje de Chihiro” obtuvo el Oscar a la mejor película de animación en 2003. En lo que respecta a su recién estrenada película “Kaze tachinu” (“El viento se levanta”), filme sobre Jiro Horikoshi, padre del A6M Zero-sen (caza insignia de las fuerzas aéreas niponas en la II Guerra Mundial), Miyazaki explicó que confía en haber subraya-

Hayao Miyazaki

do la genialidad y humanidad del ingeniero. Con esto, el realizador tokiota espera evitar que sea usado como una figura que alimente “el patriotismo y el complejo de inferioridad” de los revisionistas y fanáticos de extrema derecha de Japón. Miyazaki también admitió lo contradictorio que resulta para un antibelicista como él loar un artefacto que fue empleado como arma y explicó que el filme responde a su amor por la aviación y el diseño del Zero-sen y que busca explorar el “sueño hermoso, pero maldito” que supuso concebir ese avión para sus creadores.

Hayao Miyazaki anuncia su retiro El maestro japonés del cine de animación Hayao Miyazaki anuncia su retiro El maestro japonés del cine de animación Hayao Miyazaki de 72 años,se retirará después de La Mostra de Venecia, donde su última película, Kaze Tachinu (Sopla el Viento), concursa por el León de Oro. “Miyazaki ha decidido que Kaze Tachini sería su última película, y que después se jubilará”, declaró a la prensa Koji Hoshimo, presidente de los estudios Ghibli, cofundados por Hayao Miyazaki.La retirada de Miyazaki fue anunciada en la rueda de prensa de presentación de este filme en Venecia por el presidente de los Estudios Ghibli, Koji Hoshino. Hoshino no agregó precisión alguna, indicando únicamente que el realizador, quien no pudo asistir al Festival de Cine de Venecia este año, daría una conferencia de prensa próximamente en Tokio. El prolífico realizador de animación,, conocido mundialmente por El Increíble Castillo Vagabundo (2004) o La Princesa Monokoke (1997),Hauru no ugoku shiro (Howl’s Moving Castle) o Gake no ue no Ponyo (Ponyo),autor de la serie “Heidi” y de la serie “Marco”,fue reconocido en 2005 con el León de Oro a la trayectoria. Miyazaki,ganó el Óscar a la mejor película animada en 2001 por Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro) .

Port

tafolio Semana del árbol Cartel que intenta reflejar y promover la plantación de árboles. La sensación visual de confort y calidez,transmiten al espectador la nostalgia de los dias veraniegos de la infancia.

Pictogramas Conjunto de simpáticos animales muy simplificados, el juego de manchas y el tono limón lo hacen fáciles de reconocer.

Colorear comic Ejercicio para practicar el coloreado en Photoshop,los colores frios con los toques calidos dan el toque de misterio que la escena requiere.

Escala de iconicidad Búsqueda de la máxima simplificación de un animal realista sin que pierda su gracia y sea aún reconocible.

LA LAMPARA ROJA Arthur Conan Doyle

Gomez Editorial

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ESTUDIO EN ESCARLATA

Gomez Editorial

Arthur Conan Doyle

LA LAMPARA ROJA

Arthur Conan Doyle

EL MUNDO PERDIDO

Arthur Conan Doyle

‘‘Ed Malone, reportero del Daily Gazette, quiere impresionar a su amada, Gladys, antes de pedirle su mano y por eso se dirige a su jefe para pedirle que le envíe a una misión peligrosa y aventurera. McArdle, el editor, accede y envía a Malone a entrevistarse con el profesor Challenger, una tarea diiícil pues el profesor ha agredido a varios otros periodistas enviados a hablar con él sobre su prepre sunto descubrimiento de dinosaurios en Sudamérica. Dicho hallazgo ha sido hasta el momento ridiculizado por la corriente cientííica principal, pero Challenger convence a Malone de su veracidad y le invita a una expedición al Amazonas venezolano para recoger más evidencia.“

Gomez Editorial

Colección de libros Creación de tres portadas de tres novelas policíacas diferentes de un mismo autor clásico. La sensación de unidad están conseguidas con el color,la tipografía y los dibujos,acorde con su temática de misterio y crimen.

Sobrassada de Mallorca

Marca de sobrassada Marca creada para un concurso de la prestigiosa marca mallorquina ‘‘Sobrassada de Mallorca’’ y de su variación ‘‘de porc negre’’.

Sobrassada de Mallorca

Principe valiente Cartel aniversario del Principe Valiente. Ejercicio de aprendizaje y primer contacto con el programa Indesign,se jugaba con la composición texto y la imagen.

Años del Príncipe Valiente Sala de Exposiciones: Sala 1 (Centro Cultural “Antiguo Instituto” - Gijón). Material que la integra: más de 60 páginas originales de prensa en color de la genial creación de Harold Foster Fechas: del 1 al 24 de octubre de 2012. Inuguración lunes 1 a las 12h. Horario: de lunes a viernes de 18 a 21 / sábados de 11 a 14 y de 18 a 21 / domingos de 11 a 14

Seguramente no existe otro personaje de comic tan venerado y reeditado desde sus ya lejanos orígenes, en el remoto año de 1937, como El Príncipe Valiente y es que muy pocos han sido capaces, al menos hasta tiempos muy recientes, de escapar del ghetto en el que todo lo relacionado con este medio de expresión estaba inmerso. Hay además otra cosa interesante, la valoración cultural de los personajes de comics se inició con la recuperación de los grandes héroes de la “Edad de Oro”, es decir los personajes de la época de El Príncipe Valiente, pero ésta se basaba ante todo en la innegable belleza de sus dibujos. Había que ser un cenutrio para no reconocer la belleza de los dibujos de Alex Raymond y tantos otros, pero la valoración de sus historias iba por otro lado. Sin embargo en El Príncipe Valiente muy pronto se reconoció que no sólo sus dibujos tenían un valor destacable, sino que sus historias y textos eran muy superiores a lo que normalmente se esperaba de un “tebeo”. Hal Foster, el padre de la criatura, nació en Canadá a finales del XIX y se sintió desde muy joven atraído por dos cosa: la vida en la naturaleza y el dibujo. En 1910 se marcha a Estados Unidos en busca de trabajo y tras desarrollar diversas ocupaciones, parece que fue boxeador y buscador de oro, acabó encontrando un lugar en el escalón más bajo del dibujo publicitario, ilustrando catálogos de venta por correspondencia. Eran años deslumbrantes para un nuevo medio de expresión nacido en las paginas de los diarios y llamado comic. Los comics, como su propio nombre indicaba, eran básicamente cómicos pero a principios de los treinta, algunos dicen que como consecuencia de la crisis del 29, comenzaron a aparecer otras temáticas, especialmente aquellas relacionadas con la aventura y la fantasía. En esta tesitura Foster fue llamado para realizar con destino a los diarios una peculiar adaptación del muy en boga Tarzán de los Monos, quizás con demasiado texto para ser considerado un comic de pleno derecho. La experiencia fue un éxito y dio origen a una serie de comics, ahora ya sí, protagonizada por dicho personaje, sin embargo Foster no parecía demasiado entusiasmado con este nuevo medio y prefirió dejarlo para dedicarse a otras cosas, aunque pasado un tiempo acabó por volver al personaje. Supongo que, como se suele decir, se encontró con una oferta que no podía rechazar. El comic seguía sin interesarle especialmente, lo encontraba un medio limitado y bastante tontorrón, pero poco a poco fue cambiando su opinión sobre el mismo, hasta llegar a la conclusión de que ofrecía unas posibilidades que inicialmente no había visto… siempre que pudiese tener un control sobre su obra que en aquellos momentos, no se olvide que Foster era un recién llegado, parecía imposible. Así que Foster se lía la manta la manta a la cabeza y se pone en contacto con la King Feature Syndicate, propiedad del mítico William Randolph Hearst, principal distribuidor de comics del momento a la que ofrece un nuevo personaje, siempre y cuando se le reconozca la propiedad y el control sobre el mismo. Se llega a un acuerdo a pesar de que las peticiones de Foster se consideraban desmesuradas en aquel momento, parece ser que el hecho de que el propio Hearst admirase el trabajo de Foster influyó en la decisión, y el 13 de Febrero de 1937 se publica la primera pagina dominical (1) de El Príncipe Valiente, historia centrada en las andanzas de un adolescente nórdico, hijo de un rey sin reino, que aspira a lograr las espuelas de caballero en la Corte del rey Arturo. Se inicia una Epopeya que, a día de hoy, aun continúa. El gran éxito de El Príncipe Valiente pronto propició su pase a otros medios. Ya en el año 1954 se hizo una película de gran presupuesto sobre sus andanzas lo que distaba de ser común en la época -cuando se llevaban tebeos al cine solía ser en producciones decididamente humildes- dirigida nada menos que por Henry Hathaway y eso fue sólo el principio. El Príncipe Valiente ha sido objeto de varias adaptaciones al cine y a la televisión, tanto en personajes reales como en dibujos animados, sobre él se han escrito novelas, hecho juegos de Rol y hasta otros tebeos. Pero lo más importante es que la obra de Foster se ha reeditado una y otra vez a lo largo de los años. En tiempos recientes hemos podido gozar de grandes y fidelísimas reediciones tanto en Estados Unidos como en Europa, pero ninguna experiencia es comparable a la de los afortunados mortales que pudieron disfrutarlas en los diarios en su, hoy impensable, tamaño original y con los extraordinarios colores de la época. A quien ha podido ver esas paginas cualquier reedición, por cuidada que sea, ha de parecerle un reflejo desvaído del original.Y esa es la experiencia que les proponemos, aprovechando que estamos en el 75 aniversario del personaje, poder disfrutar de la contemplación de una selección de las mismas páginas que deslumbraron a una generación de lectores y dieron lugar a una leyenda. Si les interesan los comics, si les gustan los tebeos, esta es una ocasión que no pueden perderse pues no es de las que se dan todos los días. 1) Los comics de los periódicos se publicaban en dos formatos, uno todos los días consistente en una tira -de ahí el nombre de “tira diaria”- generalmente distribuida en tres viñetas en blanco y negro. Los Domingos se tiraba la casa por la ventana y los personajes más famosos gozaban de una página entera y verdadera (a veces media) a todo color, eran las páginas, o planchas, dominicales. La mayor parte de las series se publicaban en ambos formatos, pero algunas como El Príncipe Valiente sólo tuvieron páginas dominicales, lo que permitía un mayor cuidado y control por parte del autor.

XXXVI Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias / Gijón / Octubre 2012 TM and © King Feautures Syndicate, Inc.

Elayn Siloé Gómez Perea

ANIM

Portadas de revista Colección de revistas de un tema libre. La sensación de unidad está conseguida mediante la repetición de la tipografía,la disposición de las imágenes al igual que la gama de colores.

Variaciones del color Mediante una serie de premisas obligatorias se debia experimentar los cambios visuales de una misma imagen, es decir: cálidos,frios,saturados,solo uno saturado, con sombras proyectadas y pictórico.

Mem 28

moria La temática de esta revista es bastante amplia,toca temas como la animación en 3 D, en 2 D, comics y mangas; intentando recopilar lo máximo y lo mejor de ambos continentes. La linea en la que está diseñada pretende dar dinamismo, dejando de lado los convencionalismos y el aburrimiento. Los colores son llamativos e intensos,guiando así al lector por un camino visual determinado. Hay un gran surtido de imágenes de gran tamaño, a doble página en cada inicio de artículo u entrevista,enfatizándolas; éstas son para aquellos amantes de los detalles y otras mas pequeñas que dan el toque de alegría e interés. Los fans del cine de animación se deleitarán con las explicaciones visuales de cómo han sido realizadas. En cada artículo hay un subartículo que acompaña al texto para dar mayor información específica,complementándolo;el color limón resalta e intensifica el interés,crea orden y separación. Los titulares son de gran tamaño y fáciles de leer; están compuesto por dos tipografías opuestas: Times New Roman y Levi Brush. Una es seria, común y la otra es mucho más suelta y dinámica,imitando a un pincel desgastado; ambas dan ese aire desenfadado pero a la vez formal; complementándose muy bien. El texto esta dividido en dos columnas,pone el toque de sencillez y equilibrio; fluyendo y acomodándose a las imágenes. La tipografía para estos bloques de información es la Times New Roman,siguiendo la linea inicial. En el portafolios se exponen todas mis obras llevadas a cabo durante el año,este apartado es más colorido y un poco diferente al resto,ya que mi intención es que el color acompañe a las obras, llamando la atención del lector; éstas están agrupadas por tonalidades. Los colores de las páginas separan al igual que crean unidades o bloques visuales.

Vienen acompañadas de un pequeño texto explicativo dentro de un recuadro que transparenta el tono de fondo para que puedan leerse cómodamente. Originalmente la revista jugaba con la tipografia de Times New Roman y Levi Brush pero por motivos técnicos todas son de una sola. la Times.