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dni12 revista de diseño nacional e internacional

Junio 2011

jóvenes diseñadores

Los diseñadores del futuro se muestran en Milán Pastorino-Suarez, talento argentino for export Roger Black y Christian Schwartz, dos puntos negros de la gráfica Huayra, el nuevo chiche de Horacio Pagani

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“La creatividad y la capacidad innovación no son patrimonio exclusivo de la juventud, pero podría serlo sin un ambiente social que valore esas cualidades.

Walter Gropius tenía 35 años cuando creó la Bauhaus. La famosa Chaise Longe de Le Corbusier fue construida por primera vez cuando el suizo promediaba sus 38 años de edad. La mítica silla Red Blue Chair de Gerrit Rietveld vio la luz cuando el holandés cumplió los 30. Marcel Breuer creó la silla Wassily en 1925, cuando tenía 23 años de edad. Sin embargo, lo que distinguió a todos estos prohombres del diseño moderno no fue su juventud sino una actitud joven hacia los problemas: estar dispuesto a formular preguntas para las que no se tienen respuestas. Gropius, Rietveld, Le Corbusier y los demás, siguieron siendo creativos en su alta madurez porque siguieron formulándose preguntas.

Albert Einstein decía que formular la pregunta correcta era más importante que encontrar una respuesta. Para el Premio Nobel, ver los viejos problemas desde un nuevo ángulo era una manera de ser creativo.

En las primeras investigaciones sobre creatividad, en los 50, se hablaba de una “sensibilidad a los problemas” que estaba presente en las personas más creativas. Era como una habilidad para detectar inconsistencias, defectos en cosas y situaciones con la certeza de que las cosas se pueden mejorar y con la voluntad de cambiarlas. Eso es juventud.

El año pasado, investigadores de la Universidad de Valencia estudiaron los procesos mentales que generan ideas creativas en términos de identificación de problemas desconocidos. El estudio confirmó que las personas más creativas tienen más resistencia a cerrar los problemas, a resolverlos en forma apurada y toleran mejor la ambigüedad.

Ese equipo de investigadores aseguró que la creatividad es un sistema complejo que pone en juego aspectos cognitivos, motivacionales y de personalidad pero, lo más importante, también sociales. “No hay creatividad sin un grupo de referencia que valore el producto y considere que es original y valioso”, explicaron. La creatividad es responsabilidad de todos.”

Miguel Jurado mjurado@clarin.com

número 12 LO BUENO PAG 4 SALONESATELLITE, EL PLANETA DE LOS JOVENES EN MILAN PAG 6 FEDERICO CHURBA SE ACOSTUMBRO A VIAJAR PAG 10 UNA CRITICA CONSTRUCTIVA AL AUTO ELECTRICO DE LA POLICIA FEDERAL PAG 13 DOS ARGENTINOS QUE HACEN PATRIA EN EUROPA PAG 14 ¿QUE OPORTUNIDADES TIENEN LOS JOVENES PARA TRABAJAR EN DISEÑO? PAG 17 LA ULTIMA LOCURA DE HORACIO PAGANI SE LLAMA HUAYRA PAG 18 TIPOGRAFIA: SOLUCIONES MICRO PARA PROBLEMAS MACRO PAG 22 ROGER BLACK, EL SEÑOR DE LAS TAPAS PIENSA EN LA PANTALLA PAG 24 INFORME SOBRE LOS NUEVOS MATERIALES DEL MUNDO PAG 26 ILUMINACION, PRECISO Y LOS DISEÑOS MAS ATRACTIVOS PAG 28 LOS CINCO PUNTOS DEL DISEÑO SEGUN MANUEL SAEZ PAG 30 DNI REVISTA DE DISEÑO NACIONAL E INTERNACIONAL ES UNA PUBLICACION DE DIARIO DE ARQUITECTURA DE CLARIN. DOMICILIO: PIEDRAS 1743 (1149) CAPITAL. ISSN 18518028. La presente publicacion acompaña la edicion del 14/6/2011 EDITOR RESPONSABLE BERTO GONZALEZ MONTANER edicion y COORDINACION GENERAL miguel jurado EDICION GRACIELA BADUEL Y MIGUEL JURADO REDACCION PAULA BALDO, ARIEL HENDLER, DANIEL MOYA, VIVIAN URFEIG Y DARDO VILLAFAÑE COLABORARON EN ESTA EDICION EN ESTA EDICION SOLEDAD AGUADO, ERNESTO FRIAS, MIGUEL JURADO, NICOLAS KEDZIERSKI, ANA INES LASALA, LUCAS LOPEZ, FERNANDA MARTINEZ, PATRICIA MUÑOZ, DANIELA QUINTANA, MANUEL SAEZ, EDUARDO SIMONETTI Y DANIEL WOLF DIRECCION DE ARTE GUSTAVO LO VALVO DISEÑO marquez diseño EDICION FOTOGRAFICA oscar harispe PRODUCCION SHOWROOM Nicolas KEDZIERSKI tapa © Dmitry Naumov | Dreamstime.com contra © Carlos Caetano | Dreamstime.com

Luminaria agujeros que iluminan

cache-cache lampara multiforma

El egipcio Karim Rashid creo, para la firma sueca Zero, la luminaria colgante “Space Time”, que fue presentada en la ultima Feria de Muebles de Estocolmo. La sinuosa curva exterior que le da simetría al objeto no condice con las perforaciones desiguales de su superficie. El objetivo?

Proyectar desde el interior una luz que a su vez emite una suave sombra.

Inspirada en el universo floral, esta lampara que esconde su luz fue diseñada por Victor Boeda y se alzó este año con el premio francés “Etoile de I Observeur”. La fuente lumínica está envuelta por un tejido extensible que se une por un cierre. La intensidad de la luz aumenta a medida que el cierre se abre más, permitiendo además que el diseño vaya mutando.

www.karimrashid.com

www.victorboeda.com

interiores LADRILLOS DECORATIVOS Y SUSTENTABLES

Rodante Sillón, carretilla y biblioteca

Hexagon es el nombre de estos mosaicos realizados con una mezcla de virutas de madera con cemento. El wood wool cement es un material muy común en Europa, cálido al tacto, resistente a la humedad y funciona muy bien como aislante acústico. Se lo puede teñir en varios colores. Traullit es la firma que fabrica Hexagon y la única que trabaja este material en Estocolmo. El producto fue diseñado por el estudio sueco Form Us With Love a partir de un hecho casual. “Esta-

Bookinist es un sillón móvil diseñado para leer. Inspirado en una carretilla puede ser empujado hacia cualquier lugar de la casa.

Su neumático inflable no solo sirve para llevar el sillón de aquí para allá, también le da al asiento una suspensión confortable.

Puede transportar casi 80 libros en sus apoya brazos y respaldo. Viene equipado con una lámpara de lectura y varios útiles para la lectura, como lápices, gomas, marcadores de página y una lupa. Bookinist

bamos buscando entre los fabricantes de este material alguien que nos lo proveyera para colocarlo en nuestro estudio”, explica Pretus Palmér titular del estudio de diseño.

Así nació Hexagon una colección de discos hexagonales con un gran rango de colores.

La fabricación de wood wool cement es muy simple, la viruta de madera se mezcla con agua y cemento y se coloca en moldes para que adquieran su forma al secarse. www.traullit.se

www.moormann.de

fabrica laboratorio creativo

melbourne Monkey Grip

Bennetton´s Comunications llama Laboratorio de Creatividad al espacio que creó en 1994 en la ciudad Italiana de Treviso. No funciona como universidad ni como escuela, sino como una incubadora de talentos que recibe jóvenes artistas de todo el mundo. Allí desarrollan proyectos de todo tipo y exploran múltiples vías de comunicación.

Monkey Grip es un sistema que permite utilizar el espacio que hasta ahora no estaba disponible para colgar macetas como vigas, pasamanos, ganchos y demás. Cada maceta se une a la otra para formar una cadena de planteros y crear una hermosa columna de follaje.

Fue diseñada por el australiano Adam Cornishde.

www.fabrica.it

www.melbourne.vic.gov.au

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ya ganó varios premios internacionales, es producido y comercializado por Vita Nils Holger Moormann Vinvites, uno de los protagonistas del “nuevo diseño alemán”.

Desde 1982, Moormann produce diseños de, en su mayoría, jóvenes y desconocidos diseñadores. De acuerdo con la idea principal de sencillez, inteligencia e innovación, los diseños se distinguen por constituir auténticos ingenios técnicos.

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silla crece LA FAMILIA MILLER Sayl es nada más ni menos que la última criatura del reconocido Yves Behar. Con un diseño del respaldo inspirado en los grandes puentes, la silla fabricada por Herman Miller tiene suspensión 3D inteligente. Como si fuera poco, su construcción es sustentable, dado que usa unos pocas piezas y esto implica menor costo y una mínima huella de carbono al medio ambiente. www.hermanmiller.com

fuksas Baby fruit basket Diseñado por Massimiliano y Doriana Fuksas para la firma Alessi, esta frutera de porcelana agujereada viene en colores marrón y celeste en el interior o blaco, con interior rojo. El inefable Fuksas vuelve a sorprender con un diseño absolutamente intuitivo en el que forma y color nacen de su gran sentido de la estética.

Fuksas nació en Roma en 1944, donde se graduó en arquitectura en la Universidad La Sapienza en 1969. En 1967 abrió una práctica en Roma, y en seguida, en París y Viena. Actualmente vive y trabaja viajando entre Roma y París. Ha enseñado en numerosas universidades. En 1998-2000 fue director de la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia bajo la consigna: Menos estética, más ética. www.alessi.it

desalto mesa italia La firma italiana de muebles lanzó una nueva mesa pequeña que toma la forma de una gran viga doble te o el perfil de una gran letra I mayúscula, la misma con la que comienza el nombre de este mueble y el de su país de origen. Italia forma parte de la colección de novedades que Desalto presentó en la última Feria del Mueble de Milán. www.desalto.it

SILLON made in taiwan

agenda

Yii es la marca de diseño iniciada por el instituto de investigación de arte de Taiwán de donde surgió este sofá realizado íntegramente a mano con pelotas de fibra de bambú. El grupo, formado por ceramistas, escultores, artesanos del bambú y profesores de varias disciplinas suman una veintena y están bajo la dirección creativa de Gijs Bakker, el co-fundador del grupo Drog.

Cerámicas en Suecia

Festival Internacional de Arquitectura

Entre el 15 de junio y el 31 de julio,el Museo MNAD exhibe su colección de cerámicas de Suecia, Diseño 1950. Entre las piezas exhibidas habrá obras de Stig Lindberg y Wilhelm Kage, Ursula Printz, Lisa Larson e Inga-Janson-Swedenborg.

Visitas guiadas. www.mnad.org

Del 30 de junio al 3 de julio se celebrará la sexta edición del célebre festival catalán. En esta edición, el lema es: Work in progress, global problems, Local solutions. Los participantes presentarán sus obras en forma transversal: mercado, escala 1:1, debates y conferencias, proyecciones audiovisuales y workshops. www.eme3.org

Encuentro Latinoamericano de diseño

IV Exposición de la Industria del Plástico

La Universidad de Palermo realizará la cuarta edición del encuentro del 26 al 29 de Julio. Habrá workshops, seminarios, talleres, concursos y mucho mas. www.palermo.edu/encuentro

En el Centro de Exposiciones de Costa Salguero del 27 al 30 de Junio. www.banpaku.com.ar

www.yiidesign.com

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Fotos: GENTILEZA Sebastian Neeb

GANADOR. Elisa Strozyk

dise帽贸 el armario junto al artista Sebastian Neeb. Para su desarrolo se utiliz贸 madera contrachapada y papel madera.

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SaloneSatellite La innovación tiene el alma joven

Por Nicolás Kedzierski. En Milán, durante el 50° aniversario del Salone del Mobile el SaloneSatellite volvió a destacarse por los productos de jóvenes diseñadores que mostraron creatividad, frescura e innovación. Mientras que el resto de la feria mostró que las grandes empresas por ahora apuestan a propuestas más convencionales, el sector joven recurrió a alternativas desafiantes para captar la mayor cantidad de miradas posibles. En su catorceava edición, la muestra curada por Marva Griffin y su comité de especialistas alojó a más de 700 diseñadores y 20 escuelas de diseño. El objetivo: actuar como unificador, vincular a nuevos diseñadores –menores de 35 años- con grandes empresas manufactureras. En este pabellón es donde se vive la gran apuesta al futuro.

Si bien los prototipos presentados en el Satellite suelen desatacarse por su carácter conceptual, esta vez los diseños mostraron estar a la altura de los requisitos que imponen las grandes ligas. Esto se debe a un avanzado desarrollo formal que resalta gracias a su calidad y solidez industrial.

La tendencia se enfocó en la simplicidad, pequeños gestos morfológicos y la utilización de materiales nobles.

Representantes del diseño escandinavo y oriental demosnavos llegaron el Strek Design Collective de Noruega, y el traron que se puede innovar manteniendo ciertas caracte- Kaamos Group de Finlandia. Ambos presentaron producrísticas que remiten a su tradición. tos simples, con morfologías atractivas que se destacan Se destacan los trabajos de los estudios japoneses Sides por medidos gestos de diseño y su atención al detalle y Core y Tani–Matsura que manteniendo la sencillez, recucalidad. Sus productos se nutren del contraste, combinan rren a ciertas estrategias tradicionales como por ejemplo materiales nobles como la madera con agregados indusla utilización del origami como discurso. El primero exhitriales como el acero. El estudio noruego --compuesto por bió su lámpara de acero ’Triangles’ que puede ser tanto de cuatro compañeros de la Akershus University College-pie como colgante. También presentaron su mesa ‘Tetra’ presentó una variada gama de productos. La serie está con base de abedul. En ambos casos las geometrías de compuesta por vasijas, jarras, sillas, lámparas y placares estos productos hacen recordar el antiguo arte de la papiproducidos en madera, metal y cerámica. El estudio finroflexia. El segundo estudio presentó su línea de mobilialandés también opto por la madera para sus productos rios ‘Waft’, una serie que incluye un banco y una mesa en lumínicos como la lámpara transportable Sheen y la colmadera contrachapada. Comprimiendo una plancha de gante Warp. aluminio con otra de madera, los japoneses lograron crear También hubo oportunidad para que se destaquen piezas delgadas y resistentes. En la banqueta, la rigidez otros diseños europeos. La lámpara Annexo, por caso, del está enfatizada gracias a una torsión tridimensional en catalán Román Bianco, fue parte de la preselección del sus cuatro patas. Este ejercicio morfológico SaloneSatellite Award. Como dice Bianco, sus no solo responde a una mejoría funcional diseños cruzan lo simple con lo implícito. sino que desde el lenguaje pretende Su desafío es comunicar la simplicidad comunicar liviandad. Como dicen de manera implícita. El checo Jan desde su estudio “remite a una Plechac mostró bajo el nombre hoja que bailía en el aire”.

Icons una serie de clásicos de La tendencia Desde los países escandidiseño reinterpretados. La serie se enfocó en la simplicidad, pequeños gestos morfológicos y la utilización de materiales nobles.

MOVIMIENTO. El mueble está compuesto por cuatro patas delgadas de madera y una piel envolvente de madera contrachapada. Para la propuesta, sus creadores se inspiraron en el acordeón, un clásico instrumento de

origen alemán. El mueble se abre y se cierra con un movimiento que remite al mismo instrumento. El movimiento de las partes permite alterar la apariencia del producto.

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1 Luminaria. La lámpara colgante de acero inoxidable llama la atención por sus pliegues y su estructura geométrica. 2 Esqueleto. Plechac presentó una serie de clásicos rediseñados con tan solo una estructura de alambre, como el famoso puf FatBoy. 3 Corian. Una serie de detalles funcionales le otorgan carácter y calidez a este diseño italiano. 4 Sistema. Hecha en acero termo laqueado y arce, la serie de muebles se arma y se desarma rápido y a gusto del usuario. 5 Materiales. La parte superior es de vidrio soplado satinado y la base puede ser de corcho, polipropileno o mármol.

está compuesta por un conjunto de iconos del diseño ‘desmaterializados’ a partir de una estructura lineal de alambre. Entre ellos se encuentra la red & blue de Gerrit Rietveld y la Kubus de Hoffmann.

También asistió Francis Chabloz del estudio suizo Labelobjet. El suizo presentó una silla y mesa que pertenecen a la serie Fast. Los muebles utilizan una cinta como elemento de unión y que según él el diseño no solo está libre de herrajes sino que se arma rápido y promete mejorar la situación de embalaje y transporte.

Entre algunos alemanes estuvieron Markus Krauss autor de la silla mecedora Sway y los estudios Ellenberger design y Nachacht de Berlín. El estudio Ellenberger estuvo entre los nominados al premio del salón con su lumi-

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naria imantada magnetic lamp.

De los estudios italianos Arkimera recibió una mención especial por parte del jurado por el diseño de ‘Ambito’ una especie de organizador de escritorio hecho en Corian, producido por control numérico.

Desde el sur

Algunos de los representantes de Latinoamérica fueron: el argentino Federico Churba, los brasileros Sergio Matos y Pedro Franco, los uruguayos de Infinitda y el chileno Rodrigo Alonso.

Churba presentó diez nuevos diseños entre los que se destacan sus luminarias Arlequín y Cronos, sus mesadas Corcheas y su sillón Poul (ver nota a Churba en pág...).

Los brasileros, al mejor estilo Hermanos Campana exhibieron una serie de productos que reflejan sensibilidad por los aspectos sociales y culturales de su país. Pedro Franco, un ex alumno de los Hermanos, presentó su colección Kaos, que según él, ha encontrado como principal fuente de inspiración el propio caos de la ciudad de San Pablo. Su compatriota, diseñó la poltrona Balaio que nació tras inspirarse en las típicas canastas de mercados callejeros que utilizan en la feria del municipio brasilero Campina Grande. El chileno Alonso presentó Los Vilos, un mobiliario modular hecho a partir de desechos plásticos industriales. La colección es 100% reciclada y 100% reciclable.

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Fotos: GENTILEZA de los autores

Estuvieron Federico Churba, los brasileros Sergio Matos y Pedro Franco, los uruguayos de Infinitda y el chileno Rodrigo Alonso.

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6 Regional. El sillón está hecho en acero inoxidable y algodón trenzado en diversos colores. 7 Morfología. El taburete combina materiales naturales como la madera con industriales como el aluminio. 8 Regional II. Su diseñador, Pedro Franco, deja ver a través de sus productos su pasado como aprendiz de los hermanos Campana. 9 High Tech. La lámpara de OLED tiene tramos independientes que se pueden plegar, girar y apuntar en múltiples sentidos gracias a su configuración estructural. 10 Escultural. Las caras se mueven y rotan para conseguir distintos efectos lumínicos.

Galardones

Este año el Satellite realizó la segunda edición del SaloneSatellite Award. En una preselección que involucró a 110 de la totalidad de los diseños expuestos ¿El objetivo? fortalecer y facilitar el contacto entre la oferta y la demanda, entre el diseño y el negocio, entre la creatividad y la producción. Los nominados debían ser luminarias y muebles de oficina. Los premiados fueron tres.

El primer puesto fue para el ‘Mueble Acordeón’ de la diseñadora alemana Elisa Strozyk. Tras una decisión unánime, el jurado no dudó en distinguir a este producto por su uso sorprendente de la chapa de madera y su expresión de liviandad. El segundo puesto fue para otro diseño alemán, la simple y dramática luminaria ‘Modular Light’,

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tal como la describió el jurado, de Robert Hoffmann. El tercer lugar fue para el prototipo ‘Lamped’ de la serbia Irena Kilibarda. La idea de la diseñadora fue reconocida por apostar en el futuro tecnológico de la iluminación OLED. “Cuando un proyecto en el que estuviste trabajando durante dos años es mencionado y reconocido por el jurado, es un aviso de que estas en la dirección correcta”, afirma la diseñadora, aunque, por ahora, su principal preocupación pasa por la dificultad que implica vender un producto que tiene como base una tecnología que todavía está en proceso de desarrollo.

El jurado estuvo compuesto por referentes internacionales del mundo del diseño, la arquitectura y la producción como Paola Antonelli, Mario Bellini, Alberto De Zan

y Michele Gismondi entre otros. El premio incluyó un monto de dinero y servicios de prensa y consultoría para asegurar la máxima difusión de los prototipos ganadores.

www.elisastrozyk.de www.dsigned-by.com www.robhoff.com www.federicochurba.com.ar www.musuchouse.com www.infinitda.com www.janplechac.com

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1 Arlequín. El nombre proviene de los retazos viejos que componían el traje del bufón. 2 Cronos.

Simpleza y misterio, la estructura sólida encubre el vacío interior. 3 Faroles. Su pantalla es traslúcida y texturada y flexible.

Federico Churba En la Meca del diseño Por Nicolás Kedzierski. Luego de la semana del diseño en Milán, Federico Churba recibió a DNI en su estudio de Núñez. El joven diseñador participó por segunda vez del Salón Satellite, un pabellón de la Feria del Mueble que busca conectar a las promesas del diseño --menores de 35 años-- con las grandes empresas del mundo industrial. Durante la entrevista, Churba reflexiona sobre su experiencia en la feria, su relación con los empresarios, la crisis y sus últimos lanzamientos. Este año se celebró la catorceava edición del Satellite, de las palabras del diseñador se nota que ya piensa en volver.

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Su primera vez fue en el 2010 y su arribo fue repentino, “Llegue de casualidad. Una vuelta estábamos en el estudio trabajando y googlié: Salone Satellite y apliqué. Fue sencillo, lo hice de forma inconsciente. Tres meses más tarde recibí un mail de Marva Griffin diciendo que mi aplicación había sido aceptada”. Si bien fue espontaneo, al instante, Federico se dio cuenta que la circunstancia que se la había presentado no era menor: “A partir de ahí fue una sucesión de análisis e ideas que se fueron transformando. Me di cuenta que era una oportunidad que tenía que aprovecharla como sea.

A veces cuando las cosas llegan de manera casual y repentina tienen un plus especial”, asegura.

Así fue como se le presentó la oportunidad de ingresar en circuitos internacionales de diseño, lo que deseaba. “Mi idea fue ampliar fronteras, lo que iba a buscar en Milán era, justamente, lo que ellos me proponían: llegar a los industriales de allá con mis proyectos”. La primera idea de Federico fue exportar sus productos, pero la situación coyuntural lo llevó a darse cuenta que lo conveniente era que la producción quedase en mano de sus clientes. “La alternativa que me proponían en Europa, que yo miraba como tangencial, paso a ser la principal y con buenos resultados. Es muy difícil en este contexto económico exportar nuestras manufacturas” explica.

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Fotos: GENTILEZA federico churba

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"A veces cuando las cosas llegan de manera casual y repentina tienen un plus especial"

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4 Corcheas. Las mesadas se consiguen en tres tipologías distintas. 5 Poul. Silla baja, con estructura metálica y un tejido tubular que forman las superficie de asiento y el respaldo. 6 Pluviales. Las mesas generan contrastes: cóncavo y convexo, color y no color, el adentro y el afuera. 7 Arlequín II. Versión de pie con una estructura de hierro.

Si bien está recién aterrizado de su segunda vuelta por Milán, la intención de Federico es hacer un análisis comparativo con su primera experiencia. “Cuando volví de la feria en el 2010 fueron tres meses de seguimiento constante donde logramos licenciar cuatro productos de los ocho mostrados. Ahora es muy prematuro para saber cómo estamos, pero hicimos varios contactos. La intensión es al menos instalar cuatro productos de los doce que llevamos. Si bien falta mucho, creo que se va alcanzar”, dice.

Cuando habla de contactos explica en entre risas: “Allá se manejan por regalías, el diseño va asociado a las ventas, al éxito o al fracaso del producto”. De sus productos licencia-

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dos en el 2010, este año se presentó en el pabellón Euroluce la lámpara Hanoi en el stand de Prandina. “¿La crisis? Hablás con los empresarios y están mucho más retraídos a la hora de realizar una inversión. Es de lo que se habla, es algo que tienen presente, consiente y lo están viviendo”, cuenta. Pero la crisis no solo llegó a las jóvenes promesas sino también a todo el complejo industrial europeo. “La crisis se viene sintiendo hace tres o cuatro años. Las empresas en general, presentaron novedades con pequeños cambios

sobre productos anteriores, se nota que no hay tanta inversión en desarrollo, están retraídos, van a lo seguro. En otros años en Milán, las empresas tenían la energía puesta en ver quien sacaba el producto más innovador,

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ahora hay mucha más cautela.”

Entre los diseños que llevó a Milán hay dos luminarias.

“Presenté dos modelos de lámparas, una se llama Arlequin y la otra Cronos. La primera son dos láminas enchapadas de madera que se cruzan formando rombos, tiene por debajo una pantalla de vidrio y se ilumina con lámparas alógenas.

Puede ser colgante o de pie con una base de hierro”, explica.

La segunda lámpara, contrariamente a sus predicciones, se llevó todas las miradas. Se llama Cronos, es un anillo hecho de retazos de madera maciza que genera un contraste entre la veta de la madera y el tipo de iluminación indirecta producida por leds.

También tuvieron su debut internacional las conocidas mesitas Corcheas en tres configuraciones distintas. La más grande es una mesa lateral, con estructura de hierro y tiene dos planos de madera contrachapada. La más chica tiene un solo plano de apoyo que se arrima a la cama, también con una superficie de madera enchapada. “Tienen el nombre

por la forma, tienen algo musical. Yo toco el piano y tengo el tema de la escritura integrado. Nos gusta decir que están afinadas”, confiesa.

Además, Fecerico llevó tres sillas y un sillón a Milán.

“La silla y el sillón Banquina parten del mismo concepto.

El detalle radica en el trabajo que posee la madera. Puca es otra silla de hierro que se obtiene de corte y plegado de chapa con un respaldo de cuero. La silla Corso sale de un fleje de hierro que a través de una torsión, gira y va generando las distintas áreas. El sentido del hierro se pone acorde a su función en cada tramo del recorrido”. Otros muebles presentados fueron las mesas bajas Pluviales de aluminio torneado y las cajoneras Tony. ¿Sus intenciones para el 2012? “Podés participar un máximo de tres veces y tenés que ser menor de treinta y cinco así que el año que viene es mi última chance” sonríe. “En principio la intensión está y me encantaría, en tanto y en cuanto la evaluación de mi segunda visita sea positiva como

la primera”, dice. Claro que para volver a presentarse hay llevar cosas nuevas y se nota que la idea es apostarle fuerte a Milán. Aunque, por otro lado muestra algo de duda: “Si bien la exposición sirve, cada vez la necesitamos menos. Una vez que generás trabajos con algunos clientes la urgencia de volver es menor”, y enseguida se retruca: “Igual tenemos un tiro más y vamos a tratar de aprovecharlo”.

www.federicochurba.com.ar

1 Salone Satellite 2011. A diferencia de muchos, el stand de Churba presentó una amplia gama de productos que responden a diversas tipologías. 2 Tony. Las superficies y texturas le aportan calidad y movimiento a la

rigidez del prisma. 3 Corso. Una sola línea recorre y sostiene al asiento. 4 Banquina. Otra creación de Churba que resalta por la suma atención al detalle.

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Fotos: GENTILEZA melex

Melex El autito eléctrico que usa la policía Por Ernesto Frías. ¿Qué es el automovil para nuestra cultura?¿Porqué despierta pasión este objeto preciado a lo largo y ancho del país?¿Serán que Juan Manuel Fangio, Froilán Gonzáles, Oscar Galvez y otros tantos pilotos lograron instaurar en nosotros una pasión por los autos que se trasmite de generación en generación? ¿Cómo surgen los autos? ¿Quién los diseña? ¿Dónde se construyen? Si indagamos en una serie de cuestiones relacionadas a estas preguntas, podemos concluir que detrás de cada uno de los automóviles que vemos a diario, hubo una gran cantidad de personas que participaron en su desarrollo y producción; para que eso que en algún momento fue un sueño de alguien, se eche a rodar en sus cuatro ruedas y transformarse en una realidad tangible para que muchos podamos usar.

Algo de esto sucedió con estos autitos que circulan, entre otras partes, por algunos espacios públicos de la Ciudad de Buenos Aires y otras ciudades de Argentina.

De dimensiones acotadas y posibilidad de trasladar dos personas, el vehículo de la marca Melex, que usa la Policía Federal se presenta como un vehículo eléctrico ecológico, destinado a usarse en espacios públicos y privados (parques y complejos fabriles, entre otros).

Seguramente algunos lo podrán asociar, debido a su tamaño, con los mini autos como el Isetta; y los más jóvenes, con el Smart o la nueva generación de autos pequeños.

Desde la perspectiva del diseño, en cuanto a lo estéticosimbólico --que es lo primero que impacta en nuestras retinas--, este vehículo posee la impronta que dejó su primera concepción relacionada con los campos de golf.

Algo que se mantiene aún con la evolución que le da la “adición” del carrozado superior, que se cierra creando un

espacio interno aislado, pero que, morfológicamente, deja entrever ciertos detalles inconclusos en los encuentros entre volúmenes y en las líneas que definen al producto, que le quitan continuidad y generan una lectura entrecortada. Esto se refuerza aún más con la disposición de la pintura, que resalta de sobremanera las puertas de acceso, quitándole fuerza al conjunto.

Como solución de bajo costo, se podría pensar en variar el diseño de la pintura, intentando armonizar con la misma la morfología del vehículo, para comunicar por ejemplo solidez, fortaleza y seguridad. Un paso más allá, se podría trabajar en el diseño de una identidad específica para la Policía Federal que patrulla los parques y paseos, usando colores más amigables en relación a los entornos donde circula.

En cuanto al uso, es un vehículo con capacidad para trasladar a dos personas. Con una velocidad máxima de 35 km/h y dimensiones acotadas, es una buena opción para usarlo dentro de los espacios públicos. Esto se refuerza al funcionar con un motor eléctrico que lo hace limpio y silencioso en su andar. Antes de agotarse, las baterías se pueden recargar simplemente enchufándolo en cualquier toma de 220 V. Con respecto a la visual, la superficie vidriada colabora en la percepción del entorno, aunque los parantes del parabrisas y las puertas restan eficiencia. Probablemente una solución de puerta corrediza como la utilizada en los viejos camiones Grosspal, podría ser más efectiva para este tipo de vehículos, debido a la recurrente necesidad de bajarse del mismo, entre otras ventajas que presentaría este tipo de solución.

Posee luces reglamentarias, que podrían complementarse con un faro de profundidad, tan necesario para la actividad policial.

Eléctrico. El motor del MELEX 245 es de corriente continua, 36/48 Volts, 2,5 KW de potencia, a 3.200 rpm. Se puede cargar en la red eléctrica. Velocidad velocidad máxima 35 km/h.

Tecnológicamente está resuelto con gran cantidad de piezas estándar, posee un juego de seis baterías del tipo plomo-ácido, no muy eficientes para el uso en estos vehículos. La carrocería es de plástico reforzado con fibra de vidrio, una tecnología al alcance de la producción local en pequeña escala, aunque no reciclable. Muchas partes componentes son usadas en otros modelos de la marca, favoreciendo a mantener controlados los costos productivos, algo importante para la sustentabilidad de la empresa.

Para concluir, hay que tener en cuenta que el rubro de este tipo de vehículos tiende a ponerse cada vez más competitivo con la incursión de nuevas marcas, por lo que será necesaria una constante renovación, ofreciendo mejores productos cada día. En relación a este tema, los profesionales del diseño industrial tienen mucho que aportar, brindando soluciones que favorezcan a obtener productos competitivos. Desde ya se valora el esfuerzo de las empresas argentinas en desarrollar nuevos productos. Creo que esa pasión que llevamos los argentinos por los autos, es lo que impulsa la industria local del automóvil y da cómo resultado el contar con una gran cantidad de autopartistas y, en el caso de la empresa Melex, el haber sabido encontrar su nicho de mercado.

Finalmente, el veredicto lo darán todas las personas que en muchos casos, más por pasión que por razón, elegirán entre el universo de posibilidades similares, ese vehículo que les terminó convenciendo por ese algo especial que lo hace “diferente” al resto.

Ernesto Frías es diseñador industrial, Magíster en Dirección de Empresas, PUCV, Chile. Director en 360design, gestor de la Asociación de Diseñadores Industriales de Córdoba y colaborador adscrito de Diseño IV de la F.A.U.D. – UNC.

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Fotos: GENTILEZA pastorino & suarez

Pastorino & Suarez Talento y adaptabilidad, tradición argentina Por Miguel Jurado. Desde el año pasado, producen y

comercializan su propio diseño: Fragmentos, una colección de accesorios de resina con interesantes variantes y acabados. Julián Pastorino y Cecilia Suarez son diseñadores todo terreno, son argentinos.

Desde hace 15 años están en Milán, la meca del diseño, con estudio propio y antecedentes que podría envidiara cualquiera. Comenzaron colaborando en importantes estudios de diseño y arquitectura como el Centro Studi Alessi, Studio Ruiz, Matteo Thun (Julian), y Mario Bellini y Design Network (Cecilia).

Desde 2001 tienen su propio estudio y empiezan a jugar en primera con camiseta propia. Trabajan para empresas como Casamania by frezza, Koziol y Fontana Arte creando objetos que dejaron huella.

La familia X-tile está compuesta por sillas, mesas, tandem y banquetas. Pero, además de su ingenioso sistema y comodidad, las X-tile son vistosas. “El respaldo y el asiento están hechos de polyester trasparente coloreado y tienen un vínculo en forma de cruz de termoplástico pintado.

El soporte es de metal cromado”, señalan sus autores. La silla adquirió fama final cuando se convirtió en el equipamiento oficial de la versión italiana de Operación Triunfo. Más tarde, la banqueta fue elegida para ambientar el bar de la torre catalana Agbar, diseñada por el francés Jean Nouvel.

En 1996, recién salido de la FADU-UBA, Julian participó en el workshop “Alessi for kids” y fue su primera aproximación a Europa.

Después, con Cecilia participaron del “Droog design in Fabrica” pero ya radicados en Milán. En esos años, Cecilia asiste al curso de Design Direction en la Domus Academy y obtiene un Master en Marketing and Communication. La preparación de ambos los llevó a cubrir un amplio espectro de actividades profesionales, desde el diseño objetos y mobiliario, hasta la arquitectura de interiores, la gráfica y la imagen corporativa.

Hoy, Julián se encarga del desarrollo de productos desde el asesoramiento a empresas para darle forma a su frief anual,

Hi-fi. Familia de altoparlantes en tres aplicaciones: Hi-fi (de techo), Low-fi (de mesa), Flower-fi (de piso). Realizados en corcho macizo (diametro 30 cm). Soportes y vinculos relizados en plastico, acrilico y

goma. Componentes hi-fi variables. Presentados en Milán durante la semana de diseño de 2003 a través del Hall Group exhibition.

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Entre 2001 y 2003, participaron del grupo Hall, un colectivo multinacional que autogestionaba muestras de proyectos experimentales en Europa y los Estados Unidos.

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1 Fragmentos. Coleccion de accesorios. Fragmentos, 2010. 2 Antoo. Familia de lamparas de cuatro aplicaciones - suspension, plafon, mesa y tierra Realizada en vidrio tricapa soplado en molde y posterior baño en acido.

Dimensiones; diametro aprox: 44 cm, h: 27 cm. Fontana Arte, 2009. 3 X-tile banco. Respaldo y asiento en polyester trasparente coloreado. Vinculo a cruz: termoplastico pintado. Soporte posterior y base: metal cromado.

Patas: metal cromado / pintura aluminio opaco. Casamania 2003.

hasta los últimos detalles de un producto. Ademas del diseño, él muestra un gran interés por el arte figurativo, lo que se expresa en realizaciones como Hopi&Equus, estatuillas de porcelana realizadas para Alessi, o los Vinyl toys para AtomPlastic y la serie en porcelana Colossus para Covo.

Por su parte, Cecilia se muestra más interesada por la elaboración de identidad corporativa en un ámbito que se toca con la arquitectura. Sin ir más lejos, hace un par de años desarroló el concept store para la cadena multimarca Sebiro con el estudio De8 architetti y todavía trabaja en temas relacionados como los espacios del NH Hotel de Orio o los interiores del NH Hotel de Rho. Es que, en su origen profesional, allá por 1996 cuando salían de la cátedra de Ricardo Blanco en la UBA, Julián y Cecilia se ocupaban del diseño de locales en centros comerciales, de la imagen para restaurantes, de interiores y mobiliario para bares y del diseño de stands para ferias. La actividad que la realidad argentina le ofrecía a los profesionales jóvenes.

“Europa te permite entrar en contacto con la producción industrial en serio y nuestro valor agregado como argen-

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“Europa te permite entrar en contacto con la producción industrial en serio y nuestro valor agregado como argentinos es la capacidad de poder hacer de todo”

tinos es la capacidad de poder hacer de todo”, explican.

Entre 2001 y 2003, estos jóvenes porteños participaron del grupo Hall, un colectivo multinacional que autogestionaba muestras de proyectos experimentales en Europa y los Estados Unidos, durante el Salon del Mueble de Milán y el ICFF de New York. De allí nacieron los experimentales Flower-fi, una familia de altoparlantes realizados en corcho macizo, las lámparas lampa de cuerpo de ratán, el asiento Látigo hecho con dos láminas plásticas iguales, fijadas con remaches y la famlia pipelight, también lámparas realizadas con tubos de pvc soldados y fresados.

La innovación y el uso de la tecnología parecen ser el fuerte de estos argentinos, sin embargo, ellos ven sus fortalezas en otras cosas. “Somos flexibles, nos adaptamos con rápidez. Hoy, ante la crisis que está sufriendo Europa, recurrimos a tecnologías ya abandonadas aquí pero que

se conservan en Argentina, como el trabajo con resinas.

Con esa artesanía desarrollamos los accesorios que componen la colección Fragmentos y el resultado es bueno”.

Talento y adaptación, tal vez la mejor tradición argentina.

www.pastorinosuarez.com www.frag-mentos.com www.casamania.it www.koziol.de www.fontanaarte.it www.alessi.it www.atomplastic.com www.covo.it

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¿Qué oportunidad tienen los jóvenes para integrarse al mercado del trabajo en diseño? ¿Que oportunidad tienen de expresar algo nuevo?

Capacidad de adaptación y calidad de respueta

Investigación y capacitación que abren puertas

Inercia positiva

Por Eduardo Simonetti. Como formador de las nuevas

Por Patricia Muñoz. Afortunadamente el mercado de dise-

Por Daniel Wolf. Hace unos años observé una publicidad en

Eduardo Simonetti es diseñador industrial (UNLP). Titular Diseño I-V FADU UBA. Titular de Posgrado DIMO FADU UBA. Profesor en universidades argentinas y latinoamericanas. Es Asesor /Tutor en el Consejo Federal de Inversiones.

Patricia Muñoz es diseñadora industrial (UNLP). Doctora UBA. Profesora Titular Morfología, ME1 y 2, Carrera de Diseño Industrial y Directora de Proyecto UBACyT, FADU, UBA. Presidente de la Sociedad de Estudios Morfológicas de la Argentina.

Daniel WOLF es diseñador industrial (UBA). Coordinador Área Productos y Objetos. Universidad de Palermo.

Dirige el estudio UOLF diseño realizando mobiliario y equipamiento.

generaciones de profesionales del diseño, desde siempre he asumido el compromiso de preparar y orientarlos hacia un horizonte con posibilidades de inserción, dentro de los variados campos que hoy se pueden visualizar en la aplicación del diseño. En un número que a diario sorprende, los nuevos diseñadores han sido integrados gradualmente en el sistema económico y productivo, asumiendo roles de los más diversos dentro de la disciplina. Así es que se los puede encontrar en las industrias productoras de maquinaria agrícola, en las de muebles, en las de electrodomésticos, en las de máquinas y herramientas, en las carroceras, en astilleros, en programas de experimentación para medicina, en estudios de arquitectura, en emprendimientos abocados al desarrollo de equipamientos especiales de alta complejidad (radares, satélites, sistemas de exploración y relevamiento, etc.), en las de productos y elementos para la gastronomía, en las del calzado y marroquinería, en las de material de promoción y alistamiento comercial, y así podría seguir con una larga lista de empresas que alojan en sus organizaciones a diseñadores industriales.

Dentro de estos diferentes espacios se desempeñan tanto en modo integrado o bien como consultores / prestadores externos de servicio, brindando así una oferta flexible acorde con los estilos o planes de las empresas. Pero también se los puede encontrar generando emprendimientos productivos tanto en la creación, desarrollo y elaboración de líneas de productos, como en el armado de estructuras de servicios y apoyatura en gestión.

Y dónde están o se los puede ver? Tal vez no sean perceptibles los actores responsables de este cambio, pero sí se pueden detectar las industrias, empresas, estudios, que muestran sus innovaciones en exposiciones temáticas, o que han accedido a nuevos mercados, o tal vez hoy pueden competir con sus exportaciones.

Unos años atrás, los diseñadores industriales debíamos explicar a diario en qué consistía nuestro accionar profesional, hoy encontramos este requerimiento en los avisos clasificados al igual que el de otras profesiones más arraigadas. Hay muestras claras y crecientes de integración de la disciplina, y para esto hay una sola explicación: la capacidad de adaptación y calidad en la respuesta con que se desenvuelven los jóvenes profesionales, con una visión actualizada, comprometida y responsable. “Lamentablemente”, esto se ratifica con la inmediata aceptación con que se encuentran los diseñadores que emigran en busca de otros horizontes, donde siempre son muy bien acogidos y, en muchos casos, alcanzan una notable trascendencia internacional por sus obras.

El espacio y la ocasión actual se muestran propicias para fortalecer los cimientos de un sistema económico/ productivo que, ante un panorama altamente competitivo, necesita renovarse de manera constante, y es ante este desafío donde el diseño industrial está preparado para participar como un actor central.

Los diseñadores industriales, y más aún las últimas generaciones, manifiestan un permanente estado de efervescencia, con inquietudes, siempre ansiosos y visionarios, y a la vez decididos en seguir intentando cambiar el mundo, lo cual, con la solidez y el valor que los mueve, seguramente habrán de lograrlo definitivamente.

ño industrial es muy variado. Esta característica permite que los jóvenes egresados puedan encontrar espacio para desarrollar su profesión. Sin embargo, no es fácil y el tiempo necesario para “ganarse un lugar” es inevitable, pero esto no es diferente en otras profesiones. Además, es un tiempo absolutamente necesario para que las partes involucradas se conozcan en sus particularidades, tanto en sus capacidades como en sus especificidades y limitaciones.

Una vez superada esta primera instancia, las propuestas de innovación se tornan viables. Muchas veces, acompañan proyectos más tranquilizadores y conservadores, pero van ganando un espacio y, si bien es frecuente que no sobrevivan tal cual fueron planteadas, suelen “contaminar” lo que finalmente se produce. Salvo particulares y escasas estrategias empresarias de innovación radical, los cambios en los objetos de diseño son incrementales y evolutivos. Esto ocurre porque la incorporación de lo nuevo no es decisión exclusiva del diseñador. La factibilidad de la innovación y su intensidad, en distintos aspectos de un producto, no se define individualmente ni por la voluntad expresiva de un diseñador. En este sentido, es muy apropiada la definición de innovación que hacen Ferraro y Lerch (1997:57) cuando dicen que “es el encuentro entre lo técnicamente posible con lo socioeconómicamente deseable”. Solamente en el caso del diseñadorproductor es donde estos roles se condensan en una persona, que debe asumir todas las decisiones.

Sin embargo, sin importar el modo de ejercicio profesional, es parte de la competencia del diseñador contar con la capacidad para proponer y regular el grado de innovación en un proyecto. La superación de ese límite provoca que el producto no se pueda asociar a lo existente y así, no resulta significativo ni de interés para el usuario. Este conocimiento está fundado en su formación en el área de morfología, en un sentido amplio que incluye sus relaciones contextuales.

En la expresión de lo nuevo, el diseñador también es consciente que cobra importancia la relación entre transformación e identidad. Toda innovación es una ruptura de algún rasgo de la identidad, tanto a nivel de un producto, en cualquiera de sus dimensiones - de uso, materiales, comunicacionales -, como de la imagen corporativa de la empresa que lo produce y de sus competidores.

Cabe agregar, que existe un campo de inserción laboral, no valorado en su retribución económica pero sí en sus posibilidades de traspasar los bordes de lo conocido, que es la investigación en morfología. Es un espacio de exploración de lo nuevo que luego se vuelca a la enseñanza y a la profesión.

Por ejemplo, desde el 2007 coordino un equipo de diseñadores abocados a la indagación de las relaciones entre la morfología y las nuevas tecnologías, en particular a la fabricación digital. Es una temática poco explorada en el mundo por su actualidad, que nos propone cambiar hábitos y poner bajo la lupa principios de diseño que pueden cuestionarse a partir de estos avances, promoviendo el desarrollo de nuevas categorías y estrategias que modifican la práctica proyectual actual. Las presentaciones de los avances parciales de estas indagaciones en congresos internacionales permiten verificar el buen posicionamiento de este trabajo en la producción científica actual, aún de países de mayor desarrollo.

Por todo esto, considero que las oportunidades existen.

También, que el camino no es fácil, pero tampoco imposible, ni muy distinto a otro campo profesional en cuanto a los obstáculos. Sin embargo, creo que la capacitación y la investigación son algunas de las puertas que claramente facilitan el acceso a estas oportunidades.

la vía pública donde un joven con su guitarra eléctrica revoleaba un micrófono y su abundante cabellera. La imagen iba acompañada de un texto que decía así: “Ningún rockero es un abogado frustrado”. Esta publicidad ponía en evidencia una conocida antinomia: vocación vs. dinero. Entiendo que el diseño es una de las actividades profesionales que brinda las herramientas para resolver esta oposición. Aunque la resolución de este conflicto no es sencilla ni automática, existen ciertas variables que deben ser tenidas en cuenta a fin de comprender cómo resulta el desempeño de los diseñadores al integrarse al mercado laboral.

En los últimos años, de la mano del crecimiento económico, la tarea de los diseñadores ha adquirido cierta inercia positiva en espacios donde el diseño comienza a ser un insumo fundamental. Como el área de mobiliario y equipamiento, de servicios a departamentos de marketing, de material promocional y puntos de venta. También en determinadas empresas, generalmente Pymes con años en el mercado, que han comenzado tímidamente a incorporar diseño en sus productos. A partir de esto último, hemos implementado en la universidad un plan denominado “Trabajos Reales para Clientes Reales” donde articulamos las demandas de empresas con el trabajo de estudiantes. Caben destacar los proyectos de enriquecimiento ambiental para algunas especies animales del Zoológico de la Ciudad de Buenos Aires, donde se trabajó junto a veterinarios de la institución. También fue interesante el diseño de accesorios de minitornos, reformulando el producto para su uso en atención de la salud; la búsqueda de innovación en valijas contenedoras; o la realización de colecciones de joyería que reflejaran características de la identidad local. Además se trabajó en el diseño de electrodomésticos, ocasión que permitió la incorporación de dos jóvenes diseñadoras a la empresa.

Todos estos proyectos, realizados por estudiantes avanzados, posibilitan un acercamiento por parte de los diseñadores a la realidad del mercado así como también abren posibilidades de desarrollo conjunto que no serían posibles de otro modo. Hemos podido observar que las áreas para la incorporación al mercado de diseño, si bien periféricas (y esto responde a cuestiones que exceden a las de la propia disciplina), existen y suelen ser bien aprovechadas en el mercado tanto por empresarios como por diseñadores. Entre estas áreas emergentes que ofrecen posibilidades de inserción laboral se encuentran: el diseño y la producción de joyas. Área donde muchas profesionales han encontrado un modo de sintetizar lo expresivo y lo comercial.

La denominada autoproducción de objetos es otra de las actividades que permite la práctica disciplinar con relativa autonomía creativa y buenas perspectivas económicas. El dominio de las herramientas de diseño asistido por computadora también ofrece interesantes posibilidades de inserción a través del diseño de interfases, modelados virtuales y animaciones 3D. La disciplina del diseño, a diferencia de las carreras tradicionales, no ofrece un camino rígido establecido para el desarrollo profesional. Lo que resulta en una oportunidad para poder desenvolverse en las áreas en que cada diseñador considere de su interés.

En un momento de alta incertidumbre mundial, viviendo en una sociedad en construcción como la nuestra, el diseño se torna una herramienta que posibilita que un joven sintetice un modo de vida, de sustento y de expresión. Resultando el diseño de su propio camino, más que la producción en si misma, la expresión más acabada de lo nuevo.

opinan tres

Huayra El dios de los vientos y de los huracanes Por Vivian Urfeig. “Cuando Huayra Tata descansa, las aguas y los ríos están tranquilos. Pero la calma antes de la tormenta está por ser interrumpida...”. Nacido y criado en Casilda, Santa Fé, Horacio Pagani se inspiró en las antiguas leyendas del Aimará para presentar su última creación: un lujoso auto deportivo de sólo 1.350 kilos cuyas alas se despliegan elegantes, musculosas y aerodinámicas para enfrentar la fuerza del viento.

Después de un proceso de diseño que llevó más de siete años, la empresa Pagani Automobili, asentada en Módena, presentó su nueva máquina, que redobla la apuesta de la anterior creación, el Zonda.

En línea con un desarrollo conceptual de estilo, marketing y resolución morfológica, el Huayra conjuga características clásicas de los autos Pagani: los cuatro escapes están agrupados en el centro de la cola, un detalle que ya

se convirtió en marca registrada. Para esta obra de ingeniería, el argentino que arrancó en la Sección Materiales de Lamborghini y fue amigo de Juan Manuel Fangio, se realizaron modelos de ocho escalas y dos en 1:1. “Cada uno de ellos es una evolución del anterior, en una búsqueda para perfeccionar la forma y refinar la sustancia”, dice Pagani, desde el búnker de San Cesario Sul Panaro, la fábrica que montó en 1998.

Entre las innovaciones tecnológicas, se destacan el uso del carbón titanio para el chasis y la ubicación del tanque de nafta, en el monocasco detrás del conductor, reforzado por una celda de seguridad compuesta de materiales blindados. “Concentramos la búsqueda en la reducción del peso. Esto nos dio como resultado la combinación de elementos estructurales y no estructurales o estéticos.

Un ejemplo es la integración de todos los ductos de ventilación de aire en la estructura del chasis. Así llegamos al

Huayra. Puertas alas de gaviota, chasis de titanio y nueva disposición

del tanque de nafta son apenas los rasgos estéticos y técnicos más visibles. El Huayra tiene varias mejoras que lo hacen parecer más a un avión que a un auto.

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“Concentramos la búsqueda en la reducción de peso. Eso nos dio como resultado la combinación de elementos estructurales y estéticos”.

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peso de 1.350 kilos. Es el auto deportivo más liviano de su clase”, admite Pagani, sobre el bólido cuya fabricación es artesanal y, por lo tanto, no superará la producción de 25 unidades por año.

Con un costo aproximado de un millón de euros, los amantes de las tuercas sabrán apreciar datos sobre el motor, los focos o los 700 caballos de fuerza. El corazón del Huayra es de Mercedes-AMG, un motor de turbocompresor de 60 grados, 12 cilindros con un desplazamiento de 5.980 cm3. “Fue desarrollado no sólo para cumplir con los requerimientos técnicos y de calidad más estrictos, sino también para darle al auto sus múltiples facetas”, comenta Pagani. Y cuenta que, como los sistemas del motor se diseñaron para soportar condiciones climáticas adversas, los últimos ajustes del Huayra se terminaron de probar en el Valle de la Muerte (bajo, caliente y desértico, de California) y el Círculo Polar Artico. En total, cinco prototipos ya viajaron más de 500 mil kilómetros para comprobar distintos aspectos y alcanzar la homologación

requerida en cuanto a seguridad e impacto ambiental.

“A partir de estas pruebas, ubicamos los dos radiadores laterales al frente, para garantizar la mejor eficiencia en el enfriamiento de los interrefrigeradores situados por encima de los cabezales de los cilindros. Un intercambiador de calor (aceite/agua) reduce los tiempos de precalentamiento al tratar el lubricante durante el inicio en frío. Y mantiene los niveles del refrigerante a temperaturas operativas constantes”. Preciso, detallista, obsesivo por la tecnología y el rendimiento, Pagani hace hincapié en el concepto aerodinámico de la nave, inspirado en las alas de una gaviota. “El objetivo fue lograr un comportamiento natural del vehículo, bajo todas las condiciones y el control de la carrocería vía medios aerodinámicos”, destaca sobre la posibilidad de manejar las aletas por medio de una unidad de control que contiene la información acerca de la velocidad del auto, de derrape, aceleración lateral, ángulo de conducción y posición del acelerador.

Entre los detalles del interior, el volante cuenta con todos los dispositivos de control. Cinturones de cuero, palanca de cambios de aluminio mecánica y tablero de aluminio inspirado en los diseños de relojería más complejos integran la paleta de prestaciones high tech que se completan con pantalla touch screen, navegación satelital, bluetooth y control de temperatura. Un chiche infernal.

www.pagani.com/huayra

1 Penetración. Morfología súper aerodinámica aseguran la estabilidad del Huayra a altas velocidades. Un sistema de flaps aseguran la tenida en curvas. 2 Probado. Antes de homologar la nueva creación de Horacio

Pagani, varios prototipos recorrieron los climas más extremos del planeta. 3 Deportivo. Todos las estrategias de diseño estuvieron orientadas a concebir un vehículo deportivo de primera línea. 4 Interior. Cuero en los asientos y una serie de comandos satelitales junto al volante. 5 Pagani en acción. El santafecino trabajando en su fábrica de San Cesario Sul Panaro, Italia, donde reside hace varias décadas. 6 Característico. En la parte trasera del Huayra, Pagani volvió a utilizar su marca de origen: los cuatro escapes enlazados en el centro. 7 La máquina. El Huayra está equipado con motor Mercedes Benz-AMG de 700 caballos de fuerza, turbocompresor de 60 grados, 12 cilindros con un desplazamiento de 5.980 cm3.

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1 Neutraface Slab. Tipografía que Schwartz diseñó en 2003 junto a Kai Bernau y Susana Carvalho, publicada por House Industries. 2 Graphik. Una tipografía que está en el ranking de las predilectas de Commercial Type (2009). 3 Guardian Egyptian. Creada especialmente para el rediseño integral del periódico The Guardian, junto a Paul Barnes en 2004.

Christian Schwartz Cambios micro para resolver problemas macro Por Soledad Aguado. El joven especialista en diseño

tipográfico cuenta la actualidad de su estudio Commercial Type, habla de la inspiradora atmósfera neoyorquina, rescata las tipografías que nunca pasarán de moda y de la influencia de los nuevos medios sobre sus propuestas ¿Qué le vio Christian Schwartz al diseño tipográfico?

Este treintañero, neoyorquino, titular de una de las firmas más vanguardistas en materia tipográfica (Commercial Type) empezó trabajando en cartelería durante la escuela secundaria para luego, en la universidad, soñar con trabajar en revistas desde el diseño gráfico. Sin embargo, interrupciones mediante, mientras el diseño de autor tomaba cuerpo y espíritu en los 90, se dio cuenta de que no tenía autoconfianza suficiente en su manera de escribir, ni descollaba con talento fotográfico, ni tampoco lo atraía el diseño en sí de las páginas, sino otro elemento: las tipografías. "Me sentí particularmente atraído por la labor artesana de crear tipografías: la forma en que una fuente demuestra el humor de una página; su naturaleza sistemática; el proceso de cambiar detalles micro para resolver problemas macro en la textura general de un bloque de texto; y claro, también la rica historia del diseño tipográfico", narra Schwartz.

Más y más envuelto en el universo de la fisonomía de las letras, se dio cuenta de que había dejado de ser un

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diseñador gráfico. "Era como un arquitecto que dejó de diseñar edificios para fabricar ladrillos; o un cocinero tan distraído por cómo crece su propia huerta que se olvida de cocinar. Puedo obtener más satisfacción de hacer los ingredientes para el trabajo de otros diseñadores gráficos que diseñar yo mismo las páginas", asegura con pasión.

- Si hurga entre sus álbumes, ¿cuáles de sus creaciones prefiere?

- El diseño tipográfico es una artesanía y aprendo mucho de cada proyecto, por eso supongo que el trabajo que más me complace es el finalizado más recientemente. Caponi, tipografía que diseñé para la revista Entertainment Weekly junto a Paul Barnes, mi socio en la empresa, fue una exploración de algunas de las primeras ideas del diseñador e imprentero italiano Giambattista Bodoni, mixturada con nuestras ideas de cómo debía lucir una revista popular americana. Haciendo un flashback, otra de las más significativas fuentes creadas es la familia diseñada para The Guardian, en Londres, en 2004. No solo fue la más grande de las familias de tipografías solicitadas por un diario (incluso al día de hoy), cubriendo todas sus necesidades, desde los titulares al texto y hasta la minúscula tipografía usada para los créditos de fotos o los resultados de deportes. También fue el primer proyecto en el que trabajamos juntos con Paul, poniéndole un comienzo a Commercial Type.

- ¿Cómo cree que los nuevos medios y tecnologías han influenciado las tendencias en tipografías en los últimos años?

- Las tipografías siempre han sido profundamente influenciadas por los cambios tecnológicos. John Baskerville, un diseñador tipográfico ingles del siglo XVIII, inventó un papel suave que fuera capaz de imprimir sus fuentes de un modo más brillante y con mayor textura; Johannes Fleischman, un alemán que trabajaba con punzones a mediados de 1700, consiguió que sus puntas golpearan sobre acero más duro para lograr trazos más delgados. Del mismo modo, OpenType permite a los diseñadores contemporáneos hacer docenas de formas alternativas para cada personaje, para bien o para mal, a partir de las tipografías madre.

Sólo hemos comenzado a explorar la mejor forma de diseño de tipografías para ser leídas en pantallas, y los próximos 10 a 15 años probablemente veremos una gran innovación en este nuevo medio.

- ¿Cómo se forma un profesional del diseño en esta rama específica?

- Los diseñadores gráficos y hasta el público en general, demuestran tener un especial entusiasmo e interés por el diseño tipográfico más que en otros momentos históricos.

Cuando yo estaba empezando, aprender de diseño de tipografías era mucho de auto aprendizaje y búsqueda de información. Hice un poco de ambas cosas y me tomó mucho

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4 ESB. En su versión de titulares y sanscerif, encargada a la dupla Schwartz - Barnes en 2007 por Two Twelve Associates. 5 Caponi. De las más recientes propuestas del estudio, nacida en 2010 para los titulares y textos de la revista Entertainment Weekly. 6 Giorgio. En su versión de palo seco, se luce en las páginas de T, la revista de tendencias y lifestyle de The New York Times.

tiempo dominar los conceptos simples. Hoy en día, hay dos programas de maestrías en Europa y un programa certificado por empezar en Nueva York, lo que significa que habrá 30 a 40 personas entrenadas específicamente en la materia cada año. Incluso si todas estas personas no se conviertan en diseñadores de tipografías, sin duda tendrán una mayor sensibilidad sobre las fuentes en el diseño y el uso de la tipografía correcta, y creo que esto va a ser una gran cosa para el diseño gráfico en general.

- ¿Cuáles son los pasos que siguen en el estudio para desarrollar una tipografía?

- No tenemos un proceso típico. Pero, generalmente, nos involucramos en un montón de discusiones y en el recorrido visual de fuentes históricas, viejos libros, piezas interesantes de diseño gráfico contemporáneo, revistas antiguas, fotos de cartelería pública, e incluso lápidas antes de sentarnos efectivamente a dibujar algo. Para revistas de moda, por ejemplo, pasamos largo tiempo mirando pasarelas para detectar algunas tendencias formales emergentes.

- ¿De dónde surge la inspiración?

- Nueva York es una inspiración constante. Camino por cinco vecindarios distintos en mi rumbo entre casa y la oficina, y eso mantiene mis ojos abiertos a influencias inesperadas...

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- Finalmente, si tuviera que rescatar de la historia a esas tipografías que nunca perderán su valor, ¿cuáles serían las elegidas?

- Contrario a la opinión popular, no creo que la Helvética pase de moda. Pienso que la Arnhem de Fred Smeijers es un placer para leer (y luce tan bien en un IPad como en una revista impresa). Miller Text (de Matthew Carter) es una increíble fuente, y nunca me canso de verla. Pero aparte de éstas, creo que hay ciertas categorías de tipografías que han pasado realmente bien paradas el test del paso del tiempo, y sobre ellas, las reinterpretaciones más frescas las hacen revivir en forma regular. Por ejemplo, me impresionó cómo Kai Bernau fue capaz de insuflar nueva vida a la French Oldstyle. Trabajó sobre tipografías de 1540 a 1570, pero las interpretó en el contexto contemporáneo en su familia Lyon.

Un cambio de personalidad

Es raro que un diario o revista solo cambie sus tipografías. Idealmente, cambiar la tipografía es parte de un cambio mayor para buscar fuentes que encajen mejor en una nueva estructura, en la fluidez y la organización de los contenidos, o la combinación con nuevas paletas de color o estilos fotográficos. "Nos gusta cuando nuestros clientes vienen a nosotros lo más temprano posible durante ese proceso, aún cuando otras ideas no están solidificadas, para que podamos trabajar junto a ellos para proveer el set de tipografías acorde a la nueva personalidad buscada por el

medio", asegura Schwartz.

Entre sus casos, The Guardian necesitaba una tipografía "seria" en el cuerpo principal pero también light y pop para usar en las secciones de fin de semana, pero debía ser coherente a lo largo de toda la publicación. "Eso nos permitió usar un contraste relativamente bajo entre las negritas y las livianas, con variaciones dependiendo del uso. Los diferentes tamaños demandaban muy distintas soluciones, pero el diario complete necesitaba hablar en un solo idioma, una sola voz, por eso tuvimos que técnica y prácticamente limitarnos para mantenernos consistentes en cuanto a la estética".

La recientemente diseñada Wyatt, para O The Oprah Magazine, tiene demandas muy distintas: "presenta un contraste extremo porque la idea es mostrarse simple y bella, creando una atmósfera elegante para la publicación".

Para Bloomberg Businessweek, pensaron más en un diario que en una revista, a causa de la densidad de sus contenidos. "Richard Turley, su director creativo, discutió con nosotros las tipografías antes aún de pensar el contenido para sus grillas. La tipografía marcó el tono para el layout completo, y un cambio sutil en las mayúsculas en Neue Haas Grotesk, la tipografía de títulos, fue sorprendentemente eficaz para mantener esto sin que parezca una revista más en Helvética". www.christianschwartz.com

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Roger Black Pensador del diseño futuro

Revista Rolling Stone.

Diciembre de 1977. Con diseño tipográfico de Jim Parkinson.

Por Lucas López. “Me resultaba interesante llevar el diseño de tipografía a los soportes virtuales, porque la tipografía de un sitio web y una revista son diferentes”, afirma el diseñador editorial y tipógrafo Roger Black y sigue:”Si una revista tiene un sitio web, ¿cómo debe verse en pantalla? La metáfora de las páginas web es como un libro para leer, como un viejo libro de contabilidad”. Es interesante cómo Roger Black, defensor acérrimo de internet, se hace preguntas de forma permanente, haciendo foco en el usuario: “¿Cómo diseñamos para que se ajuste más a las necesidades de lectura del usuario? ¿Cómo llevamos el branding a los nuevos soportes digitales? ¿Hacia donde estamos yendo?”. Black se interroga con la íntima seguridad de que la respuesta llegará del ensayo y error, la organización, el descifrado de datos y de la paciencia del que se sabe experimentado.

En el marco del WoodWing World Tour, y organizado en el plano local por DotZero, a fines del año pasado, Black se presentó en Argentina y ofreció una conferencia orientada a diseño editorial, publicaciones digitales y el rol del diseñador gráfico en la actualidad.

Black entiende muy bien las nuevas tecnologías y sus aplicaciones, y trabaja pensando en el futuro del diseño aplicado a distintas plataformas digitales. Hace unos años ya, en una entrevista para el sitio Step Inside Design, Black decía: "Las revistas deben ser fáciles de leer. Los sitios web deben ser fáciles de utilizar. Los contenidos debe ser traídos al frente. Finalmente, cuando un diseño está terminado, debe parecer natural y obvio.

Debe parecer que siempre ha sido así. Su lógica debería estar clara para los usuarios. Como un lenguaje, se debe considerar la siguiente etapa de desarrollo para editores, diseñadores, editores y productores. De esta manera un diseño de comunicación bien puede adaptarse al cambio.” Desde los inicios mismos de la web comercial, Roger Black se concentró en el diseño de pantalla, legibilidad y navegabilidad, traspolando su experiencia de diseñador de escritorio real a escritorio de pantalla, aún enfrentando importantes limitaciones y problemas técnicos en el despliegue de fuentes básicas en la web.

Durante su presentación en Buenos Aires, en un tono relajado propio de un experimentado en conferencias, Black relató acerca de sus comienzos como diseñador gráfico en Student Magazine y el New York Times Magazine, donde trabajó en formatos de plantillas, más conocidas como templates. Black profundizó en su extenso paso por Newsweek a partir de 1985, donde por más de 25 años, trabajó en muchos rediseños de la emblemática revista, adquirida hace un tiempo atrás por el diario Washington Post. “Newsweek actualmente pertenece al monopolio Washington Post”, dice Black, “al que le dicen ‘la bestia’. Por eso es que a Newsweek la conocen como Beastweek.” En Newsweek, Roger Black impuso

formatos de página más sistemáticos, para un mejor control del diseño editorial. El trabajo de Roger Black como diseñador editorial se concentra en el diseño de páginas y en la organización general de las publicaciones, actividad que lo llevó a ser un absoluto referente. Con la proverbial ironía de un león herido, Black bromeó acerca de la magra actualidad de la publicación, “me encanta Newsweek, aunque hace un año y medio atrás la hayan rediseñado y no acudieran a mí.

Después de dos años de ese terrible error cometido, hoy Newsweek se vende a un dólar.” En 1977, Roger Black fue esencial en el ya mítico rediseño de la revista Rolling Stone, cuando le tocó diseñar la portada 254 del Décimo Aniversario de la revista, a través de una recordada portada tipográfica. “A través de un anotador que tenía en la oficina”, relata Black,“boceté la tapa de Rolling Stone Décimo Aniversario con una equis simulando un número diez romano. Le dije al tipógrafo Jim Parkinson que diseñe una equis atractiva, y se convirtió en tapa. Treinta años después, aún es una tapa muy impactante. Los editores quedaron boquiabiertos, preguntándose si no sería calificada como condicionada. Sin embargo, a partir de allí, gracias al éxito de ventas, me pidieron muchos otros diseños.” La potencia tipográfica de esa edición sentó las bases de todas las revistas Rolling Stone que se editaban recordando fechas, ediciones especiales y aniversarios.

Convencido que la tipografía construye branding, en ese entonces Black le encargó el diseño del logotipo de Rolling Stone a Parkinson, con las características gráficas y decorativas que continúan al día de hoy. En una sucesión de nombres de colección, Roger Black trabajó en Rolling Stone con diseñadores de la talla del mencionado Jim Parkinson, Fred Woodward y Joe Hutchinson, testificando no solo acerca de la cultura rock que se gestaba, sino inaugurando una época rica en creativos editoriales de prestigio.

Hoy, además de contar con un equipo de trabajo con quienes desarrolla proyectos de diseño como Treesaver y Ready-Media, soportes de mejora en la lectura de pantallas para plataformas como e-books, tabletas y smart phones. Estos implementos permiten la experiencia de navegar on-line una revista digital, a través de su menú, sus contenidos y sus detalles gráficos. Black confiesa que

a esta serie de proyectos les dedicó mucho esfuerzo, no sólo en la interacción con el potencial lector sino en el conjunto de las implementaciones técnicas. En tanto, Webtype fue creada para ofrecer a los diseñadores y desarrolladores las mejores fuentes de calidad profesional para sus sitios web.

“Básicamente luchamos para que los elementos del diseño gráfico funcionen para distintas plataformas.

Sabemos que la web es un medio de interacción muy importante. Pero,¿es la plataforma ideal para diarios y revistas?”, se pregunta. Como un alquimista moderno, Black encarna a través de sus diferentes creaciones digitales a un medium que entiende muy bien las nuevas tecnologías y sus aplicaciones. Y trabaja pensando en el futuro del diseño, a través de un abordaje profundo sobre tipografía, diseño para pantalla y aplicaciones.

Roger Black diseñó algunas de las más prestigiosas revistas y diarios en los últimos treinta años. Con estudios de diseño en Estados Unidos, México, Francia, España, Italia y Alemania. Hoy, Black y sus socios ofrecen servicios de consultoría en uso de fuentes para sitios web, de formatos de diarios y estrategias de medios. Black coordinó rediseños para revistas como Esquire, Foreign Affairs, La Semana, de Bogotá, Scientific American, Advertising Age, The San Francisco Examiner y Smart Money, así como sitios para Discovery Channel, Outside y @Home.

Además, Black es vicepresidente y director de diseño de Font Bureau, fundado con el tipógrafo David Berlow. Font Bureau se especializa en diseño tipográfico por encargo, abasteciendo a publicaciones, empresas y fabricantes de dispositivos digitales de fuentes.

www.rogerblack.com www.fontbureau.com treesaver.net www.ready-media.com www.webtype.com

1 Revista Smart. Marzo/ Abril de 1989. 2 Revista Men's Fitness. Noviembre de 2003. 3 Revista Scientific American. Octubre de 2010. 4 Revista New West. Con el diseñador Mike Salisbury, 1979. 5 Revista Rolling Stone. Agosto de 2008. Con dirección de arte de Joe Hutchinson y tipografía Hutch, de David Berlow.

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Por Miguel Jurado. Nuevos materiales y nuevas aplicaciones están ampliando las posibilidades del diseño. Pero la mayor preocupación de los gobiernos y las Ongs es orientar la investigación hacia el desarrollo de materiales que contribuyan a la sustentabilidad del planeta. Descubrir nuevos productos, implica nueva maneras de difundir esos hallazgos científicos e industriales. Para eso existen los bancos de materiales. Material Connexion es uno de esos centros que se dedican a la promoción y difusión de nuevas materias primas ¿Cómo lo hacen? A través de publicaciones, participando de ferias y con premios a las mejores iniciativas.

Con base en los Estados Unidos y Europa, Material Connexion volvió a entregar este año el premio Medium Award for Material of the Year. El beneficiado: Novacem's Carbon Negative Cement. El premio reconoce a los materiales que forman parte de la muestra permanente de la consultora internacional y que demuestren sobresalir en innovación tecnológica y que tengan un potencial de contribuir significativamente en el avance del diseño, la industria, la sociedad y la economía.

El nuevo material de Novacem que acaba de ser premiado, provee una revolucionaria solución para reducir las emisiones de gas carbono que produce la industria de la construcción.

El proceso reemplaza los carbonatos de calcio usados en la formulación del cemento por silicatos de magnesio utilizando bajas temperaturas en el proceso de producción que implica menor consumo de combustibles fósiles. En definitiva, Novacem desarrolló una nueva clase de cemento que ofrece las mismas prestaciones, desempeño y costo que un cemento portland pero con menor emisión de gases invernadero. El hormigón es el material fabricado en mayor cantidad por el hombre. Su fabricación representa el 5 % de la generación mundial de gases invernadero.

Además del premio principal, la consultora internacional de materiales concedió nueve menciones para mate-

Material Connexion Nuevos materiales amigables con el ambiente

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1 ECO-HPL. El primero laminado de alta presión fabricado sin resinas de fenol formaldehído. Un producto que puede ser reciclado para hacer más laminados. www.advtechnology.com. 2 Lumisys. Tecnología de nanotubos

de carbono que aumenta la transparencia y la flexibilidad a niveles nunca antes vistos en la industria. www.topnanosys.com. 3 Hyperform. Plásticos más fuertes y livianos gracias a este aditivo que también los hace más reciclables. www.clearpp.com. 4 Carbón Negative Cement. Con el simple cambio de ingredientes en la producción de cemento, este nuevo material reduce las emisiones de CO2 durante la fabricación. www.novacem.com

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riales de Estados Unidos, Europa y Asia. El ECO-HPL de la empresa Dekodur es uno de los materiales destacados.

Se trata del primer laminado a alta presión construido sin usar resinas de fenol formaldehído. También recibió una distinción el empapelado para paredes Permasorb de Saratech. Se trata de un papel para paredes muy durable que quita las toxinas que hay en la superficie de las paredes y contiene esos químicos a través del tiempo.

Materiales como EcoCradleTM permiten avizorar grandes avances en la sustentabilidad de los envases. Se trata de una alternativa biodegradables a la espuma de poliestireno a partir de hongos cultivados en desperdicios agrícolas. PaperLite de Flextrus se tubo en cuenta

como una alternativa de papel biodegradable para reemplazar los contenedores plásticos. También se consigno como favorable Henkel MiraFoil, un material de bajo impacto, que se usa para producir efectos metálicos brillantes en numerosos tipos de sustratos de embalaje.

Dos de las menciones honoríficas son importantes para ayudar a aumentar significativamente la sustentabilidad y el aprovechamiento integral del plástico.

MicroGREEN-Air es una tecnología que aprovecha residuos de CO2 para reducir el volumen de plástico necesario para el embalaje, y HyperformMilliken es un agente con capacidad para crear plásticos reciclables más fuertes y más livianos.

Otras soluciones prometen un menor impacto ambiental como los sistemas de señalización. Ese es el caso de LumisysTM Nanosys, tal vez un producto pionero en el uso de nanotubos de carbono para lograr letreros de LED, transparentes y flexibles. También fue distinguida ECORTM, una tecnología que conserva el medio ambiente reciclando desperdicios como estiércol de vaca y diarios viejos, para convertirlos en un material con el que se pueden fabricar muebles, juguetes y una serie interminable de objetos.

www.materialconnexion.com

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5 Nueva Sede. La biblioteca de materiales permanente que funciona en Milán. 6 EcoCradle. Un reemplazo para la espuma de poliestireno que se usa en embalajes y envases. El nuevo material no se fabrica, crece de unos sembrados de hongos especiales. www.evocativedesign.com. 7 PaperLite. Papel biodegradable, alternativa a las tradicionales bandejitas de plástico que se usan para la comida. www.flextrus.com. 8 ECOR. Paneles construidos con bosta de vaca y fibras obtenidas del reciclado de diarios viejos. www.ecorglobal.com. 9 Saratech Permsorb. Papel para cubrir paredes que puede ser usado para combatir la polución del aire en edificios contaminados. www.bluecher.com

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Natural. Modelo Clover. De formas orgánicas, la luminaria fue diseñada por Brodie Neil para Kundalini. Utiliza leds y está fabricada en policarbonato. www.kundalini.it

Patrón. Luminaria Honeycomb.

Utiliza leds, está hecha en policarbonato con acabado blanco brilante. Un diseño de Habits Studio para la firma italiana Luceplan. www.luceplan.com

Nacional II. Tubera está compuesta por ocho tubos con formas quebradas. Ilumina hacia arriba y hacia abajo. Patricia Garrido. Av. Del Libertador 844, 2ºH. 4811-4970. www.pgarrido.com Nacional III. Inspirado en las ramas

de los arboles Matali Crasset diseñó Foglie para la empresa Palluco.

Iluminación Agüero. Armenia 1954. 4511-5100. www.agueroiluminación.com.ar

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Nacional I. De características

geométricas, Hortensia es un anillo anodizado que utiliza leds como fuente lumínica. Fábrica de Luz. Serrano 1308. 4777-1460. www.fabricadeluz.com.ar

Fluidez. Nearco es una lámpara diseñada por Karim Rashid. La estructura roto moldeada cuelga para lucirse en un ambiente de manera escultural. Artemide. www.artemide.com

Genética. Arik Levy diseño esta luminaria que imita la estructura de un ADN para Vibia. Se puede utilizar tanto en sentido horizontal como vertical. www.vibia.es Simple y elegante. LedBell

emite luz indirecta en dos sentidos opuestos Está enteramente hecha en plástico y utiliza una bombita de leds. www.rotaliana.com

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Fotos: archivo clarin

En mi práctica profesional descubrí que más allá de tener guías a nivel estético o de tendencia de diseño, que por lo general son temporarias, lo importante es poseer una ambiente de trabajo que genere el entusiasmo para crear sin límites y de la oportunidad de crecer como equipo y como individuo. Los egos, las inseguridades y los conflictos personales son una parte intrínseca en un ambiente creativo. A su vez, estas vicisitudes no permiten alcanzar el máximo poder creativo de un equipo. Los cinco puntos listados a continuación son las guías que usamos diariamente en nuestro estudio para crear y mantener un ambiente balanceado y armónico. 1. Humildad. El estado de ánimo humilde y sin pretensiones. Ser humilde es la mejor predisposición para aprender y enseñar, esto permite tomar y generar críticas constructivas de una manera abierta, siempre pensando positivamente y con el mejor interés por el equipo y por el crecimiento personal de cada uno de nosotros. Una buena dosis de humildad siempre permite poner el bien general del grupo primero y asegura la creación de productos que son la combinación de todos los mejores esfuerzos de un equipo. 2. Franqueza.

Sinceridad en las intenciones, en las palabras y en el mensaje son el camino más rápido para resolver conflictos. Una comunicación clara y honesta es fundamental para el

crecimiento personal y del grupo. Ser franco ayuda a enfocar la comunicación y tomar decisiones de diseño más rápido. La franqueza es una virtud clave. 3. Optimismo. Los optimistas creen que las personas y los eventos son intrínsecamente buenos y, al final, las cosas saldrán bien. Una actitud positiva siempre obtendrá resultados positivos. Los problemas son oportunidades. 4. Ambición. El lado positivo de la ambición es cuando esta está enfocada internamente. La ambición crea un deseo fuerte de repetir y mejorar los logros pasados. La ambición es crecimiento propio, es desarrollo personal, es auto-expresión y auto-mejoramiento. Tener ambición proporciona la motivación, la energía y la voluntad de perseguir los objetivos. Sin ella, nada se logrará. 5. Responsabilidad. Ser responsable por un trabajo bien hecho. Cada individuo es la persona más calificada para supervisar su propio rendimiento. El éxito está ligado a un sentido de responsabilidad por las cosas bajo nuestro control.

Si bien estos principios ayudan a fomentar la creatividad, no son infalibles y requieren de disciplina y consistencia por parte de todos los miembros del equipo de diseño para alcanzar el mejor resultado.

Manuel Sáez La clave está en el ambiente de trabajo

Manuel Saez estudio arquitectura en la Universidad Nacional de Tucuman. Se graduo con honores como Diseñador Industrial en la Universidad de Bridgeport, Estados Unidos. obtuvo un Master en Technology Managment de la misma universidad y cuenta con un Executive Certificate in Strategy and Innovation del Massachustes Institute of Technology. trabajo en Humanscale como director de diseño y en Timex Corporation, Anderson Design y Product Ventures. dirige la firma manuelsaez ltd.

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