EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA
Lucía García 1ºA
DATOS DEL ALUMNO/A:
APELLIDOS: GARCÍA HERNÁNDEZ NOMBRE: LUCÍA
CURSO: 1ºA FOTOGRAFÍA
FICHA BIBLIOGRÁFICA:
AUTOR: EDUARDO MOMEÑE
TÍTULO: LA VISIÓN FOTOGRÁFICA. CURSO DE FOTOGRAFÍA PARA JÓVENES FOTÓGRAFOS
EDICIÓN: 12 EDICIÓN 2017 Nº DE PÁGINAS 159
RESEÑA DEL CAPÍTULO:
1.RESUMEN Este primer capítulo se habla de la visión que Eduardo quiere transmitir a los aficionados o principiantes. Se apoya en grandes fotógrafos dándoles sus técnicas, su manera de fotografías y sus temas principales. Habla también de sus consejos para aprender y entender la fotografía, calidad, y, equipo técnico.
2. TEMA PRINCIPAL
Las herramientas principales para una buena fotografía
3. IDEAS PRINCIPALES
Las principales son la visión del mundo como fotógrafo, y las técnicas para mejorar la fotografía. Se apoya en grandes fotógrafos en los que la mayoría han hecho sus carreras para que sean como un alguien a seguir para los lectores/ futuros fotógrafos, les enseña sus mayores logros y sus técnicas
4. IDEAS SECUNDARIAS La calidad de nuestras fotografías y nuestro equipo fotográfico, la lectura subjetiva y objetiva de la imagen, el fotógrafo/a que querríamos llegar a ser, el mensaje de la fotografía a través de el color
5. VOCABULARIO. Cercada: Construcción hecha de cualquier material para cercar un terreno.
6. VALORACIÓN PERSONAL Este primer capitulo te hace conocer a grandes fotógrafos y la manera de ver de uno de ellos, si eres apasionado a este mundo te enseña, te aconseja de una manera más práctica y más sólida.
Joseph Nicéphore Niépce Ha pasado a los anales de la historia por ser el hombre que consiguió la primera fotografía, fijando imágenes mediante el método que denominó heliografía. Nicéphore emprende solo nuevas búsquedas sobre una idea que lo obsesiona desde hace muchos años : fijar sobre una sustancia, las imágenes reflejadas en el fondo de la cámara obscura. Es el que introduce el negativo y el positivo
Garry Winogrand Aunque su trabajo como fotógrafo comercial le daba una forma de ganarse la vida y sus imágenes eran publicadas en revistas importantes, La fotografía de Winogrand dio, entonces, un giro intempestivo hacia lo artístico. Fue un momento de claridad excepcional, una auténtica epifanía. Él se convertiría, a finales de la década de 1960, en el heredero de la tradición iniciada por Evans.
David Hockney Desarrolló la versión inglesa del “Pop Art” norteamericano, caracterizado por la introducir elementos irónicos y lúdicos en las obras. Él recurre a elementos cubistas, como la superposición de diversos niveles de imágenes, la repetición, el desplazamiento y la reversión de los valores todo ello en el seno de la propia composición. Sus composiciones mostraban una narrativa
Richard Avedon Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo XX, que trabajó para prestigiosas revistas como VOGUE. Esto unido a ser un gran retratista fueron facetas que le encumbrarían como un grandísimo fotógrafo y mito en la fotografía. Tenía un estilo novedoso, elegante y clásico; pero con un movimiento y un glamour antes no visto. Fotografiar algo preparado pero con una escenificación emocional fue el primero de las revoluciones fotográficas de la época
George Eastman Este empresario en 1890, sacó al mercado la primera película fotográfica, medio siglo después de que se diera a conocer en París, la invención de la fotografía. Inventó el rollo de papel sensible, en que no sólo estorbaba la estructura del material, sino que, además, la clientela le exigía hacer copias en vidrio de las tomas, lo que venía a ser lo mismo que antes.
Jacques Henri Lartigue La fotografía como un contenedor de recuerdos felices, así lo definía, Sus instantes capturados en la playa, su blancura que incita a la livianidad, que nos conduce hacia el camino, y el del disfrute de la vida. La fotografía sin embargo le permitía encontrar de manera más inmediata ese afán por retratar momentos felices. Llegó incluso a realizar vídeos grabados con tomavistas y a ser asistente de dirección y fotógrafo en películas importantes. Aporta una serenidad en los retratos, en las escenas cotidianas que se complementan con dinamismo al congelar momentos recurrentes del asueto.
Paul Strand Paul Strand es uno de los fotógrafos del siglo XX cuya influencia aún sigue estando presente. El interiorizarte en sus imágenes es realizar un viaje a la autonomía estética, técnica y formal de la fotografía. Él comenzaba a decantarse por un estilo más directo sin acudir a recursos de retórica visual como la dramatización o la poetización, tan típicos del pictoralismo. Alfred Stieglitz hace cambiar a Strand, comienza a trabajar los tópicos relacionados con la ciudad, su gente y movimiento pero también algo nuevo: las abstracciones
John Gutmann Para él la fotografía suponía otra manera de ver el mundo, Gutmann tomaba imágenes de todo lo que para él resultaba nuevo: los automóviles, las estructuras publicitarias, el caos social o la diversidad étnica. En todas sus obras queda reflejado su instinto infalible para captar el momento más expresivo desde el ángulo menos habitual, reproduciendo lo extraordinario de la vida cotidiana. Sus obras son recordadas como una síntesis inusual de las sensibilidades de Europa y los Estados Unidos en el periodo de entreguerras.
Brassai Sus fotografías más conocidas son sus famosas escenas nocturnas de calles solitarias cubiertas de niebla o de parejas besándose, o incluso de prostitutas. Tuvo sin embargo una gran conexión, el factor sorpresa, como una especie de objet trouvé tan importante en el círculo surrealista, Brassai dedicaba sus horas a caminar por la calle y captar un instante. Una de las características fundamentales a destacar en la personalidad de este artista era sus inquietudes.
Ansel Adams Fue un fotógrafo estadounidense mundialmente conocido por sus imágenes en blanco y negro y, sobre todo, por sus fotografías de paisajes. Sus fotografías revelan, con un formidable juego de luces y sombras, toda la magnificencia de las montañas, nubes, desiertos, árboles, ríos y vegetación de Estados Unidos. Creó un método revolucionario para regular la exposición y revelado de negativos con la finalidad de maximizar el control del fotógrafo sobre la imagen impresa final.
William Henry Fox Talbot Sus dibujos fotogénicos, conseguidos a través del contacto directo de objetos sobre superficies sensibles a la luz sin utilización de la cámara oscura, le hicieron comprender que podría conseguir negativos que lograban fijar esa luz sin desaparecer. Eran fotografías donde se acercaba de forma extrema a las plantas, captando también interferencias de luz o luces polarizadas en otros casos.
Harry Callahan Su dominio de la composición se desarrolló con un constante trabajo y experimentación en la calle. Cada día salía a pasear con su cámara, a fotografiar lo que le rodeaba con profusión y luego, a su regreso, revelaba los mejores negativos. Así entrenaba su mirada, afinaba su estilo y le servía como banco de experimentación. Siempre experimentaba con diferentes técnicas. Retrataba su parte más intimista y artístico, a través de sus familiares, como desnudos.
William Klein La crudeza y naturalidad son las principales características de su trabajo. Su singular forma de ver las calles y las personas que transitan por ellas causan un impacto visual único, sin fijarse mucho en lo técnico, sino en lo que la foto quiere transmitir. Se caracterizó por ir en contra de lo cotidiano. Sus imágenes no eran limpias ni nítidas, mostraban la realidad de las calles, jugaba con el movimiento y la composición de la toma. Usaba lentes angulares 21-28 mm.
Dorothea Lange Una de las características presentes en casi toda su carrera es su fantástica habilidad de llegar a robar las almas del espectador que mira las fotografías. Algo que la caracterizaba era la humanidad. Fue una de las pocos fotógrafos que decidió salir a la calle, para contar lo que sucedía como consecuencia del gran fraude de la Gran Depresión norteamericana. Sus fotografías son más cercanas y tienen una mirada más limpia y una mirada más digna
Weegee Era el primer fotógrafo que llegaba al lugar de cada crimen, asesinato, robos, etc. Realizaba imágenes a base de duros contraluces que daban un aire de dramatismo a sus personajes, protagonistas y espectadores de crímenes y tragedias ciudadanas. Siempre iba con cámara en mano y para completar su trabajo, revelaba las fotografías en el laboratorio que había montado en el maletero extra grande de su coche.
W. Eugene Smith Es conocido por su riguroso método a la hora de trabajar y su obsesión por la perfección. Se caracterizó en un modo de trabajo, el ensayo fotográfico, que consiste en elegir un tema para desarrollarlo fotográficamente documentando cada detalle y dejando entrever la subjetividad del autor. También se trataba de un estudio psicológico, donde anotaba nombres y conclusiones del estado de la España.
Walker Evans A través de su atención a los detalles de la vida cotidiana y la banalidad urbana, ayudó en gran medida a definir la visibilidad de la cultura estadounidense del siglo XX. Parte de su primera exposición reúne los principales temas absurdos de la vida como: un escaparate, las tipografías de los carteles, etc. Y la otra gran parte muestra cómo él mismo adoptó un modo de funcionamiento o las formas visuales de la fotografía. Y siempre trabajó explícitamente desde el punto de vista artístico.
August Sander Enfatizó siempre en una objetividad rigurosa basada en la observación minuciosa de los detalles. Sander, da un giro a su visión fotográfica en ese momento pues trata de reflejar las personas que de todo tipo, clase o condición que se ven envueltas en un momento negro de la Historia. Su planteamiento es retratar a la gente tal como es situándolo dentro de esa sociedad, son siempre individuos anónimos a los que suele nombrar.
Henri Cartier-Bresson La mayor influencia de Cartier-Bresson en el mundo de la fotografía es su creencia para captar el “momento decisivo”. Están cargadas de paciencia, y sobre todo, de momentos únicos que solo podrían haberse retratado si el artista estaba preparado. Está muy sumergido en el mundo del surrealismo, pero desaparece a medida que se va haciendo en él la idea de dedicarse a los fotorreportajes. Una de sus peculiaridades como fotógrafo era que nunca recortó los negativos. Éstos se positivaban completos y no se cortaban.
Erwin Blumenfeld Fue un célebre fotógrafo de desnudos, o del movimiento Dada, creando foto montajes surrealistas, muchos de la cara de Hitler superpuesto con cráneos de animales, pero también tomó impresionantes retratos de moda comercial que aparecieron en las portadas de revistas como Vogue y Bazaar de Harper. Pasaba horas y horas en el cuarto oscuro haciendo experimentos con doble exposición, solarización e impresión de alto contraste.
André Kertész Su tipo de fotografía es conocido también por captar instantes en los momentos correctos. También por distorsionar e inventar perspectivas aumentadas y nada reales y, jugando a colocar las sombras en lugares precisos. Hungría se le quedaba pequeña, por lo que emigró a París, estando allí contactó enseguida con la élite de artistas de la localidad de Montparnasse. André interpretaba la fotografía como un diario, donde describía la vida que había a su alrededor.
Diane Arbus Diane Arbus fue una fotógrafa conocida por el sufrimiento que retrataban sus fotografías al captar la brecha social que supone ser diferente. Retratos de personas marginales y temas poco convencionales. Mediante la contraposición, la fotografía de Arbus trató de mostrar distintos colectivos como componentes de una misma sociedad absurda. Fotografiaba manicomios, campos nudistas, seres deformes, algo no habitual que rompía con las reglas. El objetivo de la fotógrafa fue visibilizar ciertos sectores de la sociedad, ya que, para ella, había personas que no existían si no las fotografiaba.