Dale, Cultural Magazine

BIENAL DE BERLIN POLÉMICA TOMADE BERLIN - WOODY ALLEN UN BALANCE DE SUS PELÍCULAS - LEON FERRARI RETROSPECTIVA 50 AÑOS - PETER JENNER NO SE PUEDE LUCHAR CONTRA EL PROGRESO - RELATO DE UN VIAJE CIUDAD ESTAMBUL

[02] REVISTA CULTURAL

STAFF Editora responsable / Directora Patricia Sendón Director periodístico Diego Luis Hernendez Director de Arte / Diseño Gráfico Luciana Biscay Redactores Mariano Rivas Andrea Clerique Graciela Toledo Rafael Girola Magdalena Ruiz Aguello José Campos Luzuriaga Graciela Cacace Agradecimientos Amarilla kulik, Samantha Valdez, Celeste Lopez, Camilo Elvo, Lucila Credente.

Página Web www.dalerevistacultural.com.ar Correo Electrónico dale_revistacultural@buenosaires.com

D A L E EDITORIAL Dale es una revista inquieta para gente inquieta. Quizás imaginemos a ¡Dale! como un refrito -ahora remix- de todo eso junto: opinión, actualidad, mucha cultura, música, literatura, cine, artes visuales, viajes hacia adentro y hacia afuera, ciencias, innovación y dinamismo.

S U M A R I O

LA TOMADE BERLIN

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La polemica bienal de berlin

BIENAL BERLIN

Decidido a que el arte deje de hacer preguntas y ofrezca algunas respuestas, el curador y artista polaco abrió la bienal a gente que vive del robo, a organizaciones llamadas terroristas, a lectores del libro (xenófobo) y a debates sobre las identidades nacionales en Europa. La artista Sofía Medici pudo visitarla de manera privilegiada y lo cuenta todo.

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WOODY ALLEN WOODY ALLEN Un balance de sus películas El éxito que está teniendo A Roma con amor en los cines argentinos corona el inesperado éxito que reconquistó Woody Allen hace siete años cuando dejó EE.UU. y se fue a filmar a Europa. Después de siete películas en Londres, Barcelona, París y Roma, Allen emprende su regreso a América. Por eso, Radar hace un balance de estos años.

LEON FERRARI

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PETER JENNER

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PETER JENNER “No puedes luchar contra el progreso” Descubrió a Pink Floyd. Se llenó de dinero. Conoce la industria discográfica desde adentro. Hoy, a punto de cumplir setenta años, es el mayor referente de la filosofía copyleft. No hay crisis en la música, dice, sino en el negocio de la música.

Un mundo completamente nuevo para el veinteañero Peter, en el que las palabras acción y valores significan otra cosa.

D I S C O S ESTAMBUL

SERIES PATRIA DE LA INFANCIA

UN AMOR

QUE CONTINUARÁ

DALE

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Las series fueron la patria de la infancia. La televisión llegó tarde a nuestros países, y más tarde aún a nuestras casas. Llegó en forma de aparato enorme de madera lustrada, con una ventana gruesa en blanco y negro que nos mostraba el mundo de la aventura y la ilusión. Pero en lugar de alegrarnos, nos enfermamos. ¡Tendríamos que ver todos los programas desde el principio de la tele, y nunca nos pondríamos al día! Mi madre me tranquilizó: —Eso será —me dijo— cuando inventen los discos extraíbles. La tele tenía un horario fijo y un menú acotado: el noticiero, una telenovela, una película, dibujos animados... y el resto eran series.

Ah, las series. En treinta minutos de comedia, o en una hora de drama, visitabas otras tierras, viajabas en el tiempo, peleabas en la Segunda Guerra o te tiroteabas con cuarenta forajidos y después galopabas hacia el atardecer. Era como leer un libro de aventuras de a un capítulo por semana, y con más emoción. Las series nos enseñaron el mundo mucho antes que los diarios o la política. Uno sabía, desde chico, que Norteamérica era un lugar hostil en el que un médico honrado y solidario como Richard Kimble tenía que andar escondiéndose. No hizo falta que nadie nos tirara abajo el “sueño americano”bastaba ver a El Fugitivo ayudando a gente que después lo denunciaba, para conocer el lado oscuro de los sesenta, como después solo volveríamos a verlo en Mad Men. Tengo la sospecha de que, en algún momento, Don Draper se cruzará en el tren que lo lleva a los suburbios con un pasajero que es, en realidad, un médico prófugo en busca del hombre manco que mató a su mujer. La tele, por entonces, estaba llena de médicos. Ahora también. Pero a nosotros nos desconcertaba Ben Casey de la misma manera que ahora nos incomoda House. La apertura de la serie era una mano que dibujaba con tiza unos signos en vertical, mientras la voz del protagonista decía “hombre…, mujer…, vida…, muerte…, Infinito”. Me hipnotizaban esos cinco trazos.Yo veía la mano de Ben Casey con la tiza y soñaba con ser dibujante. Lejos de prohibirme tantas horas frente al aparato —como iban a recomendar más tarde los psicólogos — mi madre me veía colgado a

Centro Médico y los ojos se le llenaban de lágrimas: —Shhh... No lo molesten, por favor. ¡El nene quiere ser doctor! Cambiaron mucho las series médicas desde esas épocas hasta ahora. Está bien: los hospitales y sanatorios siempre fueron una excusa argumental para desarrollar una historia de amor. Pero una cosa era la jefa de enfermeras profesando hacia el médico un amor imposible (como el de Moneypenny y James Bond) y otra cosa es Grey’s Anatomy. ¿Cuál es la premisa argumental de esta serie? Se juntan ocho o diez personas repartidas entre ambos sexos, se les pone uniforme de cirujano y se las deja aparearse unos a otros a lo largo de siete u ocho temporadas. Parece un teleteatro, pero es un experimento sociológico: la tasa de intercambio resulta increíble. Al punto que algunos saltan la valla y se relacionan con gente de su mismo género. Así, de puro aburrimiento.

“LA TELEVISIÓN LLEGÓ TARDE A NUESTROS PAISES, Y MÁS TARDE AÚN A NUESTRAS CASAS” Eso sí: nada reemplazó la tiza de Ben Casey hasta que aparecieron los fibrones de House. Si la leyenda urbana dice que Vince Edwards era un actor inexpresivo que tenía un ojo de vidrio, la pantalla muestra que House es un rengo con mal humor. ¿Qué es House MD? Una serie de detectives. ¿Pero no era de médicos? También. ¿Perdón? Es que los géneros cambiaron mucho.

Gregory House es un médico con un cerebro privilegiado, que juega al detective con enfermedades fuera de toda lógica. Como todo genio, es agrio, pero a su vez cojea, por culpa de un infarto muscular que tuvo en la pierna. ¿Es necesario recargar un personaje de ese modo? Parece que sí.

Veamos: el protagonista de Monk es un detective también brillante, pero sufre un trastorno obsesivo compulsivo que le dispara fobias disparatadas.

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CSI Las Vegas es un equipo forense de escena del crimen dirigido por Gil Grissom, un hombre digno del renacimiento, cuya pasi贸n es la entomolog铆a.

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Y podemos seguir hasta la noche: Luther, un policía gigante perturbado por la ira. Big Love, una acuarela familiar de un marido con tres esposas; Lost, un cruce de historias, épocas y misterios que escapa cualquier categoría; Zen, un policía italiano con nombre oriental y producido por la BBC. Pero esto tampoco es nuevo. La primera vez que un personaje extraño nos subyugó en una serie fue el señor Spock en Star Trek. El capitán Kirk era un cowboy al comando del Enterprise —la nave soñada— y su primer oficial un hombre flaco, de orejas puntiagudas, flemático, parco, de piel verdosa y fuerte control emocional. Cuando le pregunté a mi padre de qué planeta venía Spock, me respondió sin dudar: —Es inglés. Ah, los extravagantes británicos. Mientras los espías norteamericanos reclutaban gente de poco diálogo y mucha acción, Los Vengadores eran un par de sibaritas.

John Steed un caballero de paraguas y bombín, y la señora Peel una mujer enfundada en un traje de cuero que heredaría después Gatúbela;los dos desplazándose por un territorio delirante, más digno del submarino amarillo que del servicio secreto de Su Majestad. ¿Cómo reconocemos a una serie inglesa de una norteamericana? Fácil: los actores hablan como con una papa en la boca y la historia te dice más en menos capítulos. Si la famosa serie 24 se hubiera rodado en Inglaterra, se habría llamado 6. Una serie de nerds disfuncionales, que en el Reino Unido se llama The IT Crowd y dura tres temporadas de seis episodios, en Estados Unidos se titula The Big Bang Theory, lleva siete temporadas y ni señas de terminar. En los siete capítulos de Episodes se disecciona al personaje de Joey Tribbiani con más certeza que en las diez temporadas de Friends. Para los norteamericanos las producciones tienen que ser más grandes que la vida misma. Para los británicos, menos es más. ¿Pero es que amamos a las series por encima de las películas? No señor. Uno va al cine, con suerte y viento a favor, una vez por quincena, pero la tele está en casa y la vemos todos los días. Con una buena película experimentamos la seducción de los momentos intensos. Con una buena serie, cultivamos la persistencia del amor. Nos prendamos

de Emma Thompson y de Anthony Hopkins en Lo que queda del día, es verdad, pero con los nobles Crawley de Downton Abbey nos disponemos a convivir. Las series no te piden que te vistas para la ocasión, ni que salgas con tiempo de casa, ni que hagas filas para sacar entradas, ni que compartas con extraños dos horas de idéntica oscuridad. No. Las series son relajadas y permisivas.

Saben que las vas a ver en piyama y en pantuflas, tirado en la cama o picando algo en el comedor.

No importa si es una enfermera o un asesino serial. Qué interesa si Kelsey Grammer es Frasier, el psicoanalista obsesivo que conduce un programa de radio y tiene media hora de sitcom, o si encarna durante cincuenta minutos a un alcalde de Chicago —con enfermedad neurodegenerativa— en esa tragedia contemporánea llamada Boss. Estará otra vez la semana próxima en Cuevana y es lo único que importa. Caen los bancos, se ponen en duda los mercados continentales, el cine se pierde por el camino de las remakes, pero en siete días, a la misma hora, Louie o Boardwalk Empire volverán a nuestras agendas de Espoiler TV.

“PARA LOS NORTEAMERICANOS LAS PRODUCCIONES TIENEN QUE SER MAS GRANDES QUE LA VIDA” Abramos, entonces, un paréntesis en los acontecimientos a los que la cultura otorga importancia, dejemos el cine a los críticos y hablemos de policiales que se alargan, de funebreros que se preguntan por la existencia, de mafiosos que van al siquiatra, de islas que desaparecen en el medio del mar. Hagamos un hueco de treinta minutos, o de una hora, saquémosnos los zapatos y prendamos la compu o el televisor. Y hablemos nada más de las cosas que nos gustan entre nosotros. En el “to be continued” está el pacto implícito de todas las series del mundo, y también de estas páginas de la revista: una promesa segura de futuro por compartir. Así que... Continuará.

POLÉMICA BIENAL

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LA TOMA DE

BERLIN

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Decidido a que el arte deje de hacer preguntas y ofrezca algunas respuestas, el curador y artista polaco –ya bastante polémico él mismo con su obra– abrió la bienal a gente que vive del robo, a organizaciones llamadas terroristas, a lectores del libro más vendido después del Mein Kampf y a debates sobre las identidades nacionales en Europa.

La última Bienal de Berlín tuvo una particularidad que la volvió un evento único en su historia: la curaduría de Artur Zmijewski.

Llegué a Berlín con una beca llamada working visits, que consistía básicamente en recorrer la bienal de la mano de sus curadores y discutirla hasta caer rendidos del agotamiento. Una tarea bastante peculiar, sobre todo tratándose de esta bienal, que es materialmente inexistente.

Aunque la bienal dura algo más de dos meses, nuestra visita consistió en una intensa semana cuando todo se estaba poniendo sobre el tapete.

Eramos siete y veníamos de cinco países distintos, pero solo dos de nosotros proveníamos de países no europeos: un japonés y yo, argentina. Coordinados por Florian Malzacher, programador, dramaturgo y curador especializado en artes escénicas, recorrimos y discutimos las obras que vimos durante nuestra semana de trabajo.

Artur Zmijewski, su polaco y polémico curador, puso sobre la mesa una discusión que lleva más de un siglo: el dilema de la utilidad del arte.Y parafraseando a Godard, planteó que si el arte quiere ser político, tiene que hacerse en forma política.

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En resumidas cuentas, que no tiene sentido hacer del arte un hobby de la gente de izquierda, que piensa parecido y va a ver una obra en la que se habla de los eventos en la plaza Tahrir para concordar profundamente con sus colegas: “Sí, sí, qué increíble cómo se revolucionaron los egipcios y todo gracias a Twitter”, que hay otras voces presentes en la política real y que negarlas es negar la realidad política.

Zmijewski es, antes de ser curador, un reconocido artista que más de una vez causó conmoción, como con su video Berek, en el que varias personas desnudas juegan a la mancha dentro de una cámara de gas, o en 80064, donde el artista convence a un sobreviviente de un campo de concentración de que vuelva a tatuarse su número en el brazo como una forma de realzar su identidad.

Para esta bienal, Zmijewski convocó a varios artistas, pero también a varios políticos a hacer sus “obras”. Una de las primeras invitaciones fue al grupo Voina, a quienes llamó como cocuradores.

Voina es un colectivo artístico radical ruso que sólo habita en lugares prestados y no usa dinero. Todo lo que comen o consumen es robado, como premisa. Voina también quema autos policiales y está perseguido como grupo por la ley, incluso internacionalmente. No pueden aparecer públicamente porque terminarían en la cárcel. ¿Cómo podía este grupo cocurar la bienal? Pues bien, la solución fue que simplemente sean curadores a nivel nominativo y esto les permite, por prestigio, darse a ver un poco más a la luz. Una acción formal, pero concreta. La segunda decisión polémica de Artur Zmijewski fue la de ocupar Kunstwerke (KW), la sede de la bienal: toda la planta baja del edificio fue donada durante los dos meses del evento a grupos activistas que tienen derecho a hacer lo que se les cante. Algunos cocinan, otros duermen, otros hacen talleres de cocina o conferencias sobre temas de la actualidad. En el patio trasero, el día de la visita, había un grupo que hacía una especie de juego de rol. Un cartelito escrito a mano en la pared decía “violencia”. El moderador explicaba que el actual candidato del Partido Verde está apoyado por multinacionales de dudoso accionar.

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Luego preguntaba a cada uno de los participantes: “¿Le tirarías una torta en la cara como forma de protesta?”, y luego: “¿Sería tirarle una torta en la cara un acto violento?” y así sucesivamente.

A la salida, otros carteles (“Me falta mes al final del sueldo”, “No somos antisistema, el sistema es antinosotros”). Siguió la obra de Martin Zet. Al igual que en el resto de la bienal, la Deutschland schafft es ab (Alemania se deshace de eso) es intangible. O más bien, es un video, pero el video no cuenta realmente de qué se trata sino que simplemente ilustra algunas conversaciones durante el proceso. Lo más interesante lo cuenta Joanna Warsza, también cocuradora de la bienal.

Zet realizó una convocatoria pidiendo a varias instituciones que pusieran buzones en sus halls y fueran receptoras de un libro. El libro no es cualquiera sino Deutschland schafft sich ab, escrito por Thilo Sarrazins. La traducción del título sería más o menos “Alemania se elimina a sí misma” y hace referencia directa a la cantidad de inmigrantes que viven en el país y lo perjudiciales que son para el crecimiento de Alemania. Lo curioso no es que este libro se haya escrito y publicado, sino que además es un bestseller, el libro de no-ficción más vendido después de Mein Kampf. Zet quería que las personas que habían comprado el libro lo devolvieran, pero solo juntó cuatro. Sin embargo, lo más relevante de este proyecto fue lo que pasó al lanzarse la convocatoria. Tanto la prensa de derecha como la de izquierda despotricaron contra el artista acusándolo de fascista y poniendo énfasis en el uso de la palabra sammel (colecta), que había sido utilizada tanto para reunir los libros en las quemas nazis como para “colectar” individuos para ser llevados a los campos de concentración. El artista tuvo incluso una manifestación en su contra. Y hablando de campos de concentración, una de las pocas obras tangibles en KW es la de Lukasz Surowiec, que trasladó de Auschwitz-Birkenau algunos árboles y los plantó en Berlín. Además armó un invernadero en el último piso de KW con semillas de estos árboles. Uno sale del recinto con una plantita y un certificado que no garantiza poder pasarla por la aduana en Argentina.

Y de lograrlo, ¿que hacer con la plantita? ¿Llevarla a la ESMA como símbolo del paralelismo entre los campos de ambos países? ¿O invertir su carga simbólica y plantarla en una isla del Delta para que simplemente crezca? Al fin y al cabo es tan sólo una planta. Finalmente quedó en el balcón de una amiga y en pocos días estaba totalmente camuflada. Otra de las obras en KW, una de las más “efectivas” quizás, es State of Palestine. Khaled Jarrar inventó un sello muy lindo con un pájaro que vuela y dice “Estado de Palestina”. El artista invita a quien se acerque a prestarle su pasaporte para sellarlo. En una larga mesa están dispuestas decenas de fotos impresas en formato 13 x 18 en las que se puede ver al público (incluidos los curadores de la bienal) mostrando sus pasaportes con el sello. A partir del momento en que adquieren el sello, los pasaportes dejan de tener validez, pero solo una revisación exhaustiva daría cuenta de ello.

“LA AUDIENCIA QUE PARTICIPA DE ESTA OBRA PASA A FORMAR PARTE DE LA OBRA MISMA” La audiencia que participa de esta obra pasa a formar parte de la obra misma, corriendo el riesgo de perder su pasaporte en cualquier frontera. Por eso la foto más relevante es la de un pasaporte israelí, que junto al sello del pájaro tiene cuatro sellos que dicen “CANCELADO”. Las obras que se encuentran en la sede de la bienal no son sin embargo las que generaron mayor expectativa. El calor de esta bienal está afuera de KW, en los eventos “que están por ocurrir”. En ese sentido, tres de las producciones más interesantes de la bienal en la semana de la visita son: el congreso de grupos listados como terroristas, de Jonas Staal; el concurso por la identidad de Hungría, en formato de talk show, del grupo húngaro Krétakör, y el primer congreso por el regreso de los judíos a Polonia, organizado por la artista israelí Yael Bartana.

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Estas tres obras tienen como común denominador el formato de congreso en vivo, pero los efectos de cada obra en su intervención con “lo real” son en los tres casos diferentes. Cuando llegamos, terminaba New world sumit, la obra de Jonas Staal.

La mayoría de los participantes eran, claro, activistas de segunda línea de las organizaciones. Es decir, los que arguyen pertenecer a la rama no armada y por ende no son buscados por las organizaciones policiales internacionales. También había varios abogados que representaban a algunas de estas organizaciones. Según el artista, uno de sus objetivos era cuestionar el modo en que se arman las listas de organizaciones calificadas de terroristas y, sobre todo, quién ostenta el derecho de definirlas. En ese sentido, la obra, a pesar de haber funcionado como congreso, dio que hablar mucho más durante su organización.Varios de los invitados tuvieron que negociar durante meses la posibilidad de viajar e ingresar a Europa. Otra de las negociaciones tuvo que ver con la disposición de las banderas de cada grupo. Aparentemente, Zmijewski quería colgar una de las banderas en la fachada del KW. Se le advirtió que en ese caso la obra de Staal sería censurada por apología al crimen. Zmijewski estaba tentado con el escándalo de la cancelación de la obra, pero Staal prefirió hacerla y se conformó con poner las banderas adentro del recinto.

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La obra de Krétakör, IlumiNation, tenía un formato un tanto distinto. Sin cámaras en vivo, todo el funcionamiento fue el de un talk show de larga duración. El grupo había publicado una convocatoria abierta en la que se pedían candidatos para representar la identidad húngara.Tenían que tener un proyecto concreto y también había un premio de 5000 euros para el ganador. En un inicio había habido muchos candidatos, pero para el segundo día quedaban solo cuatro. La obra transcurría principalmente en húngaro y alemán y era traducido simultáneamente al inglés, al alemán y al húngaro según correspondiera. El público estaba ubicado en butacas y el escenario era el lugar del show. Los cuatro candidatos enfrentaban al público sentados en sillas con una pantalla a sus espaldas en la que aparecía alternándose el logo del proyecto IlumiNation o un excell mostrando los puntos ganados por cada candidato. A su derecha, en una tribuna, había un foro húngaro de representantes de diversas entidades de derecha, centro e izquierda, que incluían sociólogos, economistas e incluso el representante de un grupo de motoqueros que despotricaba contra los gitanos. A la izquierda estaba situado el jurado, un grupo de alemanes provenientes de diversas clases sociales.

En esta obra fui invitada a participar en la ronda final como “abogada” de uno de los grupos.

Mi rol consistió en defender el proyecto en cuatro minutos para convencer al jurado y ganar en la última votación. En solo una hora tuve que sintetizar lo que me contaron, seleccionar datos que creí podían ser convincentes y desechar los otros, como un abogado supongo que hace. Finalmente ganamos el concurso y mis representados se llevaron el premio en moneda real.

“ESTAS TRES OBRAS TIENEN COMO COMÚN DENOMINADOR EL FORMATO DE CONGRESO EN VIVO” Y aunque IlumiNation tuvo un formato enmarañado que excluyó durante la mayoría del tiempo al público, la sensación fue de estar lidiando con algo preciso: un premio en euros, concursantes concretos, enemigos ideológicos que seguían discutiendo en el lobby, cámaras siguiéndolos como trastienda de un programa de televisión. El foro entero y los participantes volvían al día siguiente todos juntos a Hungría en un viaje en micro que duraría 16 horas.

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La obra de Yael Bartana tuvo otro color. Fuertemente estetizada, con logos, prendedores, banderas y bolsos, la disposición del congreso emulaba al de movimientos gubernamentales nacionalistas de varias épocas históricas. Los presentes estábamos divididos en tres: representantes, participantes y público general. Los representantes traían demandas para ser incluidas en la agenda del movimiento, que serían votadas tanto por ellos como por los participantes. Los participantes y representantes, tenían derecho a la palabra durante los debates.

“LA BIENAL PROPONE A LOS ESPECTADORES DEJAR DE SERLO Y FORMAR PARTE DE LAS OBRAS” El congreso en sí tenía algo de ficcional, ya que partía de los films anteriores de Yael Bartana, en donde el líder del movimiento Slawomir Sierakowski (un líder ficticio) convocaba a los judíos a retornar a Polonia. No para hacerles un favor a ellos, sino para que ellos le hagan un favor a Polonia pluralizándola. En otro de los films, el líder ha sido asesinado por sus enemigos y se ven masas asistiendo a su funeral. El congreso duró tres días y cada día tenía como eje una pregunta. ¿Cómo debería hacer Europa para dar la bienvenida al otro?, ¿Cómo debería hacer Polonia para traer de vuelta a sus judíos?, ¿Cómo podría hacer Israel para formar parte de Medio Oriente? Las demandas de los representantes debían ir en dirección a la pregunta del día. Algunas demandas generaron polémica y momentos de acaloramiento refrenados por el moderador de turno. Hubo discusiones sobre abrir totalmente las fronteras, eliminar lenguas oficiales, establecer el hebreo como segunda lengua en Polonia, etc. Sin embargo, todas estaban destinadas a formar parte de la agenda de un movimiento que realmente no existe. Pero a Bartana no parecía importarle mucho la cuestión de cuán real era el congreso. Ella logró engañar sutilmente a Zmijewski. El la había convocado para que transformara su movimiento ficcional en un movimiento real; y ella usó el congreso con un objetivo artístico propio: los tres días fueron filmados exhaustivamente por cámaras profesionales

que rodeaban el precinto, incluso editadas en vivo y proyectadas sobre una pantalla gigante. Bartana usó el congreso para hacer una nueva película.

Con el lema “Forget Fear” (Olvidate del miedo), la bienal propone a los espectadores dejar de serlo y pasar a formar parte de las obras; a los artistas les sugiere dejar de hacer arte político que sirva sólo para visibilizar o generar discurso y a cambio tener consecuencias concretas; y a los políticos los invita a tomar herramientas del arte para cambiar la forma de hacer política. No está claro si las obras de la bienal cumplen con estos criterios, o si los artistas, espectadores y curadores que participan terminaron de entenderlo o estar de acuerdo. Pero claramente la diferencia entre la séptima Berlin Biennale y otras biena-les de arte tiene que ver con su acercamiento a la realidad. En esta bienal, la prensa estuvo forzada a hablar del impacto de las obras en el contexto real. La organización misma de la bienal, los escándalos provocados en la prensa, los conflictos organizativos con las instituciones, fueron de alguna forma una obra más. Zmijewski propone, en el periódico editado especialmente para la bienal, que el arte deje de plantear preguntas y busque respuestas. El emprendimiento parece difícil y largo, sobre todo teniendo en cuenta que el público general, el que asistió a la bienal sin leer los manifiestos o tener un conocimiento profundo de los objetivos de los curadores, quedó bastante confundido. Es probable que la bienal sin embargo no esté destinada al público. Una cosa es moverse con el privilegio de tener información de primera mano que permite, sobre todo, entender hacia dónde apuntaron las obras. Sin embargo, quizá no sea una bienal repleta de respuestas. Tampoco se trató sólo de preguntas, sino más bien de una serie de ensayos sobre cómo ejercer tanto tácticas artísticas en el terreno de la política real como tácticas políticas en el terreno del arte.

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Fecha de lanzamiento: 20/9/2012 Discográfica:Young Turks

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D I S C O S

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XX

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The XX tiene un sonido elegante en todo lo que hace y de eso, entre otras cosas, le deben agradecer a Jamie Smith, el que se encarga de realizar las producciones (en la mayoría de las veces) y quién está detrás de los sintetizadores. Con el tiempo nos fuimos dando cuenta, después del debut, la importancia de Jamie en la agrupación. Con el tiempo fueron apareciendo remix que hizo Smith junto a otros grandes artistas de la actualidad y notamos qué es lo que se trae este chico. Sin ir más lejos, en “Chained”, el segundo track del disco, alguien que no lo conoce tranquilamente podría decir que hay un beat que va a destiempo. Es real, pero no podría quedar mejor e ir metiéndose poco a poco en el tema hasta que esa especie de error (¿Es error cuando se auto induce?) desaparece.

Hay algo que hay que entender de The XX y es que son una banda que si bien hace música que por momentos es de lo más groovera, también por otros es una banda que hace temas soporíferos que, al mismo tiempo, son verdaderamente increíbles y tienen momentos de increíble grandeza. Este disco tiene eso, que es su marca de agua, su manera de trabajar, su sonido en la música. Si no les gustó el primero, tampoco les gustará Coexist, porque ellos son esa música, ellos son ese estilo.

Hay algo que dijeron hace poco y es que Coexist no se aleja mucho de su producción inicial y, la verdad, es que es una completa realidad. Quizás eso es lo que más me molestó de este segundo disco que, al menos en mi opinión, se siento como una extensión del primero. ¿Qué hubiese preferido? Un poco más de riesgo, quizás. Esto no quiere decir que al música tenga que evolucionar obligadamente. Hay bandas que durante toda su carrera hicieron siempre lo mismo, tuvieron éxito y mantuvieron a sus fanáticos siguiéndolos hasta el mismísimo infierno. Sea como sea, soy de los que aman la música y les gusta ver todas las cosas nuevas y siento que aquí no hay tanto nuevo de The XX, aunque sí hay algunas canciones que son verdaderamente espectaculares y tiene un ritmo y una belleza única:“Swept Away”,“Unfold” y “Angels” son solo tres de ellas, por nombrar algunas, pero hay más que podrán descubrir a medida que lo escuchen una y otra vez. El cierre, “Our Song”, tiene poco más de tres minutos y es una canción que se apoya en las voces de Oliver y Romy. Es como debe terminar un disco de The XX: tranquilo, amoroso, delicioso, y con una subida para el minuto de track que va muy bien. ¿Vale la pena?

Sí. ¿Nos encontraremos con grandes novedades en cuanto al sonido de la banda? No. Sea como sea, a medida que le vayan dando más y más escuchadas no tengan dudas en que van a encontrar diferentes sentidos y diferentes sonidos que valen muchísimo la pena. The XX no se alejó mucho de lo que hicieron, pero es su segundo disco y tenían que asentarse, establecerse y demostrarle a sus fanáticos y a la crítica cuál es su sonido y qué es lo que vinieron a hacer al mundillo musical.

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“Pienso en la distancia cuando estoy con vos, y pienso en vos cuando estoy a la distancia”, dice Juan Román Diosque con su habitual sagacidad para crear sentencias. Bote, su segundo disco, está repleto de esas observaciones cotidianas y profundas que son su marca registrada. Con el ocio y la contemplación del presente como fuentes de inspiración, Diosque por momentos parece un filósofo griego que tuvo la ¿mala? suerte de nacer en el momento y el lugar equivocados: más de uno dirá que es un vago trasnochado. Como sea, si hay algo que lo hace único es su capacidad de ver la belleza en donde otros no ven nada. “La basura tiene un precio que no puedo dar”, canta, y automáticamente nos recuerda a su viejo fotolog, en el que le sacaba fotos a la mugre que se acumulaba en el patio de su casa después de barrer: una obra de arte instantánea y hermosa, prueben hacerlo con sus escobas. Esa combinación entre lo inmediato y lo eterno es su motor, y se traduce en canciones de guitarra acústica y voz, al mejor estilo payador, complementadas por una producción moderna y espacial que se apoya en el uso de sintetizadores. En los dos minutos que duran sus temas pasa una galaxia entera, con sonidos de todos los colores y baterías que entran y salen para darle el característico ritmo cansino (Diosque siempre parece estar cantando a la hora de la siesta). De momento el disco no tiene edición en CD, sino que se consigue entrando a diosque.com.ar, página que colapsó en la semana de su lanzamiento por la gran cantidad de descargas. “Gracias por romper el sitio”, dijo su autor, que una vez más vio lo hermoso de una falla.

Lucas Garófalo

MUNDO ANFIBIO

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DIOSQUE “BOTE”

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El quinto disco de estudio de Lisandro Aristimuño demuestra que el solista sureño aún no ha encontrado su techo: Mundo anfibio es un ciclo de canciones envueltas por un sonido que deslumbra tanto por lo ambicioso de su concepción como por la justeza de su concreción. La tapa, una pintura de Gabriel Sainz que recuerda los paisajes alucinados de Brueghel y El Bosco, plantea una oposición entre un mundo natural -identificado con los orígenes y la armonía con el medio ambiente- y la civilización, con su depredación sobre la conciencia humana y su entorno. Alrededor de ese concepto, Lisandro desarrolla un universo absolutamente personal, integrado por melodías límpidas, una poesía de gran fuerza evocativa, samples, sonidos étnicos, arreglos de cuerdas, instrumentos acústicos y programaciones. Voces deformes, canciones infantiles, melodías orientales contribuyen a completar ese clima onírico, entre la epifanía y la pesadilla. Hay canciones gloriosas: las dos primeras, “Elefantes” y “Un dólar, un reloj y una frase sin

sentido”, emergen con fuerza arrasadora, impulsadas por un cuarteto de cuerdas y (en la segunda) la voz del invitado Ricardo Mollo. En “Cien pájaros”, “Aurora boreal”, “Igual que ayer”, el clima de invención y asombro es tal que da la impresión de que la Incredible String Band se hubiera reencarnado en el siglo XXI en el noroeste argentino.

Mollo reaparece en “Traje de Dios”, probablemente lo más rockero del disco, y también Hilda Lizarazu y Boom Boom Kid hacen convincentes cameos vocales.

Por Claudio Kleiman

FLAMING LIPS AND HEADY F W E N D S (4) En el universo anglosajón hay, como aquí, algo llamado el Día de las Disquerías. Pero por allá no sólo hay shows en esos curiosos lugares donde se venden compacts y vinilos, sino que cada vez más aparecen ediciones especiales para semejante celebración. Generalmente, esos discos –y especialmente simples– quedan restringidos al mercado local, pero el tenor de los invitados ha generado que el experimiento de los Flaming Lips (reuniendo en un disco los delirantes EP que han ido lanzando recientemente) haya sobrevivido –y multiplicado– más allá del día en cuestión. Sin embargo, sólo es posible disfrutarlo pensando en que es justamente eso, un experimento. Más cercano a los comienzos lisérgicos del grupo, y con invitados de alta exposición como Chris Martin, de Coldplay, o Ke$ha, Flaming Lips and Heady Fwends es, antes que nada, un viaje. Hay que acercarse a semejante artefacto musical olvidando las melodías que ha sabido conquistar el grupo de Wayne Coyne para convertirse en algo más que una banda de culto, y con ganas de dejarse llevar por sus heterogéneos decorados musicales. Algo que han hecho con gusto invitados como Nick Cave o Yoko Ono, protagonistas de atrevidos experimentos bautizados con signos de pregunta o admiración, como You Man? Human??? o Do It!, respectivamente.

NO PUEDES LUCHAR CONTRA EL PROGRESO

PETER JENNER

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Descubrió a Pink Floyd. Se llenó de dinero. Conoce la industria discográfica desde adentro. Hoy, a punto de cumplir setenta años, es el mayor referente de la filosofía copyleft. No hay crisis en la música, dice, sino en el negocio de la música.

Peter Jenner todavía es joven. Acaba de graduarse en Económicas en Cambridge y dicta clases en la prestigiosa London School of Economics. Nadie duda de sus capacidades, ni del futuro impresionante que al muchacho le espera en la Bolsa de Londres. pero no. Hay algo muy poderos rugiendo allá afuera: la locura del Soho londinense, un lugar repleto de pubs y de bares abiertos toda la noche.

Y de música. Un mundo completamente nuevo para el veinteañero Peter, en el que las palabras acción y valores significan otra cosa. Pero eso no es todo: corren los años sesenta, y a la vuelta de la esquina, en un lugar conocido como Marquee Club, toca un muchacho llamado Syd Barret.

Entre cigarrillos y tragos de cerveza, Peter Jenner queda prendado para siempre del errático y magnético líder de lo que, algunos años después, serían los Pink Floyd. Adiós Dow Jones. Nunca más Top Down. El pichón de tiburón financiero se desajusta el nudo de la corbata, se quita el traje para siempre. Acaba de encontrar su lugar en el mundo. Por entonces, los embrionarios Pink Floyd coquetean con el Rythm and Blues. Jenner no tarda en convertirse en el mánager de la banda, a la que maneja durante sus primeros años.

Contribuye, y mucho, a la hora de crear y afianzar la leyenda de uno de los grupos más singulares y extraordinarios de todos los tiempos. Más tarde también pasarían por sus manos bandas y artistas como The Clash, T-Rex, Ian Dury o Billy Bragg, galardones más que suficientes para asegurarle una vitrina en el museo de la historia del rock.

Pero, otra vez, no. Jenner se resiste a vivir de viejas glorias, entregado a sacar lustres a trofeos polvorientos. Ahora tiene sesenta y ocho años, preside el International Music Manager’s Forum y es miembro de la Featured Artist Coalition, además de mantener una estrecha colaboración con el famoso festival de músicas del mundo, WOMEX, en el que lleva participando diez años. Pero sobre todo es una de las voces más autorizadas del mundo a la hora de abordar el delicado tema de los derechos de autor en internet. Con nosotros, Peter Jenner, un caballero inglés que intenta plantear soluciones a los nuevos retos de una industria que, en sus palabras, ha perdido el alma.

DALE

- Usted es un superviviente en una industria que está en crisis. ¿Cómo ve la situación en estos momentos?

—No hay una crisis en la música ni en los amantes de la música, solo en el negocio de la música grabada. De las empresas que gestionaban las diligencias con las que se transportaban las cosas en el Wild West, solo una sobrevivió con la llegada del tren. Y esa fue Wells Fargo, porque supo adaptarse a un nuevo ambiente.Transportaba oro,así que se convirtió en un banco. La tecnología digital es increíblemente rupturista para el negocio tradicional de la música. Estas compañíasdiscográficas que llevan veinte años gestionando el mismo entramado de veinte mil trabajadores terminan por actuar a la defensiva.

Tienen miedo a que les pase lo mismo que le pasó, por ejemplo, a la industria de las máquinas de escribir.

- Pero incluso en los lugares donde el agua es de alta calidad se sigue vendiendo agua mineral embotellada. ¿Qué es lo que falla entonces?

—Lo más cercano a saber adaptarse ha sido atunes: tiene imagen suficiente para conectar con la gente joven y así consigue hacerles llegar de un modo u otro canciones, que es de lo que se trata. Aunque el precio de ese producto a su vez plantea otros problemas. Son muchos los retos a los que se enfrenta esta industria y yo, a pesar de ser má-nager, entiendo las necesidades de los artistas y he de decir que ellos han encontrado un modo de hacer llegar sus creaciones al público con estrategias de negocio que funcionan (aunque también es cierto que los servicios que proveen trabajo, nunca antes habían lidiado con el arte y no lo tratan con la empatía). Por tanto es un problema para ellos y también para el resto de la industria, que tiene que reconstruirse.Y por si fuera poco, lidiar con los diferentes entornos legales de cada país con respecto a los derechos de autor. ¡Es de locos!

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- Lo cierto es que el consumidor de música tampoco es el que era…

- ¿Cómo hacía usted negocio con la música, entonces?

—Cuando era joven tenía toneladas de discos, pero tener cien discos en casa ya era una locura.

Ahora ves a niños con miles de canciones metidas en un iPod, que además consiguen gratis…

Simplemente ha cambiado el modo en que la gente se relaciona con la música grabada, y lo ha hecho de un modo drástico.

—Nunca fui bueno haciendo dinero, me sentía más inclinado a buscar la diversión o la au-­torrealización a la hora de hacer las cosas.

Además, algunos usan la música para amenizar la espera de un ascensor y paraptrps significa su vida entera. Tenemos que adaptarnos también a todo ese distinto rango de necesidades. Se acabó lanzar el mismo producto una y otra vez. Hay que tomarse la molestia de ofrecer propuestas distintas, a personas distintas que están a un nivel distinto. Así estarán felices de pagar por ello, como siguen pagando por los conciertos.

- Si nos referimos a despertar interés, sigue habiendo algunas —pocas— estrellas de masas en la música.

—Chopin, Liszt, se convirtieron en estrellas de la música cuando llegó el telégrafo. Luego llegó la radio, y luego la televisión, que hizo a los artistas internacionales. Con internet se podrían hacer cosas increíbles. Que un artista como Lady Gaga venda doce millones de discos en un entorno como el de Internet, donde un video exitoso de Youtube consigue cientos de millones de visitas, no es mucho, aunque el marketing diga lo contrario. Ahora mismo la gente que compra música está en realidad comprando artefactos. ¿Cuándo la música se convirtió en un artefacto? Están muy bien esas reediciones de lujo con libro incorporado, imágenes inéditas, etcétera.

Si hay tiempo, esfuerzo y talento detrás de esto, la gente pagará por ello y todo el mundo estará contento, pero eso no ocurre de cualquier manera ni en todos los casos.

Sabía reconocer dónde se encontraba el dinero, pero no tenía ese instinto animal para correr hacia los billetes apartando a todos los demás de mi camino. Aunque sabía cómo hacerlo, en cuanto a que en-­tendía las reglas del juego, no estaba hecho para pelearme por una libra de más o de menos cuando cerraba acuerdos. No era capaz de pasarme mucho tiempo peleando por cerrar un trato por trece libras en vez de doce, cuando en realidad para hacer dinero no debería parar hasta conseguir las quince libras.

Lo cierto es que así es como debía hacerse, pero no podía evitar que me preocuparan otras cosas.

Cuando nos encerrábamos en un estudio con Pink Floyd, los mejores ingenieros de sonido y las mejores máquinas… eso no lo puede hacer cualquiera con una Mac. Con acuarelas no se puede hacer la Capilla Sixtina.

- Se plantea el eterno dilema de la cantidado la calidad.

—La idea es hacer todo lo más rápido y lo más simple posible, sin descuidar la calidad de las cosas; eso siempre lo he tenido muy claro.

En este caso sería aproximarse a las compañías telefónicas que están enriqueciéndose con el tránsito de contenidos y llegar a un acuerdo para que compartieran parte de esos beneficios con los creadores, que a su vez les pondrían las cosas más fáciles. La Motown solo tiene un cinco por ciento de su catálogo disponible en servicios legales. El usuario que quiera descargar su música no tiene elección, tiene que hacerlo de un modo ilegal.Y eso ocurre con uno de los sellos más exitosos de la historia…

DALE

25

—Aún existe la posibilidad de comprar el disco o el vinilo.

—Entonces fue una sana curiosidad lo que le desvió del camino...

—En mi juventud, en los sesenta, comprabas un disco, lo escuchabas varias veces, invitabas a tus amigos a casa a que descubrieran tu nueva joya, intercambiabas… Era como un ritual. Pero ahora todo lo tienes a un clic y pasas de una cosa a otra en apenas segundos. Es una relación más casual la que se tiene ahora, aunque la música siga siendo importante. No está tan relacionado con la pasión coleccionista ni el oyente se involucra tanto. Un disco es en estos días solo un elemento más para definir la identidad en plena fiebre de las redes sociales.

La gente siente la necesidad de mostrar continuamente su personalidad deseada a través de los periódicos que lee o las revistas o las canciones que escucha... Es como si compráramos pantalones, ¿qué tipo de pantalón eres? Y así envías un mensaje a la gente. Del mismo modo pasaba con los ejecutivos financieros. No recuerdo haberme sentido jamás identificado con ellos.Todos estaban deseosos de llevar traje para demostrar que eran respetables, que eran tipos duros de los de toda la vida...

—Mi carrera estaba centrada en no salirse de ciertos patrones establecidos y yo quería saber cómo funcionaban realmente las reglas del mercado. Y en eso me ayudaron mucho los (Pink) Floyd. Yo pensaba que tenía que haber explicaciones mucho más sofisticadas a las que mostraban mis libros de textos.

—¿Fue ese inconformismo el que le llevó entonces a convertirse en mánager de rock?

—Fue un accidente. Siempre fui un fanático de la música, de los discos. En mi formación en la London School of Economics descubrí cómo la gente se relaciona con el dinero, lo que por lo general no tiene que ver con el dinero en sí. Siempre he estado interesado en investigar los espacios intermedios. Especialmente en los años sesenta, porque los acontecimientos de esa época hacían que te centraras en otras cosas que iban más allá del dinero, Entonces creía y sigo creyendo que la política, la sociología, la psicología influyen en las decisiones económicas, y estaba intrigado por el funcionamiento real de la economía.

Estaba intrigado y en esos momentos quise convertirme en un “observdor participativo”.

A mi aburrimiento en la vida académica y laboral se unió mi pasión por la música: quería saber los trucos del mago, y para eso tienes que convertirte en uno de ellos.

No quise acotarme a un área específica de la industria musical. Por eso me involucraba por un año con discográficas y luego pasaba al lado de los periodistas y más tarde estaba otro tiempo con artistas o pertenecía al gremio de los representantes... Así lidiaba con todo el mundo del espectáculo, incluso con el propio público, que es algo que le falta hacer a las cabezas pensantes del negocio.

—Tomó decisiones arriesgadas, como permanecer del lado de Syd Barret cuando Pink Floyd ya le había buscado un sustituto… ¿Qué pasó en ese encuentro con la banda?

—No creo haber tomado decisiones arriesgadas... En el momento eran las más obvias y razo-­nables. Ante la complicada situación de Syd, los miembros del grupo restantes se sentaron y me dijeron: “No crees que seamos capaces de hacerlo sin él”. Yo contesté: “Es verdad, no creo que podamos hacerlo sin él”. Así que entre todos convenimos que era mejor separarnos en dos. Siempre pensé que Syd iba a mejorar.

Tenía completa fe en ello.

DALE

- No parece que haya arrepentimiento en sus palabras…

- Los Clash intentaban vender siempre sus álbumes al mismo precio, fueran dobles o triples…

—Admiro lo que han logrado los Pink Floyd desde entonces, pero me atrevo a afirmar sin miedo a caer en el cliché que lo que han hecho es construir un sonido de un modo muy solvente, mientras que lo que hacían con Syd era expresar… Roger (Waters) era un arquitecto, empeñado en construir cosas, pero Syd era un artista, empeñado en expresarlas. Las drogas liberaron sus demonios, algo que fue muy bueno para su inspiración pero nocivo para todo lo demás. Escuchar “Scream Thy Last Scream” o “Jugband Blues” es como asistir al proceso de locura de una persona, como lo haría el mejor libro o la mejor obra pictórica…

—London Calling (1979) fue un gran álbum con dieciséis cortes, así que añadimos alguna canción más y lo hicimos un álbum doble. Funcionó. El siguiente paso fue editar un disco triple.

Cuando regresamos al estudio para grabar en solitario fue una experiencia muy frustrante y triste. Había destellos de genialidad en una melodía, la parte de una letra…

Pero no era capaz de retenerlos, se le escapaban irremisiblemente.

- Además de perder al amigo estaba perdiendo su apuesta personal.

—Era doloroso. Sigo sin poder escuchar esos discos. Además, como te he dicho, nunca he sido un gran hombre de los negocios. Necesito creer que el artista que está a mi lado está haciendo algo único. Comprometerme con él. No me interesa repetir o reinventar fórmulas para conseguir un éxito individual detrás de otro.

Prefiero idear para resolver los problemas más estructurales, como ahora mismo el de la transición digital. Por ejemplo, si una lámpara cuyo coste de fabricación es menos de una libra, se vende por más de cincuenta libras simplemente por su patente… Eso es lo que hace dinero en si y sobre ese concepto hay que trabajar también en la música de hoy en día.

—Sandinista (1980)—. No porque hubiesen creado buenas canciones suficientes como para ello, solo querían hacer algo aún más grande.

Les comenté que si seleccionaban las mejores doce canciones sería un álbum maravilloso y no sería tan caro para el público, pero eran autoindulgentes… Querían solo jugar a ser rockstars.

Lo que ocurrió al final es que no podían escapar de su contrato con Sony-­Columbia porque sus decisiones les habían llevado a perder mucho dinero. Querían tener la mejor iluminación en sus espectáculos en directo sin subir el precio de la entrada. No era rentable. A nadie le importaría pagar una libra extra por un buen show…

Al final, en contra de mis consejos, hicieron todo lo que la compañía de discos les pidió con tal de llevar a cabo sus disparatadas ideas, y considero que eso fue el principio del fin para ellos.

Sufrieron demasiada presión, se les fue la mano con las drogas y sobre todo se traicionaron a sí mismos, actuando por ejemplo en estadios, algo que tantas veces me habían jurado que jamás querrían hacer. Todo por culpa del ego…

- A todo ello hay que sumarle la libertad del oyente actual, que no tiene por qué ser fiel a una banda y puede descargar sus canciones cuando le venga en gana. ¿Dónde está la solución ante eso?

—Mi número de la suerte en estos momentos es el sesenta. Voy a poner un ejemplo hipotético y sencillo. Hay sesenta millones de contratos relacionados con distribuidores digitales y con todos ellos pueden descargar música (ya sea ADSL, teléfono móvil, iPads, etcétera).

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Si se incrementara una sola libra a cada uno de esos contratos en concepto de copyright para artistas, nadie notaría la diferencia y supondría sesenta millones de libras al mes, o lo que es lo mismo, setecientos veinte millones de libras al año generadas para la industria musical. ¡Es una cifra que no reporta ahora mismo la venta de discos en el Reino Unido! Tendrían que cerrarse unos flecos, pero de esa forma no importaría en absoluto que las ventas de discos físicos descendieran.

- Hay países donde las empresas telefónicas se niegan a esa medida.

—Una de esas dos industrias está destruyendo a la otra y despreciando un trabajo legítimo: el de los músicos. Si, por ejemplo, un veinte por ciento de los contenidos que estás ofreciendo es música, esa fracción de la valía de tu servicio y de tus beneficios debe ir destinada a esa industria. Las autoridades también están despreciando el trabajo intelectual si no obligan a que medidas como esta se apliquen.

- ¿Y qué parte de culpa tienen las discográficas en esta situación?

—El error de las discográficas es que al principio no quisieron entablar un diálogo, intentaron directamente cargarse el nuevo sistema de distribución porque afectaba al suyo. No les interesaba que otro se inmiscuyera en su negocio. De nuevo fueron muy inflexibles, litigaron contra Napster e intentaron sin éxito parar un proceso inevitable… Pero no puedes luchar contra el progreso, contra la llegada del tren. No lucharon contra la distribución ilegal, lucharon contra el avance tecnológico. Tengo una fe inmensa en lo racional y se que al final se van a dar cuenta de que se comportan de un modo poco inteligente.También tienen que asumir de una vez que ahora tendrán que cobrar dos donde antes cobraban diez, lo cual no

es descabellado, teniendo en cuenta que los costes de copia y distribución se han reducido al mínimo. Además, como decíamos antes, ahora deben trabajar para un mercado que está muy fragmentado, su fórmula única ya no es válida aun hoy por hoy. También hay que entender que su estatismo se debe a que, en cierto modo, desean proteger los puestos de trabajo de millones de personas, gente que ahora participa de una cadena de distribución que se ha quedado obsoleta.

- Al final parece que el consumidor es la víctima.

—Jamás pensé que la gente fuera a pagar un extra por ver el fútbol televisado de pago, pero lo hizo, al igual que pagarán un poco más por verlo en HD, en 3D o como sea… y los estadios siguen llenándose. Sorprendentemente, la gente no se cansa nunca del fútbol, por lo que tampoco lo hará de la música. Solo hay que encontrar la forma de que quieran pagar por ella de nuevo. La música se relaciona con la gente muchas veces como lo hacen las religiones.

- Hace un rato se vanagloriaba de no haber tomado la decisión obvia en muchos momentos de su vida, pero ahora exige raciocinio a discográficas, gobiernos y compañías de comunicación…

—Ambas son necesarias. Hay que intentar hacer las cosas porque se cree en ellas en la medida de lo posible. Cuando digo que tengo fe, me refiero a que se van a dar cuenta, de un modo genuino, de lo que se necesita para llegar a un punto común. Además, personalmente, me gusta tener cierto optimismo… A veces las fantasías se cumplen. Una vez soñé que los Pink Floyd iban a llegar a ser una de las bandas más grandes después de The Beatles, y así fue.

MUSICA

DALE

12.

04.

M. Pereiro & Capocci

El dúo continúa ofreciendo una serie de conciertos de su disco “Lucero”, en los que transita la canción desde una mirada libre de prejuicios, llevando la música de raíz sudamericana.

Entrada: Libre y Gratuita Rufino de Elizalde 2831 - F.N. de Artes Viernes 12 - 22.30 hs.

19.

Manuel Ochoa

Junglares

Presenta su nuevo disco Fauna.

Un finísimo trabajo en quinteto que muestra sus dos facetas, la de un músico calmo, reflexivo, y otra más intensa en composiciones rápidas, que dejan ver su Jazz.

Cantos y cuentos judíos. El espectáculo es un pasaje por la historia judía, sus costumbres, su folklore y sus comidas, en tono de humor.

Marga Grajer y Ruth Vilchansky comparten recuerdos.

Entrada: General $35 Thelonious. Salguero 1884.Tel 4829 1562.

Jueves 04 - 21.30 hs.

Entrada: $100 Clásica y moderna. Callao 892 Viernes 19 - 21:30 Hs.

05.

Jaquelina Livieri

13.

Dante

19.

Silencios

La Soprano Jaquelina Livieri se presenta junto al pianista Tomás Ballicora dentro del Ciclo de Música CECRA, donde se ejecutarán obras de Compositores italianos, franceses y argentinos.

En vivo los temas de su último disco “PYRAMIDE” , 100 % de música urbana inspirado en las calles, el futurismo, las mujeres actuales y los transformers, y muchas canciones más.

Fabricio Rodriguez presenta su nuevo trabajo discográfico junto a su su banda Mr. Mojo. Cuenta con la participación especial de Abel Pintos y Alejandro Lerner en el tema “Sólo”.

Entrada: Gratuita Auditorio Cs. Económicas.Viamonte 1549.

Viernes 05 - 19:00 hs.

Entrada: Desde $50 Samsung Studio - Balcarce 433.

Sábado 13 - 21.00hs.

Entrada: Desde $65 Samsung studio. Balcarce 433.

Viernes 19 - 22:30 Hs.

06.

14.

K.Wilson & B. Flynn

Homenaje Piazzola

Por primera vez en Sudamérica, acompañado por el excelente guitarrista Billy Flynn, con quien recibieron una nominación al Grammy por la Banda de Sonido de la película “Cadillac Records”.

El Sexteto mayor junto a Horacio Malvicino, Pipi Piazzolla, Pablo Agri, Pablo Mainetti, Julián Vat, Esteban Falabella y José Luis Colzani interpretarán las obras del querido Piazzola.

Entrada: $100 La Trastienda Club. Balcarce 460.

Sabado 06 - 22 Hs.

Entrada: $80 y $100 Torquato Tasso. Defensa 1575.

Todos los domingos - 22 Hs.

07.

14.

Teresa Usandivaras

Musica la memoria

20.

María Puga Lareo

El quinteto de Teresa Usanvidaras se presenta acompañada por Pablo Spiller, Eric Giles, Leila Cherro Mariano Gora y Horacio Molina como invitado especial. Solo con reservas previas.

Más de 50 artistas de la música contemporánea y experimental de todo el país, presentan sus obras bajo el lema “Repudio a la dictadura y por la memoria”. Nuevas musicas para no olvidar.

La cantante argentina vuelve a escena con su nuevo disco, FACETAS, con arreglos y piano a cargo de Carlos Franzetti y la participación de Eddie Gomez y Fernando Gelbard, y cuatro temas grabados.

Entrada: $150 Espacio de arte mediterranea.Tucumán 3378 Domingo 07 - 21 Hs

Entrada: $50 ECuNHi. Avenida del Libertador Domingo 14 - 20 Hs.

Entrada: $60 Maipo Kabaret. Esmeralda 443 Sábado 20 - 21:30 Hs.

11.

18.

21.

Tango

Kate Nash

Soledad Villamil

La Jazz lanza sus Ciclos del Sur. La Orquesta Típica Imperial presenta su gran repertorio con los más distinguidos clásicos del tango de todos los tiempos. Solo con reservas previamente.

En julio de 2010 se editó su último y segundo álbum “My best friend is you”. Siguiendo el suceso de “Made of bricks”, Nash ha madurado su sonido manteniendo su extravagante estilo.

Presenta nuevas canciones de autores que nunca antes había interpretado, como Violeta Parra; y también más canciones propias, un trabajo compositivo que ya se había iniciado en Morir de amor.

Entrada: $200 Espacio de arte mediterranea.Tucumán 3378 Jueves 11 - 22 Hs.

Entrada: $100 Teatro Coliseo en M. de Alvear 1125 Jueves 18 - 21 Hs.

Entrada: $80 C.Torquato Tasso. Defensa 1575.

Domingo 21 - 22:00 Hs.

12.

Pierrick Sorin

Dalila Puzzovio

Videasta, nacido en Nantes en 1960, dirige cortometrajes y dispositivos visuales en los que reflexiona –habitualmente en tono irónico– sobre la existencia humana y la actividad artística.

La multifacética, distinguida y vanguardista artista plástica festeja sus 50 años con el Arte. Da cuenta de su trabajo y dedicación a través de los años y su monumental obra “El Deslumbre”..

Entrada: Libre y Gratuita Mamba. Av. San Juan 350, Sala PB Jueves 04 - 21:30 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita La Rural. Plaza Italia Del 12 al 19. 14 a 21 Hs.

ARTE

13.

05.

Gallery Nights

Fase 3

29

04.

25.

Elena Clément

Bajo la curaduría general de Graciela Taquini el evento es una plataforma de prueba y experimentación que manifiesta un mundo en constante evolución visto a través de la diversidad de miradas.

Elena presenta trabajos figurativos y abstractos, empeñada en un proceso de búsqueda que quiere compartir con nosotros, especialmente si estamos dispuestos a disfrutar del color y el silencio”

Entrada: Libre y Gratuita Centro Cultural Recoleta. Junin 1930 Sabado 13 - de 14 a 20 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Como en casa. Riobamba 1239 Jueves 25 - de 16 a 22 Hs.

18.

26.

Remo Bianchedi

Vivianne Duchini

En el marco de la segunda edición del Gallery Nights 2011, American Express renueva su gran propuesta de arte con obras de Fabián Burgos, de la Galería Dabbah Torrejónquien.

Workshop y presentación de los libros Jerusalén, de Gonçalo Tavares y Crónica de sombras, de Andrés Allegroni. Se usarán fragmentos de ambos libros para realizar los ejercicios del taller.

La muestra de este año desarrolla dos vertientes de la temática animalista: por un lado ahonda en la fauna exótica y por la otra profundiza en equinos y perros que son sus motivos favoritos. ”

Entrada: Libre y Gratuita Arenales 707 Viernes 05 - 19:00 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Malba. Figuereo Alcorta 3415 Jueves 18 - 19 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Alvear de Zurbarán. Av. Alvear 1658 Viernes 26 - de 10 a 21 Hs.

06.

19.

27.

Infinito Paisaje

Milo Lockett

Sylviane Roche

Proyectos de Katia Maciel y André Parente. Curadora invitada: Daniela Bousso Esta exposición es un proyecto realizado en conjunto entre el MIS (Museo de la Imagen y Sonido, San Pablo, Brasil)

El prestigioso, solidario y autodidacta artista plástico expone sus nuevas obras, donde la belleza y la simpleza conviven luminosamente. En un contexto novedoso e inusual para la mirada del otro.

Se expondrá sobre “Francofonías originales y secundarias, el ejemplo de la Suiza romande” en la Alianza francesa. En otra occasión, Sylviane Roche junto Con Blanca Herrera, fundadora.

Entrada: Libre y Gratuita Fundació Telefónica. Arenales 1540 Sábado 06 - de 14 a 20:30 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Galeria Holz. Arroyo 862 Del 19 al 29 - de 10 a 20 Hs.

Entrada: $80 Malba. Avda. Figueroa Alcorta 3415.

Sabado 27 - 18:00 Hs.

20.

27.

11.

Utopía y Tradición

La exposición de Torres García “Utopía y Tradición” está conformada por 72 pinturas, dibujos y esculturas hechos en tela, cartón, papel, madera y diversos materiales de reciclaje.

Entrada: Libre y Gratuita Museo 3 de Febrero. Gomez 4838. Caseros Jueves 11 - 13 Hs.

12.

Utopía y Tradición

Jazz Visual

Alejandro Archain

La exposición de Torres García “Utopía y Tradición” está conformada por 72 pinturas, dibujos y esculturas hechos en tela, cartón, papel, madera y diversos materiales de reciclaje.

Las obras que aquí se presentan forman parte de la misma serie del artista, Ignacio Alperín Bruvera, “Visual Jazy no son otra cosa que una suma de melodías del jazz tradicional y de vanguardia”

Paradiso ediciones presenta el libro Deriva, de Alejandro Archain.

Se referirán a la obra Sara Cohen, Guillermo Saavedra y el autor.

Músicos invitados Julia Archain, María Colloca, Ramiro Archain.

Entrada: Libre y Gratuita Museo 3 de Febrero. Gomez 4838. Caseros Viernes12 - 13 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Fundación Standar. Riobamba 1276 Sábado 20 - de 15 a 21 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Pabellon 4, Uriarte 1332, Palermo Sábado 27 - 19:30 Hs.

ESCENARIOS

DALE

04.

Teatro: Rodeo

12.

Las d’enfrente

20.

María Puga Lareo

China Zorrilla en una comedia clásica y costumbrista, escrita por Federico Mertens a principio del siglo pasado, conserva de manera intacta su contemporaneidad y su agradable humor.

La cantante argentina vuelve a escena con su nuevo disco, FACETAS, con arreglos y piano a cargo de Carlos Franzetti y la participación de Eddie Gomez y Fernando Gelbard, y cuatro temas grabados.

Entrada: Desde $40 El Globo. Marcelo T. de Alvear 1155 Viernes 12 - 21.30 hs.

Entrada: $60 Maipo Kabaret. Esmeralda 443 Sábado 20 - 21:30 Hs.

13.

21.

Convención

Las Suplicantes

Cody Right es un cowboy lejos de su tierra: su añorada Texas. Su historia cruza fronteras y habla, fundamentalmente, de nuestra identidad. Este es unnuevo espectáculo de Agustina Gatto.

Unipersonal de humor de Gonzalo Alfonsin, en el cual el actor compone los personajes de diez críticos de arte de distintas nacionalidades que hablan sobre un cuadro de Kandinsky.

De Esquilo. Dramaturgia: Gabriela Biebel. Dirección y puesta en escena: Daniel Casablanca y Andrés Sahade. El Rey de Argos enfrenta una fatal disyuntiva: si cumple con su real deber.

Entrada: General $85 NoAvestruz. Humboldt 1857.

Jueves 04 - 20.30 hs.

Entrada: Desde $80 Sala The Cavern, Paseo La Plaza.

Sábado 13 - 21:00 hs.

Entrada: Desde $30 Teatro. Rodríguez Peña 1062.

Domingo 21 - 20: Hs.

05.

14.

21.

Flamenco

Trinidad Guevara

Mi vida despúes

Cría Cuervos. Una obra, con dirección general de Gigena y Paito, que respeta las formas del flamenco tradicional llevándolas a un espectáculo modernos.

Cuando el Río de la Plata luchaba por la independencia, una actriz hacía teatro en medio de las bombas, paría hijos de padres distintos y sacudía las tablas.

El último trabajo de Lola Arias.

Carla Crespo, Liza Casullo, Blas Arrese Igor y Mariano Speratti hacen una remake de la juventud de sus padres en los años ’70.

Entrada: Desde $35 Mediterránea Esp. de Arte .Tucumán 3378.

Viernes 05 - 21 Hs.

Entrada: Desde $65 Elkafka espacio teatral. Lambaré 866.

Todos los domingos - 22 Hs.

Entrada: Desde $80 La Carpintería. Jean Jaures 858.

Domingo 21 - 20: Hs.

06.

15.

Colón, conquistador

Bodas de Sangre

Un espectáculo de teatro musical, en el que diez actores, cantantes y bufones se aventuran hacia lo desconocido. Dirección y Puesta en escena de Leandro Rosati. Solo con reserva previa.

Un clásico de Federico García Lorca, con dramaturgia y dirección de Juan Carlos Gené. Con Verónica Oddó, Juan Carlos Gené, Violeta Zorrilla y Camilo Parodi.

Solo con reservas previas.

Entrada: $50 Mundo Varieté. H. Irigoyen 2148 Sabado 06 - 20:30 Hs.

Entrada: Desde $120 Teatro Celcit, Moreno 431.

Del 14 al 21 - 22 Hs.

07.

18.

Siete Noches 2012

Seminario

El destino de las almas de quienes se han negado al amor es el gran tema de El baile de las Ingratas, ballet semi dramático de Claudio Monteverdi que dará inicio al ciclo Siete Noches,

Dictado por Paco Redondo, la consigna del taller es la de indagar todas las relaciones que participan en la creación teatral, desde el punto de vista de la dirección.

Un vuelo de pájaro.

Entrada: $85 Villa Ocampo. Elortondo 1837, Beccar Domingo 07 - 20:30 Hs

Entrada: Libre y Gratuita Dean Funes 1267 Jueves 18 - 21 Hs.

11.

19.

Hermanos

Las Julietas

22.

Unosdos

Una nueva propuesta escrita, protagonizada y dirigida por David Páez y Miguel Di Lemme y con la colaboración de Fernando Sureda, que reflexiona a partir del cruce entre los lenguajes del cine.

Dos grandes machos se cruzan y desafiando todos los pronósticos nace una criatura que fue dada en llamar Las Julietas. El uno, el gran macho del teatro: William Shakespeare.

Un Hombre y una mujer. Un pasado común y un presente. El borde ahí, en la mitad de la vida, y el vértigo de caer definitivamente.

De tan distantes, tan distintos, el otro todavía se les parece.

Entrada: $65 NoAvestruz. Humboldt 1857.

Jueves 11 - 21 Hs.

Entrada: $60 Camarín de las musas. Mario Bravo 960.

Viernes 19 - 21:30 Hs.

Entrada: Desde $70 Teatro del Abasto. Humahuaca 3549.

Lunes 22 - 21:30 Hs.

04.

Homero Manzi 31

La vida de Homero Manzi se desarrolló entre la poesía, el periodismo, la militancia política y también en el teatro, la radio y el cine. La exposición plantea un recorrido por la filmografía de Homero Manzi.

Entrada: Libre y Gratuita Museo Casa Gardel. Jean Jaurés 735.

Jueves 04 - 22:30 Hs.

05.

12.

Ocio

Autopista Central

25. “Santiago”

Impactante documental de Alejandro Hartmann que narra treinta años después, una autopista jamás construida que divide a la ciudad de Buenos Aires en dos partes.

Solo con reservas previas.

La obra más destacada de João Moreira Salles (2006), uno de los documentalistas más relevantes del cine brasileño contemporáneo. La exposición plantea un recorrido por la filmografía de Moreira.

Entrada: Libre y Gratuita Casa del Bicentenario. Riobamba 985.

Viernes 05 - 22:00 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Malba cine. Av. Figueroa Alcorta 3415.

Viernes 12 - 21 Hs.

Entrada: $35 PROA Av. Pedro de Mendoza 1929.

Jueves 25 - de 16 a 22 Hs.

13.

26.

CINE

Un filme de Alejandro Lingenti y Juan Villegas, basada en la novela homónima de Fabián Casas. Una observación austera pero obsesiva de una familia en desintegración llena de recuerdos y huellas.

06.

Invernadero

Tantas manos

Cine Ambiental

Registra la grabación del último disco de Las pastillas del abuelo y su trabajo con “Yo no fui”, una asociación civil que realiza talleres artísticos y productivos en las cárceles de mujeres de Ezeiza.

El instituto multimedia de derechos humanos para américa latina y caribe presenta bajo el lema arte y parte del cambio el “1er. festival internacional de cine ambiental en argentina”

Entrada: Libre y Gratuita Malba cine. Av. Figueroa Alcorta 3415.

Sabado 13 - 22 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Paseo Victorica 902.Tigre Viernes 26 - 21 Hs.

18.

27.

Violencia

Cine Fest Brasil

Después de la proyección de Invernadero, de Gonzalo Castro, Mario Bellatin conversará con el público. Las entradas solo se sacarán anticipadas en el auditorio Malba, dos días previos.

En el marco del ciclo “Nuevos directores franceses” se proyecta Violence des échanges en milieu tempéré, 2003.Dirección: JeanMarc Moutout. Con Jérémie Rénier, Laurent Lucas, Cylia Malki.

Este año la sede del encuentro será Cine Hoyts Abasto, en donde serán exhibidos 11 largometrajes que compiten por el premio Lente de Cristal y 9 cortos de la ciudad de Buenos Aires.

Entrada: Libre y Gratuita Malba. Av. Figueroa Alcorta 3415.

Sábado 06 - 21 Hs.

Entrada: $60 Teatro San Martín. Av. Corrientes 1530.

Jueves 18 - 19 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Cine Hoyts Abasto – Av. Corrientes 3247 Sabado 27 - 19:00 Hs.

11.

20.

Patricio Guzman

Latinoamérica

Patricio Guzmán, autor de filmes como “La batalla de Chile” y “Salvador Allende”. Dictará un seminario sobre cine documental en Buenos Aires, en el que compartirá sus experiencias,

Diálogos, confluencias, divergencias… en los últimos 80 años. En este marco se proyectan 9 obras en 87 minutos en la segunda sesión dedicada a este ciclo: cápsulas de tiempo en Buenos Aires.

Entrada: Libre y Gratuita Museo 3 de Febrero. Gomez 4838. Caseros Jueves 11 - 20 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Palais de Glace. Posadas 1725.

Sábado 20 - 22 Hs.

11.

21.

Familia Tipo

Lady Macbeth

27.

Jorge Prelorán

Dirigida por Cecilia Priego y producida por Blas Eloy Martínez.

Un documental que aborda el tema de la desmemoria a través de la reconstrucción de un secreto guardado en la historia familiar.

Lady Macbeth en Siberia (Sibirska Ledi Magbet, Andrzej Wajda, 1962). El cineasta Wajda rueda en Yugoslavia esta película sobre las deportaciones a Siberia en la época de los zares.

La película se centra en la obra de Jorge Prelorán, uno de los padres del documentalismo argentino.

Sus obras documentan las llamadas culturas moribundas y la capacidad de adaptación del hombre

Entrada: Libre y Gratuita Malba cine. Av. Figueroa Alcorta 3415.

Jueves 11 - 19Hs.

Entrada: $30 Malba cine. Av. Figueroa Alcorta 3415.

Domingo 21 - 22 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Malba cine. Av. Figueroa Alcorta 3415 Sábado 27 - 19:30 Hs.

LITERATURA

DALE

04.

Poesía en la ciudad

12.

Paco Redondo

20.

Martes de Poesía

Dictado por Paco Redondo, la consigna del taller es la de indagar todas las relaciones que participan en la creación teatral, desde el punto de vista de la dirección. Un vuelo de pájaro.

Martes de poesía y música Alberto Laiseca y Sergio Pángaro se suman a este ciclo en el que un músico elige a un poeta para compartir la velada una visión nueva sobre la obra de ambos..

Entrada: Desde $40 Dean Funes 1267. Capital Federal Viernes 12 - 19.30 hs.

Entrada: $60 Centro Cultural. Paraná 1159 Sábado 20 - 22Hs.

13.

21.

El Cazador

Erótica y Oscura

El Programa Pasión por Buenos Aires, dependiente de la Secretaría de Inclusión y Derechos Humanos de la Ciudad, presenta el libro de poesías y tangos, “Homero Manzi, Poeta de Arrabal”.

Poesía y poesía dicha de otro modo. Lucía Kuschnir, artista visual; Inventora- Presenta Work in progress y otros. Yaki Setton- Presenta Izcor, corto sobre un poema de su último libro.

Mariana Jaccazio te invita a disfrutar de esta única función con textos sensuales de autores exquisitos, Apollinaire, Wilde, Lawrence, Bataille,Marqués de Sade, entre otros un show en total oscuridad.

Entrada: General $35 Avenida San Juan y Boedo.

Jueves 04 - 17.30 hs.

Entrada: Desde $35 Honduras 5275 (Esquina Godoy Cruz).

Sábado 13 - 20:00 hs.

Entrada: desde $65 Pasaje Zelaya 3006 Abasto Domingo 21 - 22:00 hs.

05.

14. El

21.

Deriva

miedo a la Política

Asesinos Tímidos

Paradiso ediciones presenta el libro Deriva, de Alejandro Archain.

Se referirán a la obra Sara Cohen, Guillermo Saavedra y el autor Músicos invitados Julia Archain. un viaje por el tiempo.

Santiago Kovadloff en Mar del Plata las. La diferencia que hay entre diálogo y comunicación. En el marco de Verano Planeta, una tradición en el verano desde hace 14 años, El Miedo a la Política.

Taller de Narrativa.Corrección de textos ya escritos. Escritura y experimentación narrativa. Análisis de obra (propia y ajena). Lectura de autores clásicos y contemporáneos. Intercambio creativo.

Entrada: Desde $35 Pabellón 4, Uriarte 1332, Palermo Viejo.

Todos los domingos - 22 Hs.

Entrada: Desde $75 Av. L. N. Alem 4221. Mar del Plata.

Domingo 14 - 22 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Yerbal al 300. Caballito. Cap. Federal Domingo 21 - 18 Hs.

06.

15.

22.

Inno Sorsy

Noche Librerías

Poseídos Entre Lilas

Los creadores de “Bambolenat” (obra que se presentó por tres meses en el Konex en el 2010) junto a la gran narradora ghanesa Inno Sorsy darán vida a la tradición oral con un despliegue escénico.

Se realizará una nueva edición con más de 70 actividades gratuitas distribuidas en 50 librerías y con la participación de más de 100 personalidades de la cultura, el arte y el espectáculo.

Compañia Cacha’l Busofo presenta Tres seres refugiados en su propia casa, cada día más pequeña, que otro fuera casa de sus padres.

Un pasado de ilusiones y prosperidad, un presente atemporal.

Entrada: $35 Ramallo 2606. Nuñez.

Sabado 06 - 19:30 Hs.

Entrada: Desde $120 Avenida Corrientes y Talcahuano.

Lunes 15 - 22 Hs.

Entrada: Desde $80 Campos Salles 2145. Nuñez Lunes 22 - 18:30 Hs.

07.

18.

27.

Rosa Montero

Faivovich, Goldberg

Aire Invisible

En el marco del “Ciclo grandes autores” se presenta el libro Lágrimas en el agua de Rosa Montero, con la participación y proyecto de la autora junto con la periodista Patricia Kolesnicov.

Se realiza el lanzamiento del libro “The Campo del Cielo Meteorites El Taco” en la explanada del Planetario Galileo Galilei, en conjunto con tienda malba en el marco del proyecto.

“El Horla” es uno de los relatos más conocidos de Maupassant. Es una narración perturbadora, que incursiona en los más profundos recovecos de la mente humana.

Toma aspectos tan comunes.

Entrada: $20 La Rural. Avda. Santa Fe 4201.

Domingo 07 - 18:30 Hs

Entrada: Libre y Gratuita Dean Funes 1267 Jueves 18 - 21 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita San Martin 332. Villa Crespo Sábado 27 - 20:30 Hs.

11.

19.

28.

Sylviane Roche

Bicentenario

Las Puntas del Clavo

Escritora francesa residente en Suiza expondrá sobre “Francofonías originales y secundarias, el ejemplo de la Suiza romande” en la Alianza francesa. acerca del escritor suizo Jacques Chessex.

Con foros, seminarios, presentaciones de libros, mesas redondas y conferencias de escritores e intelectuales argentinos y latinoamericanos que debatirán sobre variados temas de actualidad.

El Ménage Literario Las Puntas del Clavo, organizado por el grupo homónimo. Se trata de un espectáculo que presenta poemas, cuentos, y textos dramáticos de los autores del grupo arece.

Entrada: Libre y Gratuita Malba. Avda. Figueroa Alcorta 3415.

Jueves 11 - 20:30 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Biblioteca Nacional. Agüero 2502.

Viernes 19 - 18 Hs.

Entrada: $40 México 972. San Telmo Domingo 28 - 20:30 Hs.

04.

Blues, Jazz y Rock 33

Una noche musicalizada por Bluescape, donde vas a poder escuchar lo mejor del Blues, Jazz y Rock. Con vídeos en alta definición proyectados en las pantallas gigantes y lo mejor.

Entrada: $25 Serrano 1551. Palermo Jueves 04 - 23 Hs.

05.

Jazz & Pop

Ezequiel Chino Piazza Trío.

Standards de jazz y bossa, Ezequiel Chino Piazza batería, Juampy Juarez guitarra y Carlos Alvarez contrabajo, Magia y Zanatta. Pablo Zanatta, solista de baraja.

Entrada: $35 Paraná 340. Centro Viernes 05 - 00:00 Hs.

06.

13.

Bar Jolie

Tango Vivo

26.

African Roots

Cortá la semana en dos. Veni al lugar que le cambió la cara a la semana, Happy Hour & Pizza Free hasta la 1am, Kararocker, Speed Dating, DJs que rockean! Underground Dancing, Bandas, etc.

En el histórico edificio de Papelera Palermo y bajo el concepto Pais Arte, realizaremos una serie de presentaciones de Tango en vivo. Producido por SRZ, un cuarteto de violines.

Doz 1930 Bistro bar presenta African Roots!. El único evento que reúne toda la música negra en una misma pista de baile. DJ’s residents Grim y Karumbero. Al aire libre y vista al río.

Entrada: Libre y Gratuita Scalabrini y Gorriti, Palermo.

Sabado 06 - 23 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Honduras 4945. Palermo Soho Sabado 13 - 23 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Los Mimbres 1 y Los Alamos.Tigre Viernes 26 - 22 Hs.

07.

18.

27.

Mystique Club

Noche Cubana

Belushi

Teniendo como base la estructura bailable del primigenio Son Cubano, y conociendo los aportes que han evolucionado este completo género bailable hasta nuestros días, desde la Rumba.

Contamos con una gastronomía de primer nivel y una terraza única en Buenos Aires que no podés dejar de conocer! Exclusivas Mesas de consumo, 100% total canjeable por consumo.

Entrada: Libre y Gratuita Sarmiento 1662. San Nicolás Domingo 07 - 23 Hs.

Entrada: $30 Te Perú 571. San Telmo Jueves 18 - 23Hs.

Entrada: $30 Honduras 5333. Palermo Sabado 27 - 23:00 Hs.

20.

28.

NOCHE

Mystique ofrece una propuesta diferente que incluye Fiestas Temáticas, Happy Hour de bebidas, Finger Food Lounge, Concursos Sorpresa durante la fiesta y la mejor onda para disfrutara.

11.

Fiesta Retro

Stand Up Ratón

Ladies on mars

En la Ratonera Cultural una troupe de comediantes se reunen todos los jueves para hacer el mejor Stand Up, resignificando un antiguo ritual: la comedia en vivo, donde interactúa con el público.

Los sábados en Flux Bar, hacemos la mejor previa a puro Tech-House, Minimal techno de la mano de Ladies on mars!!! Música de la mejor toda la noche, sorpresas, barra accesible.

Entrada: Libre y Gratuita Av. Corrientes 5552. Abasto Sábado 20 - 23 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Marcelo T. de Alvear 980. Centro Domingo 28 - 23 Hs.

21.

29.

Sonidos Sin Sistemas

Folklore Urbano

Una noche musicalizada por DJ Rafa Sarmiento, donde vas a poder escuchar la mejor música retro. Con vídeos en alta definición proyectados en las pantallas gigantes; pura música y pizza free.

Y en esta oportunidad tendremos como invitado especal a Kuto Quilla (Perú) recien llegado de su gira por Europa, que nos viene a presentar su nuevo proyecto El Tunche Soundsystem.

Voces itinerantes para despertar los sentidos. Peña Folklórica Latinoamericana. Música en vivo, artes escénicas y audiovisuales, bar, tragos, comidas. Claro exponente de que la diversidad.

Entrada: Libre y Gratuita Serrano 1551. Palermo Jueves 11 - 22:30 Hs.

Entrada: $10 Av. Nazca y Av. Juan B. Justo Domingo 21 - 22 Hs.

Entrada: $25 Gallo 333. Abasto Lunes 29 - 22 Hs.

RECITALES

DALE

12.

Catupecu Machu

20.

Ataque 77

Durante todos los viernes de octubre Catupecu Machu continúa presentando el ciclo “Madera Microchip. Las entradas están a la venta por sistema Livepass. La banda liderada por Fer Ruiz Díaz.

Attaque 77 dará un recital en el Teatro de la Universidad de Morón como adelanto de su próximo álbum en vivo y acústico. Entradas anticipadas próximamente en los mismos puntos de venta.

Entrada: Desde $80 Pasaje 5 de Julio 444 San Telmo Viernes 12 - 23 hs.

Entrada: $90 Cabildo 134. Morón Sábado 20 - 21Hs.

13.

21.

Fernández Fierro

Auténticos Decadentes

La Orquesta Típica Fernández Fierro revolucionó la escena del tango con sus potentes shows en vivo, sus crudas composiciones propias, sus viscerales versiones de tangos clásicos y de autores.

Los Auténticos Decadentes se presentan en el Festival de Espectáculos para Gente Chica. Las entradas se consiguen por sistema Ticketek.

Presentan el último disco en el que estuvieron trabajando.

Entrada: Desde $35 Sánchez de Bustamante 764 Abasto Sábado 13 - 22:00 hs.

Entrada: desde $85 Sarmiento 3131. Abasto Domingo 21 - 21:00 hs.

14.

22.

Truckfighters

Queens of noise

Truckfighters viene a la Argentina para ofrecer un recital en Buenos Aires. El trío sueco de stoner se presentará en Niceto Club. Invitados: Humo del Cairo y Monster Coyote (Brasil).

Queens of noise + 2 bandas van a estar tokando en Mvseo Rock, si querés escuchar buena música, no dudes en ir a deleitar tus oídos, con distorsiones y melodías cósmicas este domingo.

Entrada: Desde $120 Niceto Vega 5510. Palermo Domingo 14 - 23:30 Hs.

Entrada: Libre y Gratuita Av. Rivadavia 11021. Liniers Lunes 22 - 22 Hs.

14.

26.

Masacre

Tu me tues

No te pierdas en exclusiva el show de Massacre. Antes de su esperado recital en el Gran Rex, la banda liderada por Wallas pasará por Rock & Pop para presentar Ringo! su último disco de estudio.

El ser humano pone más empeño en levantarse de un fracaso, que en cumplir un sueño. Cumplir un sueño pone al individuo en un abismo mayor que un gran fracaso.

Rock de González Catán.

Entrada: Desde $90 Suipacha y Güemes Domingo 14 - 22 Hs.

Entrada: $80 Yatay 666 Abasto Viernes 26 - 22Hs.

18.

27.

Hernán Lucero

Divididos

Hernán Lucero llega al escenario de Los 36 Billares para presentar su nuevo disco “Lucero” y dar un show en vivo con invitados especiales: Las guitarras de Carlos Juárez, Juan Falú, Herrera etc.

El trío: la Aplanadora del rock dará un recital con us poderoso sonido en el Anfiteatro Municipal Humberto de Nito de Rosario.

Las entradas están a la venta por sistema Ticketek.

Entrada: $70 Av. de Mayo 1265. Congreso Jueves 18 - 23 Hs.

Entrada: $120 Av. Belgrano 1650. Ciudad de Rosario Sábado 27 - 21Hs.

19.

28.

Babasonicos

No te va gustar

Babasónicos continúa su gira “Dejate influenciar por el caos” y dará un recital en Club Zone de San Miguel el próximo 19 de Octubre. Ver venta de entradas en mercado libre.

No Te Va Gustar dará un increible recital en el Complejo Deportivo Municipal Gral. San Martín este Viernes 19 de Octubre. Ventas de entradas anticipadas por Ticketeck.

Presentando lo último de su disco.

Entrada: Libre y Gratuita Concejal Tribulato 194. San Miguel Viernes 19 - 00 Hs.

Entrada: $100 Av. Circunvalación y Ruta Nacional 7 Domingo 28 - 22:30 Hs.

(EN ROSARIO)

“El octeto uruguayo No Te Va Gustar (NTVG), liderado por el argentino Emiliano Brancciari, se presentará en la ciudad de Rosario el viernes 19 de Octubre en el Complejo Deportivo Municipal Gral. San Martin. Acaba de lanzar su octavo disco, a pocos meses de la trágica muerte de su tecladista Marcel Curuchet, que ya había grabado todas sus partes en el trabajo que se dejó listo entre junio y septiembre de 2012.

En este álbum se mantiene la impronta cancionera del álbum “Por lo menos hoy” y el grupo vuelve a dejar de lado el sonido rioplatense, ska y reggae que tuvieron sus primeras canciones.

Para este trabajo, realizado en el estudio uruguayo Elefante Blanco, los NTVG llamaron a los productores locales Federico Lima y Sebastián Peralta, que colaboraron en armar un disco con mayoría de canciones pop y rockeras, entre las que destacan la melancólica y poderosa “Mil días” en la que Gabriel Ruiz Díaz, de Catupecu Machu, aporta su voz. falla. Gabriel Peluffo, de los próceres uruguayos Buitres, hace lo mismo en la cruda Hijo de las armas, que cuenta la historia de un joven al que la vida no le da más remedio que dedicarse de lleno a robar para poder vivir. Religión Pagana es una hermosa balada a piano en la que Brancciari y Jorge Serrano, de los Auténticos Decadentes, hablan a las claras del poder de la música para influir en el alma de la gente.

Espectaculos Fabian Mendez

35

Viernes 19 de Octubre en Rosario Capital

NO TE VA GUSTAR

DALE

UN

CRÓNICAS DEL FIN DEL MUNDO.

APOCALIPSIS DOMÉSTICO

Pongamos que hoy es el fin del mundo, que me levanto como en los días festivos, con la sensación de que tengo que ir a trabajar, pero entonces recuerdo que no, menos mal, y me alegro aunque sea brevemente de que sea el fin del mundo y no otro esperpéntico día en la oficina. Pongamos que hoy vamos a morir todos. La irrealidad nos gobierna pero hago exactamente lo mismo que un día normal. Voy al baño y meo a oscuras para estirar la somnolencia y volver a la cama, pero despierto.

Intento atrapar un fragmento del sueño, porque sé que ahí hay una señal, y no puedo, nunca puedo.

Las plantas de mis pies tocan el frío de las losetas y me digo que todas esas acciones insignificantes se perderán como lágrimas en la lluvia, como tantos poemas que he olvidado, como un poema de Jorge Eduardo Eielson que dice que mi corazón / qué tal idiota / se parece a Marlon Brando cuando escupe / el animal. Todo eso que no muere pero que en realidad ya está muerto. Que hemos perdido sin casi percatarnos de ello. La vida en algún momento dejará de ser parte de nuestra rutina.Veo a mi hija durmiendo en su camita mona de Ikea. Hace ruiditos y de un movimiento brusco se libera de la manta. Ahora respira plácida.

Los niños deberían pedir que les devuelvan su entrada. Que un niño llegue a la fiesta cuando la fiesta ya ha terminado es algo, por lo menos, de mal gusto. Abro la nevera y está llena. Tanto para nada.

La última vez que tuvimos que viajar saqué todo de la nevera, lo metí en una bolsa, salí a la calle y se lo di a una amiga, papas y cebollas incluidas, pero me temo que si fuera el fin del mundo no habría a quién darle la bolsa para evitar que la comida se pudra, porque todos nos vamos a ir de viaje.

Eso suponiendo que se trate de un viaje, que lo dudo, pero en cualquier caso los que nos vamos a pudrir somos nosotros o quizá no haya tiempo ni para eso. Martin Luther King, con su optimismo anacrónico, decía que aun si supiera que mañana se acaba el mundo, hoy todavía plantaría un árbol. Yo no lo he plantado ni con toda la vida por delante. Hoy me siento en el sofá, aprovechando que todos duermen y por un minúsculo instante me imagino el único ser humano sobre la tierra.

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Me encantan esas películas en las que hay un único superviviente del Armagedón que empieza a caminar por una ciudad, que casi siempre es Nueva York. Me gusta cuando se ve a los animales del zoo sueltos caminando por el puente de Brooklyn, y el único tipo sobre la tierra se encuentra de repente con una chica que también que también se sentía única.Y todo vuelve a empezar.

Cómo nos gustaba contarnos historias, pienso y sin darme cuenta conjugo en pasado. La vida es una buena historia porque no tiene un final feliz. Todo el mundo sabe que las pelis buenas no pueden terminar en boda. Lo dijeron los mayas.

Lo anunció Nostradamus. Incluso está en el I Ching y en el horóscopo chino.

El fin del mundo es la más grande de las ficciones, hasta que ocurre. Pero nuestra obsesión por las megacatástrofes no deja ver las pequeñas desgracias. Por mi parte, como decía Ortega y Gasset, he reducido mi mundo a mi jardín y ahora todo es más intenso. Enciendo la televisión y ahí está la presentadora de los informativos, diciendo algo con la misma sonrisa con la que anuncia que nació un niño con cincopiernas y que Europa se hunde, pero no me enterode nada porque mantengo el volumen en mute, solo la veo mover los labios delante de mí. Podría estar dándome la peor noticia de todas, como que en unas horas nos fundiremos en negro. O que ya estamos muertos y que esto es una grabación que solo veo yo. La frontera entre la ciencia ficción y la vida doméstica es más fina de lo que pensaba. Nunca he podido ver mi destino como si contemplara un día de lluvia.

Como el protagonista de Seda de Baricco, Hervé Joncour, que asiste a su vida porque simplemente renuncia a vivirla. Hay en la mayoría de nosotros un gran empeño por hacer de lo que nos espera un espectacular blockbuster, con explosiones, extraterrestres, guerras nucleares y plagas víricas.

Yo, por ejemplo, veo todo el rato el número once y de vez en cuando me creo que soy una de las elegidas para algo que no sé qué es pero no huele nada bien. Quizá lo que no soportamos es que lo demás subsista sin nosotros, por eso la obsesión por tener alguna clave y actualizar las profecías, porque es mucho peor irse pronto, que la fiesta siga y que lo mejor de ella ocurra en nuestra ausencia. Lo que no tiene ninguna justificación son los videomontajes en Youtube con letra de power point: zombis, la capa de ozono, Jesucristo volteando el reloj de arena, el humo en forma de hongo y todo a ritmo de rap. Autodestrucción ya.

Hace un par de años se creó, como parte de un proyecto sobre la Barcelona del futuro, una cápsula del tiempo indestructible, que estará cerrada durante ciento cincuenta años (hasta el 2159) y en la que los ciudadanos dejaron sus mensajes contando cómo vivían en la primera década del dos

mil y cómo se imaginaban en el porvenir, en texto y video a través de un videomatón callejero. ¿Estamos seguros de querer hacer semejante cosa? ¿Y si otras mentes, más o menos inteligentes, hicieran ese hallazgo miles de años después del fin del mundo? ¿Se reirían de nosotros? ¿Nos mirarían al menos con ternura? Esos extraños del futuro no podrán meter nuestros ajuares funerarios en sus museos, porque ni eso habrá quedado de nosotros, pero tal vez consigan con sus computadoras ultrapoderosas reconstruirnos a partir de un archivo .avi en el que nos vemos muy idiotas. Es solo el ruido de las tostadas saltando lo que me sobrecoge.

Paso y repaso el cuchillo con mantequilla sobre la superficie del pan y le doy un buen mordisco a una.Veo en la ventana de enfrente a los oficinistas con sus camisas blancas y sus fotocopiadoras bajo una luz blanca e irritante. A la civilización no le hacen falta meteoritos para hacerse trizas. Noto que aún no he recogido la ropa del cordel. ¿Estará ahí para recordarme que existe la eternidad? Si hay algo de lo que adolezco es de tiempo para ser una buena ama de casa… y de sabiduría oriental.

“NO HAY NINGÚN MUNDO MÁS ALLÁ DEL QUE SE INVENTA CADA UNO PARA OLVIDAR LOS FINALES” Llegado el momento, sé perfectamente que seré la impotente Gainsbourg en manos de Lars von Trier, en ese hermoso momento de Melancholía en que ella se da cuenta de que no hay ningún lugar donde pueda esconderse del desastre que se cierne sobre el planeta. Y corre bajo las cenizas que caen del cielo hacia ninguna parte y debe volver al único lugar donde se siente segura aunque sepa en el fondo que ahí tampoco lo está.

Para mí ese lugar es este, el espejo donde me veo igual que ayer, el sonido que hace la nevera cuando la dejo abierta más de un minuto, mi planta enana resucitada, el armario nuevo que abro y cierro cinco veces al día solo para ver las toallas perfectamente dobladas, el perro que algún día tendremos, estas cuatro fotos donde nos vemos felices. Pongamos que hoy se acaba el mundo pero que comprendemos que no nos da tanto miedo el planeta que se acerca a la tierra o la ola gigante presta a devorarnos, sino el fin de esas pequeñas cosas, reales o posibles, que una al lado de la otra conforman nuestros días. No hay ningún mundo más allá del que se inventa cada uno para olvidar los finales. Por eso, el fin de los tiempos podría ocurrir hoy o mañana, el 2013 o el 2050. Ese día en que las partículas elementales de tu piyama vuelen por el cosmos.

DALE

LEON FERRARI R E T R O S P E C T I VA

50 AÑOS En octubre de 2007 fue elegido mejor artista en la 52º Edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia donde se le otorgó el León de Oro y considerado por el New York Times como uno de los cinco más importantes artistas plásticos vivos del mundo. El martes 25 de septiembre en el teatro presidente Alvear la Secretaría de Cultura de la Nación distinguió la trayectoria de destacados músicos y artistas plásticos, entre los cuales figuró León Ferrari.

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DALE

Autodidacto y provocador Su trayectoria artística es inseparable de una vida itinerante y sometida a diversos avatares. Vivió unos años en Italia, país al que viajó por los problemas de salud de una de sus hijas y allí hizo sus primeras piezas artísticas en cerámica.

Posteriormente en Bs. As. experimenta con otros materiales escultóricos como el yeso o el alambre y también se dedica al dibujo. A principios de los años sesenta conoció a Rafael Alberti, con quien editó el libro Escrito en el aire, que incluye poemas del gaditano y dibujos del artista argentino.Gran parte de su obra está orientada a denunciar los abusos de poder y la intolerancia en la sociedad.2 Según The New York Times, es uno de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes del mundo.3 4 Los pilares de su obra han sido las guerras, todas las formas de intolerancia y la religión.

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E S C U L T U R A S

DALE

O B J E T O S 43

S E R I E

N U N C A

M Á S

DALE

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NUNCA MÁS Apelando a un amplio repertorio de la iconografía clásica (Goya, Doré, Del Giotto), el autor logra transmitir la dimensión infernal de lo sucedido. Es una obra de denuncia, pero también de homenaje a aquellos que, privados por la muerte de la posibilidad de la palabra, sobreviven en el recuerdo de quienes siguen creyendo en los valores de la justicia y la dignidad humana.

UN BALANCE DE LAS PELICULAS EUROPEAS

WOODY ALLEN

DALE

EUROPA EUROPA

El éxito que está teniendo A Roma con amor en los cines argentinos corona el inesperado éxito que reconquistó Woody Allen hace siete años cuando dejó EE.UU. y se fue a filmar a Europa.

Después de siete películas en Londres, Barcelona, París y Roma, Allen emprende su regreso a América. Por eso, Radar hace un balance de estos años de misantropía, comedia y desesperanza.

Por Juan Ignacio Boido Todos los caminos ¿Qué llevó a Woody Allen a emprender su tour europeo, más allá de los generosos permisos, locaciones y financiaciones que ciudades como Londres, París, Barcelona y Roma le ofrecían? Después del 11-S Nueva York se fue volviendo una ciudad tensa, paranoica, poco proclive a la broma, de un nacionalismo solemne, un escenario que hubiera hecho de los personajes de Allen especímenes superfluos e incómodos, como plantas frívolas en una selva. Intentó algunas películas, pero todas parecían desfasadas, ligeramente corridas hacia el pasado. Es una pena que no haya hecho grandes chistes con el terrorismo. Pero tampoco los hizo con dejar a su mujer y terminar casado con su hija adoptiva. En cambio, optó por darle con gracia la espalda a la realidad e irse de vacaciones.

Durante casi una década, Europa le ofreció los escenarios más sosegados de sus viejas películas y ricos menos frenéticos para visitar a Hitchcock y desplegar sus historias morales (Match Point, El sueño de Cassandra, Scoop), destilar su misantropía (Conocerás al hombre de tus sueños), hasta divertirse con sus fantasías sexuales con el star system (el ménage à trois con Penélope Cruz y Scarlett Johansson parece el único motivo para filmar y ver Vicky Cristina Barcelona) y reírse un poco del mito del artista emigrado en busca de inspiración (Medianoche en París).

Ahora la gira termina en Roma. Es una lástima que A Roma con amor haya perdido en el camino su título original, Bop Decamerón. ¿Qué es el Decamerón sino los cuentos que se cuentan los ricos mientras afuera la peste arrasa con todo? Aquel título también encerraba las referencias al ritmo vertiginoso y asincopado del jazz de los ’50 y al cine italiano que, secretamente, debajo de Bergman, Allen parece adorar.Ya había filmado una remake bastante libre de Los desconocidos de siempre de Mario Monicelli con Ladrones de medio pelo. Ahora volvió a filmar una de esas películas de varias historias y episodios, tan caras al cine italiano. Más de una vez, Allen expresó su gusto por esas películas como Los Monstruos y Los Nuevos Monstruos, pero “lo que no funciona es reunir a siete grandes directores para representar los siete pecados capitales o juntar en Boccaccio ’70 a Fellini, Visconti, De Sica y Monicelli para filmar cuatro brillantes historias italianas en torno del sexo

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adaptadas del Decamerón”. Quizá la cita hubiese sido un exceso para una película ligera que se burla de las dudosas citas culturales de los norteamericanos. Quizá no. Si Medianoche en París dejó claro que no hay mucho que aprender del pasado, que la melancolía es la condición del artista y del emigrado, y que no por eso hay que sucumbir a la nostalgia, A Roma con amor esquiva moverse entre ruinas en la ciudad de las ruinas. Quizás haya una sombra de Daisy Miller de Henry James, el gran emigrado, en el comienzo: 150 años después, otra inocente norteamericana, buscando en su mapa alguna Piazza histórica, sucumbe a los encantos de otro joven italiano. Pero lejos de la suite moral de James, su película es ácida y soleada como una naranja. Penélope Cruz está infartante en su vestidito rojo dando clases de sexo a un recién casado. Woody Allen hace de Woody Allen: aunque sus chistes de aviones, después de las Torres Gemelas y los kamikazes islámicos, suenen viejos, siguen siendo buenos (“Odio las turbulencias, soy ateo”), tiene otros mucho más actuales (“Te casaste con un genio. Tengo un IQ de 160”, le dice a su mujer. “Estás pensando en euros; en dólares es mucho menos”, le responde ella) y encarna con la gracia de siempre a un artista que planea obras incluso absurdas para evitar la jubilación.

El episodio del tenor que sólo puede cantar en la ducha podría estar en una película de Nanni Moretti. Y el de Benigni (¿dónde estaba Nanni Moretti cuando se lo necesitaba?) es un réquiem ridículo a la Via Veneto de Fellini: ¿qué es la fama hoy sino puro reality? Pero es Alec Baldwin, un arquitecto que desiste de visitar las ruinas romanas con su mujer y sus amigos para perderse, en cambio, por el laberinto empedrado del Trastevere en busca de la casa donde vivió un año durante su

juventud, el que da cuerpo a la liviana profundidad de la película: en busca de los fantasmas de su pasado, se convierte él mismo en la voz de la conciencia de un joven como fue él. Nadie aprende sino a través de la experiencia. Las ruinas de fondo lo atestiguan. Roma es la ciudad eterna: si en París una calle es un pasaje a otro tiempo, Roma contiene todos los tiempos. Es leve e imperceptible el modo en que el tiempo se disuelve en la película: una historia parece transcurrir en una tarde, la otra atraviesa varias días y otra necesitaría, en otra película, meses. Como en el Decamerón, éstos son apenas unos cuentos mientras tanto. Por más que haya cambiado el título, por más que no dure diez días ni sean cien novelas, ahí están, en la primera escena y en la última, el Proemio y la Conclusión de Boccaccio livianamente reescritos a la cámara.

Roma será eterna, pero el tiempo pasa y nosotros también. Dino Risi, hablando sobre eso, sobre los cambios en el mundo durante los 14 años entre I Mostri e I Nuovi Mostri, dijo: “Mi antigua película era sobre todo un espejo de la sociedad de entonces. En aquella época los monstruos eran bastante cómodos.

“DESPUÉS DE SIETE AÑOS Y SIETE PELÍCULAS, ALLEN ES UN HOMBRE QUE VIAJA CON LA AMARGURA” La monstruosidad no era ni difusa ni violenta como hoy. Mientras pensábamos en los episodios de la nueva película, nos dimos cuenta de que la realidad sobrepasaba la imaginación. Leíamos el periódico, veíamos los noticieros y observábamos monstruosidades mucho mayores que las que tratábamos de presentar. En la primera película se podía hacer una deformación de costumbres italianas de entonces. Hoy no sólo la monstruosidad es general, sino que cotidianamente se presenta como un hecho natural. Sólo es necesario poner la cámara en la esquina”.

Exactamente ahí es donde empieza y termina A Roma con amor: en una esquina. Con alguien hablando a cámara, contando la película, prometiéndole más a quien vuelva.

Después de siete años y siete películas, Allen es un hombre que viaja con la amargura que le dejaron sus bromas. Una amargura que ya ni siquiera parece angustia. Europa le permitió pasearla. Ahora, a los 76 años, vuelve a casa. Antes de Manhattan, lo espera San Francisco. En las calles de esa ciudad Hitchcock filmó, a los 77 años, su última película.

Veremos qué hace Woody Allen en sus esquinas.

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MEDIODIA EN BARCELONA

Por Rodrigo Fresán Si hay algo que un nativo de Barcelona de bien odia más que a La Sagrada Familia de Gaudí, ese algo es Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen.

Y no sólo al producto terminado y estrenado y oscarizado sino –entre junio y agosto de 2007– al making off del asunto en cuestión.

Así, Barcelona –que hasta entonces amaba incondicionalmente todo lo que hacía el norteamericano universal– no llevó muy bien la estadía de Allen y su tribu entre sus calles y paseos. Para empezar, los requerimientos para el rodaje: el cierre de avenidas, la disposición absoluta de hitos turísticos, la allenización de la ciudad toda escogida por el director de Manhattan para continuar –agotada Londres– su carrera como agente de viajes cinematográfico y director de home movies turísticas para ser consumidas por el mundo entero y, en especial, por señoras y señores de Iowa a los que no les gusta viajar por el extranjero mucho más allá de Miami. Sé muy bien de lo que hablo porque, por entonces, yo vivía junto a La Pedrera y –a lo largo de una semana inolvidable, con la calle y puerta de mi edificio tomadas por camiones de filmación y nerviosos individuos (¿tal vez los misteriosos gaffers que jamás supe muy bien a qué cuernos se dedicaban y cuál era su función?)– te daban órdenes a los gritos y convertían las idas y vueltas a comprar el pan y el diario en algo demasiado parecido al cruce de las Termópilas.

Debo decir que no era una experiencia nueva: en 2001 ya había soportado –mismo lugar– el rodaje de Gaudí Afternoon de Susan Seidelman, con Juliette Lewis y Judy Davis y, en perspectiva, algo así como una paradójica falsificación anterior de Vicky Cristina Barcelona más un pizca de Almodóvar mal entendido. Gaudí Afternoon nunca llegó a los cines de Estados Unidos, editándose directamente en DVD, y se lo tiene bien merecido.

Seis años después, por ahí andaban Javier Bardem y Penélope Cruz (que estrenaron su amor durante la filmación).Y Scarlett Johansson (que en persona y de cerca no es gran cosa, digámoslo) y Rebecca Hall (mucho más atractiva y simpática que la anterior y, de acuerdo al guión, arribando a la ciudad para “un master en identidad catalana” ¿?¿?) y el mismísimo Woody Allen haciendo de Woody Allen. Un Woody Allen al que uno miraba siempre fijo, con una mezcla de irritación por lo que ahora soportaba y de amor por todo lo que había recibido y sin dejar de lado las pupilas dilatadas de quien fantasea –con La Vanguardia y un par de chapatas bajo el brazo– con ser descubierto y aparecer allí como extra, con una línea inolvidable en los labios, como Jeff Goldblum gimiendo en Annie Hall que ha olvidado su mantra o algo así. Después o antes –no estoy seguro– Allen y su troupe partieron a Oviedo, en Asturias, para continuar filmando, y allí le dedicaron una estatua a la que,

desde entonces, todo el tiempo, se la pasan arrancándole sus gafas de bronce y, sí, los asturianos son más amigables que los barceloneses. No vi la película en el cine (esperé hasta que la pasaron por televisión) porque había tenido una sobredosis de Vicky Cristina Barcelona. Ya sabía todo sobre ella sin necesidad de ver ni uno de sus fotogramas. Desde la trama un tanto absurda con chicas neoyorquinas aventureras cayendo en las garras mediterráneas y latinas de un pintor en celo y una española celosa (en el guión original el pintor era un torero hasta que le explicaron a Allen que torero + Barcelona era ya demasiado inverosímil); hasta el “escándalo” porque buena parte del rodaje fuese en parte financiado por el Ayuntamiento y la Generalitat con dinero público para promocionar así universalmente la “marca Barcelona” y que, en palabras de una autoridad, “haría por la ciudad lo mismo que El señor de los anillos hizo por Nueva Zelanda”. Un total de 1.500.000 euros saliendo de impuestos o algo así (según una encuesta de El Periódico, la maniobra le pareció “excesiva” a un 75 por ciento de los encuestados) y hoy le pedirían a Allen que, por favor, dejase unos euros por el amor de Dios.

“AUNQUE JAMÁS COMPRENDERÉ CÓMO ALGUIEN PUEDE DARLE A PENÉLOPE CRUZ UN OSCAR” Es decir: yo estaba más que preparado para odiar algo que –Allen dixit– sería “una love letter mía para Barcelona y una love letter de Barcelona para todos... Una película romántica, seria, con algunos momentos divertidos y sin sangre... Comenzará con alguien enseñando la ciudad a dos personas que acaban de llegar. Mi propósito es mostrar Barcelona igual que muestro Manhattan, muy a través de mis ojos” y en la que, avisó Bardem, “yo interpretaré a un tipo totalmente normal, pero que tiene locas a Penélope Cruz y Scarlett Johansson”.

A saber: un ligero, leve, más leve todavía, vaudeville con macho ibérico, fogosa hembra española y turistas norteamericanas con ganas de emociones fuertes pero tampoco fortísimas; porque para eso está el gore-slasher-lonely planet-traveller check de la sangrienta saga Hostel. Pero cosa de un año después de que Vicky Cristina Barcelona se convirtiera en un gran éxito internacional y local para Allen (costó unos 15 millones de dólares y acabó recaudando casi 100), recibiera múltiples galardones y reconocimientos de la crítica (ganó 21 de 28 nominaciones en total, incluyendo varios Independent Spirit Awards, el Sebastián 2008 que la asociación de homosexuales Gehitu concede al film del Festival de Cine de San Sebastián en el que “mejor se siente representada la comunidad de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales”),

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y siendo sólo superada por Medianoche en París; en la pequeña pantalla de mi televisor, cortesía de Canal +, lo cierto es que, sin ser buena, Vicky Cristina Barcelona no me pareció tan mala. Aunque jamás comprenderé cómo alguien puede darle a Penélope Cruz un Oscar y un Bafta por hacer eso que solían hacer los actores secundarios Made in USA circa 1920 y 1930 y 1940 y 1950 cuando tenían que representar graciosos y pintorescos y apasionados seres “exóticos” en los sets de Hollywood. Tiempo después, el Hombre Murciélago llegó a la Ciudad Condal desde Ciudad Gótica para protagonizar aquí, durante un Sant Jordi, el comic-book titulado Batman/Barcelona: El Caballero del Dragón. Ahora –en cambio, los tiempos cambian– se espera y se apuesta y se cruzan los dedos a que un magnate del juego se decida por estos lares para elevar Eurovegas.

Vicky Cristina Barcelona –como todo el Woody Allen modelo Frequent Flyer– es la postal en movimiento de un parque temático con ese encanto levemente psicótico de los relatos de Marco Polo o de todo aquel que se inventa aventuras y viajes a lugares lejanos sin salir de casa. Con la diferencia de que Allen sí viaja, pero no por eso deja de imaginarse una Londres o una Roma o una París a su medida, desde su penthouse frente al Central Park, en Nueva York, donde escribe sus guiones tirado en la cama como si se tratase de una reposera. En lo que a mí respecta, hace ya cinco años que no vivo junto a La Pedrera y difícil que alguien venga a filmar algo aquí, en las cercanas afueras, pero lejos de todo Gaudí. La Barcelona y la España que filmó Woody Allen en Vicky Cristina Barcelona no existe. Y de haber existido alguna vez, seguro, ya no existe.

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NUNCA TENDREMOS PARÍS

Por Claudio Zeiger “Me ocurría a veces que todo se dejaba andar, se ablandaba y cedía terreno, aceptando sin resistencia que se pudiera ir así de una cosa a otra.” Así empieza “El otro cielo”, de Cortázar, pero también podría empezar así Medianoche en París, en los labios o la mente del joven escritor y guionista Gil Pender (Owen Wilson) cuando viaja a idealizar París, pero aún no advierte el error o la paradoja de su engañosa utopía: no añora un lugar sino una época.Y así podría haber empezado París era una fiesta si no empezara diciendo “Para colmo el mal tiempo”. ¿Lo recuerdan? La bohemia era feroz entonces, aunque los años la hayan vuelto encantadora. Había sentimiento y ajenjo. Eramos pobres pero honrados. Eramos artistas. Volver a la bohemia es un gran deseo imaginario de todos los artistas de todos los tiempos. Pero pocos bancan de verdad la tristeza, la garúa, la resaca. Woody Allen lo entendió y transformó el viaje en una caricia suave, alegre y reparadora.

Quizá todo el arte –por lo menos la literatura y el cine– no sean otra cosa que una experiencia de pasaje; un cruce, estar aquí y querer estar allá.Vivir entre. Algunos podrían reducirlo a “evasión”, y sin embargo, puede pensarse que también la literatura “social” es –de parte de la gran mayoría de los escritores– un viaje hacia “abajo”, vertical, donde espera el otro, los otros (¿el prójimo?). Escribir, experimentar, filmar, son siempre una forma del exilio. El problema será: volver o no.

La inclinación de Cortázar por las historias de pasaje es célebre y habitual para sus lectores. En la época más opresiva, cuando era el burguesito a quien los bombos peronistas no le dejaban escuchar su música dilecta, a esa inclinación se la identificó con una definición política: “Casa tomada”; “Las puertas del cielo”; quizá “Lejana”. El planteo se sofistica en “La noche boca abajo” y se depura en “El otro cielo”. Aquí, el narrador escapa de un presente de patio y matrimonio (la Irma) para encallar en París, pero no se trata de una ciudad glamorosa o intelectual sino de un París laberíntico y prostibulario, donde un asesino aterroriza a las prostitutas y él es desdichado, pero feliz. Es, finalmente, otro. Son los años ‘40 en Buenos Aires y lo que más parece perturbarlo no es el incipiente peronismo sino la asfixia de la clase media.

Se sabe que para la época de publicación de Rayuela y Todos los fuegos el fuego, Cortázar ya está haciendo su aprendizaje de un exilio productivo y voluntario, no sobredeterminado por la historia sino condicionado por la cultura. Es un mandato de la cultura argentina el que lo lleva a París y desde allá no se hará “universal” como Borges sino rioplatense y latinoamericano. Pero ésa es otra historia. Gil Pender no parece pensar en Cortázar y su exilio parisino cuando llega a París poco antes de “contraer” matrimonio, como si contrajera una

enfermedad crónica y abúlica. Pero sí ama la idea de París en abril con aguacero, y aunque tampoco piense en César Vallejo, lo deslumbra el imaginario de una ciudad abierta a la cultura y la sensibilidad y la soltería, todo lo que al parecer no se consigue en los duros tiempos del presente norteamericano.

Entonces, como es escritor en ciernes y está en París, no puede sino pensar obsesiva e idílicamente en el “grupete” de París era una fiesta. Su experiencia de pasaje es mediante un automóvil que lo recoge a medianoche en el Barrio Latino y lo deposita en la “fiesta móvil” de los años ’20, donde están Scott y Zelda Fitzgerald poco antes de enloquecer, Cole Porter, Gertrude Stein tajante, Picasso, Dalí y, por supuesto, Hemingway, brusco y vital como él mismo se encargó de pintarse. Es Hemingway precisamente quien lo desengaña un poco. Allen-Owen-Pender creen haber llegado al París-Paraíso, pero pronto va a entender que todo paraíso es un paraíso perdido. Nuestra edad gloriosa siempre está atrás.Y más atrás y más atrás. Nadie está conforme con el presente, su presente.

“QUIZÁ TODO EL ARTE NO SEA OTRA COSA QUE EXPERIENCIA DE PASAJE, UN CRUCE, ESTAR AQUÍ.”

En el corazón de esa bohemia en permanente fiesta, hasta Picasso añora el París de Toulouse-Lautrec y los Años Locos sueñan con la pinta de la Belle Epoque. Necesitamos fabricarnos una edad dorada en la que habríamos sido... lo que no somos.

Nuevamente, acecha la aventura del exilio, la gran disyuntiva: irse o quedarse. Irse: fugar hacia atrás, contesta Medianoche en París. Ahí donde la intensidad vive. Siempre atrás.

Si bien la respuesta es demoledora, en la película de Woody Allen está atemperada por una ligereza de comedia que sólo es un gesto de buena voluntad y generosidad hacia el público, sobre todo pensando que entre ellos puede haber unos cuantos jóvenes.Victor Hugo. Balzac. Hemingway. Fitzgerald. Vallejo. Cortázar. Sartre. El Castor. Woody Allen. París es la mejor ciudad del mundo, pero ¿en qué mundo? ¿En que época? ¿En qué siglo? París es la mejor ciudad del mundo porque siempre reside en el pasado, espera atrás para confirmar nuestras peores nostalgias. Por eso, ay, nunca tendremos París, la ciudad perdida. Hay que volver del exilio.

Y para colmo el mal tiempo.

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EL MAGO EN OZ

Por Paula Vazquez Prieto El inicio del autoexilio creativo de Woody Allen comenzó allá por 2005 en la ciudad de Londres. La justificación más sencilla de su partida tal vez sea que Hollywood le cerró sus puertas y el encendido interés que siempre despertaron sus películas en Europa abonó un terreno fértil para cambiar de óptica y agitar así el traje de la comodidad que venía vistiendo en sus últimos estrenos.

Lo cierto es que ese viaje iniciático hacia la tierra de Shakespeare dejó como resultado una serie de cuatro películas, que más allá de las filiaciones con su filmografía anterior y el desfile habitual de sus preocupaciones tradicionales dibujan un notable retrato de Londres como un Oz contemporáneo.

“There’s no place like home”, dice Dorothy al final de El mago de Oz. Pero esa reflexión sobre la placentera tranquilidad que ofrece lo cotidiano y familiar sólo puede ser posible luego de haber vivido la más increíble de las aventuras. Y si la aventura de Dorothy incluye brujas, munchkins y hombres de hojalata, la excursión londinense de Woody Allen refleja su más honda reflexión sobre el azaroso balance entre el deseo como ideal y aspiración, y la culpa como expiación del miedo a su concreción. En Match Point (2005), aclamada como su “regreso” a la etapa prestigiosa de Crímenes y pecados (1989), Chris y Nola inician un tórrido romance en los vericuetos de una Londres fragmentada en sus escenarios típicos, desde el Holland Park, pasando por el Covent Garden hasta el Royal Opera House. Ese ideal urbano que, al igual que en El sueño de Ca-ssandra (2007) se cristaliza en una fantasía embriagadora de placer o bienestar, termina hecho añicos contra el acerado rostro de la realidad. Idealismo como anhelo que sucumbe, con los tintes trágicos del drama dostoievskiano, al pragmatismo de la cotidianidad en dos de los finales más amargos y lúgubres de este período. Con el ligero velo de una comedia de espionaje, Scoop (2006) recrea esa fascinación por el peligro que invade al recién llegado, atraído por la voz irónica de un azar que, como el canto de Orfeo, deshilvana de a poco todo rastro de justicia poética. Algo que retumba con fuerza en Conocerás al hombre de tus sueños (2010) cuando la idealidad del amor se asoma en la ventana de enfrente, tan sensual como inalcanzable. La puerta al mundo más allá del arco iris supuso para Woody Allen internarse en los laberintos de una ciudad que se hace etérea y misteriosa, que enloquece en su fascinante dualidad de Mefisto y Adonis. Como en Amanece (1927) de F. W. Murnau, en la febril agitación citadina o en la placentera calma del cielo campestre, la vida es siempre igual, a veces dulce, a veces amarga. Y en la encrucijada moral del migrante, el viaje es siempre aventura, a veces dulce, a veces amarga, pero siempre la más mágica de las aventuras.

RELATO DE UN VIAJE

ESTAMBUL LA CIUDAD DE DOS CONTINENTES

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ESTAMBUL

Estambul es una ciudad muy prolija en historia, cultura y en nombres… Ha sido bautizada más de cien veces por sus distintos moradores y gobernantes de turno. El primer nombre fue Bizancio, heredado de los antiguos griegos hace más de2600 años; luego siguió Constantinopla, apelativo otorgado por los romanos en honor a su Emperador Constantino. Durante el dominio del Imperio Romano de Oriente surgieron otros nombres derivados de la manía romana de poner nombres referentes a ellos mismos o a sus seres queridos.

Augusta Antonina, Nueva Roma o Roma Constantinapolitana fueron algunos de los “alias” de esta disputada y reputada ciudad.

Tras la derrota de los romanos por parte de los árabes y la creación del Imperio Otomano en 1453, ya tenía muchos nombres adicionales, los árabes la llamaban Konstantiniyye y los de ascendencia griega o turca la llamaban Istambolin (que en griego significa “En la Ciudad”). Tras la caída del Imperio Otomano y la proclamación de la independencia de Turquía en 1923, El líder Atatürk estableció que de ahora en adelante la ciudad se llamaría Estambul siguiendo el nombre de ascendencia turco que tenía (Istambolin), e incluso ordenó que cualquier comunicado dirigido a una ciudad llamada “Constantinopla” o con otro nombre distinto a Estambul, sería devuelta sin explicaciones. es una de las ciudades más bellas y grandes de Europa, situada en la parte más estrecha del Bósforo. Su gran peculiaridad es que es la única ciudad en el mundo que se encuentra dividida por dos continentes, Europa y Asia, lo que produce en ella una mezcla de culturas que sorprende al visitante.

DALE

Mesquita Azul

Una mezcla de cosas: es tradicional y cosmopolita, islámica y europea, caótica y ordenada y todo eso hace que sea una ciudad que atrapa, que cada día en ella es como un hechizo que se hace mas potente y no quieras irte.

Fuente para lavar los pies, Mezquita Azul

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DÍA 01

Llegamos a Estambul. El Aeropuerto Atatürk tiene parada de metro (Havaalani-Airport). Llega hasta Aksaray, donde hay que coger el tranvía a las zonas de los hoteles, en los barrios de Beyazit, Sultanahmet y Galata. Nuestro hotel, el Best Western President , se encontraba en Beyazit, enfrente mismo del Gran Bazar. Desde la terrazas superiores del hotel hay unas vistas impresionantes del mar de Marmara y de la Mezquita Azul.

Aprovechamos para tener el primer contacto con Estambul, bajando por la Divanyolu Caddesi: en diez minutos caminando se llega a Sultanahmet.

Por cierto, esta calle está llena de sitios para comer, restaurantes de todo tipo y precios, así como de tiendas de recuerdos y excursiones por la ciudad y Turquía. La visión de la Mezquita Azul y de Santa Sofía de noche iluminadas es espectacular.

DÍA 02

Visitamos en primer lugar la Mezquita Azul (Sultan Ahmet Camii) y, como todas las mezquitas de Estambul, la entrada es libre. Sólo se pide que las mujeres se cubran con un pañuelo, el cual, una vez dentro, vimos que la gente se quitaba sin ningún problema. A continuación visitamos Santa Sofía (Aya Sofya), en la actualidad un museo. También visitamos la Cisterna de la Basílica (Yerebatan Sarayi), al lado mismo de Santa Sofía.

Volviendo sobre nuestros pasos entramos en el Gran Bazar (Capali Çarsi), un enjambre de calles llenas de tiendas de todo tipo. Más auténtico nos parecieron las calles que van del Gran Bazar hasta el Bazar Egipcio o de las Especies (Misir Çarsisi).

Así como la visión del puerto de Eminönü, con el puente y la torre de Galata al fondo, el Cuerno de Oro, la Mezquita Nueva, ...

Una vez descansados, cogimos el tranvía hasta la parada de Sirkeci, estación de ferrocarril, donde antaño llegaba el legendario Orient Express. En una de las salas de esta estación se efectúa el Concierto de Música y Baile Sufí (Derviches Danzantes), al cual asistimos.

DÍA 03

Hoy visitamos el Topkapi, y de camino hacia allí visitamos el Sepulcro del Sultán Mahmut II. Ya en el Topkapi, se compra una entrada general, la cual da acceso a todo el palacio, salvo al Harén, para la que se compra otra entrada. En el Harén se realiza la visita con guía (en inglés). También se pueden adquirir unos audífonos, en otros idiomas como el castellano. A destacar el tesoro y las vistas del mar de Mármara y del Bósforo. Por la tarde cogimos el tranvía hasta Karaköy, donde se coge un metro de una sola parada (Tunel) hasta Istiklal Cadesi. Estamos en la zona europea moderna, y se nota en todo, las tiendas podrían ser de cualquier

capital europea, las mujeres en esta parte de la ciudad no llevan la cabeza cubierta, la forma de vestir es totalmente europea. En los barrios de la zona europea antigua (Beyazit-Sultanahmet), la mayoría de mujeres van a la moda islámica, así como en la parte asiática de Estambul. Recorrimos Istiklal Cadesi hasta la plaza de Taksim, centro neurálgico de esta parte de la ciudad y donde están los hoteles más lujosos.

DÍA 04

Bajamos en tranvía hasta Eminönü, y cogimos un trasbordador hasta Eyüp, recorriendo todo el Cuerno de Oro. Nos dirigíamos a ver la Mezquita de Eyüp, el Conjunto funerario de Mihrisah y el Mausoleo Sokollu Mehmet Pasa, así como el Café de Pierre Loti, desde el cual hay unas vistas espléndidas de todo el Cuerno de Oro. Eyüp es un lugar de peregrinación para los musulmanes de todo el mundo. En su mezquita están los restos de Eyüp Ensari, el cual llevaba el estandarte de Mahoma.

La tarde la dedicamos a pasear por Kabatas y Besiktas. Cogimos el tranvía hasta Findikli, y seguimos caminando por la orilla del bósforo, entrando en la mezquita de Dolmabahçe, y pasando junto al palacio hasta Besiktas.

DÍA 05

El Bósforo nos esperaba. Cogimos nuestro ticket en Eminönü y, como aún nos quedaba una hora para partir, aprovechamos para visitar la Mezquita Nueva (Yeni Cami). El recorrido por el Bósforo dura una hora y media de ida, hasta Anodolu Kavagi. La primera salida es a las 10:35 y llega a las 12:05. Hasta la vuelta, a las 15:00, aprovechamos para subir a un castillo bizantino en ruinas, desde el que se tiene un excelente panorama del Bósforo y el comienzo del mar Negro. Después comimos en un restaurante que encontramos en el camino, con menús de precio fijo por unos 13 YTL. Una vez en Sultanahmet, recorrimos el Hipódromo, viendo la columna Serpentina y el obelisco Egipcio. A las 21:00 se efectúa el espectáculo de luces y sonido sobre la Mezquita Azul, el cual es bastante tedioso y aburrido. Lo mejor es cuando acaba y dejan la iluminación normal de la mezquita.

DÍA 06

En Bursa visitamos el Mercado Cubierto, el Bey Han y el Koza Han, edificios muy atractivos en forma cuadrada, con todo el centro en forma de patio descubierto con bonitas fuentes, donde se puede tomar un refrigerio o comprar en las numerosas tiendas de la seda. También visitamos la Gran Mezquita, la Mezquita Verde y el Mausoleo Verde. A la vuelta, en la estación cogimos billete en autobús a Estambul, el cual para en Harem.

Especias Mercado Cubierto

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DÍA 07

Cogimos el tranvía y fuimos hasta la última parada, en Kabatas, a doscientos metros del Palacio de Dolmabahçe. La visita es espectacular.

De allí cogimos el autobús nº 25, que nos llevó en pocos minutos a Ortakoy, tocando el puente del Bósforo. Ortakoy es famoso por sus numerosos restaurantes alrededor de la plaza Iskele Meydani y las calles que la rodean, así como por su mezquita de Mecidiye. En el restaurante El Turco comimos de maravilla. Más tarde, en autobús, fuimos hasta la plaza Taksim, bajamos por Istiklal Cadesi hasta el Monasterio Mevlevi, el cual visitamos. En su bella sala de baile octagonal y de madera bailan los Derviches Danzantes. Bajando por Galipdede Cadesi llegamos a la Torre Galata, desde de la cual, a una altura de 62 m, se contemplan unas vistas geniales de todo Estambul.

Esta noche, en uno de los restaurantes del hotel President, asistimos a una cena espectáculo llamada Orient House. Es un espectáculo para turistas, con diferentes danzas del folclore turco-otomano y, como plato principal, las danzas del vientre.

Cuando entras te preguntan tu nacionalidad y te ponen una banderita en la mesa, lo que nos sirvió para comprobar que estábamos cenando junto a gente de nacionalidades de todo el mundo, en especial de Oriente Medio y Próximo (iraquíes, iraníes, pero también americanos o japoneses, lo que resultaba un tanto chocante y curioso.

DÍA 08

Esta mañana va de varias mezquitas. Visitamos la de Beyazit, la entrada a la Universidad, la espectacular Süleymaniye, y la preciosa mezquita de Rüstem Pasa. Más tarde, desde el puerto de Eminönü cogimos un transbordador a la parte asiática de Estambul, a Üsküdar, donde existen destacables mezquitas, así como una vida muy animada en los mercados y las numerosas calles comerciales.

Una vez comimos en el restorant de la Place, cogimos un transbordador a Kabatas y allí el tranvía hasta el hotel, donde descansamos un poco antes de ir al Gran Bazar a realizar las últimas compras y bajar a Sultanahmet, a admirar por última vez Santa Sofía y la Mezquita Azul. Estas dos maravillas, por sí solas, ya valen una visita a Estambul.

Relato de un viaje, Anabella Savedra.

Viaje a Estambul, Turquia.. Año2012

DALE

R E C E TA

MUFFINS INGREDIENTES

175 gr. de harina 50 gr. de cacao en polvo 150 gr. de azúcar blanca 50 gr. de azúcar morena 180 ml. de buttermilk 2 huevos 90 gr. de mantequilla 1 cdta. extracto de vainilla 1 cdta. de levadura 1/2 cdta. de bicarbonato sódico 1/2 cdta. de sal 100 gr. de chocolate amor

PREPARACIÓN

En un bol mezclamos los ingredientes secos, la harina, el cacao en polvo, el azúcar blanca y morena, la levadura, la sal y el bicarbonato sódico hasta que queden bien ligados.

En otro bol mezclamos los ingredientes líquidos, primero los huevos, los batimos ligeramente, seguidamente añadimos la vainilla, la buttermilk, y la mantequilla fundida, lo mezclamos todo hasta que estén bien integrados.

En el bol donde tenemos los ingredientes secos hacemos un hueco en el centro y depositamos la masa líquida, la integramos suavemente con cuidado, no hay que batirlo en exceso, solo lo justo para que queden integradas ambas mezclas.

Una vez tenemos nuestra masa completada, la vamos depositado en nuestra bandeja de muffins, y vamos poniendo dos cucharadas en cada cápsula de papel (aproximadamente 2/3 de su capacidad). A continuación lo introducimos en el horno, previamente precalentado a 190 grados, y lo dejamos hornear unos 20-25 minutos aproximadamente o hasta que pinchemos y veamos que sale limpia la aguja. Si no disponéis de buttermilk, podéis hacerla en casa, para ello poned 240 ml. de leche con una cucharada de zumo de limón, mezclar y dejar reposar durante unos 2-3 minutos, y ya la tendréis lista para usar. Tiempo de elaboración | 35 minutos

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