Sendero luminoso Luminaria nació a modo de ensayo para cortar con un bisturí la sofocante vida de los habitantes del distrito de Usera y dejar entrar por la herida la realidad de una vida plena y nutrida de misterio. La cotidianeidad del alienante ‘metro-currar-dormir’ es el humus donde nacen numerosas formas de rebeldía: personales, colectivas, juveniles o familiares. Los largos años de deterioro económico y el colapso del edén europeo se han sumado a esa emergencia social y han castigado con dureza a las comunidades más débiles; los distritos periféricos forman parte de esos entornos y Usera es un claro ejemplo de ello. El distrito, determinado por la mezcla de pueblos, ha pasado de una convivencia necesaria a la creación de una comunidad incipiente, comunidad hoy especialmente viva en busca de riqueza no solo individual sino también colectiva. Es en los barrios menos acomodados donde las culturas singulares venidas de fuera toman cuerpo y son sus habitantes quienes, de hecho, conservan como estructurante de su vida y convivencia la cultura de su pueblo, así como su memoria histórica. El ‘metro-currar-dormir’ es solo la imagen de la injusticia estructural que, por la vía de los hechos, acaba con la vida compartida de esas comunidades, e incluso con los espacios individuales de reflexión. La cultura, en consecuencia, constituye una necesaria herramienta de corte y por tanto curativa. En ese sentido, tanto el proceso como el fin son esenciales. La verdadera naturaleza del arte contemporáneo solo puede desplegarse en su plenitud en entornos desfavorecidos. Esos entornos son cuerpos de trabajo donde la cultura es esencialmente viva. Las relaciones, las referencias, los intercambios propios del arte solo se generan de manera natural en aquellos espacios necesitados de procesos sinceros de construcción. El arte contemporáneo frente al pragmatismo extiende las manos del misterio y descubre su dedo sanador. El distrito de Usera lucha hoy por ser un ámbito viviente donde los conflictos, las tensiones y los opuestos pueden alcanzar, y de hecho alcanzan, una unidad multiforme que engendra riqueza y vida. Es un ejemplo del ‘nuevo diálogo’, que no es otra cosa que acudir al otro desde la vivencia. En este diálogo no solo importa qué se cuenta sino tanto o más el cómo: la actitud, el temple y el tono, es decir, lo cultural.
Sur El sur de Madrid tiene el aire más fino y la luz más limpia. El sur no tiene historia, solo tiene presente y mucho futuro. El sur es un niño recién nacido de chinos, franceses, bolivianos y alguna holandesa errante. Siempre quise vivir en el sur pero me retienen las piedras de granito labrado en cubo, los muebles de la abuela de madera de roble —real o tintada—, los colmados de fiambres ibéricos, los dulces de monjas y los caramelos de violeta, los amigos con corbata, los extraños que te saludan porque conocen a tus padres, a tus bisabuelos. Yo siempre quise vivir en el sur porque allí se respira mejor, porque allí no hay que pensar más que en hoy. Porque allí los colores son más nítidos —tal vez haya menos contaminación—, porque cruzar el manzanares es cruzar una vida y, además, se está más fresco en verano. El sur, siempre el sur. Los mares del sur para perderse con Gauguin o, mejor aún, con el último Stevenson. El sur de España con los albertis, los lorcas y la mujer que amas —porque sabemos dónde para hacer bien el amor hay que venir—. No menos artístico y erótico, no menos primitivo o primigenio, es el sur de Madrid: Usera y su mar de fondo. La rivera sur del no-río que es el Manzanares ha recibido aluviones de sangre nueva durante muchas generaciones. Primero fueron locales y terruñeros, luego de todas partes. Desde Usera se puede abrazar el mundo. Los recién llegados siempre fueron «los de fuera», pero terminaron siendo «los de toda la vida». Y así sucesivamente. Miro al sur siempre desde alguna azotea de Madrid, o desde el ventanuco estrecho de una buhardilla. He conocido muchas buhardillas del centro y casi todas miraban al sur. Por algún motivo, desde ahí siempre se ve un atardecer o, mucho mejor, un amanecer. Tal vez eso sea porque le roba la luz a los otros puntos cardinales, tal vez porque detrás se ve la planicie castellana, que es infinita como el mar aunque no tenga una gota de agua. Ya se sabe que desde la playa, estés donde estés, siempre se pone el sol. El otro día bajé al sur (y en este caso la bajada es física porque el paseo de las Delicias desciende como un río de casas y asfalto). No esperaba ningún destello personal porque aún no era primavera y porque uno tiene que prepararse antes para los cambios profundos. Crucé el río y noté el aire más fino, pero cargando con la mochila de una vida se puede hacer poca mudanza. Fui al mercado, no a la compra de productos exóticos sino a contemplar el renacer de unas instalaciones en lento languidecer. No recibí ningún destello personal, digo, lo que contemplé fue una luz atronadora de arte muy rara en Madrid. Casi cincuenta artistas de todo el mundo habían ocupado los puestos vacíos en un derroche de ingenio, de generosidad y de juventud. Eran piezas de lo más diverso, se podía contemplar el espíritu luminoso que las unía. Solo en Usera, pensé, solo en el sur, el arte puede aparecer así de recién nacido, apoyado solo en sí mismo, mirando el puro presente, creado por la explosiva y simple alegría de estar. Ojalá que el sur no se convierta solo en una palabra. Fernando Ariza
Un increíble movimiento artístico comestible «¿Por qué dedico tanta energía a una actividad tan agotadora?», se preguntaba Gordon Matta-Clark en una carta de 1971 a Lee Jaffe. «No puede ser solo por el negocio o por el dinero…». La actividad a la que se refiere es Food, el restaurante que él mismo había abierto en el Soho de Nueva York junto a Caroline Goodden y otros artistas. Su propósito era dar de comer a artistas, organizar performances, celebrar fiestas o simplemente reunirse. Food se suele presentar como una obra de Matta-Clark, junto a sus películas, fotografías, y la documentación de sus intervenciones en edificios. Sin embargo, lo es en un sentido peculiar, pues no solo no se puede atribuir a un autor individual, sino que desafía abiertamente la noción de autoría. En un proyecto así, las actividades prácticas y cotidianas resultan inseparables de las artísticas, y el aspecto colaborativo resulta esencial. En los catálogos de la obra de Matta-Clark se reproducen menús, listas de la compra, y papeles en los que se distribuye el trabajo: en uno de ellos, el propio artista figura como encargado de cocinar los miércoles a mediodía, mientras que a Carol -entonces pareja de Gordon, conocida por sus actuaciones en la compañía de baile de Trisha Brown-, le toca la cena de los viernes y sábados. Y no solo ellos: según se cuenta, también Donald Judd, John Cage o Robert Rauschenberg -conocido por su receta de chile casero- estuvieron al mando de la cocina. Los organizadores de Luminaria también se han planteado alguna vez por qué derrochar la enorme cantidad de energía que supone montar una exposición en un mercado todavía en uso. Su propósito no es solo buscar espacios «alternativos», sino explorar las posibilidades que se abren al sacar el arte del circuito de los públicos e instituciones habituales, para introducirlo en un lugar pensado para otros fines. La propia experiencia de Food tenía algo de esto: la película que Robert Frank rodó en 1972 sobre la vida del restaurante comienza con una visita al mercado de Fulton, en la que Matta-Clark y Goodden se dedican a seleccionar y comprar pescado, y a charlar de paso con los vendedores y personajes que deambulan por allí. Matta-Clark trató de convertir este tipo de actividades en una obra de arte. No se trataba de una cuestión estética, sino de fomentar un cambio en las relaciones humanas. Efectivamente, un restaurante puede ser una fuente de riqueza, por su capacidad para generar una cierta comunidad (como negocio, no parece que Food fuera demasiado rentable). Así lo explica Matta-Clark: «He llegado a la conclusión de que mi misión al abrir este restaurante es recuperar el arte de comer con amor y no con miedo. Este ideal genuinamente cristiano excluye la posibilidad de alimentarnos de nuestros seres queridos o, a su vez, de ser consumido por los que nos quieren. Espero que a estas alturas mi intención, así como su importancia histórica y beatífica, haya quedado clara». La comida es una buena metáfora de este intercambio. E introducir la práctica artística en un resturante, o en un mercado, es toda una declaración de principios. El cambio de espacio afecta a la forma, y conlleva toda una serie de «ruidos» que afectan a la «pureza» de su contemplación. Al mismo tiempo, puede generar una cierta relación que sería imposible en otro contexto. En un mercado todavía en uso, las obras no están destinadas a un público interesado y conocedor de la extraña jerga de los artistas, sino a la población del barrio, que va allí a proveerse de lo fundamental para la vida personal y familiar. Y que, de paso, puede acceder a una experiencia que suele quedar reservada para otros espacios y otros barrios, cada vez más centrados en el turismo. La idea de colaboración aparece aquí como algo fundamental: las propuestas más interesantes de Luminaria,
de hecho, son aquellas que han sabido reaccionan al peculiar lugar en que se muestran, y en el que adquieren un significado que difícilmente podrían tener en las paredes inmaculadas del «cubo blanco». No solo por su forma, sino por la relación que establecen con un público inusual e inesperado, y con los propios encargados de los puestos, que ejercen espontáneamente de mediadores entre el público y las obras. Con este planteamiento, Luminaria no solo parte de la referencia legendaria e inspiradora de Food, sino de toda una serie de iniciativas y de espacios «alternativos» que se han sucedido en Madrid en las últimas décadas: las acciones e intervenciones públicas de Estrujenbank (1989-1993); las instalaciones site specific de El Ojo Atómico (1993-2007); la propuesta de realizar exposiciones en viviendas particulares de Doméstico (2001-2008); o la presencia estable de la galería Espacio F. en el ya cerrado mercado de Fuencarral… y la enumeración podría seguir, hasta llegar al precedente más inmediato -pues comparte alguno de los organizadores-, que son las exposiciones colectivas y autofinanciadas de Hambre (2008-2011). Luminaria representa, quizás, un desplazamiento aún más claro hacia la periferia: un mercado tradicional de Usera, más allá de la frontera de la M30, en un barrio lleno de inmigración, y también de estudios de artistas, pero que no cuenta apenas con espacios de exposición. Lo que comparten estos proyectos es su espíritu colectivo. Se trata de propuestas cuyo resultado no es la mera suma de las partes, sino que hay algo más: precisamente lo que aporta la colaboración. Y aquí surge la cuestión del papel del artista. Una exposición colectiva, gestionada y organizada por artistas en el espacio de un mercado, ¿es un trabajo de comisariado o es una propuesta artística en sí misma? Allí las obras no funcionan como objetos autónomos, sino en el conjunto de relaciones que establecen con las demás propuestas, con el espacio que ocupan y con sus habitantes. Las fronteras cada vez están menos claras. En su carta, ya mencionada, Matta-Clark no se limita a hablar de comida. También se refiere al papel del artista, y en términos bastante radicales. Como de pasada, y un poco en broma, concluye planteando a Jaffe la «inevitable» llegada de una «nueva era de canibalismo» en la que el artista deberá ofrecerse él mismo como alimento. «Parece la culminación perfecta para el santo o el amante: ofrecerse entero para que lo mastiquen bien antes de engullirlo» y convertirse, así, en «líder de un increíble movimiento artístico comestible». Matta-Clark no había sido el primero en plantearse algo así. En su Manifiesto del Hotel Chelsea (1961), Yves Klein preguntaba abiertamente: «¿No es preferible ser comido que bombardeado a muerte?» Quizás era otra manera de decir que es mejor la colaboración a la fagocitación destructiva. El año anterior, Klein había propuesto a un festival parisino lo que él llamaba su Teatro del vacío: una «arrepresentación», en la que la sala permanecería cerrada sin actores ni espectadores, para poder desarrollar la «obra» en toda la ciudad, durante un día en que la vida misma sería una manifestación artística ininterrumpida. Klein sugiere así una posibilidad abiertamente utópica: ¿podría convertirse la vida cotidiana de toda una ciudad en obra de arte, aunque sea por un día? En este horizonte se mueve también Luminaria, con su transformación temporal de un espacio en decadencia en algo nuevo. Tampoco se trata de hacer nada extraordinario, sino de ver las cosas de otro modo. Lo que, con su estilo ingenuo y directo, Klein propone para ese domingo artístico es que «la alegría y lo maravilloso reinen» y que «todos, actores-espectadores, conscientes o inconscientes de esta gigantesca manifestación, pasen un buen día».
Javier Ortiz-Echagüe Comisario invitado de Luminaria 03
Los artistas participantes en Luminaria 03 son:
Christine Kettaneh E1000 Jacqueline Bonacic-Doric Laura Díaz Farroñay Antonio Lozano Guilherme Bergamini Álvaro Ruiz David Hornillos Bárbara Fluxá Javier Extremera Dominique Taylor Gabriel Tekòlótl Eulogia Merle Ana Bayona Julia Cuadrado Abel Báguena Patricia Almeida y David-Alexandre Guéniot Pablo Matamolu y Juan Baudet Florencia Nieto Elizabeth Vinck Robert Harding Pittman Zoto + Gabriela Túrtula Álvaro Rojo Roberto Cárdenas Alejandro López Joan Quintas Cynthia Estébanez Rosell Meseguer Raúl Bravo Minute Project Colectivo Dibujantes Ambulantes Spidertag Colectivo Boa Hora XXY Colectivo de Artistas Juan Sorroche Hez Jacinto Sánchez-Albusak Paloma Villoria Carolina Rogé Susi Márquez Will Yakome Álvaro Giménez Ibañez Aída Espluges Alejandro Marote & Federico Guardabrazo José Manuel Darias An Wei Marta Castro Borja Sánchez Trillo
Christine Kettaneh Points of letting go Pastillas de jabón y réplicas en resina Líbano, 2018
Recojo esos momentos en los que las personas deciden desprenderse de algo, en los que dejan algo de lado, pero a veces no son capaces de avanzar y soltar. Las pastillas de jabón usadas reflejan ese instante de decisión. Sus réplicas en resina nos hablan de lo contrario, de la incapacidad de dejar ir. Mezclo resina con la pastilla de jabón y se crea una pieza indistinta donde se hace difícil distinguir entre un material y otro.
E1000 Tinieblas Instalación interactiva España, 2018
Desde la oscuridad de cámaras frigoríficas en desuso, surge Tinieblas una serie de obras interactivas que invitan a la exploración de las propias piezas, a detenerse en el juego que permiten las luces en el rastreo de lugares abandonados. Memorias y presencias latentes que aguardan a los espectadores.
Jacqueline Bonacic-Doric Serie Blanca (arriba) Acrílico, grafito y pastel sobre madera reciclada y lienzo El bosque de los abatidos (izquierda) Tótems de material reciclado, acrílicos y esmaltes Argentina, 2018 Una vez que el ruido cesa permite otra visión… quizás única e irrepetible, ligada a la totalidad. Todo un constante ruido lleno de precisiones y certezas e imágenes e imágenes y más imágenes… Esta serie no pretende nada, ni decir ni mostrar, quizás, con suerte, encontrarse con la poesía.
Homenaje a los abatidos fruto de la ignorancia y del miedo que se agiganta prepotente en nuestra especie. Con cinismo cruel vamos descabezando todo lo que interfiere en un supuesto progreso. La ignorancia siembra violencia. Desatando el irrefrenable instinto de pertenencia y en nombre de la legalidad, las hogueras ayer y hoy arden de inocentes. Y vuelvo a preguntar, como en todas las obras: ¿por qué para que vos aparezcas tengo yo que desaparecer? No es que haya algo que elegir. En la diversidad todo habita naturalmente .
Laura Díaz Farroñay Mater Natura ii Ramas de árboles, escayola, guata Perú, 2018
Con esta pieza me remonto a mi infancia en un pequeño pueblo en donde solía vacacionar, el Valle del Colca (Arequipa, Perú), donde la tecnología recién se asomaba. Busco plasmar mis recuerdos de aquel sitio y representar a mi familia, parte fundamental en mi vida. Se trata de traer una Naturaleza sin domesticar, revelando sus riquezas y colores, a lugares en donde la mano del hombre ha intervenido.
Antonio Lozano Océano Tubos de neón España, 2018
Lo símbolos presentes y constantes. Su composición, su profundidad, su temperatura varían en el día a día. No hay una representación racional pues están demasiado vivos. Son inaprensibles y eso los hace permanentes.
Guilherme Bergamini Ferramental Vídeo, duración 1’26” Brasil, 2018
El vídeo es una síntesis de la relación entre el Hombre y la Máquina. La pulsación sanguínea como fuente productora e inspiradora de esa dicotomía. La máquina como motor de una evolución y desarrollo tecnológico y la pulsación cardíaca como fuente de acción y vida.
Álvaro Ruiz Fronteras Carbón y tinta sobre papel España, 2018
Se trata de obras que giran en torno a la inmigración, a la decisión que toman los que se ven obligados a huir de sus países de origen por guerras, pobreza, persecuciones y otras situaciones políticas, en busca de un futuro mejor o simplemente para poder seguir con vida. Cuando llegan a su destino se encuentran con todo tipo de fronteras, algunas físicas creadas por los hombres, como los muros o vallas de espino y otras naturales, que suelen ser aún más mortíferas, como el mar. Estas y otras barreras son con las que tropiezan los protagonistas de esta serie. «Fronteras» es un retrato de los invisibles, de aquellos a los que desde el primer mundo damos la espalda. Busca darles la visibilidad que no tienen y la oportunidad de mirar directamente al espectador, como si esperasen de este una respuesta ante la incomprensión que les rodea. El proyecto tiene como finalidad recaudar fondos para ayudas a los refugiados y cuenta con el apoyo de CEAR.
David Hornillos Ustedes, los vivos Fotografía digital España, 2018
En Ustedes, los vivos, David Hornillos vuelve a fotografiar los alrededores de una estación de tren de Madrid, en esta ocasión un descampado junto a la Estación de Chamartín, al norte de la ciudad. Este proyecto continúa con su trabajo anterior, Mediodía, desarrollándose esta vez en un paisaje desértico con multitud de personajes atravesando sin cesar lo que, al parecer, en otro momento fue un cementerio. El trabajo se hila a través de la fina línea del horizonte que acompaña en su transitar los pasos de estos humanos. Atocha y Chamartín son las dos únicas estaciones ferroviarias en activo de Madrid, caras de una misma moneda, de la ciudad y del trabajo fotográfico de David Hornillos: el naranja asfixiante que encierra a los personajes de Mediodía es el contrapunto del fluir azul de Ustedes, los vivos, donde contemplamos un desfile metafísico, un tránsito enmarcado, limpio y desnudo de unos personajes que no van a ningún sitio porque se limitan a pasar. Seres arrojados al mundo, Ustedes, los vivos presenta un espacio filosófico e invita a que divaguemos sobre nuestra condición de entes temporales y sobre la existencia misma.
Bárbara Fluxá Serie «Reconstrucciones Arqueológicas» Instalación medidas variables (fotografía, escayola y objetos encontrados) España, 2018
Millones de miles de objetos de «usar y tirar», fabricados, consumidos y desechados diariamente en nuestro planeta se trasmutan, a través de esta instalación con título «Reconstrucciones arqueológicas», en trascendentales recordatorios futuros de nuestra sociedad y del modo en que habitamos el mundo. Se presentan como una muestra del paisaje cultural hegemónico propio del sistema políticoeconómico globalizado de hiperconsumo capitalista contemporáneo. Gracias a la invitación de Luminaria, «Reconstrucciones arqueológicas», tras más de una década de exposiciones e itinerancias por instituciones artísticas, se presenta por primera vez en un espacio no expositivo: un mercado de alimentación de barrio. Un espacio que se propone alternativo a las dinámicas del museo y la galería desde el punto de vista curatorial; y que paradójicamente, desde el punto de vista del imaginario que despliega la propia obra, bien podría haber sido su lugar de origen. Veamos qué es lo que ocurre.
Javier Extremera Mnemósine Instalación con proyección sobre urna de cristal con agua España, 2018
Mnemósine es el resultado de un trabajo experimental mezcla de intuición y complicidad, ideada para ser presentada en forma de pieza audiovisual y proyectado sobre un medio físico. En la búsqueda de experiencias, el proyecto se crea tras una jornada de incomunicación en la cual dos individuos (el director y su pareja) buscan alcanzar el mayor punto de complicidad entre ellos para que, a través de una coreografía libre basada en la repetición de movimientos espontáneos, poder enturbiar el agua con los sentimientos más ocultos de ambos y la memoria no visible. Así nace este íntimo trabajo con el que se pretende acercar al espectador, a través de imágenes bellas y sencillas, espacios neutros y oníricos, a los recuerdos incómodos de una relación sin cicatrizar en la que dos seres sin rostros volverán a revivir todos los recuerdos, sentimientos y en definitiva, experiencias vividas juntos.
Dominique Taylor Facies Instalación performativa con máscaras de alginato y escayola Jamaica, 2018
Facies busca ser un proyecto escultórico mezcla de experiencia —participación y mimetización— y absorción del espacio.
Gabriel Tekòlótl Crotalus Malla de plástico, goma y alambre México, 2018
Esta obra que recibe su nombre por el término científico de la serpiente de cascabel, es una materialización de diferentes recuerdos e ideas que se encontraban volatilizadas en la mente, recuerdos muy lejanos de aquellas serpientes gigantes que se encuentran en el templo mayor situado en los vestigios de la antigua Tenochtitlán, o en aquella pintura de Juan O’Gorman La ciudad de México donde se ve un quetzaloatl (serpiente emplumada) surcando la ciudad. Imágenes y recuerdos de víboras cruzando los campos de maíz o escondiéndose entre las piedras, entre misterio y mito, esta escultura tiene mi propia visión sobre todas las serpientes que aparecieron en mi entorno.
Eulogia Merle El nacimiento de Venus Técnica mixta sobre madera reciclada Argentina, 2018
La alusión a la icónica pintura de Botticelli, con una construcción, en una época y contexto significativamente diferentes es una clara invitación a la reflexión y a la resignificación de lo femenino.
Ana Bayona Lo cotidiano petrificado Frutas, verduras y resina epoxi Colombia, 2018
Siempre he estado intrigada por la realidad y la falsedad de los objetos cotidianos y cómo esto puede verse en otros aspectos de nuestra sociedad; en mi trabajo procuro desafiar esa percepción de «realidad». Analizo los objetos que parecen normales a primera vista... Sin embargo, cuando el espectador mira de cerca, comienza a darse cuenta de su posible segunda naturaleza. Para Luminaria 03 decidí jugar con la idea de desafiar la realidad de la comida, dado que el entorno parecía ser lo más apropiado. Tratando de recrear un puesto de mercado, muestro frutas y verduras e invito al espectador a observar y reconocer la diferencia entre lo natural y lo artificial, añadiéndole una capa de resina que las hace ver muy atractivas, pero al mismo tiempo no comestibles.
Julia Cuadrado Dystopia Project, El pliegue infinito Espejo y pintura en spray sobre madera España, 2018
La mente, al igual que el universo, tiende al infinito. Podemos reconstruir la aparente realidad, siendo capaces de vivir dentro y a través de espacios tanto reales como ficticios. No existe verdadero límite, ni de percepción ni de representación. Cada uno de nosotros confeccionamos nuestro propio universo, que refleja en mayor o menor medida la realidad decodificada a través de nuestra mente. En la instalación Pliegue infinito del proyecto Distopías de Julia Cuadrado, la interpretación final de las formas ha sido delimitada por la propia artista. Las geometrías finales surgen por la elección de estos patrones, la representación de estas líneas en virtud de cualquier otra combinación con base en la misma matriz de dibujo, un cuadrado doblado en mitades hasta conseguir doce pliegues. Se produce una
proyección de la realidad que es deformada o evolucionada, se ha creado una ilusión visual de representación más o menos fiel del objeto real, dando lugar a una distopía con los fragmentos de una utopía destruida. Dentro de la propuesta, al igual que en la realidad, lo que determina la distopía no está fuera, sino dentro de la mente del individuo que es el que construye la nueva materialidad (dibujo que no representa de manera fiel al original, o lo simula).
Abel Báguena Desert Island Vídeo instalación, duración 20” España, 2018
Es una pieza de vídeo-performativa que muestra, a través de una vídeo secuencia, el proceso de construcción de identidad del autor, protagonista central y productor de la pieza. Mediante una sesión de depilación láser facial, Báguena narra el proceso por el que transita en busca del punto de equilibrio entre la fluidez de género y un entorno, un mundo, todavía no suficientemente educado para acoger las alternativas al género binario. Así pués, surge, dentro de la pieza, un transfondo de transición, de búsqueda, de deconstrucción de la identidad, de reconstrucción de la interacción social. Sin pasar desapercibida, la imagen, con una fuerte carga sensorial, a la par de tabú, muestra abiertamente un proceso de alteración física e induce a la reflexión, una reflexión que cuestiona la forma en la que se hace lectura de los cuerpos, sujetos de género impuesto. Desert Island, con una imagen y una reflexión silenciosa, narra la transformación consciente y la experiencia de un sujeto que, tratando de escapar de los caminos prestablecidos, busca opciones alternativas y, debido al desconcierto que esta situación supone, conlleva nuevas preguntas. ¿Hasta qué punto es la identidad una necesidad? ¿Hasta qué punto estamos estereotipando el concepto de feminidad? ¿ Hasta qué punto nuestra libertad, causada por la necesidad de supervivencia social, recibe la influencia de los demás? El estigma de la libertad.
Patrícia Almeida y David-Alexandre Guéniot Ma vie va changer Libro de artista montado como vídeo, 17 ’ Portugal y Francia, 2018
El libro Ma Vie Va Changer (GHOST Editions, 2015) se presenta como el facsímil de un álbum de imágenes, regalo ofrecido al hijo de la pareja y a su amigo, para ser abierto en 2030, donde las fotos de familia se entrecruzan con aquellas que llegan de los periódicos. «Durante 3 años (2011-13) fuimos recogiendo recortes de periódicos. El auge de la ‘Primavera árabe’, la entrada de la troika en Grecia, Portugal e Irlanda, el terremoto y el desastre nuclear en Japón, y en Europa y EE. UU. los movimientos ciudadanos contra las políticas de austeridad a favor del rescate del sistema financiero. A distancia de estos acontecimientos globales pero afectada por ellos, una casa, la nuestra, un álbum de fotografías de familia. Gustavo cumple 5, 6, 7 años. Aprende a leer y a escribir. Su amigo Gaspar cumple 9, 10, 11. Su cuerpo pasa de niño a pequeño adulto. Nos casamos. La enfermedad vuelve, se va y vuelve de nuevo, siempre en el verano, pero acompañada de amigos. «Banks are like cancer» dice un cartel erguido durante una manifestación del ‘Occupy Movement’ en NY. Una metáfora brutal que se extiende en el cuerpo de alguien. Dudamos entre permanecer en Portugal o probar la vida en Francia. Mientras uno de nosotros todavía tenga trabajo, nos quedamos» (Patricia y David-Alexandre). En este vídeo desfilan todas las imágenes de Ma Vie Va Changer como aparecen en el libro. Se completa con una banda sonora con la canción «Get Lucky» de Daft Punk cantada a pelo por Gustavo, así como documentos de audio que apuntan a la realidad política y social portuguesa e internacional de esos años 2011-13.
Pablo Matamolu y Juan Baudet Fernando en el corazón Cianotipia a partir de placa fotográfica España, 2018
Un trabajo realizado con las huellas de seres vivientes, como lo son los restos de los peces generados en las pescaderías de los mercados. Seres vivos arrancados de un tiempo y un espacio que nosotros devolvemos a un espacio de imaginación, convirtiéndolos en sombras azules. Con el tiempo nosotros también seremos sombras azules que han tenido imaginación, deseos y sueños. No hay copias, todo lo mostrado son originales, no hay posibilidad de repetir la imagen, el camino ha sido trazado. Utilizamos la técnica de la cianotipia, un procedimiento del xix. Citamos a Matsuo Bash: «No sigo el camino de los antiguos, busco lo que ellos buscaron». Nos gustaría que nuestros peces se comieran las algas de Anna Atkins y conseguir la belleza que ella nos dejo.
Florencia Nieto En el silencio también crecen espinas Instalación de papel calado a mano España, 2018
Ante la hoja silenciosa realizo el primer corte, la configuración de ese territorio vasto se quiebra. Ante mis ojos observo que no hay retorno, ante la primera espina que se levanta no hay vuelta atrás, el daño está hecho. Solo me queda avanzar. En el silencio también crecen espinas es una instalación que se va construyendo mediante cortes sobre el papel, un universo por momentos doloroso y otros inquietantes. Una acción empecinada y metódica sobre el papel que adquiere cuerpo y tiempo, que se planta en el espacio afectando a quien se acerque.
Elizabeth Vinck Lapsos Vídeo instalación de 2 pantallas, duración 9’53’’ México, 2018
Un lapso es un espacio de tiempo. El tiempo transita y se muestra ante nuestros ojos a través del espacio. El espacio, al convertirse en imagen, se cristaliza en un campo de posibilidades que permiten que todo se vuelva presente y gire en una eterna repetición. Lapsos es una pieza que explora la relación entre espacio, tiempo, historia y representación, con la finalidad de indagar sobre la configuración del carácter nacional mexicano a través de la convergencia del espacio en el tiempo.
Robert Harding Pittman Costa de cemento Documental, duración 26’ EE. UU., 2018
Murcia, España. Los años 2000. La última franja costera virgen de la península ibérica está amenazada por el turismo residencial y la ola urbanística que está arrasando el país. La agricultura está desapareciendo y el plan es construir 60 campos de golf y 1 millón de casas nuevas en la región de Murcia, muchas de ellas destinadas a jubilados británicos. Una familia de agricultores españoles que lleva generaciones cultivando su tierra en la costa, está perdiendo su terreno mediante expropiación para abrir camino al mayor resort de Europa, Marina de Cope. No muy lejos de ellos, una pareja británica jubilada se embarca en su nueva vida bajo el sol en una tierra donde no hablan el idioma. ¿Tendrán que emigrar los agricultores? ¿Cómo impactará la crisis económica global a la región?
Zoto + Gabriela Túrtula Woman Action Painting Compresas y tampones Chile y Argentina, 2018
La idea parte del cotidiano convivir con la menstruación de las mujeres y tomar su flujo mensual como un acto de expresividad corporal. Las manchas se transforman en un lenguaje oculto solo visto por cada mujer en su periodo. El manchar es un gesto del cuerpo que queda impreso y que se intenta borrar o disimular. La publicidad relacionada con productos hechos para el periodo recalcan las ideas de «discreción», «invisibilidad», «comodidad», «aceptación social» entre otros conceptos que silencian el tema. Es decir, hablan sin hablar de aquello que no se permite hablar.
Álvaro Rojo Throw It All Away Fotografías analógicas España, 2018
La exposición enseña la otra cara de Ibiza, al margen de la exclusividad y el lujo. Esta serie de fotografías muestra una manera de vivir más natural y autosuficiente. El tirar todos los estereotipos por tierra y luchar por lo que uno siente, dejando los miedos de lado y siguiendo el camino que nosotros mismos nos marcamos. Todo surge de manera natural. Llegué a la isla de rebote tras dos años de periplo por tierras bretonas y sin ningún contacto conocido más allá de unos números de teléfono. Buscando sitios que tuvieran una oferta cultural alternativa, acabo encontrándome con personas que, aún estando en situaciones diferentes, tienen algo dentro que se asemeja a mí o que me resulta tan interesante que me lleva a la necesidad de fotografiarlas. Throw It All Away: Tirarlo todo por luchar por tus sueños, sabiendo que es el camino más complicado e inestable, pero a la vez el que te hace estar en paz con lo que sientes.
Roberto Cárdenas Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno Vídeo 2 canales, duración 9’ México, 2018
Nadie puede enseñarte el camino hacia el infierno es el trabajo que realicé durante el verano del 2017 en Usera, en el barrio de los chinos y los gitanos. Donde estuve viviendo, donde conocí a Jorge, ese homeless que vivía dentro de un cine y veía películas todos los sábados. El proyecto es sobre Jorge, pero no sobre él, sino a partir de él. Porque Jorge ni siquiera se llama Jorge, se llama Georgiev y es búlgaro y blanco y calvo y robusto y alto. This shit is for him.
Alejandro López Sobremesa Mantel, café y vino España, 2018
Mi trabajo se centra en los espacios entre la voluntad y el azar y en su capacidad de convertirse en el verdadero motor de cualquier proceso de cambio. Lo causal y lo casual son dos caras del mismo acto.
Joan Quintas El gesto inconsciente ilustrado Dibujos con pilot y rotulador Argentina, 2018
Con el uso tanto del pilot como de la estilográfica o mezclando técnicas, como el grabado, Joan Quintas muestra el mundo interior de una forma subjetiva y llena de caos, al que le gusta llamar el sentido de la sinrazón: percepciones, argumentos y lenguajes basados en el punto de vista personal, y por tanto influidos por los intereses y deseos particulares.
Cynthia Estébanez Agujeros en la ciudad Instalación fotográfica con visores y cajas de cartón España, 2018
Un puesto vacío en el mercado, un espacio que si pudiera ¿qué nos mostraría?, ¿qué querría que aprendiéramos de él? Se pregunta Luisa, sentada enfrente. Desde luego tiene espíritu evocador y ha vivido mucho. Quiere imaginar conversaciones, gestos y risas. Ruido sordo. Ajetreo de metal y fresco, producto fresco. Ahora enfrentada a un silencio absurdo, resopla. Sus ojos comienzan a repasar cada detalle de la estructura y un pensamiento le viene a la mente... Un puesto con su particular historia... Su cierre plateado está frente a ella. Animada por su curiosidad se desliza cerca, muy cerca de este. Si acercas la oreja puedes oír el viento. Posa tu mano sobre él y lo notarás vibrar. El proyecto se originó ante la idea de poder descubrir lo que hay en el interior de edificios y lugares de la ciudad, si pudiéramos hacer un pequeño orificio y mirar ¿qué veríamos? Cómo son en realidad, qué sueños tienen... E imaginar a una persona atraída por uno de los agujeros y que se vea animada a mirar a través y a explorarlo.
Rosell Meseguer Estructuras en la costa (Ballenera Quintay-Sudamérica) Instalación de dos piezas de metal impresas España, 2018
Dos piezas pertenecientes al proyecto: «Tránsitos del Mediterráneo al Pacífico». 2005-2013. El proyecto habla de los cambios políticos, sociales y culturales que supone el desarrollo industrial y la emigración producida por este. La instalación Estructuras en la costa explora aspectos de la industria pesquera —balleneras— y su desuso contemporáneo.
Raúl Bravo Desfile de año nuevo Collage España, 2000
Boldo: Expresivos personajes aparecen al recortar su silueta de reproducciones fotográficas recicladas y packaging de alimentos y comida preparada. El plano se transforma en tres dimensiones influenciado por la papiroflexia. Este trabajo se desarrolla desde el año 2000 inspirado por la obra de Giuseppe Arcimboldo.
Minut Project Minut Project en Luminaria Instalación fotográfica España, 2018
Somos Juanma Rey (fotógrafo) y Carmela Sánchez-Blanco. Hemos viajado por Europa hasta Estambul haciendo retratos de la gente con la que nos encontrábamos a cambio de la voluntad. Ahora queremos retratar a todo el que pase por el mercado de Usera. Las fotos que hagamos serán reveladas al momento y colocadas en nuestro puesto para ser expuestas.
Colectivo Dibujantes Ambulantes La obra total Dibujos de diverso formato España, 2018
Dibujantes Ambulantes es un grupo con una función artística y social, el de crear encuentros informales que ayuden a una relación social a través del dibujo. En él tienen cabida todo tipo de personas, desde aficionados, artistas, ilustradores y cualquiera que busque una alternativa para sus horas de ocio, pertenezca o no al mundo de las artes. El objetivo, igualmente, es compartir vivencias y generar ánimos positivos que den lugar a una socialización del arte, con la idea principal de extender una actitud abierta. Para ello se proponen actividades variadas, elegidas en común por sus integrantes. Las actividades se solapan en función de la inercia del evento y de esa manera el arte se integra de forma casual, sin delimitarse. Es el motivo de su presencia en Luminaria, donde actuarán como catalizador de los sucesos que tengan lugar, dejando constancia gráfica del entorno y de la gente que allí acuda por medio de retratos, esbozos y sketches.
Spidertag Neonmetry Cables luminosos 2018
Spidertag es un artista urbano que trabaja desde el año 2008 reinterpretando la geometría, la abstracción y el minimalismo en las calles y espacios rurales a nivel global. A principios de 2016 descubre el material que lo ha llevado a dar un paso más personal, innovador y único: cables de luz flexibles que se pueden utilizar con baterías. Aquí comienza una aventura de investigación y desarrollo que aún continúa. La pulsión geométrica roza el futuro a través de grandes murales, intervenciones en el suelo o figuras tridimensionales
suspendidas en el aire. Cae la noche, se pone el traje de superhéroe para encender y plasmar su particular y moderna visión del street art. Es la Era… Neonmetry. Sus influencias van desde el Constructivismo ruso, hasta el arte Cinético pasando por la música y la literatura, el grafiti y el muralismo actual o la arquitectura.
Colectivo Boa Hora Se vende color Instalación con cintas de colores España, 2018
En este mundo, donde muchas veces, el día a día se presenta bastante gris, incluso negro, recordamos, nos recordamos, la existencia del color, de los matices, de la variedad... y es que ya se sabe que todo depende del color del cristal con que se mire...
XXY Colectivo De Artistas Las deseantes, Espacio de oraciones para amas de casa Instalación fotográfica con vídeo proyección Argentina, 2018 Esta obra, como todas las de este colectivo, busca interpelarnos, mientras nos ponemos en acción/deseamos. La palabra, como texto o imagen, funda la obra. Ética y estética conjugadas en diferentes lenguajes artísticos que se entrecruzan, en busca del decir. Y ese decir que nos tiene en tanto Mujeres, como objetos y sujetos de la Obra, nos lleva a plantear las Cuestiones de Género desde una perspectiva intimista. Un espejo ácido que refleja nuestra cotidianeidad, históricamente invisibilizada. La obra aquí presentada es una instalación compuesta por diferentes lenguajes visuales y atravesadas por la poesía de Andrea Sanmartin y la voz de un grupo coral femenino que la interpreta. Nos resulta especialmente interesante mostrar esta obra en el contexto de un mercado, un espacio tradicionalmente adjudicado a las mujeres. Trabajar aquí constituye en sí una declaración de principios.
Juan Sorroche Naturalezas muertas 36 cabezas de cordero de yeso policromado y tamaño natural España, 2018
A principios de esta década comencé a pintar una serie de bodegones de productos cárnicos y casquería, principalmente cabezas de cordero. La mirada con que abordaba cada pintura era más cercana al retrato que al bodegón clásico: cada una de las piezas era observada y reproducida en esencia y detalle, buscando por encima de todo descubrir su singularidad y plasmarla con toda la fidelidad y respeto del que fuese capaz.
Hez No me gusta trabajar Dibujos con bolígrafo, rotuladores España, 2018
Es una recopilación de los dibujos que hago a escondidas en el trabajo. Muchos han acabado rotos o en la basura pero afortunadamente pude salvar unos cuantos. Siempre me ha gustado dibujar y, desgraciadamente, por el ritmo del trabajo que llevo cada vez tengo menos tiempo para hacerlo. Es por eso que acabo haciéndolo, por pura necesidad, durante mi jornada laboral ocultándome del jefe y compañeros.
Jacinto Sánchez-Albusak Santuario Zen-Ata Instalación con latas, raíces y tubos fluorescentes España, 2018
La obra invita a entrar por la puerta (ATA) y adentrarse en el camino (ZEN) que nos conduce de nuevo a la MADRE (V) y de allí al origen (AR) simbolizado por la raíz. Y la raíz del universo es el VERBO, la palabra (IS). Este viaje se realiza a través de la primera lengua hablada (el íbero o USKO). En este proceso, la obra también invita a reflexionar sobre la deshumanización de la sociedad de consumo (gastar-pastar), y la necesidad de recuperar los mercados tradicionales como lugares de trato cercano, de contacto humano y de vida.
Paloma Villoria Rutinas pobres, pobres rutinas Serie fotográfica España, 2018
Me adueño de los espacios que normalmente podrían estar asociados con la gente marginal, que pasa desapercibida e incluso invisible ante la sociedad. Estos espacios son tomados por gente que sí se hace patente, se hace visible y, por tanto, con los que podríamos sentirnos identificados.
Carolina Roge De viajes, nostalgias y amores Técnica mixta sobre tela Argentina, 2003
La vida me lleva y me trae. Yo me sumerjo en ella y la dejo, me embriaga de asombro, de amor y dolor. Experiencias únicas en un mar de posibilidades… y todas ellas van tejiendo la trama de mi vida. Cargada de esos recuerdos con música que tocan el alma. Esta obra pertenece a una serie que fue plasmada en el año 2003 mientras vivía en España, en Badajoz.
Susi Márquez Are We Human? Hombres, mujeres y otras bestias Acuarela sobre papel España, 2018
Empezando por la ancestral zoolatría y terminando en la moderna etología, el ser humano ha estado muy ligado a los animales. Ha sentido la necesidad de delegar en ellos la enunciación de sus esquemas mentales de juicio, como en las fábulas, proyectando en ellas el pensamiento filosófico empírico de un pueblo. Desde el griego «Fisiólogo», pasando por la «Historia Natural» de Plinio el Viejo, hasta modernos bestiarios como el de Borges, se ha venido ilustrando el mundo natural.
La inclusión de los animales y el vínculo peculiar que en esta obra tienen con el ser humano es el argumento de mi proyecto: Are we human? Hombres, mujeres y otras bestias. Con él ilustro parte de los distintos bestiarios: El Fisiólogo Latino, el Bestiario Aragonés, el Castúo o el de San Isidoro de Sevilla entre otros.
Will Yakome Amazonia Pintura mural con esmalte Ecuador, 2018
Álvaro Giménez Ibáñez [We are sorry for any inconvenience: at the moment this space remains out of profitability.] Papeles amarillos impresos España, 2018 La instalación se plantea como una intervención de cancelación del espacio disponible para el uso artístico. Se trata de un intento de renunciar a la productividad visual contra la saturación contemporánea de imágenes y ante la exigencia continuada de ‘rentabilidad’ (profitability) sobre el espacio de una lógica de precarización del trabajo inmaterial y simbólico. El concepto de rentabilidad forma parte de una serie de ideas clave pertenecientes a la retórica utilizada en la promoción de la inseguridad e inestabilidad laboral como valor positivo. Este lenguaje —que incluye nociones como «creatividad», «competitividad», «emprendimiento», «innovación», etc.— merece ser analizado en detalle. Por otro lado, apreciamos un rotundo distanciamiento con el público ante la insolente falsa cortesía que connota el hecho de que el mensaje de anulación esté escrito en inglés.
Aída Espluges Voyeurs Instalación visual en puesto de mercado España, 2018
Una visión que explora la intimidad femenina y busca definir distintas realidades con el objetivo de superar los prejuicios heredados de la sociedad. ¿Cuál es tu rutina cuando nadie te observa?
Alejandro Marote & Federico Guardabrazo Xenón Instalación con 6 luces estroboscópicas, máquina de humo y ordenador España, 2018
Este proyecto desarrollado por Federico Guardabrazo y Alejandro Marote pretende reactivar un espacio desocupado en el Mercado Municipal Jesús del Gran Poder de Madrid. El mismo gas Xenón que se emplea en el sistema de iluminación de los equipos estroboscópicos que forman parte de esta instalación, tiene la capacidad de ser un gas anestésico utilizado en la medicina general. Para combatir el aletargamiento de una sociedad saturada visualmente, se expondrá a los visitantes de la instalación a una serie de ráfagas luminiscentes de color puro que refresque sus retinas.
José Manuel Darias Hormigas en el mercado Figuras moldeables en cartón reciclado España, 2018
An Wei Fresh Pintura mural con spray China, 2018
Fresh es una pieza in situ pensada a partir del contexto que la rodea. Dentro de los mercados podemos encontrar dos estados opuestos en constante equilibrio como la vida y la muerte. ¿Qué está suficientemente «fresh» como para considerarse todavía vivo? ¿o muerto? ¿o quizás muerto para dar vida de nuevo?
Marta Castro Take Me Home! Cemento y madera de balsa España, 2018
Este proyecto supone una representación subjetiva de la urbe. Se trata de un cambio en la percepción de los perfiles que dibujan las líneas de las construcciones en el espacio. Take me home! muestra imágenes iconográficas de lugares reales, de hogares que se aspira a poseer en un medio que resulta cada vez más precario para la adquisición de una vivienda.
Borja Sánchez Trillo Hopeless Serie de 10 fotografías España, 2018
El 22 de mayo de 2014, los militares derrocaron a un gobierno electo en Tailandia y el país entró nuevamente en un era post golpe. Este nuevo levantamiento militar se suma a los otros 11 golpes que ha sufrido el país desde el final de la monarquía absoluta en 1932. Algunos ciudadanos desafiaron al ejército y protestaron durante algunos días en Bangkok pero fueron rápidamente dispersados. La Junta Militar impuesta tras el Golpe y dirigida por el general Prayut Chan-o-cha declaró la ley marcial y el toque de queda en todo el país, prohibió las reuniones políticas y detuvo políticos y activistas contrarios. El general Prayut afirmó en aquel momento que estaban tratando de devolver la paz y la felicidad a la gente, y prometió
celebrar elecciones en 2015, fecha que se ha ido postergando desde entonces. Durante estos casi 4 años de gobierno militar, docenas de disidentes han decidido alzar la voz y romper el silencio general a pesar de la estricta censura impuesta en el país. Este proyecto de retratos lo conforman ciudadanos tailandeses que han sido acosados, detenidos o procesados por la Junta Militar debido a sus opiniones o actividades políticas. Hay estudiantes, activistas, un periodista, un político, un líder de los camisas rojas, un académico, una artista y una limpiadora.
Luminaria 03 ha sido producido y comisariado por Antonio Lozano y Eulogia Merle. Javier Ortiz-Echagüe, comisario invitado, ha presentado los trabajos de Patricia Almeida y David-Alexandre Guéniot, Alejandro Marote & Federico Guardabrazo y David Hornillos. Desde el principio han sido muchos los que han colaborado y nos han ayudado de múltiples maneras, y son muchos a los que hay que agradecer. En especial al Ayuntamiento de Madrid, la Junta Municipal de Usera, la Dirección General de Comercio, y Madrid Destino. Al mercado de Usera, a la gerente Eva María Alache García, la Asociación de comerciantes del mercado de Usera, a Jorge, Fernando y Mariano. Al mercado de Jesús del Gran Poder, a la gerente María Jesús Bohórquez, a la Asociación de comerciantes del mercado de Jesús del Gran Poder, a Antonio, Javi y Adalberto. A las marcas patrocinadoras por confiar en nosotros. Cervezas AMBAR por su apoyo en la inauguración y cierre. ABALARTE Subastas, y en especial a Gonzalo Mora, por su patrocinio de este catálogo y por su colaboración en el programa VOCES de Luminaria. A Javier Mosquera de la Vega al frente de Dans Off Proyect. Los espectáculos de danza que ha traído a la inauguración y cierre han recibido numerosos premios y ha sido un privilegio contar con ellos: «Yeonmi Park» por Dans Off Proyect / ZukDance Performing Arts Company; «Hamood» por Dans Off Proyect y David Vento, Miren Muñoz y Nataliya Andrukhnenko; «Tsunami» por La Méduse Teatro; «Vida» por Pepa Cabezas. A Cristina Martínez Delgado por el diseño de Luminaria, ya es parte importante del equipo. A Robert Harding Pittman, por la cesión de la fotografía que ha dado imagen a esta edición y hemos visto en carteles, lonas y comunicación online y por permitirnos contar con él siempre y para todo. A Raúl Gómez Carmona y su equipo por su increíble trabajo de comunicación, desde el principio ha estado con nosotros. A Hugo Martínez Burgos de Vizualy y a Guillermo de Torres de Espacio Oculto por su ayuda inestimable a la hora recaudar fondos. A Fernando Arroyo por su paciencia y ayuda con el sonido. A Javier Extremera por su fantástico vídeo del evento. A Fernando Ariza por su gran texto. Al grupo de danza boliviano Morenada Urkupiña por su actuación en la fiesta de cierre. Al grupo de música electrónica SLVJ+RAYULI por su actuación en la fiesta de apertura. A Yolanda, Joan, Susana, Carlos, Irene, Fe, Óscar, Gabriel, Filipa Valladares, Sonia Berger, Manolo Martínez Neira, Daniel, Magaly, Olga y Lautaro. A todos los artistas participantes y, sí, especialmente a aquellos que han entendido el fondo del proyecto y han sabido aportar más que recibir.
© Del texto y las imágenes: Luminaria, 2018 © De su texto: Javier Ortiz-Echagüe, 2018 © De su texto: Fernando Ariza, 2018 © De la fotografía del artista E1000: su autor, 2018 © De la fotografía de cubierta: Robert Harding Pittman, 2018 ISBN: 978-84-09-05282-0 Diseño y maquetación: Cristina Martínez Delgado Este catálogo ha sido compuesto con la familia tipográfica Neutra Text TF.
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colaboran:
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Impreso en Portugal por Printer Portuguesa.