Pouppe Tessio

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OBRAS 1965 - 2011

Coordinación Editorial Juan Cruz Andrada Textos: Julio Sanchez Rosa Faccaro

Corrección de textos Martha Soto Traducción al inglés: Nicole Kovalivker Julia Garzón Funes Diseño Gráfico Sebastián Urio Lucía Szych Impresión Fotografías de Obra Mariano Airaldi Pedro Roth Fabián Cañas Entrevista Juan Cruz Andrada

http://www.poupeetessio.com.ar

Tessio, Nilda Liria Poupee Tessio : obras 1965-2011 .

- 1a ed. - Buenos Aires : el autor, 2011.

136 p. : il. ; 30x23 cm.

ISBN 978-987-33-0167-4 1. Tessio, Nilda.Obra Artística. I. Título CDD 708

Agradeciemientos A Dios y a la vida por ser artista.

A mis nietos, porque por ellos ordené el futuro y la ausencia.

A mis hijos por soportar a una madre distinta.

A Gui por ser un “compinche” de primera A mis amigas por su colaboración, buena onda y buen humor Al diseñador Sebastián Urio por su paciencia.

Quiero destacar y agradecer especialmente a mi editor, Juan Cruz Andrada, por su ayuda y profesionalidad. Porque me apuntaló, aconsejó e impulsó constantemente con su empeño y entusiasmo y porque creyó en mi obra.

También quiero agradecer a todos los que colaboraron de una u otra manera con la edición de este libro: Nicole Kovalivker, Julia Garzon Funes, Sebastian Urio, Julio Sanchez, Rosa Faccaro, Catalina Fara, Mariano Airaldi, Martha Soto

A mis nietos

Mirar atrás.

Sobre la obra de Poupée Tessio.

Looking Backwards: Poupée Tessio’s Work.

Jugando con el mundo . Tinta y café . 11 x 30 cm . 1967.

Mirar retrospectivamente la propia obra es un paso arriesgado que Poupeé Tessio ha decidido dar. Ahí está la verdad sin anestesia, los altos y bajos, la continuidad y la disrupción. Poupeé se dio ese lujo, se lanzó sin red y asumió todos los riesgos. Algunos de sus seguidores podrán repasar su trayectoria, otros, descubrirán un periplo de varios años. ¿Qué se puede ver en esta aventura plástica? Desde los tempranos setenta hasta hoy hay una producción amplia y sólida, continua, casi sin intervalos, que habla de un compromiso inamovible y también de una voracidad sin límites, de una continua necesidad de producir. Luego, una variedad de técnicas que van desde la maestría académica hasta las experimentaciones más personales, desde la tela o el papel hasta la instalación de objetos. Hay una preferencia clara por la figuración y un leve coqueteo con la abstracción (aunque la artista prefiere evitarla); hay una constante admiración por los predecesores, por la historia del arte, y también un humor sutil que no es sátira ni obviedad.

To look backwards at one’s own work is indeed a risky step, and Poupée Tessio has decided to take it. It is there that truth is to be found, without anesthesia, with its ups and downs, its continuity as well as its disruption. Poupée has offered this luxury to herself, taking a leap in the dark and running all the risks. Some of her followers will be able to go over her trajectory, and others will discover a many year long journey. What can we see in this art adventure? From the early seventies till today her production has been wide and compact, practically without any pause, revealing an unwavering commitment as well as an unbounded voracity, a permanent need to produce. She displays a variety of techniques spanning from academic mastery to more personal experimentations, from fabric or paper to objects installation. There is a clear inclination towards figurative representation, with a very slight flirting with the abstract (which the artist prefers to avoid); her work shows a constant admiration for the great masters and the history of art, and is pregnant with a subtle humour that is neither satirical nor obvious.

La obra Jugando con el mundo: Un diablo conduce a un general de paso marcial, que guía a un diablo de cuernitos y orejas puntiagudas que a la vez guía a otro general que empuja a otro diablo que finalmente impulsa a otro militar dispuesto a arremeter contra todo el planeta.

Los seis personajes fueron creados por Poupee Tessio 4

The Work A devil leads a general of martial step who guides a horned and pointed-eared devil, who in turn guides another general pushing forwards another devil who in turn pushes forwards another soldier ready to attack the whole planet.

en 1966, y marcan, lejos, el espíritu de toda su obra. ¿Cuál es? En primer lugar una mirada hacia la historia del arte, la escena no ignora la famosa Parábola de los ciegos de Brueghel (1568) que a la vez está inspirada en el texto bíblico: “Dejadlos: son ciegos y guías de ciegos. Y si un ciego guía a otro ciego, los dos caerán en el hoyo”, (Mt, 15, 14) y también “¿Podrá el ciego guiar otro ciego? ¿No caerán los dos en el hoyo?” (Lucas 6, 39). En segundo lugar, la mirada crítica, Tessio transforma el tema de la pintura renacentista en una crítica contemporánea a la violencia militar entre las naciones. El tercer rasgo de su pintura es el humor gentil, tal como se comprueba en otra obra del mismo año, donde un militar de alto rango juega al billar con un diablo (pag.22), no se necesita más explicación. Ambas obras echan mano de una técnica peculiar, tinta y manchas de café sobre papel, lo que nos habla de una

These six characters, created by Poupée Tessio in 1966, already and clearly mark the very spirit of her entire work. There is, in the first place, a glance at history of art, as the scene sends back to the famous Parable of the Blind,

by Brueghel (1568), in turn inspired by biblical source: ‘Leave them: these are blind guides.

And if a blind man another blind man, both will fall into the pit.’(Matthews 15:14) and also ‘A blind man cannot guide a blind man can he? Will they not both fall into the pit? (Luke 6: 39). In the second place, Tessio’s critical look turns the theme of the renaissance painting into a contemporary criticism of military violence among nations. A third characteristic of her painting is the gentle and self explaining humour, as can be seen in another work dated the same year, where a high ranked soldier is playing billiards with a devil (pag.22). The peculiar technique we find in both works, ink and coffee spots on paper, speaks out about another 5

characteristic trait in Tessio’s work: a freedom of expression which refuses to restrict itself to classical academic patterns.

objetos se agrandan o se achican, cobran vida, los animales se humanizan y los hombres se metamorfosean, hay magia por doquier y la lógica se quiebra para dar paso al absurdo y al humor.

Popular scenes

Asistieron mis invitados y los espíritus. Acrílico. 60 x 90 cm . 1976.

cuarta característica más de la obra de Tessio, una libertad expresiva que no se ciñe a los moldes clásicos de la academia.

ESCENAS POPULARES Hay un gesto fuertemente narrativo en muchas obras de Tessio, sobre todo en su primera etapa. Algunas de ellas fueron inspiradas en grandes maestros de la historia universal. La pintura se convierte en un delicioso cuento de encuentros y desencuentros, puede haber una escena compleja a la manera de los Juegos de niños de Brueghel, o escenas más acotadas como en aquella pintura donde se ubican personajes alrededor de una mesa en actitudes que parecen naturales, pero que encierran gestos disparatados: una dama con turbante colorido que lleva una pechera con una diana de tiro al blanco, una mujer abrigada con una boa y no precisamente de plumas, otra más con su trasero al aire y peluca rosa.

Tessio recoge la tradición surrealista avant la lettre, de El Bosco, Goya o el mencionado Brueghel. Como si fuera una escena de Alicia en el país de las maravillas, los

Her early works show a marked narrative gesture, and in some, the great masters of universal history appear as a source of inspiration. The painting may then become a delightful story of meetings and failed meetings, or a complex scene after the fashion of Brueghel’s children games, or even offer more delimited scenes, such as these characters around the table who, under a seemingly normal attitude, enclose a degree of craziness: there is a lady with a colourful headband whose bust is a dartboard, another lady is wrapped in a boa -which is not precisely made of feathers-, and a third one exposes her buttocks and wears a pink wig. Tessio picks the avant la lettre surrealist tradition of El Bosco, Goya or the above mentioned Brueghel.

As in Alice in Wonderland, objects get bigger or smaller, animals get humanized and humans metamorphose, there is magic everywhere and logic falls apart to give way to the absurd and the humourous.

The portrait Many characters in the fields of art, politics or culture have been portrayed by Tessio. Jorge Luis Borges, Raúl Alfonsín, Osisris Chierico, Sarita Narváez and her daughter Jazmín, Nancy Quintas de Guggenheim, Neil Diegues, Marta Uranga and Manuel Bandeira are some of the models on whom such privilege was bestowed.

As a matter of course and practically as a rule, her family and the people who are dear to her also find their place in this chapter. Portraits are varied, with a neuter background in some cases, in others with plenty of flowers or details evocative of Gustav Klimt, the great Austrian portrait painter. A group of portraits stand out because of the fantastic, almost surrealist

El retrato Muchos personajes vinculados al arte, a la política y a la cultura en general fueron retratados por Tessio. Jorge Luis Borges, Raúl Alfonsín, Osiris Chierico, Sarita Narváez y su hija Jazmín, Neil Diegues y Marta Sangiorgi son algunos de los privilegiados por los colores de nuestra artista. Naturalmente y como es casi de rigor, la familia y los seres queridos también tienen su lugar en este capítulo. Los retratos son variados, en algunos casos con fondos neutros, en otros con un despliegue de flores o evocaciones a Gustav Klimt, el gran retratista austriaco. Hay un grupo de retratos que se destaca por la incorporación fantasiosa, casi surrealista de elementos dispares en el personaje, como en Troilo o El hacedor.

inclusion of disparate elements in the character, in Troilo or The Doer for example. Her Self portrait (1977) is certainly a peculiar case.

How does she see herself? There are little birds flying out of the woman’s head, which reminds of the popular idiomatic expression in Spanish, ‘a head full of little birds’, to refer to the profusion of ideas only leading to escape from reality; she wears a necklace made of men’s heads, an (involuntary) analogy with Goddess Kali’s necklace, made of her enemies’ skulls.

It is certainly significant that the woman in the self-portrait should wear her men’s heads: usually the woman is the man’s ‘trophy’. Quite early then, when gender studies in literature and art were only at their inception, Tessio inverted the terms of patriarchal domination; it is not the man who conquers the woman, it is her who pursues him. The headgear spills from head to trunk into countless plants and animals: a lion, a stork, a wolf, some butterflies, a cow and even a snail. The presence of each of them is not merely decorative but symbolic, as animals’ characteristics have always been associated with those of men: the lion’s leadership, the wolf’s slyness, the snail’s slowness, the butterfly’s ephemeral beauty, and so on.

Un caso particular es precisamente su Autorretrato de 1977. Veamos cómo se ve a sí misma. De la cabeza de la mujer vuelan pajaritos, lo que recuerda una expresión popular (cabeza llena de pajaritos) para referirse a la profusión de ideas que no llevan más que a la evasión de la realidad; luego un collar de cabezas de hombres, que tiene una fuerte analogía (involuntaria) con el collar de calaveras de sus enemigos que usa la diosa Kali.

Es significativo que el autorretrato muestre a una mujer que porta la cabeza de sus hombres como cuentas de un collar, cuando se supone que es el hombre quien debería tener a la mujer como “trofeo”. Es decir, muy temprano, o por lo menos cuando recién asomaban los estudios de género en la literatura y el arte, Tessio invierte los términos de dominación patriarcal, no es el hombre quien conquista a la mujer, sino ella quien Confesión de parte (Autorretrato) . Acrílico . 120 x 80 cm . 1977.

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persigue a él. El tocado se derrama de la cabeza al torso con un sinnúmero de plantas y animales, hay un león, una cigüeña, un lobo, algunas mariposas, una vaca y hasta un caracol. La presencia de cada uno de ellos no es meramente decorativa, sino simbólica, desde siempre las características de los animales han sido asociadas a las del hombre, el liderazgo de un león, la astucia de un lobo, la lentitud del caracol, la belleza efímera de una mariposa, etcétera. El abigarrado conjunto deja lugar a las sorpresas, como un angelito (a la manera de los putti del Renacimiento italiano) que secretea algo al oído, mientras arriba otro angelito (menos angélico, más diabólico) parece contrarrestar a su par, oposición que también se repite con la figura de un sacerdote acechado por una bruja.

La fórmula del retrato psicológico no deja ser apasionante, más allá de los rasgos con los que se puede identificar a la modelo, la multitud de personajes induce a recrear la personalidad compleja de una mujer. Aunque no haya pensado específicamente en él, hay cierto parentesco de estos retratos con el genial Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593).

Con la lengua afuera. Óleo. 100 x 130 cm . 1995.

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The multicoloured ensemble offers surprises, such as the angel (after the fashion of the putti, in Italian renaissance) whispering some secret in her ear, while another angel, (somewhat less angelical, more devilish) is seemingly counteracting, in an opposition reiterated in the detail of the priest stalked on by a witch. The formula of the psychological portrait is fascinating: beyond the identifiable features of the model, the multiplicity of characters is propitious to recreate the complex personality of a woman.

Though this is not specifically sought, it is possible to see a certain relationship between these portraits and those by the artistic genius Giuseppe Arcimboldi (1527-1593).

The bestiary Buenos Aires, Close of the Century forms one of the most enticing chapters of Tessio’s creative novel. Vernissage (pag.48) can be regarded as a ‘collective portrait’ of Buenos Aires’ artistic fauna. It is a well known fact that art is often buried under what can be called an ‘epiphenomenon’ comprising everything that surrounds the work, a complex system including social events, prize giving ceremonies, critics, gallery owners, painter friends and many more. This painting is a friendly wink at characters which are musts: the artists Rogelio Polesello, Marta Minujín and Carlos Alonso, the businesswoman Amalia Fortabat, the critics Jorge Glusberg and Raúl Santana, the gallery owner Osvaldo Centoira and the entertainer Eduardo Bergara Leumann. The photographs are of course represented, as well as the waiters with the highlyvalued treasure: the glass of Champagne. One can see four pelicans, beaks widely open –ready perhaps to gobble up whatever they can-; some vultures are overflying the scene, a metaphor for ‘art snoopers’, a jaguar is roaring, a chimpanzee is doing all kinds of mimicries and an elephant is stomping clumsily in a vanity fair.

Placed in the very background, the works of art seem almost forgotten. In these paintings, on the left margin, one can see (or rather make out)

El bestiario Hay un capítulo apasionante en la novela creativa de Tessio que tituló Buenos Aires Fin de Siglo. Hay una obra, Vernissage, (pag.48) que puede ser considerada como un “retrato colectivo” de la fauna artística de nuestra ciudad. Sabemos que el arte muchas veces es sepultado por lo que podemos llamar el “epifenómeno”, es decir, todo aquello que rodea a la obra, un sistema complejo que incluye eventos sociales y premiaciones, críticos, galeristas, pintores amigos y otros tantos.

La obra es un guiño simpático hacia personajes infaltables, como el artista Rogelio Polesello, Marta Minujín o Carlos Alonso, la empresaria Amalia Fortabat, críticos como Jorge Glusberg o Raúl Santana, galeristas como Osvaldo Centoira, u hombres del espectáculo como Eduardo Bergara Leumann. No falta el fotógrafo, ni los mozos con el más preciado tesoro, la copa de champagne. En el medio se ubican cuatro pelícanos con sus bocotas abiertas, ¿están ahí porque se embuchan cualquier cosa?; hay buitres sobrevolando, una metáfora de “los merodeadores del arte”; un jaguar ruge al acecho, un chimpancé parece imitar cualquier cosa y un elefante camina con torpeza en un bazar de vanidades. Muy atrás, en último plano, casi olvidadas, las obras de arte.

Entre estos cuadros, en el margen izquierdo, se puede ver (o entrever) el contorno de un pelícano distinto, el que rasga su corazón para alimentar a su pichón, tropo clásico de la figura crística.

En otra pintura, Cocktail (pag. 50) ya no se ven obras, y son más los pelícanos tragones que las personas interesadas en el arte. No es ocioso recordar los bestiarios medievales -especialmente populares en la Inglaterra y Francia del siglo XII-, aquellos compendios que describían animales, plantas e incluso rocas con una intención moralizante. Casi con el mismo espíritu, nuestra artista ubica animales y personas en un mismo horizonte moral, como si los hombres también formaran parte del mismo zoológico.

Bs As acocalipsis now. Óleo. 130 x 130 cm . 1995.

the contours of a different pelican, tearing its heart to feed its chick as in the classical trope.

In Cocktail (pag.50), no paintings are exhibited and gluttonous pelicans seem to be more interested in art than people. It is not pointless to recall the medieval bestiaries -especially those popular in France and England around the XII th century- which were real compendia of zoology, botany or mineralogy and included a moralistic intent. Practically in a similar spirit, our artist places animals and people on a same moral footing, as if men belonged to the same zoo.

Tessio insists on updating the idea of ‘bestiary’ in The Sock-exchange (pag.55) where shareholders and businessmen are roaring with other predators, in this case five Bengali tigers. Puffing and Panting (pag. 52 and 53) laughs at our society’s speedy pace. A taxi is running as fast as an ambulance or a police car, a bride is getting married ‘in haste’, social and daily requirements compel us to instant coffee, instant food, instant news, quick procedures and quick laundry, as if nothing and nobody could wait to let us enjoy a moment of idleness: as the saying goes, ‘time is money’, and to be in a perpetual rush is therefore equivalent to wealth ostentation.

Something similar occurs in Apocalypse now (1995): in a multicoloured urban scene, three gi-

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Tessio insiste en actualizar la noción de “bestiario” en La Bolsa (pag. 55) donde los accionistas y empresarios rugen con otros depredadores, en este caso, cinco tigres de Bengala. O Con la lengua afuera (pag. 52 y 53), una ironía sobre el comportamiento “fast” de nuestra sociedad: el taxi corre a la misma velocidad que la ambulancia o el patrullero, la novia se casa “de apuro” con su pareja, los mandatos sociales y cotidianos nos obligan al café instantáneo, a los trámites urgentes, al bar al paso, a la noticia al instante, el lavado rápido de ropa, como si nada ni nadie pudiera esperar y gozar el tiempo muerto de un viaje o simplemente perder el tiempo, como una ostentación de riqueza siguiendo la ecuación “el tiempo es oro”.

Algo semejante pasa en Apocalipsis Now, (1995) una abigarrada escena urbana con tres gigantescos tigres hurgando entre una muchedumbre de gente y automóviles. El embotellamiento es la excusa para mostrar motochorros, rateros, niños de la calle, manifestantes, y todo el espectro de violencia urbana que sufrimos día a día quienes habitamos en una ciudad. El escenario es definido, la plaza de la República, donde se ubica el Obelisco porteño, en el cruce de la avenida Corrientes con la avenida 9 de julio. Esto es significativo no solamente porque constituye una postal característica de Buenos Aires, también es el punto ordenador del caos. Recordemos al investigador de las religiones Mircea Eliade cuando dice que un territorio se ordena siempre mediante un monumento que actúa como la montaña sagrada (el mítico monte Meru de los hindúes) pues comunica el cielo con la tierra. Así ha sucedido con los colonizadores españoles que clavaron un tronco con las prebendas reales, o los astronautas que implantaron la bandera de los Estados Unidos para empezar a “cosmizar” el caos.

Pues bien, la obra de Tessio establece una dialéctica entre cosmos y caos, donde bestias, humanos y máquinas se mezclan en una lucha sin fin. La palabra Apocalipsis remite claramente al misterioso libro escrito por San Juan en la isla de Patmos y en el caso particular de esta obra describe lo más parecido al fin del orden urbano.

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gantic tigers are rummaging in a crowd of people and cars. The traffic jam serves as an excuse to show motorcyclist thieves, petty thieves, street children, rioters, and the whole spectrum of urban violence we, city dwellers, have to suffer day after day. The setting is unambiguously the Republic Place, with its characteristic obelisk, at the crossing of Corrientes and 9 de Julio Avenues. This is not only a typical postcard of Buenos Aires, but also a reference point putting this chaos in order. Precisely, the religion researcher Mircea Eliade stresses the role played by a monument to order a territory, acting as the ‘sacred mountain’ (the mythical Meru Mount to the Hindus) which joins the sky to the earth. The same happened with the Spaniards nailing the royal privileges to the trunk of a tree or the astronauts staking the flag of the United States on the moon to make a ‘cosmos’ out of the lunar chaos.

Tessio’s work establishes a dialectics between cosmos and chaos, where beasts, humans and machines meet in an endless struggle. The word ‘apocalypse’ clearly refers to the mysterious book written by St John on the Patmos Island, and in this particular painting, it describes the end of urban order.

Los árboles El árbol es un símbolo profundo y arcaico de los tres niveles de la realidad: hunde sus raíces en el inframundo, su tronco crece en el mundo del hombre y las ramas se elevan al cielo. Para muchos pueblos ha sido un maestro de vida, sólo hay que observarlo atentamente, ver como el ciclo de las estaciones lo fortalece, o ver que desprenderse de las hojas que ya no le sirven permite que los nuevos brotes crezcan con más fuerza, o comprobar el ciclo de renacimientos y muertes.

Tessio ha tomado una especie particular, la palmera, y la ha cruzado con formas humanas; con la técnica del collage y la pintura edificó figuras con un largo tronco que se abre en la parte superior, precisamente como la mayor parte de las especies de palmeras, de ahí pueden salir manos, piernas y otros fragmentos de personas. Esa síntesis botánico-humana va de la mano con la enseñanza de las tradiciones simbólicas: sólo el árbol que tiene sus raíces bien hundidas puede crecer bien alto, cuanto más afirme abajo, más alto arriba; del mismo modo, sólo el hombre que esté bien plantado podrá elevarse espiritualmente.

Por otro lado, hay una cuestión de género que no puede solaparse, hablamos de “la” palmera y de ella surgen brazos y piernas de mujer, como si se estuviera eludiendo el masculino de “el” árbol, muy en consonancia con toda la mirada de Tessio. Los títulos de las obras son orientadores: Palmera de la femineidad, Palmera del fantasma enamorado, Palmera de la afirmación, Palmera del sentimiento oculto, Palmera de la conciencia, en todas ellas hay una búsqueda que explora los aspectos sicológicos y más profundos de lo femenino. El cuerpo vertical es paralelo al árbol.

Vernissage II. Óleo. 160 x 100 cm . 1995.

Tessio sigue utilizando esta forma para su serie de Cuerpos escritos (pag. 88 y 89). Todos tienen una expresión de serenidad, como la de un árbol que resiste el invierno o disfruta la primavera, impasible ante el elogio o el insulto. Sobre estos cuerpos la artista dibuja líneas

Brotado. Técnica mixta. 80 x 80 cm . 2007.

Trees The tree is a profound and archaic symbol of the three levels of reality: its roots are buried in the underworld, its trunk grows in the world of men and its branches rise towards the sky. To many peoples, the tree is life-teaching: if you observe it attentively, you will see how it gets stronger and stronger season after season, how the withered leaves fall to give room to new leaves and shootings, you will see the cycle of deaths and rebirths. The tree chosen by Tessio is the palm tree, in which she incorporates human forms; she resorts to the techniques of collage and painting to elaborate a long trunk with a top widening into branches like most palm trees do, from which hands, legs or other human parts stick out. This synthesis of botanical and human elements goes hand in hand with the teachings of symbolic traditions: only the tree whose roots are deep can grow high, the firmer deep down, the higher high up. In the same way, only the man whose roots are firm can rise spiritually. The issue of gender cannot be overlooked: in Spanish, palm tree is a feminine word, it is a ‘she’ palm tree out of which women’s arms and legs spring, the ‘he’ tree, a masculine word in Spanish, is purposefully avoided. Tessio’s works, of revealing titles, explore sociological and specific aspects of the feminine condition: The Palm Tree of Femininity, the Palm Tree of the Phantasm in Love, The Palm Tree of Self Affirmation, The

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expresivas, con el ya clásico chorreado (dripping) de los informalistas, de esta forma combina y sintetiza la tradición figurativa más clásica, racional y controladora, con la gestualidad, más espontánea y azarosa.

Telas y flores Las flores (especialmente amapolas y girasoles) son la temática central de otra serie de obras de Tessio en la que también se incluyen animales y frutos. En estas, la artista provoca una mutación del soporte clásico de la pintura, la lona, para convertirlo en una tela más vaporosa, tal como si estuviera pintando el estampado de un vestido. En la pintura clásica, el espectador aspira a ver una manzana pintada, pero en las pinturas de Tessio ve una “tela estampada con una manzana pintada”.

Es como una vuelta de tuerca a la famosa Traición de las imágenes (1928- 1929) de René Magritte, donde hay una pipa pintada con la inscripción: “Esto no es una pipa”. El belga metió la hoja de un cuchillo entre la representación y lo representado, nos obligaba a afirmar algo como “qué hermosa pintura de un caballo” en vez de “qué hermoso caballo”. Siguiendo la huella de Magritte, nuestra artista pliega telas con imágenes de elefantes, paisajes, frutos y otros temas para luego volver a “pintarlas” en un juego dialéctico que nos hace pensar en un sistema de representación pictórico (pag.

42 a 47).

La mujer El cuerpo femenino y la construcción del género constituyen otro capítulo significativo en la epopeya pictórica de nuestra artista. Desde diferentes perspectivas aborda el lugar de la mujer en la sociedad contemporánea y pone en entredicho el poder patriarcal.

Palm Tree of the Hidden Feeling, The palm Tree of Consciousness.

The vertical body is parallel to the tree. Tessio keeps on using this form in the series Written Bodies (pag. 88 and 89). The expression of serenity, present in each, sends back to the tree which resists winter and enjoys spring, impassive before praise or insult. The artist draws expressive lines on these bodies using the already classical ‘dripping’, thus combining classical figurative tradition, rational and controlling, with a more spontaneous and random gesture.

Para explorar el cuerpo femenino Tessio crea un plano de contornos femeninos donde los nudos urbanos se transmutan en zonas erógenas, la entrepierna, los senos y el ombligo son rotondas que distribuyen calles, mientras que hay un “camino de cintura” y una autopista que se bifurca en el escote. Por los muslos pasa la Avenida de las Caricias y por el otro, la Avenida de los Besos, más abajo el mapa se complementa con una Guía Sexual de la Novia, una ironía que compara a la “novia” con un electrodoméstico nuevo que para ser utilizado necesita un manual de instrucciones.

Mujeres memorables (pag. 69) es otra obra, con un vestido tapizado de rostros de decenas de mujeres, a los costados etiquetas con nombres de amigas, conocidas, parientes o simplemente mujeres que la artista se cruzó en la vida. Seguramente ninguna de ella tenga o merezca un monumento público o una calle con su nombre, pero, ¿a quién le importa?. Esas son heroínas que pasan a la historia, a Tessio le importan las heroínas cotidianas, no le interesa la macrohistoria, sino la microhistoria y ahí está de acuerdo con las últimas tendencias en la historiografía, de rescatar pequeñas biografías, en vez de grandes nombres centrales en la política u otras campos. Dice la propia Poupee: “Decidí homenajear a mis amigas, porque para mí son mujeres memorables. Algunas han sido reconocidas en sus profesiones o actividades, pero hay otras que, como hormiguitas anónimas, han trabajado para hacer la vida mejor y placentera para otros, como las “amas de casa”, y las que día a día, uno igual al otro, y en la edad del reconocimiento han esperado que alguien les diga: “Sos una mujer maravillosa”. Ellas son a las que les dedico preferentemente esta obra. Este homenaje es para que con todo mi cariño se sientan “diosas” y sepan que, para mí, son las mujeres más importantes de mi vida.”.

La suma de estas mujeres anónimas, pero con nombres

Cloths and Flowers Flowers, (poppies and sunflowers especially) form the thematic backbone of another series

by Tessio, who includes also animals and fruits.

In these works, the artist causes the traditional canvas to mutate into a more vaporous cloth, as if she were printing the pattern of a summer dress. In a classical painting, the spectator aspires to seeing, say, an apple, but in Tessio’s work, he will see a ‘printed cloth with a painted apple’. A turn of the screw to René Magritte’s famous Treachery of images (1928-1929) where the painted pipe is accompanied by the inscription: ‘this is not a pipe’. The Belgian artist put the blade of a knife between the representation and the represented, forcing us to affirm ‘what a beautiful painting of a horse ‘rather than ‘what a beautiful horse’. Following in Magritte’s footprints, our artist folds cloths with pictures of elephants, landscapes, fruits and other themes to ‘paint’ them back, in a dialectical game which leads us to think of a system of pictorial representation (pag. 42 to 47).

The Woman The female body and gender construction mean another significant chapter in Tessio’s pictorial epic. From different viewpoints, she tackles the issue of the place of women in contemporary society and questions patriarchal power.

To explore the female body, Tessio creates a plane of female contours where urban knots become erogenous zones: groin, breasts and navel are roundabouts, there is a ‘belt path’ and a highway which forks into the neckline. The Caresses Avenue passes through the thighs, the Kisses Avenue passes through the other side, and the map is completed with the Bride´s Sexual Guide, which ironically compares the bride to a new domestic appliance requiring an instructions manual.

Palmera de la femeneidad. Técnica mixta. 130 x 50 cm . 2007.

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y apellidos, dan por resultado un arquetipo de mujer.

Eso es lo que aborda nuestra artista en su serie de muñecas-tótem, objetos cilíndricos con formas femeninas (pag. 16), algunas de ellas tienen cuellos muy largos a la manera de la tribu Karen, en Tailandia, que acostumbran usar anillos metálicos para estirar esa parte del cuerpo. Sus cuerpos están pintados o tatuados y cada una de ellas parece tener puertas, ventanas o alguna especie de receptáculo en la que se guarda algún objeto. No sólo se está potenciando el carácter receptivo del cuerpo femenino, sino también el concepto de secreto para ser develado, de tesoro a descubrir, invisible, oculto, en el interior no visible.

Hay un ciclo de pinturas que cuentan la epopeya de “la Nelly” (pag. 70 a 77), más que una epopeya, podríamos decir, la novela de la tarde. Poupeé creó una mujer que tiene mucho en común con otras mujeres argentinas, una de clase media, que aspira a crecer, a enamorarse y a formar una familia, a una felicidad codificada que a veces sale bien y otras no tanto. En un cuaderno, casi una bitácora, nuestra artista armó el árbol genealógico de la Nelly, su padre dueño de una pizzería; su madre, modista; y la familia típica del conourbano porteño.

Ella logra lo que muchas mujeres sueñan, casarse. Lo hace con Julián, un viajante de comercio, que si bien al principio de la relación la ama, pronto comienza a celarla y a vigilarla en extremo. Ella se siente un animal doméstico, con sus aspiraciones artísticas cercenadas y limitada al hogar, que siente como una cárcel. A la Nelly le gustaba cantar y esa vocación la conduce a una decisión terminante, abandonar a su marido. Conoce a otro hombre, Mosquito Fernández, un “rockero under”, que la trataba con la ternura y el cariño que ella buscó siempre. En fin, la historia tiene los ribetes de una telenovela, la torta de bodas, la desesperación del encierro, el intento de suicidio, la liberación, la consagración como cantante y otros tantos capítulos de vida que Poupeé ilustra minuciosamente en cada una de

sus pinturas, tanto que hasta incluye textos para que no queden dudas ni de los hechos ni de los sentimientos de su heroína.

En otro ciclo de pinturas donde predomina el color azul, Tessio toma otro arquetipo de mujeres, como en Lupe, Delfina y Betina (pag. 107), son chicas que no sufren por amor, sino por permanecer jóvenes. Ya no quieren seducir a un hombre sino al espejo. Ellas se juntan a hablar de ellas, de sus cirugías estéticas y de cómo lucir más bellas, así se las ve en Botox Party (pag. 100), donde nos imaginamos a las chicas felices de eliminar la papada, las patas de gallo, las bolsas bajo los ojos, y las arrugas de las comisuras y la frente. Se corrobora la misma idea en otras obras, como Visitando la fuente de juventud y belleza (pag. 108 a 109)

A modo de conclusión: I. En las últimas producciones se acusa más claramente una tendencia constante a lo largo de la obra, el gusto por la fragmentación. Nuestra artista toma trozos de papel que ella misma pinta y luego utiliza para componer diferentes escenas o figuras. No deja de evocar cierta estética finisecular, afin al modernismo austríaco, donde en cada fragmento hay diseños geométricos que se repiten, sean espirales, círculos concéntricos, abanicos triángulares, chevrons, cruz de San Andrés y un repertorio afín a la geometría de la heráldica; luego toma cada uno de ellos y los combina en armonía de paleta para crear figuras humanas, animales o escenas. En Mujer y lobo, (pag. 85) por ejemplo, cada elemento del cuadro está compuesto por cientos de diseños geométricos, sea para los personajes, las flores, él árbol o el vestido de la protagonista, inclusive los fondos como el cielo o el pasto. Es notable como esta estrategia de fragmentación se mantiene hasta en las composiciones más abstractas de los últimos años y se puede rastrear en momento anteriores; en la epopeya de la Nelly, por

In Memorable Women (pag. 69) there is a dress covered with the faces of dozens of women, and on the sides there are tags with the names of friends, acquaintances, and relatives or simply women Tessio just met at one time or other.

Surely, these women do not have a monument erected in their honour, they do not have a street named after them and probably do not deserve it, but, who cares? They are heroines who will go down in history. These un-heroic heroines do matter to Tessio, she is interested in micro, not macro-history, and she fully agrees with the latest trend in historiography which tends to retrieve little biographies rather than big names in politics or other fields. Poupée says: ‘I decided to pay tribute to my friends, because they are memorable women to me. Some of them have won recognition in their work or activities, but there are other who, like anonymous ants, have been working to make life better and more pleasant to others, housewives who, day after day, every day the same, have been waiting in vain for somebody to tell them ‘‘You’re an extraordinary woman’’. To these, especially, I dedicate this work. This tribute is for them to feel like goddesses, for them to feel that they are the most important women in my life’.

As a result, we get from these anonymous but fully named women an archetypal woman. This is the theme treated by Tessio in the ‘dollstotems’ series, female-shaped cylindrical objects (pag. 16); some of them have very long necks, after the fashion of the Karen tribe women, in Thailand, who use metallic rings to stretch this part of their body. Their bodies are tattooed or painted, and each of them seems to have doors, windows, or a receptacle of some sort to keep things. Thus, not only is the receptive characteristic of the female body emphasized, but also the concept of a secret or a treasure to be discovered, something precious and invisible from the outside.

A series forms the ‘Nelly’ epic (pag. 70 to 77): actually more a TV soap opera than an epic.

Mapa sexual de la novia. Técnica mixta. 57 x 20 cm . 2003.

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“Sólo un año en mi vida, no pude pintar. Decidí realizar una materia pendiente: hacer escultura.

Me divertí mucho jugando con varias técnicas para representar mis personajes“

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ejemplo, muchas escenas están compuestas a la manera de un cloisonné, aquella vieja técnica de trabajo en metal que compartimentaba espacios para llenarlos de esmalte o vidrio.

II. ¿Qué ha mirado Tessio todo estos años con el lente de su pintura? Si se revisa la totalidad de su obra uno descubre a una cronista de nuestro tiempo, una observadora de las glorias y miserias de nuestra sociedad.

Tessio no se exalta ni se angustia, más bien sonríe y tiene una actitud de conmiseración, pues sabe que ella misma está adentro de este paso de comedia. Sin hacer

Poupée has created a woman who shares the middle-class Argentine woman’s aspirations: grow, fall in love, and form a family. This is a codified happiness which may be successful or not. In a notebook, a logbook, so to speak- we find Nelly’s genealogical tree: her father owned a pizzeria, her mother was a dressmaker. Hers is a typical Buenos Aires suburbs family. Nelly achieves the dream of most women: to get married. She marries Julian, a travelling salesman who loves her at first but becomes frantically jealousy and starts watching her too closely.

Nelly feels she is some kind of pet, that her artistic aspirations are thwarted, that her home has become a jail to her. Nelly wants to be a singer and to embrace her career she takes the drastic step of leaving her husband. She meets another man, Mosquito Fernández, an underground rocker who gives her the tenderness she has always been looking for. None of a TV soap opera’s trimmings is missing: the wedding cake, the despair of being shut away, a suicide attempt, liberation, recognition as a singer and many more episodes are minutely illustrated by Poupée, who also includes texts to shed even more light on the heroine’s feelings and adventures.

“pintura de género”, sin militar en el feminismo, Tessio deja en su obra la impronta de una mirada femenina. No es casual que su primera muestra individual se haya llamado Yo mujer. Ella pinta a la que espera con ansias el llamado telefónico del bienamado, o a la que se resiste al paso del tiempo echando mano de los recursos quirúrgicos disponibles; pinta tan bien el “periplo de la heroína” porque ella misma es esa heroína y ella misma ha recorrido ese periplo. Le tocó vivir los últimos años del siglo XX y los primeros del XXI, ha sido testigo privilegiado de cómo se ha transmutado la mujer y la sociedad. De todo esto da testimonio un corpus de trabajo serio y no exento de humor.

II. What is it that Tessio has been looking at through the lens of her painting, all these years? Going over her entire work, one discovers a chronicler of our time, an observer of the glories and miseries of our society. Tessio gets neither excited nor distressed,

In other series, where blue is the prevailing colour, Tessio chooses a different type of women: Lupe, Delfina and Betina (pag. 107) do not suffer out of love, but because they want to be eternally young. Their desire is to seduce the mirror, not a man. They get together to talk about themselves, about their plastic surgeries, about how to be more beautiful; in Botox Party (pag. 100) we imagine them, happy to get rid of their double chin, their crow’s feet, the bags under their eyes, the wrinkles at the corners of their mouth and on their forehead. Visiting the Spring of Youth and Beauty (pag. 108 to 109) explores the same theme.

she smiles compassionately, knowing that she is part of this comedy. Her paintings are not ‘gender’ paintings, she is not a feminist activist, but her works do carry female hallmarks.

Her first individual exhibition was called ‘I, Woman’: this is not by chance. She portrays the woman who’s anxiously waiting for her beloved’s call, or the one who fights the passing of time with surgical weapons; if she is so good at painting the Heroine’s Journey, it is because she is this heroine who has made this journey. During the last years of the XX th century and the first years of the XIst, she has been the privileged witness of the transmutation of woman and society. The testimony she gives us is a corpus of serious work, not free from humour.

By way of conclusion: I. The latest works consistently show a marked tendency to fragmentation. Our artist uses bits of paper she has previously painted to comMujer con lobo. Técnica mixta. 140 x 100 cm . 2005.

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pose different figures or scenes. One cannot fail to see there a certain evocation of the close of the 19th century aesthetics, akin to Austrian modernism, where each fragment bears a geometrical pattern, such as spirals, concentric circles, triangular fans, herring bones, Saint Andrew crosses, and motifs pertaining to heraldry; these are combined according to a harmony of palette to create human figures, animals or scenes. All the elements in Woman and Wolf (pag. 85) are made of hundred of geometrical patterns: the characters, the flowers, the tree, the main character’s dress as well as the sky and the grass in the background. It is noteworthy to see how this fragmentation strategy persists even in the most abstract compositions of the latest years and can be traced back to prior moments; in Nelly’s epic, for example, many scenes are made up after the fashion of a cloisonné, the ancient metalwork technique which consists in compartmentalizing spaces and filling them with enamel or glass.

Amor sin cordura. Técnica mixta. 140 x 120 cm . 2007.

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OBRA GRﾃ：ICA 1966-1975

Jugando con el mundo . Tinta y cafﾃｩ . 11 x 30 cm . 1967

Yo mujer . Tinta china sobre papel . 80 x 60 cm . 1972.

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El juego . Tinta y café sobre papel . 30 x 11 cm . 1967.

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La huelga . Tinta y café sobre papel . 30 x 11 cm . 1967.

Homenaje . Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1967.

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La consulta. Tinta y café sobre papel . 19 x 16 cm . 1967.

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Té de brujas . Tinta y café sobre papel . 16 x 19 cm . 1966.

25

Serie Proceso a una suegra. "La vendetta" . Tinta y cafĂŠ sobre papel . 19 x 16 cm . 1966.

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Serie Proceso a una suegra. "Lo siento" . Tinta y cafĂŠ sobre papel . 19 x 16 cm . 1971.

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Escenas populares 1975-1978

Domingo de feria . AcrĂ­lico . 70 x 90 cm . 1977.

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Invitados especiales . Acrílico . 50 x 60 cm . 1977.

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Esperando el llamado . Acrílico . 60 x 80 cm . 1975.

Fiesta de hijos pródigos . Acrílico . 40 x 50 cm . 1975.

El contrabando . Acrílico . 35 x 45 cm . 1976 .

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RETRATOS 1972-1989

A confesión de parte (Autorretrato) . Óleo . 140 x 120 cm . 1978.

32

Nancy Quintas de Gougenheim . Óleo . 130 x 130 cm . 1988.

34

Marta Sangiorgi . Óleo . 120 x 100 cm . 1987.

35

Nosotros . Ă“leo sobre madera . 140 x 100 cm . 1972.

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Neil Dieges . Ă“leo . 140 x 80 cm . 1987.

38

Osiris Chierico . Pastel . 100 x 70 cm . 1986.

39

Raúl Alfonsín . Óleo . 120 x 70 cm . 1986.

40

Jorge L. Borges . Óleo . 90 x 60 cm . 1986.

41

PLEGADOS 1988-1993

Reflejos . Óleo . 130 x 160 cm . 1983

Elefantes . Óleo . 150 x 150 cm . 1993.

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Montoya . Óleo . 100 x 100 cm . 1990.

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Colas de zorro . Óleo . 100 x 130 cm. 1992.

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Reflejos . Ă“leo . 130 x 160 cm . 1983.

BUENOS AIRES FIN DE SIGLO 1994-1996

Vernissage II . Óleo . 140 x 100 . 1995.

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Cóctel. . Óleo . 120 x 140 cm . 1995.

50

Buenos Aires Apocalipsis now . Óleo . 130 x 130 cm . 1995.

51

Con la lengua afuera . Ă“leo. 120 x 140 cm . 1994.

Pagina siguiente detalle 52

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Delegación extranjera . Óleo . 120 x 120 cm. 1995 .

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La bolsa. Óleo . 120 x 140 cm . 1994.

55

UNIENDO MIS PEDAZOS 2001-2004

Dame tu email . Óleo . 130 x 120 cm . 2002.

56

La boda. Óleo . 130 x 130 cm . 1999.

58

Desayuno en la hierba . Óleo . 130 x 160 cm . 2000.

59

Carta a un pariente lejano . Ă“leo . 120 x 130 cm . 1999.

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61

La conversación . Óleo . 130 x 160 cm . 2003.

62

La realidad su máscara . Óleo . 130 x 160 cm . 2003.

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DE LO FEMENINO 2002-2006

Nombre de la obra, técnica, medidas, año.

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Serie de lo femenino . Óleo . 130 x 50 cm cada uno . 2002.

65

Al ballotage . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003.

66

La cuarentona que esconde su pasado . 57 x 20 cm . 2003.

Mapa sexual de la novia . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003 .

Novia hippie . Técnica mixta . 57 x 20 cm . 2003.

67

Homenaje a mis amigas . 100 x 70 cm . 2004 .

Serie mujeres argentinas. La Milonguita . Ă“leo . 105 x 26 . 2004.

68

Serie mujeres argentinas. La under . Ă“leo . 105 x 26 cm . 2004 .

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LA NELLY 2004

La consagraci贸n y la visita de Paul Auster . T茅cnica mixta . 130 x 145 . 2004.

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El piropo . Técnica mixta . 50 x 130 cm. 2004.

Casorio con baile . Técnica mixta . 50 x 130 cm. 2004.

El levante . Técnica mixta . 50 x 130 cm. 2004.

Huyó con el rockero . Técnica mixta . 50 x 130 cm. 2004.

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Páginas 74/75 La confesión . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004.

El Julián y los celos . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004.

La Nelly, alegato femenino . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004.

El telo . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2004.

Páginas 76/77 La calle . Técnica mixta . 120 x 120 cm

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EXPERIENCIAS EN CÁLIDOS 2005

Experiencia con cálidos y grafismos . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2005.

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Experiencia VI . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2005.

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Experiencia IX. Díptico . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2006.

Página siguiente Amapolas con historias . Técnica mixta . 100 x 160 cm . 2006.

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DEL PAPEL 2005

Mujer con lobo . Técnica mixta . 140 x 100 . 2005.

85

El silencio . Técnica mixta . 120 x 120 cm . 2005 .

86

La celebración . Técnica mixta . 150 x 150 cm . 2005 .

87

SER ÁRBOL 2006

Mujer . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2006.

Hombre . Técnica mixta . 105 x 26 cm . 2006.

Desnudándose . Técnica mixta . 140 x 60 cm . 2007.

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Duetto lúdico . Técnica mixta . 130 x 130 cm . 2006.

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Resplandor de un ángel . Técnica mixta . 120 x 140 cm . 2007 .

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Noche de luna en la cornisa . Técnica mixta . 120 x 120 cm . 2007.

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El barón rampante . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2006.

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Nosotros también somos sombras . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2007.

Página siguiente Vivir apasionada (detalle) . Técnica mixta . 140 x 120 cm . 2007.

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Serie palmeras humanas. "La de los ojos" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007.

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Serie palmeras humanas . "La del predijitador" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007.

Serie palmeras humanas. "De la pareja feliz" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007.

Serie palmeras humanas. "Palmera Hollywood" . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2007.

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EN CUERPO Y ALMA 2009

Botox party . Técnica mixta . 146 x 143 cm . 2009 100

Felicidad fácil . Técnica mixta . 130 x 160 cm . 2008.

102

Mi lugar, la idea . Técnica mixta . 120 x 140 cm . 2009.

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¿Qué se hizo la Adelita? . Técnica mixta . 120 x 100 cm . 2009.

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Rosa . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2009.

Ivone . Técnica mixta . 130 x 50 cm . 2009.

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Visita a la fuente de juventud y belleza . TĂŠcnica mixta . 120 x 140 cm . 2009.

JUEGOS GRﾃ：ICOS

2010

Intromiciﾃｳn. tﾃｩcnica mixta . 150 x 150 cm. 2010.

110

Mapa alucinógeno. técnica mixta . 140 x 120 cm . 2011.

112

Blue moon. técnica mixta . 150 x 150 cm . 2010.

113

De océanos . técnica mixta . 160 x 100 cm . 2010.

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Rock en la jungla. técnica mixta . 150 x 150 cm. 2011.

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El emisario del sur. tĂŠcnica mixta . 146 x 200 cm . 2010.

Exposiciones Individuales 1966 Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe 1968 ILARI. Instituto Latinoamericano de Relaciones Internacionales. Asunción, Paraguay.

1970 Galería Lirolay, Buenos Aires 1972 The British Council, Buenos Aires Instituto de Relaciones Culturales Paraguayo Americano, Asunción, Paraguay Caja Cooperativa de Crédito, Necochea 1973 Sala Cultural Lowe, Buenos Aires Latin American Gallery, Buenos Aires 1974 Consulado General de la República Argentina, Colonia, Uruguay Galería Bosch, Lima Galería Rebeca, Bogotá Galería Aramayo, Montevideo, Uruguay 1975 Concejo Deliberante de Buenos Aires 1976 Galería Lagard, Buenos Aires Galería Sagazola, Buenos Aires Galería Marta Zullo 1977 Museo de la Paz, Bolivia Casa de la Cultura Franz Tamallo, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia Galería de Arte Latinoamericano Asunción, Paraguay

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Exposiciones COLECTIVAS

1978 Galería Wildenstein

1993 Casa Argentina en Roma

1979 Centro Venezolano-Argentino de Cooperación Cultural Tecnológico, Caracas, Venezuela Galería de la Pequeña Muestra, Rosario

1994 Centro Cultural Monte Carmelo, Santiago de Chile

1981 Galería Wildenstein, Buenos Aires Galería Aycart, Punta del Este, Uruguay

1967 Salón Municipal de Artes Plásticas, Museo Sivori, Buenos Aires Galería Peuser, Buenos Aires

1999 Galería Nexus, Buenos Aires

1972 Museo de Arte Moderno, Mendoza Dirección de Cultura, Misiones Salón Municipal de Artes Plásticas, Museo Sivori, Buenos Aires

2000 Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

1983 Galería Wildesntein, Buenos Aires Galería Tema Contemporáneo, San Pablo Galería Perfomance, Brasilia Trench Gallery, Buenos Aires

2003 Centro Cultural Monte Carmelo, Santiago de Chile

1985 Diario La capital, Mar del Plata.

Galería Performance, Brasilia Galería Tema Contemporáneo, San Pablo Consulado Argentino, Rio de Janeiro

2007 Hotel Sofitel, Buenos Aires Galería Zurbarán, Buenos Aires

1987 Galería Centoira, Buenos Aires 1989 Atelier Internacional, Buenos Aires Galería Amalfi, Punta del Este, Uruguay Galería Centoira, Buenos Aires

1966 Galería Vazquez, Buenos Aires

1996 Galería De Santis, Buenos Aires Salón Blanco Municipal, Esperanza, Santa Fe

1982 Hotel Llao Llao, San Carlos de Bariloche, Rio Negro

1986 Esperanza, Santa Fe Centro de Estudios Brasileños, Buenos Aires Galería Centoira, Buenos Aires Diario “La Capital”, Mar del Plata

1967 Honorable Concejo Deliberante, Buenos Aires

2006 Trench Gallery, Punta del Este Hotel Sofitel, Buenos Aires

2009 Galería Thames, Buenos Aires Galería Grillo, Punta del este, Iruguay 2010 Museo Rosa Galisteo de Rodriguez, Santa Fe. Exposición antológica

1973 Sala Cultural Lowe, Buenos Aires Latin American Gallery, Buenos Aires Centro Cultural San Martín, Buenos Aires 1976 Galería Lagard, Buenos Aires 1977 Sagazola Galería de Arte, Buenos Aires 1978 Sociedad Rural Argentina, Bueno aires 1979 Galería Wildenstein, Buenos Aires Muestra Religiosa, Buenos Aires Centoira Galería de Arte, Buenos Aire Galería de Arte Orión, Olavarría

1983 Centro de Estudios Históricos Antropológicos y Sociales Sudamericanos, Buenos Aires 1987 Galería Praxis, San Pablo 1992 Galería Elysyum, Nueva York 1993 Galeria Della Tartaruga, Roma Galería Praxis, Buenos Aires Galería Sisley, Buenos Aires 1995 Thailand Culture center, Bangkok 1996 Palacio de Correos, Buenos Aires 1998 Palacio San Martín, Buenos Aires 1999 Museo de Bellas Artes Bonaerense, La Plata Glaería de la Recoleta, Buenos Aires

2005 Palacio San Martín, Buenos Aires Fundación AVON, San Juan Hatman Ar Space, Coral Gables, Florida 2006 Trench Gallery, Punta del Este, Uruguay 2008 Bolsa de Comercio de Buenos Aires Galería Rubbers, Buenos Aires 2009 Artistas de la Colección MAAP, Fundación Raggio 2010 Bienal Areatec Participa en ArteBa en los años 1988, 2000, 2002, 2003, 2004, y 2005 con Espacio Giesso y Transarte Participa en Expotrastiendas en los 2002, 2004, 2007, 2008, 2009 con las Galerías Gradiva, Espacio Giesso y Archimboldo

2000 Palais de Glace, Buenos Aires Palacio San Martín, Buenos Aires 2002 Museo de Arte Contemporáno, La Plata 2004 Palacio San Martín, Buenos Aires Salón Avon, Buenos Aires

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SOBRE LA OBRA... ...en los collages es donde esta artista adquiere su exacta voz. Son piezas de valores bajos - muchas veces dramáticas – donde las tintas cargadas hacen marco a los papeles de intención metafísica. El equilibrio con su razón de “fiel” y el ritmo compositivo, cada uno por su lado y los dos en común, son ingredientes que obtienen encomiables logros en su obra.

“La señora F se desnuda”, “Blanco y Negro” y “Máquina que hace música”, representan noblemente a Poupée Tessio. Hasta lograr en obras como en “Homenaje a Arthur C. Clarke”, acuda dulcemente al contemplador la memoria de Max Ernest: el padre del collage.

Jorge Taberna Irigoyen La obra gráfica de Poupee Tessio nos transporta con sutil ironía a un mundo habitado por inquietos demonios. La experimentación técnica la lleva a utilizar el café como recurso colorístico, como elemento unificador de una serie que es una aguda visión de las relaciones humanas.

Catalina Fara Poupée Tessio supo encontrar el sentido fundamental, que resulta de la etapa “surrealista” aquí mostrada. El primer impacto visual causado por el conjunto es el del color, sumado a un dibujo seguro, a pesar de esquemático. Ahora bien, el soporte de las construcciones pictóricas de Poupée, un diseño muy ágil, desenvuelto, que podría prever formas tridimensionales de escultura, sirve de apoyo a una verdadera fiesta de colores.

Josélia Constandrade Son seguramente personajes de fábula: pero, ¿de qué fábula? Esta es la primera clave: los fondos, las escenografías, pertenecen a viejos libros de cuentos, pero esas extrañas familias, no. Pese a sus disfraces, sus ojos en blanco y sus gestos de asombro, son tan contemporáneos como nosotros mismos. ¿Y por qué no nosotros mismos?

Luis Angel Aubele ... este nuevo camino le permite ejercer con mayor empeño sus conocimientos técnicos, ahondar el dibujo, refinar la materia cromática, cuidar la composición. Nada de lo cual impide que su fantasía cobre vuelo y se encienda en abigarrada sucesión de elementos. La realidad tiene su eje en la figura que remeda la pose del modelo, un retrato verdadero o fingido, lo mismo dá, y se cubre de aditamentos, como echándose encima un ropaje caprichoso. La 120

vivacidad, el ritmo, el rico detalle del un pincel prolijo realza, nos franquea la entrada a lo onírico, a un ensueño que en la mejor tradición, nos mantiene en vilo frente a lo desconocido.

Guillermo Whitelow Poupée necesita someter casi obsesivamente la realidad que ama, la realidad circundante, la de los seres, los objetos, los frutos y las flores a modificaciones que, de alguna manera, la reserven para si misma. Van Gogh decía que el arte es el hombre agregado a la naturaleza, sólo que en Poupeé parece que se invierte el sentido de la definición: es la naturaleza agregada al hombre.

Ahora esa naturaleza aparece entre pliegues de su obra.

Este recurso podría considerarse como la búsqueda de una sensación táctil, pero puede tener además otra motivación: la secreta necesidad de replegarse. Es una conjetura atractiva como revelación expresiva e incuestionablemente original.

A través de las formas, luz , movimiento, y una fina gama de color, dinamiza Tessio su óptica pictórica que adquiere asi singular trascendencia.

Osiris Chierico ... Por eso asistimos a un proceso de desrealización; aún con la presencia de elementos reconocibles de la realidad exterior.

Poupée Tessio emplea con acierto este recurso. Lo que nos muestra no está para que nosotros reconozcamos en éllos una experiencia vivida, sino para ayudarnos a desarrollar una experiencia a vivir. Nos propone así una participación en su propia búsqueda; no en un mundo a confirmar lo existente sino a aventurarse en la intuición de lo posible.

Por eso sus pinturas son enigmáticas y no encierran ninguna significación simbólica. Mas bien, se podría decir, la abren.

En esa mirada hacia adelante es donde la artista se reconoce. Para eso es necesario desrealizar; despojar a la obra de la posibilidad de reconocer en ella realidades vividas y ofrecer, a cambio, realidades hacia delante que se apoyen las imágenes rescatadas de la memoria, para crear con ellas no tanto una rememoración de los que fue sino una percepción de lo que podría ser.

Fermín Fevre La obra de Poupee Tessio se puede tomar como una muestra de los resultados de una vocación realizada en base a

la búsqueda de la propia identidad. (…) Imágenes que la pintora transforma desde todos los ángulos mediantes líneas impregnadas de sensualidad y ágiles planteos de color; aprovechamiento funcional de espacio; objetos en estado de armoniosa conjunción, llevan al espectador hacia una verdadera ultravisón de la realidad. Como en un acto de recreación, de complementación del mundo, aprehende la realidad exterior, la somete a un proceso interno de transfiguración. Cada cuadro tiene su propio clima, y su climax. La obra constituye un puente de plácido, sereno y alegre asombro entre la realidad y el misterio.

Rubén Astudillo y Astudillo … su obra presenta una característica que atraviesa su mundo creativo, en el cual la artista cuestiona los vínculos y la participación femenina en la sociedad actual. Es la mujer en su inscripción histórica a partir de la década de los setenta, la que adquiere una especial importancia dentro del campo del trabajo, de la educación y de la cultura. Así lo declara la artista en varias oportunidades y lo va a demostrar al reflejar la conducta social de la mujer dentro de un sistema visual, como una metáfora imaginaria, en el mundo de la moda y del diseño.

En la obra de Poupée Tessio, la historia de “la Nelly”, constituye uno de sus aciertos populares. La artista profundiza la mirada hacia esa realidad cultural y al mismo tiempo con una resolución plástica original-que se resuelve entre el dibujo y la pintura- inventa una técnica que se ajusta a las tiras humorísticas dibujadas a través de guiones visuales con textos. Es en estas series donde surge su interés por lo popular. La historia de la Nelly y del Julián, conquista para el mundo de la plástica, personajes reales porteños. (…). La visión aguda y crítica de la escena porteña iba a ofrecerle en el arte y la vida, protagonistas para su escena plástica, que la artista presenta como un referente valioso de una realidad social.

En esta serie de obras, Poupee se propone nuevamente construir desde los fragmentos, esta vez con papeles que alguna vez envolvieron un regalo, contaron alguna historia o guardaron algún secreto. Esos papeles ahora se incorporan generando silencios entre intrincadas texturas gráficas y junto a guardas con cierta reminiscencia precolombina; donde el preciosismo de la línea marca el ritmo de las composiciones.

Poupée Tessio incorpora la figura del árbol como un ar-

quetipo de vida y de fuerza en crecimiento. (…) La actitud contemplativa es un valor que presta inmensidad a una impresión efímera y particular. Las imágenes pintadas son realidades humanas, no basta referirse a estas imágenes, hay que vivirlas en su inmensidad poética. La imagen del árbol, símbolo de la vida y de la muerte, es citada en los diversos enfoques de las ciencias espirituales tradicionales, y se traduce como metáfora de la germinación y crecimiento interior que se renueva constantemente. Es la clave simbólica la que lleva a comprender el cuerpo de la imagen perseguida por la artista como soporte de futuras transformaciones. La interpretación de lo que acontece no puede cerrarse sino permanecer abierta, al devenir de las experiencias….

“La artista como poeta y creadora de signos, obedece a las leyes de la creación, estas leyes invisibles podrían enunciarse de este modo: Una hoja tranquila hace crecer el alma, crecer el estío, crecer el mundo. La calma se instituye como una emergencia del ser, como un valor que domina, pese a un mundo convulsionado."

Rosa Faccaro El vestido nos re-presenta. Habla, dice, grita, susurra ... convierte el cuerpo en un mensaje, algo que propone al que mira.

Le memoria funcionará como el deseo que se proyecta en cada vestido–expresión, en los vestidos que imaginó y creó Poupée Tessio.

Un código sutil hace visible lo implícito de la identificación con el cuerpo de origen, un cuerpo de mujer, cuerpo materno que se apropia cada vez más de nuestro cuerpo.

Fijemos la mirada en el vestido adecuado que hablará por nosotros.

Salvina Sollima Tamborini Una charla entre mujeres o el té con amigas para hablar de la vida, se convierte en un “botox party”; las vecinas chismosas ahora se preguntan “¿Qué se hizo la Adelita?”. El delicado equilibrio tonal y el jugueteo de los grafismos nos revelan a esas mujeres que han perdido su rostro buscando una perfección efímera. En un mundo donde la lucha de las chicas contra el espejo se gana en el quirófano, la sutil ironía y el humor sagaz de la artista denuncian la artificialidad de los arquetipos de la belleza contemporánea.

Julio Sanchez

121

ENTREVISTA INTERVIEW

¿Cómo fueron tus primeros acercamientos al arte?

Toda mi infancia estuve obsesionada en llamar la atención de mis padres y abrir un espacio reconocible entre mis dos hermanas, espacio que logré a brochazos. Ser la del medio no es fácil y dada mi sensibilidad el camino era con espinas. En tercer grado la maestra nos pidió que hiciéramos en nuestra casa un dibujo sobre los aztecas y me parece que me salió bastante bien porque en el colegio no me creyeron que lo había hecho yo. Decían que yo mentía y que me lo había hecho mi mamá, me dio muchísima bronca porque ella no sabía dibujar. Desde ese momento mi único lucimiento en el colegio estuvo relacionado con la pintura, ya sea pintando telones, diseñando escenografías y todo lo relacionado con lo decorativo. Los mayores logros los tenía cuando retrataba a los perros o los caballos de las amigas de mamá. A partir de ese momento los regalos de mi mamá a sus amigas fueron esos retratos que yo hacía. Como era común en esa época mis padres me enviaron a profesores de danza, piano y dibujo.

A los 11 años descubrí a Picasso, a los 12, estando sola en la casa de mi abuelita decidí sorprenderla con un mural de mi autoría. Su casa tenía a la entrada una pared blanca y grande que se veía casi inmediatamente después de abrir la puerta de calle, esa pared fue el soporte para mi mural. El tema era pesquero, con varios personajes y niños con un solo ojo de fuerte influencia picassiana, el resultado fue una abstracción con contenido social. En su momento a mí me pareció una gran obra, sobre todo por el tamaño, pero me acuerdo el primer comentario de mi abuela al verlo: “me hubieras pintado unos cisnes”.

Tengo lindos recuerdos de esa casa ya que

Tell me about your early approaches to art.

All through my childhood, I was keen on attracting my parents’ attention, in an attempt to open a space between my two sisters and me. I managed to win that space with the strokes of a paint brush. Being the middle sister was not easy and given the fact that I was too sensitive, I felt I had to make my way walking on thorns. When I was in third grade, our teacher asked us to make a drawing about the Aztecs as homework. The result must have been very good because everybody doubted my authorship. They said that I was only pretending and that, in fact, it was my mother’s doing. This made me very angry because mother could not draw at all. From then on, I only was good at painting whether it be painting curtains, designing scenography, and everything relating to decoration. My greatest achievements of all were the portraits of the dogs or the horses belonging to my mother’s friends. As from then, my mother always gave the portraits I made as usual presents to her friends. As it was common in those days, my parents hired instructors who gave me dancing, piano and drawing lessons.

When I was 11 years old, I saw a painting by Picasso. One day, when I was alone at my grandmother’s, I decided to surprise her.

The house had a large white big wall that could easily be seen when opening the front door, and I chose that wall for my paintings.

It was a fishing scene with several characters and one-eyed children all showing a strong influence by Picasso. It was an abstract painting with social content. At that time I considered it a great work of art, especially because of its size. I will never forget my grandmother’s comment, she said: “you should have painted swans for me”. Still, I have beautiful memories of that house which was a sure shelter for me after my

En La Boca a los 17 años

Onda existencialista

fue el refugio seguro donde acudía después de hacer las travesuras. Ya siendo un poco más grande nos mudamos a Olivos y comencé a tomar clases de pintura con Leopoldo Torres Agüero, esto para mí fue como descubrir un nuevo mundo. A medida que iba conociendo más de pintura más me convencía que me quería dedicar a eso. Junto con mi amor al arte crecía mi fascinación por París que dura hasta hoy.

Recuerdo pintar escenas de esa ciudad sin conocerla ni teniendo referencia alguna.

Era pura imaginación y estaba obsesionada, me levantaba todas las mañanas diciendo “Vive La France”.

childish mischiefs.

When I was older, we moved on to Olivos and I started taking painting lessons with Leopoldo Torres Agüero. This learning process was like discovering a new world for me. As I was learning more and more, I realizad that I wanted to devote my life to my vocation which was, no doubt, painting. My love for art grew together with my fascination for Paris which is now as strong as ever. I remember painting Paris scenes though I had never been there. It was pure imagination and I was obsessed with the idea, I used to wake up every morning saying “Vive la France”.

¿Y cuando fue tu primera exposición?

Mi primera exposición fue en el living de la casa de una amiga del colegio cuando tenía 17 años. En todas las paredes de su casa había cuadros míos, me acuerdo que expuse dibujos, paisajes y un autorretrato.

En esa exposición vendí mi primera obra a mi profesora de lógica, una chica joven de la cual me hice íntima amiga. En ese tiempo mi abuelo materno me vendía mis temperas en casas de decoración, era un personaje inolvidable. Lo amaba, me ayudaba en mis pasos de ballet, nos buscaba a la salida del colegio, asistía a reuniones de padres, siempre estaba presente. Además de las ventas a las casa de decoración comencé a ganar dinero haciendo tarjetas de navidad que gustaban muchísimo.

When was your first exhibition?

My first exhibition took place in the livingroom of a school-friend’s house when I was 17 years old.

My paintings were hung on all the walls of the house. I remember that I exhibited drawings, landscapes and a self-portrait. I sold my first portrait then, to my Professor of Logics, a young girl who later became a close friend of mine.

By that time, my mother’s father used to sell my tempera for decoration purposes. He is an unforgettable person for me. I loved him because he helped me dance ballet and always picked me up when school time was over. He also attended parents’ meetings and was always there for me. Apart from the paintings I sold to decorators, I also started to make money painting very successful Chirstmas cards.

¿Siempre supiste que querías dedicar tu vida al arte?

Sí, pero como era muy común en esa época la primer reacción de mis padres a este planteo fue “pero de qué vas a vivir” y “cuando te vas a casar”. El mandato familiar fue muy fuerte y me casé a los 21 años. En el 63 tuve a mi primer hijo Mar-

Tarjeta de navidad pintadas por mi

Radiografía de un pintor solo .

Did you always know that you wanted to devote your life to art?

Yes, but as it was customary in those days, my parents’ first reaction was to ask me two very common questions: “How are you going to make a living” and “when are you go-

tin y a los 11 meses siguientes nació mi hija María, fue casi como tener mellizos.

A parir de ese momento y hasta que los chicos fueron al colegio mi prioridad fue criarlos. Recuerdo una vez que visité a Ignacio Pirovano y me hizo un comentario que me impresionó muchísimo: “O se tiene familia o se hace arte, las dos cosas no pueden ir juntas”, quedé shockeada. De todas maneras nunca dejé de pintar, se me hizo muy difícil pero pude, decidí respetar la vocación contra viento y marea. En 1965 expongo en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez en Santa fe, tenía unos consejeros de lujo como Guillermo Whitelow, Ignacio Pirovano y Enzo Meneguini, desde entonces no he parado, y creo que el olor a pintura es mi perfume favorito.

Desde muy temprano en tu obra la mujer y su rol en la sociedad se convierte en un tema recurrente. ¿Por qué?

Siempre sentí la necesidad de tomar, a través de mi obra, la defensa de la mujer.

En 1970 me divorcio, mis hijos tenían 6 y 7 años. Esa fue para mí una época muy difícil a nivel económico, gracias a Dios que contaba con grandes amigos que me apoyaron muchísimo, esas cosas nunca se olvidan. De todas maneras, en ese momento me convertí en modelo de mujer independiente y estaba feliz con ello. En esa época el divorcio no era común, era casi una hazaña, en especial si no se tenía cobertura económica garantizada. De todas maneras, yo no podía creer que llevaba a mi cuerpo de aquí para allá, donde quisiese, sin pedir permiso ni consultar a nadie.

Ese mismo año expuse en Galería Lirolay una muestra que titulé “Yo Mujer”, en ella había dibujos en tinta donde se parodiaba la relación matrimonial y el lugar de objeto que tiene la mujer en la sociedad, situación que me irrita y no acepto. Esta fue mi primera exploración en la pintura de género. Siempre me indignaron todas las calamidades que tuvo que soportar la mujer a lo largo de la historia y hasta hoy tengo un sentimiento de recelo femenino, sin llegar a ser feminista, pero casi. ¿Cómo hiciste para subsistir durante esos años?

ing to get married”. My parents’ command was very strong, and I married when I was 21 . In 1963, I had my first son, Martin.

Eleven months later, my daughter María was born. It was almos like having twins.

From that moment on, the most important thing for me was to bring them up. I remember that once I visited the art-critic Ignacio Pirovano and he said something to me which impressed me greatly. “Either you have a family or you devote yourself to art, you cannot do both”. I was shocked by his words but, in spite of his comments, I never stopped painting. It was difficult for me but I always managed to follow my interests. I decided to stand up to my vocation, rain or shine. In 1965, I presented my works at the “Museo Rosa Galisteo de Rodríguez” in Santa Fé. I had superb cousellors, the art-critic Guillermo Whitelow, the art-collector and art-critic Ignacio Pirovano, and Enzo Meneguini, marchand. As from that moment on, I never stopped working.

I have come to think that my favourite perfume is the scent of paint.

Al principio intenté trabajar en publicidad, pero esto me dejaba con muy poco tiempo para estar con mis hijos. Decidí trabajar en casa junto a ellos creando objetos pintados que se los vendía a cuatro locales. La demanda me obligaba a inventar nuevos objetos todo el tiempo, ya sea mesitas con espejos de pared, diseños de cunas, muebles de niños pintados, platos, tarjetas de navidad, etc. También me dedique a armar decoraciones y con el paso de los años logré estabilizar mi economía.

Primer viaje a Colombia

Catálogo exposición Galería Lirolay. 1970

Pabelló Argentino de la Feria de las Naciones, Uruguay.

Grupo Signo

As from an early stage, “woman” and her role in society have become a recurring theme. Why? I always felt the need to engage in the defence of women trough my work. In 1970, I divorced my husband. By then, my children were 6 and 7 years old. Those were hard times for me but, thank God, I counted with really good friends. I will never forget what they did on my behalf. I became a model independent woman and I was content with my lot. In those days, getting a divorce was quite uncommon, especially when one’s earnings were not guaranteed. But, it had its advantages: I could come and go wherever I wanted without asking for permission. That year, I presented an exhibition at “Galería Lirolay”, a show that I called: “Me, Woman”. There were ink-drawings and paintings where the matrimonial relationship was parodied, in this way showing that the concept of “woman-object” given to women by society annoyed me greatly. It is simply something I cannot accept. That was my first investigation of themes relating to gender. I have always been angry with the misfortunes women had to put up with in

Premio "Cecilia Grierson", LXV salón nacional de pintura. 1976

Ulyses Petit de Murat y José Fioravanti Contrabando. Premio "Cecilia Grierson", LXV salón nacional de pintura. 1976

Afiche Grupo Signo

Primer viaje a new York. 1973

¿Esto te permitió seguir con tu carrera de artista?

Si. En esta época me dediqué más que nada a dibujar. Después de la muestra de Lirolay, Cristino Alonso me invitó a formar parte del Grupo Signo, junto con Armando Donnini, Blas Castagña, Carlos Fels, Ladislao Magyar y otros grandes dibujantes. Hicimos varias exposiciones tanto en Buenos Aires como en el interior de la Argentina. En este período también logré presentar mi obra en distintas partes de Latinoamérica. Todavía, me acuerdo la emoción que sentí cuando me avisaron que tenía una muestra en la galería Rebeca, en Bogotá. Después de esa exposición en Colombia me hice un regalito y me fui sola a México, quedé fascinada. Mas o menos un año después, en 1974, logro viajar a Europa por primera vez. ¿Qué impacto tuvo en vos este viaje?

No lo podría creer, lloré ante los cuadros que durante años sólo había visto en reproducciones. Recorrí Europa durante todo un mes. Al final del recorrido viajo a Madrid para hacer una última excursión a Sevilla, Granada y Córdoba. Mi último día en Madrid voy a conocer el Gijón, el famoso café de los intelectuales. Ahí una pareja cercana a mi mesa me preguntó si era argentina y me invitaron a sentarme con ellos. Resultaron ser un anticuario español y Sandra Negrín, hija de Juan Negrín, presidente del Consejo de Ministros español antes del golpe Franquista. Hicimos una linda amistad y me llevaron al Oliver, lugar frecuentado por mucha gente famosa, ahí conocí a Saura, Geraldine Chaplin, Ava Gardner y Paco Rabanne. Otro

the course of history. And even until now, I feel a certain feminine resentment although I do not support the feminist movement as a whole.

How was it that you could manage to survive during those years?

At first, I tried to get a job at an advertising company but it meant little time to spend with my children so I decided to work at home and I started to create artistic objects which I sold to retail shops. As demand was strong and stable, I had to invent new things all the time, such as small tables with looking-glasses on painted frames, cradles with surprising designs, painted furniture for children, also painted plates, Chirstmas cards, and so on. I also took to decorating houses and in due time I managed to stabilize my earnings.

Was it in that way that you could develop a stable career?

Of course. In those days I took up drawing mostly. Alter my exhibition at “Lirolay”, the artist Cristino Alonso asked me to form part of the Signo Group together with Armando Donnini, Blas Castagna, Carlos Fels and Ladislao Magyar and other important expert draughtsmen. We took part in several exhibitions together, in Buenos Aires and other parts of Argentina. In those days, I was lucky to present my works in other parts of Latin America. I still remember the emotion I felt when I was told that my works were exhibited at the gallery “Rebeca” in Bogotá. After the show in Colombia, I treated myself to a trip to Mexico and I was charmed by the tour. About a year later, in 1974, I travelled to Europe for the first time.

How did this trip affect you?

I could not believe my eyes. I shed tears of joy at the paintings I had seen before only in reproductions. I travelled in Europe for a month. At the end of my journey, I went to Madrid and then I visited Seville, Granada and Cordoba. On my last day in Madrid, I went to see “Gijón” the famous coffee-shop always visited by intellectuals. A couple sitting next to me asked me if I was from Argentina and invited me to their table. He turned out to be a Spanish antique-shop

día fuimos a una quinta cerca del Escorial y conocí escritores muy importantes como Francisco Cerecedo. Entre una cosa y otra, me ofrecieron trabajar en lo de un arquitecto catalán del grupo de Figueiras colaborando en la decoración de palacios.

Fue un viaje inolvidable, pero tuve que volver.

París. 1972

Neil Dieges, Poupee Tessio

Poupee Tessio

En mi taller. 1991

¿Qué hiciste cuando volviste de Europa?

Seguí con mi trabajo. Ese mismo año expuse en la galería Aramayo en Montevideo. Ahí conocí al embajador Guillermo de la Plaza, quien se me acercó de repente y me dijo: “mucho gusto, usted se va a encargar del stand de Argentina en la feria de las naciones en el Prado de Montevideo”. Nunca había hecho este tipo de trabajo pero no podía decir que no, a partir de esto y durante algunos años hice de arquitecta de ferias y decoraciones en Montevideo, Colonia y Buenos Aires. Al poco tiempo viajo a New York, quedé deslumbrada, creo que no dormí por doce noches. Visite museos y galerías, todo me deslumbró para siempre, es una ciudad que adoro. Cuando regreso de Estados Unidos comienzo la serie que llamé escenas populares, me gustó muchísimo hacerla. Creaba escenarios de fábula y en ellos insertaba pequeñas escenas que se relacionaban con hechos de la vida cotidiana. Pintaba sobre todo a la gente que conocía. Si bien a simple vista estas obras parecen inocentes, casi un juego, si se observa con detalle se puede descubrir la historia y el interior de cada personaje a través de sus ropajes simbólicos, representación de sus cualidades y debilidades. Me gustó jugar con lo expuesto y con lo oculto, lo que a simple vista se ve pero nadie reconoce. Siempre me interesó muchísimo la dialéctica que existe entre la apariencia y la esencia. En estas obras los personajes viven la fiesta de la vida pero lo hacen con miedo.

Aparte de las fiestas y procesiones se puede ver gente que traslada comida y objetos de un lugar a otro, estas obras las titulas contrabando. ¿Cómo se te ocurrió pintar esto?

Mi hermana una vez me contó que en

owner and she was Sandra Negrín, daughter of Juan Negrín, president of the Council of Ministers before the Coup by Franco. We soon made friends and they took me to “Oliver”, a place always full of famous people.

There I met Saura, Geraldine Chaplin, Ava Gardner and Paco Rabanne. Another day, we went to a week-end house near “Escorial” and I was introduced to very important writers such as Francisco Ceresedo. They offered me a job with an architect from the “Figueras Group” that used to work in interior decoration of Palaces. It was an unforgettable trip, but as I had to return home, I could not accept the offer.

What did you do after you returned from Europe?

After I returned from Europe, I went on with my usual work. That same year, I exhibited my paintings at the gallery “Aramayo” in Montevideo. There I met Ambassador Guillermo de la Plaza who came to me and said: “ Pleased to meet you!” . You will be in charge of the Argentine stand of the World Fair at the Prado in Montevideo.” I had never done anything like that, but I couldn’t say no. As from that time on, I engaged in architectural works in fairs and also interior decoration in Montevideo, Colonia and Buenos Aires. Shortly after, I travelled to New York and I was bewildered by it. I visited museums and galleries and I was unable to sleep for twelve nights. I was captured forever. I must confess that it is a city I adore. When I returned from the United States, I created a series that I called “Popular Scenes” which I enjoyed greatly. The sceneries were fabulous, and in them I retold facts of everyday life. Mostly, I painted people I knew.

They seemed to be innocent themes but on second thought and taking into account small details there was a story and the innermost secrets feelings of each character were present through their symbolic attire showing their qualities and weaknesses. I enjoyed playing with those things that were open to the eye and other things that were hidden and that no one acknowledged. I have always been interested in the dialectics of appearance and reality, in the essence of things. In my works, the characters enjoy the fiesta of life but they do it in fear.

Apart from fiestas and processions, one can

los pasos de La Quiaca y Virazón no se consideraba contrabando todo lo que una persona pudiera cargar, por lo que se veía cruzar a las personas cargadas con bolsas enormes encima de sus hombros. Esta anécdota me sugirió pintar estos traslados de cosas. Una amiga me pide uno de estos cuadros para ver si me lo compraba, pero en lugar de colgarlo en su casa lo envía al LXV Salón Nacional. Un día me llama y me dice: “Bueno te compro el cuadro”, arreglamos para encontrarnos para efectuar el pago, pero antes de cortar me dice “te quiero que decir que compré la obra que sacó el premio Cecilia Grierson en el Salón Nacional “.

Algunos años después estos pequeños personajes desaparecen y comenzas a pintar rostros cargados de símbolos. ¿Por qué pasaste el foco de atención del grupo al individuo?

En aquel entonces pensaba que todo pasaba por la cabeza, no solo lo racional, sino también lo sentimental. En este momento comencé a analizarme y me hice un montón de preguntas sobre mi ser y mi vida.

Este período es en el que más me acerco al surrealismo. Buscaba representar el mundo interior de las personas, su psiquis, aquello que les pasaba por la cabeza. En 1978, recomendada por Osiris Chierico, expongo este conjunto de obras en la galería Wildenstein. La muestra tuvo bastante éxito, buenas críticas y muchas ventas, para mí esto fue muy importante. En esta misma época comencé a pintar retratos a pedido, el problema con esto es que la gente no me solía dejar libertad para la creación. Cuando iba realizaba retratos en una casa toda la familia opinaba, me sentía que estaba haciendo un traje a medida. Por lo general los personajes ligados a la cultura me dejaban mayor libertad de expresión y es ahí donde me sentía más cómoda.

Retrataste a Raúl Alfonsín cuando era presidente ¿Que sentiste?

Lo fui a pintar a la quinta de Olivos, fui con mi caballete y mi valija de pinturas, estaba muy nerviosa, me acuerdo que tomé un café y el pocillo me temblaba, se

see people taking food and objects from one place to another. These paintings are entitled “smuggling”. How did it occur to you to paint all this?

My sister once told me that through the footpaths from La Quiaca to Virazón, all that a person could carry was not considered smuggling and so, you could see people going across the boder with huge bags on their back. This story inspired me to paint the transportation of things. A friend of mine asked me for one of those paintings saying that she wanted to buy it from me but instead of taking it to her home, she took it, secretly, to the LXVth National Salon in Argentina. Then, one day, she telephoned me and said: “I want to buy your painting”.

We arranged a meeting for me to receive the payment but before she hang up, she said “I want to tell you that I am buying the painting that received the prize`Cecilia Grierson’ at the National Salon”.

Years after, these small characters fade away and you started painting faces full of symbols. Why did you shift the focus of attention from the group to the individual?

In those days, I thought that everything went through your head, not only your rational aspects by also your emotional perceptions, the things you felt. It was then, that I went through psychotherapy to solve questions about myself and my life. That was the moment when I most took to surrealism. I was trying to show the inner side of people, their inner-self, the things that went through their heads.

En 1978, counselled by the art-critic Osiris Chierico, I presented this group of works at “Wildersten” Gallery. The show was very successful, the criticts were good and there were successful sales. All this proved to be very important for me.

By that time, I started painting protraits on demand. My problem was that those who hired me, left no ground for personal creation. I used to work at the home of those who required my services and, unfortunately, all the members of the family had something to say about what I was doing, so much so that I felt that I was making a ready-made portrait. Conversely, other people whom I painted and who were related

Oriris Chierico, Poupee Tessio

Poupee Tessio, Dr. Guillermo Vidal

Canela, Poupee Tessio

Poupee Tessio

oía el cli cli cli de la taza. Para colmo, como era de esperar Alfonsín no paraba de moverse y había unos cuantos periodistas registrando el momento. La experiencia fue emocionante pero confirmé que no me siento cómoda pintando en público. Este retrato junto con otros como el de Borges, Osiris Chierico, Kosice, fueron expuestos un tiempo después en la galería Centoira.

Poupee Tessio 1976

Jorge Luis Borges, Poupee Tessio

Poupee Tessio, Gyulia Kosice

Poupee Tessio en New York

Al poco tiempo realizas tus obras plegadas. ¿Qué se oculta en los pliegues?

Esta serie nació mientras pintaba unas manzanas, cuando llegué al eterno problema de solucionar el fondo empecé a hacer pequeños pliegues de luces y sombras. Al ver esto comencé a imaginar formas en las que podría mostrar y ocultar al mismo tiempo una imagen Así nació el primer plegado, casi como una dialéctica entre la apariencia y la esencia. Descubrí que podía organizar el trabajo y crear un procedimiento para pintar estas obras: Primero hacía un boceto en pastel sobre papel que luego trasladaba a una tela, que así podía plegar a mi gusto y que me servía como modelo para las obras finales. Por más que el tema fuera el mismo cuando los pliegues cambiaban de posición nacía una nueva obra. Esto fue un desafío técnico, buscaba pintar los pliegues en diagonal, con mucha luz y sombra, para resaltar el efecto del plegado. Esta obra gustó muchísimo y trabajé con ella durante casi seis años.

De los plegados pasas a la serie Buenos Aires fin de siglo. A simple vista parece un cambio de 180 grados. ¿A qué se debió esto?

Fue algo espontáneo, tenía que hacer nueva obra para una muestra en la Galería De Santis y no quise pintar más los plegados.

El director de la galería los estaba esperando y cuando le mostré la nueva serie se quedó desconcertado. De todas formas hice la exposición y resultó tener mucho éxito. No sé si estará relacionado, pero este fue un periodo de muchos cambios en mi vida. En 1995 me caso por segunda vez y en 1996 nacen mis nietos, los mellizos Francisco y Daniela. Estaba feliz y viajaba a Chile a verlos todos los meses.

to the cultural spheres of society, left more ground for freedom of expression and it was with them that I felt more comfortable.

You made a portrait of Raul Afonsin when he was president, how did you feel?

I went to the Presidential Home in Olivos with my easel and my box of paintings. At first, I felt very uneasy and trembled with fear. When I drank coffee, the coffee-cup went “clic, clic”.

President Alfonsín kept moving from one place to another and we were surrounded by a number or journalists interested in capturing the moment. The experience was thrilling but I realized then, that I do not feel comfortable painting in public. This portrait together with others and that of Borges’s- the famous writer-, and also those of the critic Osiris Chierico and the artist Kosiche were shown at Galería “Centoira” for some time.

Shortly alter that, you started working on painted folds on canvas. What is hidden in those folds?

The series was born when I was painting some apples. There was a moment when I tried to solve the background and started to make small folds using lights and shadows.

On seeing this, I started imagining shapes in which I could show and hide an image at one time. My first fold was born there and then. It was almost a dialectic shift between appearance and essense. I found that I could organize my work and develop a procedure to paint those works.

First, I would work on a draft with pastel on paper and next I would transfer it to a canvas which I could fold at pleasure and that would serve as a model for other works.

Although the themes were the same, simply by chaging folds a new work appeared. It was a technical challenge. I tried to paint folds diagonally using light and shadow to enhance the folded effect. The results were very successful and I worked with this technique for almost six years.

From those foldings you turned to the “End of the Century Buenos Aires” series. At first glance, it seemed to be a 180 degrees’ change. What was the cause of this change?

En esta serie presentas la ciudad cómo una selva cargada de velocidad y en varias de estas obras aparece tu imagen inserta en esta vorágine. ¿Podrías vivir fuera de la ciudad?

No. Soy totalmente urbana y por esto mismo quise mostrar el tipo de vida que se llevaba en la Buenos Aires del fin de siglo, representar su estado psicofísico. Se me ocurrió mostrar esto asociando ciertas características de la vida en la ciudad con distintos animales, los mezclaba para poner en un mismo registro el objeto y su metáfora. De esta manera, la velocidad la identifiqué con los galgos, la violencia y la agresión la representé con los tigres, etc. Era como hacer una ecología social de mi entorno. ¿Y la apariencia?

También. En esa época, como hoy en día, las apariencias valían más que la esencia.

Siempre la apariencia tuvo mucha más prensa. Los vernisagge son un ejemplo de esto. Muchas personas se juntan en un espacio con la aparente intención de ver arte pero, en realidad, la gente va para encontrarse con otras personas.

En estos eventos cada uno tiene un rol establecido. Esto es lo que quise mostrar en esta obra ¿En algún momento de tu carrera abandonaste la pintura?

Sí, pero sólo por un año, me sentía bloqueada. Pero aproveche el momento, y como tenía la materia pendiente de hacer escultura, me fui al taller de Lydia Galego y después al de Leo Vinci. A partir de esta experiencia se acrecentó mi admiración hacia los escultores ya que el trabajo que ellos hacen tiene muchísimas exigencias.

De todas maneras, lo que siempre me gustó hacer es pintar. Lo hago porque para mí es la mejor forma de vivir.

El hecho de pintar es como un rito, casi como una misa. Para hacerlo pongo música de fondo, a veces fuerte y a todo volumen. Hay días que pinto en silencio porque quiero escucharme, me escucho a mi misma y me divierto. Pinto bailando, pinto con todo el cuerpo.

Tu vuelta a la pintura es con la serie Pla-

It was something spontaneous, I needed something new for the exhibition at “Galeria De Santis” and I decided I did not want to paint any more folds. The Director of the Gallery was expecting them and when I showed him the new series he was astonished. Anyway, the exhibition was a success. I do not know if this bears a relationship with the many changes that took place in my life in those days. In 1995, I married for the second time and in 1966 my two grandchildren were born, the twins Francisco and Daniela.

I was very happy and I used to travel to Chile to see them every month.

This last series shows the city as though it were a jungle, full of quick movement and in several of these works your image is embedded in the rush. Is there any chance that you could survive far from town?

No, I am completely a city dweller and for this reason I wanted to show the type of life in “End of the Century Buenos Aires”.

I tried to picture the psycophysical aspects of the city. And to show all this, I associated certain characteristics of life in the city with animals which I chose placing under the same register an object and its metaphor. In this way, speed was associated to greyhounds, violence and aggression were associated to tigers and so on. I meant some kind of social ecology in relation to my background.

And, what about appearance?

In those days like today, appearance was more valued than essence. Art-exhibits are a clear demonstration of this. People come to an exhibition with the apparent intention of viewing art but, in fact, people come to meet other people. In those events each one plays an established role. This is what I wanted to show in my works.

Did it ever occur to you to abandon your career?

Yes, but only for a year. I was going through a stand still and as I had always intended to take sculpture, I joined Lydia Galego’s workshop and later Leo Vinci’s. As from that experience my admiration at sculpturers grew because their work is very exacting. But, my favourite activity has always been painting

Dr. Raúl Alfonsín, Poupee Tessio

Pintando el retrato de Dr. Raúl Alfonsín

Poupee Tessio, Eduardo Costa Peuser

Poupee Tessio en Roma

nos de la memoria. En ella tomas colores tierra y creas escenas con un tinte melancólico. ¿Qué sentías en este momento?

Estaba muy triste, mi segundo matrimonio se había deteriorado, y me sentía olvidada. Para colmo al poco tiempo se comienza a ver los principios de la gran crisis que sufrió la Argentina en 2001.

Asimismo, comencé a utilizar el óleo pastel y una operación de la vista me abrió el campo visual, todo esto me llevó a buscar una nueva imagen. Quería pintar el aire, pero no simplemente como una cosa física, sino como portador de historias. Yo venía de la serie Buenos Aires fin de siglo y cuando le muestro esta nueva obra a Rafael Squirru, él me pregunta “¿Ya no tiene nada que criticar?” Hasta el día de hoy no se que responder a esa pregunta. Lo que si se es que quise dejar de hablar del exterior para concentrarme en el interior. Toda mi obra está muy ligada a mis sentimientos.

En uniendo mis pedazos le das una nuevo giro a esta cuestión espiritual, ¿Por qué lo haces usando el collage?

En esa época traía rollos de tela de chile porque era más barato, son los rollos de tela que pinto en planos de la memoria.

Como armaba mis propios bastidores me sobraban pedazos, con estos sobrantes armé esta serie. Casi como una metáfora de la vida.

En el 2002 retomas el tema de la mujer. ¿Qué te hizo volver esto?

La mujer y lo femenino es un tema que siempre me interesó y aún hoy me interesa. Quise hacer una serie sobre las mujeres argentinas y así nacieron la divorciada, la under, la lolita, la tanguera, la bloqueada, etc. Al poco tiempo hice una especie de síntesis y dejé solo el vestido como metáfora y metonimia de la mujer que lo viste. Así pinté el vestido de la mujer contendora como un ánfora, el de la oriental como una alfombra, ya que son las más pisoteadas del planeta, el vestido de la mujer-objeto como un parque de diversiones, etc. Se sucedían una imagen tras otra, no podía parar, me divertí muchísimo haciendo esta serie. Un poco después se me ocurrió crear vestidos de novia

and I go in for it because I think it is the best way of living. Paiting for me is like a ritual, a kind of mass. When I paint I listen to music, sometimes at full volume and there are days when I paint in silence because I want to listen to myself. In this way, I have a lot of fun. I dance while I paint, I paint with my whole body.

Your return to painting comes together with a series of Memory Planes. You chose new colors and created new scenes tinged with a melancholy touch. What were your feelings in those days?

I was very sad because my second marriage was coming to pieces. I felt forlorn and forgotten. What is more in 2001, there was a great crisis in Argentina. At that time, I started to use pastel-oil and, as I underwent eyesurgery, my visual acuity increased and all this led me to search for a new image. I wanted to paint the air, but not just as a physical element but as conveyor of histories.

I was through with my series “End of the Century Buenos Aires” when I showed my new work to the art-critic Rafael Squirru and, in surprise, he asked me: is it that you no longer have any criticism to make? The truth is that, until today, I have no answer to that question.

I only know that I wanted to stop referring to the outer world to concentrate on my inner world. All my work is related to my feelings.

In “Joining my Pieces” you give a new turn to the spiritual question. Why do you use collage?

In those days, I used to bring rolls of silk from Chile which were cheaper. They are those rolls which I painted in Memory Planes. As there were small pieces of cloth left, I used them for other paintings: I felt this series was a metaphor of life.

In 2002, you insisted on the “woman” theme. What made you return to it?

The things that always interested me were those related to women and femininity, things which still interest me today. I wanted to create a series about Argentine women and it was in this way that types such as the divorcee, the under, the Lolita, the tango dancer, the emotionally blocked and others, were born.

Poupee Tessio, galería Zurbaran.

Julio Sánchez, Marino Santamarina, Poupee Tessio

Diana Dowek, Marta Minujín, Poupee Tessio

Marité Ponisio, Osvaldo Mastromauro y Poupee Tessio

Poupee Tessio, Guillermo Whitelow Poupee Tessio, Osvaldo Giesso

Luis Felipe Noé, Poupee Tessio

Poupee Tessio, Eduardo Silverstein y Juan Carlos Lasser

Nito Mestre, Poupee Tessio, Mabel Ibarra, Galería Thames

Marcelo Olmos, Pelusa Borthwick, Graciela Borthwick, Poupee Tessio. Museo Rosa Galisteo de Rodriguez, Santa Fe

para los diversos estereotipos de mujeres.

En ellos encontré una salida humorista y una forma de hablar del matrimonio irónicamente, del cual yo estaba bastante decepcionada. Así nació el vestido para la virtuosa, para la cuarentona, la novia trucha, otro con un mapa sexual, etc. Nunca abandoné el tema de la mujer, a lo sumo cambio las preguntas que me hago y los intereses que tengo. Por ejemplo, en 2009 retomo a la mujer pero en relación a la inevitable pérdida de la juventud y todo lo que esto implica a nivel psíquico, físico y social. ¿Qué recepción tuvieron estos vestidos?

Fue muy buena, me acuerdo de que Osvaldo Giesso llevó los vestidos de novia a ArteBA y nos causó mucha gracia ver como la gente hacía cola para verlos. Las mujeres llamaban a sus maridos para mostrarles. Me llegaron a asociar con Maitena por la percepción irónica de la mujer. Se vendieron tantos que me mandaron a casa a trabajar para reponer lo que se llevaban.

Yo estaba feliz y a esta felicidad se sumó el nacimiento de mi nieto Juan Manuel.

Luego de los vestidos inicias una serie donde el collage adquiere protagonismo indiscutido. ¿Cómo llegaste a esto?

Yo siempre estoy explorando con nuevas técnicas, me gusta la emoción de hacer cosas nuevas. Una vez me compré ropa en un lugar donde la envolvían con un papel de seda gris de un lado y negro del otro.

Este primer papel lo llené de grafismos usando diferentes combinaciones entre los negros, blancos, tierras y plateado.

Luego los corté y los compuse sobre una tela usando óleos. Así nació “La celebración” que fue la primera obra de esta serie. Me gustó tanto este papel que fui a comprar otras prendas con el objetivo de obtener más dado que no lo pude conseguir en ninguna papelera. Me salió caro pero me dio muchas satisfacciones ya que lograba un efecto especial cuando le aplicaba el óleo, este se expandía generando una aureolita que me interesaba plásticamente. Creo que con esta técnica es con la que me siento más cómoda. Ya el hecho de no tener que esperar que se seque la

Shortly after, I reduced everything to a synthesis and left only the dress as a metaphor and metonimy of the woman who wears it.

Thus, I painted on canvas the dress of the supportive woman in the shape of an anphor; the oriental woman as a floor carpet, (being the women most stepped upon of the planet); the woman-object as if she was an amusement park, and so on.

A vertiginous flow of images came to my mind and I worked tirelessly. I had a lot of fun while I was painting this series. Shortly after, I began to create wedding-gowns to stand for each type of woman. In doing so, I found a humorous way out and, somehow, I managed to refer to marriage ironically since I was very disappointed with married life. Thus, a dress for the virtuous woman was born, another for the forty-year-old, or for the fake bride and another for the one who only meant a sexual trap. I never abandoned the theme “woman”, I only pose different questions to myself and review my interests. For example in 2009, I continued with the theme “woman” but in relation to the inevitable loss of youth and all the psychological, physical and social implications associated with it.

What was the reaction of the public towards these dresses?

It was very good. I remember that the versatile expert in art Osvaldo Giesso took my wedding-gowns to Arte BA (a Buenos Aires yearly large art fair) and it amused us both greatly to see people qeueing up to see them and women bringing their husbands to the show. They even associated me with Maitena, the writer of comic strips, and her ironic perception of women’s character. Almost all of the dresses painted on canvas were sold and I was sent home to work, to replace those that were taken away by customers. I was very happy and the birth of my grandson Juan Manuel greatly added to my joy.

After the dresses on canvas you iniciated a series were collage is the undisputed protagonist. How did you reach this stage?

I have always been exploring new techniques to feel the emotion of creating new things. Once I bought clothes at a place where they used to wrap them up in silk paper which was gray on one side and black

pintura me permite jugar con las formas de manera más libre. Todas mis obras a partir de este momento son con collage.

Incluso retomo temas ya utilizados por mí, como las flores, que al ser renovadas en escala y técnica introducen un nuevo universo visual.

O´Neil Crüces y Poupee Tessio

Ladislao Magyar, Tino Alonso, Poupee Tessio y Nidia Pizzi.

Poupee Tessio en Egipto

¿Cómo se te ocurrió hacer la historia de la Nelly? , ¿ Consideras a la Nelly un alter ego tuyo?

Comencé a crear personajes y los hice en diversos materiales. De repente dibujé una mujer que me transmitió mucha empatía y enseguida comencé a imaginar toda su vida: su horóscopo, sus amigos, toda su circunstancia. La bauticé La Nelly.

No voy a negar tener algo de la Nelly, pero ella se da todos los gustos y yo no siempre pude hacerlo. Más que nada me identifiqué con la problemática femenina que conlleva este personaje: la búsqueda de la independencia, la libertad para expresarse, la mujer objeto, etc. La Nelly se casó muy joven porque ese era el mandato familiar, no se le ocurría que podría tener otra elección, la vida era para casarse y tener hijos. Tenía muy linda voz y se dedicaba a cantar de manera aficionada, a medida que se metió en el mundo de la música conoció otra realidad y de pronto descubrió que el mundo en el que estaba inserta le quedó chico. Con el arte empieza a descubrir su independencia, pero el precio de la libertad es la soledad. Todas las mujeres tienen algo de la Nelly, es un arquetipo de la mujer y sus problemas.

El 2006 fue un año de muchos cambios para vos y vio el surgimiento de una nueva serie de alto contenido simbólico. ¿Qué sucedía en estos días?

Fue año bastante movidito. Por un lado nació mi nieto Matías que puso muy feliz, pero por el otro finalmente me divorcio y me mudo. Una buena y una mala.

Comienzo la serie de los árboles cuya primera obra “Morir de pie” era la representación de mi estado anímico en ese momento. Una amiga psicóloga me recuerda el texto de Alejandro Casona, “Los árboles mueren de pie” y sin duda la asociación era correcta. Yo me sentía un árbol porque

on the reverse. The first time that I used this paper for painting purposes, I filled it with different graphite combinations of black, white, earthen colors and plated silver. Then, I cut them up and made new combinations on a piece of cloth together with oil colors.

Thus, “The Celebration” was born, which was the first work of the series. I liked the silk paper so much that I bought more pieces of clothing with the aim of obtaining more of that paper which I could not find anywhere else. It proved to be expensive, but I got a lot of satisfaction out of it, given the fact that I could produce special effects on applying oil-colors which spread, thus creating a sfumato effect which was very dear to me. I think this is the technique with which I feel more comfortable. As it is not necessary to wait for the paint to dry, I can play with shapes freely. Since then, all my works are collages. I can even go back to themes I had used before such as flowers, which turned out to be renewed because I used different scales and techniques to create a new visual universe.

What about Nelly’s story. Do you consider her an alter ego of yours?

I started creating characters with different materials. All of a sudden, I drew a picture of a woman towards whom I felt great empathy and I went on imagining what the rest of her life could have been: her horoscope, her friends and all her background. I Christened her Nelly. I must confess that I surely have things in common with Nelly except for the fact that she enjoys all the pleasures of life which I not always have the chance to.

Most of all, I identified with the feminine problems envisaged in this character: the search for independence, for freedom of expression, the rejection of the woman-object image, and so on. Nelly married very young, simply because that was expected of her, to comply with the family tradition. It never occurred to her that she could have a different choice. Life was about getting married and having children. She was the owner of a nice voice and was an amateur singer. Gradually she entered the world of singing and she discovered a different reality and found that the world in which she had lived until

había perdido mis hojas, pero luego cambié de estación y volví a brotar. ¿Qué artistas sentís que influyeron en vos?

Siento una gran atracción hacia Brueghel, amo sus escenas, la manera de representar sus personajes, su uso del color, en definitiva el clima general de su obra. Algo parecido me pasa ante las obras de Hieronimmus Bosch. Siempre miré muchos libro de historia del arte, por ejemplo recuerdo el interés que me causaron unos grabados anónimos del siglo XVIII que representaban distintos oficios. Dentro del arte del siglo XX me fascinan las obras surrealistas y metafísicas en especial las de Magritte, De Chierico, Tanguy, etc.

También me encanta la obra del expresionista Delveaux y del pintor naif Henry Rousseau.

Ya dentro del ámbito de la pintura Argentina me acuerdo que estaba deslumbrada por la obra de Raquel Forner. En 1961 la conozco por intermedio de Guillermo Whitelow y Enzo Meneguini y pude estudiar con ella un tiempo. También, miré con mucha atención los collages de Antonio Berni, en especial la serie de Juanito Laguna y Ramona Montiel.

then, became too small for her. Art was an open door towards her independence but the price of liberty was solitude and loneliness.

I think every woman feels she has something in common with Nelly. She is an archetype for women and their problems. .

The year 2006 meant many changes for you together with the birth of a new series having a high symbolic content. What happened in those days?

It was a very hectic year. First, my grandson Matías was born which made me very happy but, conversely, I finally divorced and moved house. One was a good experience and the other a bad one. I started paniting trees and my first work was “Trees Die Standing Up” which stood for the way I felt at that moment. A psychoanalist, friend of mine, reminded me of a text by the novelist Alejandro Cassona “Trees Die Standing Up” and undoubtedly the association was correct. I felt like a tree after losing all its leaves but, come the change of season, new shoots grew.

Who are the artists you think had an influence on you?

I those days I felt a great attraction towards Brueghel, I enjoyed his scenery and the way he pictured his characters, his use of color and, mostly, the general atmosphere of his works. I felt almost the same towards the works of Hieronimmus Bosch. I used to go through many art-history books, for example anonimous gravures of the XVIIIth Century, picturing the various trades which inspired my works like “The Basket”. In relation to the XXth century, I was inspired by surrealist and metaphisical works such as those by Magritte, De Chierico, Tanguy and ohters. I also enjoyed the work of the expressionist Delveaux and the “naïf” painter Henry Russeau.

Within the field of Argentine painting, I remember I was fascinated by Raquel Forner’s work. I met her in 1961, thanks to the critics Guillermo Whitelow and Enzo Meneguini and I engaged in training under her guidance for some time. I also studied with great attention the collages by our great painter Antonio Berni, especially the “Juanito Laguna” and “Ramona Montiel” series.

Mario Gatiello, Ana María Carrio, Poupee Tessio, Carolina Cerverizzo. Primer Bienal Area TEC

Poupee Tessio, Jorge Gamarra.

Poupee Tessio, 2009

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