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River Lastres Smallville Bruno Mars Rozalén

miguel diosdado Andrés Sardá (Otoño / Invierno 2013/14)

ARCO 2013

SUMARIO

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SUMARIO Marzo 2013 nº18

miguel diosdado

60 Entrevistas

River Rozalén Miguel Diosdado

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reportajes

Andrés Sardá Lastres El Rey Lear

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entretenimiento

The Fiction Non Stop ARCO Moda Música Cómic: Smallville Vs. Arrow Cartelera

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DIRECCIÓN Patricia Guergué Montero mewmagazine@mewmagazine.es mewmagazine@gmail.com DIRECTORA DE ARTE Esther Delgado REDACCIÓN ÁLAVA Vanessa Rino alava@mewmagazine.es REDACCIÓN MADRID madrid@mewmagazine.es REDACCIÓN SEVILLA Noelia Macías sevilla@mewmagazine.es Sonia Múñoz Ruíz Miguel Herrera REDACCIÓN VALENCIA Sergio Jurado valencia@mewmagazine.es REDACCIÓN LA OTRA LATITUD laotralatitud@mewmagazine.es DPTO. FOTOGRAFÍA Santi Xander Edu López Photo DPTO. LO QUE SUENA AQUÍ DENTRO Nuria Arévalo loquesuenaaquiadentro@gmail.com REDACCIÓN Alejandro Domínguez Paloma Díaz Sada Sandra González Rafael Rosco Alberto Mera Nieves Sebastián Sara Astarloa Oliva

Jesús Martínez Reneo COLABORACIONES Doc Pastor Polo Zoya Fotografía

Ojo de Pez Fotografía Ergo Photography

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“Los grandes momentos de vuestras vidas no serán necesariamente las cosas que hagáis, también lo serán las cosas que os ocurran.

No estoy diciendo que no podéis actuar para cambiar el resultado de vuestras vidas, debéis actuar y lo haréis. Pero no olvidéis que cualquier día al salir de casa vuestra vida puede cambiar totalmente. El universo tiene un plan, y su plan siempre está en marcha.

Una mariposa mueve sus alas y empieza a llover, da miedo pensarlo pero a la vez es maravilloso. Todas esas piezas de la maquina en constante funcionamiento, asegurándose de que estés exactamente donde debes estar, exactamente cuándo debes estar ahí. EN EL LUGAR ADECUADO Y EN EL MOMENTO ADECUADO.” (Cómo conocí a vuestra madre)

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THE FICTION NON STOP

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MAN UP!

NUEVA COMEDIA EN FOX ESPAÑA:

MAN UP!

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THE FICTION NON STOP

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MAN UP!

Al más puro estilo “Resacón en las Vegas”, los protagonistas de “Man up!” están lejos de comportarse como los hombres maduros que deberían ser en función de su edad. La nueva creación de Beth McCarhy-Miller (“SNL”, “30 Rock”), Cristopher Moynihan y Victor Fresco sigue el día a día de tres hombres que, a su manera, intentan convertirse en hombres de provecho. FOX España emite “Man up!” de lunes a viernes, a las 13.35 horas, desde el pasado martes 19 de marzo.

Esta comedia gira en torno a Will (Mather Zickel, “La boda de Rachel”), un padre de familia con un abuelo que luchó en la Segunda Guerra Mundial y un padre que sirvió en Vietnam. Will, en cambio, lo más cerca que ha estado de un campo de batalla ha sido durante las largas sesiones que le dedica a los videojuegos de guerra. Will lleva una vida plácida junto a su mujer (Teri Polo, “Los padres de ella”, “El ala oeste de la Casa Blanca”) y está más preocupado por encontrar un buen regalo para su hijo que cumple 13 años que en trabajar como vendedor de seguros. Uno de sus mejores amigos es Craig (Cristopher Moynihan, “Coupling”), un hombre que sigue enamorado de un amor de adolescencia que está a punto de casarse con otros. Cierra el trío protagonista Kenny (Dan Fogler, “Love happens”), al que le está costando mucho asumir que su ex mujer Brenda (Amanda Detmer, “Sin cita previa”) ha empezado a salir con un hombre bastante más atractivo que él.

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P o r E s t h e r D e l g a d o

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RIVER

“La música y los niños son el mayor regalo de la vida” River nació con las ideas claras, dedicarse al mundo de la música. Y desde apenas 8 años ya comenzó a pisar diversos escenarios para atestiguar su decisión de comprometerse con un mundo tan complicado como el del mercado musical. Su primer disco ‘Destino’. Su primer single ‘Contracorriente’. Ahora se sienta un rato con MEW Magazine para defender su proyecto y asegurarnos que lo mejor está por llegar.

Por: P.Guergué

Para todo aquel que te esté conociendo en estos momentos… ¿quién es River?

Una persona muy normal y corriente que intenta compartir con los demás experiencias de la vida, vividas de una manera directa o indirecta, con otras personas a través de la música y, por supuesto, un amante de los niños.

Su pasión por la música viene desde su infancia… ¿Quién fue la persona que directa o indirectamente afloró su pasión por este trabajo?

Mi padre. Ha dedicado su vida por completo a la música desde los 11 años.

Hasta llegar a la grabación de su primer trabajo discográfico, ¿cómo recuerda el camino que tuvo que recorrer hasta allí?

Un camino con sus más y sus menos pero con muy buenos recuerdos que pesan mucho más que los no tan buenos. Ha sido una experiencia increíble que me llevo a la memoria de mi vida.

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¿En algún momento tuvo la necesidad de abandonar este sueño?

En muchos momentos, sobre todo con el paso del tiempo pero alguien me dijo ‘’Si sabes lo que vales, consigue lo que mereces’’. Esa frase y los comentarios y el apoyo de mucha gente me animan a seguir aunque, como todo, hay días que te vienes abajo. ¿Qué significó para usted tener la oportunidad de grabar ‘Destino’? ¿Cómo vivió todo el proceso de producción y creación del disco?

Lo viví intensamente y desde la plena ignorancia de la juventud. Tan solo tenía 18 años cuando nos pusimos manos a la obra y aunque en cuanto a escena tenía mis tablas, apenas conocía lo que verdaderamente era el mundo de la industria musical. ¿Cómo definirías el single ‘Contracorriente’?

La canción de mi vida y de la de muchas per-

sonas. La canción habla del amor de dos personas que se ve interrumpido por terceras partes y la frase por excelencia del tema es “¿Qué nos importa a ti y a mí lo que opinen los demás?’’ Me han llegado infinidad de mensajes de hasta Latinoamérica diciendo que éste tema han marcado sus vidas.

Ahora que estás comenzando una carrera musical como solista, ¿cuáles son tus miedos?

El miedo es algo que ha vivido entre mi música y yo durante mucho tiempo. Ahora es algo a lo que no temo. Me tomo la vida de una manera diferente. Será lo que tenga que ser. No obstante, tengo puestas muchísimas ilusiones en un nuevo trabajo que pronto conoceréis y que nada tiene que ver con el River de hasta ahora.

Para un artista como tú, ¿la música es el mejor instrumento para transmitir cada uno de los sentimientos que nos invaden?

Sin duda alguna. Tu pregunta vale de respues-

RIVER ta.

Todos aquellos que estén interesados en poder disfrutar de tu primer videoclip, pueden hacerlo en tu canal de Youtube o desde tu Web Oficial… A la hora de plasmar la letra y la melodía en pantalla, ¿qué es lo que resulta más complicado?

Lo más complicado siempre va a ser actuar bien y eso únicamente se consigue sintiendo la canción. Creyéndote las palabras que salen de tu voz. Por suerte para mí, contracorriente es un tema que me lo ha puesto muy fácil a la hora de creerme el personaje de la canción.

En un videoclip se debe contar una historia de 3 ó 4 minutos, ¿crees que siempre se consigue transmitir el mensaje de la canción?

No siempre, hay que trabajar mucho y el artista protagonista/principal tiene que haber asimilado muy bien el mensaje de la canción y meterse de lleno en la historia. ¿Cuál es el objetivo que quieres cumplir en el mundo de la música?

Como he dicho en un par de ocasiones, transmitir a todo el que sea posibles vivencias e historias de mi vida y de la vida cotidiana de la gente interpretadas por mi voz. ¿Es River un artista que quiera encasillarse en un género en específico?

No, para nada. Hay que trabajarlo todo. Pienso que si eres verdaderamente amante de la música, tendrás un estilo que te llegue más al corazón (en mi caso las baladas) pero por lo general, te gustará la música en todos sus campos.

“Mis amigos más cercanos dicen que el que ven en los escenarios no es River” 24 - www.mewmagazine.es

¿Con quién desearías realizar un dueto?

Imposible responder con un solo nombre a esa pregunta. Hay muchísimos artistas pero entre otros, con Chayanne. ¿Cómo te autodefinirías encima de un escenario?

Tengo dos ‘’lados’’ que muestro encima de un

RIVER

escenario, ‘el River explosivo’ y ‘el River romántico’. Mis amigos más cercanos dicen que el que ven en los escenarios no es River (Risas).

Lo más complicado siempre será llegar a un determinado número de público que te permita vivir de esto. ¿Qué significa para ti la música?

Para mí “La música y los niños son el mayor regalo de la vida”.

Hasta ahora, ¿qué está siendo lo más complicado de vivir dentro del mundo de la música? ¿Y lo mejor?

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ANDRÉS SARDÁ

LÍNEAS DE LA COLECCIÓN

Dualidad, dos fenómenos o caracteres diferentes en una misma persona o en un mismo estado de cosas, dos principios supremos independientes, antagónicos e irreductibles.

Ese es el espíritu del desfile, de la colección: Realidad y sueño, cordura y locura, contención y exceso.

Las mujeres viven dos verdades y nos las muestran.

Andrés Sardá se inspira en los felices 20, tiempos despreocupados de fiestas, encuentros y sofisticación, pero interpretando una versión actual.

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ANDRÉS SARDÁ

LÍNEAS DE LA COLECCIÓN

Los colores, también reflejan ese espíritu. Intensos y luminosos como el óxido, el verde musgo, el púrpura, berenjena, contrastan frontalmente con el negro.

Las materias, ligeras como la muselina de seda, el voile o los encajes, se contraponen a la contundencia de la napa, el metal, o el cristal.

Formas y volúmenes se alternan también del exceso al minimalismo, como los complementos, tocados y sombreros.

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LASTRES Agradecimiento especial: TEATRO OLYMPIA PITI ALONSO (DYP COMUNICACIÓN) Por: Sergio Jurado

“La obra habla de no asumir la responsabilidad de tu propia vida”.

Anabel Alonso, Marta Belenguer y Ana Fernández son LAS TRES protagonistas de una obra de teatro que supone la segunda incursión del conocido actor Jorge Roelas como dramaturgo, una obra que muestra el reencuentro de tres ex amigas dispuestas a saldar deudas del pasado. Se trata de una historia que reflexiona sobre las consecuencias de no hablar las cosas en su momento y sobre la falsa convicción del ser humano acerca de su capacidad para superar los resentimientos. LASTRES es una historia que, en clave de humor, pone de relieve aquello de ‘lo que se guarda, se pudre’.

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ANABEL ALONSO cuál sería la actitud de Anabel si se encontrara en una situación similar a la que viven las tres protagonistas de la obra y que, según la propia actriz, se trata de mujeres que “aunque nos intentemos mentir y engañar, cada una sabe de qué pie cojea la otra y vamos a degüello… ¡Vamos a degüello!”.

Anabel, ¿qué harías tú en la vida real si tuvieras que lidiar con algo semejante?

Uff… Yo tengo un carácter… El teatro es como la vida, condensada y aumentada, así que en la obra pasan muchas cosas, hay muchas idas y venidas, hay mucha montaña rusa tanto de sentimientos como de relaciones, y las protagonistas son bastante heavies. Pero creo que, en la vida real, igual yo sería de dar portazo.

LASTRES, antes de llegar a Madrid y tras pasar por Alicante, hizo su parada en el Teatro Olympia de Valencia. Ver la obra supone ver a tres actrices que arrancan la capa de sus respectivos envoltorios y dejan su alma al desnudo, es presenciar como tres monstruos escénicos se dejan las tripas, casi literalmente, en el escenario. De forma descarnada, sin pudores y sin medidas, la función hace reír y deja poso a partes iguales. Lo que también deja poso es hablar, de tú a tú, con las protagonistas de la obra: Anabel Alonso fue la primera en cruzar la puerta del hall del Olympia y entraba bromeando, hablando con alguien en tono elevado y sin perder esa actitud tan jovial que a menudo le acompaña. Al hablar con el equipo de MEW Magazine continuaba con esa sonrisa que siempre lleva dibujada en el rostro y que continuamente transmite alegría y positividad, pero nos preguntamos

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LASTRES podría compararse con una cena de Navidad, esas en las que parece que todo va bien entre la familia pero que, en cuento se rasca un poquito, saltan chispas por todos lados, ¿es así?

Sí, así es, en cuanto te tomas un vino… (risas). Lo que ocurre es que siempre hay muchas cosas en común, hay mucho pasado y siempre alguien te ha hecho algo y, a veces, son cosas que no has superado, cosas que están ahí sepultadas y, en cuanto pueden, salen pero multiplicadas por diez. ¿Eres de las que está convencida de que las cosas nunca se olvidan del todo?

Si no se solucionan las cosas, yo creo que nunca se olvidan; incluso solucionadas, creo que es muy difícil olvidar. Puedes perdonar, pero olvidar es más complicado.

Puedes tirar para adelante, puedes obviarlas, puedes pasar por encima; pero no, no se olvidan.

“Si las cosas se hablan en su momento no te da tiempo a comerte tanto el tarro”.

MARTA BELENGUER La segunda que entró por la puerta para sumarse al encuentro fue Marta Belenguer, simpática y pizpireta, una valenciana orgullosa de visitar su ciudad, aquella que deja a un lado sus personajes para mostrar lo contenta que está cada vez que vuelve a la capital del Turia, lugar donde la joven actriz comenzó actuando con pequeños papeles. Pero ahora, tras varios años de trabajo constante, vuelve a su ciudad natal convertida en una actriz de primera, acompañada de otras grandes como ella.

Marta, ¿cómo te sientes cada vez que vuelves a tu tierra y, sobre todo, si lo haces envuelta en trabajos de una calidad como tiene esta obra?

Yo nunca he dejado de estar vinculada a Valencia, no he dejado de venir ni de hacer cosas aquí, lo último que hice fue traer Los monólogos de la vagina, en el Teatro Flumen. En Valencia siempre me he sentido muy querida, muy apoyada, pero en una época no encontraba el sitio para poder dar todo lo que yo tenía que ofrecer y me fui a Madrid; tal cual llegué, empecé a trabajar. Ahora me hace mucha ilusión venir a un teatro como el Olympia, acompañada de estas dos pedazo de actrices, pero yo lo veo algo como un proceso natural de mi carrera. Sí me produce especial felicidad y subidón que los que me conocen y me apoyan desde que tenía 18 años, sientan alegría y orgullo de verme seguir haciendo la mamarracha y la payasa (risas), soy una cómica de toda la vida.

estamos. Si te quedas solo en ‘la graciosa’, pero no eres una tía responsable…

Hablando de seriedad, si dejamos a un lado la forma de comedia en que se presenta LASTRES, ¿qué es lo más serio de la obra?

Yo creo que tiene una parte muy profunda, muy emotiva: cuando los personajes se muestran tan vulnerables, personas muy solas. Como parte de la condición humana, las personas a las que damos vida en LASTRES han tenido sus hijas, se han hecho mayores, y ahora se encuentran en un momento en que ya no saben muy bien para dónde tirar... La obra habla de no asumir la responsabilidad de tu propia vida. La madurez consiste en ir haciendo reflexiones sobre por dónde va tu vida, si realmente estás haciendo lo que quieres hacer, y asumir la responsabilidad. Si no estoy donde quiero estar es porque estoy haciendo algo que no está bien. Nuestros personajes no asumen

A pesar de esa gran faceta cómica y de asociarse mucho tu cara a papeles como los que hacías en La que se avecina o Aquí no hay quien viva, también has hecho papeles dramáticos, pero es sobre todo en tu vida cotidiana en la que se te puede poner el calificativo de ‘seria’…

Es que tengo 40 años, tengo dos hijos, soy una mujer. Es como Anabel, que es divertidísima y es una ‘loca’, pero luego es una gran profesional. Yo me considero una tía, también, muy seria y muy meticulosa en el trabajo; conservar esas dos partes es lo que, a lo mejor, hace que estemos donde

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LASTRES esa responsabilidad, sino que echan las culpas a los demás. Ahora se encuentran muy solas, no tienen a quién echar las culpas y, entonces, se tienen que desnudar…

Ahí se entiende que, las pobres, han hecho lo que han podido, no han sabido hacerlo mejor.

“La gente está continuamente intentando aguantar, no desmadrarse, ser muy correcta, y eso es una olla a presión”.

Por último, rodeada de un aura de paz y serenidad, Ana Fernández entra al Olympia silenciosa, dejando entrever cierta timidez.

Se trata de una mujer que tiene algo especial y que termina de robarte el corazón cuando habla en las distancias cortas. La actriz resulta una conversadora inmejorable y uno desearía que se parara el tiempo para nunca dejar de escucharla. Hace mucho que Ana Fernández se empeñó en formar parte del mundo de la interpretación, a pesar de que a su padre, como a tantos otros, en su momento le hubiera gustado que su hija estudiara una carrera. Ahora es una actriz reconocida, que ha sido nominada a muchos premios, galardonada con otros cuantos, incluso tiene un GOYA en su haber…

Ana, ¿qué te dice ahora tu familia acerca de la trayectoria profesional que estás cosechando?

Mi padre falleció y ni siquiera llegó a ver Solas (Benito Zambrano, 1999). A mi madre le encanta, le encanta que trabaje yo y que trabaje mi hermana, Candela Fernández, que también es actriz. Aunque mi madre sigue con su duda… está muy preocupada y considera que esta profesión es inestable, que te expones mucho, etc.; pero lo único que quiere es que su hija esté siempre guapa y, si por ella fuera, me daría todos los personajes que existen (risas). ¿Cuáles fueron los primeros pasos de tu carrera?

Yo trabaje en Sevilla haciendo doblaje, pero alternándolo siempre con el teatro. Siempre me he considerado muy mala dobladora (risas); me gusto más como actriz que como dobladora, siempre he visto que habían compañeros que hacían doblaje mucho mejor que yo. Hubo una época que estuve en Madrid, no tenía trabajo y se me seguían abriendo las puertas del doblaje, y precisamente en un estudio de doblaje yo me preparé la prueba de Solas. También trabajé en televisión, contando el tiempo durante unos cuantos años.

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ANA FERNÁNDEZ Harías muy bien esa prueba para la película Solas porque te hiciste con el papel y, gracias a ello, te llevaste el Premio GOYA como Actriz Revelación. ¿Ser galardonada fue algo que te pilló por sorpresa?

A mí y al realizador de la gala… Durante mucho tiempo estuvieron enfocando a otra persona y fue mi marido el que me dijo: ‘¡Eres tú!’. Era un año en el que una película de Almodóvar tenía mucha presencia, con un personaje interpretado por Antonia San Juan que estaba estupenda… Yo me quedé con la boca abierta: ‘¡Ahh!’; pero luego sí, cuando subí y me lo dieron, creo que el discurso que di fue bastante coherente (risas).

todo el mundo sigue siendo igual que era; Lucía también sigue siendo la misma… Ella arma un plan y en ese mismo plan ella se pierde con el resto.

“Uno madura cuando se va atreviendo, cada vez más, a decir lo que no le gusta”.

Aparentas ser una persona capaz de mantener la calma…

No, soy muy nerviosa. También soy muy tímida. Yo en mi casa hago muchas locuras, hasta el gusano cuando hay que bailarlo (risas), pero afronto los trabajos desde la tranquilidad. Hay algo que me ocurre en teatro, por ejemplo, o en un set de rodaje… todas las inseguridades que te llevan a tener nervios, yo las dejo fuera, pero eso no significa que no las tenga.

En alguna ocasión has comentado que casi todos tus papeles, tanto en cine como en teatro, por suerte siempre han sido los de mujeres interesantes. En este caso, para LASTRES, encarnas a Lucía, aquella que coge un teléfono y, de alguna manera, provoca que esas amigas que dejaron de serlo vuelvan a encontrarse, ¿qué lleva a Lucía a decidir que el hielo se tiene que romper?

Cuando cita a sus ex amigas es porque ha perdido 45 kilos y se siente con fuerzas para poner las cosas en su sitio. Pero hay un motivo fundamental, aparte de que ella se vea bien, quiere que la vean bien los demás. Lucía quiere mostrar lo bien que está para que le digan: ‘¡Qué bien que estás!’, eso es lo más importante... Por otro lado, como sentir adolescente, guarda la esperanza de que los demás hayan cambiado y le sorprendan positivamente, pero al final

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LASTRES Tal y como le gusta hacer a MEW Magazine cada vez que tiene a su alrededor protagonistas de una misma obra, el equipo aprovechó la ocasión para plantear preguntas comunes a las actrices que, según su parecer, Anabel Alonso, Marta Belenguer y Ana Fernández respondieron así: Atendiendo a lo que muestra LASTRES, ¿por qué es siempre mejor hablar las cosas cuando ocurren y no guardarlas?

Anabel: Porque luego todo sale como con mucha más explosión, sale con más resentimiento. Si las cosas se hablan en su momento no te da tiempo a comerte tanto el tarro, a darle vueltas, y si se dice cuando ocurre: ‘¡Oye, mira, me parece que esto no está bien!’, pues todo es mucho más fluido y más normal. Luego todo se magnifica, se hace más grande y sale de una manera mucho más dañina.

Marta: Todo lo que se tapa, antes o después explota. La gente está continuamente intentando aguantar, no desmadrarse, ser muy correcta, y eso es una olla a presión.

El ser humano necesita liberar. Además, la vida es alucinante porque te va poniendo siempre la asignatura que tienes que aprobar. Por ejemplo, esas amigas que siempre tienen el mismo tipo de novio y siempre les pasa lo mismo: ‘¡Ay! Me ha dejado, era un cabrón…’, y otra vez con otro: ‘¡Ay! Mira como estoy…’; pero, vamos a ver, ¡qué eres tú! ¡Qué no son ellos! ¡Qué tú tienes que aprender que la vida te los pone delante para que tú un día digas… NO! Cuando esa chica diga: ‘No quiero, he aprendido la lección’, ahí se abrirá otra puerta.

Ana: Porque todo lo que te afecta, si te lo vas callando… va haciendo callo. Por ejemplo, mi personaje de María, en Solas, tiene algo que no supera y se le hace un callo en el alma al haber sido incapaz de romper con sus lastres. Uno madura cuando se va atreviendo, cada vez más, a decir lo que no le gusta, lo que no quiere hacer, lo que le hace daño. Yo creo que el español es muy poco dado a expresar los sentimientos, por cultura, porque la religión católica también nos ha marcado mucho, no expresamos lo que nos pasa y eso no es bueno.

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¿Qué lastres son los que arrastra tu personaje?

Anabel: Concha querría haber llevado una vida distinta pero, por culpa de sus amigas, no pudo hacerlo. Ese es el lastre más gordo.

Marta: Teresa es una persona que necesita que la vean. Como todo el mundo, necesita que la quieran. Ella, en el grupo que forman de ‘la gorda’, ‘la tonta’, y ‘la guarrilla’, mi personaje es ‘la guarrilla’ y hace de eso su manera de encontrar que la gente le haga caso. A lo mejor Teresa no ha tenido la suficiente inteligencia de Lucía o el suficiente valor arrollador de Concha y ella misma se ha ido construyendo el personaje de ‘mujer fatal’, súper ligona, que está buenísima, y que solo puede tirar de esas herramientas.

Ana: Lucia Ramos es el personaje que interpreto, sin el que no habría función (risas), y puede que sea la más adolescente de todas. Pero las protagonistas son, en

LASTRES manejar bien. ¿Qué es para ti lo mejor de la obra LASTRES? Anabel: Aparte del texto estupendo que ha escrito Jorge Roelas, yo creo que nuestras tres interpretaciones son la baza fuerte de la función.

Marta: Estoy convencida de que lo mejor es vernos a las tres. No quiero que suene pretencioso, pero creo que somos tres mujeres de teatro y a mí me emociona mucho.

A mí misma no me veo, pero cuando veo a Anabel dejándose la piel y a Ana aguantando todo lo que le decimos, manteniendo el tipo hasta que explota, a mí me emociona mucho.

Ana: Que se arriesga la escena española a poner una obra de un autor joven, que no tiene mucha trayectoria como dramaturgo, y se presenta al público desde una iniciativa privada. También es importante el hecho de que LASTRES presenta una historia desde el humor, pero siendo un humor que deja poso.

El autor de LASTRES, Jorge Roelas, reflexionando sobre la obra, se detiene a pensar acerca de cómo los hijos repiten, a menudo, un molde que han visto en sus padres, esa tendencia a reproducir formas de conducta: “Es curioso ver cómo aprendemos, no de lo que nuestros padres nos dicen que hay que hacer, sino de sus actos.

Si tus padres son buenas personas, tienes muchas posibilidades de serlo tú también; pero otros aprendieron lo contrario… Las buenas personas son el blanco fácil de esta otra clase de ‘niños’ que disfrutan, tanto como sus padres, insultando a los demás, ridiculizando al gordo, al flaco, al pobre, al rico, al alto, al bajo, al que le gusta estudiar y al que le cuesta la vida”. Concha, Lucía y Teresa (las protagonistas de la obra), y sus tres respectivas hijas, son un claro ejemplo de lo que apunta Roelas; todo el mundo debería pararse a recapacitar, y ver esta obra es una buena fórmula, para intentar no llevar una vida cargada de lastres.

general, tres mujeres que han alcanzado la edad adulta, pero que se han quedado en la adolescencia. Si tú superas tus lastres, complejos, etc., más consigues llegar a la madurez.

Un defecto y una virtud del personaje que interpretas, sería…

Anabel: El peor defecto de Concha es que es una bocazas, en todos los sentidos (risas), ya entenderéis por qué lo digo… La mayor virtud es que es muy vulnerable, algo que les pasa a los tres personajes.

Marta: El peor defecto de Teresa es que se maquilla demasiado; se trata de un gran defecto porque es una metáfora de lo que hace en la vida: no se quiere ver y se pone mucha pintura. La mayor virtud es que está buenísima (risas).

Ana: Lucía es muy envidiosa y un poco rencorosa. Creo que su gran virtud es que es muy inteligente, aunque nunca lo ha sabido

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ROZALÉN

ROZALÉN

“Me inspiran un montón de cosas en realidad, pero en general, me inspira el amor a muchas cosas, el amor a una pareja, el amor a la naturaleza, el amor a mis amigas…”

María Rozalén, más conocida como Rozalén, una joven cantante y compositora que se presenta con una actitud musical diferente y llena de compromiso, nos presenta ‘Con Derecho a…’ que salió a la venta el pasado 12 de marzo...

Agradecimiento especial: Hotel SIETE ISLAS Por: Nuria Arévalo Fotografía: Edu López

Desde bien pequeña, tu madre y tu abuela te enseñaban canciones que luego tu las cantabas ¿fueron ellas las que te inculcaron esa pasión por la música?

Evidentemente sí, mi madre me cantaba mucha copla de pequeñita y si, en mi casa como que siempre ha habido un ambiente muy musical, entonces eso quieras que no, hace que te guste la música.

Tocas la guitarra, para muchos es una forma perfecta para crear un espacio de intimidad entre el instrumento y el compositor, ¿Qué es lo que más te atrae de ella?

Lo que más me atrae de ella, es el tipo de relación que se crea entre ella y yo, la manera en la que me encuentro cuando estoy con la 50 - www.mewmagazine.es

guitarra y solo estamos la guitarra y yo, esa relación es la que más me gusta porque se da muy pocas veces y son momentos muy chulos, la verdad.

A la hora de componer, ¿en qué piensas a la hora de empezar a escribir una letra?

Me inspiran un montón de cosas en realidad, pero en general, me inspira el amor a muchas cosas, el amor a una pareja, el amor a la naturaleza, el amor a mis amigas y yo, sobre todo, compongo cuando voy caminando o voy en el autobús, estoy como siempre pensando cosas y en realidad, son cosas, pensamientos… que me vienen y digo ¡mira pues de esto a lo mejor me puede salir una canción!

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ROZALÉN Empezaste a componer con 14 años… desde entonces hasta ahora, supongo que habrá cambiado la manera de componer, ¿en que se ve reflejado ese cambio en las letras?

Yo es que mis primeras canciones espero que nunca salgan a la luz aunque mis amigas algún día lo sacaran y se forraran pero claro, cambia en un montón de cosas. Mi vida ha cambiado mucho desde los 14 años hasta ahora y evidentemente eso en la manera de escribir se ve reflejado pero sobre todo, lo bueno es que ha habido una progresión y una madurez que eso era algo evidente y en consecuencia, espero que en mis próximas canciones cada vez sean mejores, más inteligentes, más complejas…

“Igual que se hacen cosas bilingües, la lengua de signos es una cosa que deberíamos de tener más en cuenta”

Te subiste muy jovencita a un escenario, ¿recuerdas como fueron esos momentos previos al subirte y los momentos al bajarte?

Al escenario me subí por primera vez tocando la bandurria en la rondalla de mi barrio, de Albacete, mi ciudad, claro lo que pasa es que allí era como un segundo plano, yo formaba parte de un grupo y ahí pues no me daba miedo pero mi primer concierto fue con 16 años, como cantautora, y yo me acuerdo que me temblaban hasta las pestañas, me caía una gotera… era de una ‘Operación Bocata’ de Albacete, una cosa benéfica de Manos Unidas, pero la satisfacción que tuve al bajarme del escenario, sobre todo, por la gente que había venido a verme era gente que me quería y apoyaba mucho que yo cantara entonces me acuerdo que fue una satisfacción enorme porque yo, aunque no lo parezca, era muy tímida y para mí era un reto subirme yo sola.

El single de presentación se llama ’80 Veces’, además incorporas algo a lo que estamos poco acostumbrados, que es durante todo el videoclip, salir con una intérprete de lengua de signos ¿Cómo te surgió la idea de hacer algo así tan novedoso?

Bueno, novedoso no es porque muchos cantautores lo han hecho lo que pasa es que Beatriz llama mucho la atención y como la llevo durante todo el concierto y su manera de interpretar es diferente porque no lo hace literal, ella interpreta el significado, quizá es más bello. Se me ocurrió porque ella y yo somos muy amigas, nos conocimos en Bolivia con una especie de beca que nos dieron y por pura bella de primeras porque yo antes no conocía a gente no oyente pero la miraba interpretar y me parecía algo súper bello. Igual que se hacen cosas bilingües, la lengua de signos es una cosa que deberíamos de tener más en cuenta. Se lo propuse a Bea en un concierto que la saque así como de improviso y la verdad que la reacción de la gente fue como alucinante. Hicimos un concierto para discapacitados y ya bueno, a

Estamos viviendo una época difícil en nuestro país y nos presentas un álbum que lleva por nombre ‘Con Derecho a…’ ahora más que nunca, ¿Cuáles creen que son los derechos que nunca debemos olvidar y reivindicar que tenemos? ¡Puf, tantas cosas! Sobre todo el derecho a la libertad de expresión que últimamente yo creo que la gente no es consciente de todo lo que está pasando porque se nos está prohibiendo y pensar como a cada uno le dé

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ROZALÉN partir de ahí, una cosa llevo a la otra. Ahora es una más de la banda. Ósea que vas a seguir llevando a la interprete durante todos los conciertos que te esperan…

Ella trabaja en Albacete en un instituto entonces ella viene a los que puede porque para nosotros es un plus.

En este camino, te ha empezado a acompañar Sony Music, aunque son tiempos difíciles para la música, ¿dirías que has apostado muy fuerte para vivir de la música en estos tiempos?

Hombre, ¡totalmente! He terminado lo que estaba estudiando pero no se me pasa por la cabeza el dedicarme a otra cosa que no sea la música e incluso siendo una época de crisis la creatividad en estos momentos es mayor ¿no? Porque digamos que en estos momentos como que solo sobreviven los más fuertes o los más creativos o los que hacen las cosas con mayor originalidad. Entonces creo que es un buen momento para apostar por cosas.

“no se me pasa por la cabeza el dedicarme a otra cosa que no sea la música”

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ROZALÉN ¿Y Albacete?

Albacete lo hicimos el mes pasado y fue una maravilla y yo no me esperaba ser profeta en mi tierra de esa manera.

“En cada concierto siempre hay alguna cosita nueva o diferente”

Hemos hablado antes de tu primera vez sobre un escenario… el pasado 23 de febrero actuaste en la Sala Galileo Galilei, ¿Qué se siente cuando una se retira del escenario y se va al camerino?

Ahora mismo estoy como que no doy crédito, casi que cada vez que hacemos un concierto está hasta la bandera en tan poquito tiempo porque yo llevo mucho tiempo tocando en bares y demás con la guitarrita yo sola pues es como chocante, todos estos años ¿Qué pasa? ¿No estaba ahí? O ¿Por qué ahora brillo y antes no? Eso es una pregunta que me viene mucho a la cabeza pero sobre todo es como el suspiro, cuando acabo de terminar y ha salido bien es como: ¡ufffff que guay, que maravilla y que lotería cuando la gente valore tu trabajo!

Te esperan muchas ciudades como Sevilla, Cádiz, Barcelona, Andorra, Murcia, Madrid, Valencia… ¿con que vas a sorprender en cada ciudad al público?

En cada concierto siempre hay alguna cosita nueva o diferente. Por ejemplo, tengo muchos amigos músicos en varias ciudades, entonces intento que en cada concierto pues salga a cantar alguien de esa ciudad y yo alguna vez meto, de vez en cuando, alguna versión porque me sale… o siempre intento hacer alguna cosita nueva pero el espectáculo que llevamos ahora evidentemente está un poco más marcado.

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El pasado 12 de marzo pudimos tener físicamente el álbum, pero cuando llevas tiempo preparando algo tan especial como es un disco, ¿con que sensación se puede comparar el tenerlo ahí, físicamente, tangible…?

Es que es como parir, además nosotros cuando estuvimos grabando el disco la duración fue durante 9 meses y entonces ves como se está gestando poco a poco y ves como cada canción tiene forma. Es una metáfora estupenda porque lo quiero enterito con sus pocos defectos, que tiene muy pocos el disco y es como un orgullo total, acepto las criticas malas que tenga, es como un hijo, totalmente.

Esperamos que nos visites ’80 veces’ más y que nos sigas contando que ‘Las Hadas existen’ en tu voz.

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miguel diosdado Agradecimiento especial: SIX MADRID Hotel SIETE ISLAS Entrevista por: Nuria Arévalo Imágenes por: Edu López Vestuario: Jail Calher, La Quinta Del Sol, Buddha to Buddha

MIGUEL DIOSDADO

“De Bandolera no cambio ni al equipo ni a los compañeros, tanto de delante como de detrás de las cámaras” Lucero de Linares, Sancho, Francisco Rivera… le podemos conocer por numerosos nombres pero hoy se presenta a la entrevista como Miguel Diosdado, un joven sevillano con mucho futuro por delante…

nervioso cuando no tienes ni idea de nada, cuando no sabes de qué va la cosa y te dicen: ‘y lo dices’ y no me puse nada nervioso. Un día llegué del colegio y me dijo mi madre: ‘oye que te han cogido’ (risas) fue estupendo, en Sevilla todo parecía mucho más fácil, todos los castings que me presentaba… la verdad que los 4 o 5 que hice, me cogieron porque claro allí éramos 20 y aquí somos 20.000. Pero me llevo un buen recuerdo, fue un buen principio la verdad.

¡Buenos días Miguel! ¡Muy buenos días a todos!

Aunque eres muy joven, has hecho ya numerosos trabajos… ¿Recuerdas tu primer casting? ¿Cuáles fueron las sensaciones?

Mi primer casting fue en Sevilla, cuando tenía como 15 años, era para un anuncio, me había apuntado a una agencia, que convencí a mi madre que me costó, y fui allí pensando que no me iban a coger y me cogieron, fue una suerte. Me llevaron a Zafra, allí a grabar un anuncio, era para la renta agraria o la conserjería de Andalucía…algo para la Junta de Andalucía (Recuerda) Me hice como 4 después para la Junta de Andalucía con este perfil andaluz que tengo pues me ayudó. La sensación pues yo creo que te pones menos

Son, quizás ¿Amar en tiempos revueltos y Bandolera tus series estrella?

Bueno, yo estrella, estrella… siento que estoy empezando tanto y que estrella no considero nada. Todo es como el principio de algo, el principio de mi sueño... así lo veo pero bueno, han sido un buen principio, me he sentido muy cómodo y siento que a la gente le ha gustado lo que he hecho y espero seguir así, cada vez a mas.

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EN PORTADA

Respecto a la ultima, Bandolera ¿Qué ha significado para un actor joven como tu trabajar en una serie diaria como lo era?

Pues bueno, el tema de las series diarias es que es muy rápido y mucho esfuerzo mental en cuanto a que te levantas a las 6 de la mañana, te vas a grabar, llegas a las 6 de la tarde, te tienes que estudiar todo lo del día siguiente y así sucesivamente, todos los días. Para mí lo que ha supuesto ha sido un entrenamiento y un training brutal, ósea una escuela perfecta, aparte de todo lo que he estudiado y seguiré estudiando pero una escuela perfecta. Maravillosa. Con un equipo y unos compañeros que no cambio a ninguno de delante y de detrás de las cámaras. ¿Cómo vivisteis todo el elenco ese último día de grabación?

Pues muy emocionados todos, ya nos habíamos hecho a la idea de que era el ultimo día, no pena de que acabara, pero pena de que acabara una etapa y sobre todo, yo creo que cuando acaba un proyecto, porque los actores trabajamos por obra, quiero decir, tu empiezas y sabes que va a acabar, una serie nunca va a acabar toda la vida y eso lo sabes desde que empiezas, es mas la cosa de que trabajas día a día con mucha gente que se convierte en tu familia y esa sensación de que, aunque bueno con muchos vuelves a coincidir con mucha gente, pero sabes que ese núcleo nunca se va a juntar todo y eso sobre todo, es lo que da pena. El último día de rodaje fue muy emocionante, yo creo que fue precioso. Me acuerdo que acabe la última secuencia y no quería ni mirar a la zona del plató donde estaba todo el mundo, me di la vuelta y estaba todo el equipo…muy bonito. ¿Te quedaste satisfecho con el trabajo realizado con ‘Lucero de Linares’?

Pues es muy difícil quedarse satisfecho con todo, sobre todo yo, que me gusta mirarlo todo y aprender de todo lo que no me acaba de convencer, pero la verdad que me he quedado muy contento con Lucero, lo he disfrutado mucho, creo que estaba escrito

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“Estoy empezando tanto y estrella no considero nada.

Todo es como el principio de algo, el principio de mi sueño...” con mucho cariño y yo he puesto mucho de mí y mucho de lo que yo he recordado y he vivido en Sevilla, he cogido muchas frases, muchos gestos y si, Lucero es un personaje que estaba perfectamente construido, yo leía el guión y sabía perfectamente como lo diría Lucero, como lo haría Lucero… entonces en ese sentido me sentía muy cómodo, sentía que tenía todas las armas, lo conocía perfectamente, éramos hermanos. ¿Por qué crees que las series de época tienen tan buena aceptación entre el público?

No lo sé, supongo que esto tiene que ver con las modas y con que empieza una, triunfa y le siguen todas las demás. La verdad que no se el porqué, yo he hecho mucha época, no siempre tan atrás, pero casi siempre hago de épocas anteriores, siempre digo que tengo ganas de grabar con vaqueros y camiseta (Risas) ¡Tanta época y tanto vestuario! (Risas)

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“Yo ahora me estoy preparando para irme a México porque quiero moverme allí a ver qué pasa” Hablábamos de Bandolera, pero sin duda, dos tv movies también estrella para ti, podrían ser Carmina o La Duquesa….después de meterte en la piel de Francisco Rivera, ¿ha cambiado tu forma de verle antes y después de hacer el papel?

Mmm…en cierto modo como que conozco mucho a la familia Rivera, la parte publica, por supuesto porque no les conozco personalmente, a ninguno. Hice ‘Paquirri’ donde hice al hermano de Paquirri, Antonio Rivera; después en ‘La Duquesa’ hice de Fran y en ‘Carmina’ hice de Fran… entonces me empape bastante del espíritu de esta familia y yo a Fran lo trabaje como un personaje de ficción, yo trabajaba a través de un guión, de las notas de Miguel Albadalejo en ‘Carmina’ y de Salvador Calvo en ‘Paquirri’ y en ‘La Duquesa’ y yo me veía toda la información y libros… porque de esta familia hay lo más grande, en YouTube y en todos los lados… después ya me quedaba con el guión y las notas y ya yo construía un personaje, no intente tampoco imitar porque es una persona

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que está viva y sale en los medios de comunicación todos los días y creo que había sido un error caer en la imitación, si que en la voz, en la forma de hablar, soy andaluz y además me gusta mucho fijarme en eso de cómo habla la gente y el también es andaluz, por eso lo decía, y bueno por ahí sí que intente pillarle el espíritu. Pero la pregunta era si me ha cambiado la forma de verle y no, no ha cambiado mi forma de verle, la verdad.

Decías que “No has intentado imitarle sino coger su esencia”…y que has hecho el personaje de una manera de ficción ¿pero no te ha resultado muy difícil hacer un personaje que es real, transformarlo desde tu punto de vista sin conocerle lo más mínimo?

Si, ahí estaba la dificultad del personaje que no me lo podía inventar yo a parte del texto, que no podía yo poner tanto de mi imaginación pero fue tal y como te he contado. ¿Pero no hiciste nada en especial?

Me acuerdo que su hermano Julián escribió un libro y tuve la oportunidad de tener una reunión con el, donde me hablo de cómo era su relación, me vi todos los videos de las veces que él ha hablado con la prensa, lo que pasa es que claro, después, tu cuando hablas con la prensa usas una cara publica y nosotros veíamos momentos con su madre súper íntimos y ahí entraba lo que yo había pillado, lo que me habían contado y la imaginación y la magia que ahí se crea interpretando, si es que se crea en algún momento que creo que surgió.

Tienes un ‘feeling’ con esta familia a la hora de hacer proyectos, ya que has hecho de él en dos ocasiones, también interpretaste al hermano de ‘Paquirri’… y no tienes nada que ver con ellos, pero sin embargo, tus amigos bromeaban contigo por el parecido físico ¿no?

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Sí, bueno, supongo que mas que me parezco es el aire, que tengo un aire andaluz y por eso, y porque bueno, yo he hecho castings para todo, no me lo han dado porque me parezca (risas) Por eso surgieron los personajes. Yo a veces digo que estoy cansado de la familiar Rivera como decía una persona pero a la vez me han dado trabajo y ha sido maravilloso porque cada trabajo es una aventura y ya te digo, al final te olvidas de lo mediático del asunto y es una historia, estas contando una historia. Una historia que puede pasar en cualquier familia.

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Consideras necesario que para que una carrera pueda triunfar en el extranjero, ¿primero se tiene que consolidar en España?

Creo que generalizar es muy difícil, supongo que ayuda mucho. Yo ahora me estoy preparando para irme a México porque quiero moverme allí a ver qué pasa. Voy a seguir viviendo en España, por supuesto, igual que en cualquier profesión con esta crisis de todo que hay, hay que reinventarse y moverse e intentar buscar en todos los lados, yo voy a hacer lo mismo en mi profesión.

MIGUEL DIOSDADO

pezando como estoy yo, pero a mí me encantaría, sobre todo por la experiencia de dirigir, de intentar investigar con actores, pero sobre todo por eso, por la investigación, sin ambiciones de yo convertirme en un gran director, si que tengo ambiciones de convertirme en un gran actor, eso sí, y por ahora quiero seguir aprendiendo de todos los directores que me van tocando que estoy teniendo mucha suerte y espero seguir conociendo porque es que los directores…es que ser director es saber de todo, de todo lo que se mueve alrededor de lo que estás haciendo y todavía me queda, pero sí, sí que me veo. Me encantaría dirigir. ¿Cuál es la última película que has ido a ver al cine? ¿Qué película crees que no debe faltar en casa de un cinéfilo?

Me he visto en tres días ‘Argo’ ‘Volver a nacer’ y ‘El lado bueno de las cosas’. Me estoy intentando ver toda esta oleada de maravillosas películas. ‘Argo’ me ha alucinado, ¡menudo peliculón! Y Penélope Cruz, a mi me ha parecido soberbia, como pasa de los 20 a los 50 años y ¡guau, que historia! Yo soy muy defensor, bueno no necesita ninguna defensa pero me encanta Penélope Cruz de toda la vida y me parece que este trabajo es soberbio, sin más, soberbio. ¿Qué película crees que no debe faltar en la estantería de una persona?

Pues no lo sé, yo soy muy fan del cine español desde que tengo 12 años o 10 años, que era muy raro entre mi grupo de amigos porque nada mas que les gustaba, como suele ser, ir al cine a ver otro tipo de producciones y yo siempre me iba al cine español. No sé por qué, siempre me sentía más identificado o me lo creía más, últimamente estoy pensado que es porque yo de pequeño no veía las películas en versión original y a lo mejor, me llegaban más los actores españoles porque les veía hablando desde luego el doblaje, a día de hoy, me

Si pudieses elegir tu participación en una serie que se esté produciendo, en la actualidad, en EE.UU... ¿En cuál querrías trabajar?

Soy muy de series pero actualmente estoy viendo pocas, soy muy de series americanas, me veo muchas. ‘Breaking Bad’, creo.

Muchos actores terminan trabajando delante y detrás de cámaras... ¿Se ve Miguel, dentro de algunos años, gestionando y produciendo sus propios proyectos teatrales o cinematográficos?

Pues hombre, es muy ambicioso decirlo em-

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parece una aberración porque no estás viendo la interpretación ni la intención del actor, sino del doblador que vete tú a saber…Y… ¿Qué película? Me voy por los cerros de Úbeda y te cuento otras cosas (risas) ¡Tengo tantas y tantas! Que me cuesta elegir una…pero creo que de las primeras películas que me compre fue ‘Abre los ojos’ de Amenábar, que la alquile, la vi y no sé, si tenía 13 años o algo así…fui yo a comprarla autónomamente y dije ‘¡esta la quiero!’ y me la compre y me la vi como 14 veces. Sigo siendo fan de Amenábar.

En 2008, presentaste un programa que se llamaba ‘La PCera’ ¿repetirías la experiencia de ponerte al frente de un programa?

Pues ¿Por qué no? Yo siempre he dicho que para mi presentar fue interpretar, al fin y al cabo, pero de una manera muy divertida, muy relajada… yo hacía de mi pero tenía un personaje, además el programa era de sketch y creando situaciones una presentadora y yo, yo me lo pasé bomba, era lo primero que hacia delante de las cámaras así de seguido varios meses y aprendí a estar delante de la cámara, a sentirme comodísimo, me cuidaron mucho…lo recuerdo como algo divertidísimo, me reí mucho, grabábamos como 10 horas al día, 5 programa al día… recuerdo, fue mucha tela pero también una gran escuela. Además el programa iba sobre ordenadores, juegos de ordenadores… y yo justo, siempre he sido un ‘panoli’ con las tecnologías, ahora un poquito menos con esto del iPhone, del iPad… ¡es tan fácil! Pero todo el rollo de juegos de ordenador, no he sido yo de niño que me interesara mucho… entonces yo me lo aprendía, de lo que iban los juegos, de lo que salía, de los trucos… Porque no tenía ni idea y al final colaba.

Hace poquito has grabado un corto llamado ‘La Transmisión’… adelánta-

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nos cuando lo podremos ver, tu personaje, donde…

Mi personaje es un sargento de transmisiones del bando republicano el día que acaba la Guerra Civil Española. Lo he grabado con Juan Gea, un gran actor, entre otras cosas, me apetecía mucho hacerlo por trabajar con él y hemos estado una semana grabándolo entre Alicante y Murcia y creo que en dos meses se podrá ver, con su recorrido por los festivales y espero poder enseñarlo pronto.

También hace poco, que ya se ha estrenado, ‘Caipirinhas en Ipanema’ que es un corto que he hecho con Félix Gómez, dirigido por Antonio Hernández Centeno, curiosamente es el guionista de ‘La Duquesa’, ‘Paquirri’, ‘Hermanos’… un pedazo de guionista y probablemente, un futuro pedazo de director. Este corto ya está de recorrido por festivales y a ver qué pasa, yo creo que puede traernos cosas muy bonitas. ¿Qué le depara el 2013 a Miguel?

Pues bueno en esta profesión nunca se sabe porque una llamada te cambia la vida. Por ahora tengo una cosita que me ha salido pero que no puedo comentar todavía, que supongo que será para dentro de un mes o dos meses y un par de proyectos que estamos ahí a ver si finalmente se concretan, ojala que sí. Y si no, ya te digo, me voy a México me voy donde haga falta.

“Esta profesión nunca se sabe, porque una llamada te cambia la vida”

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REY LEAR Por: Sergio Jurado

“Shakespeare es un espejo en el tiempo, donde cada generación se puede ver”.

Alejandro Jornet, actor que interpreta al Rey Lear.

Agradecimiento especial: DÑA. CLARA SAEZ (DPTO. PRENSA CONSELLERÍA DE CULTURA) TEATRES DE LA GENERALITAT VALENCIANA

Rey Lear se trata de una producción del Centre Teatral de la Generalitat, bajo la dirección de Ximo Flores, presentada recientemente en el Teatro Rialto de Valencia.

El director valenciano planteó este clásico de Shakespeare con música en directo y una potente escenografía cargada de sugerentes proyecciones audiovisuales.

La obra habla sobre la vejez y la soledad, sobre la ingratitud filiar, sobre los errores que comete el Rey Lear y que, con el tiempo, se vuelven en su contra. El anciano Rey quiere dejar el reino en manos de sus hijas y las pone a prueba, toma decisiones equivocadas y, finalmente, se ve traicionado, abandonado, vagando en la tristeza de aquel que tuvo el poder y hoy solo tiene ausencias.

Actrices que interpretan a las tres hijas del Rey.

MEW Magazine tiene la oportunidad de hablar con ese director que hace uso de la libertad creativa para acercar grandes obras clásicas a las generaciones actuales, aquel que soñaba con los textos de Shakespeare cuando era niño y que ahora trabaja con ellos. Entrevistamos a Ximo Flores:

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REY LEAR Antes que nada, Ximo, me gustaría saber desde cuándo estás vinculado al mundo del teatro…

Allá por el año 1995 es cuando me doy a conocer en la escena valenciana, abriendo una pequeña sala propia en el barrio del Cabañal: el Teatro de los Manantiales. A partir de ahí comienza mi trayectoria y, hasta el día de hoy, mi trabajo ha estado muy vinculado a la ciudad de Valencia.

que podía desarrollar mis inquietudes desde esa apertura.

Actualmente, como director, eres tú el que tiene la responsabilidad de que la gente que acude al teatro sienta que le gusta lo que ve. En este caso utilizas textos de Shakespeare, ¿qué te lleva a querer servirte de obras como Rey Lear?

Siempre ha sido un sueño para mí, desde muy joven he soñado con los textos de Shakespeare porque he sido un fanático del Shakespeare que veía en el cine con adaptaciones de Orson Welles, etc. Por otro lado, todos los aprendizajes que haya podido adquirir con mis experimentaciones en nuevos lenguajes escénicos, ahora los quiero aplicar tomando textos clásicos. De repente, esta obra clásica de Shakespeare, Rey Lear, es de una actualidad bestial.

¿Qué es lo más relevante que recuerdas de tus comienzos?

Independientemente de los premios de la crítica o, incluso, de los premios concedidos por Teatres de la Generalitat y demás, lo que recuerdo es la libertad, la libertad creativa, la idea de llevar adelante un sueño. Cuando abrimos el Teatro de los Manantiales, éramos gente que queríamos experimentar con los nuevos lenguajes escénicos y todo eso en Valencia parecía muy raro, así que me quedo con la satisfacción de haber sido pioneros en esa línea que, actualmente, ya es una línea más entendida y aceptada. Recuerdo mis comienzos como años de mucha libertad, también de mucho sufrimiento, mucho trabajo, mucha dificultad; pero eres joven y, en ese momento, es por lo que tienes que pasar.

Shakespeare comenzó la redacción de Rey Lear a principios del siglo XVII, ¿cómo es posible que una historia escrita hace tanto tiempo pueda percibirse tan vigente?

Precisamente porque, en el fondo, los textos de Shakespeare son como el psicoanálisis de Freud: una exploración de la condición humana muy profunda. Entonces, como decía un gran personaje del teatro, “Shakespeare es un espejo en el tiempo, donde cada generación se puede ver”.

¿Recuerdas cuál fue la primera obra de teatro que viste y qué fue lo que más te llamó la atención?

No sé si sería capaz de recordar la primera obra de teatro que vi, supongo que sería en el colegio, alguna obra infantil… Pero tengo que decir que yo no soy una persona que llega al teatro por ser una persona a la que le gusta el teatro; yo llego al teatro por ser, ante todo, un auténtico cinéfilo y admirador del arte plástico, por eso mi lenguaje escénico siempre ha tenido influencias de ello. Así que, cuando tengo que pensar en el pasado, recuerdo que las cosas que veía en el teatro no me terminaban de gustar; el academicismo del teatro era como una cosa muy cerrada y con un código muy definido. Yo comencé a ver que el teatro era como una especie de contenedor que podía absorber absolutamente de todo, de todo tipo de lenguajes: musicales, audiovisuales... Yo sentía

Rey Lear, ¿qué significa para tu carrera profesional?

Es casi un sueño para mí, en serio. Yo tengo que agradecer mucho la oportunidad que se me ha dado porque, con la situación que vivimos, es un trabajo que lo tienen que asumir las instituciones. Que una institución pública esté apostando por un Shakespeare y que un director de ahora pueda hacer un Shakespeare, es un lujo. Yo he puesto toda mi energía para hacer un Shakespeare pasado por el filtro de la contemporaneidad y de todo lo que es mi trayectoria artística, a la que tampoco puedo traicionar.

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REY LEAR

Imagino que, cuando uno es director y hace una versión de una obra, también tiene que respetar unas bases, pero ¿qué aspectos de Rey Lear son producto de la esencia particular que tiene Ximo Flores?

Tiene más que ver con lo visual, con el lenguaje, porque con el texto he sido bastante fiel. Mi visión más personal en este proyecto ha sido medir el tiempo de la obra, acondicionarlo a un tiempo más realista, y extrapolar todo lo que es mi sensibilidad visual.

Con el trabajo de los técnicos, gente que ha aportado su trabajo en el audiovisual, las luces, la música… ha quedado una cosa muy atmosférica.

Rey Lear invita a recapacitar sobre la vejez, ¿qué reflexiona el propio Ximo Flores sobre esa última etapa de la vida?

Para mí las personas mayores son las que, de alguna manera, suponen el legado histórico y simbolizan la transmisión del conocimiento oral. También representan algo que me preocupa en estos momentos, la desconexión que hay con la historia; los mayores son aquellos que, de algún modo, nos conectan con la historia y eso es muy importante no perderlo. Por otro lado, desde el punto de vista de la imagen, me preocupa el culto por la eterna juventud: una sociedad que parece que quiere estar plastificada en celofán y no envejecer.

En Rey Lear se diferencian claramente los personajes buenos y los malos, ¿por qué siempre se dice eso de que ‘los buenos no son tan buenos y los malos no son tan malos’?

Cuando tienes un texto tan bueno y tan complejo como éste, te das cuenta de que hasta el más aparentemente villano tiene sus motivaciones para actuar así. Y el bueno, a lo mejor resulta que no era tan bueno. Es

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imposible ser bueno o ser malo, se es uno en sus circunstancias; y las circunstancias muchas veces no vienen marcadas por uno mismo. Lo bueno de esta obra es que sales diciendo: ‘¡Todos son víctimas!’; por eso es una tragedia. Hay una frase con la que yo resumiría un poco la idea, que me gusta mucho, y la dice uno de los personajes: “Somos para los dioses como las moscas para los niños, nos matan por diversión”. ¿Que sacará el espectador que asista a la representación de esta obra?

Muchas cosas, porque está llena de estímulos y es realmente impactante. Pero me quedaría con una sensación y es que la tragedia tiene carácter de irreversibilidad: no hay marcha atrás, las cartas están echadas y esto no tiene arreglo. Alguien podría decirme: ‘Ximo, ¡qué negativo eres!; y ahí es donde yo contesto: ‘Para eso está la tragedia, para ver que lo que no tiene arreglo está en el escenario y que se tome consciencia de que si quiero que las cosas no vayan por ese rumbo, tengo que empezar a cambiar ya; porque probablemente habrá un punto sin retorno’. A mí me gusta plantear estas situaciones no para decir que la vida sea así, sino para decir: ‘¡Espabila! ¡Abre los ojos que si no la cosa se va a poner fea, pero muy fea!’.

“Los mayores son aquellos que, de algún modo, nos conectan con la historia y eso es muy importante no perderlo”.

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MÚSICA

ABRAHAM MATEO Y SU VIDEOCLIP “SEÑORITA”, UN MILLÓN DE REPRODUCCIONES En sólo 4 semanas, el primer videoclip de Abraham Mateo, que acompaña a su nuevo single “Señorita” ha alcanzado el millón de reproducciones en su canal de Youtube/VEVO. Una cifra record a la que acompañan dos datos más. Más de 12.000 votaciones positivas del video y un total de 24.000 comentarios.

Una cifras que constatan que Abraham Mateo es uno de los fenómenos musicales del año dentro y fuera de España.

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MÚSICA

AURYN saca a la venta su nuevo álbum ‘Anti-héroes’ Ya puedes tener el nuevo disco de la boy band española formada por estos cincos chicos que están pegado fuerte en las listas de nuestro país. Sacan nuevo álbum y con él, una larga lista de ciudades por las que pasaran a firmarte tu ejemplar, ¡que no se te escapen!

28 de marzo: Barcelona. FNAC La Maquinista. 17 horas.

30 de marzo: Castellón. Corte Inglés. 12 horas. Valencia: Carrefour Gran Turia.

18 horas.

31 de marzo: Alicante. FNAC. 17 horas.

1 de abril: Murcia. FNAC. 17 horas.

2 de abril: Málaga. FNAC. 17 horas.

3 de abril: Sevilla. Media Markt San Juan de Alfarache. 17 horas.

4 de abril: Córdoba. El Corte Inglés. 18 horas.

5 de abril: Pamplona. Leclerc Pamplona. 17 horas.

6 de abril: Bilbao. Media Markt Bilbondo. 12 horas. Santander: Carrefour El Alisal.

18 horas.

9 de abril: Tenerife. Carrefour C.C. Meridano. 17 horas.

10 de abril: Gran Canaria. Carrefour C.C. Las Arenas. 17 horas.

11 de abril: Salamanca. Carrefour C.C. El Tormes. 18 horas.

‘AMOR DE VERDAD’ ES LO NUEVO DE BLINDAJE 10 Después de arrasar con ‘Amigos especiales’, ‘La Cosquillita’ y ‘Sedúceme’, tres temas que siguen acaparando los primeros lugares de popularidad en muchos países de Latinoamérica, Blindaje 10, grupo samario conformado por Jaider Aristides Pérez (JaiderWhite) y Mario Alberto Vargas (EsteMike), vuelven con un nuevo single, ‘Amor de verdad’, un tema que sin duda alguna alcanzará en pocos días la cima del éxito.

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MÚSICA

DESVELADAS LAS FECHAS DE SU GIRA MUNDIAL ENTRADAS PARA “THE MOONSHINE JUNGLE WORLD TOUR” A LA VENTA A PARTIR DEL 1 DE MARZO 2013

Bruno Mars –artista de Atlantic Records- ha desvelado los detalles de su más que esperada gira mundial. “The Moonshine Jungle World Tour” comenzará en norteamérica el 22 de junio en Washington, DC extendiéndose hasta final de agosto. Las fechas en Europa empezarán el 2 de octubre en Belfast, Irlanda del Norte (abajo todo el itinerario), llegando a nuestro país el 15 de noviembre con un único concierto en el Palacio Vistalegre de Madrid.

El anuncio de la gira “The Moonshine Jungle World Tour” llega justo cuando “When I Was Your Man” – el ultimo single de Mars del álbum, “UNORTHODOX JUKEBOX” – ha saltado dentro del top 10 del “Hot 100” de Billboard en donde se encuentra con el primer single y éxito mundial, “Locked Out Of Heaven,” el cual ha estado en lo más alto del “Hot 100” durante 6 semanas de forma consecutiva.

El rápido éxito de “When I Was Your Man” – que además ha sido la canción mas oída en streaming y pinchada en radio de esta semana – refuerza al ganador de GRAMMY® con su décimo single en llegar al top 10 de forma consecutiva, estableciéndole como el artista masculino con más Top10 seguidos desde que debutó.

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MÚSICA

DREAMBEACH Villaricos anuncia siete nuevos artistas Tras agotarse los 2.000 primeros abonos de la oferta especial de lanzamiento a precio reducido y la ampliación de la oferta hasta el 20 de marzo que hizo la organización, con este nuevo avance de cartel sube el precio de los abonos en todos los canales de venta.

El Festival DREAMBEACH VILLARICOS 2013 anuncia la incorporación de siete nuevos artistas internacionales a su cartel oficial para esta primera edición. Los belgas Dimitri Vegas & Like Mike, el francés Paul Ritch, los ingleses Gareth Emery y Steve Lawler, el italiano Mauro Picotto, o los españoles Marc Marzenit y Los Suruba son las nuevas incorporaciones para un cartel artístico que aúna algunos de los más destacados artistas de la música electrónica a nivel internacional.

Estos nuevos nombres mayúsculos de las mezclas y las pistas electrónicas se unen a los otros veintiún artistas también de primer nivel confirmados con anterioridad y entre los que destaca la actuación exclusiva en España de la banda inglesa The Prodigy o el macro montaje visual y electrónico de Vitalic con su mega proyecto “VTLZR” junto a otros nombres como Feed Me, Foreign Beggars, Josh Wink, Noisia, Umek.

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Casi una treintena de artistas componen ya el espectacular plantel artístico para esta primera edición de DREAMBEACH VILLARICOS, un proyecto netamente andaluz aunque con marcado carácter internacional, y que promete convertir la Playa de Villaricos en Cuevas del Almanzora (Almería) el segundo fin de semana de agosto en el epicentro de la música de baile a nivel mundial.

Nuevos artistas confirmados a 20 de marzo: DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE (Definitive / Vendetta / Bélgica) - GARETH EMERY (Armind / Armada / Five AM / Reino Unido) – LOS SURUBA (Get Physical / Defected / España) – MARC MARZENIT (Paradigma / Natura Sonoris / España) - MAURO PICOTTO (Alchemy / Meganite / Italia) – PAUL RITCH (Drumcode / Ovum / Cocoon / Francia) – STEVE LAWLER (Viva Music / Bedrock / Reino Unido).

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COMIC

El día que llegamos a Villachica Por: Doc Pastor

Los que llevamos ya años, de hecho déca-

das (y eso nos hace pensar en que las canas están ahí por algo), leyendo tebeos hemos conocido muchas formas de contar historias, de ilustrarlas e incluso de llamar a los personajes. Sí, muchas creaciones del mundo de los superhéroes (o de otro tipo de cómics) han llegado hasta nosotros distintas nomenclaturas, en ocasiones debido a designios editoriales y a la propia evolución del carácter en cuestión, y en otras sencillamente por un tema de traducción. Un “Lost in traslation” en toda regla.

No entraré en los evidentes como el Hombre Araña o La Masa, como durante años conocimos a Hulk, aunque lo de Daredevil convertido en Dan Defensor merece todo un post (y curiosamente, también se le llamó así en la serie de televisión de Spider-Man de los noventa). Solo voy a recalar por un momento en Villachica, que bien podría ser un pueblecito del Penedés, uno de esos sitios a los que los chicos van en verano para estar con sus abuelos y disfrutar de las fiestas del patrón.

Pero más allá de esta chanza está el que en realidad es Smallville, el lugar en el que Clark Kent creció y se convirtió en el hombre (super hombre) que hoy es. En los viejos tebeos, que por fortuna algunos todavía tenemos en nuestros armarios, así se menta a la pequeña población. En ocasiones el exceso de traduc90 - www.mewmagazine.es

ción desvirtúa por completo el producto, pero en ciertos casos logra dotar de un sentido que de otra forma no tendría, como en esta ocasión o si nos referimos al Doctor Destino (ahora siempre Doctor Fate) o a El Castigador (desde hace años solo como The Punisher).

Llamar Villachica a este pueblecito fue un acierto, ya que en aquella época previa a las “Crisis en Tierras Infinitas” realmente era eso, una villa, un pueblo, muy chico, muy pequeño.

Pero la implantación de los nombres originales, que en muchos casos tiende a ser mejor respetarlo, hizo que se perdiera por completo.

Claro que de haberse llamado así, en nuestro país, es probable que la serie de televisión “Smallville” no hubiera tenido el mismo éxito. Quizá sí, pero de primeras no habría logrado llegar hasta el gran público, menos todavía hacia el sector adolescentes que es al que claramente se dirije. La revisión que se hizo de la historia de Clark Kent, todavía solo un muchacho que está descubriendo sus poderes, logró crear un universo muy rico y coherente, con una fuerte inspiración en los cómics originales pero alterando los hechos considerablemente para conformar su propio mundo. Y la verdad que el haber llegado con éxito de crítica y público hasta su décima y última temporada es una muestra de su calidad.

En octubre de 2001 se estrenó el primer episodio (aunque en ocasiones se fecha en mayo),

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Pero si un punto hizo que nos interesáramos

no fue si el soso de Tom Welling, que cumple sobradamente pero es que Kent siempre ha sido bastante descafeinado, se besaba o no con la preciosa Kristin Kreuk ya que no dejaba de ser la habitual comedia adolescente.

Lo que logró que la audiencia fuera cada vez mayor eran los secundario, cierto que esta era una serie sobre la juventud del hombre de acero (“The Man of Steel” es el nombre de la nueva película) pero él solo no podía llevar el peso. Rápidamente a su alrededor vimos a un joven Lex Luthor, retomando la historia clásica en la que se conocían desde la infancia, que se nos presentaba no como el villano que sabemos que llegaría a ser, era un muchacho que bien podía caer a un lado u otro del muro, un hombre lleno de dudas y que intenta luchar contra su malvada naturaleza.

Flaco favor a esta batalla interna hacía su padre, Lionel Luthor al que interpretaba magistralmente John Glover. Un hombre que realmente no estaba presente en los cómics pero que fue el perfecto marionetista que orquesta a todos los títeres a su alrededor. Nunca llegaremos a saber las auténticas intenciones de este caballero, el porqué de sus actos o si en realidad hay algo más que un temible y poderoso hombre. Su influencia sobre su hijo es uno de los argumentos más relevantes en toda la trama, y sin duda la sombra que se cierne sobre el futuro de este y que le lleva a ser el Lex Luthor que bien conocemos por los tebeos (no tanto por las películas, con Gene Hackman o Kevin Spacey).

Póster promocional de la primera temporada. Por The CW.

un piloto que posteriormente se lanzaría en formato de DVD Movie, aunque realmente antes se hizo otro piloto que nunca vio la luz en televisión. Ya desde este iniciático momento sus creadores, Alfred Gough y Miles Millar (a los que también debemos “Spider-man 2”), plantearon unas fuertes bases que serían un leit motiv en toda la producción. Hubo una serie de reglas auto impuestas, aunque luego se ignoraron totalmente en favor de la trama, que básicamente eran tres: Lois Lane no iba a salir, Clark no luciría el conocido símbolo del pecho y nunca le veríamos volar. El paso del tiempo hizo que nada de esto se cumpliría, en gran medida porque una década de emisión hace que uno se piense muchas cosas, y por otro lado que la acertada decisión de que el personaje finalmente pasara de ser un “superboy” a un “superman” ayudó a la evolución del personaje y de la serie.

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COMIC Su relevancia en la serie de hecho la lleva a codearse y ser parte de La Liga de la Justicia, al menos de la versión televisiva que se nos presenta con unos jóvenes Flecha Verde y Aquaman en cabeza, sin dejar de lado a El Detective Marciano (uno de los más importantes miembros de este grupo). También llegará a conocer a Star Girl, Hawkman y al ya citado Doctor Fate, en una muy interesante visión del personaje, tres nombres que serán los únicos en activo de La Sociedad de la Justicia, un equipo de justicieros que operaban décadas antes y que tuvieron que desaparecer para seguir con vida (dentro, siempre, de la cronología de la televisión. En el cómic su origen es bien distinto).

El uso de estos personajes como caracte-

No podían faltar los Kent, los padres adoptivo de Superman, Pete Ross su amigo de toda la vida y otros conocidos secundarios para los lectores. Pero si el caso de Lionel luce con luz propia hay que citar a otro personaje que se fabricó directamente para esta producción: Chloe Sullivan.

Allison Mack fue la elegida para dar vida a este personaje que, en cierta forma, asume el rol que debía tener Lana Lang. En los cómics Lana siempre ha sido la mejor amiga de Clark Kent, la chica a la que revela sus poderes y la que será su confidente. En la serie esto no es así ya que su papel es el de interés romántico, amén de ser bastante plana, algo que se sustituye con esta Chloe Sullivan que además será en parte la responsable de que el protagonista se convierta en periodista, lidere a otros héroes y termine siendo el más grande de ellos. Si bien al principio parecía más metida con una palanca que otra cosa, el trío de Clark-Lana-Pete no tenía sitio para un cuarto miembro, poco a poco se convirtió en un importante pilar, a tal punto que DC Comics tomó la decisión de introducirla en las páginas de su cabecera “Action Comics”.

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res habituales fue bien recibido por los fans, al punto de que se llegó a plantear el hacer una serie solo de ellos, de La Liga de la Justicia (posiblemente sin Superman, por tema de derechos). Claro que esta no era la primera vez que este proyecto estaba planteado, cosa de una década antes ya se había intentado.

En 1997 se hizo un piloto para televisión, de una calidad bastante dudosa y con bastante poco carisma, que no llegó a más. Al tiempo se haría una versión en dibujos animados y recientemente se han empezado a escuchar voces sobre una película cinematográfica con fecha para el 2015, aunque todavía sin actores o director confirmado.

El personaje de Aquaman sí llegó a tener una breve aparición en solitario, un único episodio que más dejar en el olvido. Curiosamente aunque se supone que era el mismo que habíamos visto en “Smallville” no así el actor, el elegido fue Justin Hartley que había dado vida a Flecha Verde en lugar de Alan Ritchman que ya lo había interpretado. Los designios de la televisión son misteriosos.

Y así llegamos hasta “Arrow”, la última incursión de DC Comics (siempre protegida por Warner Bros) en el mundo de las series televisivas, en concreto (de nuevo) con Flecha Verde pero son relación alguna (que se sepa o se haya dado de forma clara) con toda la línea argumental ya contada. El rostro de

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COMIC Stephen Amell es el que se esconderá bajo la capucha del justiciero, un hombre que ha estado durante años perdido en una isla y que regresa a su hogar tremendamente cambiado. La historia que bien conocemos de los cómics, aunque parte de la personalidad es bien distinta y su crítico sarcasmo ha quedado relegado al olvido. Lo cierto es que en opinión de muchos es casi más una serie de Batman que otra cosa, aunque usando en su lugar al arquero (y para cualquier lector esto es algo que está bastante claro).

Lo cierto es que, dejando de lado el que sea más “batmaniano” de lo que debería, esta producción es muy recomendable y recoge con mucha maestría lo sembrado por “Smallville”, pero dirigido hacia un sector más maduro. Perfectamente puede ser que se pretenda llegar a los adolescentes que durante una década siguieron las aventuras de Clark Kent, pasando entre medias a ser adultos, se enganchen ahora a este mundo más oscuro y tenebroso, que además tiene el aliciente de contar con el estupendo John Borrowman.

“Smallville” y “Arrow” son dos productos totalmente diferenciados pero con algo en común, una gran preocupación por la calidad y las formas, logrando crear un material atrayente si no directamente adictivo.

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ANNA KARENINA El imperecedero poder de la novela Ana Ka-

renina, de León Tolstói, puede resumirse con las palabras del realizador Joe Wright: “Todos intentamos aprender a amar de un modo u otro”.

Keira Knightley, la protagonista de la nueva y audaz película de Joe Wright, dice: “Es fácil entender la historia actualmente porque seguimos deseando algo que no podemos tener, seguimos enfrentándonos a muros y reglas sociales, y sigue costándonos mucho hacer partícipe al otro de nuestras emociones”.

El director añade: “Cuando leí la novela, sentí que estaba exactamente en ese lugar. Esperas ser un personaje en concreto y descubres que en realidad eres otro. Todos son totalmente auténticos y aterradores en su cercanía”.

Joe Wright habló con sus colaboradores habituales, los productores Tim Bevan y Eric Fellner, copresidentes de Working Title Films, del potencial que ofrecía Ana Karenina y de la posibilidad de llevar la novela a la pantalla protagonizada por Keira Knightley. “Es una novela enorme, una gran historia de amor que ya había sido adaptada antes. Por eso necesitábamos a un guionista que aportase algo nuevo”, explica Tim Bevan. El director pensó inmediatamente que el oscarizado guionista Tom Stoppard era el único capaz de semejante tarea. “Estaba entusiasmado con la idea de hacerlo”, reconoce el dramaturgo. “Es verdad que me dedico sobre todo al teatro, pero tardo mucho tiempo en escribir una obra de teatro y disfruto con los guiones entremedias.

Además, no todos los proyectos son tan prometedores como la adaptación de una gran novela dirigida por Joe Wright”.

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Tim Bevan dice: “Tom leyó y vio todas las versiones, miniseries y largometrajes, incluso uno en ruso. Ana Karenina es un mosaico muy rico que contiene diferentes temas y filosofías acerca de la complejidad de las clases sociales, la política, la moral y el amor. Además de la historia principal y de sus personajes, se entremezclan otras historias y personajes”. “Tolstói escribió la novela de forma que fuera accesible en cuanto a emociones”, dice Joe Wright. “El análisis de los personajes y de sus motivos es extraordinario y sumamente perspicaz. Tom y yo no tardamos en darnos cuenta de que sentíamos lo mismo por los personajes”.

El director y el guionista decidieron explorar todas las posibilidades. “Fue una oportunidad única para aprender con un maestro”, sigue diciendo Joe Wright. “Una película siempre es un aprendizaje. Tom sabe mucho de la historia y la cultura rusa, y ambos pensamos que podríamos acercarnos más a Anna, a Levin y a los demás personajes estudiando el amor en la sociedad zarista de finales del siglo XIX. También pensé entonces en las películas de Robert Altman, en las que entremezclaba diferentes historias muy íntimas con gran maestría. El hilo conductor que escogimos fue el de una doble espiral para ofrecer un retrato múltiple de la comunidad de entonces. Oblonsky actúa como un catalizador: por un lado es el hermano de Anna y le pide ayuda, y por otro, quiere ayudar a su gran amigo Levin”.

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El actor Jude Law, nominado en dos oca-

siones por la Academia de Hollywood y que interpreta un papel crucial, el del marido de Anna, leyó el guión y le pareció “notable. Lo leí antes de atacar la novela y lo encontré espléndido. La adaptación nunca da la sensación de aislar a un personaje como recurso cinematográfico; cada personaje está dibujado con absoluta precisión”. Y añade: “Plantea diferentes visiones del amor y de las relaciones con total honradez, sin prejuicios. Tom es un maestro de la elegancia escribiendo diálogos. Cuando leí la novela posteriormente, comprendí lo difícil que debió resultar la adaptación”.

Tom Stoppard terminó el guión en la primavera de 2011, cuando ya se habían empezado a buscar localizaciones en Rusia y el Reino Unido. Tim Bevan recuerda: “Ir a la casa de Tolstói cerca de Moscú, después de haber cogido el tren de noche desde San Petersburgo en pleno invierno, fue un viaje fantástico que nos acercó a todos al recorrido que realiza Anna”. Pero Joe Wright estaba decidido a llevar su versión de ANNA KARENINA en una nueva dirección; no quería seguir las huellas de producciones previas rodando en los decorados habituales ni tampoco regresar a las mansiones del Reino Unido donde había filmado antes. Y por eso, unos dos meses antes del comienzo del rodaje, el director, tomando una decisión audaz, se inclinó por un enfoque más teatral.

ANNA KARENINA es la cuarta película que Joe Wright rueda con los productores Tim Bevan y Eric Fellner, de Working Title Films, y la tercera con el productor Paul Webster y la actriz protagonista Keira Knightley. También participan colaboradores habituales del director como la diseñadora de producción Sarah Greenwood y la decoradora Katie Spencer; la diseñadora de vestuario Jacqueline Durran; la estilista y diseñadora de maquillaje Ivana Primorac; la montadora Melanie Ann Oliver; el músico Dario Marianelli; la directora de casting Jina Jay; el supervisor de localizaciones Adam Richards, y el director de fotografía Seamus McGarvey.

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JASON BATEMAN, de Cómo acabar con tu jefe, y MELISSA McCARTHY, de La boda de mi mejor amiga, encabezan el reparto de POR LA CARA, una comedia llena de estrellas en la que un tipo normal se ve obligado a tomar medidas extremas para limpiar su nombre. Después de que le roben su identidad, está a punto de perder la cabeza al descubrir que debe un montón de dinero.

Un crédito ilimitado ha permitido que Diana (Melissa McCarthy) viva a lo grande a las afueras de Miami, donde esta reina de las compras ha podido hacerse con todo lo que le apetecía. Solo hay una pega: la identidad que usa para financiar dichas compras es la de Sandy Bigelow Patterson (Jason Bateman), un comercial que vive en la otra punta de Estados Unidos.

Con solo una semana para encontrar a la persona que le está timando antes de que su vida se haga pedazos, el auténtico Sandy Patterson parte hacia el sur para enfrentarse a la mujer que va a arruinarle la vida. Mientras se esfuerza en convencerla, persuadirla y sobornarla camino de Denver, descubrirá lo difícil que es recuperar su nombre.

La extravagante comedia está coprotagonizada por JON FAVREAU (la franquicia Iron Man) en el papel de Harold Cornish, el pomposo y egocéntrico jefe de Sandy en Prominence Financial; AMANDA PEET (2012) es Trish, la paciente esposa de Sandy y madre de sus dos hijas; TIP “T.I.” HARRIS (American Gangster) y GENESIS RODRIGUEZ (Qué esperar cuando estás esperando) son Julian y Marisol, una pareja de implacables asesinos que siguen la pista de Diana y de Sandy; JONATHAN BANKS (la serie “Breaking Bad”) es Paul, el jefe mafioso de Julian y Marisol; MORRIS CHESTNUT (Think Like a Man) es Reilly, el detective de Denver que no puede ayudar a Sandy a limpiar su nombre; JOHN CHO (las entregas de Dos colgaos muy fumaos) es Daniel Casey, el compañero de 100 - www.mewmagazine.es

Sandy en Prominence Financial que se saca un as de la manga; ROBERT PATRICK (El invitado) es el “skiptracer” (persona encargada de localizar a gente con deudas) que no parará hasta llevar a Diana ante su despiadado jefe, y ERIC STONESTREET (la serie “Modern Family”) es Big Chuck, el ligue de una noche de Diana (y la cruz de Sandy).rará hasta llevar a Diana ante su despiadado jefe, y ERIC STONESTREET (la serie “Modern Family”) es Big Chuck, el ligue de una noche de Diana (y la cruz de Sandy).

Dirigida por SETH GORDON (Cómo acabar con tu jefe), los productores de POR LA CARA son SCOTT STUBER (Ted), Jason Bateman y PAMELA ABDY (el próximo estreno 47 Ronin). El guión es de CRAIG MAZIN (Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia!) a partir de una historia suya y de JERRY EETEN (el corto “The Watchman”).

El equipo técnico está formado por numerosos colaboradores habituales de Seth Gordon, como el diseñador de producción SHEPHERD FRANKEL (Cómo acabar con tu jefe, Como en casa en ningún sitio); el montador PETER TESCHNER (Cómo acabar con tu jefe, Cuestión de pelotas); la diseñadora de vestuario CAROL RAMSEY (Cómo acabar con tu jefe, Los padres de él); el compositor CHRISTOPHER LENNERTZ (Cómo acabar con tu jefe, Think like a Man) y el director de fotografía JAVIER AGUIRRESAROBE (Los otros, La saga Crepúsculo: Luna nueva).

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