Vanguardias artísticas siglo xx by Margarita Ponce Román

VANGUARDIAS ARTISTICAS

TENDENCIAS GLOBALES DEL DISEÃ&#x2018;O

SIGLO XX

ÍNDICE 3

IMPRESIONISMO

DADAISMO / READY MADE

POST IMPRESIONISMO

PINTURA METAFISICA

MODERNISMO

STIJL

ART NOVEAU

ART DECO / BAUHAUS

FAUVISMO

SURREALISMO

CUBISMO

POP ART

FUTURISMO

OP ART

ABSTRACCION

ESCUELA MEXICANA DE PINTURA

EXPRESIONISMO

CONSTRUCTIVISMO RUSO

Jarrรณn de girasoles, Claude Monet 1881

IMPRESIONISMO Se conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos

del

siglo

XIX

les

llamó

despectivamente

"impresionistas " por el cuadro de Monet, titulado Impresión al amanecer

Este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. A partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon, los impresionistas se luminosidad, el instante.

Claude Monet (1840- 1926) en 1872, Impresion al amanecer.

1872–1882

centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la

CLAUDE MONET

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO

PIERRE AUGUSTO REINOR

Pierre Auguste Renoir nace en 1841, en Francia. Junto con otros artistas del Impresionismo, Pierre encuentra en la pintura una forma distinta de interpretar los acontecimientos que ocurrían en esos años. Tanto es así que a través de la iluminación y los colores desarrolla una realidad paralela, llena del encanto y la viveza, que el mismo carece, debido a sus dificultades personales. CAMILLE PISSARRO

Nació el 10 de julio de 1830 en Santo Tomás (Islas Vírgenes), era hijo de un próspero comerciante judío. A los 12 años viajó a París para realizar sus estudios y el ambiente de la ciudad despertó en él su interés por el arte. De regreso a Santo Tomás, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo que trabajó en el comercio paterno mientras realizaba bocetos inspirados en la Isla.

Autorretrato con sombrero de fieltro gris, Vincent van Gogh 1887

POST IMPRESIONISMO El postimpresionismo es un movimiento de arte predominantemente francés que se desarrolló aproximadamente entre 1886 y 1905, desde la última exposición impresionista hasta el nacimiento del fauvismo. El postimpresionismo surgió como una reacción contra la preocupación de los impresionistas por la descripción naturalista de la luz y el color. El término postimpresionismo se aplica a la reacción contra el impresionismo liderado por Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Puede fecharse aproximadamente desde 1886, el año de la última exposición impresionista, hasta 1905, cuando apareció el fauvismo y los primeros movimientos hacia el Cubismo fueron hechos. Si bien era predominantemente un movimiento francés, hubo desarrollos relacionados en otros países, que rechazo de la preocupación de los impresionistas por la representación naturalista de la luz y el color en favor de un énfasis en las cualidades abstractas o el contenido simbólico. Por lo tanto, incluye el neoimpresionismo, el simbolismo, el cloisonismo y el sintetismo. obra de algunos impresionistas El término fue acuñado en 1910 por el crítico y pintor inglés Roger Fry para una exposición de pintura, dibujo y escultura francesa de finales del siglo XIX que organizó en Grafton Galleries en Londres.

La noche estrellada, Vincent van Gogh 1889

1886 - 1905

a menudo ocurrieron algo más tarde. El postimpresionismo puede definirse vagamente como un

VICENTE VAN GOGH

Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zundert de Holanda. El hijo de un pastor, criado en una atmósfera religiosa y refinada, Vincent era muy emocional y no tenía confianza en sí mismo. Entre 1860 y 1880, cuando decidió finalmente ser artista, Van Gogh había tenido dos amores inadecuados y infelices y había trabajado sin éxito como empleado en una librería, vendedor de arte, y predicador en Le Borinage (una región aburrida de minera en Bélgica), donde fue despedido por “exceso de celo.”

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

PAUL CÉZANNE

Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en Aixen-Provence, sur de Francia. Hijo de Anne-Elisabeth Honorine Aubert y de LouisAuguste Cézanne, un banquero acaudalado, conoció en su infancia Émile Zola. A finales de los años cincuenta decidió dedicarse a la pintura, aunque comienzó estudios de Derecho para complacer a su padre. PAUL GAUGUIN

NPaul Gauguin nació 7 de junio de 1848 en París.Hijo de Louis Pierre Guillaume Gauguin, periodista, y de Aline Chazal, hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Fue criado en el seno de una familia de clase media. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio.

Casa Batlló, Antoni Gaudí 1904-1906

MODERNISMO fue un movimiento literario, que impacto especialmente la poesía. Aunque también es utilizado para hacer referencia a distintos movimientos, en especial a la corriente de renovación artística que se desarrolló entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX en Europa y América Latina.Este movimiento en otros países que no eran hispanoparlantes recibió el nombre de Art Nouveau, modern style o jugendstil. Debemos mencionar que, en cada país, el modernismo tuvo características propias.

El modernismo fue un movimiento que con su estilo generó ruptura con los estilos predominantes de la época. Este se basó en la búsqueda de una nueva estética, inspirada en la naturaleza y muy ligado a los elementos de la Revolución Industrial, marcó el cambio de Paradigma. El modernismo destacar la belleza artística de los todas las clases sociales. La obra de los poetas modernistas refleja la primera expresión de autonomía literaria de los países hispanoamericanos. Dicho movimiento tiene como finalidad la separación de la burguesía y su materialismo, se caracterizó por ser un arte refinado y estetizante. El estilo modernista demostró sus diferencias con el Romanticismo, el Realismo y el Naturalismo. Pero también adoptó y siguió ciertos puntos de dos movimientos líricos franceses de la segunda mitad del siglo XIX: el Parnasianismo y el Simbolismo.

De izquierda a derecha y de arriba abajo: Estación de metro de París Abbesses, de Hector Guimard (1900)

1880-1914

objetos cotidianos, una de las intenciones de los modernistas era que el arte llegará a

ANTONIO GAUDÍ Considerado el máximo exponente del modernismo catalán, Antoni Gaudí es uno de los arquitectos más importantes de la historia. Sus obras se distinguen por incorporar soluciones constructiva inspiradas en la naturaleza, así como por poseer un profundo simbolismo religioso. De hecho, la biografía de Gaudí está muy marcada por la influencia del catolicismo, que llegó a condicionar todos los aspectos de la personalidad del arquitecto. Las obras de Gaudí en Barcelona más importantes son la Sagrada Familia, la Casa Vicens, el Palacio Güell, la Casa Batlló, el Park Güell y La Pedrera. Todos estos monumentos, junto a la cripta de la Colonia Güell, situada en Santa Coloma de Cervelló, forman parte de la lista de Patrimonio de la Humanidad de la Unesco. Gaudí logró emplear un lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable; demostrando una especial

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

habilidad para aprovechar el espacio y el volumen, junto a una transformación original de los materiales decorativos.

LitografĂa de Alfons Mucha creada en 1897 para un calendarioAlfons Mucha

ART NOVEAU Este movimiento en otros países que no eran hispanoparlantes recibió el nombre de Art Nouveau, modern style o jugendstil. Debemos mencionar que, en cada país, el modernismo tuvo características propias. Es la renovación artística desarrollada entre los siglos XIX y XX. Era el fin de siècle o la belle époque. hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado»Se valora lo artesanal aunque sin renunciar a los avances industriales, y se repira una aspiración de democratizar la belleza o socializar el arte. Para ello se potenció la idea de que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor estético, además de ser accesibles a toda la población. Por eso empiezan a hacerse visibles todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia. Desaparece cuadro. De hecho, los propios artistas realizan los marcos para sus cuadros, los arquitectos diseñan también los muebles. Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no interesa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando complacer a los sentidos. Es así que flores, hojas, tallos retorcidos, insectos, cabellos femeninos, rellenan todo el espacio (horror vacui).

SLas cuatro estaciones de Alfons Mucha.

1890–1905

así la jerarquía de artes mayores y menores. Tiene el mismo valor un edificio que una joya, un cartel que un

Alfons Mucha Alfons Mucha (1860- 1939) es uno de los máximos exponentes del modernismo europeo. La trayectoria artística del pintor e ilustrador checo se encuentra irremediablemente unida al estilo art noveau. En realidad su nombre ha sido en ocasiones usado como sinónimo del art noveau o modernismo. Sin duda alguna nos encontramos ante un artista de sensibilidad excepcional que fue capaz de crear una atmósfera propia y claramente identificativa e inconfundible que ha venido a ser denominado como el “estilo mucha”.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

GUSTAV KLIMT

Gustav Klimt representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que muchos lo consideren dentro del ámbito del Simbolismo por los contenidos de sus obras. Crea un lenguaje propio de símbolos, de gran carga simbólica.Fruto de su viaje a Ravenna en 1903, conoció los mosaicos bizantinos y una decoración de gran brillantez de color y antinaturalista que influirán profundamente en su obra sintiendo gran predilección por los fondos dorados.Lo más llamativo de su obra es la continua presencia de lo femenino, representando lo enigmático. La sexualidad y el erotismo artístico serán elementos claves. VICTOR HORTA

Víctor Horta nació en Gante en 1861, conocido mundialmente como precursor del Art Nouveau o Arquitectura Modernista, ferviente admirador de Viollet-le-Duc y díscipulo de Alphonse Balat, tardó algunos años en encontrar su verdadera vocación.

Retrato de Matisse, AndrĂŠ Derain 1905

FAUVISMO A finales del siglo XIX y principios del XX se produce una ruptura con la tradición artística precedente, fruto de la búsqueda de la renovación del arte del mundo contemporáneo. En las artes plásticas, esta ruptura se marca en torno a la figuración. Movimientos pictóricos como el impresionismo y el expresionismo, quieren hacer que el mundo vea la realidad de una forma nueva y creativa. El Fauvismo es una de las tendencias que aparecen en el proceso de la renovación de las artes, destaca por la intensificación del color, y la creación de nuevas dimensiones, jugando con las combinaciones cromáticas.Es en el Salón de Otoño de París, en el año 1905, donde Louis Vauxcelles (crítico de arte) le da nombre a esta nueva tendencia de Marque, la cual estaba colocada al centro de la sala: "...es Donatello entre las fieras" (...Mais c'est Donatello parmi les fauves). La denominación de esta vanguardia surgió de aquella declaración que tan vivamente describía lo que se sentía al ver aquella explosión de color, que artistas como Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck y Henri Manguin, pusieron de manifiesto y desarrollaron profusamente en la pintura.

La habitación roja, Henri Matisse 1908

1904 -1908

arte con uno de sus comentarios sobre la escultura "Torso de un chico", Albert

Vasili Kandinski Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954 Pintor francés, máximo representante del fauvismo. El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO

ANDRE DERAIN

(Chatou, 1880 - Garches, 1954) Pintor francés. Activo miembro del grupo fauvista, mantuvo una estrecha amistad con Matisse y fue un apasionado de la pintura de Cézanne. La creación de Derain se divide en diversos periodos, pero un denominador común siempre se mantiene: una singular pasión por las miniaturas francesas y por las obras italianas trecentistas. A diferencia de la mayoría de sus colegas fauvistas que se interesaban únicamente por el color, Derain prestaba gran atención a los problemas de la forma. RAOUL DUFY

(El Havre, 1877 - Forcalquier, 1953) Pintor francés. Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad, desarrolló un estilo de colores brillantes, influido por Vincent van Gogh y los impresionistas. Su descubrimiento de Matisse en 1905 le hizo derivar hacia el fauvismo, al que permanecería fiel toda su vida.

Las seĂąoritas de Avignon, Pablo Picasso 1907

CUBISMO Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida. El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Guernica, Pablo Picasso 1937

1907 - 1924

de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas

George Braque Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

JUAN GRIS

Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. FERNAND LEGER

El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.

the street enters the house, Umberto Boccioni 1912

FUTURISMO El futurismo fue fundado en la ciudad de Milán por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, quien en 1909 publicó su Manifiesto futurista, primero en La gazzetta dell’Emilia y después en el periódico francés Le Figaro. De hecho, Marinetti estaba listo para dejar ir el pasado. “Liberaremos a Italia de sus innumerables museos, que la cubren como si fueran innumerables cementerios”, escribió. Para los futuristas, la belleza de los descubrimientos industriales del siglo XX era mucho mayor que la de la pintura y escultura clásica. En el manifiesto afirman “Declaramos… una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras… es más hermoso que la Victoria de Samotracia“.El manifiesto también promovía la violencia y la necesidad de la guerra, pero curiosamente no discutía ni proponía ninguna regla para las artes visuales. Eso vendría después, con el Manifiesto técnico de la pintura futurista de 1914. Este fue sólo uno de los muchos manifiestos que producirían, ya que los futuristas escribieron sobre todo tipo de temas, desde la arquitectura y la religión hasta la ropa. Junto a Marinetti durante esta primera etapa había un grupo de artistas que darían forma al futurismo y, en particular, a las artes visuales. El compositor Luigi Russolo, así como los pintores Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla y Gino Severini formaron parte del grupo original de futuristas.

Dinamismo de un automóvil, Luigi Russolo1913

1909 - 1920

abiertamente que los inventos industriales modernos son mucho más atractivos:

UMBERTO BOCCIONI EUmberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Verona, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

sus más destacados teóricos. Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna. GIACOMO BALLA

Giacomo Balla (Turín, 18 de julio de 1871-Roma, 1 de marzo de 1958) fue un pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Estudió en la escuela nocturna de dibujo de Turín. Más tarde se trasladó a Roma, trabajando con éxito como retratista. Inicialmente su pintura es impresionista. Luego muestra interés por el análisis cromático. Adoptó la disolución de lo visible en puntos de color y fue partidario de ideas anarquistas, al igual que algunos puntillistas como Pisarro. Utilizó la técnica puntillista para pintar temas del futurismo: la dinámica y la velocidad. GINO SEVERINI

Gino Severini Cortona, 7 de abril de 1883 – París, 26 de febrero de 1966, fue un pintor italiano y uno de los líderes del movimiento futurista. Gino Severini supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo.

Suprematist Composition, Kazimir MalĂŠvich 1915

ABSTRACCIÓN El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad. Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte como la de Hilma af Klint).El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en blanco representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas:

Castillo y sol, Paul Klee 1928

1910.

tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas

Kazimir Malévich Kazimir Malevich buscó la simplicidad y la abstracción como máxima expresión del arte. Del arte por el arte. Expulsó toda realidad visible, y basó su obra exclusivamente en la fuerza del color y la geometría. El artista ruso se enfangó en todos los estilos de sus contemporáneos y de ahí sacó un arte absolutamente experimental, íntegramente ruso y a la vez universal, y plasmó lo más sencillo para crear lo más complejo.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

MARK ROTHKO

Mark Rothko, fue junto a Pollock el máximo representante de la abstracción americana. Con su pintura quiso conseguir una ambiciosa utopía: expresar las más básicas emociones universales. Y para muchos lo consiguió.Markus Rothkovitz nació en Rusia. De familia evidentemente judía, emigró a Oregón en 1910, probablemente huyendo del antisemitismo por el que tantos cerebros escaparon. PAUL KLEE

Para Klee la pintura no era una evasión, sino un instrumento visionario. Un medio de encontrar los mundos paralelos que sospechaban que se escondían tras la llamada realidad.Para ello utilizó un eficaz instrumento: la abstracción.Personaje inclasificable en ninguna de las vanguardias (que frecuentó y en las que tuvo buenas amistades), fue siempre por libre, quizás por ello sea hoy tan actual y fresco, nada desfasado.

El grito, Edvard Munch 1893

EXPRESIONISMO El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

Estudio de color con cuadros, Vasili Kandinski 1913

1912

de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a

EMIL NOLDE Emil Nolde fue un importante pintor del expresionismo alemán, miembro destacado de Die Brücke y odiado como ninguno por los nazis, que le dieron un puesto de honor en la lista de artistas degenerados, que como sabemos contaba con la flor y nata del arte moderno.Nacido Hans Emil Hansen, se cambió el nombre por el de su localidad natal (Nolde von Buhrkall, hoy en día Burkal, en Dinamarca). Por ello Nolde mantuvo siempre su nacionalidad danesa, aunque es evidente que culturalmente era muy alemán.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

OSCAR KOKOSCHKA

Oskar Kokoschka fue un pintor y poeta austríaco que ayudó a instaurar la nueva vanguardia expresionista en su país. Fue uno de los más radicales expresionistas, aunque nunca se sintió cómodo militando en ningún movimiento, y una de las figuras más influyentes del arte europeo de la primera mitad del siglo XX. MAX BECKMANN

CONSTRUCTIVISMO RUSO El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. La pintura, el diseño gráfico, la fotografía o el cine nos muestran su influencia, pero fue en la arquitectura donde encontró su aplicación más concreta y más revolucionaria El movimiento surge del rechazo de los excesos decorativos y ornamentales que consideraba propios del arte burgués. Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo. El constructivismo se convirtió en el arte oficial de la Revolución Rusa tras su triunfo y la manifestación estética de la nueva sociedad socialista. Los constructivistas entendían el arte como una herramienta más de ideología socialista. Los artistas deseaban cambiar el mundo con sus obras, que consideraban siempre desde una perspectiva utilitarista y funcional, donde la estética está siempre al servicio de la función.El estilo de diseño estaba influenciado por la revolución industrial que vivió el territorio soviético tras la revolución. Lo vemos en una de las obras clave del constructivismo, el Monumento a la Tercera Internacional de Vladimir Tatlin, que nunca llegó a ser construido, y que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección.

1915–1935

la revolución, que podía y debía contribuir a la formación del nuevo orden social y a la difusión de la

Monument to commemorate the Third International, VladĂmir Tatlin. 1919 - 1920

GIORGIO DE CHIRICO

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

Fundador de la scuola metafisica, Giorgio de Chirico es uno de los pintores que pretenden plasmar el mundo de lo irracional con objetos cotidianos en contextos poco habituales, consiguiendo un realidad ilógica, pero a la vez verosímil. Esta Pittura metafísica muestra sueños de plazas típicas de ciudades italianasmuy idealizadas y todo tipo de objetos en ellas. Gracias a ella se considera a De Chiricouna de las mayores influencias sobre el movimientosurrealista. VARVARA STEPANOVA

Alberto Savinio, nació en Atenas, donde estaba su familia trabajando como ingeniero ferroviario. A la muerte del padre en 1904, se trasladó a Venecia y luego a Milán, pero en 1906 va fue a vivir a Múnich. Tuvo una formación musical que incluyó estudio de contrapunto con Max Reger.

Liubov Popova

Carlo Carrà fue un pintor italiano de vanguardia que ayudó a crear el futurismo y después se integró en la pintura Metafísica.El artista comenzó trabajando con 12 años realizando murales, y con 18 ya estaba decorando pabellones de la Exposición Universal de París. Quizás ahí ya empezó a ver que el arte estaba a punto de revolucionarse y alentado por su juventud y rebeldía empezó a experimentar con su arte.

L.H.O.O.Q., Marcel Duchamp, Rrose SĂŠlavy 1919

DADAISMO Una de las múltiples leyendas sobre el origen del nombre dice que el porte Tristan Tzara abrió un diccionario y encontró esa palabra al azar.Y ese sea quizás lo más importante del dadaísmo: el caos, el azar… y tirando hacia lo gamberro, hacia lo escandaloso. Nada hacía más feliz a un dadaísta que escandalizar a un burgués.Dadá es anti-todo. Anti-arte, anti-literatura, anti-dadá incluso… Surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Shirt Front and Fork, Jean Arp 1922

1916

o esquema anterior.

HANS ARP Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza). Estudia Bellas Artes y en París entra en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky… Le apasiona la poesía, pero termina dedicándose a la pintura, aunque gran parte de su obra son relieves y esculturas. Pronto se define su técnica dadaísta y surrealista en las formas y motivos.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

MARCEL DUCHAMP

Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional.

MARCEL JANCO

Marcel Janco Bucarest – Rumania, 1895 - Tel Aviv, 1984 fue un pintor y arquitecto israelí. Estudió arquitectura en el Instituto Politécnico de Zúrich y pintura con Iser-Josif. Hacia 1922 retornó a Rumania, donde se consolidó como pintor, y en 1941 emigró a Israel escapando del nazismo.Participó en la fundación del movimiento dadaísta, compuesto en gran parte por poetas, pintores y filósofos que se opusieron a la Primera Guerra Mundial y al arte burgués, cimentando su concepción en que el caos, el Nihilismo y la falta de racionalidad iban a hacer del mundo un mejor lugar para vivir.

Las musas inquietantes' (1917) es una de sus obras mรกs conocidas.

PINTURA METAFÍSICA El nombre de Pintura metafisica surge durante el encuentro producido en 1917 entre Giorgio De Chirico, precursor del grupo, y Carrá, en el hospital militar de Ferrara, en donde ambos se recuperaban de trastornos mentales.

Poco después, en 1919, De Chirico publica el manifiesto Nosotros, metafísico, en claro paralelismo al escrito Nosotros, futuristas de Marinetti. La primera exposición del grupo se lleva a cabo en Roma en junio de 1918; a partir de ese momento, y en la escasa vida del grupo que se disolverá en 1921, se unen a los iniciadores Soffici, De Pisis, Morandi, Campigli y Sironi. En noviembre de 1818 se publica la revista Valori Plastici, donde se reflejaba las inquietudes del grupo. La pintura metafísica se caracteriza por sus imágenes de misterio y enigmática composiciones presentan un fuerte sentido arquitectónico y un sosiego estático que los pintores, todos ellos italianos, habían absorbido del Renacimiento. Intentan, a través de la supresión de toda relación lógica entre los objetos y a través de la restitución de una visibilidad enigmática de lo real, transmitir en sus cuadros la profunda significación del sin sentido de la vida. De Chirico es considerado el principal precursor de la pintura surrealista y su período metafísico va a ser determinante para corrientes posteriores, como la Nueva Objetividad, el Realismo Mágico o el Novecento.

La plaza de Itália- Giorgio de Chirico

1916

atmósfera, lograda mediante perspectivas e iluminaciones irreales. Sus

Giorgio de Chirico Fundador de la scuola metafisica, Giorgio de Chirico es uno de los pintores que pretenden plasmar el mundo de lo irracional con objetos cotidianos en contextos poco habituales, consiguiendo un realidad ilógica, pero a la vez verosímil. Esta Pittura metafísica muestra sueños de plazas típicas ciudades italianasmuy idealizadas y todo tipo objetos en ellas. Gracias a ella se considera a Chiricouna de las mayores influencias sobre movimientosurrealista.

de de De el

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

ALBERTO SAVINIO

Carlo Carrá

Broadway Boogie-Woogie, Piet Mondrian 1942â&#x20AC;&#x201C;1943

STIJL Vanguardia artística holandesa, conocida también como Neoplasticismo, fue fundada en 1917 con la publicación del diario "De Stijl" (El Estilo), en donde pintores como Piet Mondrian, Bart van der Leck y arquitectos como Théo van Doesburg (fundador y guía del movimiento) exponían sus teorías. Las pinturas de Piet Mondrian constituyeron la fuente a partir de la cual se desarrolló la filosofía y las formas visuales De Stijl, éstas poseían un vocabulario visual reducido, de colores primarios más blanco y negro y con construcciones de figuras básicas estaban comprometidos con la sociedad de su época y deseaban expresar la conciencia general de ésta. Aseguraban que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época y que se anunciaba una nueva era de colectivismo y objetividad mediante los adelantos científicos, tecnológicos y políticos.

Composición VII, Theo van Doesburg 1917

1917.

(cuadrados, rectángulos y barras; horinzatales y verticales).Los artista de De Stijl

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

van Eesteren Sus primeras enseñanzas tienen lugar en el taller de Willem Kromhout de Rótterdam, donde aprende a dibujar. Luego pasó por la Academia de Bellas Artes de Ciencias Técnicas. Al finalizar sus estudios realiza varios diseños urbanísticos. Para completar sus estudios realiza un curso superior de arquitectura en Ámsterdam. Posteriormente, colaboró con Verschoor y Rutgers en esta misma ciudad. Gracias a un premio que obtiene en 1921 emprende un viaje a Alemania y recorre los países escandinavos. GERRIT RIETVELD

Gerrit Thomas Rietveld (24 de junio de 1888 en Utrecht , Países Bajos – Utrecht, 25 de junio de 1964), fue carpintero, diseñador, arquitecto. Hijo de ebanista aprendió el oficio en el taller de su padre. En 1918, Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En el verano de 1918 diseña la Silla Roja y Azul, en un principio con acabado en madera natural, aunque en 1924, tras su ingreso en De Stijl, cambia su acabado por los colores que le dan nombre.

El restaurante Beefbar ParĂs

ART DECO / BAUHAUS El glamour hecho arte. El punto cumbre del Art Decó fue en el periodo entre guerras y unió a todas las artes decorativas, gráficas, arquitectura, joyería, escultura, pintura, cine...) impregnó con su estilo desde gigantescos rascacielos a pequeños objetos, incluyendo iconos tas reconocibles como el Oscar Desarrollado en París y más tarde cultivado en Hollywood como el estilo de las estrellas, fue durante años el símbolo del glamour. Todo lo tocó, influyendo en la cultura de su tiempo y guiando la estética en nuevas y revolucionarias direcciones. El diseño industrial, la tipografía, la publicidad o la moda no serían iguales sin este movimiento. El Art Decó es monumentalidad tomada del Antiguo Egipto, ingeniería aerodinámica e fauvistas, la geometrización de la Bauhaus… Se diferencia también del movimiento Bauhaus por su función meramente decorativa, con diseños extravagantes y lujosos, contrastando con la simplicidad y el utilitarismo de Bauhaus para crear objetos eficientes para la vida moderna.

AUTORRETRATO EN UN BUGATTI VERDE, TAMARA DE LEMPICKAPOLONIA, 1929

1900–1945

iluminación eléctrica tomada del futurismo, las formas fraccionadas del cubismo, los colores

Tamara de Lempicka Pintora nacida en Polonia, que a muy temprana edad se trasladó a Italia. Toda su juventud transcurrió entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, años en los cuales estableció su principal residencia en Rusia y luego París, por el exilio de su marido (de quien tomó el apellido).En los años siguientes y luego de un divorcio se traslada a Estados Unidos, donde se integra en la Jet set neoyorkina.Actualmente se considera una de las artistas más destacadas del modernismo y concretamente de la corriente Art Deco

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

FRITZ LANG

Pocos cineastas demuestran tan bien eso de que el cine es un arte como Fritz Lang, uno de los mejores y más innovadores directores de la historia. Trabajó en la época dorada del cine alemán y en la época dorada del cine de los Estados Unidos y en ambos contribuyó de manera incalculable tocando todos los géneros posibles, de la ciencia ficción al cine negro. Juarez Machado

Juarez Machado es uno de los artistas actuales más importantes de Brasil (aunque vive en París).Machado nació en el estado de Santa Catalina al sur de Brasil. De niño entró en contacto con el arte a los 14 años, al trabajar en un taller de impresión de etiquetas de los medicamentos, envases y carteles a los laboratorios. En este proceso de creación, trabajó con pigmentos y se fue gestando un profesional. Poco después cursó estudios de Bellas Artes en los años 60, trasladándose a Río en 1966, donde empieza a labrarse una prometedora carrera.

. Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

SURREALISMO Entre el sueño y la realidad. Si bien el manifiesto surrealista a parece en el año 1924 el movimiento se forma durante el primer conflicto mundial. Los surrealistas llevan a sus más extremas consecuencias la disociación de la lógica de la realidad, y buscan su inspiración la dimensión psíquica.

En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, cine…).Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un líneas generales dos formas de arte surrealista: Una automática, espontánea y fluida , con universos figurativos propios. Una naturalista, que muestra con figuración a veces hiperrealista el mundo de los sueños y el inconsciente.

La persistencia de la Memoria (1931)

1924–1966

«estilo surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en

Salvador Dalí «El surrealismo soy yo…» Y lo más surrealista es que es una afirmación probablemente cierta. Salvador Dalí fue quizás el surrealista más popular y uno de los máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo. Ya fuera un genio o un artista estrafalario, su legado no pasa inadvertido incluso hoy en día y no podemos más que maravillarnos con la perfección técnica y el imaginativo contenido de su arte.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

JOAN MIRÓ

Barcelonés, Joan Miró fue pintor, escultor, grabador y ceramista. Y además uno de los pioneros de eso que se llamó surrealismo, en concreto de su vertiente más «infantil» y automática.Para Joan Miró el subconsciente era un enorme campo de juegos, o un juguete muy parecido a los que tuvo en su infancia.

Max Ernst

Max Ernst quiso representar en su obra el mundo de los sueños. Fue un surrealista militante y llevó este movimiento por todo el mundo. Para el, la parálisis ante un lienzo en blanco («complejo de virgen») se solucionaba de una forma muy sencilla: sacando material del subconsciente. Artista impredecible, siempre siguió la línea de la experimentación. Nunca hizo lo que se esperaba de él y huyó de lo que él llamaba «la ceguera de la razón».

Richard Hamilton - 1956

POP ART Las primeras nociones de pop art surgieron en Inglaterra, de la mano de jóvenes impetuosos que veían con escama el arte tan alejado de la cotidianidad.En Londres se fundó el Grupo Independiente en 1952 como precursores del arte pop, donde había pintores, escultores, críticos, escritores y arquitectos, entre los fundadores están Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi.

Richard Hamilton es considerado como el primer artista pop con la creación de su obra pop, el collage “Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos”, en 1956, presentado en la exposición “Esto es el mañana”, en la Galería Whitechapel de Londres. Hacia 1961 el arte pop fue presentado formalmente en una exposición múltiple con

El término pop art fue acuñado por John McHale en 1954, sin embargo es atribuido al crítico y curador británico Lawrence Alloway, por su ensayo The Art and the Mass Media, donde usó el término “popular mass culture”.

InteriorRichard Hamilton - 1964

1950

obras de David Hochney, Derek Boshier, Allen Jones y Peter Phillips.

Richard Hamilton Nacio el 24 de febrero de 1922; London, United Kingdom fue un pintor británico, pionero del arte pop británico. Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título en su vida, entró a trabajar en una agencia publicitaria de la ciudad, mientras que acudía a clases nocturnas en el Saint Martin's School of Art y en el Westminster Technical College. Con dieciséis años entró en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años. Entre 1941 y 1946 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes. Su primera esposa, Terry, falleció en un accidente de tráfico en 1962.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

DAVID HOCHNEY

(Bradford, Reino Unido, 1937) Pintor y grabador británico. Es el exponente más destacado de la segunda generación del pop art inglés. Cursó estudios en el Royal College of Art y comenzó su trayectoria muy influido por el expresionismo de Bacon, con una mezcla de formas figurativas y abstractas plasmadas mediante pinceladas gestuales, signos infantiles y graffiti, a los que añadía su particular toque humorístico. A partir de 1960 se instaló en Estados Unidos, donde trabajó a caballo entre Nueva York y California. Cultivó indistintamente la técnica de la pintura, del grabado y sobre todo de la fotografía, configurando grandes collages de imágenes yuxtapuestas tomadas con una Polaroid.

Derek Boshier En 1966, Boshier trabajó brevemente en escultura, produciendo formas básicas y minimalistas en metacrilato y neón. Durante la década de 1970 experimentó con diferentes medios, produciendo fotografías, películas, collages y libros, entre otras cosas. En 1979, regresó a la pintura y comenzó a enseñar en Houston, TX, un año después, incorporando figuras conmovedoras, a veces divertidas, en sus obras al mismo tiempo.

Orion MCWEl arte del mareo, Victor Vasarely, 1969

OP ART Es la abreviatura de "Optical-Art" es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético.

cual lo diferencia del Arte cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.

Dibujo de pared #370 Sol LeWitt Estados Unidos, 1982

1958

La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo

Víctor Vasarely Pecs, 1908 - París, 1997 Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

REPRESENTANTES DEL MOVIMIENTO.

Jesús Rafael Soto Ciudad Bolívar, 1923 - París, 2005 Artista venezolano. A partir de influencias cubistas y constructivistas, se convirtió en uno de los principales representantes del arte cinético y óptico. En 1950 se trasladó a París, ciudad en la que residiría hasta su muerte. En Francia descubrió la obra de Paul Klee y, sobre todo, a Piet Mondrian, quien le suscitó la idea de "dinamizar el neoplasticismo". En la década de 1950 intentó plasmar en su serie Metamorfosis (1954) un equivalente de la serialidad musical.

Bridget Riley

Bridget Louise Riley es una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 24 de abril de 1931 en Norwood; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el colegio normal superior de Norwood, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy.

ESCUELA MEXICANA DE PINTURA Uno de los principales motivos del arte durante la revoluciòn mexicana fue la desigualdad social, creándose una producción de arte en relaciòn con la propaganda politica conocida como el MOVIMIENTO MURALISTA MEXICANO, que redefiniò el arte mexicano, siendo José Vasconcelos el iniciador del movimiento muralista en Mexico. El primer protagonista en la producción de murales modernos en México fue Gerardo Murillo, luego le siguieron Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal, artistas formados con las técnicas clásicas europeas y muchas de sus primera pinturas son imitaciones de las pinturas de moda de Europa. El movimiento Muralista alcanzó su apogeo en las década de 1930. Porfirio Díaz lo pensionó como estudiante de pintura en Europa. Cursó filosofía y derecho en la Universidad de Roma. Colaboró con el Partido Socialista Italiano y con el periódico Avanti.

La vanguardia en México José Clemente Orozco es el artista que logró hacer florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones y situarlo en la modernidad, de manera especial en el complicado periodo de entreguerras. Marcado por las tendencias artísticas que surgían en Europa, sus obras siguen vigentes como una genial clase de historia y de derechos en todo el mundo.

Diego Rivera fue uno de los grandes muralistas latinoamericanos del Siglo XX. La cultura mexicana siempre estuvo presente en su obra, incluso cuando se deja influenciar de Europa en sus viajes al París de las vanguardias. Muy joven viaja a París, entrando en contacto con la vanguardia y artistas como Pablo Picasso o Paul Cézanne, que lo introducen en el cubismo. Por su pensamiento Marxista tuvo problemas en sus viajes a Nueva York al incluir el retrato de Lenin en el mural que pintó para el Rockefeller Center, que en principio era una oda al capitalismo.

El realismo Magico A los seis años Frida khalo enfermó de poliomielitis, causándole que su pierna derecha quedara más corta; esto fue motivo de burlas. Sin embargo, estos sucesos no le impidieron ser una estudiante inquieta y tenaz.

A Frida y Diego los unió, además del afecto y el arte, su simpatía por los ideales revolucionarios de la época. Los dos estaban afiliados al Partido Comunista de México.

MÉXICO MÁGICO Rufino Tamayo nació en 1899 en Oaxaca, Comenzó a tomar clases de dibujo en 1915 ingresando a la Academia de Bellas Artes de San Carlos, la cual abandonó, y se dedicó a estudiar modelos de arte popular mexicano. En 1921, consiguió la titularidad del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México. Este hecho fue decisivo en su toma de conciencia de las fuentes del arte mexicano.

Una vida que pasó a la gloria como uno de los artistas mexicanos más importantes en la historia del país. Al contrario de los muralistas mexicanos de su época, que transmitían mensajes políticos en sus obras, Tamayo prefirió centrarse en escenas del México tradicional, real y prescindir de las posturas políticas para darle voz al pueblo mexicano de una manera mucho más natural.

Francisco Toledo Polifacético artista mexicano, considerado el más destacado del país, que ha trabajado con extraordinario colorismo la acuarela, el óleo, el gouache y el fresco, pero también la litografía, el grabado, el diseño de tapices, la cerámica o la escultura en piedra, madera y cera, buscando siempre renovar formas y técnicas. Hombre comprometido con sus orígenes indígenas, es uno de los máximos promotores de la defensa del patrimonio artístico del estado de Oaxaca. Desde muy pequeño Francisco Toledo demostró una especial habilidad para el dibujo, y su padre alentó esa temprana tendencia al ceder a sus colores las paredes de la casa. Su abuelo Benjamín, zapatero del pueblo de Ixtepec, multiplicó su imaginación con salidas campestres en busca de resina vegetal, perladas de relatos populares en los que los seres fantásticos se entremezclaban con todo tipo de animales y personajes legendarios.A los tres años de estar en Europa presentó su primera muestra en una galería parisiense; un año más tarde expuso en Toulouse, Regresó a México con una técnica pictórica depurada que no dejaría de enriquecer, así como con la influencia de ideas plásticas de artistas de distintas escuelas europeas, como Alberto Durero, Paul Klee o Marc Chagall.

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