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LA DE TODOS LOS DÍAS La Mona lisa LEONARDO DA VINCI Conoce los cuerpos de la obra LAS TRES GRACIAS
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MEJORES OBRAS DE ARTE 31 de marzo del 2014
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En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstantegran parte de la superficie original se ha perdido.
A ULTIMA CENA
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s una pintura mural situada en una pared del refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie en Milán y requirió diez años de preparación por parte de Leonardo da Vinci. Fue encargado por Ludovico Sforza, duque de Milán. lo seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última
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cena, provocando numerosas restauraciones. La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... En cuanto a las teorías de Dan Brown en El Código da Vinci, en torno a la mano
que sostiene una daga, el crítico de arte Bruce Boucher en The New York Times nos dice: «... pero no es una mano sin cuerpo. El dibujo preliminar y las copias posteriores de La Última Cena demuestran que la mano y el cuchillo pertenecen a Pedro: una referencia al pasaje del Evangelio de San Juan en el que Pedro saca la espada en defensa de Jesús». El favorito, el protegido o
el discípulo son siempre hombres muy jóvenes, totalmente afeitados y de cabello largo, con objeto de transmitir la idea de que aún no han madurado lo suficiente como para haber encontrado’ su camino. En cuanto a las teorías de Dan Brown en El Código da Vinci, en torno a la mano que sostiene una daga, el crítico de arte Bruce Boucher en The New York Times .
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A MONA LISA
historia del arte. Por ello, no es extraño que fuese robado del Louvre por Vicenzo Perrugia (pintor italiano) en 1911 aunque apareció dos años más tarde en Italia. El cuadro no sólo fue robado, sino que también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre. Es con diferencia la pintura más visitada del museo con más de 6 millones de visitantes al año.
ambién conocida como “La Mona Lisa”, fue pintada por el conocidísimo Leonardo Da Vinci. Sin duda se gana el título de la pintura más conocida del mundo. Su misteriosa sonrisa es lo que ha intrigado a millones de personas, hoy se sabe que la sonrisa fue pintada con colores que apreciamos mejor con nuestra vista periférica. La Gioconda es el cuadro más famoso que existe. De ahí que aunque nunca haya sido tasado, si lo fuese, La Gioconda es el cuadro probablemente alcanza- más famoso que existe. ría la cifra más alta de la De ahí que aunque nun-
dena televisiva japonesa que patrocinó la restauración de la Capilla Sixtina. Parece ser que la protagonista del cuadro es Lisa Gherardini, una dama florentina casada con Francesco del Giocondo, banquero napolitano. No obstante existen otras posibilidades sobre quién es En 2005 fue instalada la protagonista del cuatras una vitrina antiba- dro. Hay quien dice que es las en una sala especial la españolaConstanza de donde está protegida del Ávalos, y arriesgándose calor, la humedad y el aún más hay quien afirma vandalismo. El traslado y que el retratado es Franacondicionamiento tuvo cesco del Giocondo o inun coste de 6 millones cluso el propio Leonardo. de dólares que corrieron a cargo de la misma ca- Una peculiaridad de la
LEONARDO DAVINCI
El cuadro no sólo ha sido robado, sino que también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre.
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ca haya sido tasado, si lo fuese, probablemente alcanzaría la cifra más alta de la historia del arte. Por ello, no es extraño que fuese robado del Louvre por Vicenzo Perrugia (pintor italiano) en 1911 aunque apareció dos años más tarde en Italia.
dama que aparece en el cuadro es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día nos extrañe, era una costumbre común entre las damas florentinas de la época, depilarse todo el vello de la cara.
“El pintor que en nada duda, pocos progresos hará en el arte”.
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A NOCHE ESTRELLADA Es una obra maestra del pintor Pos-impresionismo Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida.
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genio holandés extrajo de su interior esta escena, en eredero del Impre- la cual la naturaleza estasionismo, Van Gogh fue lla, despliega su energía y capaz de crear un estilo exhibe todo su esplendor muy personal, más allá de subjetiva la luz y el color. Su obra es Naturaleza un claro ejemplo de cómo A Van Gogh le atraía esla pintura puede expresar pecialmente la noche las emociones y tensiones porque desplegaba una humanas. Artistas como luz especial. Las estrellas Munch y el movimiento y la luna daban vida a Expresionista lo toma- un paisaje adormecido ron poco después como e inmóvil. En esta obra modelo para representar la noche cobra un sentilas angustias de la so- do totalmente subjetivo.
TRABAJANDO DURO, VIEJO, ESPERO HACER ALGO BUENO ALGUN DÍA. NO LO HAGO TODAVÍA, PERO LO PERSIGO Y LUCHO. Van Gogh
ciedad que los rodeaba.. Pintar desde el manicomio El momento y el lugar donde fue creada La noche estrellada podían haber sido más propicios para explicar la relación del estilo con la personalidad del artista. Este paisaje nocturno fue pintado en 1889 en el sanatorio de Saint-Rémy (Provenza), donde Van Gogh fue ingresado por sus ataques de epilepsia, un año antes de que se suicidara. A diferencia de sus otras obras, este paisaje no fue pintado al aire libre, sino desde la habitación del sanatorio, dónde sólo podía ver el cielo a través de una pequeña ventana. En tan extrema situación, el
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Van Gogh
Los colores llamativos y las líneas en espiral del cielo y del ciprés reproducen la inestabilidad de su estado de ánimo y la necesidad de descargar esta frustración que le inundaba por dentro.
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Es una obra maestra del pintor Pos-impresionismo Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida.
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omo en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron. En efecto, esta obra del llamado príncipe de los pintores flamencos es la antítesis de la obra anterior de Rafael Sanzio Las Gracias, caracterizada por un sentimiento general de castidad. Las Gracias de Rafael representan las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de belleza ideal, mientras que las de Rubens pueden corresponder a la belleza
AS TRES GRACIAS
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más sensual. Aglaya, Talia y Eufrósine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de enmedio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales pastando.
Es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Está pintado al óleo y mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho. PAGINA 9
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L GRITO
Es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.1 Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título. En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La
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versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado. La versión que llevaba 70 años en manos del noruego Petter Olsen, cuyo padre había sido vecino, amigo y luego mecenas
artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del
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22 de agosto de
2004, la versión expuesta en
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el Museo Munch fue robada a mano
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armada por tres hombres enmasca-
12 de febrero de
rados, junto con la Madonna del
1994, El grito de la Galería
mismo autor.
Nacional de Oslo fue robado en
n los últimos años, Ela obra, en dos versio-
pleno día por una banda de ladrones (en principio se pensó en un grupo antiabortista activo
nes diferentes, ha sido objeto de robos de gran PAGINA 10
de Munch, fue subastada el 2 de mayo del 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby’s de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara vendida en una subasta.
en Noruega.
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PABLO PICASSO
GUERNICA
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Expo-
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El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m
sición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
va York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado la dictadura militar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por elMuseo de Arte Moderno de Nue- Su interpretación es obje-
to de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico “icono del siglo XX”, símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
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La Creación de Adán ha
Michelangelo Buonarroti, conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia.
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A CREACIÓN
DE ADÁN
La creación de Adán antes de la restauración de la Capilla Sixtina de 1980
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marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma
realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán PAGINA 15
está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad. La creación de Adán es
conocidas en el mundo. hombre a su imagen y semejanza. Al mismo C O M P O S I C I Ó N tiempo Dios, que apaDios es representado rece flotando en el aire como un hombre ancia- contrasta con la imagen no y con barba envuelto terrenal de Adán, quien en una alborotada túni- se encuentra acostado ca color púrpura, la cual en una estable triángulo comparte con unos que- de tierra. El nombre de rubines. Su brazo izquier- Adán viene delhebreo do está alrededor de una y significa hombre y la figura femenina, normal- forma femenina Adamente interpretada como mah significa Tierra. Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra..
un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Angel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesisen el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y re-
para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada..
El brazo derecho de Dios se encuentra estirado,
Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al
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s una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con doce girasoles, uno con tres y otro con cinco. Van Gogh pintó los primeros cuatro cuadros en agosto de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia, y otros tres similares en ene-
ro del año siguiente. Las pinturas están todas ejecutadas en lienzos de cerca de 90 x 70 cm. Hay piezas de arte que van sin rumbo a través de galerías alrededor del mundo que son sinónimos con los nombres y las técnicas de los artistas que las crean. Las varias pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh son ejemplos perfectos. No sólo puede hacer una
conexión mental entre el nombre del artista y la pintura pero también entre el artista y su influencia en el desarrollo de arte a través de estas pinturas. Las pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh han sido duplicadas muchos tiempos por varios artistas (aunque sin la vivacidad y intensidad de Van Gogh) y expuestas en todas partes; de las casas a las exposiciones de arte. Cuando uno mira a estas
Van Gogh
LAS PINTURAS DE LOS GIRASOLES POR VAN GOGH HAN CAMBIADO LA PERSPECTIVA DE HUMANIDAD DE ARTE Y VIDA. ESTAS PINTURAS CAUTIVAN LA MENTE Y DEJAN ESTUPEFACTO A ALGUIEN EN SU BELLEZA SIMPLISTA.
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Van Gogh
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OS GIRASOLES PAGINA 17
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da al óleo sobre lienzo, es surrealista y mide 90 x 119,5 cm. Se conserva en Bruselas en el Musée Royaux des Beaux-Arts. En el cuadro se muestra a san Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación.
El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hom-
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bre normalmente está sometido: el Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de polvo.
Al fondo se encuentra el London Eye. San Antonio es representado como un mendigo, está desnudo y despeinado y se apoya sobre una piedra. Delante de él hay una calavera. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación.
a Tentación de San Antonio
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Se afinca sobre una piedra, su espalda se halla inclinada hacia atrás mientras que su rostro, cuya expresividad no es muy clara, se eleva hacia los otros elementos que parecen abalanzarse sobre él.
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EL SUEÑO
zos doblados, la cabeza ladeada y los senos al l sueño (también codescubierto. A la hora de nocido con su nombre en pintar el cuadro, Picasfrancés, Le rêve)1 es un so optó por simplificar, cuadro del pintor español reduciendo las formas a Pablo Picasso pintado en volúmenes esféricos. 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo so“El sueño” había sido bre lienzo y es de estilo la estrella de la subasta cubista. de la colección Ganz, en El cuadro, cuyas medidas 1997, al venderse por son 130 x 97 cm, represen48.4 millones de dólares ta a una mujer que yace en medio de una exitodormida, en un sillón con sa venta en la que otras la cabeza vencida hacia obras de Picasso, como atrás y el rostro partido una versión de “Las muen dos y los senos al desjeres de Argel “, fueron cubierto. La modelo del vendidas por precios excuadro es Marie-Thérèse cepcionales. Walter. En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las Vegas, Steve Wynn.1 En el año 2013 “el sueño” ha sido vendido al mismo comprador, Cohen, por U$s 155 millones de dólares, y se convirtió en el segundo cuadro más caro según una nota publicada en The New York Post. El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve) en es un cuadro del pintor español PICASSO Pablo Picasso de 1932. En esta obra Picasso muestra a su amante Marie-Therese Walter sentada en un diván y con los ojos entrecerrados, los bra-
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“Cuando me dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida”.
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