La familia y la sociedad a travĂŠs del arte latinoamericano
Índice La familia y la sociedad en el arte prehispánico ………………… 6 • Cultura Olmeca • Civilización Inca • Calima La familia y la sociedad en el arte colonial ………………….... 11 • Retratistas colombianos • Costumbristas colombianos
La familia y la sociedad en el arte moderno ………………..... 28 • Muralistas mexicanos • El Surrealismo
La familia y la sociedad en la Vanguardia colombiana…..... 50 • Corrientes figurativas y conceptuales • Pop Art
Revista realizada por Malvina Dodi
La familia y la sociedad en el arte prehispรกnico
En la cultura olmeca (1500-400 a.C.) la escultura monumental tenía un rol fundamental. El arte olmeca era muy complejo y se poseen muchos objetos que aún se están investigando, pero los más importantes y conocidos son, sin duda, las Cabezas colosales olmecas. Esta es una de las primeras manifestaciones artísticas en las que se representa la sociedad, dado que se cree que estas escultura representaran jefes o guerreros. Como se puede ver en la imagen (Cabeza olmeca exhibida en el museo municipal de San Andrés Tuxtla), se trata de cabezas de gran tamaño, algunas alcanzan los 3 metros de ancho y 3 de alto, que representan a hombre con nariz achatada y labios gruesos.
Los Olmecas son también conocidos por el prestigio de sus trabajos en cerámica: destacan los vasos, platos y ollas con figuras antropomórficas con cara de niño.
En estas imágenes se refleja la intención de representar la sociedad de aquel tiempo, utilizando técnicas ya sofisticadas por la época en la que se realizaron.
La civilización inca, también llamada civilización incaica o civilización quechua, fue la última de las grandes civilizaciones precolombinas que conservó su estado durante la Conquista de América, hasta el 1532.
Trabajaron el cobre, el bronce, la plata y sobretodo el oro, con el que realizaban motivos antropomorfos, representados frontalmente conforme a los principios de hieratismo. Tesoro de los Incas en una gruta abandonada por la marina de guerra sueca .
En relación a la Colombia Precolombina, los Calimas fueron extraordinarios ceramistas: su arte se refiere a un mundo cotidiano y a una actividad de intercambio con otras culturas, siendo un pueblo eminentemente comercial.
Famosos son los canasteros, figuras cerámicas con rasgos negroides, que tienen en la parte de atrás un recipiente o canasta que le da el nombre y en el que se transportan las mercancías del intercambio.
La familia y la sociedad en el arte colonial
Cuando llegaron los conquistadores, en Colombia se daba la segunda etapa prehistórica: esto produjo un fuerte choque cultural, que dio vida a la aculturación (cambio de cultura). Los colonizadores impusieron su religión, el Cristianismo, y su idioma, el español: para hacer esto, trajeron a América las imágenes escultoreas y pictóricas de su religión y las utilizaron con fines políticos y culturales.
Virgen de Quito
Virgen en oración
Es solo a partir del 1810 cuando, bajo la influencia de las ideas nacidas con la Revolución Francesa, cambia drásticamente el arte. En pintura empiezan a prevalecer los hombres de poder y las jerarquías; surge un particular interés para la flora y la fauna americana; para acabar con el protagonismo del hombre común.
Retratistas colombianos Epifanio Garay Epifanio Garay (Bogotá, 9 de enero de 1849 Villeta, 8 de octubre de 1903) es considerado el más importante retratista colombiano. En su momento utilizó la fotografía como modelo y soporte para sus obras, particularmente para el retrato, lo cual fue novedoso y controversial en su época. En 1894 funda en Cartagena una academia de pintura. Además del retrato, cultivó la Historia mítica, cuya obra más famosa es La mujer del levita Efraín, considerado el primer desnudo de la pintura colombiana.
Como ya se ha comentado antes, Epifanio Garay ha alcanzado el éxito gracias a los retratos, marcados por una excelente calidad y una particular discreción del colorido. Este pintor se ha caracterizado por el verismo de sus retratos y por el hecho de representar siempre a personas reales, que posaban para sus cuadros. El artista observaba con gran detenimiento a los modelos para captar hasta el más mínimo detalle.
Ricardo Acevedo Bernal Ricardo Acevedo Bernal (Bogotá, 4 de mayo de 1867 - Roma, 7 de abril de 1930). Pintor y músico colombiano, fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, profesor de pintura y un reconocido retratista. Su obra es muy variada y revela un gran talento como dibujante, aunque es con los retratos que se dedicó a satisfacer los gustos de la burguesía bogotana.
Los retratos de Blanca Tenorio y María Bernal, son técnicamente perfectos pero resultan un poco superficiales en su caracterización psicológica. Los retratos de Acevedo Bernal son un importante reflejo de la sociedad colombiana, aunque enfaticen, en la mayor parte de los casos, solo la burguesía y la nobleza.
Excepción es la Niña de la columna, una espontánea creación de pequeño formato donde la vitalidad de la niña y el realismo académico expuesto en esta obra, no están exentos de cierta aura poética.
Costumbristas colombianos Miguel Díaz Vargas Miguel Díaz Vargas (Bogotá, Colombia, 1886Bogotá, 1956), fue un pintor colombiano que estudió en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En esta institución sería docente, director de la Escuela y director del Museo de la Escuela de Bellas Artes en varias ocasiones.
Sus mejores obras son los mercados donde representa personajes campesinos en posición discreta, sin enfrentarlos al espectador y contrastados con frutas tropicales y animales. Su creación se sustenta entre la precisión de la línea y el colorido naturalista. Es el máximo representante de su época de la sociedad colombiana.
Andrés de Santamaría Andrés de Santa María Hurtado (Bogotá, Colombia, 1860 - Bruselas, Bélgica, 1945) fue un artista plástico, considerado como el primer artista moderno que ha tenido Colombia. Gracias a él y a sus trabajos llegó el Impresionismo a América. Una de sus obras mas famosas es el óleo Lavanderas del Sena (Colección Museo Nacional de Colombia).
Dicho cuadro recibió un premio en el Salón de París en el 1887. El cuadro de gran tamaño demuestra algunas de las influencias recibidas, como la confusión en la perspectiva y exageraciones de figuras y primeros planos. Su obra El té, de tema cotidiano, es tratada con gran soltura y colorida.
La familia y la sociedad en la modernidad
Muralismo Mexicano Diego Rivera Diego Rivera (Guanajuato, 1886 — Ciudad de México, 1957) fue un destacado muralista mexicano, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, y también algunas otras del extranjero como Buenos Aires, San Francisco, Detroit y Nueva York.
El muralismo mexicano nace a raíz de la Revolución Mexicana en el 1910 y, a nivel artístico, se interesa en la representación de la realidad de la sociedad en esa época. En las obras de Diego Rivera es muy evidente el influjo del cubismo de Picasso y el impresionismo de Renoir. A partir del 1912 se dedicó a pintar grandes frescos sobre la historia y los problemas sociales de México.
Su obra mas importante es la Tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biol贸gico del hombre y su conquista de la naturaleza. Aunque, por lo que se relaciona con la representaci贸n de la realidad de M茅xico y de su sociedad, la obra mas importante de Diego Rivera es, sin duda, Sue帽os de una tarde Dominical en la Alameda.
En las imĂĄgenes de la derecha se pueden ver detalles de SueĂąos de una tarde Dominical en la Alameda.
Como se puede ver en la imagen abajo, el mural es de grande tamaĂąo y se caracteriza por los colores fuertes y los elementos tĂpicos de la cultura popular mexicana, como por ejemplo la Catrina y los trajes que llevan las mujeres en la obra. En la parte central del mural se puede ver la pintora mexicana Frida Kahlo, esposa de Rivera.
Las imágenes reflejan un momento de vida cotidiana: familias enteras se dirigían a la Alameda de la ciudad para pasar la tarde del domingo. Los sujetos representados perteneces a todas las clases sociales de la sociedad, aunque tienen un rol central los hombres y las mujeres de la burguesía. Caballos, juegos y tonalidades fuertes de color juegan un papel primario en la obra, que refleja perfectamente la situación cultural mexicana de principios del siglo XX.
José Clemente Orozco José Clemente Orozco (Ciudad Guzmán, 1883 – Ciudad de México, 1949) fue un muralista y litógrafo mexicano. Su estilo se caracteriza por el carácter dramático y violento que van adquiriendo sus obras con el pasar de los años.
Por lo que se relaciona con la temática social, las obras mas importantes de Orozco son la serie de Modern industrial man. La sociedad representada es la de los obreros, trabajando como si fueran maquinas. La fuerza, que Orozco logra dar al cuadro, trasmite un gran dinamismo de las figuras.
El surrealismo Frida Kahlo Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 1907Coyoacán 1954), fue una pintora y poetisa mexicana. Su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodo. Tanto los críticos como sus biógrafos coinciden en señalar que cualquier intento de separar la vida personal de su obra resulta casi imposible al analizar la temática, la simbología y hasta la técnica de la obra de la artista. Se trata de trabajos de sesgo muy personal y autobiográficos: Frida es sujeto y objeto de su pintura.
En la sociedad de su tiempo, donde la supremacía de lo masculino constituía el sentido común, la mujer jugaba un papel que claramente la supeditaba al varón. Frida encarnó un nuevo tipo de mujer: autosuficiente, fuerte y de características sexuales andróginas. En el México de tendencia machista, esta mujer adoptó actitudes y rasgos varoniles. Se representó en su obra con un físico fuertemente ambiguo con algunos rasgos masculinos exagerando sus cejas y su incipiente bigote.
Fue de las primeras pintoras que expresó en su obra su identidad femenina desde su propia óptica de sí misma como mujer, rechazando la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino. Ella fue una de las que contribuyó en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, como un símbolo. Por estas razones, Frida Kahlo se puede considerar símbolo de la sociedad (femenina) mexicana de las primeras décadas del siglo XX.
Las dos Frida
Antonio Berni Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981), fue un pintor, grabador y muralista argentino. Fue un artista representativo de su época y lo caracterizaba el fuerte contenido social de su obra. Las personas, el barrio y las anécdotas de la calle se convierten en imágenes plásticas: ellos son los protagonistas de sus obras, inscritas en una pintura de observación y crítica social.
Manifestación 1934
A partir de los años ‘30 su arte evolucionó hacia un realismo social narrativo del que fue uno de los más destacados representantes con Manifestación (1934) y Chacareros (1935). La anécdota popular en episodios se convirtió en una de las características de su obra, que se inscribió en una pintura de observación y crítica social, cuyos protagonistas principales eran Juanito Laguna (muchacho de los suburbios de Buenos Aires) y Ramona Montiel (mujer de los bajos fondos parisinos).
Ramona en la intimidad
Historia de Juanito Laguna
Juanito Laguna baùåndose sobre latas
Alipio Jaramillo Nacido en 1913 en Colombia, se dedicó a la exaltación del campesino y el obrero, empleando para ello aspectos políticos, especialmente los que se refieren a la violencia. La intención del arte de Alipio Jaramillo fue la presentación descarnada de las necesidades de los campesinos y las injusticias sociales del país.
Campesinos caldenses
Masacre I
La familia y la sociedad en la Vanguardia colombiana
Fernando Botero Fernando Botero Angulo (Medellín, 1932) es un pintor, escultor y dibujante de origen colombiano. Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo, denominado por algunos como boterismo. El autor utiliza la gordura de sus personajes como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida.
En principio, las obras de Botero revelan admiraci贸n por el muralismo mexicano y por el renacimiento italiano.
Con el pasar de los a帽os el artista alcanza un estilo muy personal y con sus figuras gordas y deformes se acerca al Surrealismo. Sus temas favoritos son la familia, la vida burguesa y la cultura colombiana.
Juan Cárdenas Nacido en Popayán en 1939, ha sido el artista que ha trabajado con mayor plenitud la figura del hombre. Su carrera arranca como caricaturista en El Tiempo, La República, El Espacio y la revista Flash. Centra su trabajo en la figura humana, dedicando muchos esfuerzos a las características personales de los retratos. Este pintor se evidencia por la gran sofisticación de sus obras.
Juan CĂĄrdenas dedica gran parte de sus obras a la representaciĂłn del artista y de la sociedad: de hecho, muchos son los cuadros en donde se puede ver el mismo artista dibujando. Famosas son las escenas que representan a la sociedad colombiana de su ĂŠpoca: cada retrato tiene detalles Ăşnicos.
Álvaro Barrios Vásquez Nacido en Cartagena de Indias, 1945 es un artista conceptual y dibujante colombiano. Su obra es una mezcla de postales, fotografías, fotonovelas y tiras cómicas, entre otras cosas. A pesar de que la mayoría de sus obras representen a la sociedad moderna, en los cuadros de Barrios hay muchísimas referencias a Marcel Duchamp y al arte pop.
Pop Art MarĂa Paz Jaramillo Es una artista plĂĄstica colombiana, destacada principalmente en la pintura, nacida en Caldas en 1948 y egresada de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Se le considera una de las principales representantes del movimiento Expresionista colombiano.
En su arte se puede ver la explotación de la mujer en la sociedad. En las obras de María Paz, los sujetos que representa mas a menudo son las mujeres, los bailarines populares, los cabarets y las discotecas de Cali. En sus grabados de técnicas mixtas, la figura femenina resulta caracterizada con humor cáustico y gracioso. La línea dura y en ocasiones torpe por voluntad, es el elemento más expresivo de su trabajo experimental dominado por su deseo de manifestar carácter.