Año 1 - Numero 1 - mayo - 2017
Energía hecha cartel
Editorial Editor Jefe cruz barboza Redacción: Nereira Leal Claritaza Peña María López Karla Goncalvez Diana Moreno Rosa Rodríguez
Correción Nereira Leal Claritza Peña Sara Otero
Fotografía Marco Curcó Simón Contreras Carlos Contreras
Diseño Cruz Barboza
Colaboradores Neris Barboza Libio Ragel Lismar Marín Carlos Subero Benjamin brito Eze González Paola Pérez Comercialización y Distribución Erick Ortega Administración Charles Sánchez Impresión Intenso
No estamos en el mismo paquete Cada día hay más “diseñadores” en la calle que van repar tiendo su gráfica a cualquier persona (cliente) que está en la calle y requiera de sus servicios y “conocimiento” para resolver un problema de identidad gráfica, promocionar un producto o simplemente porque quiere expresar algo en alguna parte. Cuando digo diseñadores entrecomillados no me refiero a esos colegas que se han esforzado, la mayor parte de su vida, para labrarse una carrera en este medio, ya sea porque hayan estudiado o porque sean diseñadores de oficio propiamente, es demasiado difícil, puesto que la competencia es dura porque hay un nivel altísimo y clientes bastante exigentes que cada vez buscan más innovación, creatividad y detalle, esto hace que todos los diseñadores se exijan más cada vez para poder hacerse un nombre en este país. De manera que, me refiero a esas personas que por hacer uno o que otro curso de algún software de diseño o porque dibujan bien creen que son diseñadores u otras personas les hacen creer que son buenos para esto. Muchas veces estas personas le quitan una oportunidad a un buen diseñador, quien está empezando su carrera, aun cuando el cliente queda totalmente decepcionado del gremio por este tipo de acciones que son más recurrentes de lo que los clientes creen. En este país hay muchos pseudo diseñadores que van repartiendo ese “talento” por la vida sin pensar que realmente están dañando a una gran cantidad de personas que se esfuerzan día a día para darles un producto de calidad a sus clientes, es decir, a un gremio serio que estima y valora su estilo de vida. Es importante aclarar que esto no es nada mas una carrera es un estilo de vida, bastante difícil por cierto, pero también hermoso. Quien se dedica a esto disfruta día a día de lo que hace así le genere pocas horas de sueño, estrés y otras molestias que no discutiremos aquí. Finalmente, estas palabras son para exhortar a esas personas que no son diseñadores de formación. Es necesario acompañar el oficio de la instrucción. Por lo menos, deben tener un buen criterio a la hora de hacer esto, por lo menos leer las bases o fundamentos de lo que es el diseño, haciendo cada dia mejor este arte, este oficio. Cruz baroza Editor
Contenido
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Alain Le Quernec
El cartel me Importa
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Lex Drewinski
Carteles Punzantes
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Santiago Pol
El hombre de los mil bocetos
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Yossi Lemel
El cartel como Protesta
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Shigeo Fukuda
Cartel sin fronteras
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Michal Batory
Cartel Maestro
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Isidro Ferrer
Poeta Visual
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Luba Lukova
Carteles de SĂntesis
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Niklaus Troxler
Cartel TipogrĂĄfico
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Uwe Loesch
Una vida de carteles
Expresiones
Alain L Alain Le Quernec, uno de los más importantes diseñadores franceses mencionó, en entrevista con este medio, que actualmente la importancia que tenía el cartel hace 20 años ya no es la misma, y esto se debe a que los diseñadores tienen otros intereses. Para Le Quernec, quien fue el curador de la exposición denominada “Carteles Franceses Contemporáneos”, inaugurada el miércoles pasado en las instalaciones del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), “el cartel no tiene la importancia que tenía antes, antes la imagen era algo raro y costoso, ahora la imagen es muy barata, y hacer carteles ya no es la preocupación de los diseñadores, ahora
buscan hacer libros, animaciones, decoración, entre otras cosas. El cartel ya no es un soporte deslumbrante como lo fue en el siglo 20”, mencionó. Alain LeQernec en Oaxaca Reconoció que el cambio de estilos y de imágenes en el cartel cambia como si fuera una moda, pues llegan nuevas expresiones y formas de ver las cosas, lo cual provoca un cambio muy seguido en el trabajo de los car telistas, “viví una época dónde el mensaje era impor tante, ahora ya no, lo que importa es la apariencia de las cosas, eso no está mal, es cuestión
de la misma evolución del cartel, de la moda de hacer algo nuevo. Eso pasa en todos los países, pero cada país tiene su gusto particular, como el francés”, dijo. Con relación la muestra “Carteles Franceses Contemporáneos”, el en tr ev is t ado men c ionó que la mayoría de la serie la conforman carteles culturales. Es la reunión de la obra de 10 cartelistas franceses que representan a tres generaciones de diseñadores, de ahí la variedad de estilos que caracteriza la exhibición.
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El cartel me importa
Le Quernec El estilo – comenta Le Quernec – es muy diferente y eso los hace sobresalir, el estilo de los cartelistas es muy par ticular, La se lección que hice es una muestra parcial, una visión general de los car teles. No son todos, y quizá olvidé algunos diseñadores. En el texto de sala que acompaña la exposición, el curador escribió: el diseño gráf ic o, así como el diseño en general, no es considerado en Francia como un
arte mayor y Francia no es un país de tradición gráfica fuerte. Hoy – continua el texto – el cartel no es la actividad principal de los diseñadores gráficos, sin embargo para algunos, es el sopor te de expresión por excelencia; ya que libre de coacciones comerciales, el cartel cultural es un espacio de creatividad y de invención.
“Mi profesión? diseñador de carteles? La palabra no es muy aplicable. Diseñador gráfico? demasiado técnico. Artista ? demasiado pretencioso. Publicista? no me insulten por favor. No estoy seguro que exista una palabra que defina mi profesión. No estoy seguro siquiera del todo que tal profesión exista.”
Expresiones
Lex Drewinski
Carteles Punzantes
Famoso por la creación potente de pósters sociales simples que son como una bomba nuclear a la mente, estamos orgullosos de presentar nuestro nuevo maestro del cartel, el icónico Lex Drewinski. Lex es un viejo amigo de la familia Cartel y nos sentimos muy honrados de que él hizo tiempo en su apretada agenda, no sólo para responder a nuestras preguntas, sino crear un vídeo de este increíble maestro del cartel que te lleva en un emocionante paseo en la mente de este talentoso diseñador. Lex Drewinski nació el 11 de septiembre de 1951 en Szczecin, Polonia. Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes de Poznan y se graduó con honores de la clase de arte del cartel del Profesor Waldemar wierzy. En 1983-1985 trabajó como director y guionista en el Estudio de Cine de Animación de Poznan. Es profesor de la Facultad de Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Potsdam, Alemania y de la Facultad de Diseño Gráfico en la Academia de Arte de Szczecin, Polonia. Ha participado en las exposiciones de carteles más significativos y competiciones de todo el mundo, y ha obtenido varios premios y distinciones en prestigiosos concursos internacionales, incluyendo el Concurso Internacional de Cartelismo Ekoplagat, cuarto bloque Exposición Internacional de Arte Gráfico y cartel, cartel de la publicidad de la competencia de Oro Internacional abeja, Art Directors club-Exposición Internacional, Trienal Internacional del Cartel político, Bienal Internacional del Cartel del teatro en Rzeszów, I nternacional Festival de Arte en las carteleras Art Moves 2015, Bienal Internacional del Cartel en Méxic, y muchos más. Lex también ha tenido exposiciones individuales en más de 60 exposiciones en todo el mundo en ciudades como: Atenas, Amman, Pekín, Beirut, Berlín, Barcelona, Cracovia, Damasco, Londres, Madrid, Ciudad de México, Nicosia, Estocolmo, Odensee, Quito, Tesalónica, Varsovia y más.
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Nos preguntamos Lex nuestros “Cartel Preguntas” y esto es lo que tenía que decir. Es muy recomendable que usted mira el vídeo, ya que las respuestas en sí no le hacen justicia, pero por si acaso, aquí están las respuestas de Lex. 1. ¿Qué significa el cartel para usted y por qué el diseño de carteles? Cartel es un medio que me permite compartir mis comentarios visuales en el mundo de hoy, con el que me gusta, donde me gusta y lo que me gusta. Aquí veo muchas connotaciones a internet. Puedo compartir esos comentarios en muchos lugares del mundo al mismo tiempo. 2. ¿Qué le diría hace un buen cartel? Un buen cartel es como una buena broma. Cuanto más rápido se llega a la línea de golpe, más tiempo permanece en su memoria.
3. ¿Qué crees que es el papel del cartel en el mundo de hoy? No creo que el papel del cartel de hoy se diferencia de su papel de ayer. Siendo lo más importante es una fuerte y convincente de masaje, a veces dirigido al cliente, otras veces a Putin... o quien sea. No me importa si es un cartel impreso en papel o guardar en un dispositivo electrónico, si está colgado en una pared o poner sobre la Internet. 4. ¿Cuál es su proceso de diseño típico para la fabricación de un cartel? Ideas se nacen en la cabeza, siendo una especie de embarazo gráfica. Parecen como niños recién nacidos. Si tal idea va por el mundo como un cartel impreso se convierte en testimonio de su padre, que es responsable de la conducta y la crianza de su hijo.
No es casualidad que menciono padre e hijo. Al principio solía consultar a mi hijo pequeño sobre cada nuevo cartel, ha sido un gran observador a la edad de 3, 4, 5. Pues bien, ahora los dos somos adultos. A veces me parece que ha crecido aún más yo. De todos modos, a menudo me gusta diseñar durante mis viajes porque entonces estoy sobre todo por mi cuenta, si no tengo mi cuaderno de dibujo a mano puedo sacar ideas sobre cualquier cosa. Puede ser un vuelo, algunos billetes, un pedazo de papel al azar, un proyecto de ley. De vuelta a casa me recreo en mi cuaderno de dibujo, después de eso puedo escanear la imagen y trabajar en los detalles en el equipo. El resto es sólo un proceso técnico.
5. Si pudiera elegir un cartel en la historia como su favorito, ¿cuál sería y por qué? Si tuviera que señalar que algunos autores en un contexto histórico de nomenclatura algunos trabajos seleccionados, sin duda no lo cito cartel de las estrellas como Toulouse-Lautrec o aún menos Jules Chéret, cuyas obras son muy famosos, pero se carece de lo que más admiro: una idea original. Aquí me gustaría señalar Thomas Theodor Heine con su cartel de “Simplicissimus”. Fue creado para hacer publicidad de una revista satírica del mismo nombre. Se muestra un dogo rojo, que ha mordido a través de su cadena de hierro, que lo mantenía prisionero. En mi opinión es uno de los primeros trabajos que, maravillosamente está mostrando esas cosas de la mayor importancia: una gran idea y un gráfico maravillosamente a juego utilizando colorante simbólica.
Think different
6. ¿Qué consejo le daría a los nuevos diseñadores que quieran convertirse cartelistas? Si tuviera que dar un buen consejo para los jóvenes diseñadores de carteles, diría: Piense en primer lugar, el diseño posterior. Para mí los carteles son una forma de vida, por supuesto que no es para todo el mundo, pero si usted decide entrar en este camino, no hay que olvidar que en un cartel que puede hacer cualquier cosa: Usted puede ofender, embrutecer, provocar, asombrar pero una cosa usted no puede ... aburrimir!
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Making Ideas
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Santiago Pol
El Hombre de los Mil Bocetos
Con casi 50 años de carrera profesional, a Santiago Pol nunca le ha gustado ser encasillado como un simple artista, entendiendo que éste no necesita aprobación de su obra para ejecutarla, a diferencia del diseñador que sí. Él prefiere traducir lo que le piden: escuchar, investigar y crear, en lugar de dejar que su alma por sí sola se exprese. “Yo no me inspiro en nada, a mi las ideas no me caen del cielo. Yo sigo un proceso creativo muy simple: primero soy todo oídos, luego investigo, hago boceto, boceto y boceto como un loco, hasta dar con algo funcional que me guste y entonces genero una conclusión. Me saca la piedra que la gente piense que yo salgo al patio de mi casa a esperar que me cague un pájaro para tener la idea de un afiche”, dice fran-
Vida y Obra
camente el creador del logo del Consejo Nacional Electoral, de la Misión Sucre o del primer plano del Metro de Caracas, entre tantos. A pesar de ello, Pol reconoce que en el arte y el diseño existen elementos y técnicas que podrían ser identificadas como artísticas. Nada descabellado, pues él salió de una escuela de artes plásticas a hacer carteles, trabajando siempre en dos aguas: la del diseño y la del arte. “El mejor diseño es el que se ve natural. En la actuación lo sobreactuado solo genera interrogantes y crea suspicacias, ocurre lo mismo cuando produces un arte. La parte espontánea, emocional, fresca y viva, propia del arte, se traduce en que el diseño está hecho para seres humanos, pero con un objetivo”, asegura Pol, lo que el sicólogo húngaro Mihaly Csikszentmi halyi descubrió tras estudiar a las per sonas creativas, sosteniendo que el proceso creativo consta de cinco partes: preparación, incubación, revelación, evaluación y elaboración. “Soy autodidac ta, pero muy curioso. La misma creatividad te lleva a hacer miles de bocetos para llegar a un producto. Y no creas que por eso me considero un mártir de
mi trabajo, pues en el proceso he gozado mucho. La creatividad te sorprende cuando estás saturado d e inf or ma c ión”. Es os s on los caminos habituales del proceso creativo pues, luego de formarse, el creador cultiva ideas que laten en la conciencia hasta tomar una forma. Es entonces cuando se evalúan y finalmente se llevan a la realidad. “La única manera de medir al hombre es por la realización de sus sueños como una meta. Como seres humanos lo que nos importa es ser útiles, no importantes, ver lo que hemos hecho con un resultado funcional, aportar soluciones. Me llena de orgullo saber que la gente disfruta mis obras y a través de ellas experimenta emociones. Lo mismo me ocurre cuando formo personas a través de la docencia”, sostiene Pol, quien ha pretendido ser artista, creador, diseñador, no importa el nombre, capaz de resolver. “Me hac e feliz enc ontrarme en una ciudad llena de imágenes creadas por mí. Los diseñadores no buscamos dinero, ni odas en los periódicos. Claro que eso no es malo y se agradece, pero lo que más nos
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gusta es que nuestro trabajo se vea y pueda servir para algo”. Negado a mantener un gusto preestablecido, el Premio Nacional de Artes Plásticas (2002-2003) recuerda que el paladar visual debe ser amplio para ver hasta lo que no nos gusta. “Al sentido del gusto hay que torcerle el pescuezo. Ciertamente, me enfoco en los elemento visuales para desconfigurar una obra y entenderla, con la intención de descubrir el trabajo que hay detrás. Como docente y diseñador, vivo en una revisión constante de los fundamentos de la materia”, remata uno de los embajadores del diseño latinoamericano.
Distintos
Yossi No podríamos estar más entusiasmados con nuestro nuevo maestro del cartel, un hombre que ha sido una inspiración para nosotros y que es sin duda un diseñador de talento excepcional. Es un honor dar la bienvenida a Yossi Lemel, que amablemente ha accedido a compartir su trabajo y sabiduría con los espectadores de Cartel. Yossi Lemel nació en 1957 en Jerusalén, Israel. Se graduó en la Academia Bezalel de Arte y Diseño en Jerusalén, donde más tarde se convirtió en profesor. Ha tenido 18 exposiciones individuales y ha actuado como miembro del jurado en numerosas bienales de todo el mundo, incluyendo Moscú, París, Venecia y Ciudad de México. Él es un conferencista reconocido internacionalmente, y ha facilitado talleres sociales y políticas en las universidades de todo el EE.UU., México, Turquía, Suecia, Italia y más. Es co-curador de la Internacional de viajar libro exhibitionand “las dos caras de la paz” posters israelíes y palestinos, Museo de Arte Contemporáneo de Raleigh Carolina del Norte, desde 1996. Entre sus diversas distinciones, Lemel ha sido galardonado con el Premio de Corea del cartel BiennialGrand 2002, Promax la Medalla de oro 1998 en Canadá, la medalla de oro MexicoPoster Bienal 2002, el Brno Diseño gráfico Medalla BiennialSilver 2002 y Premio de la Crítica y el Premio del alcalde en la República Checa. Sus carteles son parte de la collectionsof permanente del Victoria and Albert Museum, Londres; el Museo de la Publicidad, Palias du Louvre, París; la Neue Sammlung, Munich y la Museumfuer Kunst und Gewerve, Hamburgo. En la actualidad es socio de la advertisingagency creativa Lemel-Cohen en Tel Aviv.
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El cartel como Protesta
Lemel
3. ¿Qué crees que es el papel del cartel en el mundo de hoy? Básicamente el papel del póster es crear conciencia, frente a las ideas y temas.
5. Si pudiera elegir un cartel en la historia como su favorito, ¿cuál sería y por qué? Históricamente no puedo encontrar un cartel que puedo decir es el mejor o mi favorito, pero quiero mencionar John Heartfield que era muy activo en los años 20 y 30 en la Alemania nazi. Era un valiente, contundente y usted sabe las limitaciones y fronteras y arriesgó su vida con el fin de transmitir mensajes anti-nazi. Admiro su valentía.
4. ¿Cuál es su proceso de diseño típico para la fabricación de un cartel? El proceso de diseño típico es la creación de una nueva combinación, como la Cábala. Tomando A o C y combinarlos con el fin de crear un nuevo significado, significado sorprendente o algo que nunca estuvo allí antes.
6. ¿Qué consejo le daría a los nuevos diseñadores que quieran convertirse en diseñadores de carteles? Mi consejo a los jóvenes diseñadores es ser fiel a uno mismo, estar obsesionado, para explorar, ser curioso y tratar de encontrar la mejor combinación posible sorprendente.
inesperado. Tiene una capacidad de captar y que a los dos golpear en el corazón y la mente. 1. ¿Qué significa el cartel para usted y por qué el diseño de carteles? Para ser un diseñador de carteles es una misión, es una definición de lo que eres. Es una manera de expresar sus sentimientos y pensamientos, sus ideas y su ideología. Lo he hecho durante 25 años. Es una obsesión y su forma de vida. 2. ¿Qué le diría hace un buen cartel? Un buen cartel transmite un mensaje claro y preciso clara o una idea de una manera sorprendente
Distintos
Shigeo Fukuda nació en Tokio en 1932, en una familia dedicada a la fabricación de juguetes, y su infancia se vio marcada por la experiencia de la II Guerra Mundial y la derrota de Japón, una circunstancia que influiría en el carácter pacifista y social de su obra. Al acabar la guerra, estudió en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio donde se graduó en 1956. Fukuda se convierte en un auténtico virtuoso del cartel, ámbito en el que experimenta con las ilusiones ópticas al estilo de M.C. Escher y el volumen, siguiendo la gran tradición japonesa del origami y con un estilo gráfico muy potente, basado en la ilustración en negro sobre fondos de colores fuertes y llamativos. En 1967 obtiene por primera vez reconocimiento internacional cuando su trabajo es seleccionado como Cartel Oficial de la Exposición de Japón 70. A lo largo de su extensa carrera, Fukuda ha recibido importantes premios internacionales, incluyendo el premio de oro en la Bienal Internacional del Cartel de Varsovia de 1972, el primer lugar en la Bienal del Cartel de 1985 en Moscú o el Gran Premio de la Bienal del Cartel de 1995 en Helsinki. Además, el creador japonés ha expuesto sus trabajos en Nueva York, Italia, Francia y Japón. Así mismo, sus obras están representadas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en colecciones de Colorado, París y Moscú.
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La magia de las Sombras
Fukuda La magia de las sombras Con respecto a su labor como escultor, aquí Fukuda se deja llevar por sus antepasados jugueteros y crea piezas que aspiran a sorprender al observador, a sacar el niño que todos llevamos dentro; experimentado con las sombras, las luces y los materiales. Una de sus piezas más conocidas, “Almuerzo con casco” es una auténtica genialidad creada completamente con tenedores, cuchillos y cucharas, que al aplicarle luz proyecta la sombra de una motocicleta. Además de su labor como diseñador y escultor, también se ha dedicado a la docencia. Fue profesor de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio de 1973 a 2002 (Fukuda falleció en 2009) y en el Departamento de Diseño Gráfico de la Universidad de Yale en 1982 y 1984. El estilo de Fukuda está más cerca del compromiso social y ético que de lo puramente publicitario, sin abandonar su espíritu lúdico y con toques de humor. Al respecto, el propio Fukuda afirmaba en Idea Magazine: “Creo que en diseño es necesario un 30% de dignidad, un 20% de belleza y un 50% de absurdo”.
Fuera de serie
Michal Batory
Cartel Maestro
En la exposición ‘Afiches en Escena’, Michal Batory expone su compromiso con el arte y la cultura universal así como una voluntad de trabajo de incalculable valor. Coincidiendo con la escala de los carteles expuestos, cada afiche es una impactante manera de enfrentar al mundo por medio de la crítica lúcida, que legitima una Historia del Diseño con admiración por Gunter Ranbow, Anthon Beeke y Henryk Tomaszewski. La mejor muestra del año en Argentina.
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Gracias a la gestión de Juan Lo Bianco, director del área de Comunicación Visual del Instituto de Artes Mauricio Kagel, el diseñador polaco Michal Batory(Lodz, Polonia) visitó Buenos Aires, donde ofreció una serie de encuentros e inauguró su muestra ‘Afiches en Escena’. «Es un autor prolífico e inquieto» –señala Lo Bianco– «y resulta sumamente interesante comparar series para diferentes espacios donde propone un repertorio particular». Le Pays du Sonore Levant, diseño para el Festival de Música Contemporánea Internacionl (2016) Michal Batory expone una obra gráfica que conforma mundos imaginarios donde el estallido de color y el lenguaje gráfico resultan vitales, como la conocida serie Saison Musicale. Una musicalidad que también comprobamos en carteles para Chaillot y en las remi-
niscencias japonesas de Le Pays du Sonore Levant. Afiches que interpelan, y en cuyos cuestionamientos modifican nuestra visión acerca de las artes, el teatro y la danza y nos obligan a tomar distancia real frente a la contundencia de su escala, que UNSAM expone en su espacio de manera notable. “No es buena la rutina” dice Batory en su conferencia, mientras recuerda los casos de Chaillot, IRCAM y el Teatro Nacional de la Colline. Para Batory, – confesión que pocos descubren, y mucho menos aceptan–, es necesario que las instituciones cambien de diseñador en distintos períodos, como le sucedió en el caso de la Colline. Bajo la dirección del argentino Jorge Lavelli —fundamental por confianza y amistad en los comienzos de Batory en París—, el diseñador solo tiene largos párrafos de agradecimiento por introducirlo en la obra de Copi y Gombrowicz, que tuvo la oportunidad de diseñar. En la parquedad de sus palabras Batory demuestra calidez cuando recuerda sus comienzos en Paris, donde diseña desde 1987.
Diseños de afiches para el Teatro Nacional de Chaillot. Batory trabaja solo, y produce —además de los innumerables afiches para las obras de teatro— la totalidad de las identidades, programas, promociones, en una rutina de trabajo de muchas horas y ardua dedicación. “Cuando aún no hay definida una imagen, los programas incluyen fotografías que tomo de las instalaciones de los teatros, que en general ofrecen mucha riqueza en sus camarines, talleres y depósitos”. Según Batory, es esencial en el circuito de teatro trabajar de forma organizada y especialmente veloz. En el circuito de teatro parisino, la programación anual no espera. Los objetos que ensambla Batory son esculturas que cruzan objetos olvidados, instrumentos malgastados por el tiempo y figuras anatómicas extraídas de las oscuridades de algún desván, a las que ocasionalmente le aporta alguna correción digital. Un clima que Batory evoca en su video-instalación para el Museo de Arte Decorativo del Louvre, que exhibió en Argentina. Allí Batory exhibe todos los assemblages, esculturas espectrales y flores marchitas “para que no queden dudas de su realización manual”. Microficciones, en tanto proceso y control creativo, que sin duda completan la experiencia frente a los magníficos afiches en escena de Michal Batory.
Fuera de serie
Isidro Ferrer
Poeta Visual
Hace dos años, mi compañera Ana Illueca fue al MAD 2010, y allí vio una conferencia de un artista gráfico que le dejó impactada. Recuerdo como, al volver a la terreta valenciana, nos contaba lo interesante que eran los trabajos de este artista, y que no solo eso, si no que el camino que realizaba hasta la creación de sus trabajos era realmente lo interesante. Hace una semana tuve el placer, gracias a la ADCV y la Fundación Bancaja en sus jornadas de #CreativosconAudiencia, de poder verlo en directo, y así pude conocer más de cerca a Isidro Ferrer. Isidro, a primera vista, parece un hombrecillo cualquiera, un españolito como otro más, pero que detrás de él, hay una historia de lo más variopinta. O por lo menos variopinta desde la perspectiva del diseño. Nació en Madrid en el año 1963, graduado en Arte Dramático y Escénico ( si si.. Arte dramático! : O), y que durante los años 80 actuó en diversas compañías teatrales, hasta que un accidente le llevo una temporada lejos de los escenarios, y es justo en ese momento, cuando se redescubre como artista gráfico. Tanto que en el año 2002 es Premio Nacional de Diseño y en el 2006 Premio Nacional de Ilustración, vamos casi nada. Y es que, como nos dijo en la conferencia, ya no sabe lo que es. Algunos dicen que es diseñador, otros ilustrador. Se ha topado con gente que piensa que es escritor, y cuando lo ves hablando, piensas
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que es actor. Y puede ser que sea justo eso, un actor que va cambiando de papel, que lo interpreta tan bien, que cae en el personaje y realmente se lo cree. Realmente cree que es diseñador, y lo mejor de todo es que lo consigue. Realmente cree que es ilustrador, y lo es. Realmente cree que es escritor, y lo sobrepasa. Y es que detrás de todo esto hay un punto en común, el hecho de contar cosas, una historia, un cuento, una poesía… en definitiva, en narrar. Y justo en ese punto es donde convergen todas las realidades de Isidro Ferrer. Todas sus obras cuentan algo, transmiten, enseñan o te hacen sentir de una manera o otra. Pero si solo fuera eso, estaríamos delante de un cuenta cuentos, de un poeta, pero Isidro no acaba aquí. Además parece ser una persona que no está conforme
con lo que tiene alrededor, y que tiene en cuenta no solo el mensaje, si no en como se realiza y en como se transmite. Ya sea por su experiencia en el teatro, al hecho de interpretar, le da una importancia crucial a sus obras gráficas, desde la investigación al resultado final , pasando por como realizarlo. Esto nos da unas obras maravillosas, donde mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, brillan por su historia, no solo narrativa, si no técnica. Texturas, tramas, madera, hierro, manchas de color, tipografía, caras… sobretodo caras. En muchas de sus piezas crea rostros a partir de formas, que nos sonríen, nos miran y que parecen que ven más allá de nosotros. Estas caras
son como máscaras, máscaras teatrales, que representan un personaje, un personaje con una historia. Máscaras como las que usa él mismo, máscaras para interpretar, para interpretar un papel… y es que todo vuelve a lo mismo, al teatro. Os dejo con su arte, que me sorprendió de forma muy bruta, ya que dentro de un mundo de diseñadores e ilustradores con ratones y tablets en vez de manos, alguien nos recuerda que el diseño es más que saber usar un ordenador, el diseño es contar, hablar, narrar. El diseño es un cuento, un cuento de esos que te cuentan cuando te vas a dormir.
Fuera de serie
Luba Nacido en Bulgaria Luba Lukova, que ahora vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, es uno de los creadores de imágenes más distintivas de la actualidad. Ya sea mediante el uso de una economía de la línea, el color y el texto para identificar los temas esenciales de la condición humana o para ilustrar sucintamente comentario social, su trabajo es innegablemente potente y sugerente. En un clima dominado por el complejo de imágenes de múltiples capas, los diseños de Lukova son un contraste refrescante. El uso de colores limitada, la composición de la participación y la tipografía escrito a mano, su estilo gráfico distintivo es poderosa en su sencillez, contrastes enérgicos y colores vivos, a menudo logrado con una sola tinta sobre papel de color. La mayor parte de la obra de Lukova se hace a mano, incluyendo ilustraciones y tipografía. A pesar de que utiliza la computadora para manipular imágenes de vez en cuando, su insistencia en el dibujo a mano impregna su trabajo con una vitalidad maravillosa y la unidad orgánica. Formado en la Academia de Bellas Artes de Sofía, Bulgaria, ella comenzó a trabajar como diseñador de carteles para una compañía de teatro en Bulgaria. Sus teatro sugerentes carteles han aparecido en numerosas producciones teatrales en los EE.UU. y Europa.
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Cartel Síntesis
Lukova Ella es ampliamente considerado por sus ilustraciones editoriales para el New York Times y ha recibido encargos por su trabajo desde el Wall Street Journal , Time , Fast Company , Adobe Systems, Sony Music y la Universidad de Harvard. Lukova ha ganado muchos premios, entre ellos el Gran Premio Savignac en el Salón Internacional del Cartel, París, Francia; el Premio Lápiz de Oro en el One Club, Nueva York; Premio a la excelencia en el Festival de ICOGRADA Cartel en Chaumont, Francia; y la invitada de honor en la Exposición Internacional del Cartel en Fort Collins, CO. exposiciones individuales de su obra se han celebrado en la UNESCO, París; DDD Gallery, Osaka, Japón; La Mama, Nueva York y el Art Institute de Boston. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, Nueva York; la Biblioteca del Congreso, Washington, DC; y la Biblioteca Nacional de Francia. En 2009, su cartel cobertura de salud estaba en una prestigiosa exposición durante la toma de posesión del presidente Obama en Washington, DC. El subir en 2009, editor de arcilla y oro liberarán Hablando con imágenes , un nuevo libro sobre su trabajo.
Los tipos
Niklaus Troxler
Cartel Tipográfico
Las calles de la ciudad están pobladas de mensajes, carteles que publicitan eventos o quién sabe qué cosas, ¡de todo! Vemos, pero no miramos, lo que esos posters nos quieren contar no llega a ninguna parte, estamos sordos, o más bien ciegos, saturados. Destacar entre esa masa informe de información es muy difícil, pero Niklaus Troxler lo haría. Hablar de Niklaus Troxler es hablar de la historia viva del diseño gráfico. Nació en 1947 en Willisau (Suiza), cuando tenía quince años andaba fascinado por los posters que adornaban las calles de su ciudad. Él quería diseñar carteles como esos, como los de Herbert Leupin y Hans Falk. Estudió en la Escuela de Arte de Lucerna, abrió su propio estudio a la edad de 26 años y desde entonces le llegó la fama. Algunos de sus carteles forman parte de la colección permanente del Moma de Nueva York y otros se exponen en distintos museos, desde Japón hasta Holanda.
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Los carteles de Niklaus Troxler comunican un mensaje específico, llegan al transeúnte aunque este no esté demasiado interesado en ese tema. El reto para el diseñador es traducir un mensaje complejo y convertirlo en uno simple y llegar así a las personas, es difícil y gratificante. Niklaus Troxler usa la tipografía como herramienta básica en sus creaciones. Es un diseñador gráfico puro, que utiliza pocos artificios, ni efectos. Los ingredientes de siempre, tipografía, forma y color, siluetas, geometría, todo combiado, llegando a pesar de todo a resultados sorprendentes. A pesar de todos los años de experiencia, de toda la vida profesional de este gran diseñador gráfico, tiene deseos de descubrir cosas nuevas. Cada vez que se planta delante de un nuevo proyecto su finalidad es sorprenderse a sí mismo. Cuando lo consigue es que ha encontrado la solución al problema. Así que uno de sus consejos para cualquiera que desarrolle este trabajo es huir de la rutina, olvidar todas las normas y reglas. Su vida ha estado muy marcada por la música, sobre todo por el Jazz, su trabajo parece estar impregnado de ella. Él ha sido el organizador del festival de Jazz de Willisau desde 1975 hasta 2009 y por supuesto, creó la cartelería para este evento. Viendo su trabajo reconozco a un diseñador gráfico atemporal que vivió el pasado de esta profesión y vive el presente con gran agilidad. Sus carteles no tienen edad y me hacen amar más aún el diseño.
Los tipos
Uwe El cartel históricamente ha sido un formato fundamental y popular para la transmisión de la comunicación, un elemento básico de difusión de eventos y propaganda en el que la imagen y la palabra se deben conjugar de una forma efectiva para conseguir la atención del viandante. En una visión evolutiva del cartel no sólo podemos ver los cambios estéticos sino también la historia social y política, ya que es uno de los elementos del diseño que más claramente ilustra el contexto en el que surge. Uwe Loesch nació en 1943 en Dresde, Alemania. Ha vivido en Düsseldorf desde 1958, donde estudió diseño en la Academia Peter Behrens. Después de graduarse, ha trabajado como diseñador gráfico independiente y como profesor de diseño de comunicación en la Universidad de Wuppertal Bergische. Es especialmente reconocido y premiado por su trabajo en el ámbito del cartel y su trabajo ha sido exhibido en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en diferentes museos y salas de París, Israel, Tokio, Osaka… además de estar en las colecciones del Moma de Nueva York o en la Biblioteca Nacional de París. Loesch creció en la Alemania de posguerra, en la que el expresionismo aún ejercía una poderosa influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad de siglo y en la que el diseño -en
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Una vida de carteles
Loesch todos sus aspectos- jugó un papel clave en la reconstrucción del país. Actualmente todavía es visto como un factor fundamental para la economía de Alemania, tanto dentro de las fronteras como la imagen progresista que esto transmite en el ámbito internacional. Influido también por el arte francés nihilista y el movimiento Dada, su trabajo comenzó a aparecer a principios de los 80, y casi instantáneamente atrajo la atención de los críticos por su dominio de la tipografía y sus habilidades fotográficas. Asimismo el color es otro elemento fundamental de su trabajo que utiliza con una magistral intencionalidad. “Por lo general, uso el color en mi trabajo muy a propósito” Aunque en su trabajo es habitual el uso ambiguo de palabras y los juegos verbales que se pierden al
desconocer la lengua, sus carteles son portadores de un ingenio que considera la existencia social del hombre pero no intenta manipularlo. Y ante un mundo de grito y consumismo su deseo es susurrar y hacer participar activamente al espectador para que saque sus propias conclusiones: “Espera un minuto. Si todo el mundo sigue gritando cada vez más fuerte, nadie será capaz de oír y mucho menos entender o creer cualquier cosa”. También es habitual el uso del recurso de la “decepción visual”, cuando el espectador tiene que adaptarse porque no encuentra lo que en principio espera. Un diseño lleno de inteligencia, ingenio, fuertes contrastes y susurros para crear conciencia al espectador sobre diversas causas, muchas de ellas socio-políticas.
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