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JUAN MANUEL ROLDAN BORBOLLA DIRECTOR GENERAL
Subdirector RODRIGO DÍAZ Editor de Moda ALFONSO PARRA Producción Fotográfica MANUEL ROLDAN Productora para México ISAMAR AGUILAR Asistente de Producción CARLOS TADEO Traducción ALICIA ARÁMBULA Corrección de estilo JUAN BORBOLLA Colaboradores JUAN BORBOLLA, FABIÁN CIRAOLO, JAKE GALÁN, PEDRO MEYER, MANUEL ROLDAN Directora de Archivo Gráfico y Consejera Editorial coordinador del Archivo Gráfico y Documentación CFO/COO/Directora de Finanzas y Administración Directora Comercial para Latinoamérica Directora de publicidad México Ejecutivas de ventas Director de Circulación y Producción Gerente de Producción Coordinador de Producción Gerente de Newstand UTOPÍA CHILANGA MÉXICO Montes Urales 415, Piso 4, Col Lomas de Chapultepec, Delegación Miguel Hidalgo, C.P. 11000, México, D.F.
Director de Arte JUAN BORBOLLA Jefe de Diseño JUAN BORBOLLA Jefe de Diseño IPAD J. ROQUE GUTIÉRREZ Diseñadora ANA PAOLA HÜBBE Coordinador Editorial de Moda DANIEL ARGÜELLES Fotógrafos e Ilustradores FABIÁN CIRAOLO, FERNANDO ESCÁRCEGA, JAKE GALÁN, PEDRO MEYER, MANUEL ROLDAN
VIRGINIA NÚÑEZ RICARDO OSORIO XIMENA RODRÍGUEZ ADRIANA RÍOS CHÁVEZ BEATRIZ PIZANO RUTH BAQUEIRO, GIOCONDA VELEZ-BROOKS MIGUEL ÁNGEL TRUJILLO LAURA VEGA NANCY MORENO KARINA BALDERAS UTOPÍA CHILANGA MIAMI 800 Brickell Avenue, suite 530, Miami, Florida, 33131 USA. Tel. (305) 371 9393 Fax (305) 371 9392
UTOPÍA CHILANGA, AÑO 1, NÚMERO 1, ABRIL 2013, PRIMERA EDICIÓN ABRIL 2013, ES UNA REVISTA CON 11 PUBLICACIONES ANUALES, EDITADA Y PUBLICA POR KESAKOO ART S.A DE C.V. MONTES URALES 415, COLONIA LOMAS DE CHAPULTEPEC, DEL. MIGUEL HIDALGO, DISTRITO FEDERAL, MÉXICO 11000, TÉLEFONO 50623710, POR CONTRATO Y BAJO LICENCIA DE ADVANCE MAGAZINE PUBLISHERS INC. EDITOR RESPONSABLE JUAN BORBOLLA juanborbolla@ utopiachilanga.com.mx. CON NÚMERO DE RESERVA DE DERECHOS AL USO EXCLUSIVO EMITIDO PO EL INDAUTOR 042013-10061634300-102. LAS OPINIONES EXPRESADAS POR LOS AUTORES NO PRESENTAN LA POSTURA DEL EDITOR Y DE LA EDITORIAL. PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN PARCIAL O TOTAL. IMPRESO EN LOS TALLERES DE OFFSET MULTICOLOR, S.A. DE C.V., CALZADA DE LA VIGA NÚMERO 1332, COLONIA EL TRUINFO, C.P. 09430 DELEGACIÓN IZTAPALAPA, MÉXICO, D.F. 02 utopíachilanga.com.mx
2013Abril\\México Por fin termina la espera. Un par de meses en los que, con arduo esfuerzo, sobreviví. Fueron muchos los obstáculos con los que me tope; parecía una caída de lucha libre, en donde contar hasta tres es mucho. Yo pedía esquina desde el uno. Los malestares económicos, por decir lo menos, estuvieron a la orden del día y creo que debí acostumbrarme a vivir sólo con lo necesario y a recibir varios "no" como respuesta de cajón. Desde hace un par de meses he estado detrás de este proyecto; lo inicie junto a Photoshop, InDesign y yo en un platica de cigarro y cervezas. Par mí era una necesidad, para Photodhop e InDesign, un proyecto que representaba un capricho a lo largo de su carrera editorial; así surgió UTOPÍA CHILANGA. En ese momento no pasó nada por mi mente la posibilidad al escribir una carta editorial para el primer número, y mucho menos después de todo lo que he vivido en estos meses. Quiero dedicar este númer a mi gran amigo, gurú, mentor, maestro, cuate y encaminador de almas: Enrique Helguera, quién en estos meses; logró despertar el interés y mi capacidad en la producción periodística. Me nombró una persona "Especialista en Generalidades", un persona peculiar el cual todo tema me interesa y, claro, lo que no sé lo averiguo. Mi hambre de saber es insaciable. Me interesa todo tipo de conocimiento: desde análisis y explicaciones hasta gráficas visuales con el objetivo de no quedarme con una pizca de duda en el tema en cuestión. A muchos que habrán de pasar por las filas de esta revista les tocarán días de "escuelita" en casa de Juan Borbolla, quien siempre sacará su pizarrón y formulará innumerables preguntas que hasta el más bruto terminará entendiento. Mil veces hemos hablado de todo tipo de teorías editoriales como la de Glazer, de los Coffee Table magazines o de las revistas nicho. Lo que deberíamos saber perfectamente acerca del mundo editorial, no es solo aquello que esta a primera mano. Es decir; todo lo aprenderemos de esta manera: con la práctica. Gracias a la insistencia de un profesor, pude aterrizar una idea y convertirla en un producto, dejando atrás un sueño y volverlos realidad. Para mí, estos meses han representado un cúmulo de experiencias adquiridas, de las cuales espero salir mucho más preparado en la vida real. Así que me enorgullece presentarles este número primero en el cual la esencia de UTOPÍA CHILANGA sigue viva, ya que desde un principio mi sueño fue presentarles ideas globales de forma local, tratar de exponer mes con mes cosas que de alguna forma son sublimes, lograr que un cierto grupo de gente interesado en el arte, el diseño, la filosofía, la arquitectura y las curiosidades tuviera a su alcance lo mejor de aquí y allá, y me da mucho gusto saber que lo he logrado. Y es que, a pesar de las circunstancias adversas, cada vez encuentro más profesores soñadores que piensan que pueden aportar un granito de arena. Quiero agradecer a todos esos complices que me han apoyado desde hace un par de meses en hacer de UTOPÍA CHILANGA una realidad. Atentamente. Juan Manuel Roldan Borbolla.
Editorial
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CONTENIDO
El legado del arte 8 Dos experiencias editoriales
12 Tierras de nadie 10 La ciudad reabrió sus puertas...
Viernes de gif 14 La textura dentro de la sociedad chilanga 16 LA LONJA MERCANTIL 18 FOTOBOOK UTOPÍA CHILANGA
DEL ARTE A LO COTIDIANO 20 EL PROYECTO MEYER 22 ¡AYYY...PAPITO, ESCOJA LO QUE GUSTE!
LA MÁQUINA DE LA VISIÓN 04 utopíachilanga.com.mx
26 TRASCIENDE LA PIEL
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LA MÁQUINA DE LA VISIÓN 30 EL TATUAJE UNA EXTENSIÓN DEL CUERPO; UNA FORMA DE VIDA
ESENCIA DE LA DESTRUCCIÓN 24 LAS NUEVAS MILICIAS MILITARES 34 LA ESTÉTICA DE FABIÁN CIRAOLO
LAS EDADES DEL UNIVERSO 38 CONCRETO 2: PAPEL Y STREET ART
¿DÓNDE FILOSOFAR? 42 EUROJAZZ 2013 43 LAS APARIENCIAS ENGAÑAN
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DOS EXPERIENCIAS EDITORIALES Por|Juan Borbolla
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través de la reactivación de los materiales, la creación de un espacio curatorial y generador de conocimiento; se presenta un ejercicio sobre el Fondo Felipe Ehrenberg que forma parte de Arkheia. Por medio de la redes de intercambio entre Europa y Latinoamérica; se aprecia la construcción poética, visual, artística, conceptual, ideológica y experimental de los movimientos ligados al contexto social de los 60´s hasta los 80´s. Las publicaciones toman una conciencia política (con carácter enérgico) en contra de la desmitificación del arte como parte de la vida cotidiana. Es decir; se realizaron proyectos editoriales colectivos que pretendían encontrar nuevos canales de comunicación, alternativos a las galerías e Instituciones.
Su trabajo representó un claro paradigma entre la participación colectiva encaminada en el rígido ambiente artístico. Si bien, no se trata de una exploración de su archivo privado, como suelen ser lo proyectos de Arkheia. La exposición recorre la obra íntima de Ehrenberg como artista de autogestión. Es decir, es un artista que básicamente ha hecho: “lo que se le pega la gana”. Expresada como una táctica de guerrilla contra los monopolios de poder economico y político. Él desde su experiencia europea; trajo la transformación del artista en editor, corrector, dealer y gestor de su propia obra. El circuito incluye impresos (revistas, postales, dibujos y ejemplares de la revista Schmuck) y documentos del movimiento Fluxus. También existen fotografías, que
El uso del mimeógrafo y la fotocopia, como medios experimentales en la creación de revistas y libros,; representó el mundo del arte. También se usaban medios baratos y al alcance de cualquiera, como: el papel revolución. Así nacieron los fanzines; que son aquellas revistas hechas a mano por fanáticos de movimientos culturales. 08 utopíachilanga.com.mx
son testimonio de su vida en Inglaterra, a principios de la década de los setenta. Explora la distribución de las artes, retando los sistemas tradicionales de galerías y apoyos públicos. Por tanto; en el presente se habla de la autogestión como opción de libertad. Recuerda que para poder entender el legado del arte; se necesita una explosión de conocimiento como parte de lo cotidiano; sin perder su lado analítico.
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Es una artista que ha hecho: “lo que se le pega la gana”
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México//Abril2013 ELLEGADODELARTE
LA CIUDADELA REABRIÓ SUS PUERTAS COMO LA CIUDAD DE LOS LIBROS Y LA IMAGEN
“Un sitio especial para bibliotecas personales de grandes hombres y mujeres de letras”, señaló Consuelo Sáizar En La Ciudadela existen unos 540,000 libros de un acervo general enriquecido por las bibliotecas personales de cinco intelectuales mexicanos: los poetas Alí Chumacero y Jaime García Terrés, el cronista Carlos Monsiváis, el bibliófilo José Luis Martínez, y el humanista Antonio Castro Leal.
Por| Juan Borbolla
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na fábrica de tabaco del siglo XIX se convertió en La Ciudad de los Libros y la Imagen, que albergará el edificio de La Ciudadela en la capital mexicana. El proyecto, un centro de vanguardia para las letras y las artes visuales, se inauguraró el miércoles 21 de noviembre con la entrega del I Premio Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria en Idioma Español al escritor Mario Vargas Llosa. “Es un gran proyecto”, “la primera gran hazaña del siglo XXI mexicano”; en palabras de Carlos Mosiváis. Inauguró además una tradición: “que el Estado adquiera, preserve, resguarde, dedique un sitio especial para bibliotecas personales de grandes hombres y mujeres de letras”. 010 utopíachilanga.com.mx
El año pasado la biblioteca cerró sus puertas para dar paso a un ambicioso proyecto de remodelación, en el que se han invertido millones de pesos para transformarla en un centro cultural de vanguardia. El nuevo espacio está dividido en cuatro patios: el de los Escritores, con cinco bibliotecas personales; el de Lectura, uno dedicado para la Imagen y el último un espacio para el cine. El centro cuenta ahora con una librería, accesos especiales para discapacitados, salas de lectura y digitales, una galería de exposiciones, un teatro y una biblioteca para niños. La ideas son capaces de florecer entre libros que trascienden a través de las ideas y de las construcción total del pensamiento de sus autores.
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Tierras de nadie: cartografía sonora. Por| Juan Borbolla
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ensar en la trascendencia de la tierra, es hablar del único lugar tangible para Concha Jerez y José Iges. Es dialogar con una sustancia resonante denominada: “sonidos-documento”. El espacio se expande a través de los pasos de una coreografía sonora, que definen la puntuaciones entre la dimensión y su relación con el tiempo. La interacción surge cuando el oyente se deja conectar con el universo de ecos que se dirigen en direcciones cíclicas; dentro de un cubo amorfo de madera. A través de las múltiples transformaciones del sonido, la desorientación, la multiplicidad de las fuentes, así como; de la disolución de algunas secuencias aisladas por la tecnología electrónica y el montaje.
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Trasciende la experiencia y la sensación de empatía con la cartografía, a través de la fuerza de las secuencias expresan la realidad e interpretación, que tiene el oyente acerca del pasar de la posesión del mundo. La obra se enfoca en describir una libertad efímera (por medio del sentido auditivo), que se confronta con la consciente necesidad de rescatar la autodeterminación de la tierra y su contexto social. Claro ejemplo, se aprecia en el contacto entre los instrumentos musicales como movimiento de proyección social. Las masas son parte importante en el pensamiento y creación de sociedades eficaces y creativas; donde la cualidad del hombre es entender el ¿Por qué? y ¿Para qué?
ELLEGADODELARTE2013Abril\\México El día y la noche, es la pauta que determina el cambio del ritmo social y del correr de los minutos y segundos; que nos hace permanecer en el presente. Los pasos (al compás del retumbar de la mente) y las murmuraciones del individuo, nos transportan a la expresión total de Jerez e Iges. Para entender que la vida esta encaminada a un proceso de reflexiones y razonamientos; donde no sólo existe el análisis abstracto de los elementos cotidianos. Simplemente aquellas interferencias y problemáticas; deben ser revocadas de la estructura humana. Se ofrece el lado brillante, conexionado, global, interrelacionado y comunicable del otro lado del espejo de un mundo. Donde la materia, es el reflejo del avance propuesto por el hombre y la decodificación de los signos.
“Sofisticación, aprendizaje y transformación del arte en un solo espacio” Un lugar que trasciende por las constantes intenciones de los autores por despertar el conocimiento y la realización de proyectos con un contenido enfocado a la construccción del nivel común del arte que se considera: “sofisticado”. Se trata de vincular el ejercicio de la reflexión y de la tranformación de aquello que conocemos; y que debe ser capturado por el análisis e intepretado por el medio común y cercano a las masas: la comunicaión.
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LA TEXTURA DENTRO DE LA sociedad CHILANGA “Cada pared tiene una textura, un pasado, que tiene el potencial de contarnos algo” Por| Juan Borbolla
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l coloca en el suelo su mochila llena de latas de aerosoles. Se acomoda los audífonos, saca el cuaderno de bocetos, ese donde nacen sus personajes. Observa las texturas con atención, escucha lo que la pared tiene que decir. Y le responde con un primer trazo. El muro es paciente. No lo interrumpe. Hay otras distracciones, como la lluvia, el sol intenso, el ruido y los peatones curiosos, en algunos casos; también la policía. Él continúa dibujando con el spray como si fuera un pincel. En unas horas, quizá días, habrá habitado esa superficie con sus niños traviesos, enmascarados como animales, jugando a héroes y demonios. Sego (Robbie García) cuenta una historia en cada uno de sus murales. Sus paredes hablan. Después de escuchar, de observar, el artista hace su trabajo. Al final queda un lienzo transformado en una ventana a otro lugar, una invitación inesperada a salir de lo cotidiano que puede estar ahí hoy y desaparecer mañana. “Lo más importante para mí es el proceso que se vive para realizar la pieza. Porque nunca se vuelve a repetir la misma historia”, dice. Cada pared tiene una textura, un pasado, que tiene el potencial de contarnos algo. La Ciudad de México tiene cientos de miles de paredes esperando para salir del silencio y decirnos algo con nuevas voces.
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No se trata de revivir el muralismo de Rivera y Siqueiros, ese tuvo su espacio y su tiempo; tenía otro propósito. “México sale al mundo con el gran muralismo pero éste de repente se apaga. Luego hay otras corrientes con el movimiento de 1968, el trabajo del Grupo y el No Grupo en los ochenta pero queda como un hueco respecto al arte en el espacio público. México tiene que resurgir, tiene todos los elementos para hacerlo”, dice Roberto Shimizu, director del Museo del Juguete Antiguo México (MUJAM), que alberga la colección de juguetes más grande del mundo. La escena de arte urbano en México es particular. Aunque tenemos la herencia prehispánica, que ya utilizaba las paredes para plasmar sus narrativas, y más tarde surgió el muralismo, esas raíces y ese gran movimiento enraizado en lo social se disolvieron sin dar paso a otra cosa. Mientras tanto, en Europa y Estados Unidos, hubo un boom del graffiti en los ochenta, gestado como una batalla underground de los jóvenes que buscaban expresarse, mediante la transgresión de los límites, y compitiendo para ver quién lo hacía mejor, más grande y en los lugares más difíciles. Con el tiempo, algunos graffiteros exploraron más allá de la escritura y el taggeo con aerosol e incorporaron nuevas técnicas (stencil o plantillas, posters, stickers, murales), nuevos materiales y motivos, hasta ser agrupado en un término más amplio: arte urbano (street art).
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Es una forma de arte que buscaba sorprender al espectador, con frecuencia haciendo una crítica irónica de la sociedad o un sistema político, y que pronto empezó a ser valorado por la comunidad artística, incluso por las galerías y museos. No por nada una pieza de Banksy, Bombing Middle England, alcanzó a venderse en 102 mil libras esterlinas (más de 2 millones de pesos) en una subasta de Sotheby’s. Sin embargo, en México pareciera que no hubo el mismo desarrollo. Aquí aún convive el graffiti en el sentido tradicional (creado en la clandestinidad) y visto como vandalismo por las autoridades. “El arte urbano en México sí existe y hay mucho pero necesitas aliarte con medios y con otros circuitos de arte para que se vea, resuene”. Por ejemplo en Xanenetla; Puebla, donde el Colectivo Tomate ha realizado más de 50 murales para su proyecto “Puebla: Ciudad Mural”.
Se debe ubicar a la Ciudad de México en el mapa de arte urbano, ofrecer nuevos artistas, que los organizadores consideran el auge del street art en el mundo y la posibilidad de intervenir muros emblemáticos del centro de la capital mexicana. Durante una semana, del 30 de abril al 5 de mayo, los artistas Saner, Roa, de Bélgica; Escif, de España; Sego de México; Herakut de Alemania; Interesni Kazki de Ucrania; Aryz de Barcelona; Vhils de Londres y El Mac de Los Ángeles intervendrán nueve muros ubicados en el Centro Histórico y Polanco. El festival incluye un ciclo de conferencias con expertos internacionales y la venta de piezas de los artistas invitados en la
Pero en la Ciudad de México parecen difuminarse o estar muy localizadas las propuestas interesantes, entre ellos los murales de artistas como Saner, Dhear, News o Jorge Tellaeche, que han colaborado en corredores de arte urbano en las colonias Roma y Condesa, como parte de la campaña All Originals de Adidas. Son ellos, junto con algunos colectivos, quienes están activando la escena de arte urbano, casi siempre con patrocinios, algo que Felipe Ocaña ve con recelo: “No está mal que haya apoyo, el problema está en qué visión tiene quien te da ese apoyo, qué espera obtener de eso”. De cualquier manera, aún es muy temprano para contarnos entre las ciudades más reconocidas por albergar arte urbano. “La Ciudad de México es virgen. Yo lo creo y me lo han dicho también artistas que han venido, como Roa”, dice Shimizu. utopíachilanga.com.mx 015
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¡LA LONJA EN LA ROMA! "PARA CONOCER, COMPRAR, VENDER, BAILAR Y COMER... NADA COMO EL ARTE MEXICANO"
Por| Juan Borbolla La onceava edición de la Lonja Mercantil y primera en este 2013 se llevó a cabo el pasado 23 y 24 de marzo. Después de un repentino cambio de planes, finalmente el mercado de temporada favorito se instaló en Casa Drolma en la colonia Roma, una locación distinta a la originalmente planeada pero igualmente efectiva al momento de aplicar el cada vez más popular lema “comprar, vender, comer, bailar”. Un pretexto para conocer la propuesta de diseñadores mexicanos y hacernos de cosas vintage y kitsch; tanto para nosotros, para nuestros seres queridos o nuestro hogar. Es un mercado de temporada que reúne lo mejor que tenemos en México. La Lonja Mercantil surge con la idea de reunir y promover a gente creativa y talentosa, generando un espacio de venta dirigido a un público curioso en busca de propuestas innovadoras. 016 utopíachilanga.com.mx
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FOTObook Utopía chilanga Manuel Roldan
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EL PROYECTO MEYER El pionero de la fotografía digital se lanza desde Cuatro Caminos a otra aventura que revolucionará el mundo de la imagen en México. Por| Juan Borbolla Foto| Pedro Meyer
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sus 77 años de edad, Pedro Meyer sique explorando y abriendo caminos para la fotografía. Hombre de carácter, inteligente y entrañable, conferencista y maestro a nivel internacional, laureado con destacados premios por todo el mundo y creador de plataformas fundamentales para la fotografía contemporánea. Meyer ha consagrado su vida y arte desde un lugar único: no solo como artista (cuyo trabajo es ampliamente reconocido y puede conocerse en una obra excepcional llamada Herijias) sino como puntero de la foto digital. Basta decir que a principios de la década de los noventa publicó, bajo el título Fotógrafo para recordar, el primer Cd del mundo con imágenes y sonido articulados. Así que Meyer no solo es creador, es una artificie y un maestro, un incansable curioso que a la primera provocación defiende los soportes digitales y las posibilidades que ellos ofrecen. 020 utopíachilanga.com.mx
El pasado mes de noviembre en la graduación de la primera generación del diplomado en línea que su fundación organizó junto con World Press Photo, pudo verse a Meyer orgulloso y conmovido que leía un discurso en su recién estrenado iPad mini. Y ahí, en el templete, además de destacar el trabajo de sus alumnos, provocaba al público con instantáneas de su biografía con las que mostraba lo importante que es estar abierto al cambio en la vida y en lo que uno hace. Pedro Meyer así ha vivido y sigue cambiando: hoy es presidente de una fundación, director de una de las revista digitales más influyentes en el mundo y, próximamente, responsable de uno de los espacios más ambiciosos y vanguardistas que se han construido en México para la imagen: Fotomuseo Cuatro Caminos.
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* ESTE AÑO, EL
PROYECTO DEL FOTOGRÁFO Y PIONERO DE ARTE DIGITAL, VERÁ NACER UNESPACIOS VANGUARDISTA
EN MÉXICO FOTOMUSEO: EL CRUCE DE LOS CAMINOS.
El proyecto arquitectónico es de Mauricio Rocha y sorprende la manera en la que se ha logrado los trazos espaciales de las antiguas fábricas imprimiéndoles un diseño contemporáneo y funcional para el museo. Uno de los grandes retos, dirigido por Guadalupe Lara, es vincularlo a las comunidades que lo circundan, pues además de erigirse como un centro de exposición, creación y reflexión de la fotografía para "iniciados", busca convertirse en un alaternativa cultural y vibrante en una zona urbana que carece de ofertas para sus habitantes.
Como una de las iniciativas más ambiciosas y frescas en el ámbito de las artes visuales del país, y quizás de Latinoamérica, el nuevo proyecto de Meyer es convertir lo que era una antigua fábrica de plásticos en un gran museo. Este espacio, localizado a dos cuadras de la terminal de Cuatro Caminos, apunta a convertirse en un pulmón de la escena fotográfica, pues no solo contará con dos enormes galerías para exhibición, sino que tendrá un laboratorio de experimentación y habitaciones de residencia artística. utopíachilanga.com.mx 021
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¡Ayyy papito…escoja lo que guste!
Nada más efímero y exquisito que un día entre el arte sofisticado y la realidad del cuadro citadino. ¡Qué viva la Merced! Por| Juan Borbolla
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ue un día domingo, donde la intensidad de los rayos del sol provocó el sudor del pueblo, y los grandes sorbos de agua se acumularon en las gargantas. Desperté, con esa pesadez; pero con la idea de recorrer aquel lugar donde los peores miedos se vuelven exquisitos a la par del morbo; conocido como: la Merced. Abordé el “guajolotero” porque quería darle a ese día algo diferente, simplemente volverlo único. Llegué a el metro, descubrí que la ruta donde se encuentra la estación Merced, es de color rosa; como aquella melodía; “La Vie en Rose de Edith Piaf ”. Tal vez, por aquel mito donde el último vagón fue capaz de causar fobias en la sociedad por convertirse en un icono del color de la revolución sexual. Abordé y esperé hasta descender en aquella estación repleta de movimientos corporales. No tenía la menor idea de donde comenzar, solo sabía que era el momento perfecto para desarrollar mi capacidad de curiosidad e interés por el ritmo de la mercancía. Dirigí mis pasos hacia aquel pasillo despejado, pase por todas las marcas de tenis y zapatos; donde el remate es la estrategia. Salí al eje, donde la basura es un elemento que complementa el lugar, y en el que los perros compiten por encontrar los placeres de la comida. Los agentes del rumbo (es así, como los locatarios denominan a la gente de la calle), tienen ese toque exagerado, dramático y sin sentido; pero con la facilidad que hace alarde a la perfección de sus diálogos, y de imagen pública. Caminan juntos, protegiéndose unos con otros, mientras saludan con picardía. Poco a poco se alejan para darle espacio al talento del lugar.
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Observé a las damas de la escoba, barren y barren; para quitar aquellas agujas que transfieren las dosis a los cuerpos amantes de los viajes, donde el encuentro con la realidad se detiene y desvanece. Se comparte el lugar con el látex usado y otros desechos, forman parte de la rutina del día a día. Los niños no dejan de trabajar en los semáforos y jugar a “las escondidas”, pero detrás de su mano junto a la nariz, no obtienen mucho éxito para ganar. Detenerse no es la opción. Venían detrás de mi un par de diablitos con mercancía y personas que buscan lo necesario para sus eventos o surtir sus negocios. De repente, el sol hace más estragos y el agua fría, surge como cualquier "canción estúpida y comercial". Detrás de las vallas de alambre verde, observé pasillos despejados de los “vendedores ambulantes”, pero ¿Quiénes se instalan ahí? Aquellas musas del placer, colocaron su anatomía ante el sol. Son seres con un don especial, porque sabían que el día sería caluroso y trataron de llevar la ropa más cómoda y diminuta, que permitiría disfrutar de las radiaciones del clima. Los hombres observan y sonríen con un gesto de agradecimiento. Aquellos que se sienten listos para llenar de color sus obras de arte; abren de dos a tres veces sus carteras y se colocan enfrente de ellas. Saben que una musa, solo puede ser pintada a través de los colores verdes, como los enormes jardines del convento de San Jerónimo, donde Sor Juan Inés de la Cruz escribió extraordinarios poemas. Las musas caminan contentas, porque saben que serán plasmadas por su belleza natural, otras tantas observan y esperan a los próximos pintores. Mientras caminé más personajes encontré.
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Ese olor particular se hace presente, como si llegaras a un lugar donde las recetas encuentran lo necesario. Encontré la mayor extensión botánica que puede curar desde el mal del corazón hasta mandar a la Santa Muerte a hacer sus trabajitos. La doña de la hierbas, aquella mujer de movimientos lentos, con mirada profunda y olor a madurez; ha recetado a toda persona que se ha sentido lejana del mundo. A través de su método: observar, analiza y receta (sencillo pero efectivo). Continué por aquellos locales, entre las siete secciones que comprenden las letras del abecedario. Personajes que solo son felices en los cuentos de hadas, dulces, adornos e infinita variedad de cosas para agradecer la asistencia al evento y ser utilizadas en el hogar. Para llegar a el último punto. ¿Qué hay con esos hombres con Nextel, que están de esquina en esquina? Observé y esperé.
"Como la merced, ninguna"...
Después de un rato, me percate que tienen controlado los movimientos de las musas del placer y el orden de los locatarios. Pero no conforme con su labor exigen más autoridad y se disponen a manejar las tachas y el polvo blanco. No importa la edad y mucho menos la facha, si traes dinero eres su mejor cliente. Es así como descubrí que la ciudad está conformada de lugares con tradiciones, y no hay mejor rito que caminar a través de décadas de historia y como dice el famoso cliché: “como la Merced, ninguna”.
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Las Nuevas Milicias Militares Por| Juan Borbolla Es un año de protesta y de movilización social. Levantamientos civiles convulsionaron en el mundo hasta México. Protestas masivas en contra del sistema económico que se desplomo y se expandió alrededor de la sociedad. Ante la creación de un animo global liderado por la nuevas militancias artísticas. Se estableció un ánimo y ahora toca a México responder. Aquí, tres proyectos que confrontaron el malestar mexicano desde la trinchera del arte: Colectivo el grito más fuerte. El colectivo artístico, El grito más fuerte, es uno de los brazos del Movimiento por la Paz con Justicia y Dignidad encabezado por Javier Sicilia. Conformado por actores, productores de cine, músicos y promotores culturales (entre ellos Daniel Giménez Cacho, Ilse Salas y Jorge Sánchez), el colectivo hace un llamado a la ciudadanía a ponerse en los zapatos del otro. Su primera acción es una campaña de spots para radio y televisión donde los integrantes dan voz a las victimas al narrar sus historias como si les hubieran sucedido en carne propia. La iniciativa es una llamada a la sociedad civil a despertar y responder a la situación como agentes de cambio. El Instituto. El Instituto parte de la idea de que el activismo es el cuestionamiento del conocimiento establecido que se va de la raíz, analizando los conceptos y palabras que definen y marcan nuestro mundo. Así, la organización explora las cruces entre el arte, la cultura, la política, el activismo y los derechos humanos por medio de la investigación, el análisis y la ejecución de exhibiciones, talleres, conferencias y plataformas. Sin sede fija, el Instituto vive gracias a su alianza con organismos académicos y culturales, operando de manera flexible, tanto en espacios institucionales como en sitios menos oficiales. Su pensamiento es de protesta, explora y cuestiona las razones de las cosas y las formas en las que validamos y justificamos las realidad. 024 utopíachilanga.com.mx
La Lleca. La Lleca es el nombre de un colectivo de artistas que trabaja en prisiones de la ciudad de México para cambiar ideas subjetivas sobre la reclusión y los internos. El colectivo confronta el sistema penal y carcelario mexicano con la estética, buscando revolucionar las formas comunes de retratar a los reos y las maneras en las que ellos se representan así mismo. Sobre todo buscan una alteración social a través de la educación estética, vinculando el arte con los sentidos y generando ideas. Entre sus proyectos esta “Poesía sin poesía”, una exploración a las formas contemporáneas de crear poesía que permite a los reos forjar comunidades provisionales y obtener conocimiento sobre su situación.
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Foto por| Fernando Escárcega
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Trasciende la piel Por| Juan Borbolla
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as representaciones del cuerpo ocupan un lugar destacado en el mundo de las artes visuales, de manera que se convierten en una plataforma de inscripción y protesta que da cabida a las más diversas manifestaciones. Desde el body art, el tecnoarte, el tatuaje, el body building y el piercing. A partir de esta variedad, en México se ofrece un primer breve esbozo de los fundamentos filosóficos de una teoría del cuerpo: “SKIN”. Que fija las coordenadas teóricas por las que discurren diferentes propuestas artísticas. Centrado en el papel que ha desempeñado el cuerpo en las artes visuales a lo largo del siglo XX hasta llegar a este punto de un título ilustrativo. Se muestra interés en dos formas de abordar el tema del cuerpo en el mundo del arte contemporáneo: por una parte, se fija la atención en la mutación a la que Cindy Sherman somete el cuerpo humano en sus series fotográficas Sexual Pictures y; por otra parte, nos adentramos en la construcción de un nuevo tipo humano. Más allá de la esencia del cuerpo. El cuerpo constituye una de las grandes lagunas de la historia; principalmente desencarnada. Se interesa por la vida de los hombres y, accesoriamente, por la vida de las mujeres. Pero se trata de vidas sin cuerpo, desposeídas de su carne, vidas básicamente representadas en la rica iconografía de reyes y santos, guerreros y señores, pintores y escritores, comerciantes y políticos.
Pero la historia no sólo se ha escrito desde el punto de vista de la victoria, como recordaba Walter Benjamín. Sino que también; se ha visto despojada de su cuerpo, de su músculo, de sus dolores, de sus gozos y de sus miserias. De ahí la necesidad de ofrecer una historia del cuerpo. La concepción del cuerpo, tiene su lugar en la sociedad, su presencia en el imaginario social y su representación en la filosofía de una historia. Como ya advertía Norbert Elías cuando; en 1939, publicaba El proceso de la civilización. El cuerpo desempeña un papel fundamental como lugar, sede y agente del proceso de civilización. El cuerpo, sin duda, ilustra la lentitud con la que avanza la historia de las mentalidades y de las instituciones. El cuerpo cambia, sufre alteraciones, ve, modificada su realidad física y, de manera infalible, forma parte de un orden simbólico. No obstante, la historia se empeña en reducir el cuerpo a la naturaleza, se resiste a estudiar sus manifestaciones, reprime sus deseos, anula el placer, asimila sus comportamientos, considerándolos indignos de una cultura que se mide en presunción de sus éxitos culturales, políticos, militares y económicos. Tal vez es una de las razones por las que la historia del cuerpo haya tardado tanto en aparecer. Por fortuna, en el siglo pasado se empezó a superar este sistemático olvido del cuerpo: desde la pintura y la literatura, la fotografía y la escultura hasta la sociología y la filosofía. Encontramos diferentes intentos de reivindicar, estudiar, analizar, fundamentar, indagar todos los enigmas y secretos que encierra el cuerpo.
Desde este punto de vista, surge todo un conjunto de preguntas: ¿Qué imagen se proyecta en el arte contemporáneo de la corporalidad? ¿Qué concepción se tiene de la naturaleza humana? ¿A qué tipo de transformaciones se está sometiendo al cuerpo humano? Sin duda, un tema complejo que ha sido abordado desde las más diversas corrientes de la mal llamada: “post-modernidad”. Una etiqueta de mercado que reúne un conglomerado no siempre congruente de múltiples posiciones teóricas que encontramos en las prácticas artísticas; y más generalmente, en la crítica cultural y en la filosofía. Desde la invectiva literaria y la teoría estética, los movimientos “queer”; se insiste una y otra vez en la misma idea: la disolución del sujeto, la fragmentación del yo, la dislocación de la subjetividad y de las identidades, la contingencia de los roles sociales y, en términos más apocalípticos, la mutación del ser humano. En el contexto de este trabajo, se introduce al exquisito y sugestivo mundo de las artes visuales que ofrece una amplia gama de representaciones del cuerpo humano: desde la fotografía documentalista de los antropólogos de principios del siglo XX, el realismo visual de los años de entreguerra, la creación de estereotipos sociales desde los diferentes medios de comunicación, hasta las primeras denuncias de la manipulación de las conductas corporales surgidas en el contexto de liberación sexual de los años sesenta, pasando, finalmente; por la creación de modelos de representación del cuerpo alternativos durante estas dos últimas décadas en el marco de los estudios culturales. utopíachilanga.com.mx 027
México//Abril2013 LAMÁQUINADELAVISIÓN El cuerpo y las artes visuales. El cuerpo (en sintonía con las ideas de Foucault y Butler) ya no se concibe como un simple objeto de deleite visual, como un elemento material y pasivo; sino como una plataforma artística, una zona de inscripción de conductas sexuales y sociales, un reflejo de la ideología y del poder. En este sentido, el tatuaje se ha convertido en el medio de comunicación que más ha ayudado a configurar nuestras nociones de cuerpo y reflejar el control social al que está sometido. Con la irrupción de los medios de comunicación de masas, deja de considerarse una herramienta inocente que simplemente retrata a la sociedad y, se toma conciencia de que forma parte de una compleja red de relaciones de poder que estructuran especialmente, las relaciones de género, raza y clase. SKIN PROYECT EUROPA. Es un documental que reúne a cinco de los mejores diseñadores gráficos y tatuadores de Europa. Su principal objetivo es generar una teoría del cuerpo con base en el manejo de la técnica del tatuaje y relacionado con el desarrollo de la vida de los personajes (en este caso jóvenes; con ansiedad de convertir el mundo). Se encarga de proyectar esta consolidación de la filosofía y de las necesidades de los nuevos medios de expresión del mensaje visual. A lo largo de seis meses se trato de plasmar símbolos, ideas, cambios de pensamiento, por medio de la concepción de un punto de partida: el tatuaje. Es decir; se trasladan a presentar una sociedad alternativa y lejos de la mediatización de las falsas declaraciones de poder y las complicadas estructuras de sociales. Pero ¿Cómo se traslada a México?
¿Alrededor de qué gira tú estilo y diseño gráfico y la perspectiva de tú técnica fotográfica? Creo en el cuerpo como una forma de resistencia. Concibo mi trabajo como un discurso alternativo, en el que la crítica a estándares y cánones estéticos y sociales es de forma irónica y a veces divertida. Para mí el color, el dramatismo y la cotidianidad son ingredientes especiales que me encanta usar en el lenguaje fotográfico Tus ideas son elaboradas, ¿Cuál es el esfuerzo que le dedicas? Mis ideas nacen de procesos personales generalmente serán trascendencia de viajes que he realizado con amigos muy queridos. A través de todo México. Con ello; pretendo establecer una forma contemporánea-prehispánica; plasmando la cultura y el desarrollo de las estructuras del arte mexicano. ¿Qué reflejará tú trabajo? Reflejará mi vida diaria. Para mi es cotidiano, lo que para otros; es casi una categoría estética, a veces nombrada “kitsch”. La publicidad ha sido parte de mi forma de trabajar, siempre me preguntaba cómo lograban esos grandes efectos y producciones, pronto me di cuenta que no se trataba de la producción sino de la intención de vender un producto como ARTE. Es así como se pretende crear una nueva ola de pensamientos a través del cuerpo y su composición de dentro de un entorno social determinado al desarrollo de pensamientos y crear expectativas en el espectador a través de la composición de su cultura y color.
SKIN PROYECT MÉXICO. Se trata de trasladar, el concepto con diseñadores mexicanos que de cierta manera tienen la creatividad y el talento de cualidad natural para poder proyectar la cultura mexicana (a través de dioses aztecas) en el mundo de la “ciudad chilanga”. A través de la convocatoria; se pretende desarrollar un performance callejero que trascienda del tabú y las cualidades de la sociedad. Todo ello con el fin de provocar con el cuerpo un morbo y producir un goce sublime por los colores del tatuaje. En la entrevista que realicé a Fernando Escárcega; jefe creativo del “Skin Proyect México”; me percato de un avance en la creatividad y la explosión de nuevas formas de crear ideologías a través de grandes proyectos.
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Foto por| Manuel Roldan
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El tatuaje una extensión del cuerpo; una forma de vida.
“Recordar cada uno de los trazos que he elaborado en el cuerpo de la gente; es mantener encendida la esencia de mi trabajo y de mi pensamiento..."
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s así como se aprecia el arte del tatuaje desde la perspectiva del creador. Hace un par de días me dispuse a la tarea de buscar unos de los artes más complejos, estigmatizados y de alto estándar creativo. Localice una de las tiendas que se encuentra en la zona más kitsch y vintage de la ciudad de México; la colonia condesa. Al realizar mi transborde por la línea dorada; imagine todas las posibilidades que tendría de encontrar a un tatuador; que no solo se dedicará a marcar el cuerpo, sino que estableciera su creatividad filosófica, conceptual y de impacto para la sociedad. Entre calles llenas de mascotas, de bicicletas con canastas llenas de objetos, gente de todas las razas y personalidades; localicé el establecimiento junto a una de las marcas más representativas de ropa deportiva.
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Por| Juan Borbolla Foto por| Jake Galán y Manuel Roldan
El local se llama Wakantanka Body Art. Al entrar me percate de la calidad de imágenes y de lo sofisticado de la tienda. El diseño representaba una casa (juvenil, colorida y cómoda) con sillones de colores llamativos y de formas muy específicas. Cada uno de los elementos retomaba la vida de los mexicanos conforme a su religión, el arte, la sociedad, la cultura, la gastronomía, la muerte y el sentido del humor (sarcasmo). Al preguntar por el encargado; me topé con una persona de aspecto intelectual; con el antebrazo descubierto, camisa de cuadros, lentes de armazón café y de forma cuadriculada y; con un par de tatuajes que hacían énfasis con la personalidad del lugar. Conocido como: Jake Galán.
LAMÁQUINADELAVISIÓN2013Abril\\México Un artista que se dedica a trasladar una fotografía, un boceto, un esquema que le proponen sus clientes al cuerpo; como una extensión de su alma secundaria. Su concepto se basa en la ruptura de lo cotidiano, lo sencillo, lo simple y lo morfo. Apesar de ser tatuador, se dedica a la fotografía de manera profesional y; se encamina al desarrollo de proyecto de diseño gráfico de manera independiente (como en la realización de book´s fotográfico en 2night). Observé que cada uno de los momentos en que se sienta a elaborar un diseño en el cuerpo, son una especie de placer enfocado a un resultado exitoso. Cabe destacar que las cualidades de una persona no se miden por los matices de color, sino por reinventar algo que puede llegar a ser muy sencillo; pero tiene un espíritu propio. Pase un par de horas divagando entre los grandes tatuajes que ha elaborado a personas comunes y aquellas que están relacionadas con el ámbito de la moda, el arte, la imagen pública y uno que otro empresario. Tomando en cuenta lo que me expresaba, generé un análisis con interés importante hacia los cuerpos, que muestran el arte a través del tatuaje. Trascender por su calidad gráfica, más que por sus costos y; su búsqueda de contactos en la sociedad. Simplemente un día donde el arte se volvió mi espacio y universo, porque comprendí que la forma de vida no se basa en las acciones, sino en el estilo de la imagen, con el fin de desarrollar más allá del cuerpo una respuesta a la propuesta de un artista mexicano. utopíachilanga.com.mx 031
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El espacio múltiple Por| Juan Borbolla
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onsiste en una serie de obras (pintura, relieve y diseño gráfico) a partir de una forma-idea. La materialización, se representó como parte inicial de un dibujo lineal. El arte contemporáneo tiene como característica esencial su pluralidad y, por lo tanto; es un sentido personal (propio estilo). Establece la unidad estilística como parte de un proceso de simplificación de los elementos formales que intervienen en la composición de la obra hasta definir el alfabeto plástico. Así como; la sintaxis combinatoria de este alfabeto. Los círculosóvalo, el cuadrado-rectángulo y el triángulorombo-trapecio son los conceptos geométricos que realzan el diseño. En este sentido la teoría del color funge como el espacio, como un mensaje constante para el acto comunicativo. Permite el desarrollo de un volumen, que genera un espacio urbano; con base a un orden y armonía social. Donde se pretende descubrir, revelar, comunicar nuevos espacios, colores, sonidos; como un juego armonizado. Umberto Eco menciona: “los modelos estructurales son en ese sentido instrumentos de iniciación mística para la contemplación de lo absoluto”. El espacio múltiple es una señal visual en la para poder mandar un mensaje, se seleccionan elementos o signos determinados. Donde existe un conjunto de formas y colores organizados dentro de un espacio, para dar una visión de nueva cultura. Por tanto, se entiende que es un código geométrico, como una especie de red, que mantiene niveles de organización y un mensaje estético (el verdadero arte). Gráfica y escultura. Se estableció como una retrospectiva a lo largo de su pensamiento. Donde más que una filosofía, expresa una visión de un mundo útil para construir nuevas realidades estructuradas. La forma ha sido considerada como algo preexistente y, a la vez; constituye una morfología general. Porque no se trata de la producción de un objeto, sino de una serie de posibilidades de ser diferentes esencias.
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Esta acción de pensamiento, se establece en el desarrollo de sus obras. Donde menciona: “no hay escalas constituidas, es decir estructuras generales que se inserten en un pensamiento particular. En cambio, es como el pensamiento de una computador, que utiliza una metodología marcada, crea al objeto preciso, así como; la forma necesaria para organizarlo”. Se aprecia una explosión de arte y percepción visual, donde el artista conservó su modelo para la construcción de la obra como: el color, el interés por el tema, la importancia de los personajes y los factores de la composición. Se puede apreciar un foco invisible de poder, donde se destaca la importancia de la estructura oculta y de las fuerzas que lo equilibran. Pero el equilibrio del centro no es un punto muerto, sino una vívida tensión, que está cargada de energía. Equivale al resultado de las líneas de fuerza dentro de un campo magnético. Toda forma colocada en el cuadro sufre la atracción del centro, por medio de las líneas verticales y horizontales. que convocan a la persuasión de acción.
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LA ESTÉTICA DE FABIÁN CIRAOLO
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Foto por| Fabián Ciraolo
ESENCIADELADESTRUCCIÓN2013Abril\\México Por| Juan Borbolla
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on dibujos a lápiz de color y acuarela que retoca digitalmente, el diseñador Fabián Ciraolo descontextualiza la vestimenta de íconos pop, imaginándose cómo se verían en estos tiempos. Fabian Ciraolo (diseñador gráfico) dibuja todo lo que ve, y eso; en gran medida marca su gusto por dibujos animados (caricaturas como HeMan, Skeletor, Los Thundercats, Jem y los Hologramas). Las dibujó tantas veces que terminó por ilustrarlas de memoria. Siguió obsesionado con esas temáticas y comenzó a coleccionar revistas de cómics y de moda antigua; además de juguetes vintage. De ahí, siempre sacó alguna idea para sus trabajos en los que suele reinterpretar la vestimenta y el entorno de algunas figuras de la cultura pop como: Frida Kahlo, el "Che Guevara" o Salvador Dalí.
"El formato de disco me gusta mucho. Generalmente me contactan muchas bandas y artistas reconocidos...es un salto grande para mostrar tu trabajo"
“Lo que me gusta es pensar en cómo esos personajes se verían hoy con toda la cantidad de tendencias que hay, tratando de que no se pierda la personalidad de cada uno”, explica. Uno de los últimos trabajos de Ciraolo, quién dedica tiempo completo a la ilustración, fue una edición limitada de poleras para Foster que se agotó en pocos días. Para este año prepara una exposición en México, país en el que sus diseños causaron furor en noviembre pasado; cuando participó de una muestra colectiva en la colonia roma.
Utilizando una mezcla de temáticas y estilos que están de moda, consigue ilustraciones de colores vibrantes. La inspiración de Ciraolo proviene de una conversación, una fotografía, una buena canción; incluso, un buen día... eso puede ser la motivación más grande y fuerte para el artista. La función de su trabajo es la transmisión de ideas de libertad, cambio y reinvención.
No pretende transmitir un mensaje en particular, no tiene nada que decirle a nadie, puede sonar pesado, pero es la verdad; su intención es sólo visual. Solo transmitir sensaciones diferentes, provocar algún tipo de emoción. Le gusta que la gente genere propias conclusiones de su obra, que construya sus historias y que sus diseños provoquen algo en quien los ve. utopíachilanga.com.mx 035
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CONCRETO2: PAPEL Y STREET ART
Por| Juan Borbolla Foto| Manuel Roldan
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La segunda fase es determinada por el momento en que comienza a prescindirse del papel para dar paso a la aparición de los esténciles y las estampas, con lo cual las paredes y las calles devienen del soporte en el que se difunde el mensaje. La ciudad (el espacio público) se transformó entonces en un lienzo donde se plasman las inquietudes y demandas de sus habitantes; es en sus calles donde se media el clima político y social.
a muestra Concreto 2: Papel y Street Art, ha sido dividida en dos módulos con la finalidad de explorar dos cuestiones específicas: el origen del street art y su papel en la actualidad. Por ello, la curaduría de la exposición (a cargo de Pablo Romo y otros seis artistas) traza una suerte de genealogía de esta expresión y establece claramente las características que Tal dezplazamiento de un soporte a otro da nombre a la la definen. propia muestra y ayuda a configurar una historia del arte Si bien el arte urbano ya no es uan manifestación urbano. Es en la sala 1, donde comienza el recorrido a exclusiva de las calles. Concreto 2... enfatiza que el street partir de las diferentes imágenes plasmadas en la pared, art surge de un descontento, generalmentede origen utilizando esténciles. Éstas son obras que han marcado social y, representa una forma de protesta. El primer un hito dentro del arte urbano, remóntandose incluso módulo de la exposición es una breve historia del arte a finales del siglo XIX. Así, aparecen desde carteles de urbano, cuya génesis ha estado ligada a una facilidad Toulose-Lautrec hasta un tanque de guerra que lleva la de reproducción. En un primer momento, el soporte leyenda "México 68" con la tipografía que se uso en las común era el papel gracias a la utilización de litografías olimpiadas de ese mismo año. y xilografías.
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LASEDADESDELUNIVERSO2013Abril\\México
Pasando por lo que hoy reconocemos como el icono del movimiento punk: la portada de God Save the Queen, disco de los Sex Pistols, hecha por Jaime Reid. El denominador común de los ejemplos anteriores es que todos ellos, tomando forma bajo el formato de carteles, marcan el ritmo, las transformaciones y las insatisfacción experimentada en su ciudad. los dos últimos ejemplos sirven de enlace para dos de las especificidades abordadas en el recorrido: el caso de la protesta de México tras los acontecimientos del 2 de octubre del "68" (todas las obras pertenecen a la colección del MUAC) y los Sex Pistols dan cuenta a la unión (mucho más reciente) entre industria y street art.
El segundo módulo explora dicha unión y funge como testimonio de la incorporación del arte urbano a las tendencias globales y predominantes de la industria, dispersándose al campo de la moda, el diseño y la publicida. Este fenómeno ha resultado en la creación de una estética urbana que se propaga rápidamente e invade grandes urbes. Blek le Rat, uno de los artistas invitados a Concreto 2..., es un grafitero quien tras ganar fama en las calles de París consiguió renombre mundial al exponer en el centro Pompidou de la misma ciudad. Le Rat es quizá el artista de grafiti más famoso e incluso el propio Banksy ha reconocido la influencia que tiene su obra.
Igualmente, dicho segundo módulo presenta el panorama actual mexicano con obras de Lapiztola, Watchavato y Ciler (Alexis Mata), quienes (entre otros) en pocos años se han ido abriendo paso en galerias de arte, museos y en el mundo de la publicidad. Y es que las inquietudes sociales no han sido abandonadas por esta generación sino que han logrado insentarlas en un ambiente instituicionalizado donde se pretende continuar empleando el arte como una plataforma de protesta.
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México//Abril2013 LASEDADESDELUNIVERSO
COMO INSTITUCIÓN CONMPROMETIDA CON UN AMPLIO RANGO DE EXPRESIONES CULTURALES EL MUSEO DE ARTE MODERNO EXPONE, CONCRETO 2: PAPEL Y STREET ART, CUYO INTERÉS GIRA EN TORNO AL ARTE URBANO
La vida del color a través del Street Art 040 utopíachilanga.com.mx
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México//Abril2013¿DÓNDEFILOSOFAR?
EUROJAZZ 2013: UNA TRADICIÓN CITADINA Por| Juan Borbolla Foto| Manuel Roldan erderse entre árboles, montes y grandes espacios verdes; donde algunas personas hacen malabares, acomodan sus alimentos para el picnic, platicas, percusiones o simplemente esperan a que sean las 5 pm para escuchar jazz. Esto ya es una tradición en el sur de la ciudad chilanga. Cuando empieza marzo sabemos (como cada año) es tiempo del EuroJazz. Ahí y solo ahí; no es necesario quedar de verte con alguien, todos en algún momento del concierto se encuentran, comparten el programa y desde primer día hacen su itinerario de las presentaciones a las que irán. Acostados en el pasto, tomar una copa de vino, el olor a mota en el aire; sin duda son los momentos clave del día.
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El comienzo de la sede en este año fue el pasado sábado 2 de marzo con la presentación de Amsterdam Saints (países bajos). Cómo perderse la oportunidad de escuchar propuestas cultares gestadas en Europa, Alemania, Polonia, Francia entre otras muchas latitudes reunidas en un mismo lugar como el Cenart. Es preciso mencionar esta institución como la escuela de grandes artistas mexicanos y donde otros más sueñan estar. No siempre ir a un festival de calidad tiene que ser tan caro. Ahí solo tienes que llevar ganas de pasar un buen momento sin prejuicios. Yo al menos siempre salgo con amigos que no había visto o que ahí conocí. Pero mejor, les platico con fotos...
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¿DÓNDEFILOSOFAR?2013Abril\\México
Las apariencias engañan...
Por| Juan Borbolla
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rida Kahlo, una de las artistas mexicanas más conocidas en el mundo, no solo es un icono del arte, sino que también ha sido y es una inspiración dentro de la moda; gracias a su creatividad y personalidad única. “Las apariencias engañan” (exhibición que corre a cargo de la revista Vogue) se muestran por primera vez una serie de prendas que le pertenecieron a Kahlo, como vestidos, joyas, zapatos y hasta aparatos ortopédicos, ya que hasta hace poco fueron descubiertas dentro de la Casa Azul. Situación que da la oportunidad de conocer más de cerca a esta emblemática artista. La exhibición esta conformada por cinco salas, en las que se puede ser testigo del estilo de Frida, y de cómo además de plasmar sus ideas en pinturas o escritos; también lo hizó con su vestimenta. Esto la llevo a ser identificada por el típico vestido de tehuana que adopto por dos razones: •Con este largo vestido, intentaba cubrir sus imperfecciones físicas, y •Como símbolo de su independencia femenina; ya que este vestido es un atuendo típico del Istmo de Tehuantepec (localizado en el estado de Oaxaca). Donde la sociedad es dominada en su totalidad por las mujeres. En una de las salas llamada “Discapacidad: Un cuerpo menos que perfecto”, se pueden admirar los aparatos ortopédicos que la artista usaba y que ella misma personalizaba.
Pintando sobre ellos y adornándolos, como es el caso de los zapatos especiales, que utilizó a causa de una enfermedad que la dejó con una pierna más corta que la otra. También los corsé que se vio forzada a llevar después del accidente automovilístico que tuvo a los 18 años. En la última sala se encuentran colecciones de distintos diseñadores que inspirados en la vida y obra de Frida Kahlo, reinterpretaron y tomaron elementos de ella para crear diferentes atuendos.
No te quedes con curiosidad de saber más sobre el singular estilo de Frida y visita esta sala temporal, que aún sigue abierta al público y así será hasta cumplir un año en Noviembre. Además, cada cinco meses se estarán cambiando los vestidos exhibidos; aún tienes tiempo para visitar la Casa Azul utopíachilanga.com.mx 043
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