mu j i muj i Arte y DiseĂąo
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ARTE Y DISEÑO
contenido
Arte y diseno -La rebelión de los robots y los donuts -Surrealismo pop: los mundos oníricos de Sara Sanz -Obras de arte clásicas -Mundo de magia y surrealismo -Entre los pintores flamencos y la ciencia ficción -Minimalismo en blanco, negro, rojo y papel
Arquitectura -Claustrofobia arquitectónica en Hong Kong -La muralla roja, un sueño de arcilla -Acampando con glamour -Arquitectura a pequeña escala -Arquitectura educacional -Proyectos que unen belleza y ecología -Si tu casa cambia a lo largo de las décadas -Paseos arquitectónicos por Barcelona B
contenido
Moda -Todo empezó con la 080 Barcelona -¿quién dijo música? -TENKEY VS RIPLEY -Lander Urquijo, un dandy en París -surrealismo de última generación
Fotografia -surrealismo de última generación -la figura femenina como poesía visual -gravedad inexistente -la familia y las cuatro estaciones
carta editorial la revista fue realizada con inspiracion en el video teorias de el grupo te quieroclub, trata de ser simple pero a la vez no tanto. Es una revista de arte y diseĂąo, la cual te llevara a saber sobre distintos temas relacionados con ello. conoceras artistas actuales y te llegaras a encontrar con temas que te interesaran en conclusion espero que sea de tu agrado, gracias.
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la rebelión de los robots y los donuts A sus 55 años, Eric Joyner pertenece por mérito propio a esa limitada lista de pintores e ilustradores con entidad propia. El californiano ha perpetrado un universo paralelo dominado por robots vintage y rosquillas gigantes (atento, Homer) que incluso ha metido la cabeza en la propia cultura popular.
Esta dimensión paralela -inspirada en la historia real de su abuelo, quien murió a causa de una explosión en su horno de donuts a principios del siglo pasado- narra un conflicto social y económico en torno al aceite (su combustible) y el azúcar (¿cuánto hay de metáfora y cuánto de ciencia ficción pura en todo esto?). Aunque es difícil seguir el hilo narrativo de su propuesta, quizá por falta de contexto en las aventuras de estas máquinas autosuficientes, sí que es palpable un recorrido estético continuista, con referencias claras al impresionismo, el pop-art y el surrealismo; véanse por ejemplo las apariciones de marcas como Kellogg’s, escenas de películas como Apocalypse Now o personajes como Drácula o Hello Kitty. Como curiosidad en una ya larguísima trayectoria, además de haber puesto imagen a videojuegos clásicos de Electronic Arts o haber colaborado con empresas de juguetería como Hasbro o Mattel, los óleos de Joyner han formado parte en reiteradas ocasiones de la escenografía de una de las comedias más particulares que han transitado la televisión internacional en los últimos años, The Big Bang Theory. Y no, este dato no es ningún… Bazinga!
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Surrealismo pop: los mundos oníricos
Sara Sanz Sara Sanz trabaja la técnica de la aerografía, utilizando pinturas acrílicas pulverizadas que crean un universo vaporoso y delicado. Pinturas pop con la intención de mostrar que la vida, aun con sus luces y sus sombras, es fascinante y abrumadora a partes iguales; y esa dicotomía hace del mundo un lugar del que merece la pena hablar.
Heroínas de cuentos imposibles, mezcla de inocencia y crueldad contenida. En las ilustraciones de Sara Sanz comprobamos esa delgada línea del lowbrow que se mueve entre lo amable y lo perverso, lo intimista y lo biográfico, sensaciones y pensamientos que van desde el miedo a la ironía, de la alegría al llanto, de la desorientación a la autoafirmación del “yo”.
Cuervos, serpientes y demás alimañas se convierten en personajes que abandonan su carácter secundario para ensombrecer aún más la escena, una revisión de mitos y supersticiones ancestrales que perduran a lo largo de la historia para dar origen a una imaginería actual. Voodoo es su nueva serie, que estará expuesta en la Galería Combustión Espontánea madrileña del 14 de mayo al 19 de junio. Con ella se adentra en un mundo más oscuro: la santería afro-caribeña, los juicios de Salem y la revisión de los rituales paganos. Todo, por supuesto, en tono pop.
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obras de arte clásicas hechas pedazos
Nick Smith
Todos los profesionales de la industria del diseño y el arte conocen la importancia de seguir las guías de color Pantone a la hora de realizar sus trabajos creativos. Pero el artista visual británico Nick Smith, con su destreza en diseño, da un paso más allá y emplea esas tonalidades para crear obras con mucha imaginación. Smith utiliza las muestras de color de Pantone como pequeños pixeles. Un método simple pero ingenioso, con el cual logra recrear las obras de arte más famosas del mundo. Visualmente atractivo e icónico, Smith nos demuestra hasta donde llega el arte con la digitalización del mundo y personajes famosos como Van Gogh, Marilyn Monroe o la Mona Lisa, pueden ser comprimidos en trozos de colores Pantone. Del arte clásico al siglo 21.
Nick Smith nació en Escocia pero toda su vida la ha desarrollado en Londres, donde se formó como diseñador y trabajó como interiorista. Actualmente, Smith está dedicado por completo al arte, y ahora, hasta el 20 de Febrero de 2015, parte de sus obras se recogen en una exposición denominada “Psycolourgy” en la galería londinense Lawrence Alkin Gallery.
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un mundo de magia y surrealismo Quint Buchholz Desde 1979, el artista alemán Quint Buchholz ha ilustrado cientos de libros infantiles y juveniles para editoriales alemanas e internacionales, muchos de ellos se han publicado en más de veinte idiomas y ha recibido numerosos reconocimientos.
Quint es conocido principalmente por sus espectaculares diseños de cubiertas para libros y cartelería. En sus pinturas, emplea la técnica del puntillismo, lo cual dota de cierto realismo a cada estampa. Sus ilustraciones recuerdan a las de David Hockney, al juego de imágenes de Magritte y al realismo de Edward Hopper, unas composiciones de colores y formas que nos trasladan a un mundo de surrealismo lleno de elementos extraños, en los que hay que detenerse sin prisas, observando con calma cada detalle.
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Nacido en Stolberg (Alemania), aunque estudió Historia del Arte y posteriormente Bellas Artes en Münich, Quint Buchholz también escribe e ilustra sus propios textos infantiles: Duerme bien pequeño oso, una obra llena de entrañables y mágicos dibujos y un sugestivo texto (con la que consiguió una gran repercusión internacional), y El coleccionista de momentos, que le reportó numerosos premios como el Bologna Ragazzi Award, el Prix Anfantaisie, y el Batchelder Award, un premio que conceden los propios niños al mejor libro infantil del año.
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entre los pintores flamencos y la ciencia ficción
Jacek Yerka Las nuevas tecnologías han facilitado a los creadores su oficio. Con la llegada de la ilustración digital, las obras cobran inmediatez y practicidad. ¿Imagináis a El Bosco desarrollando a día de hoy una de sus inenarrables composiciones pictóricas?
El artista polaco Jacek Yerka (1952) conserva el influjo de esos grandes pintores flamencos; de Jheronimus Bosch a Jan van Eyck pasando por Pieter Bruegel, el barroquismo y el lujo en el detalle de los maestros norteeuropeos ha sido determinante en su desarrollo. Frente a toda una generación de creadores digitales, Yerka conserva el lienzo como método, incorporando a las técnicas hiperrealistas de los siglos XV y XVI todo un universo onírico que roza la ciencia ficción. De ahí que su trabajo, galardonado internacionalmente (en 1995 se hizo con el prestigioso World Fantasy Award), sirva de inspiración continua para numerosos artistas del cine y las letras. A continuación, una selección de sus mejores obras -y esto es mucho decir-.
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minimalismo en blanco, negro, rojo y papel Lazaro Totem
Lázaro Totem, creativo publicitario durante dos décadas, decidió hace tan solo tres años dejar esa profesión para dedicarse al dibujo y la ilustración. Pero, ¿por qué lápiz y papel?
Su padre era de los que sólo dibujaban a mano, publicista de los de antes, un artesano que no usaba las herramientas digitales, así que desde muy pequeño Lázaro Totem se ha sentido fascinado por las diferentes técnicas artísticas. Pasó años trabajando en formato digital, el dibujo ha formado parte de su vida desde siempre, por lo que tomó la decisión de cambiar de profesión y pulir una técnica que se basa en algo tan humilde como el papel y el lápiz, con la movilidad que conlleva el bloc y el carboncillo; cualquier sitio le permite trabajar en su obra con cierta comodidad. Lázaro Totem busca una vuelta a la realidad palpable de los materiales artísticos de siempre, sintiendo la obra en contacto con la materia de la que surgen sus imágenes. Admira a los grandes del dibujo que poblaban las publicaciones de la gloriosa década de los ochenta (Totem, Zona 84, etc…), artistas que trabajaban exclusivamente en formato analógico, retratistas de un cambio de época.. Al ilustrador madrileño dibujar en papel le recuerda a la infancia, a las horas perdidas en el estudio de su padre, la magia del lápiz, la sensación de dejar una huella que se puede tocar y las calidades de los materiales en la obra final. Lázaro Tótem se mancha las manos, en rojo, blanco, negro. Y en papel.
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ARQUITECTURA
claustrofobia arquitectónica en Hong Kong Michael Wolf
La superpoblación es un hecho con cifras tan veraces y aplastantes que asustan y alarman a partes iguales… y al hablar de superpoblación, lo primero que nos viene a la cabeza es, sin duda, el continente Asiático. - Michael Wolf
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El proyecto Architecture of Density del alemán Michael Wolf representa de forma abstracta las interminables repeticiones de patrones arquitectónicos que, vacíos de presencia humana, transmiten a la perfección esa sensación de ahogo y de aprovechamiento enfermizo del espacio del que disponen para vivir los habitantes de Hong Kong. Excluyendo tanto el cielo como la tierra en el encuadre, Wolf consigue dar importancia a los juegos visuales que forman las líneas y colores de cada uno de estas gigantescas comunidades de vecinos. Una terrorífica visión de la convivencia en los grandes núcleos urbanos.
ARQUITECTURA
La muralla roja, un sueño de arcilla Ricardo Bofill Quizá para muchos el nombre de Ricardo Bofill haya quedado inexorablemente unido al mundillo de la prensa rosa. Pero lo cierto es que, por encima (en el árbol genealógico) del personaje del corazón, se encuentra un afamado arquitecto del mismo nombre que en 1973 se atrevió a firmar La Muralla Roja
La muralla roja es un espectacular complejo de apartamentos en la costa de Calpe (Alicante) que nada tiene que ver con la norma del ladrillo y el mal gusto que plaga nuestras playas desde el boom de la construcción a finales de los 90. Con un desarrollo geométrico que evoca constructivismo y con referencia a las torres de adobe del norte de África, nos traslada
a un espacio común en el que vivir rodeado de colores y formas simples y donde el juego visual es infinito. La pregunta que nos hacemos es ¿se debe dar rienda suelta a la creación de espacios oníricos en la realidad? Nuestra respuesta es un contundente sí, una excelente manera de mantener vivo el arte gracias a nuestras creativas y soñadoras mentes.
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ARQUITECTURA
acampando con glamour Glamping Quizá no has oído hablar aún de esta nueva modalidad de acampada, pero no dudamos que en breve querrás unirte a ella. Para los que rechazan dormir en el suelo, en tiendas de campaña y con pocas comodidades, llega el ‘glamping’; la unión de ‘glamour’ y ‘camping’ forma este nuevo término que permite acaparar un público mayor con su gran oferta de ubicaciones y vistas inmejorables.
Su definición se podría simplificar como acampar en plena naturaleza con todas las comodidades que encontrarías en un hotel. Así que todos aquellos que os neguéis a dormir en una cama compartida puntualmente por insectos o a soportar temperaturas no deseadas pero que sí queréis hacer actividades en la naturaleza, ya no tenéis excusa. Las opciones más típicas que encontraremos son tipis, yurtas o lodges equipados con cómodos lechos y un baño privado que no tendrás que buscar a media noche con linterna en mano. Y si necesitas otra tipología de alojamiento, no desistas, existe una amplia variedad que va desde caravanas de lujo o cabañas hasta cuevas, iglús, villas y muchas más. Una de las webs que más facilidad ofrece para encontrar tu destino favorito es glampinghub, la única empresa española que abarca alojamientos a nivel mundial y donde encontrarás toda la información que necesitas conocer sobre esta nueva forma de acampada. A continuación, una pequeña selección de ofertas para que empiece a convencerte esta idea.
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ARQUITECTURA
Arquitectura a pequeña escala: ICD ITKE Research Pavilion
El Instituto de Diseño Computacional (ICD) y el Instituto de Estructuras de la Edificación y Diseño Estructural (ITKE) de la Universidad de Stuttgart han completado un nuevo pabellón de investigación que demuestra las técnicas de fabricación textil robótica para láminas de madera segmentadas. El pabellón es el primero de su tipo en emplear la costura industrial de elementos de madera en una escala arquitectónica.
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ARQUITECTURA
Arquitectura educacional: Frederiksvej Kindergarten El proyecto tiene como objetivo crear un pequeño montaje de aldea para los niños, rompiendo con el ambiente a gran escala de guardería tradicional. La atmósfera de pueblo a pequeña escala se consigue dividiendo el edificio en 11 pequeñas casas adjuntas con orientaciones diferentes. Los diversos programas de juego se centran alrededor de dos jardines de invierno que dieron lugar a estos pequeños espacios individualizados donde los niños pueden establecer sus propios nichos de juego dentro del edificio.
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ARQUITECTURA
proyectos que unen belleza y ecología Xavier Vilalta Tras años proyectando edificios, destacados por combinar tradición e innovación, el arquitecto catalán Xavier Vilalta se lanza hacia nuevos terrenos y sorprende diseñando una cortina totalmente ecológica, la Ecortina. Otra de sus creaciones destacadas fue un hotel de lujo en Brasil, donde la prioridad fue no perjudicar el entorno; huella cero, en palabras de Vilalta. Un hotel inspirado en la forma de la naturaleza, basado en fractales, para el que se realizó un estudio de los materiales propios de la zona, el clima y la arquitectura tradicional, uniendo ciencia y sentimiento además de, como los propios indígenas, intuición. A lo largo de la charla nos rodea una preciosa luz, estilo vidriera, que nace de unas cortinas blancas de un material indefinido; la pregunta se hace imprescindible. A Vilalta le apetecía explorar e investigar otras opciones, unir belleza, ecología y sostenibilidad pero sin olvidar el diseño. Un día se planteó llevar esta visión al mundo de los muebles y la decoración, con un elemento añadido: integrar vida en forma de plantas. De ahí surgió Ecortina. “Al final es lo mismo que hago cada día pero plasmado en un producto. La ecología se ha convertido en una necesidad y la gran solución a un problema“.
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“Quería unir belleza y ecología. A veces pensamos que lo ecológico no puede ser bonito, pero puede llegar a ser una verdadera obra de arte.”
Xavier Vilalta
ARQUITECTURA
“Vamos a ser ecológicos, pero ecológicos con sentido”
Xavier Vilalta
Una cortina hecha con una mezcla de papel y plástico reciclado. No es una maceta, lo que la diferencia es que integra la naturaleza en la decoración. Cubre muchas necesidades en un solo elemento, lo puedes volver a reciclar -puesto que es recortabley usarlo como pequeño huerto en la cocina, como zapatero, vidriera, botellero, separador de espacios, escultura. Además es impermeable. “A mí lo que me interesa es ver cómo la gente lo va a ‘reinterpretar’, eso ocurre cuando has hecho un buen producto“. Para ello han creado una cuenta de Instagram, intentando conse-
guir esa reciprocidad y conocer las ideas de los usuarios, ya que para el arquitecto también era prioritaria la belleza del producto.
tra infancia, plantar judías en un bote con algodón, de una forma moderna, limpia, organizada y con conciencia.
Vilalta no olvida la parte eco de este nuevo proyecto y ya tiene relaciones con diferentes escuelas para implantar Ecortina for education, una iniciativa para que los niños aprendan a plantar y se acerquen a la naturaleza, su pequeño huerto al que pueden poner sus nombres, personalizar y del que pueden ocuparse dentro de las aulas. Consigue modernizar así lo que todos hemos hecho alguna vez en nues-
En un futuro, la idea de Vilalta es hacer cortinas personalizadas con distintos colores e hidrogel en sustitución de la tierra, para que plantar sea una experiencia a la vez que un elemento decorativo. Próximamente tendrá lugar la presentación oficial en una galería de arte de Barcelona donde artistas invitados pintarán sobre ellas, además de anunciar su próximo proyecto, una lámpara de flores naturales.
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ARQUITECTURA
Si tu casa cambia a lo largo de las décadas ¿ Por que no la iluminacion ? Este es uno de esos casos en los que la publicidad resulta tan efectiva como el propio producto que se pretende vender. Philips representa en poco más de un minuto lo mucho que han cambiado nuestros hogares desde la invención de la bombilla… Y lo poco que ha cambiado la propia bombilla.
La firma tecnológica con sede en Países Bajos pone a nuestra disposición un gran salto cualitativo en lo que a la iluminación de nuestros hogares se refiere, gracias al rediseño de la bombilla clásica, para adaptarla a los nuevos sistemas tecnológicos. Un nuevo concepto de iluminación wireless que nos permitirá modificar los distintos parámetros lumínicos de nuestras estancias a través de control remoto. La gracia del asunto, en este caso, no es el producto en sí, que también, sino el estupendo timelapse que acompaña la pieza publicitaria. Puro ingenio.
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ARQUITECTURA
Paseos arquitectónicos por Barcelona BAW A través de la propuesta que Miel Arquitectos presentó hace alrededor de un año, podemos conocer Barcelona desde un punto de vista más arquitectónico mediante visitas turísticas a los sitios más representativos de los principales maestros catalanes: Enric Miralles, Antoni Gaudí e Ildefons Cerdà.
BAW.1 Enric Miralles
Son 3 paseos diferentes dirigidos por arquitectos con andar crítico y posición contemporánea, con la principal intención de mostrarle al público la ciudad de Barcelona, altamente recomendados por su riqueza de contenido y conocimiento sobre cada una de las obras, por un precio de unos 25 euros por cada tour de aproximadamente 2 horas.
Es considerado como el arquitecto español de su generación con más proyección internacional. Murió en el año 2000 a causa de un tumor cerebral sin poder ver acabadas varias de sus mejores obras que estaban a punto de empezar.
“La BAW.1 es un viaje sosegado desde los cimientos de Barcelona, hasta la realidad actual, acompañados por las ideas y modos de operar de ENRIC MIRALLES, malogrado genio que junto a BENEDETTA TAGLIABUE diseñaron una de las más brillantes obras de arquitectura de esta ciudad, El MERCADO de SANTA CATERINA.”
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ARQUITECTURA
Paseos arquitectónicos por Barcelona
BAW
BAW.2 Antoni Gaud
Fue el máximo representante del modernismo catalán. Con su gran capacidad para ver sus obras tridimensionalmente en su cabeza, realizaba hasta el más mínimo detalle en ellas, personalizándolas con su sello, con su exquisitez a la hora de esculpir hasta el pomo de una puerta. La obra de Gaudí es una búsqueda constante de la perfección del arte, de la perfección personal y de la perfección de la sociedad humana.
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“La BAW.2 es el retrato de ese sueño sinuoso que llevó a Gaudí desde su inquietud por lo social, en una Barcelona en plena expansión metropolitana, hasta su inmersión en lo divino, viendo en la monumentalidad la síntesis final de lo arquitectónico y convirtiéndose así en “el último constructor de catedrales”
ARQUITECTURA
BAW. 3 Ildefons Cerd
Fue un urbanista, ingeniero, jurista, economista y político. Reconocido por ser el creador del Ensanche de Barcelona cuando en 1859 se aprobó su proyecto, creando con ello la nueva ciencia de la urbanización y el comienzo de la actual Barelona,.
“Con la BAW.3 viajaremos al origen de las líneas maestras que trazó Ildefons Cerdà sobre el plano de Barcelona, aquella malla cuadrangular de 133×133 m sin límites ni jerarquías ni periferias que ha otorgado a Barcelona la condición de ciudad racional y avanzada tanto técnica como socialmente.”
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MODA
Todo empezó con la 080 Barcelona El verano significa tres cosas: vacaciones, playa y, para los más fashionistas, 080. Como no podía ser de otra manera, la pasarela más internacional de Barcelona volvió con su edición veraniega para presentar las nuevas propuestas de nuestros diseñadores.
Con muchos rostros conocidos, tanto encima como al pie de la pasarela, la 080 Barcelona fue una nueva oportunidad para apuntarse aquellos nombres que, detrás de cada marca, se están haciendo un nombre en el mundillo del diseño de moda. Y lo decimos así, en diminutivo, porque, aunque sea inmenso, poner un dedo en él cuesta de verdad. En un espacio tan competitivo como en el que vivimos, nada se puede dejar al azar, y el esfuerzo en esta profesión deja de ser algo puntual para convertirse en el compañero para el resto de la vida. Porque cuesta llegar a la cima pero, una vez estás en ella, no puedes relajarte. Los más pesimistas ya lo dicen: cuanto más alto subas, más te va a doler la caída. Y es que no estamos hablando por hablar: así como los grandes diseñadores se han ganado su marca con mucho tesón, trabajo y talento, nuestros jóvenes españoles deben seguir el mismo camino, aunque aquí lo tengan mucho más difícil. Las oportunidades son mínimas, y las ayudas a los diseñadores emergentes, ridículas, por lo que construirse un futuro en la moda española es casi misión imposible. Por eso admiramos tanto acontecimientos como la 080 Barcelona, que no sólo es uno de los eventos de moda más importantes y reconocidos de España, sino que, además, es un trampolín muy importante para esas promesas que tienen tanto que ofrecer más allá de nuestras fronteras.
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Lugares en los que, por cierto, los desfiles están en lo más alto en cuanto a reconocimiento. Que tire la primera piedra quien no haya hojeado nunca los front rows de las Semanas de la Moda de París, Milán o Nueva York. Alta costura para todos (al menos, durante un instante). Y es que casi todos saben de qué hablamos cuando mencionamos esta moda y, afortunadamente, cada vez les interesa más cuando los españoles nos quedamos “jugando en casa”. Porque seamos sinceros: hasta hace poco, nuestra mejor baza en el asunto era la Pasarela Cibeles (ahora MBFWM) que, aunque perfecta, no debería ser la única representante en este sector. Y volvemos a la 080: es tan real como la vida misma, y viene con tanta fuerza que no debería contemplar la Semana de la Moda de París desde lejos y como una meta inalcanzable. Y aunque somos conscientes del abismo que existe por ahora, no quita el potencial con el que está arrancando, tímidamente, el negocio de las pasarelas en nuestro país. Que tenemos a Custo y Desigual, pero también a CarlotaOms (la ganadora del premio a la mejor diseñadora emergente de esta última edición, por cierto), a Celia Vela o a Brain&Beast, con todo por hacer y todas las posibilidades para hacerlo.
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Coachella ¿quién dijo música? Empieza el calor, los días de sol, fiestas al aire libre… y los conciertos multitudinarios. Uno de los más conocidos por estas fechas es Coachella, un lugar donde nadie sabe quién toca pero sí quién viste a las celebridades. El sitio para ver pero, sobre todo, para ser visto.
Hablamos de flecos kilométricos, botas mosqueteras, ombligos al aire y sombreros de alas desproporcionadas. El look boho-chic se pasea en todas sus versiones, que ni por asomo están descuidadas lo más mínimo. Y es que Coachella resulta ser un segundo carnaval, un evento más esperado por los estilismos que por los conciertos. De hecho, se trata del único festival de música en el que se habla de todo menos de música. Sólo hay que mirar las noticias: la invasión de actores, modelos y estrellas del sector ha hecho que lo único que saquen los medios sean listas con las mejor y peor vestidas, y resulta difícil encontrar menciones sobre los conciertos, la ambientación o demás datos útiles del acontecimiento. Y si lo hacen, será para hablar de David Guetta, que es de los pocos que sirve para vender ejemplares, en lugar de cabezas de cartel como Drake o Tame Impala. Hay quien coincide en que la afluencia de esta gente, que busca el flash fácil y la fiesta a todas horas, ha deteriorado el espíritu y la vertiente más cultural del evento. Y no es para menos: Coachella nació en los años 90 en señal de protesta contra el monopolio de Ticketmaster por la venta de entradas en el sur de California. Gracias a su éxito, pasó de concierto alternativo a acontecimiento artístico de culto, construyéndose un nombre y ganándose un respeto. Y a partir de aquí, todo ha ido a peor: el aluvión de celebrities ha incrementado el número de asistentes, es cierto, pero también ha encarecido los precios y ha alterado su naturaleza abriendo la puerta a una música mucho más dance y comercial.
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A día de hoy, Coachella no es arte, es cotilleo, y que se considere un evento musical raya en lo ridículo. Es, ante todo, el lugar idóneo para ver tendencias, enemistades y nuevas parejas de golpe y porrazo. Por desgracia, todo el mundo lo sabe, y eso lo ha convertido en un espacio en el que poder lucrarse. Independientemente del precio de las entradas (que tampoco es para ningunearlo, ¡ojo!), los famosos buscan rentabilizar su caché y las empresas hacer negocio. Las de moda, por supuesto, que de música ya hemos aclarado que hay poca. Su invasión es arrolladora: muchas marcas pagan a los rostros más conocidos para que lleven sus prendas, y H&M ya ha sacado una colección oficial con la colaboración del festival. De momento estamos en el ecuador, de modo que todavía nos aguardan más looks (y, aunque no lo parezca, algún que otro concierto) este fin de semana. Estad atentos, porque si queréis echaros unas risas, los hay que no tienen desperdicio. O mejor no: ese tiempo que habréis ganado para hacer algo de provecho.
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MFshow TMen ENKEY VS RIPLEY
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En un escenario como el ático del COAM de Madrid, los diseñadores de la firma TENKEY presentaron sus propuestas para la próxima temporada estival.
Inspirada en la película de Anthony Minghella El talento de Mr. Ripley, reconocida por su estética visual y vestuario, en esta colección resaltan los patrones clásicos con un aire más relajado, shorts muy cortos y un estilo “new traditional” incluso para el verano. Además de colores lisos también se han atrevido con estampados de flores, cuadros vichy, lunares y rayas marineras en pañuelos, polos, camisas y pantalones. Logran recuperar las siluetas y motivos masculinos de los 60 trasladándolos al momento actual mediante matices sport.
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MFShow Men Lander Urquijo, un dandy en París
Como un James Bond después de una de las suyas, comenzaron desfilando los modelos en tuxedos de Lander Urquijo para la próxima primavera/verano…
Propuestas más estructuradas al comienzo del desfile que se fueron desvaneciendo para dar paso a una sastrería mucho más liviana gracias a la transposición de tejidos propios de la camisería en chaquetas y pantalones. Toda una paleta de colores que va desde los colores más sobrios, negros, azules y grises hasta los más alegres amarillos, corales y morados, e incluso apuestan por estampados florales y motivos como coches clásicos o postales de playas lejanas. Para vestir a estos Dandys desenfadados del 2015, no podían olvidarse del chaleco y los grandes pañuelos al cuello, ambos prendas centrales en gran parte de los looks. Esta firma española, que ya cuenta con tienda propia en París, ofrece en esta última colección looks para todos los momentos del día, jugando para ello con las texturas y los colores de sus prendas.
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Brian Oldham surrealismo de última generación
El avance de la tecnología, el retoque digital y, en general, el acceso ilimitado a la información, ha permitido a toda una nueva generación de creadores desarrollar su instinto visual. Es el caso del jovencísimo Brian Oldham, un avanzado alumno de la “escuela” surrealista.
A sus 17 años, comenzaba su andadura en la fotografía con el proyecto 365 días. A pesar de su falta de técnica y sus escasos conocimientos en la materia, Oldham conseguía captar al espectador (en su mayoría, nativos 2.0) con sus escenas oníricas y su altísima sensibilidad. Ahora, un quinquenio después, el estadounidense se muestra mucho más seguro, sus instantáneas ofrecen escenas exquisitamente construidas a través de múltiples exposiciones y capas de rediseño digital con un componente orgánico común: la naturaleza; un personaje más que habitual e indispensable en sus historias, cargadas de dramatismo y cierto componente enigmático. La interacción con el entorno, la soledad o el desafío a la gravedad son también elementos recurrentes en el encuadre, cuyo foco suele estar en el punto medio, creando además de un estilo reconocible, un juego con las simetrías que ofrece mayor contundencia a las imágenes. Hacemos un repaso a algunos de sus mejores trabajos, con la absoluta certeza de que el aún adolescente, nativo de California, va a ocupar un lugar fundamental en la escena fotográfica de los próximos años.
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Can lDagarslani a figura femenina
como poesía visual El artista turco Can Dagarslani descubrió su pasión por la fotografía en sus largas horas de formación en arquitectura, una disciplina que está muy presente en su estilo junto con la influencia del trabajo del cineasta Jean-Luc Godard.
Ahora presenta su nuevo e inspirador proyecto Identities, una serie de fotografías que explora las similitudes y las diferencias de dos chicas, en un juego de escenas y posturas. Mujeres inseparables, estáticas, posando inanimadas ante la cámara del artista, dejándose llevar a veces delante de paredes totalmente blancas y llenas de luz, y otras, interactuando con objetos con un claro diseño bauhaus. Retratos expresivos de unas mujeres convertidas en poesía. Esas figuras femeninas, desnudas y en concordancia con el espacio y el surrealismo de la imagen, dan vida a sus fotografías, obtenidas en formato analógico, creando composiciones simétricas en las que, a veces, los dos cuerpos se funden en una sola identidad extrañamente natural. Dagarslani hace un uso racional de la luz natural y los detalles de color en algunos de los objetos que forman parte de la escena, dejando instantáneas que funcionan como fragmentos de una historia que difícilmente podría ser contada en palabras.
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Ankag r Zhuravleva, avedad inexistente Criada entre pinturas y dibujos, con una vida personal marcada por el dolor, la rusa Anka Zhuravleva, de 35 años, es, hoy en día, una de esas fotógrafas que llenan de alma cualquiera de sus trabajos. Ha sido tatuadora, rockera, modelo de desnudos y amante apasionada. Ahora, quizás, se balancea más entre el silencio y el romanticismo… Su vida se interrumpe bruscamente en dos ocasiones, y su obra así lo transmite: con la muerte prematura de su madre y con su enamoramiento instantáneo del músico Alexander Zhuravlev. Sus fotografías pasan de puntillas por la fina línea que las separa de grandes obras pictóricas. Sin duda, uno de sus proyectos más conocidos es Distorted Gravity, o cómo demostrar que una simple habitación puede transformarse en un entorno onírico donde sus protagonistas yacen suspendidos en el aire. Recrea posturas de ensueño y retoques mágicos, tanto que nos parece que seguimos soñando. Nos frotamos bien los ojos y seguimos conociéndola. Distorted Gravity forma parte de su vida desde 2006 y está protagonizado, casi en su totalidad, por mujeres. ¿La excusa? Retratar a féminas enamoradas, leyendo, paseando, soñando… Recrear el mundo real como si fuera un cuento en el que la gravedad no existe. El ambiente onírico se tiñe de fantástico y la imagen recibe pinceladas de óleos y pinturas. Sin duda, un sueño hecho en realidad con la delicadeza justa de su procesado y tratamiento.
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Elenal aShumilova familia y las cuatro estaciones
La familia ideal. Con esta frase podríamos sentenciar el trabajo de la rusa Elena Shumilova. Madre de dos hijos, su familia es su inspiración y sus hijos los protagonistas de un mundo nuevo, que ella misma diseña cada noche.
La fotógrafa presenta su trabajo de una manera sencilla y tremendamente ordenada: cuatro estaciones, cuatro ocasiones diferentes de jugar con la luz. Pese a los colores naturales, luces suaves y paisajes rurales, sus imágenes tienen cierto punto de irreales, de mágicas. Es innegable su retoque, su recreación informática, pero de nada serviría si el instante no fuera justo ese. Ella misma asegura que se basa más en la intuición, en ese ojo capaz de ver más allá. Shumilova es familia, pero sobre todo es luz. Amor de madre y pasión de fotógrafa, puede ser. Una manera idílica de entender esta relación.
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