Revista 021

| Nº01 | Marzo 2012 | €1,50 |

REPORTAJES CASA DA MUSICA LONDRES 2012

ENTREVISTA

Stefan Sagmeister

ESTUDIOS Vasava Pentagram Ars Thanea The Designers Republic Fotomatones Mario Esquenazi Erik Spiekermann Carlos Rolando Enric Jardí Javier Mariscal Laura Meseguer

SUmario

Diseñadores

Staff Editor Billy Walsh billy@ceroveintiuno.com Business Manager Ariel Goldstein arigold@ceroveintiuno.com Print Media Manager Eduard Vedder eddie@ceroveintiuno.com Diseño Mariano Cabral macm@ceroveintiuno.com Publicidad y Marketing Chester J. Lampwick chesjl@ceroveintiuno.com Suscripciones Dan Taylor ltdan@ceroveintiuno.com Distribución Editorial Orsai casciari@ceroveintiuno.com www.ceroveintiuno.com facebook/ceroveintiuno twitter/ceroveintiuno

4-5 Paul Rand 6-7 América Sánchez 12 Antonio Herráiz 16-17 Joshua Davis 18 Neville Brody 19 Isidro Ferrer 24-25 Milton Glaser 36-37 Paula Scher 38-39 Nando Costa 40-41 David Carson 42 Claret Serrahima 43-45 Saul Bass 46-47 Kyle Cooper 48-49 Óscar Mariné 50-51 Alex Trochut 52-53 Peter Behrens 54 Pati Núnez

REPORTAJES

13-15 Casa da Musica 32-33 Londres 2012 ENTREVISTA

26-31 Stefan Sagmeister ESTUDIOS

8-11 Ars Thanea 20-21 The Designers Republic 22-23 Vasava 34-35 Pentagram

FOTOMATÓN 56-57 Mario Esquenazi 58-59 Enric Jardí 60-61 Javier Mariscal 62-63 Laura Meseguer 64-65 Carlos Rolando 66-67 Erik Spiekermann

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diseñadores

Paul Rand Nacido como Peretz Rosenbaum, el 15 de agosto de 1914. Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido, en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo.

D

esde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida. Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932), el Parsons School of Design (1932-1933) y el Art Students League (1933-1934). Fue Director de Arte de la revista Esquire (1935) y de Apparel Arts -GQ- (1941) y de las portadas para el Directions Cultural Journal entre 1938 y 1945. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites.“Piensa en términos de necesidad y función.”

Rand se destacó en el diseño editorial. Fue también recordado, por uno de sus empleados como la persona con “peor genio en el mundo”. Rand puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño, derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo, y aun a pesar de las idas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio. Más que ser un gruñón fue un revolucionario del diseño en Estados Unidos, gracias a su trabajo, que comenzado como un oficio, terminó como toda una profesión. Fue un gran defensor, líder y hasta inspiración del movimiento modernista, el cual era casi una religión para él. Un buen ejemplo a retratar es el siguiente: “Durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Otra de sus frases célebres, es: “Hay una gran diferencia entre diseño abstrac4

to sin contenido y diseño abstracto con contenido.

Fue también Se puede ser un gran marecordado, nipulador de la forma, por uno de pero si la solución no es la sus empleados más apta, no tiene senticomo la do”. (1938, cuando descripersona con bía las “tapas” o portadas, “peor genio en de la revista Direction). el mundo” Utilizando ésta simplicidad del modernismo, y con el uso geométrico limpio de espacio en blanco, creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más reconocibles, como

IBM, Westinghouse, United Parcel Service, American Broadcasting Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite), reconocidos

en todo el mundo.

Fue autor de varios libros sobre diseño. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut.

Rand siguió el camino del diseño en gran parte hasta los noventa.

En 1984 le concedieron la medalla del Type Director´s Club presentándolo como a uno de quienes “han hecho contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía”. Rand fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame en 1972. Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro. ■

dise単adores

Carteles para diversas exposiciones. Identidad corporativa de IBM. Portada de la revista Esquire (1969).

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diseñadores

América Sánchez buenos aires - 1939

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diseñadores

Dibujo de una semilla de calabaza para "En el jardín tú también pintas"

A

mérica Sánchez es diseñador gráfico, fotógrafo y pedagogo de la imagen. De formación autodidacta, su aprendizaje estuvo marcado por la llamada Escuela Suiza a través del libro The Graphic Artist and his Design Problems de Josef Müller-Brockmann.

Se desplazó a Barcelona en 1966 donde instaló su estudio de diseño gráfico. Llegó a España cuando la palabra “diseño” aún no existía después de pasar por los estudios Agens y Casa Muñoz de Buenos Aires.

Entró directamente por la puerta grande. Los trabajos que traía de Agens fueron suficiente carta de presentación para considerarlo una figura. Desde entonces viene realizando una labor muy influyente y reconocida en los campos de la identidad institucional y corporativa, de la gráfica cultural y comercial, del cartelismo, etc.

Entre sus trabajos cabe citar el logotipo de la candidatura Barcelona 92, del Centenario del FC Barcelona, de la tienda Vinçon, del Museu Picasso o del Teatre Nacional de Catalunya (TNC). Con una notable aportación conceptual y visual al diseño gráfico en su haber, America Sanchez se sitúa en la confluencia de dos tradiciones culturales. Por un lado, ha explorado en la inagotable fuente iconográfica del grafismo popular, espontáneo y anónimo, básicamente de raí¬z latina, y por el otro, se ha servido del rigor y la precisión del diseño profesional de tradición europea.

Entró directamente por la puerta grande. Los trabajos que traía de Agens fueron suficiente carta de presentación para considerarlo una figura.

Así explica América su forma de entender el diseño: “Aprendí a expresar con la tipografía, a racionalizar la información leída, no la iconográfica, sino la leída. Si dijera que soy bueno, me siento como un buen locutor del diseño, porque pongo letras en su debido y correcto funcionamiento para un público determinado. Esa es la parte esencial. Después, los otros condimentos iconográficos que le pones ya son otra cosa, parte de tu talento, de tu capacidad, si te gusta, si no te gusta, si vas por un lado o por el otro, pero sobre todo por la parte tipográfica”.

Desde 1967 desarrolla su actividad pedagógica en la escuela Eina de Barcelona y en otras escuelas e instituciones.

La Biblioteca Nacional Francesa, el Museo de Aurillac, el IVAM Centre Julio González y el Museo de Bellas Artes de Houston poseen obra fotográfica suya. El Museo de Arte Moderno de Nueva York también posee varios de sus trabajos gráficos. Se le ha concecido el Premio Laus en seis ocasiones y el Premio Nacional de Diseño en 1992. ■ 7

Estudios

ARS THANEA ™

THE ART Of IMAGINATION

™

A

rs Thanea es una agencia de publicidad polaca situada en la ciudad de Varsovia, su trabajo demuestra la delicada implementación de manipulaciones fotográficas, ilustraciones digitales y trabajos de mixed media en cualquier trabajo de creativos, diseñadores e ilustradores.

Esta liderada por el polaco Peter Jaworowski, quien es capaz de hacer trabajos magníficos y con una coloración y tipografía excelente.

Ha tenido el placer de trabajar con algunas de las marcas mas reconocidas a nivel mundial, como Play Station, Oakley, Nike, Nissan o Visa. También ha sido jurado en prestigiosos concursos de diseño alrededor del mundo.

Peter Jaworowski es uno de los diseñadores en plantilla de Ars Thanea, una agencia creativa polaca especializada en dar cobertura gráfica y publicitaria a productos de alta tecnología.

Su clientela, así como el portfolio de esta agencia son dignos de mención y admirar. Ganadores de varios premios, se especializan en diseño de sitios web, ilustraciones e identidad corporativa. ■

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estudios Carteles para Polarized y PlayStation 3.

Entrevista con Pawel Nolbert: Pawel es un diseñador veterano que ha estado trabajando con la agencia de diseño Ars Thanea. Este experimentado artista ha creado unos anuncios de aspecto profesional y ahora comparte algunos consejos importantes sobre las múltiples facetas del diseño. En nuestra entrevista con Pawel, cubrimos su trabajo en la agencia, algunas de sus ilustraciones, y cómo él se ocupa de los casos en que no es creativo. Aquí hay otra gran entrevista con un artista verdaderamente talentoso.

Q. ¿Podría decirnos de dónde eres y cómo se inició en el campo? Provengo de un pequeño pueblo en el medio oeste de Polonia, donde casi nadie más que yo

estaba en el diseño gráfico. Durante los últimos dos años he estado viviendo en Varsovia, donde estoy trabajando principalmente en proyectos comerciales en Ars Thanea y sin dejar de lado algunos proyectos personales.

Q Comenzó la misma manera que lo hizo para la mayoría de la gente que lee esta entrevista supongo. Érase una vez, algo en torno a 2001, me topé con Photoshop después de un corto episodio con Paint Shop Pro, que utiliza para crear fondos de pantalla . Después de un par de clics, rápidamente descubrí que Photoshop puede hacer mucho más y mucho más atractivo.

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Estudios

Podría escribir y escribir sobre cómo se desarrolló aún más, pero estos son los principios más esenciales.

Q Muchos diseñadores prefieren a los trabajadores independientes, pero se está trabajando para Ars Thanea que es un estudio de diseño prominente, ¿Cuáles son para usted los pros y los contras de trabajar en un estudio? ¿Se lo recomienda a las próximas generaciones de diseñadores?

Podría ser algo bastante obvio que si usted trabaja en un estudio, que suelen trabajar con otras personas, que es un gran avance en sentado en una habitación solo delante de un ordenador, como lo hice cuando freelance de forma remota desde su casa durante un par de años. Si desea pulir sus habilidades, yo te recomiendo ir a una agencia en primer lugar.

En un ambiente de colaboración que recibe una gran cantidad de comentarios y puede intercambiar consejos útiles todos los días. Una de las principales cosas que puedan atraer a los diseñadores independientes es que se puede hacer mucho más dinero trabajando de esa manera por su cuenta, pero a menudo tienen que pagar una buena cantidad de noches sin dormir, ya que los plazos suelen ser débil … al menos para mí y mis hábitos de trabajo. ¿Qué sucede cuando usted pierde su creatividad para un período de tiempo? ¿Cómo lidia con ello y hace que regrese?

No hay mucho que pueda hacer para ayudarme a mí mismo en esa situación.

Para mí, como para muchos otros es algo que va a lo largo de forma sinusoidal, por lo que hay días creativos y los que más gastan en cualquier cosa menos diseño.

Sin embargo, una gran inspiración que conduce a la creatividad, así que viendo las cosas con carácter excepcional inspiración se puede mantener en un alto nivel de creatividad. Por suerte, eso es lo que hacemos todos los días, mientras que yo soy un buscador de web, extensa y cada día trae una gran cantidad de joyas.

Una gran parte del trabajo en su cartera se centra en la publicidad de diferentes empresas, en su opinión, lo que lo convierte en un buen anuncio?

Si usted está en el extremo de una ca10

dena, se deja a la vista de la producción, las cosas que hacen anuncios buenos son muy a menudo independientemente de que, si bien muchas de las comisiones cuentan con una completa conceptos, conceptos que por muchos se hacen un anuncio. Pero eso no es todo – si tenemos más o menos un concepto claro, pues lo importante es hacer que las imágenes que coinciden. A veces hay que leer la mente de las personas que están a punto de ver su anuncio, de adivinar la forma en que podría pensar sobre lo que ven, para ayudar a la idea de venderse, ya que en los anuncios muchos casos son como uno las obras de arte intrincado hecha por los creativos y directores de arte sólo para alimentar su ego artístico y no necesita el cliente.

“Dirección de Arte” es una ilustración sorprendente y colorido que primero comenzó hace 2 años, pero acaba de terminar recientemente. Por favor, hable un poco acerca de la creación de esta pieza y lo que salió en lo que es.

Bueno, tengo que decir que a medida que me hago mayor y más, me centro más en otras cosas que el diseño, además de la labor comercial. Sigo tratando de trabajar en algunos proyectos personales, sin embargo, y sale poco a poco, muy lentamente a medida que se podía ver por el ejemplo de “Dirección de Arte”. Que la ilustración me llevó – sí – casi 2 años en terminar! Tuve muchas rupturas y regresos, así que no me paso todo mi tiempo en él.

Desde los pensamientos iniciales y esbozar una, que tenía en mente dos variantes diferentes sobre cómo lograrlo. Comencé a partir de un archivo muy antiguo que se supone que es una colaboración con mi amigo, pero terminó durmiendo en mi disco duro, pero en la práctica, he usado sólo partes de los antecedentes de ese psd.

Cuando finalmente se decidió por la dirección, continué con esa imagen de acciones bonito que tenía, con una chica y un marco de imagen. Empecé forma de corte fuera muy, muy cuidadosamente.

No me gusta cuando en la ilustración, el tema principal se parece a una foto mal

estudios

Cartel para Bacardi Black.

Cartel del programa Life de Discovery Channel.

corte de algunos tabloides. Necesitaba se ha separado en los menores detalles. Como de costumbre, la parte más problemática de corte fue de pelo. Pasé mucho tiempo de cepillado manualmente la máscara de casi un solo pelo. También cambié un poco el ángulo del marco que sostenía a buscar lo más interesante. Con el tema principal, esbocé la composición principal y los elementos.

Luego pasé muchas horas en la creación de los elementos. Me refiero a la mayoría de las manos y los líquidos que se crearon a partir de muchas imágenes variadas de pudín.

Eso y las formas poco colorido cada uno de los cuales es único, tomó la mayor parte del tiempo de creación. Cuando lo tenía todo hecho, que era sólo una cuestión de poner una buena cantidad de las capas de ajuste final en la parte superior de la misma y voilla! ¿Qué grupo de habilidades cree usted que el diseñador debe tener?

Vamos a tres importantes habilidades: Composición Se necesita tiempo para elabo-

rar una buena habilidad de la composición, pero es algo que sobre todo se puede aprender, como base en algunos principios básicos.

Sin embargo, también tiene algo de sentido e intuición para crear una solución única, bien trabajando en composiciones más complejas.

Sentido del color. Tienes que tener un buen ojo para elegir un buen color o simplemente tratar de aprender. Lo ideal sería que ambos. Después de todo, el color lo es todo lo que usted ve allí, así que asegúrese de mezclándolo bien. Para imágenes ricas y coloridas, que en realidad no requieren de mucho para seguir las directrices de la teoría del color tanto como en La atención al detalle – porque los detalles que un buen diseño, original. En mis obras, los trabajos sobre los detalles a menudo se lleva la mayor parte del tiempo de todo el proyecto. No puedo dejar que ningún pedazo más pequeño de la imagen que se conserva intacto. Todo debe ser pulida, sobre todo si tengo un montón de tiempo. ■ 11

DISEÑADORES

Antonio Herráiz Premio de la Asociación Andaluza de Diseñadores 2012 a la Trayectoria profesional

A

ntonio Herráiz es un diseñador gráfico que nació en Málaga en 1953. Antes de verse atrapado por el mundo del diseño dio sus primeros pasos como pintor y estudió Bellas Artes en Sevilla allá por el año 1976. Es a partir del año 1982 que se dedica profesionalmente al diseño gráfico y la publicidad.

Ha sido Director de Arte de agencias como Ene Cuatro (1986‐87), Contrapunto (1989‐90) y Director creativo de BBP (1991‐94). En 1994 crea su propio estudio en su ciudad natal, Málaga:

Antonio Herráiz Publicidad y Diseño S.L , actualmente formado por cuatro

personas. Entre sus principales trabajos están la revista Puertaoscura para

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la Diputación de Granada, la identidad del Museo Revello de Toro, Hojiblanca, Fundación Unicaja, el Teatro Cervantes, actividades del Área de Cultura del Ayuntamiento de Málaga, exposiciones en el Palacio Episcopal para la Junta de Andalucía, el Festival de Cine Español de Málaga y diversas publicaciones sobre el Museo Picasso, el Homenaje al Quijote para la Consejería de Economía y Hacienda de Castilla‐La Mancha, entre otros. También ha realizado trabajos personales como el libro ilustrado Ras R´mel.

Ha sido galardonado recientemente con el Premio de la Asociación Andaluza de Diseñadores a la Trayectoria Profesional. ■

Reportajes

Casa da Musica

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Es una sala de conciertos de Oporto, Portugal, diseñada por el arquitecto holandés Rem Koolhaas. Su construcción se encuadró en el proyecto Oporto 2001 - Capital Europea de la Cultura, habiéndose iniciado en 1999 y terminado a principios de 2005, seis años después de la fecha prevista.

Inmediatamente se convirtió en un icono de la ciudad.

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y

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reportajes

Diferentes puntos de acceso al edificio.

La Arquitectura

E

n el año 1999 se anuncio que Oporto y Rotterdam serian nombradas como las capitales de cultura europea en 2001.

Con miras a este gran acontecimiento, se realizo un concurso privado entre 5 renombrados estudios, para construir un edificio para la cultura, en una zona emblemática de la ciudad. Un portugués diseñaría un edificio para la ciudad holandesa, y al mismo tiempo un arquitecto holandés trabajaría en la ciudad de Portugal. De esta forma, Alvaro Siza fue el encargado de trabajar en suelo holandés, mientras que el ganador del concurso para Oporto fue Rem Koolhaas, que trabajaría creando su Casa da Musica.

El primer gran planteo fvue que la Casa da Musica debía comportarse como un organismo viviente dentro de la ciudad. Estar siempre abierto y brindarse a los ciudadanos, y no sólo abrirse con motivo de espectáculos esporádicos.

El segundo planteo era lograr una mayor conexión entre el público y el artista, rompiendo las barreras que suelen generarse y que dividen a unos de otros.

Acabar con este mito y establecer una relación más cercana entre ambos.

Con esta gran “caja de zapatos” plenamente transformada, Koolhaas creía poder generar la continuidad y crisis que anhelaba alcanzar. Un objeto contundente y pesado, que fuese el símbolo del dialogo entre lo viejo y lo nuevo, entre público y artistas, entre dos modelos de ciudades diferentes.

Y para lograr un impacto aun mayor, quiso que esta intervención no descansara sobre los restos de la ciudad olvidada, si no también reinventar y reconvertir el uso del suelo, aportando una vez más a la ciudad en la que se sumergía.■

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reportajes

Imagotipo según el punto de vista que se mire el edificio.

Contrucción gráfica del imagotipo.

Carteles sobre actividades que se realizan en el recinto.

La Imagen Gráfica

La imagen gráfica de un edificio tan singular se encargó al estudio del diseñador Stefan Sagmeister. Él como director artístico junto a Matthias Ernstberger y Quentin Walesh crearon el concepto de identidad corporativa para la Casa da Musica. Tomando como referencia principal las formas angulares facetadas del icónico edificio y sus distintos puntos de vista, encargaron a Ralph Ammer que crease un programa para representar las distintas caras del edificio de Koolhaas.

Así la identidad se compone de seis imágenes del edificio visto desde el norte, sur, este, oeste y desde arriba y abajo. Además se creó otro programa (Casa da Musica Logo Generator) que podía tomar diecisiete puntos de color de una imagen digitalizada y adaptarlos de forma aleatoria sobre el imagotipo, para crear una armonía entre la imagen del cartel en cuestión y la del propio logotipo. Con esto creaban una imagen cambiante que a su vez era fácilmente reconocible para el público.

El mundo cambia, evoluciona y las marcas no van a ser menos. Gracias a trabajos como este se pueden plantear identidades corporativas más dinamicas, como es el caso de MTV, AOL , Mobile Media Lab, SECCA, New Museum, MIT Media Lab, PWC, ITI, Nickelodeon, Knopf, Nordkyn, NYC Inc Company, Museum of Arts and Design, entre otros. ■ 15

dise単adores

Joshua Davis 16

diseñadores

Joshua trabajando en su estudio.

S

i de diseño, ordenadores, skate y música hablamos creo que de inmediato pensamos en el talentoso diseñador neoyorquino Joshua Davis.

Poca justicia le hace la biografía que se encuentra en su sitio joshuadavis. com, “Joshua Davis es un artista, diseñador y tecnólogo.” Un ilustrador y pintor competente con una pasión por la tecnología, el trabajo de Davis trajo una nueva dimensión al arte. La utilización de la asignación al azar o randomization en entornos controlados, o la Teoría del Caos , Davis estableció un punto de vista nuevo y único en la comunicación visual y la expresión creativa, promoviendo un área previamente inexplorada en el diseño gráfico .

Para todo aquel que se considere amante de Adobe Flash, el nombre de Joshua Davis no puede haber pasado desapercibido. Davis fue uno de los primeros en adoptar y experimentar con la herramienta que en aquel tiempo se conocía como Macromedia Flash, sus experimentos le han permitido crear obras de arte a partir de complejos algoritmos y rutinas generadas en Action Script.

Uno de sus trabajos más conocidos fue Praystation. com, considerado uno de los sitios más influyentes para la comunidad Flash y uno de los primeros en ofrecer archivos de Flash “open source”, que le servirían para exhibir el trabajo de diseño y nuevos experimentos.

El segundo año de Praystation.com fue compilada en un CD-ROM llamado PrayStation Hardrive, que incluye los archivos de origen, fotografías y artículos diversos que Joshua Davis trabajó durante ese tiempo, distribuida en cantidades limitadas por la revista IdN. El disco incluye un libreto de 32 páginas y fue empaquetado en una carcasa de plástico modelo de la PlayStation 2 .

Su experiencia en el uso de Flash y del lenguaje Action Script lo llevó a escribir el best seller Flash to the core: An Interactive Sketchbook.

Davis es amante de la cultura japonesa, los patrones y de los tatuajes; esta última característica le hizo acreedor al apodo de web design rockstar, lo cual él niega a morir. Davis ha expuesto su trabajo en un sinnúmero de museos alrededor del mundo; entre los que podemos nombrar se encuentran el Tate Modern (Londres), Ars Electronica (Austria), Centre Pompidou (Francia) y el MOMA (NYC). En el 2001 recibió el premio Prix Ars Electronica Golden Nica en la categoría “Net Excellence”, el máximo galardón en arte y diseño digital a nivel internacional. Joshua Davis trabaja en la actualidad en su propio estudio en Nueva York y entre su cartera de clientes podemos mencionar a BMW, Kanye West, Nike, Volkswagen, Sony, Puff Daddy, TOOL , HBO, Canon y Nokia.

De aspecto agresivo pero de personalidad alocada y carismática, Davis es sin duda una de los mejores expositores que se hayan podido ver en el mundo del diseño digital. ■ 17

diseñadores

Neville Brody londres - 1957

N

eville Brody es un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta.

En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave.

The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la información.

Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas.

Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas han sido distribuidas por Linotype.

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En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra,

The graphic language de Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda

Europa.

El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de su primera etapa. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Erik Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado. Su creciente fama le ha permitido acceder a otro tipo de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première.

En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo desde 1988.

Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN). ■

diseñadores

Isidro Ferrer madrid - 1963

M

adrileño, aunque afincado en Huesca, Isidro Ferrer (1963) llega al mundo del diseño de forma un tanto inesperada.

Será un accidente, del que tardará en recobrarse varios meses, el que le apartará de los escenarios, donde actuaba como miembro de varias compañías teatrales aragonesas (entre 1983 y 1987), de acuerdo con su formación académica: Diplomado en Arte Dramático y Escenografía.

Su primera incursión en el sector tiene lugar en el rotativo El Heraldo de Aragón (1988), donde ejerce como diagramador e ilustrador, aunque será al año siguiente cuando cobre un rumbo definitivo tras el stage en el estudio de Peret, quien ejercerá una poderosa y saludable influencia en el conjunto de la obra posterior de Ferrer.

Desde el Estudio Camaleón, que funda junto con otros tres profesionales en 1990, su labor comienza a despuntar públicamente: es distinguido con el Primer premio de Diseño Gráfico Jovenews (1991) organizado por la revista Ardi; recibe el encargo del montaje del espacio dedicado a Goya en el Pabellón aragonés de la Expo 92 y su libro El Vuelo de la Razón (1993) es galardonado por el Ministerio de Cultura en 1993.

Se suceden a partir de entonces trabajos de gran notoriedad y difusión, ya desde su propio estudio en Huesca (1996), que se reparten entre el cartelismo, el diseño editorial y la ilustración, la dirección artística de exposiciones y también algunas series de animación, mayorita-

riamente para fines publicitarios. Diseños para el Diario El País y para las editoriales Santillana y Alfaguara, cortinillas de continuidad para Canal Plus, la imagen gráfica del centenario de Luis Buñuel o el anuncio televisivo para el New Beetle de Volkswagen constituyen algunas de las creaciones de Isidro Ferrer durante estos últimos años, objeto de exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de nuestras fronteras También imparte talleres de diseño e ilustración y participa en exposiciones tanto individuales como colectivas.

Parte de sus trabajos están destinados al público infantil y juvenil, en el año 1996 recibe el premio Lazarillo, por El verano y sus amigos. Premio LAUS de ilustración 1996, por Yo me lo guiso, yo me lo como. Premio Isabel de Portugal 1998, por Cajón de alquimias. Premio de la Crítica Serra d’Or 2000, por En Cosme i el monstre Menjamots. Premio Daniel Gil de Diseño Editorial 2003, en la categoría Libro Infantil. Premio Junceda de Ilustración 2006, en la categoría Junceda Ibèria, por Una casa para el abuelo. Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles 2006, por Una casa para el abuelo. Premio Cálamo Libro del Año 2006, por Libro de las preguntas. Diploma en el Premio Daniel Gil de Diseño Editorial 2006, en la categoría Libro Infantil, por Una casa para el abuelo. Diploma en el Premio Daniel Gil de Diseño Editorial 2006, en la categoría Ilustración, por Una casa para el abuelo. ■ 19

estudios

tdr

The Designers Republic Thinking and Doing

D

esde mediados de los ochenta, momento en que un diseñador gráfico autodidacta y músico pospunk de Sheffield llamado Ian Anderson empezó a diseñar las caretas y el interior de los discos de sus amigos en su ciudad natal, The Designers Republic ha evolucionado hasta convertirse en un referente inexcusable para explicar la evolución de esta disciplina en los noventa. Relacionado tradicionalmente con las discográficas independientes y en especial con la música electrónica de vanguardia, el trabajo de The Designers Republic no solo ha sido decisivo en la creación de una estética visual para la escena electrónica, sino también en la adaptación del grafismo al formato CD y en la aplicación en el diseño de los recursos digitales introducidos por Macintosh.

A pesar de que la base de su obra y la faceta que les dio a conocer en primer lugar es su trabajo comercial -que en los últimos años se ha ampliado al terreno del espot televisivo, el videoclip, el diseño de páginas web y el grafismo para videojuegos-, TDR ha desarrollado desde mediados de los noventa una actividad muy diferente. Han creado todo un corpus gráfico para el terreno de la galería de arte y en el formato del objeto artístico, que da cabida a otros intereses logísticos e ideológicos.

El trabajo “artístico” de TDR, normalmente en forma de series de estandartes, entra dentro del terreno de la crítica cultural y tiene como principales temas el consumismo, el carácter totalitario del flujo de imágenes y mensajes 20

estudios

Diseño de packaging para Coca Cola

de los medios de comunicación y el análisis del papel del artista en relación con el sistema del mercado y la cultura de tendencias.

La forma idiosincrásica en que TDR utiliza la galería se basa en su caso en su transformación simbólica en un espacio a medio camino entre el templo religioso, el pabellón conmemorativo totalitario y el centro comercial. La colonización de la galería por sus estandartes e imágenes tiene un componente fundamentalmente irónico, ya que lleva hasta las últimas consecuencias la ambigüedad inherente a la figura del artista-vendedor, pero es básicamente un tipo de acción en el terreno de la política cultural. Este activismo, que se mueve entre la sátira y la guerrilla cultural, constituye el eje de la muestra.

Por su extensión y por su carácter de recopilación de una década, Brain-Aided Design at La Capella es probablemente la acción artística más representativa y ambiciosa de TDR. La exposición también refleja el carácter de artistas pop de TDR. Utilizando como base de su obra los objetos hallados en la cultura mediática -logotipos, elementos de ciencia ficción, manga y videojuegos-, su “sampleado” de estos elementos está comprometido con una representación del ruido mediático parecida a la que encontramos en el movimiento cyberpunk. Sus apropiaciones de los medios y códigos de la cultura corporativa reflejan neuróticamente dentro de la galería el fervor consumista y las articulaciones de la conciencia sometida al ruido blanco de la información mediática.■ 21

estudios

VASAVA 2

es un estudio que se fundó en Barcelona en 1997 y hoy en día se compone de 18 jóvenes creativos especializados en proyectos cross-media, Gráfica e ilustración, web, motion y vídeo.

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A

ctualmente, trabajan para pequeñas y grandes compañías en el mercado nacional e internacional como Nike, Diesel, Adobe, 55DSL, Mango, Budweiser o Red Bull, entre otros.

Como diseñadores, reparten su tiempo trabajando para sus clientes, pero también desarrollan su propias obras en forma de proyectos personales, tipografías o productos.

Creen en la tecnología como soporte para la creatividad. No importa si estan programando para la web, editando vídeo o diseñando para papel, continuamente encontran formas para romper las barreras de su ámbito de creación y hacen que su pasión por la comunicación gráfica brille en todo lo que hacen.

Participan en aquellos proyectos de comunicación en los que pueden aportar valor diferencial. Especialmente, en branding, ilustración, diseño editorial, videos de animación, comunicación para eventos, websites, proyectos interactivos, aplicaciones móviles y acciones o proyectos de creación propia.3 22

Vallery Vallery es una galería que cuenta con exposiciones exclusivas de artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio, tales como Kozyndan, Eggertson Siggi, Parra, Hugo Mario, Berto Martínez, Petrantoni Lorenzo,: Phunk, Ilovedust, Funderburg Dan, Rewell Janine o Funderburgh Dan, tratando de llamar la atención de diseñadores, creativos y amantes de la comunicación contemporánea y las nuevas tendencias en su sentido más amplio.

Vallery quiere ser percibido como un lugar de encuentro, un foro para la libre circulación de ideas. Su misión es buscar y mostrar el trabajo que se lleva a cabo en los estudios locales o en la vanguardia de los principales centros culturales del mundo, para fomentar su difusión y ofrecer una visión organizada de los últimos hallazgos del circuito internacional.

Vallery es un proyecto experimental a través del cual se pretende descubrir y ofrecer objetos relacionados con el diseño, libros, juguetes, revistas, prendas de vestir de moda de las firmas no convencionales, y que todos los que, en el ámbito de la creación contemporánea más innovadora, ha influido o todavía influye en el espíritu de Vasava. También estará disponible una selección selecta de impresiones, la literatura de diseño, así como los catálogos individuales de cada exposición.

estudios

Cartel para Cerveza Victoria.

Portada del disco Rolled Gold+ de The Rolling Stones. Cartel para Diesel.

Cartel para el Festival de Cine Asiático de Barcelona.

Entre otros, han trabajado para: INSTITUCIONES Y ASOCIACIONES 100.000 Retinas, AECI Agencia Española de Cooperación Internacional, Agència Catalana de Turisme, Ajuntament de Terrassa, Barcelona Activa, Barcelona Asian Film Festival, Bcn.es, Cambra del Comerç de Barcelona, Casa Asia, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, Centro Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centre de Seguretat de la Informació de Catalunya, Consejo Intertextil Español, Fundació Creatia, Foment de les Arts Decoratives (FAD), Fundació Joan Miró, Fundació la Caixa, Hangar - Centre de Producció d’Arts Visuals i Multimedia, ICEX, Institut Català del Sòl - Generalitat de Catalunya, Institut de Cultura de Barcelona, Instituto para el Desarrollo del Diseño, Instituto Valencià d’Art Modern, Modafad.

MODA 55DSL, Asics, Bershka, Borelli, Camper, Carolina Herrera Fragrances, Comme des Garçons Fragrances, Diesel, Expressfashion, Grupo Aguirre y Cía, Hugo Boss Fragrances, Lacoste Fragrances, Mango, Nike, Often, Pielsa, Privalia, Pull&Bear, Rocawear, Tous, Uniqlo, VSX Victoria’s Secret Sport, Zara.

MÚSICA Chop Suey, The CongoSound, Gnarls Barkley, Here Are the Facts you Requested, Hotel de las Letras, Jay-Z, Nova, Roc Nation, Testing ground, The Room.

ARTISTAS Carles Congost, Jordi Labanda, Julia Schultz, Joan Morey, Leila Méndez, Shubhankar Ray, Silvia Prada, Xevi Muntané.

INDUSTRIA Y SERVICIOS Adobe, Budweiser, Brugal , Casa Delfin, Citroën, Concepta, Danone, Damm, Dewar’s, Fundix, Hennessy, Hewelt Packard, J&B, Maheso, Martín Códax, Mini BMW, Motorola, Myrurgia, Nespresso, Puig Beatuy & Fashion Group, Oooferton, Portaventura, Red Bull, Seat, Schweppes, Skoda, Smart, The British Council, Victoria, Volskswagen.

EDITORIAL Belio, Computer Arts, El Duende, Hint Magazine, La Vanguardia, Kogan Page, Neue Magazine, Shift, Vanidad, Wad. AGENCIAS Albiñana Films, Bliss Media, Contrapunto, DDB, Got Films, Grey, Le Cool, Leo Burnet, McCann Ericsson, Ms. Rushmore, Photoproducers, Revolver Film, Ring-zwei Germany, Road, S.C.P.F.*..., Seis Grados, Shackleton, Villarrosàs, Young & Rubicam.

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diseñadores

Milton Glaser •

Trabaja en Nueva York, donde nació en 1929 en el seno de una familia de inmigrantes húngaros, es el diseñador del famoso I LOVE nEW yORK •

S

u perspectiva intelectual abarca desde la ilustración hasta la arquitectura. Es una figura influyente en el pensamiento del diseño y la educación actuales, y es tal vez el representante más famoso de la escuela norteamericana de diseño gráfico. Trabaja en Nueva York, donde nació en 1929 en el seno de una familia de inmigrantes húngaros, y donde fue durante veinte años el alma del célebre “The Pushpin Studio ”, estudio de diseño que Glaser fundó -junto a Seymour Chwast- en 1954, tras haber estudiado en la “High School of Music and Art ” y la “Cooper Union Art school ” de Nueva York y haber aprendido el arte del grabado en la Academia de Bellas Artes de la ciudad de Bolonia, Italia, de la mano de Giorgio Morandi.

Glaser actúa en todos los campos de la comunicación visual con una sensibilidad que lo lleva a extenderse desde el Art Nouveau hasta el lenguaje narrativo del cómic. Es autor de carteles publicitarios y portadas de revistas, ilustrador de libros y diseñador de juguetes, creador de logotipos e inventor de caracteres alfabéticos.

Es famoso por su perfil del cantante Bob Dylan, para el cual se inspiró en un autorretrato recortado del pintor francés Marcel Duchamp. Glaser añadió al simple perfil masculino un elemento gráfico muy particular: la 24

forma y el color del cabello, que le fueron sugeridos por la tradición decorativa árabe. De esta extraordinaria combinación surgió un estilo muy especial, que muchos consideran típicamente “americano”, cuando en realidad es fruto de una experiencia cultural muy compleja.

El logotipo de la ciudad de Nueva York es uno de los gráficos más famosos, reproducidos y copiados de la historia. La frase “I Love NY ”, en el que un corazón rojo sustituye a la palabra “Love”, fue creado en 1973 por este extraordinario diseñador. Fue también, junto con Clay Felker, el co-fundador en 1968 de la revista New York Magazine –publicación que se convirtió en modelo para las revistas urbanas, estimulando un sinnúmero de imitaciones- y el encargado de rediseñar los periódicos Washington Post, La Vanguardia (Barcelona) y O Globo (Rio de Janeiro).

En 1975 realizó la imagen gráfica y decoración de los restaurantes en el World Trade Center (Nueva York), al igual que el diseño del Observatorio y la Exhibición Permanente que se exhibía en las Torres Gemelas. También ha diseñado numerosos proyectos arquitectónicos como el Sesame Place y un parque educativo en Pennsylvania entre otros muchos.

Su obra está expuesta de forma permanente en lugares tan importantes como el MOMA (Museo de Arte

diseñadores

Moderno de Nueva York), el Museo de Israel (Jerusalén) y el Smithsonian Institute (Washington, D.C.).

Precisamente, entre los muchos premios merecidos a lo largo de los años, Glaser recibió en el 2004 el Lifetime Achievement Award del Smithsonian CooperHewitt, National Design Museum, por su extensa, profunda y significativa contribución a la práctica contemporánea del diseño.

En 1974 fundó Milton Glaser, Inc. (Manhattan) donde continúa actualmente produciendo una increíble cantidad de trabajos en muchos campos del diseño.

A sus 76 años, es personalmente responsable del diseño e ilustración de más de 300 afiches para editoriales, teatro, música, películas, asociaciones civiles y diversos productos y servicios.

Una de sus obras más famosas es el cartel realizado en 1967 con ocasión del primer festival musical de la Temple University de Filadelfia. De gran elegancia y linealidad, una simple clave de sol de la que surge una flor, se convirtió en el símbolo de dicho festival.

Resumir la carrera de este polifacético diseñador es tarea difícil. Su presencia e impacto en esta profesión es formidable. Inmensamente creativo y distinto, es un hombre del renacimiento moderno que trae una profundidad del entendimiento y pensamiento conceptual, combinados con una diversa riqueza del lenguaje visual, a su gran inventiva y trabajo individual.

Milton Glaser ha pasado la mayor parte de su larga e ilustre vida enseñando. Desde que él comenzó ha visto cambios significativos en las actitudes y estilos de los estudiantes, así como en el uso de herramientas. Sin embargo, a pesar de todo, la moral y ética de Glaser han permanecido intactas. Es miembro del Art Director’s Club Hall of Fame y el American Institute of Graphic Arts (AIGA) y continúa enseñando en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York donde su profunda perspicacia cultural continúa inspirando a nuevas generaciones de diseñadores.

Al respecto ha dicho: “Hay un libro maravilloso llamado ‘El Don’, donde un antropólogo habla sobre una costumbre en una sociedad donde los dones son intercambiables, pero no se pueden conservar. Tienen que pasarse a otro. La idea detrás de esto es que todos los involucrados en este proceso –ya sea recibiendo un don o pasándolo- quedan comprometidos a establecer un vínculo. Si tú das algo a alguien, ellos tienen una relación contigo. Ellos lo pasan a alguien más, y esa otra persona también tiene una relación contigo. Para mí, artistas y educadores realizan esta función en la sociedad, creando lo que yo podría llamar receptividad a la comunidad”.■

Arte para la portada del disco de Bob Dylan. Portadas para la revista Time. Cartel para concierto de Mahalia Jackson (1967).

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Entrevista

Stefan Sagmeister

Para la undécima exposición de su serie Carte Blanche (carta blanca), El Mudac de Lausana ha invitado a Stefan Sagmeister.

El diseñador gráfico austriaco indaga sobre la noción de “encargo” y presenta procesos y trabajos gráficos que siguen cuatro líneas temáticas y que el estudio Big-Game retoma en la construcción de la escenografía: vender empresas, vender cultura, vender amigos, venderse a uno mismo. Un encuentro en Nueva York.

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entrevista

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Nueva York.

Lunes 15 de noviembre 2010, Stefan Sagmeister me recibe en su casa, en el barrio de Chelsea. Se muestra accesible y distendido, mientras un cámara le sigue, registrando cada mínima acción y gesto. Sagmeister trabaja actualmente en la realización de un proyecto personal, un documental titulado Happy Film sobre la felicidad y la ausencia de ella. El tema se abordará de manera general, pero su protagonista principal es el diseñador, que nos mostrará su visión particular de la dicha. Ahora mismo, el objetivo es terminar ocho minutos de película para comprobar la viabilidad del proyecto, que pretende ser un largometraje.

La conversación fluye enseguida de manera ágil y le propongo empezar la entrevista centrándonos en la exposición y en el libro que nos ocupan en este momento a ambos: Sagmeister. Another Show about Promotion & Sales Material y Sagmeister.

Another Book about Promotion & Sales Material.

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entrevista

Chantal Prod’Hom: Cuando aceptaste nuestra

invitación para exponer dentro del marco de carte blanche, ¿Cómo llegaste a la idea de·presentar solo trabajos de encargo y de centrar la selección de obra en tomo al tema de la venta?

Stefan Sagmeister: En Europa, y especialmente en los países francófonos, existe una distinción clara entre dos dos ámbitos del diseño gráfico denominados “cultural” y “comercial”. Se considera que los buenos diseñadores son los que trabajan para estructuras culturales, mientras que aquellos que viven de proyectos comerciales no están muy bien vistos. Nuestro estudio se interesa por y trabaja en ambos dominios porque esta visión un poco maniquea (“la cultura está bien, lo comercial no”) no existe en los Estados Unidos. Es evidente que los encargos comerciales tienen un impacto mucho mayor y llegan a mucha más gente que los trabajos realizados para clientes del ámbito de la cultura. Este hecho es, sin duda, de gran importancia para un estudio como el nuestro. Así, estas reflexiones me han llevado a concentrarme en los proyectos de encargo, tanto culturales como comerciales. desarrollados en los últimos siete años de actividad del estudio. La cuestión de la venta es algo a todas luces omnipresente en cada proyecto seleccionado, y pienso que esta dimensión puede crear una tensión interesante en un entorno tan marcadamente cultural e institucional como el del museo.

Este libro va a ser, por lo tanto, muy diferente de Made you look (2001) y Things I have leamed in my life sofar (2008), las dos obras anteriores editadas sobre tu trabajo.

Sí, totalmente, porque ninguno de los proyectos presentados en esta obra han aparecido en esos libros. Deseaba 28

imponerme un límite claro y restringir el contenido los encargos realizados en los últimos siete años. Siempre es interesante imitarse a una elección exigente.

Puedes explicar un poco más esta cuestión de la venta (selling) que define las cuatro secciones que estructuran la presentación de los trabajos (selling culture; selling corporations; selling my ftiends; selling myself) Después de 17 años en Nueva York, mi relación con el concepto de “vender” ha cambiado mucho. La noción de representación (en el sentido de lucirse, de mostrar lo mejor de uno mismo y, por tanto, “venderse”) está muy presente en todo lo que hacemos, tanto en nuestra vida privada como profesional. Son los mismos mecanismos los que intervienen en los dos ámbitos esenciales de nuestra vida. Todo lo que emprendemos en el universo del diseño está estrechamente ligado a la comunicación, a la forma e presentarse, de intercambiar algo, de venderse. Es importante que la herramienta primordial sea la sensatez, porque, desde mi punto de vista, representa la base de todas las estrategias y de todos los mecanismos de renta, sean comerciales o privados..

Quien habla de “encargo” habla de “cliente”. ¿Puedes decirnos algo sobre vuestros clientes?

Tenemos la suerte de no tener que buscar a nuestros clientes. La gran mayoría de los proyectos presentados en este libro son encargos de clientes que ya conocían nuestro trabajo o que habían oído hablar de él. Es un triunfo, porque, de entrada, ya sabemos que nuestra forma de trabajar les gusta. Eso se hace aún más patente cuando se trata de clientes internacionales, a los que, en principio, debería resultarles más cómodo trabajar on un diseñador más próximo a ellos. Tenemos la

ENTREVISTA

oportunidad de escoger con quién queremos colaborar y, regularmente, rechazamos propuestas. olo trabajamos con personas cuyo trabajo apreciamos, y ese es un criterio fundamental. El caso reciente de las elecciones primarias estadounidenses es una historia particular.

El equipo de Obama se había puesto en contacto con nosotros para que realizáramos un cartel para la campa- a de la investidura del candidato demócrata, en la que se enfrentaba a Hillary Clinton. Eso sucedió unos días antes de que yo me tomara un año sabático y, por lo tanto, del cierre temporal de mi estudio. Enfrentado la oportunidad que suponía esta oferta, me fui a reflexionar a la orilla del Hudson y, finalmente, opté por rechazarla. Por dos razones: la decisión de tomarme un año

exposiciones representan también otra forma de autopromoción, en el sentido de que “venden” lo que somos.

sabático era importante y empezar saltándomela a las primeras de cambio no me parecía una buena forma de empezar. Después, pensé en el público al que ese cartel iría destinado. Obama quería llegar a tanta gente como fuera posible, pero sobre todo, a las personas todavía no eran sus partidarias. Ahora bien, yo tenía la impresión, instante nítida, de que nuestra forma de trabajar y el tipo de mensaje 1e nosotros sabemos transmitir se dirigen sin duda a un público que ya va claramente por Obama. En realidad no necesitaban nuestros servicios, y para nosotros se trataba más bien de una cuestión de imagen y de 10 (ser elegidos por Obama para su campaña). Algo importante, pero no esencial. Por eso dije que no.

las herramientas más adecuadas, lo encuentro muy difícil. Ese ejercicio me estresa muchísimo e invierto err ello una energía tremenda. Lo hago por la mañana, porque hacerlo más tarde, a lo largo del día, me resulta imposible. Para la tarde reservo las tareas de organización, los encuentros, las entrevistas... porque esas son cosas que sé hacer, que no me asustan y que incluso me reafirman y me dan estabilidad. La espontaneidad que se percibe en muchos de mis trabajos está en realidad muy planificada, reglada y pensada con antelación. Mi práctica habitual de hacer listas (frases, referencias, conceptos, personajes, etc.) antes de atacar un tema o un encargo es menos sistemática de lo que solía ser. Sin embargo, a veces todavía redacto listas de malas ideas, porque es una buena forma de deshacerse de ellas. Mi trabajo, mi manera de pensar, de diseñar y, por tanto, de crear están íntimamente asociados a mis cuadernos de apuntes. Siempre están en el estudio y todo el mundo los usa como referencia.

¿Sigue siendo necesario “venderte” (sellig yourse!f), o ya no te falta?

La verdad es que ya no. Aunque me encanta dar conferencias y, el día que ya no me guste hacerlo, lo dejaré. Las

Qué puedes decir de tu manera particularmente estructurada de trabajar, comparada con lo libres y espontáneos que casi siempre crecen tus proyectos?

Me encanta organizar el trabajo. Es un aspecto importante de mi carácter, probablemente ligado a mis raíces culturales. Tengo la convicción que una buena organización me da libertad para crear. Por ejemplo, lo personalmente por la buena salud financiera de mi estudio, porque es esencial contar con un presupuesto equilibrado. En cambio, cada vez que debo abordar un nuevo proyecto, algo inédito para cuyo desarrollo tengo que encon- trar

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entrevista

Tu trabajo tiene muchos niveles de lectura, ya sea desde el humor, lo inesperado o la sorpresa. ¿Se trata de una estrategia premeditada y consciente?

Efectivamente, me interesan mucho las diferentes capas de significación que puede revelar un proyecto. Me gustan los códigos y los lenguajes secretos y el público suele encontrar un gran placer en descifrarlos. Esta noción de sorpresa, y también la noción dehumor, son importantes. Pero también hay que cuidar la naturaleza y la duración de la eficacia de un gag o de un efecto sorprendente. Me gusta practicar un humor más bien sutil, contrario a ese tipo de humor que juega con efectos rápidos y que se agotan enseguida, los one line jokes.

Esta dimensión humorística, que propone numerosos niveles de interpretación, me interesa también en la creación de objetos. Si consideramos mi mesa de salón Be Here Now. el juego que desencadena el movimiento de las tazas de café anima de modo infalible las conversaciones de las personas sentadas alrededor de este objeto, a priori una simple mesa, pero, en realidad, algo sorprendente. Aún así, no h a y que olvidar que soy un diseñador gráfico, no un diseñador industrial. La idea de diseñar muebles surgió de una necesidad, de una apetencia personal, porque los muebles interesantes que hay en el mercado son, desde mi punto de vista, o demasiado caros o demasiado clásicos. Los muebles que he concebido (otro ejemplo: la Darwin Chair) son esencialmente gráficos·. Las consideraciones formales o utilitarias no me motivan como a un diseñador industrial. Además, estos dos muebles fueron diseñados y producidos en Bali, durante mi año sabático.

El cuerpo y sus manifestaciones (sangre, orina, excrementos, etc.) aparecen a menudo en tus trabajos y con regularidad las evocas en tus relatos. ¿Qué puedes decirnos de tu relación con el cuerpo? ¿Piensas que este interés está ligado de algún modo a tus raíces austriacas? Pienso en los accionistas vieneses como

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posible referencia, desde luego...

Sin duda te refieres al cartel anunciando mi intervención en la AlGA de Detroit en 1999, en el que pedí a Martín Woodtli que, literalmente, inscribiera todo el texto en mi piel con ayuda de un cúter. Lo más sorprendente es que no se me ocurrió pensar en la relación con el movimiento del accionismo vienés hasta después de haber realizado el trabajo. Se trata, por supuesto, de un movimiento artístico que me interesa y me concierne.

Estoy convencido de que el diseño tiene que ser más cercano a lo que somos. Reivindico un diseño cercano a la vida, cercano a nosotros, los seres humanos.

De hecho, incluso estuve a punto de participar en un happening de Hermann Nitsch. Pero más allá de esta referencia, hay que reconocer que todo el mundo está fascinado por el cuerpo. tanto los diseñadores como el público. Basta con echar un ojo a las revistas: el 95 % de las portadas representan a una persona o son un retrato.

Las revistas saben lo que vende y cada nueva publicación tiene que lograr hacerse notar entre las demás en los quioscos, donde la competencia es despiadada. Un buen número de ellas han intentado en algún momento sacar otro tipo de contenido en portada, pero es significativo que todas terminen volviendo a los retratos, al cuerpo. Estoy convencido de que el diseño tiene que ser más cercano a lo que somos. Reivindico un diseño cercano a la vida, cercano a nosotros. los seres humanos.

Lucho contra el estilo’ y el poder de la esté- tica que hemos heredado, entre otros, de la Bauhaus: para mí pura

entrevista

mecánica. des- provista de toda vida, de emociones.

Una visión casi esterilizada que ofrece imágenes perfectas pero distanciadas de nosotros y de lo que vivimos.

Por mi parte, me siento atraído por lo que hacen las personas, incluso por sus actos más banales y más aburridos. como estar bloqueado en un atasco.Me parece increíble que en las superproducciones estadounidenses no salgan nunca personas viendo la televisión, cuando para muchas de ellas es una ocupación cotidiana! Me agrada la idea de que el diseño sienta que le conciernan todas esas actividades, tal vez no muy espectaculares, pero reales, concretas y relacionadas directamente con nuestras vidas. Por retomar la imagen del cartel con el texto inscrito en mi piel: se trataba de mí, de mi intervención y, por tanto, de mi cuerpo. Aquella imagen salió literalmente de mi busto y el éxito mediático que cosechó muestra muy bien el impacto que un acto así tiene sobre el público.

Has evocado el origen cultural de tu relación con el cuerpo, pero ¿Que consideras europeo después de tantos años viviendo en Nueva York?

Sí, indudablemente, porque toda mi educación y mi formación son europeas. Los científicos dicen que el cerebro se desarrolla a lo largo de los 27 primeros años de nuestra existencia, ¡y yo he vivido en Europa durante esos años! Poseo una green card, pero no he intentado obtener la nacionalidad estadounidense. Además, diría que me siento más ligado a Nueva York que a los Estados Unidos. La estrecha relación entre las artes aplicadas y las artes plásticas durante mí formación en Europa ha forja.do ciertamente mi pensamiento y mi forma de trabajar. Constantemente busco inspiración en todas las disciplinas que me interesan. sin jerarquía alguna. Extraigo muchas ideas tanto de las artes aplicadas como de las bellas artes, y esta diversidad de influencias guía después mi trabajo. En los Estados Unidos, las disciplinas son mucho más cerradas y, durante los años de forma-

ción, cada campo es autónomo. Se trazan pocos puentes entre materias. Otra diferencia más está relacionada con las expectativas del cliente, a mi modo de ver. En Europa. la prioridad del cliente es ante todo elaborar un proyecto de calidad, tanto formal como conceptual y, en segundo lugar. que el proyecto sea vendible a fin de que tenga una salida comercial. En Estados Unidos. lo primero siempre es que el producto se venda y, si es posible, que sea también de calidad. En cambio, nadie te hará notar que eres extranjero o te dirá que tienes mucho acento ...

Por retomar el inicio de esta conversación: decidiste rápidamente confiar la ejecución de este proyecto de corte blanche, a uno de tus antiguos colaboradores, el diseñador Martin Woodtli, de Zúrich mientras la supervisas a distancia. ¿Por qué?

Son muchas las razones que motivaron esta elección.

Respeto mucho el trabajo de Martin y le aprecio mucho personalmente (algo capital para mí. como sucede con la elección de todos mis clientes o de las exposiciones que monto). Por otra parte, encontraba estimulante la idea de confiar mi trabajo de diseñador a otro diseñador y ver cómo lo interpreta, de ver, en definitiva. qué haría con ello. Martin pertenece a una generación más joven que la mía, y me interesa ver qué tensión se desprenderá del proyecto en el momento en que él tenga que ejecutar mis creaciones a partir de su propia creatividad. Por eso le he confiado la factura del libro y de la comunicación visual de la exposición (invitaciones y cartel). Por lo que respecta a la escenografía, también se ha encomendado a un colectivo de jóvenes diseñadores: el trío Big-Game. Me gusta esta idea de colaboración, porque ya hemos tenido la ocasión de montar. hasta el último clavo. ciertos proyectos de exposiciones y es esencial para mí no repetirme y, por lo tanto, cambiar con cada nueva propuesta expositiva. cambiar la manera de trabajar.■

Cartel para la AIGA de Detroit en 1999.

Arte de tapa para Lou Reed.

Cartel para Levis.

Página principal de su sitio web.

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reportaje

Londres 2012 Creado por Wolff Olins, con un coste de 400.000 Libras. Se consideró una sorpresa general la elección de Londres como sede de los JJOO ya que tenía como gran inconveniente una acusada falta de infraestructuras deportivas.

El logo escogido para representar Londres en los juegos olímpicos desató de inmediato la polémica por ser demasiado abstracto, no representar el espíritu de los juegos o un posible parecido con la cruz gamada de la Alemania nazi.

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reportaje

Un logo polémico Desde su creación en 2007, ha sido comparado con una esvástica e, incluso, con una pareja haciendo el amor, además de la protagonizada por el pueblo Iraní, que ve en estas formas la palabra ‘Sión’.

Por su parte, en el COI han confirmado que la carta ha sido recibida, pero insisten en que el logo “representa la figura de 2012, nada más”.

Análisis del logo Juegos Olímpicos Londres 2012 por el estudio de Wolff Olins:

Ambición

Acción

La candidatura de Londres para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de 2012 fue como ninguna otra. Se comprometió a inspirar a los jóvenes del mundo para participar, y entusiasmarlos y con ello cambiar el mundo. Se comprometió a poner los Juegos Olímpicos y Paralímpicos en el corazón de la vida contemporánea. Para lograr esto, el Comité Organizador de Londres necesita una marca poderosa, que podría inspirar y comprometer a cuatro millones de personas. Una marca que podría hacer a los Juegos Olímpicos y Paralímpicos los más relevantes, accesibles y estimulantes de la historia.

Hemos trabajado con el Comité Organizador de Londres para definir una clara ambición de Londres 2012. Estos Juegos van a ser de todos.

Llamaban a la gente a desafiarse a sí mismos para probar cosas nuevas, ir más allá, para descubrir nuevas habilidades. La marca que hemos creado apoya esta ambición. El emblema es el 2012, un símbolo reconocible al instante y una forma universal. Es poco convencional audaz y enérgica haciéndose eco de las cualidades de una ciudad moderna, vanguardista como Londres. No contienen ni imágenes ni fotografías deportivas, ni de los monumentos de Londres, el logo quiere decir que los Juegos son más que Londres, más que deporte. Los Juegos son para todos, independientemente de su edad, cultura e idioma. El emblema está diseñado para ser poblado, para contener rellenos e imágenespuesto que se reconoce lo suficiente para que todos se sientan y ser parte de Londres 2012.

Wolff Olins trabajo para Londres 2012 y su trabajo fue uno de los 14 momentos del diseño más influyentes de los últimos diez años.■ 33

estudios

PENTAGRAM Es un estudio de diseño fundado en 1972 por Alan Fletcher, Theo Crosby, Colin Forbes, Kenneth Grange y Mervyn Kurlansky en Needham Road, West London, Reino Unido.

Actualmente cuentan con oficinas en Londres, Nueva York, San Francisco, Austin y Berlín.

P

entagram se basa en la premisa de la colaboración interdisciplinaria de diseñadores trabajando juntos en una empresa de propie- dad independiente de iguales. Theo Crosby afirmó que la estructura le fue sugerida por su experiencia de trabajo en el seminal de la exposición This is Tomorrow a finales de los 50: “Fue mi primera experiencia en una organización suelta, horizontales de igual a igual lo hemos llevado a un... tipo de realidad práctica y eficiente en Pentagram”. La empresa cuenta actualmente con 16 socios diseñadores en cuatro ciudades, Londres, Nueva York, Berlin y Austin, cada uno dirigiendo un equipo de diseñadores, compartiendo gastos comunes y los recursos de personal. En cada oficina comparten equitativamente los ingresos y todos los socios son dueños de una porción igual de la empresa total. Esta igualdad, junto con la tradición de invitar periódicamente a nuevos miembros, renue- va a la empresa al tiempo que incluso los miembros más nuevos están en igualdad de condiciones con los socios más antiguos. En cuanto a la organización, no hay ejecutivos, con las finanzas de la auto-capitalización de la empresa, permite la igualdad de partici- pación y control del destino del grupo por los miembros.

En 1978, Colin Forbes formó la oficina de Nueva York, con el tiempo se añadieron dos diseñadores grá34

ficos Peter Harrison y Woody Pirtle como socios. En 1990-91 Michael Bierut, Paula Scher, diseñadores gráficos y James Biber un arquitecto, se unieron a dicha oficina y la trasladaron a un edificio diseñado por CPH Gilbert, la oficina todavía reside.

En Londres, todos los socios fundadores, junto con David Hillman y John McConnell se han ido, dejando una segunda y tercera generación de los socios que trabajan en la oficina.

Pentagram funciona en el diseño gráfico, identidad, arquitectura, interiorismo y productos. Ellos han diseñado envases y productos de muchas empresas bien conocidas, tales como Tesco, Botas, 3Com, Swatch, Tiffany & Co, Dell, Netgear, Nike y Timex. También han desarrollado identidades de Citibank, United Airlines, y la marca de Cooperación en el Reino Unido, ganador de un premio de plata de la Asociación de Empresas de Diseño. En 2007, se actualizó la identidad visual de Saks Fifth Avenue.

Además de los trabajos de diseño gráfico, la firma cuenta con socios que trabajan en proyectos arquitectónicos como el Museo de Harley-Davidson, las tiendas de Alexander McQueen, los interiores de Citibank, Adshel y los edificios de Clear Channel en Londres, una serie de residencias privadas, incluyendo el Phaidon Atlas of Architecture de Bacon Residencia Street,

estudios

Cartel publicitario para el Festival de Cine de Sundance.

el nuevo London Club Matter, junto con una serie de interiores, al por menor, restaurantes y proyectos expositivos.

Pentagram fue contratado para rediseñar el programa de televisión por cable estadounidense, conjunto The Daily Show y los gráficos en pantalla en 2005.

Fuera del trabajo comercial, Pentgram también hace el trabajo pro bono para organizaciones no lucrativas. 12 de febrero de 2008 del Consejo del Presidente sobre el Servicio y Participación Cívica recibió Pentagram el “ADN” premio para la incorporación de servicios pro bono en la cultura empresarial. Recientemente, el pentagrama ha realizado trabajos para el One Laptop Per Child.

Los socios son: Lorenzo Apicella, Luke Hayman, Abbott Miller, Harry Pearce, William Russell, Michael Bierut, Angus Hyland, Justus Oehler, Naresh Ramchandani, Paula Scher, Michael Gericke, Domenic Lippa, Eddie Opara, John Rushworth, DJ Stout.

Dicen: “Cada uno de nuestros clientes trabaja directamente con uno o más de nuestros socios. Esto refleja nuestra convicción de que un gran diseño no es posible sin la pasión, inteligencia y compromiso personal, que se demuestra por una cartera de trabajo que abarca cinco décadas.”■

Algunos trabajos recientes: Sundance Film Festival Directores de cine de esta semana, los ejecutivos del estudio y los amantes del cine que hacen su peregrinación anual a Park City, Utah, para el Festival de Cine de Sundance, el mayor festival de cine independiente en Estados Unidos y uno de los escaparates premier de la película en el mundo. Fundado en 1978, el festival es producido por el Instituto Sundance sin fines de lucro, fundada por el actor y director Robert Redford para descubrir y apoyar el cine independiente y artistas. Notables películas recientes como “Marcy Martha May Marlene”, “Like Crazy”, “Ser Elmo” y “Otra Tierra” fueron galardonados todos con premios en el festival del año pasado, y Sundance ha sido instrumental en el lanzamiento de las carreras de directores como Steven Soderbergh, Darren Aronofsky y Quentin Tarantino. Este año, 10 días de festival se celebrará del 19 de enero y el 29 en Park City y cerca de Salt Lake City, Ogden y Sundance, Utah.

Paula Scher y su equipo de Pentagram crearon la atrevida identidad gráfica del festival de este año, organizado en torno al tema “Look Again” (vuelve a mirar) Cada año Sundance invita a cineastas para alterar las percepciones de sus películas, y Redford y el equipo de marketing del desarrollo de Sundance “Look Again” lema, inspirado por una cita de Henry Miller:”Un destino no es nunca un lugar, sino más bien una nueva forma de ver las cosas” refleja la misión de Sundance y el espíritu del cine independiente.

Is drawing dead? ¿Ha muerto el dibujo?

Una pregunta provocativa, pero está leyendo esto, probablemente en su ordenador, y tal vez el único lápiz en la mano es el que muerde para relajarse. Desde el Renacimiento, el dibujo ha sido la herramienta principal del arquitecto de expresión y de investigación. Ahora el uso de tecnologías digitales como el modelado paramétrico y el diseño computacional han cambiado la forma de los arquitectos definen y representan el espacio. Este mes de febrero la Escuela de Arquitectura de Yale será el anfitrión de “Is drawing dead?”, un simposio que analiza el papel presente y futuro de dibujo en la profesión de arquitecto.

Michael Bierut de Pentagram y Ludwig Yve han diseñado un cartel para el evento utilizando los parámetros de diseño simple de la serie de carteles que han diseñado para la Universidad de Yale desde 1998: negro, blanco y tipos. Aquí, un lápiz roto toma la forma de “Y” Y sí, el cartel fue concebido originalmente con un croquis dibujado a mano.

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diseñadores

Paula Scher Durante más de tres décadas Paula Scher ha estado a la vanguardia del diseño gráfico. Icónicas, elegantes y descaradamente populistas, sus imágenes han entrado en la América vernácula.

S

cher ha sido directora de la oficina de Nueva York de la consultoría en diseño Pentagram desde 1991. Comenzó su carrera como directora de arte en los años 70 y principios de los 80, cuando su aproximación ecléctica a la tipografía fue muy influyente. A mediados de la década de los 90, su ya célebre identidad para el The Public Theater estableció su simbología, totalmente nueva, en el ámbito de las instituciones culturales; y sus colaboraciones arquitectónicas recientes, han reinventado el paisaje urbano como un entorno dinámico de diseño gráfico tridimensional. Su identidad gráfica para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en casos de estudio para la regeneración contemporánea de marcas clásicas estadounidenses.

Sher ha desarrollado sistemas de identidad y branding, materiales promocionales, gráficos de entorno, diseños de envases y diseños de publicaciones para una amplia gama de clientes que incluye, entre otros,

Bloomberg, Bausch+Lomb, Coca-Cola, Ellis, el Mu36

seo de Arte Moderno (MOMA), Jazz en el Lincoln Center, la Metropolitan Opera, el Ballet de Nueva York, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Detroit, el New Jersey Performing Arts Center, The New 42nd Street, el New York Botanical Garden, el United States Holocaust Memorial Museum, la Fundación Robin Hood, y The Daily Show con Jon Stewart.

Su identidad gráfica para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en casos de estudio para la regeneración contemporánea de marcas clásicas estadounidenses.

En 1996, la identidad de Sher para The Public Theater, ampliamente imitada, ganó el codiciado Premio Beacon a la estrategia integrada de diseño corporativo. Ha servido en la Junta Directiva de The Public Theater, y es una colaboradora frecuente de

diseñadores Logotipo de Citibank.

Carteles para The Public Theatre de nueva York.

Identidad para el New Jersey Performing Arts Center.

The New York Times, GQ y otras publicaciones.

En 2006, fue nombrada para la Comisión de Arte de la Ciudad de Nueva York.

A lo largo de su carrera, Scher ha recibido cientos de honores y premios de la industria. En 1998, fue nombrada al Art Directors Club Hall of Fame, y en el 2000, recibió el prestigioso Chrysler Award a la innovación en Diseño. Ha servido en la Junta Nacional del American Institute of Graphic Arts (AIGA), y fue presidenta de su sección de Nueva York desde 1998 a 2000. En 2001, recibió el honor más alto de la profesión, la medalla AIGA, en reconocimiento a sus distinguidos logros y contribuciones en el campo del diseño. En 2006, fue galardonada con el Type Directors Club Medal. Ha sido miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI) desde 1993, y fue elegida su presidenta en 2009.

Su obra está presente en colecciones permanentes del MOMA y el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York; la Biblioteca del Congreso, en Washington DC; el Museum für Gestaltung Zürich; el Museo de Arte de Denver; la Biblioteca Nacional de Francia; y el Centro Georges Pompidou en París.

Sher se licenció en la Tyler Shool of Art y es Doctora Honoris Causa en Bellas Artes, por el Corcoran College of Art and Design y el Maryland Institute College of Art. Ha dado conferencias y expuesto en todo el mundo, y su carrera docente incluye más de dos décadas en la School of Visual Arts, Cooper Union, la Universidad de Yale y la Tyler School of Art. Es autora de numerosos artículos sobre temas relacionados con el diseño para el AIGA Journal of Graphic Design, Print, Graphis y otras publicaciones. En 2002, Princeton Architectural Press publicó un artículo de su carrera bajo el título “Make it Bigger”.■ 37

diseñadores

Nando Costa artista gráfico brasileño centrado en la ilustración y la animación. Ha colaborado con marcas como Absolut, Adobe, Apple, Budweiser, Cartoon Network, Coca-Cola, FOX, Hummer, Lexus, Microsoft, MTV, Napster, Nike, Nintendo, Samsung, y Warner.

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diseñadores Cartel para Napster. Ilustración para una de la empresas que dirige (Süperfad). Cartel para Absolut Mandarin.

N

ando comenzó a ilustrar muy joven, pero a los 15 años empezó a tomárselo realmente en serio.

Sus inicios fueron creando dibujos entintados muy complejos y luego experimentando con varias disciplinas como escultura, pintura y fotografía. Estudió en Parque Large, una escuela de arte de su ciudad natal, Rio de Janeiro, por donde pasaron numerosos artistas brasileños que le sirvieron de inspiración. Durante esta fase realizó sus primeras exposiciones, tanto colectivas como individuales.

En el competitivo mundo del arte en Brasil, rodeado de energía artística, encontró su camino al diseño gráfico a través del arte, de forma natural e inspiradora.

Comenzó su carrera profesional en el 97, trabajando en Sphaera Design, un estudio de impresión de Rio, aprendiendo lo básico mientras estudiaba diseño gráfico en la universidad; más tarde buscaría experiencia en EEUU. Llegó a Atlanta, donde trabajó en otro estudio de impresión mientras empezaba a explorar la animación, experimentando con Flash. El interés por la interactividad le llevó a Nueva York, donde trabajó en WDDG como director de arte y diseñó varias webs y otros trabajos interactivos. Mientras estaba en NY se introdujo en After Effects. Volvió a Atlanta a trabajar en Iconologic,

una agencia de branding, encargada de dirigir el diseño de los JJOO de 1996 y otros años, ayudando a construir un portfolio de animación.

En 2001 se trasladó a Chicago para trabajar como diseñador Senior para Digital Kitchen y después a Rio de Janeiro, donde fundó Nakd junto a su mujer Linn; allí dirigió proyectos para EEUU y Europa.

Dos años después los invitaron al staff de Modernista!, una agencia de publicidad de Boston, trabajando en varios tipos de proyectos, entre ellos anuncios de televisión, campañas impresas y experiencias interactivas.

Empezó a trabajar eventualmente como freelance, y creó otra compañía de animación, Nervo.tv, realizando todo el proceso de trabajos de animación para varias agencias de publicidad y marcas independientes, experimentando con distintas técnicas de animación (y divirtiéndose mucho).

En 2009, Nervo y Bent Imagen Lab se unieron para combinar la experiencia de las dos compañías, creando ricas experiencias visuales (como Whale Song) demostrando lo que podían dar a luz durante esa alianza.

Actualmente, en uno de los directores de Superfad.

Es feliz viviendo en el noroeste del Pacífico; le emociona seguir explorando el campo del arte y planea regresar a su raíces de ilustración.■ 39

diseñadores

David D avid Carson C ar s o n Es conocido por sus innovadores diseños para revistas, y por el uso de tipografía experimental.

Fue el director artístico de la revista Ray Gun. Probablemente, Carson haya sido el diseñador más influyente de los años noventa. Su estilo, muchas veces imitado, definió la llamada era del grunge.

D

avid Carson es un diseñador gráfico americano. Nació el 8 de septiembre de 1952 en Corpus Christi, Texas.

Cuatro años más tarde, se mudaría con su familia a Nueva York. Aunque viajó alrededor de todo el mundo, siempre ha mantenido Nueva York como su base de operaciones. En la actualidad, Carson tiene dos estudios: uno en Zurich y otro en California.

Debido a su padre, viajó por toda América, viaje que le afectó profundamente.

A muy pronta edad mostró los primeros destellos de talento; sin embargo, hasta 1980 no tendría su primer contacto con el diseño gráfico. Ocurrió en un curso en la Universidad de Arizona. Fue alumno de la San Diego State University y también del Oregon College of Comercial Art. Tres años más tarde, mientras se preparaba su licenciatura en Artes de Sociología ("Bachelor of Arts in Sociology"), fue a Suiza a realizar un trabajo de tres semanas como diseñador gráfico como parte de su carrera. Fue allí donde conoció a Hans-Rudolf

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Lutz, su primera gran influencia y que más tarde se convertiría en su profesor.

Habiendo trabajado como profesor de sociología y surfero profesional durante los 70, dirigió artísticamente varias revistas de música, monopatines y surf durante los 80, siendo la más conocida Ray Gun (1992-1995), con la que captó la atención alrededor del mundo. Sus diseños se hicieron característicos por el uso de imágenes fracturadas o distorsionadas, lo que les hacía casi ilegibles, algo muy característico de las vanguardias. Efectivamente, sus aforismos en "The end of print" cuestionaban el rol de la tipografía en la emergente era del diseño digital, en la línea del 'New Wave' californiano y coincidiendo con los experimentos de la Academia de Arte de Crambrook. A finales de los 90, pasó de una subcultura surfista a trabajar para Nike, Levis, y Citibank.

Entre los años 1982 y 87, Carson fue profesor del Instituto Torrey Pines en San Diego, California. En 1983, empezó a experimentar con el diseño gráfico y se encontró inmerso en la bohemia y artística

diseñadores

Portada del nº 50 de la revista Ray Gun

cultura del sur de California. A finales de los 80, había desarrollado su característico estilo, usando una tipografía "sucia" y con técnicas fotográficas no muy conocidas. Más tarde, sería reconocido como el "padre del grunge".

Carson se convirtió en director artístico de la revista Transworld Magazine.

Entre otras cosas, también era un surfero profesional y en 1989 fue clasificado en el noveno puesto en el ranking de mejores surferos del mundo. Steve y Debbee Pezman, editores de la revista Surfer magazine (y más tarde de Surfers Journal), animaron a Carson a diseñar Beach Culture. Aunque sólo se produjeron seis ediciones, ésto permitió a Carson impactar por primera vez en el mundo del diseño gráfico y la tipografía.

Pronto fue contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para diseñar Ray Gun, una revista sobre música y estilos de vida de tirada internacional. Su trabajo en esta revista le hizo muy conocido alrededor del mundo, y en 1995 fundó su propio estudio, David Carson

Desing, en Nueva York, y ésto atrajo a un mayor número de clientes de todo Estados Unidos. Durante los tres años siguientes, Carson trabajó para Nike, Ray

Ban, Pepsi Cola, Budweiser, Microsoft y Giorgio Armani, entre otros.

En noviembre de 1995, publicó su primer libro End of print que vendió más de 200.000 copias en cinco idiomas diferentes y pronto se convirtió en un bestseller alrededor del mundo. Su segundo libro, 2nd Sight, fue publicado dos años más tarde, el cual cambió el modo común de ver el diseño gráfico. En 1998, trabajó con el profesor de Harvard John Kao en un ensayo titulado "The art and discipline of creativity". Su tercer libro, Fotografiks (1999), hizo que Carson recibiera el premio al Mejor uso de fotografía en Diseño Gráfico. Su cuarto libro, Trek, fue publicado un año más tarde. Carson tambíén ayudó en el desarrollo de The History of Graphic Design de Philip Meggs y en el de The Encyclopedia of Surfing de Matt Warsaw.■ 41

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Claret Serrahima

C

omenzó su trayectoria profesional en 1978. Tiene un pequeño estudio de diseño, el Estudi Cla-Se, en un espacio sorprendente del barrio Gótico, porque en un momento dado decidió que le interesaba ser pequeño, no crecer y controlar su producción. Así ha conseguido mantener su prestigio de diseñador, "de maestro ebanista", como le gusta definirse, intacto.

Clase bcn es un estudio de diseño gráfico y comunicación visual de Barcelona formado por un equipo de 10 profesionales, joven,internacional y multidisciplinario, cuyo trabajo ha sido premiado en varias ocasiones, creado en 2001.

Trabajan todas las áreas del diseño con una particular defensa de la tipografía y del elemento sorpresa.

Y ahora ocupa la actualidad porque, por un lado, ha hecho el cartel de La Mercè, -lo sorprendente es que todavía no formara parte de la lista de quienes han convertido este reto en un clásico- y por otro ha conseguido sacar adelante la imagen corporativa de Catalunya Caixa, la Caja resultante de la fusión de Caixa Catalunya, Caixa Manresa y Caixa Tarragona.

Si lo primero es puro placer creativo, y así lo reconoce -"no se si me lo encargaron o hice que me lo encargaran, porque creo que ya me tocaba"-, lo segundo se parece más a una interminable sesión de psicoanálisis compartida a tres banqueros que deben aceptar la imagen bajo la que se fusionarán y bajo la que, en cierto modo, desaparecerán. En ambos casos ha tenido éxito, aunque el camino no haya sido precisamente una línea recta.

Hacer un retrato es como intentar construir un rompecabezas sin tener todas las piezas. Es difícil conocer la totalidad del personaje, incluso para él mismo. Es por ello que todos los retratos son una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas.

Por tanto, quien intente encontrar a Claret Serrahima en esta exposición, lo que encontrará son trazos de su trayectoria profesional, trabajos, obsesiones y hallazgos.

La mirada será la de un creador gráfico, un activista de la ciudad y de la cultura y, por tanto, tendrá la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, al diseñador, al comunicador, al cronista visual, al artista vocacional, al fotógrafo dibujante, al activista cultural, en definitiva, al narrador.

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barcelona - 1950

La exposición Claret Serrahima se define tanto por lo que es como por lo que no es. Es una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas.

Son más de 100 piezas hechas a lo largo de más de 25 años, un compendio dividido en cuatro capítulos (Cabeza, Barriga, Mano y Pies) que se centran en diferentes aspectos de su trayectoria: desde el diseño más conceptual y estratégico a los trabajos más libres e irreverentes.

No es una retrospectiva de un autor retirado, no es la photofinish de su carrera. Es una ojeada a un hiperactivo creador en pleno periodo activo, tal como él mismo dijo cuando recibió el Premio Nacional de Cultura en el año 2010.

Es un conjunto de recortes de su trayectoria profesional, de trabajos, de obsesiones y de hallazgos. Lo que veremos serán fragmentos, pies, cabeza, barriga, mano, que conforman una imagen –si no completa, sí aproximada– de un creador gráfico, de un protagonista de la ciudad y de la cultura y, por lo tanto, tendremos la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, el diseñador, el comunicador, el cronista visual, el artista vocacional, el fotógrafo dibujante, el activista cultural, en definitiva, el narrador. Porque, al final, veremos que la exposición no es otra cosa que una narración, en la que hemos intentado hacer de traductores, lo más literalmente posible, de su capacidad creativa.

Cabeza, pies y barriga son proyectos realizados con el personal del estudio de Claret Serrahima, con aportaciones de diseñadores y de amigos. Todos los proyectos que ahora se exponen no habrían sido posibles sin su colaboración y complicidad.■

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Saul Bass (1920-1996)

El binomio Cine y Diseño Gráfico, siempre ha tenido como resultado un nombre y un apellido: Saul Bass.

Este neoyorkino afincado en Los Ángeles, dejó su impronta en más de 60 carteles de películas, entre ellas varias obras maestras, y también en multitud de diseños de títulos de crédito.

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diseñadores

S

aul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn. En éste último fue su maestro Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico. Decidió mudarse a Los Angeles en 1946, debido a que en Nueva York encontraba muchos impedimentos para desarrollarse creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones. A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que

Citas destacadas:

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diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Bass siguió su camino en el mundo del diseño en el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchock y hasta participó en la famosa película Psicosis durante la escena de la ducha, de la que se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa, Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye

“La ambigüedad y la metáfora suelen ser centrales en mi trabajo, y por cierto en el trabajo de la mayoría de los cineastas y diseñadores que admiro. Las cosas que son lo que aparentan cumplen su función y pronto se vuelven tediosas. Lo ambiguo es intrínsecamente más interesante, más desafiante, más inclusivo, más misterioso y más potente. Obliga a volver a examinar, agrega tensión, otorga vida; y debido a que hay más que descubrir, tiene mayor longevidad”.

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(1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV. Después regresó al diseño gráfico comercial. Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell y Warner Comunications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El Cabo del Miedo), The Age Of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los 90.

Saul Bass fue poseedor de un estilo único y fácil de reconocer muchas veces imitado pero lejano a la capacidad de sintetizar y su marca única que sólo el propio Bass era capaz de transmitir. Su filosofía se basaba en

“La creatividad es la noción de tomar algo ‘conocido’, aun algo trillado, y tratarlo de tal manera que se transforma en una experiencia completamente fresca.

Algo así como transformar lo común y corriente en extraordinario”.

“menos es más” algo vital para captar la esencia de un film. Grandes directores solicitaron su genialidad para darle el toque Bass a sus películas. Indudablemente, hay ejemplos que presagian los pioneros trabajos de Bass: los famosos títulos finales de crédito de Ciudadano Kane,que supusieron un antes y un después en los cines de la época. Se puede decir que el impactante diseño de los créditos de Bass no tiene parangón, ni siquiera hoy en día.■ Carteles promocionales para las películas West Side Story, Vertigo y El Hombre Con el Brazo de Oro. Logotipo para los JJOO de Moscú en 1980 y Los Ángeles en 1984.

Identidad corporativa de diversas marcas como United Airlines, Warner Communications, Minolta y AT&T.

“La primera impresión es la que cuenta”

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N

acido julio de 1962, es un diseñador moderno del cine secuencias de títulos, se considera el directo heredero del ya mítico

“

bajar Me gusta ttoragrama poco a pocoa,mfoa, de una a fotogr obsesiva. manera casia joven me Cuando era a dibujar dedicab amados, r diseños mureylat zados, de muy ent ra bastante una mane trabajo del El compulsivae. m ina. detall e fasc

”

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Saul Bass.

Cooper estudió diseño gráfico en Paul Rand en la Universidad de Yale y un BFA de la Universidad de Massachusetts en Amherst y el título honorario de Diseñador Real para la Industria de la Royal Society of Arts de Londres.

Al principio de su carrera profesional, Cooper trabajó como director creativo de R / GA - una agencia de publicidad con oficinas en Nueva York y Los Ángeles.

La revista Details ha afirmado que Cooper consiguió casi en solitario la revitalización de la secuencia principal de títulos como una forma de arte. En 2003 Cooper fundó Prologue Films, finalista en los Premios Nacionales de Diseño 2008, y dio nombre y fue co-fundador de Imaginary Forces en 1996.

Cooper tiene cinco nominaciones a los premios Emmy y un premio por su trabajo en la 81a edición de los Premios Anuales de la Academia.

Su trabajo en el campo del diseño de la película del título es a menudo comparado con Saul Bass.

Creó la secuencia del título innovadora, para el 1995 América del crimen película Se7en, una obra seminal, que recibió elogios de la crítica y ha inspirado un número de jóvenes diseñadores. Según Cooper, en el momento en que hizo la secuencia del título de Se7en, las secuencias principales del título estaban detrás de lo que estaba sucediendo en la prensa, videos musicales y comerciales. Él quería crear títulos principales que fueron elevar el nivel de creatividad.

Cooper también ha dirigido la película New Port del Sur (2001) y ha realizado trabajos de gráficos comerciales tales como: Medal Of Honor, MTV, Gillete y Heineken.■

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Trabajos destacados: SEVEN (1995) Sin duda su obra maestra y porque no decirlo los mejores títulos de crédito que se han visto en el cine con permiso de los que Saul Bass hacía para Hitchock y es que los títulos de crédito se Se7en eran muy novedosos las letras se veían sucias, nos brindaba unos flash-back en los que se veía como el asesino de la película se iba preparando e ideando sus asesinatos, todo esto se veía con la imagen muy sucia, además le daba como un tono como de que estuviera grabado y que fuera como un metraje grabado por el asesino que tenía la bobina desgastada.

SPIDER-MAN 2 (2004) Posiblemente lo mejor de la trilogía, en ellos se ven como en viñetas ilustradas todo lo que ocurrió en la primera entrega, es la mejor introducción que se ha visto en una secuela y sin duda para el que os escribe uno de los mejores títulos de crédito que se ha realizado.

Créditos iniciales para Se7en de David Fincher (1995).

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Óscar Mariné En 1998 Tibor Kalman dijo del trabajo de Mariné: “Ya no es diseño gráfico. Es comunicación. Gráfico pertenece a 1995. Comunicación significa que el creador ha aceptado la responsabilidad de elaborar un sustancioso guiso, contando con la nutrición”.

N

ació en 1951 en Madrid, España. Diseñador, ilustrador, experto tipógrafo y artista profesional, Oscar Mariné es uno de los mayores comunicadores de la era post-franquista de España.

Su obra es reconocida internacionalmente en campos tan diversos como la edición, la imagen corporativa, el cine y la música. Sus trabajos llevan el sello de un creador, une contenido, contexto y variedad de técnicas para superar las barreras del diseño gráfico.

Su concepto orgánico del diseño de un producto le hace un ejemplar vital de la comunicación contemporáneo.

Sus primeros tiempos, Madrid Me Mata, revista (años 80).

La creatividad multidisciplinaria de Mariné era evidente desde el principio cuando 48

fundó y fue director artístico de la celebrada revista contra-cultural Madrid Me Mata, donde fusionó contenido y forma para crear una publicación iconica durante los famosos años 80 de La Movida Madrileña.

En el área de marca (branding), sus proyectos para Camper, Loewe y Vega Scicilia son bien reconocidos en los círculos de diseño español. Logros internacionales incluyen la reconocida campaña de publicidad americana para Absolut Vodka Absolut Mariné para Seagram USA, sus trabajos para Swatch, Fabrica de Benetton y la japonesa Narizuka Corporation. También el desarrollo de la marca para el estudio de arquitectura de sir Norman Foster en Londres, Foster and Partners, su propuesta resonaba con la estética de los swinging 60’s londinenses.

diseñadores Cartel de Todo Sobre mi Madre de Pedro Almodóvar.

Campaña Absolut Mariné.

Con un extenso portafolio en proyectos editoriales, y en el ámbito periodístico, en 2007 el periódico El País ha confiado a su estudio el diseño de sus ediciones de cabecera.

Desde 2005 es responsable de la dirección artística del exquisito diseño de C Photo Internacional Magazine, probablemente la revista de arte fotográfico más prestigiosa del mundo, publicada por la editorial Ivory Press, Londres.

Algunos de los músicos que han requerido su participación en la creación de portadas de discos son Bruce Springsteen, The Psy-

chedelic Furs, Andrés Calamaro, Los Rodríguez, Siniestro Total, Michel Camilo y Tomatito, por nombrar unos pocos.

Sus proyectos para el cine incluyen carteles icónicos como el de Todo sobre mi Madre,

de Pedro Almodóvar, El día de la Bestia, de Alex de la Iglesia, o Tierra, de Julio Medem.

También ha diseñado la imagen oficial de los últimas dos ediciones (y las de todas sus diferentes secciones) del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que contrasta con el semblante austero y lorquiano de otro trabajo reciente, la escenografía de El huso de la memoria, último espectáculo de la artista flamenca Eva Yerbabuena. Últimos proyectos incluyen la marca para el Matadero Madrid, el nuevo centro cultural de la ciudad. Esto es un lugar para la juventud, un sitio donde la búsqueda del arte y la creatividad se encuentran. La identidad de Mariné cubre todos las aplicaciones gráficas: señalización, publicaciones, publicidad, papelería, etc...■ 49

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Alex

Trochut Nació en Barcelona, 1981.

Comenzó a trabajar como Freelance e ilustrador en 2007.

Estudió Diseño Gráfico en Elisava.

A

lex Trochut no cree en los límites entre arte y diseño y se maneja con soltura en dos terrenos aparentemente distintos: tipografía e ilustración. Tampoco cree en los límites geográficos y trabaja, desde su pequeño estudio barcelonés, para clientes de todo el mundo. No tiene complejos. Se ha criado en un mundo de nuevas tecnologías y sabe sacarle partido a los aspectos positivos de la globalización. Es un creador interdisciplinar y esa es, quizá, una de las cualidades que lo hacen especial y que lo han convertido en un nombre al que se acercan agencias tan prestigiosas como Ogilvy, estudios reconocidos como Non Format o Zip Design y grandes clientes como los Rolling Stones, Nike o Coca Cola.

Alex piensa que los referentes son únicos para cada persona, y responden a lo que conecta con el corazón de alguna manera. Para él éstos giran en torno a su estudio por un lado, su abuelo Joan Trochut por otro, y referentes 50

en torno al mundo del diseño y el arte; personajes como Escher, Vasarely, Dalí, Miró, Milton Glaser o Herb Lubalin forman parte de su lista. En cualquier caso, una lista totalmente mutable que crece y decrece con el tiempo, la experiencia y las necesidades.

Con su libro “More is More ” intenta reflejar, entre otras cosas, la actitud de estar constantemente emapapándote de éstos referentes e influencias, que actúan cual imanes que te hacen mover y tirar en una dirección, filtrando todo eso que has percibido y ha conectado con tu alma, y se traza a través de un trabajo del que resulta una línea única. Pero mejor, os dejo con sus propias palabras: “More is More” surgió un día, a la hora de pensar cómo me definía como diseñador, ilustrador... Siempre he sido un gran amante del horror Vacui, me ha costado mucho hacer las cosas de forma neutra, con lo cual nunca me he sentido muy identificado con el “less is more”, pero eso no quiere decir que no sea fan de muchos tra-

diseñadores

Diseño de packaging para Chivas Regal

bajos de la escuela suiza y de esa manera de hacer más racional. Pero el More is More al final se ha convertido en algo que puede ser muchas cosas. Puede ser el hecho de tener muchos referentes para tener más ideas, o poder tener muchas posibilidades para tener más resultados, y cuanto más tienes más consigues, y cuanto más trabajas, mejor es el resultado. Y bien, creo que resume un poco la actitud del trabajo del diseñador. […] La realidad del momento en el que vivimos hace que tu trabajo sea reconocido en cualquier sitio donde guste, porque no dependemos ya de unas distancias para poder llegar a nadie, con lo cual ha sido la gran suerte en mi caso poder haber existido en la era del momento Internet; el momento en el que publicas tu trabajo y de repente empieza a tener una reacción fuera. Y esto, bueno, es increíble que pueda pasar, porque no me lo esperaba para nada, pero realmente ahora es posible, y es posible para todos. […]

El libro ha sido como cerrar un capítulo en mi vida. Y

esto implica revisión de cosas; cosas que miras con mucho cariño, cosas que te gustaría seguir haciendo, cosas que te gustaría cambiar... Y bueno, es un punto de inflexión. Una pequeña ancla en la que ves que has dejado un sello, y ahora a seguir.

Estoy en un momento de mi vida incierto, en el que empiezo muchas cosas nuevas; tengo ganas de tener los ojos abiertos y dejar que las cosas se definan por sí solas, pero si que noto los vientos de cambio de alguna manera, y quizá más en mi vida. En mi trabajo, creo que he estado muchos años trabajando para adentro, y quizá tengo ganas de comunicar más hacia afuera, ya no como un viaje interior, sino buscando trabajar para comunicar con gente, más hacia el trabajo en equipo... Trabajar en un sector distinto como el arte, hacer más exposiciones...

No lo se. Estoy abierto a todo. Pero bueno, como siempre, las cosas no las controlas tú. Las cosas van pasando, y te vas adaptando a ellas.”■ 51

diseñadores

PETER

BEHRENS

nació en Hamburgo, Alemania, en el año 1868. Estudió pintura en Hamburgo, en la Universidad Dusseldorf y Karlsruhe, desde 1886 hasta 1889.

E

n 1890 contrajo matrimonio con Lilly Krämer transladandose a Munich. Al principio trabajó como pintor, ilustrador y calígrafo, y después se dedicó a las artes y oficios Frecuentaba los grupos bohemios de Munich y sentía interés por cuestiones relacionadas con la reforma de los estilos de vida. Entre su círculo de amistades se encontraban Otto Julios Bierbaum, Richard Dehmel y Otto Erich Hartleben.

En 1892, el pintor Behrens cofundó la Secesión de Munich, mientras que su compromiso en las Artes y Oficios le condujo a crear, junto con Hermann Orbist, August Endell, Bruno Paul y otros el Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk, Talleres Unidos para la producción en serie de artículos útiles. En 1899, Behrens aceptó la invitación del duque Ernst-Ludwig de Hesse a ser el segundo miembro de la colonia de artistas que se acababa de establecer en Darmstadt. Allí, en un lugar conocido como Mathidenhöhe, construyó 52

su propia casa. Behrens, un autodidacta, la diseñó como una obra completa de arte.

A partir de sus diseños se crearon desde los jardines hasta los interiores, y todo lo que ellos contenían, lámparas, muebles, alfombras, vajilla, cristalería, cubertería, toallas, decoración, cuadros…

La casa Behrens marcó un momento decisivo en la vida de su creador, ya que supuso su retirada de los círculos artísticos de Munich, y simbolizó su abandono del Jugendstil y su evolución hacia un diseño austero y sobrio.

En 1903, Peter Behrens fue nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios de Dusseldorf, bajo la orden de reformarla, tarea que resolvió de forma ejemplar. Entre los nuevos miembros del profesorado que llevó a esta escuela, se encontraban Josef Bruckmüller, Max Benirschke, Rudolf Mosselt y Fritz Hellmuth entre otros.

En 1907, Behrens, con otros 10 artistas e integrantes del movimiento, junto con la Vereinigten Werkstätten se asociaron para crear el Deutscher Werkbund (DWB), asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales que fue una organización importante en la historia de

diseñadores Carteles para AEG promocionando relojes y lámparas de la firma.

la Arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.

Su fundación se vio influida por el Movimiento de Artes y Oficios, pero desde el principio sus objetivos revestían una mayor modernidad. Entre ellos se encontraba un deseo de dedicarse a la industria como un elemento en creación, la transformación de una sociedad clasicista en una sociedad igualitaria de masas y la rehumanización de la economía, la sociedad y la cultura. Behrens supo reflejar en su propia persona y en su obra para la AEG los ideales de la DWB, lo que le valió el apodo de “Mister Werkbund”.

La AEG, Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft o Compañía General de Electricidad, contrató a Behrens como asesor artístico en 1907, bajo la recomendación de Paul Jordans, que dirigía casi todas las fábricas de AEG.Este hecho fue de suma importancia ya que era la primera vez en la historia de la industria en que una compañía importante daba un paso de semejante calibre y a tal escala que todavía hoy nadie ha superado. Al principio, el trabajo de Behrens, se centró en pequeños detalles, como cambios en las lámparas de arco, pero

más tarde, Behrens continuó con la transformación de la identidad corporativa de AEG, desde el membrete hasta su logotipo, del diseño de sus productos, sus anuncios, estrategias de exposiciones, e incluso del diseño de muchos edificios de las fábricas.

La nave de turbinas de la empresa AEG, ocupa un lugar especial en la historia de la arquitectura y el diseño del siglo XX, al constiuir la primera fábrica moderna, que sirvió de inspiración para arquitectos como Le Corbusier, Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe. Las generaciones que le siguieron tomaron a Behrens como ejemplo y modelo a seguir en lo respectivo al diseño y la arquitectura. El éxito de este hombre en la primera mitad del siglo XX fue pionero. Su ideología se difundió por todo el mundo a través de sus alumnos. El invento de Behrens de “identidad Corporativa” influyó directamente en otras empresas como Braun.

El desarrollo de una filosofía global de la forma es actualmente una máxima establecida. El lema de Behrens, en resumen, es un mensaje más importante hoy en día que en su propia época, la humanización del diseño industrial.■ 53

diseñadores

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Pati Núñez

Diseñadora. Primera mujer en ser galardonada con el Premio Nacional de Diseño. Le fue otorgado en 2007, veinte años después de su creación.

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Rediseño de la marca Vialis por Pati Nuñez.

N

ace en Figueres (Girona), en 1959. A través de su hermana comienza a estudiar en la escuela EINA, donde nada más terminar su formación entra en el cuerpo docente. Comienza a trabajar con Toni Sellés y, en 1983, gana su primer premio Laus por la imagen de Vinçon, realizada junto con Javier Mariscal, América Sánchez y Fernando Amat.

Tras su paso por diferentes empresas de diseño y publicidad en 1985 abre su propio estudio de diseño especializado en diseño gráfico, identidad corporativa y packaging. A principios de los años 90, se fusionará con AD, Associate Dessigner. Nace así Pati Núñez Associats, especializada en imagen corporativa y de producto y en campañas de comunicación gráfica.

Entre sus clientes se incluyen Cacao Sampaka o System Action. Ha diseñado la imagen de perfumes de marcas famosas, como Loewe o Armand Basi.

Forma parte de su Junta Directiva como coordinadora de escuelas de diseño y como directora de los Premios Laus. En todo este tiempo, compagina su carrera con la docencia como profesora de Proyectos de Diseño Gráfico en la Escuela EINA de Barcelona. Actualmente sigue impartien- do conferencias, talleres y cursos de posgrado en escuelas, universidades y eventos de diseño.

Se convierte en 2007 en la primera mujer en ganar el Premio Nacional de Diseño. Es la primera, en 17 años de historia, que gana el Premio Nacional de Diseño, otorgado por la Fundación BCD y el Ministerio de Industria, Turismo y Comercio, que también ha reconocido el trabajo de la empresa valenciana de diseño industrial Andreu World.

Las obras de esta diseñadora catalana tienen potencia visual por su simplicidad, comunican un solo concepto sin añadir nada más que lo necesario. Intentan expresarse en el lenguaje de las emociones ya que la emoción capta y seduce.

Núñez no cree en las inspiraciones, el diseño gráfico es comunicación, por lo tanto se trata de escoger un concepto o idea a comunicar y representarlo de modo consecuente. Los materiales dan el aspecto de calidad a un diseño por este motivo la artista presta especial atención al proceso de producción y los acabados de sus proyectos.

En cuanto al diseño del futuro la diseñadora opina que el único diseño que tiene futuro es el que prescinde de las modas, y cree que en un futuro inmediato van a coexistir muchos y muy diversos modos y modas del diseño, por lo que, afortunadamente, no se puede hablar de una sola tendencia colectiva.■

fotomat贸n

B

Fotomat贸n 56-57

Mario Esquenazi

58-59

Enric Jard铆

60-61

Javier Mariscal

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Laura Meseguer

64-65

Carlos Rolando

66-67

Erik Spiekermann 55

Fotomatón

Mario

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Esquenazi

Lo que hago no le puede gustar a todos. ¡Y es preferible!

» Mario Esquenazi Esquenaci Esquinasi Eskinaze Azkenatsi Eskenasi Eskineazy Askenasi Eskenazí Esehenazzi Eskezany Eskenazy Eskenazi (esto aparece en su tarjeta de visita debido a la cantidad de veces que se equivocan con su nombre). Bueno, anécdotas nominales a parte, Mario Eskenazi es uno de esos diseñadores de cabecera.

Su trabajo, muy centrado en la identidad gráfica, premiado con el Nacional de Diseño en 2000, es de esos que parece que son fáciles de hacer, de los que salen solos. Y esa es una de las mejores virtudes de un diseñador gráfico, que todo parezca lógico. Imaginad esta entrevista con su peculiar acento argentino y su sentido del humor. Y por cierto, a nosotros nos gusta mucho lo que hace.

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Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Mario Eskenazi. 11/10/45 Buenos Aires (Argentina) ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Las mesas del estudio de mi padre (las había diseñado él, era arquitecto), los de los centros de los discos de vinilo (72 rpm): His master’s voice o Capitol. El logo que había en la nevera: Westinghouse. En las revistas había anuncios de coches: los logotipos de Chevrolet, Cadillac, Ford, Buick, Peugeot (en general todos los de coches, especialmente los americanos, que eran los que mas había en Argentina), y MGM, WB, Columbia (los de las productoras de cine, iba mucho).

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Cómics. O música.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que disfruten del trabajo, y que no lo hagan pensando en lo que van a cobrar! Y a tener en cuenta: nunca se acaba de aprender.

Diseño gráfico es…

Cultura, comunicación, experimentación. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un cartel para una manifestación, cuando era estudiante. ¿Y el último?

La identidad de Barcelona pel Medi Ambient.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

La identidad de Banc Sabadell, la identidad de BCNeta! y las portadas de Paidós (Asterisco y Pensamiento contemporáneo).

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Varios: David Reinfurt, John Morgan, Project Projects… etc.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Varias: Gobierno de España, Reina Sofía, Renfe… ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Hace mucho que aprendí que lo que hago no le puede gustar a todos. ¡Y es preferible!

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Railroad Gothic.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

Pantone Black.

Estudio/Agencia Estudio.

Papel/Digital Depende.

Lápiz/Ordenador Los dos.

Mac/PC Mac Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

Hoy, el Barça. Felipe González. Barcelona.

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

No se me ocurre…

Una marca que detestas y que despierta albanzas en el mundo del diseño.

No sé cuáles son las opiniones del mundo del diseño… como marcas hay muchas que no me gustan: Movistar, Banco Santander, por nombrar algunas nacionales.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Amarcord, 8 y 1/2, Sed de mal, etc, etc. Cualquiera de Borges.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

El “hubiera” no existe. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Historia del Diseño (hace años no se enseñaba, ahora no sé). ¿Eres de los que opinan que tu lo hubieras hecho mejor?

Qué cosa? Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Siempre pensé que las profesiones se deben mover al margen de los políticos. Los diseñadores debemos mejorar el mundo del diseño.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

Uuuyyyyy!!!… qué verguenza! 3

Elige y Razona tu elección: Neville Brody/David Carson Milton Glaser/Paul Rand Por qué elegir?

Freehand/Ilustrator Depende.

Quark/Indesign Indesign.

Garamond/Helvetica Depende.

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Fotomatón

Enric

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Jardí

No me veo en una portada.

Mejor en el póster central

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Enric no es un diseñador gráfico, es un comunicador gráfico. Parece un hombre tranquilo pero su actividad en el mundo del diseño es hiperactiva. A parte de diseñar y hacerlo bien, es presidente del ADG-FAD, escribe libros, artículos, da conferencias, hace tipografías, dirige un Master, da clases… se puede pedir más?. Aprovechando la publicación de su último libro “Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán) + Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán)” le hacemos una foto rápida para saber más de él. Si tenéis que comprar vuestro primer libro sobre tipografía, este es el indicado, no busquéis más.

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Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Enric Jardí Soler, Barcelona 30/01/1964 ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

En casa de mis padres había muchos libros. Creo que debe haber más de 5.000. Lo curioso es que habiendo muchos libros de arte, recuerdo especialmente las ediciones en rústica de algunos libros de literatura inglesa. Concretamente, un ejemplar de la edición de bolsillo de Hamlet de Penguin que ahora mismo tengo en mi mesa. Entonces no sabía qué era ni qué significaba pero ya me atraía.

Si no te hubieras dedicado al diseño, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Cartografía.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que vivan de él o sin él. Pero que vivan.

Diseño es…

En su sentido más amplio, planificar antes de fabricar, construir o imprimir. En nuestro momento histórico, un oficio y también un modo de ver la conducta humana. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un logotipo para una asociación musical. ¿Y el último?

Una colección de libros gratuitos.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

Mi primera colección de libros, una serie de libros de bolsillo para Edicions 62, el periódico Chicago Reader y el último trabajo que he hecho.

Un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Otl Aicher.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Leche Pascual. ¿Que le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Que gracias por opinar.

La última tipografía que has redescubierto y que tenias olvidada.

Helvética, en serio.

Un número del Pantonero con el que te harías un traje.

Orange 021.

Elige y Razona tu elección:

Neville Brody/David Carson Brody, aportó mucho más que Carson, es menos pretencioso y lo que hace se puede leer.

Milton Glaser/Paul Rand Paul Rand, tiene menos estilo.

Freehand/Ilustrator Illustrator, es de Adobe y sus actualizaciones son más lógicas.

Quark/Indesign InDesign. Tiene casi todo lo que tiene Quark más muchas otras cosas más, es más intuitivo y te dan soporte técnico. Y además es más barato.

Garamond/Helvetica Depende para qué. No escojo.

Estudio/Agencia Tampoco escojo. Las dos formas son necesarias.

Papel/Digital Digital, aunque para leer sigue siendo mejor el papel.

Lapiz/Ordenador Depende para qué. No son opuestos.

Mac/PC Mac. De verdad necesitas una respuesta?

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

Barcelona y Barcelona. (Sí, ya sé que falta el político).

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

Jordi Fornas.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

Porsche.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Lawrence de Arabia. El espía que surgió del frío.

Si estuviera en tus manos ¿que cambiarías del mundo del diseño?

Cambiaría dos cosas que creo que están relacionadas: el star system de los diseñadores, es decir, la compra de diseño para, en realidad, adquirir un estilo concreto tal como pasa desde hace tiempo en arquitectura.

La otra es la acepción de “diseño” como algo de forma extravagante, notoria o artificial, opuesto a “normal”. Pero creo que ambas batallas están perdidas. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

A responder todos los mensajes de correo electrónico. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

Lamento decirlo, pero sí. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que dejen de considerar el diseño como algo relacionado con el talento, el mérito o la genialidad y por lo tanto: Dejen de convocar concursos abiertos. cambien las imágenes de las entidades cada vez que entra un nuevo director general Hagan buenos encargos, es decir, que piensen y se asesoren antes de hacer comprar diseño.

Que entiendan que el diseño es una inversión y no un gasto y fiscalmente sea tratado como tal.

Que no compren diseño y arquitectura para exhibirse.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

No me veo en una portada. Mejor en el póster central.3

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Fotomatón

Javier

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Mariscal

todos sabéis que soy un bluf

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Mariscal es un tipo que, personalmente, siempre me sorprende. Es brillante, audaz, atrevido y no deja indiferente a nadie. No tiene prejuicios y esto le lleva a meter la pata en algunas ocasiones. Pero su gráfica, su dibujo y su colorismo nos hace disfrutar a todos. La magnífica exposición que le hicieron en el Museo del Diseño de Londres es la prueba que su fuerza artística es incontestable y va más allá del simple diseño gráfico. Llevábamos tiempo detrás de él. Nos falló en Escola Muuu, [pedazo de ausencia!] pero finalmente lo hemos llevado al asiento del Fotomatón y, como siempre hace en cada entrevista, contesta sin pelos en la lengua.

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Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Javier Mariscal Errando, Valencia, 1950. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Una nevera Westinghouse que tenía unas formas redondas, muy bonitas. Un transistor Zenith que iba con pilas, que nos alucinaba que funcionara sin enchufar a la corriente.

Tenía dos ojitos y una boca muy grande, un altavoz doradito, un trastito pequeñito, monísimo. Y una lavadora Bru. Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Ser músico, cantante, tocar la guitarra, los bongos, el piano, el saxo. Me dan una envidia tremenda los músicos.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Odio los consejos.

Diseño Gráfico es…

Un oficio. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un escaparate para una agencia de viajes. ¿Y el último?

Chico & Rita, la peli de animación que dirijo con Fernando Trueba y que ya hemos terminado. Se estrena a finales de este año. Y la próxima exposición retrospectiva en la Pedrera, del 28 de septiembre de 2010 a enero de 2011.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

El bar Duplex, Cobi y, sobre todo, el último, que siempre es crucial.

Cita a un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Tibor Kalman, lástima que haya muerto.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Avecrem y la Fanta de limón. ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Me parece muy bien que lo piense. A mí también hay cosas que no me gustan, incluso cosas que yo he hecho. No espero que todo el mundo aprecie o le guste lo que hago. Además, todos sabéis que soy un bluf.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Yo dibujo mis propias tipografías. La última que he hecho, Chico & Rita, se apoya en una Fago.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

No tiene número, es el blanco.

mos hecho con este programa.

Garamond/Helvetica Helvetica, siempre Helvetica.

Estudio/Agencia Estudio, no sabría cómo llevar una agencia.

Papel/Digital Papel y digital.

Lápiz/Ordenador Lápiz primero y ordenador después.

Mac/PC Mac, claro.

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

Paco Bascuñán Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

Movistar.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

Los pantones. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

El culo de los profes. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

Nunca hago nada que esté bien así que nunca pienso eso. Échale imaginación y proponles a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que trabajen, que tengan sentido común, que no tengan prejuicios, que se enteren bien en qué consiste esto del diseño y, sobre todo, que no molesten.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

No me he planteado nunca esta cuestión y me da mucha pereza pensarlo.3

Elige y Razona tu elección:

Neville Brody/David Carson David Carson porque se le quemó el apartamento al pobre y, además, hemos trabajado juntos.

Milton Glaser/Paul Rand Los dos son imprescindibles. Para no tener que elegir entre ambos, me quedo con Saul Bass.

Freehand/Ilustrator Freehand, porque te deja una mano libre.

Quark/Indesign Indesign. Los últimos libros los he61

Fotomatón

Laura

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Meseguer

Soy de las que opina que todo se puede mejorar

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Laura es una de nuestras mejores referencias dentro del universo tipográfico. Con esa modestia que caracteriza a las grandes personas, nos traslada sus pensamientos y sus experiencias vitales. Nos deja intrigados por un nuevo proyecto que marcará un antes y un después en su carrera… ¿que será? Pronto lo sabremos, de momento vamos con la batería de preguntas del Fotomatón.

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Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Laura Meseguer Lafuente, 28 de Marzo de 1968. Barcelona. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Las galletas María ¡y el ColaCao! Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Viajar y hacer de eso un modo de vida.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que sean pacientes.

Diseño Gráfico es…

Comunicación. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un logotipo para un taller mecánico. ¿Y el último?

Una portada para un libro de filosofía y estética.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

El libro de los postres de el Bulli, que lo hice con Pati Núñez en 1998, mi tipografía Rumba, ambos porque marcaron momentos y la tercera algo que está por venir.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Karel Martens. ¿Que le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

No se, ¿por qué?

La última tipografía que has redescubierto y que tenias olvidada.

Antique Olive.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

272.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

No me gusta el fútbol, ¿un político? ninguno me motiva especialmente, una mezcla entre Barcelona y Amsterdam.

La película que nunca te cansas de volver a ver.

Blade Runner.

Si estuviera en tus manos ¿que cambiarias del mundo del diseño gráfico?

Que los timmings dejen de ser de risa, hacer realidad el trabajo en equipos multidisciplinares y que los presupuestos sean más razonables. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

A trabajar en equipo. ¿Eres de los que opinan que tu lo hubieras hecho mejor?

Soy de las que opina que todo se puede mejorar. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que se valore más nuestra profesión y que alcance su debido y merecido reconocimiento.3

Elige y Razona tu elección:

Neville Brody/David Carson Ambos son admirables pero creo que me quedo Neville Brody, por su variedad de registros y la capacidad de crear lenguajes.

Milton Glaser/Paul Rand Muy difícil, los dos.

Freehand/Ilustrator No uso ninguno de los dos.

Quark/Indesign De momento Indesign, pero no dejo de usar Quark si es necesario.

Garamond/Helvetica No son comparables, ambas.

Estudio/Agencia Estudio.

Papel/Digital Papel.

Lápiz/Ordenador Ambos.

Mac/PC Mac.

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Carlos

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Rolando

Neville Brody y David Carson son dos mentirosos

» Carlos Rolando es un espíritu libre, como él mismo cita en su blog. Es casi como un aventurero del diseño, ha estado en todas partes y tiene suficiente bagaje como para hablar con libertad de todo sabiendo que le sobran razones. Estuvo a punto de formar parte de la fundación de Pentagram con Crosby, Forbes, Fletcher y Gill; fue uno de los más prestigiosos y valorados publicistas del mundo, y en España hizo innumerables marcas que hoy siguen vigentes después de muchos años. Lo que aquí aparece es una breve parte de lo que nos contó porque como buen argentino de Rosario, habla y habla de casi todo. Un tipo con el que vale la pena tomar unas cuantas y largas cervezas.

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Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Carlos José Rolando, 27 de mayo de 1933, Rosario ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Soy hijo de un dibujante. He visto nacer el diseño desde que era muy pequeño. Empecé a ver el diseño en las revistas americanas y francesas como Vanity Fair.

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Cantante, músico.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que estudien muuuucho… sobre todo a la sociedad.

Diseño Gráfico es…

Yo nunca digo gráfico, para mi diseño es todo. Paul Rand dijo: “Diseñar es mucho más que simplemente agrupar, ordenar o incluso editar, es agregar valor y significado.”

Yo digo: Amen. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Empecé haciendo posters en la Universidad, para fiestas de la Universidad. ¿Y el último?

Un póster para la Fundación Pascual Maragall.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

Todos.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

He tenido posibilidad de trabajar con Saul Bass… pero yo soy un solitario.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Uuufffff! No sé. El próximo cliente que tenga y me lo pida. ¿Que le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Cuando empiezo un trabajo, le digo al cliente que no quiero escuchar la palabra ‘me gusta o no me gusta’, porque no trabajamos por gusto. Lo que tenemos que decir es ‘sirve o no sirve’, ‘es bueno o es malo para el proyecto’. Igual lo que yo hago no me gusta, pero es lo que hace falta.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Tipografías he diseñado muchísimas, pero para mí es mucho más importante el concepto que la tipografía. Antes trabajaba mucho con la Neue Haas Grotesk, que hace poco la volví a encontrar en la revista Eye. Pero también utilizo mucho la Bembo.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

Paso. Me da igual.

Elige y Razona tu elección:

Neville Brody/David Carson Ninguno de los dos. Son dos mentirosos. El Sr. Carson ¿de qué vive? Son tíos que han tenido un momento de gloria como las estrellas de rock. Cuando alguien lo ensucia todo, que no se puede leer, es que no tiene las ideas claras. Es como cuando una

cosa no tiene sabor, le metes ketchup y ya está.

Milton Glaser/Paul Rand Los dos, eran amigos míos.

Freehand/Ilustrator No uso el ordenador. Cuando lo tengo muy claro alguien lo pasa a limpio. Hoy hay verdaderos virtuosos de la informática. Para qué voy a aprender esto. Necesito mis neuronas para pensar en otras cosas. Yo soy como un copiloto.

Quark/Indesign Con la anterior respuesta queda claro.

Garamond/Helvetica Depende.

Estudio/Agencia Depende. Si quieres ganar dinero agencia, sino estudio.

Papel/Digital ¿Para hacer qué?

Lápiz/Ordenador Lápiz.

Mac/PC Mac. Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño. ¿Qué es hoy una marca? Una marca hoy es el símbolo de una identidad o de un grupo al que yo quiero pertenecer. Hay una versión que es más divertida. Un logotipo es una marca que fue a una escuela de diseño y ahora vive en un barrio pijo.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Singing in the rain. Hay un libro del que Paul Rand dice que no eres diseñador si no has leído ese libro, Art as expirience de John Dewey.

Si estuviera en tus manos ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

Lo que hay que cambiar es la formación. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Antropología, Sociología, Historia del diseño. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

No. Al revés. Cada vez que hago un trabajo intento verlo como si lo hubiera hecho otro.

Es la única manera de tomar distancia. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que se suiciden todos los políticos. Hay una sensación de que todo es diseño. Han vaciado de contenido el término. En Barcelona han abierto una tienda de diseño de… cejas! … de uñas, de yo que sé. Todo se diseña.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

En El Jueves, porque yo no me puedo tomar en serio.3

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Fotomatón

Erik

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Spiekermann

Aprended, aprended, aprended.

Tres veces.

Aprended todo

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Spiekermann se inició en el diseño gráfico como impresor y hoy es uno de los tipógrafos imprescindibles de las últimas décadas. Entre sus tipografías destaca la Meta (considerada por algunos como «la Helvetica de los 90») y cuenta con clientes como Philips, Levi Strauss Co., AEG, la editorial Gruner + Jahr y el Museo Getty. Desde 1979 dirigió el estudio MetaDesing en Berlín. Ahora acaba de empezar una nueva aventura con Edenspiekermann con sedes en Berlín, Amsterdam y Stuttgart.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento. ¿Es importante? Bien, Erik Spiekermann, nací el 30 de mayo de 1947, en Alemania. Tengo 64 años. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

El del papel de pared malo.

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Antes no me dedicaba al diseño. Probablemente fuera impresor, así es como empecé. Impresor y encargado de los tipos.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

El mismo consejo que doy a todo el mundo: aprended, 66

aprended, aprended. Tres veces. Aprended todo.

Diseño gráfico es…

Comunicación visual. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

No lo recuerdo, hace mucho de eso… trabajaba como impresor cuando era joven, así que probablemente fuera una tarjeta de visita o algún membrete corporativo para alguien, pero yo tenía solo quince años, así que hace mucho de eso. ¿Y el último?

Una presentación para Barcelona [risas]. ¡Es trabajo! ¡Me llevó un día entero!

fotomatón

¿Y el último trabajo de diseño?

Trabajo en tantas cosas a la vez que nunca hay un ‘último’. Llevo un estudio de cincuenta personas, así que cuido de que todos los proyectos salgan bien.

Cita a un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Sí. Por ejemplo, en Barcelona me encantaría trabajar con Javier Mariscal. Porque sus cosas son muy diferentes a las mías, y me cae bien. Es divertido y le gusta beber y comer y a mí me gusta beber y comer, y está chalado… me encantaría trabajar con él. Hacer una película o algo así.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Hay una empresa cuya imagen cambiaría, la alemana Opel. Tienen una marca horrible. Sus coches son mucho mejores que su marca. ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Me da igual, no necesito su opinión. Lo hago porque me gusta, no porque le guste a otra persona.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Estoy volviendo a Akzidenz Grotesk. Empecé con ella cuando era muy pequeño y ahora estoy volviendo a usarla.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

Me gusta el Pantone Warm Red. Es del único que me acuerdo. Es bonito.

Elige y Razona tu elección:

Neville Brody/David Carson Neville, por supuesto. Es un buen amigo.

Milton Glaser/Paul Rand Paul Rand, porque tiene un sistema parecido, unas conclusiones que se aproximan a las mías.

Me encantan los dibujos de Milton Glaser, pero el trabajo de Rand es más parecido al mío.

Freehand/Ilustrator Illustrator.

Quark/Indesign Indesign.

Garamond/Helvetica Garamond.

Estudio/Agencia Estudio.

Papel/Digital Papel.

Lápiz/Ordenador Lápiz.

Mac/PC Mac, por supuesto. Desde 1985.

Un equipo de fútbol, un político y una ciudad para vivir.

Mi equipo favorito es el de mi padre, el Borussia de Dortmund, actuales campeones de Alemania.

Aún tengo la camiseta de cuando mi padre jugaba, amarilla y negra. De los años treinta. Él ju-

gaba cuando tenía diecisiete años. El negro y el amarillo también son mis colores favoritos.

No hay políticos que me gusten. Lo siento.

Berlín.

Un homenaje a un diseñador olvidado.

Louis Oppenheimer, un diseñador alemán que murió en los años 30. De nombre judío, un excelente diseñador de carteles. Pero nadie lo conoce.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

Gucci. Es horrorosa. Sé que gusta mucho en España y en Italia, pero yo soy norteño, protestante. No me gusta el oro, sino la plata. A los protestantes les gusta la plata, a los católicos el oro. Gucci es demasiado rica para mí, demasiado barroca. Prada, por ejemplo, es plata.

Protestante a pesar de ser Italiana. Gucci es católica.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Me cuesta reconocerlo pero es 2001, una odisea en el espacio. La he visto más de cinco veces. Es muy buena, en parte por la música. En libros recurro mucho a los clásicos alemanes, mi autor favorito es Heinrich von Kleist.

Este año hace doscientos años de su muerte, en 1811.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

Que nos dieran más importancia a la hora de diseñar cosas públicas, papelería institucional, señaléticas, cosas que todo el mundo ve.

Si estuviera en tus manos ¿qué propondrías a los políticos que hicieran para cambiar las cosas?

Los buenos diseñadores deberíamos estar más comprometidos con el medio ambiente, porque podemos hacer cosas muy buenas. La mayoría de las cosas que vemos en la administración pública, los papeles que tienes que rellenar, son horribles, en algunos países es algo mejor, pero las señales públicas, los papeles y las comunicaciones del Gobierno, son realmente malos. A veces creo que quieren que seamos estúpidos y no entendamos los textos. Creo que nosotros deberíamos tener algo que hacer al respecto. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Yo distingo entre ‘prácticas’ y ‘educación’. En las agencias quieren que los diseñadores tengan prácticas, que vengan a la agencia y sepan Illustrator, Indesign, Dreamweaver, HTML y empiecen a trabajar. Yo quiero que tengan educación, que lean, que piensen, que aprendan idiomas, que viajen… pueden aprender Illustrator e Indesign en dos semanas. Pero en las escuelas deberían ser abiertos y no limitados.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

The Economist porque yo la diseñé hace diez años y nunca he salido en la portada.3 67