Revista by Maria Zabay

Grafía Diseño y diversidad

Directora General de Revistas Marisol Camiroaga Subdirectora Editorial Lorraine Thomson @LTHOMSON10 Editora de Contenidos Silvia Peña Editor Internacional y de Cultura Franco Fasola @FrancoFasola Editora de Moda/Belleza Vanina Rosenthal @vanirosenthal Editor de Ediciones Extraordinarias Marcelo Simonetti @marcelosimonett Directora de Arte Claudia González

La Editorial Gráfica es una editorial fundada en Barcelona en 1902. Fue dirigida por su fundador entre 1902 y 1945, año en que muere y es sucedido por su hijo, Gustau Gili i Esteve y posteriormente por su nieto, Gustau Gili i Torra. La editorial Gráficasiempre ha estado dirigida por los miembros de la familia Gili quienes, además de seguir una línea común marcada por su fundador, han aportado en cada período su marca personal, adaptando la línea editorial a la evolución del tiempo. La correspondencia personal y otros papeles permiten confirmar esta evolución.2 La empresa se ubica, desde 1960, en un edificio de la calle Rosselló, 8789, obra de Joaquim Gili y de Francesc Bassó, ambos del Grupo R, que recibió el premio FAD en 1961.

Periodistas Lenka Carvallo (Coordinadora Multiplataforma) @LenkaC Paula Palacios @PaulaPalaciosm Alfredo López @AlfredoLopezJ Lucy Willson @LucyWillson Asistente de Dirección de Arte Atienza Castro @Atistar Diseñadores Gráfico Carlos Avila Carolina Jarpa Colaboración: Macarena Vogel Columnistas y Colaboradores Claudia Paz González @claupaz1 David Ponce Sonia Lira Fernanda Aguirre @Fernandaguirren

Ilustración de portada por Marta Clavería

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Manual de Pablo Azkue para fotografiar olas

Si de algo se siente afortunado Pablo Azkue es de haber tenido la suerte de nacer a orillas del mar, de poder observarlo cada día y de aprender de él. También de poder utilizar la fotografía como una herramienta para poder expresar lo que siente cuando está a solas en el mar. De trabajar sobre un escenario que cambia cada instante y amanece diferente el próximo día al despertar.

Después de pasar la mayor parte de su vida en el Cantábrico, buscó una luz diferente en el Mediterráneo. Realmente no le importaba el tamaño o la constancia de las olas. «Las olas pequeñas dan mucho más juego de luces y colores de lo que podemos imaginar Cansado de realizar las fotos desde la arena, optó por fotografiar la tierra desde el mar. «Supongo que cuando empecé con este tipo de fotografía sólo pensé en que eran visualmente atractivas, y comencé el proyecto ilusionado y con muchas ideas para desarrollar. Pero pronto aprendí que debía ser paciente y respetar el ritmo del mar», explica Azkue. Cuando nos tumbamos en la orilla del mar», dice Pablo Azkue, «basta con esperar el momento ideal y ser pcientes para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral». Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Pero con los años, Azkue ha aprendido que las olas pequeñas tienen mucho que aportar. «Son pequeños tesoros dentro de una gran inmensidad, pero no menos importantes que las grandes olas del mar. Olas que rompen en la arena, que chocan contra paredes frente al mar. Olas que muestran la belleza de la vida, que nacen a miles de kilómetros y

Fotografía submarina en República Dominicana.

terminan su recorrido entregando su energía para que la vida no se detenga jamás». Cuando nos tumbamos en la orilla del mar», dice Pablo Azkue, «basta con esperar el momento ideal y ser pacientes para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con el viento terral». Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Después de pasar la mayor parte de su vida en el Cantábrico, buscó una luz diferente en el Mediterráneo. Realmente no le importaba el tamaño o la constancia de las olas. «Las olas pequeñas dan mucho más juego de luces y colores de lo que podemos imaginar Cansado de realizar las fotos desde la arena, optó por fotografiar.

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En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral» .En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Pero con las olas asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del duras penaun equipo que pesa más que alegrías suele dar. Oleaje en el Congo

«Cuando nos tumbamos en la orilla del mar basta con esperar el momento ideal y ser pacientes».

La cresta de la ola, Brasil.

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esperar el momento ideal y ser pacientes para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con el viento terral». En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral.

Veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral» .En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Pero con los areneros es distinto. Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final».

Para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral» .En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral, en un intento de impresionar a quien jar con las olas grandes. Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Sin viento o con viento terral para que llegue un día donde las olas rompan sin viento o con viento terral».En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes.

gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». En un intento de impresionar a quien pudiera ver su trabajo, comenzó a trabajar con las olas grandes. Pero con los años, Azkue ha aprendido que las olas. Asegura que ni siquiera hace falta ser fotógrafo, ya que él nunca ve lo que dispara. Se lo impide la cámara especial, de gran peso y volumen, que utiliza para tomar esas instantáneas del mar. Con un brazo extendido sujeta a duras penas un equipo que pesa más que alegrías suele dar. «Disparo cuando veo que es el momento, pero muy pocas veces lo que siento en ese instante queda expresado en la imagen final». Sin viento o con viento terral para que llegue día donde las olas rompan ver.

Aguas rosáceas en el mar Mediterráneo.

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¿Quiere ser inolvidable? Por Antonio Dyaz

o se precipite al responder porque todavía no lo sabe.

Algunos artistas abrigan la fatua creencia de que sus obras les harán inmortales, pero todos se equivocan, es exactamente al revés: sus obras sobreviven y ellos no. Todos recordamos a un atribulado Christopher Lambert en Los inmortales (Russel Mulcahy, 1986) viendo cómo el amor de su vida se extinguía entre sus brazos convertida en una anciana, mientras la voz de Freddy Mercury nos erizaba el vello con los versos de Who wants to live forever? Un ser mortal sustituye sus recuerdos por otros nuevos debido a su limitada capacidad de almacenamiento, pero alguien eterno no. Por tanto llega un momento en su vida en el que adquiere tal cantidad de referencias que finalmente ya nada tiene significado, como bien explicaba Umberto Eco en torno al título de El nombre de la rosa. En todo ser inmortal hay un punto de su desarrollo biológico en el que deja de envejecer. Nadie puede saber si un bebé es o no eterno, pues su crecimiento será idéntico al de los demás

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bebés, al menos durante un tiempo. La pregunta es: ¿qué puede determinar o desencadenar que en un momento preciso de nuestra biografía comencemos a desafiar las leyes implacables de la decrepitud? En el caso de los vampiros la respuesta es meridianamente clara: el instante en que son mordidos con la intención de que se conviertan en seres de la noche. Pero esto, por desgracia (o por fortuna), es sólo literatura. Si usted es inmortal, tardará tiempo en darse cuenta, más incluso que las personas de su entorno más próximo. Y cuando comprenda en toda su dimensión la responsabilidad de no temer a la muerte, tendrá el doloroso deber de mantenerlo en secreto y para ello renovar periódicamente a todos sus seres queridos. Sus saberes y habilidades se irán incrementando a lo largo de los decenios, por lo que no tendrá problemas para ganarse la vida, pero deberá evitar a toda costa la notoriedad. El ser humano está programado para vivir suficientes años como para atisbar las respuestas a algunas grandes preguntas, pues sólo el paso del tiempo añade experiencia y capacidad para entender el mundo. Pero esa programación también hace que la muerte nos visite (en el mejor de los casos) en

torno a un siglo de existencia, para los más afortunados. Y con cien años no basta para alcanzar esa comprensión que hoy nos está vedada. Con el transcurso del tiempo las heridas del corazón cada vez se hacen más profundas, y el peso asfixiante de tanto conocimiento puede convertirse en una espinosa carga que, sumada al tedio que produce una vida que ya no tiene nada que ofrecer, provocará el terrible tormento de idear mil maneras de morir y fracasar en todas ellas. Si usted es o no inmortal, sólo el tiempo lo dirá, pero en cualquier caso sea paciente, cuídese y sepa que la eternidad a veces también se logra cerrando los ojos bajo una bonita noche estrellada. Si usted es inmortal, tardará tiempo en darse cuenta, más incluso que las personas de su entorno más próximo. Un ser mortal sustituye sus recuerdos por otros nuevos debido a su limitada capacidad de almacenamiento, pero alguien eterno no. Por tanto llega un momento en su vida en el que adquiere tal cantidad de referencias que finalmente ya nada tiene significado, como bien explicaba Umberto Eco en torno al título de El nombre de la rosa.

Por qué es recomendable leer en voz alta Por Gema Ortiz

ueron varias, al parecer, las cosas que le impresionaron de San Ambrosio, pero San Agustín resalta una en particular en su libro Confesiones: Cuando estos lo dejaban libre, que era muy poco tiempo, (Ambrosio) dedicábase a reparar las fuerzas del cuerpo con el alimento necesario o las de su espíritu con la lectura. Cuando leía, hacíalo pasando la vista por encima de las páginas, penetrando su alma en el sentido sin decir palabra ni mover la lengua. Muchas veces, estando yo presente –pues a nadie se le prohibía entrar ni había costumbre de avisarle quién venía-, lo vi calladamente, y nunca de otro modo…

cuenta Iñaki Berazaluce (quien califica a San Ambrosio como un early adopter de la lectura silenciosa), San Agustín llegó a la conclusión de que aquel optó por esa modalidad preocupado por «el cuidado de su voz, que la tenía propensa a quiebras continuas». La mayor concentración que les proporciona leer de este modo, al no tener que atender a aspectos relacionados con la vocalización o entonación es otra ventaja para muchos. Aunque distintos estudios, como los de Reed, Swanson, Petscher, & Vaughn, no encontraron diferencias significativas entre la lectura en voz alta y en silencio, en cuanto aprendizaje refiere.

Era el siglo IV y, por aquellas fechas, la lectura era una actividad que solía practicarse en voz alta. Que aquel al que consideraba su maestro lo hiciera en silencio dejó atónito futuro Obispo de Hipona. Aunque poco a poco, la práctica se fue extendiendo. En monasterios y en las bibliotecas de las primeras universidades, la lectura individual y en voz baja se convirtió en habitual.

Sea como fuere, leer se consolidó como acto silente. Aunque, como recogen Paula Grosman y Alejandra Rogante en el libro Cuatro tramas: orientación para leer, escribir, traducir y revisar la lectura en común se hizo un hueco entre las familias burguesas europeas del XIX entre las que era costumbre rematar la velada con un juego de cartas y la lectura de un libro en voz alta.

Los beneficios eran evidentes: cada lector podía zambullirse en el texto sin molestar al prójimo y ahorrar ejercicio a sus cuerdas vocales. De hecho, según

Este tipo lectura desempeñó también un importante papel ideológico. El libro de Grosman y Rogante incluye algunos ejemplos como los de las

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fábricas de cigarros de la Cuba colonial en las que se leían textos en alto a los trabajadores como vía para la fácil alfabetización pero también para el entretenimiento. En Buenos Aires, a principios del XIX, se hizo obligatoria la lectura en voz alta de los textos de un periódico local que, entre otros, publicaba extractos de El contrato social de Rosseau para hacer llegar a los feligreses, la mayoría de ellos analfabetos, las ideas relacionadas con la igualdad y la libertad que llegaban desde Europa. Mientras los índices de alfabetización crecían y los medios de comunicación se popularizaban, la lectura en voz alta se fue circunscribiendo a la familia y a la escuela. Y los niños pequeños que aún no sabían leer se convirtieron en la audiencia casi exclusiva. Los beneficios que escuchar los cuentos de boca de sus padres o profesores aportan a un niño resultaban cada vez más evidentes. «Numerosos estudios han demostrado que leer en voz alta de forma habitual a los niños menores de tres años ayuda a que estos mejoren su compresión del lenguaje y que, posteriormente, su aprendizaje lector sea más fluido», explica Cristina Feliu, de Planeta.

Sonia Delaunay-Terk, nacida Sonia Stern, representó un papel fundamental en el desarrollo del orfismo, corriente que supo expresar tanto en la pintura como en el campo del diseño de moda, tejidos y libros, entre otros. De origen ucraniano, fue confiada, con apenas cinco años, a sus tíos maternos de San Petersburgo, de quienes recibió una educación cosmopolita. A través de Max Liebemann, conocido de su tío, tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más tarde continuaría su formación en París en la Académie La Palette. Durante estos años sus obras reflejaron su admiración por el postimpresionismo de Vincent van Gogh y Paul Gauguin, así como del fauvismo de Henri Matisse. Para no abandonar Francia, Sonia contrajo matrimonio de conveniencia con el alemán Wilhelm Uhde, a través del cual conoció a artistas de vanguardia como Pablo Picasso, Georges Braque o el propio Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910 tras divorciarse de Uhde. A partir de entonces, el intercambio artístico entre ambos sería constante. Como él, se sentiría interesada por las teorías del color de Michel-Eugène Chevreul y en 1913 comenzaría su serie no figurativa Contrastes simultáneos. Ese mismo año colaboró en la ilustración y diseño de la cubierta de La Prose du Transsibérien et.

S La aventura colorista de:

onia Delaunay

1885 Nace en Hradyzk, Ucrania 1903 Comienza sus clases de pintura 1910 Matrimonio con el pintorRobert Delaunay 1914 Nacimiento de su hijo 1917 Comercialización de sus creaciones 1920 Inauguración de su Boutique Simultané. 1964 Exposición en el Musée du Louvre 1979 Muere en su taller

Alfombra

Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars. La llegada de la I Guerra Mundial les sorprendió en la península Ibérica y durante los años de la contienda vivió en España y Portugal. En 1917, tras el triunfo de la Revolución de Octubre, dejó de recibir las rentas que había percibido hasta entonces y comenzó a comercializar sus creaciones, primero en Madrid, donde abrió una tienda con sus propios diseños de moda, y en 1920, tras su retorno a París, inauguró la Boutique Simultané. En el París de los

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años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939. Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del

arte lenguas, dado que entonces daba prestigio hablar francés o alemán, incluso en casa, entre las clases altas rusas. Ese dominio lingüístico abriría muchas puertas a Sonia a lo largo de su vida y contribuyó a su función como agitadora cultural. Desde sus incursiones como traductora de libros estratégra cultural. Desde sus como traductora de libros estratégicos de Kandinsky hasta las relaciones con la galería berlinesa Der Sturm, con la cual, y gracias a su mediación, expondría primero el marido y luego ella misma.

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de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars. La llegada de la Primera Guerra Mundial les sorprendió en la península Ibérica y durante los años de la contienda vivió en España y Portugal. En 1917, tras el triunfo de la Revolución de Octubre, dejó de recibir las rentas que había percibido hasta entonces y comenzó a comercializar sus creaciones, primero en Madrid, donde abrió una tienda con sus propios diseños de moda, y en 1920, tras su retorno a París, inauguró la Boutique Simultané. En el París de los años

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vestidos para

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mujer. 1950 .

veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939. Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte

. 1950.

Abstracto en 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre. ”Sonia Delaunay-Terk ha venido desde Oriente hasta Occidente, trayendo con ella ese calor, ese misticismo característico y clásico. Como todos los artistas y poetas de Oriente, posee el color en estado atávico”. De este modo describía en 1938 el francés Robert Delaunay, uno de los más importantes pintores abstractos y teóricos de la vanguardia, a su mujer, la también artista Sonia Delaunay, con la cual se había casado años antes.

En efecto, Sonia había llegado a la capital francesa desde Rusia, origen mítico para las vanguardias más parisienses. Trajo consigo el aura compartida por personajes esenciales, si bien a veces eclipsados por la fama de sus amantes o maridos, como la propia Gala –que sería primero la mujer del poeta Paul Eluard, luego la amante del pintor Max Ernst y por último la esposa de Salvador Dalí–; la escritora Elsa Triolet, muy ligada al surrealista Louis Aragon, o la también escritora Lou-Andreas Salomé, amiga, entre otros, del poeta Rilke. Sonia había nacido en el seno de una familia judía en Odessa (Ucrania) el 14 de noviembre de 1885. Al poco tiempo se trasladó a San Petersburgo, bajo la tutela de su tío materno Henri Terk, y cambiaba su destino, su nombre y su apellido. La acoge una familia de muy buena posición social, que ofrece a la joven la posibilidad de una esmerada educación –con visitas a los grandes museos europeos incluidas– y una completísima biblioteca. Pero sobre

todo recibe sólida formación en varias lenguas, dado que entonces daba prestigio hablar francés o alemán, incluso en casa, entre las clases altas rusas. Ese dominio lingüístico abriría muchas puertas a Sonia a lo largo de su vida y contribuyó a su función como agitadora cultural. Desde sus incursiones como traductora de libros estratégicos de Kandinsky hasta las relaciones con la galería berlinesa Der Sturm, con la cual, y gracias a su mediación, expondría primero el marido y luego ella misma en los años previos a la guerra. Abrió Casa Sonia en Madrid. Vistió a la aristocracia capitalina y cautivó con su fuerza a la sociedad de entonces Precisamente esas posibilidades que le brindó su familia de adopción le conducen hasta Alemania en 1904. Allí estudia pintura en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe con Ludwig Schmid-Reutte, formación que proseguirá dos años más tarde en París, ciudad que abre sus ojos al color a través de los fauvistas –en especial, Matisse–. No tardó en hacerse un hueco entre los pintores de la ciudad a través del marchante homosexual Wilhelm Uhde, con quien contrajo matrimonio de conveniencia en 1908 para evitar el regreso a Rusia, apremiada por la familia. Ya mostraba, pues, con esos pocos años, la manera

resuelta de actuar de las rusas, igual que la joven Gala cruzaba Europa en medio de la guerra, tras haber conocido a Paul Eluard en Suiza, para instalarse en casa de los futuros suegros en París. Algo impensable en la época. Sea como fuere, el rumbo de la vida de Sonia se transforma por completo cuando encuentra al pintor Robert Delaunay, con quien se casa en 1911. Juntos emprenden una aventura artística que no es sino la investigación que lleva al cubismo un paso más allá a través del uso de los colores. A lo largo de su vida en común crean, de hecho, una simbiosis en la cual los papeles están bien divididos y al tiempo forman un todo sólido. El arte pictórico de Robert es la otra cara de las artes aplicadas de Sonia, aunque en muchos casos es ella quien toma la iniciativa, quien apura la investigación un paso más allá, tal y como ocurre con otras parejas famosas y coetáneas –por ejemplo, Hans Arp y Sophie Taeuber-Arp, con los cuales los Delanay compartirán inquietudes y amistad en varios momentos de sus vidas–. Al lado de Robert crece Sonia, igual que Robert crece al lado de Sonia. Lo cuenta el poeta Apollinaire, amigo de la pareja, de ese modo magistral en el que describe las cosas: “Cuando se despiertan, los Delaunay hablan pintura”. Es una frase en la cual se cuenta el relato copleto.

Inicio del simultanismo. 1940.

“Se comete una auténtica y flagrante injusticia con nosotros dos. A mí me colocaron en las artes decorativas y no quisieron admitirme como pintora completa.”

Zapatos para claqué. 1940.

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Las apasionadas cartas de amor de Frida Kahlo Frida Kahlo es uno de los personajes más fascinantes del siglo XX. Su faceta como pintora es solo uno de sus muchos atractivos. A ella se suman su inteligencia, su compromiso político, su feminismo, la enfermedad, el dolor y su afán de superación. Esta potente personalidad permitió a Kahlo vivir libremente su sexualidad. Amó y fue amada por diferentes parejas, hombres y mujeres; un deseo que nunca ocultó y vivió con una asombrosa naturalidad para el México de los años 40. En una carta a su amigo Carlos Pellicer, Kahlo declararía sobre la cantante y actriz Chavela Vargas: «Hoy conocí a Chavela Vargas. Extraordinaria, lesbiana; es más, se me antojó eróticamente. No sé si ella sintió lo que yo. Pero creo que es una mujer lo bastante liberal que, si me lo pide, no dudaría un segundo en desnudarme ante ella». Aunque Chavela Vargas nunca afirmó haber ella tenido una relación con Kahlo, sí son conocidas las relaciones de la pintora con Jaqueline Lamba, Josephine Baker, Paulette Goddard o Georgia O’Keefe. De esta última, diría: «O’Keefe estaba en el hospital desde hacía tres meses. (…) No hicimos el amor esa vez, creo que porque estaba muy débil. Una pena».

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Algunas de esas relaciones fueron documentadas en apasionadas cartas de amor que Frida Kahlo enviaba a sus parejas, unas misivas recopiladas en diferentes libros. Desde sus diarios, sus biografías o en The Letters of Frida Kahlo: Cartas Apasionadas. De todas ellas, las más numerosas son las dirigidas a Diego Rivera, con quien mantuvo una relación más duradera, pero no necesariamente la más apasionada. En 2015 se subastaron las cartas que Kahlo envió a José Bartolí y que este había conservado hasta su muerte en 1995. En ellas la pintora afirmaba: «No sé cómo escribir cartas de amor. Pero quería decirte que todo mi ser está abierto para ti». También mostraba la impaciencia de la enamorada –«Hasta

Carta a Diego Rivera.

Esa vez. Otras parece que sí. Sus relaciones heterosexuales tampoco fueron bien entendidas por el México de la época. Si bien eran más afín a los usos sociales, no era habitual que una mujer amase a Leon Trotsky, al fotógrafo Nickolas Muray –tal vez el que mejor la retrató además de ella misma–, al escultor Isamo Noguchi y al artista José Bartolí mientras estaba casada con el muralista Diego Rivera. Algunas de esas relaciones fueron documentadas en apasionadas cartas de amor que Frida Kahlo enviaba a sus parejas, unas misivas recopiladas en diferentes libros. Desde sus diarios, sus biografías o en The Letters of Frida Kahlo: Cartas Apasionadas. De todas ellas, las más numerosas son las dirigidas a Diego

Rivera, con quien mantuvo una relación más duradera, pero no necesariamente la más apasionada. En 2015 se subastaron las cartas que Kahlo envió a José Bartolí y que este había conservado hasta su muerte en 1995. En ellas la pintora afirmaba: «No sé cómo escribir cartas de amor. Pero quería decirte que todo mi ser está abierto para ti». También mostraba la impaciencia de la enamorada –«Hasta hoy llegó tu primera cartita. Ya estaba desesperada sin saber de ti desde el domingo»– y la transformación que se experimenta en ese estado: «Desde que me enamoré de ti todo ha cambiado y está lleno de belleza… El amor es como un aroma, como un torrente, como la lluvia…». A diferencia de las de Bartolí, las cartas de Frida Kahlo a Diego Rivera son más complejas.

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«Hoy conocí a Chavela Vargas. Extraordinaria, lesbiana; es más, se me antojó eróticamente. No sé si ella sintió lo que yo» A través de ellas se puede reconstruir la intensa y tormentosa relación que mantuvieron. Un amor en el que no faltaron infidelidades. Todas más o menos consentidas, pero unas más dolorosas que otras, como la sucedida con su hermana Cristina: «No me aterra el dolor y lo sabes, es casi una condición inmanente a mi ser, aunque sí te confieso que sufrí, y sufrí mucho, la vez, todas las veces que me pusiste el cuerno… No sólo con mi hermana sino con otras tantas mujeres… ¿Cómo cayeron en tus enredos? Tú piensas que me encabroné por lo de Cristina pero hoy he de confesarte que no fue por ella, fue por ti y por mí, primero por mí porque nunca he podido entender ¿qué buscabas, qué buscas, qué te dan y qué te dieron ellas que yo no te di? Porque no nos hagamos pendejos Diego, yo todo lo humanamente posible te lo di y lo sabemos, ahora bien, cómo carajos haces para conquistar a tanta mujer si estás tan feo hijo de la chingada». Esa carta, escrita desde el hospital cuando ya estaban divorciados, da muestra de lo que la pintora aún sentía por Rivera. Un amor que había surgido cuando Kahlo era aún una estudiante: La pintura, actividad compartida por ambos, también fue utilizada como metáfora para algunas de esas cartas: «Eres el espejo de la noche. La luz violeta del relámpago. La humedad de la Tierra. El hueco de tus axilas es mi refugio. (…) Solo tú en el espacio lleno de sonidos. En la sombra y en la luz; tú te llamarás auxocromo, el que capta el color. Yo cromóforo, la que da el color. Tú eres todas las combinaciones de números. La vida. Mi deseo es entender la línea, la forma, el movimien La característica principal de las cartas de Kahlo es la intensidad con que la pintora muestra sus sentimientos. En los momentos de celebración, como los aniversarios de la pareja: «Mi niño, Hoy hace diez años que nos casamos, tú seguramente ni siquiera recordarás el día ni la fecha ni nada. Yo sí, ahí le mando esas flores, y en cada una un montón de besos y el mismo cariño de toda la vida». También en los malos momentos, cuando la pareja ya está separada: «Diego del alma recuerda que siempre te amaré

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aunque no estés a mi lado. Yo en mi soledad te digo, amar no es pecado a Dios. Amor aún te digo si quieres regresa, que siempre te estaré esperando. Tu ausencia me mata, haces de tu recuerdo una virtud». De hecho, esa fortaleza demostrada por Kahlo ante la adversidad, el dolor y la enfermedad, se diluye cuando la recuerda a Rivera ante el que muestra una sumisión total: «Tú eres el Dios inexistente. Cada vez que tu imagen se me revela le pregunto a mi corazón por que tú y no algún otro». Una actitud que puede resultar asombrosa en una mujer tan arrojada y fuerte hasta que se repara en que la razón es algo tan inexplicable como el amor. «Procura no trabajar demasiado ahora que comiences el fresco, cuídate muchísimo tus ojitos, noKahlo ante la adversidad, el dolor y la enfermedad, se diluye cuando recuerda a Rivera ante el que muestra u vivas solito para que haya alguien que te cuide, y hagas lo que hagas, pase lo que pase, siempre te adorará tu Frida». No sólo con mi hermana sino con otras tantas mujeres… ¿Cómo cayeron en tus enredos? Tú piensas que me encabroné por lo de Cristina pero hoy he de confesarte que no fue por ella, fue por Carta juvenil a Diego Rivera. ti y por mí, primero por mí porque nunca he podido entender ¿qué buscabas, qué buscas, qué te dan y qué te dieron ellas que yo no te di? Porque no nos hagamos pendejos Diego, yo todo lo humanamente posible te lo di y lo sabemos, ahora bien, cómo carajos lo haces para conquistar a tanta mujer si tú estás tan feo hijo de la chingada». ¿Cómo cayeron en tus enredos? Tú piensas que me encabroné por lo de Cristina pero hoy he de confesarte que no fue por ella, fue por ti y por mí, primero por mí porque nunca he podido entender ¿qué buscabas, qué buscas, qué te dan y qué te dieron ellas que yo no te di? El hueco de tus axilas es mi refugio. (…) Solo tú en el espacio lleno de sonidos. En la sombra y en la luz; tú te llamarás auxocromo, el que capta el color. Yo cromóforo, la que da el color.

Carta juvenil a Diego Rivera.

«Yo chiquilla tonta, tú gran señor con mirada lujuriosa me diste la respuesta aquella, para mi satisfacción por verme feliz, sin conocerme siquiera me animaste a seguir adelante».

Tú eres todas las combinaciones de números. La vida. Mi deseo es entender la línea, la forma, el movimien

Frida Kahlo en su casa en México.

Azul de Prusia

Así era el primer libro totalmente ilustrado con fotografías En 1704 el químico Heinrich Diesbach estaba en su estudio berlinés trantando de obtener un tinte rojo. A la cocción sólo faltaba añadir un poco de ceniza para lograr el color deseado. Pero allí no había rastro de ceniza. Su compañero le ofreció un material similar que tenía a mano, por si le servía. Al rociarlo, aquel colorante se fue transformando poco a poco. Lejos de volverse roja, la mezcla alcanzó un intenso color azul. Heinrich Diesbach: la receta En 1704 el químico Heinrich Diesbach estaba en su estudio berlinés trantando de obtener un tinte rojo. A la cocción sólo faltaba añadir un poco de ceniza para lograr el color deseado. Pero allí no había rastro de ceniza. Su compañero le ofreció un material similar que tenía a mano, por si le servía. Al rociarlo, aquel colorante se fue transformando poco a poco. Lejos de volverse roja, la mezcla alcanzó un intenso color azul. La receta para elaborar el tinte con el que se teñían los uniformes del ejército prusiano permaneció en secreto durante 20 años. Entonces apareció en Philosophical Transactions. Aquel color volvió a hacer su aparición en la misma publicación un siglo después, cuando Sir John Hershel presentó en esta revista su último invento: la cianotipia, una técnica fotográfica sin cámara en cuyo resultado imperaba en azul de Prusia. Muy cerca de Hershel estaba Anna Atkins para sacarle provecho y popularizar el descubrimiento astrónomo. John George Children y Anne Holwel contrajeron matrimonio en 1799 y un año después nació su única hija. Al día siguiente de dar a luz, Anne parecía estar fuera de peligro, pero durante 20 meses sólo se levantó de la cama una vez. Tras la muerte de su esposa, y a pesar de su maltrecha salud, Chidren se dedicó a viajar, dejando por escrito sus aventuras en Portugal, España y Argentina hasta que volvió a reunirse con la pequeña y encargarse de ella. Anna no fue la típica niña inglesa de su época. No creció elaborando su ajuar ni aprendiendo a preparar pasteles. Su padre era químico, zoólogo y minerólogo, además de poeta, y la niña quería ser como él. Él, por su parte, la rodeó de científicos que se convirtieron en sus amigos y referentes. Papaur Rhoseu.

20 HISTORIA DEL ARTE

Cuando aún era muy pequeña, el padre ya intuía que Anna tenía «una gran debilidad por la botánica», según dejó escrito. La relación padre e hija se fue estrechando y, mientras él traducía la catalogación de las especies de Lamarck, ella se encargaba de ilustrarla con más de 250 dibujos. Su padre, entonces, ya era director del departamento de historia natural del British Museum. Como adulta, la vida de Anna Atkins tampoco fue común: siguió codeándose con científicos, nunca tuvo hijos y desde 1839 formó parte de una de las pocas instituciones científicas que aceptaban mujeres, la Botanical Society of London, de la que su padre era vicepresidente. Al padre y sus amigos se unió su esposo John Pelly Atkins, quien incentivó el desarrollo de su vena científica y artística.

Alga taciturna.

Anna Atkins: botánica y fotógrafa Poco se ha escrito sobre la vida personal de Anna Atkins y apenas unas pinceladas se pueden extraer de las memorias de su padre, donde figura esta aproximación al hogar en el que nació, en Kent: «Todo lo que puedo decir con precisión sobre nosotros es que la familia Children se ha asentado durante varias generaciones en una casa, que lleva su propio nombre, Childrens, situada en un lugar llamado Nether Street, si no Lower Street (por cuyo nombre se conocen en la actualidad tanto la casa como la granja que ahora son de mi propiedad), en Hildenborough, en la parroquia de Tunbridge», escribió el abuelo de Anna Atkins, entonces alguacil en jefe. Este testimonio aparece recogido en Memoir of J. F. Children, including some unpublished poetry by his father and himself. Fue la propia Anna Atkins quien escribió las memorias de su padre. Aunque logró mayor prestigio como científica y fotógrafa, en su faceta de escritora publicó varios libros.

Alga papaur Rhoseu.

Lo que entusiasmaba a Anna Atkins era ilustrar. En el caso de las algas, el proceso se complicaba. «La dificultad de hacer dibujos precisos de objetos tan pequeños como algas y confervas me ha inducido a aprovechar el bello proceso del Cianotipo de Sir John Herschel para obtener impresiones de tales plantas», escribió. Aunque ella y su padre experimentaron con el calotipo de William Henry Fox Talbot y compraron una cámara para ello, Anna Atkins pronto quedó encandilada por el cianotipo, un invento que abarataba el coste del proceso. Al artífice de tal invento, William Herschel, les unía una íntima amistad. Anna Atkins empezó a trabajar con el cianotipo en 1842. Según escribió John Hannavy en Encyclopedia of Ninetenth-Century Photography, lo hacía «cubriendo el papel con una mezcla de citrato de amonio férrico y ferricianurio de potasio y exponía el papel seco ante la luz durante unos minutos». «Es probable que padre e hija encontraran más fructífero para sus experimentos científicos el uso de plantas de Talbot en sus dibujos fotogénicos. Reflejando el ejemplo botánico de Talbot y posiblemente con el deseo de producir semejante Papaur Rhoseu.

HISTORIA DEL ARTE 21

volumen, Anna Atkins registró especímenes de alga marina a Según este mismo autor, Atkins basó su clasificación de algas británicas en Manual of British Algae que William Harvey publicó dos años antes. Como ella misma escribió en el prefacio: «He partido intencionadamente de la organización sistemática que podría dar a especímenes de muy variados caracteres como muestra».

El alga británica British Algae: Cyanotype Impressions, un volumen que incluía hasta 400 especies de algas, convirtió a Anna Atkins en la autora del primer libro completamente ilustrado con fotografías. Atkins publicó su obra en 1843 y a lo largo de una década con sus propios recursos y mucha paciencia: dada la imposibilidad de imprimir una obra de estas características, tuvo que copiar a mano cada imagen, cada página. De ahí que viera la luz un escaso número de ejemplares de los que no se conservan ni 20. El álbum constaba de tres volúmenes seriados, divididos en 13 partes. Cuando Atkins terminó British Algae, continuó utilizando la misma técnica con la colaboración de su amiga Anne Dixon, emparentada con Jane Austen. Juntas publicaron Cyanotypes of British and Foreing Ferns, Cyanotypes of British and Foreign Flowering Plants and Ferns, además de otro álbum sin título. Además de autora del primer fotolibro, Anna Atkins está considerada la primera fotógrafa, así como autora de las primeras fotografías con fines científicos. Según escribió Larry J. Schaaf en Sun Gardens: Victorian Photograms by Anna Atkins, realizó «el primer intento realista de aplicar la fotografía a la difícil tarea de realizar imágenes repetibles para el estudio científico y la enseñanza».

Reflejando el ejemplo botánico de Talbot, Anna Atkins registró especímenes de alga marina a través de fotogramas. Anna Atkins murió en 1871 sin ver su trabajo fotográfico expuesto. la catalogación de las especies de Lamarck, ella se encargaba de ilustrarla con más de 250 dibujos. Su padre, entonces, ya era director del departamento de historia natural del British Museum.traducía la catalogación La relación padre e hija se fue estrechando y, mientras él traducía la catalogación de las especies de Lamarck, ella se encargaba de ilustrarla con más de 250 dibujos. Su padre, entonces, ya era director del departamento de historia natural del British Museum.traducía la catalogación de las especies de Lamarck, ella se encargaba de ilustrarla con más de 250.

22 HISTORIA DEL ARTE

Alga taciturna.

Alga ciponus trins.

El testimonio fugaz Poco se ha escrito sobre la vida personal de Anna Atkins y apenas unas pinceladas se pueden extraer de las memorias de su padre, donde figura esta aproximación al hogar en el que nació, en Kent: «Todo lo que puedo decir con precisión sobre nosotros es que la familia Children se ha asentado durante varias generaciones en una casa, que lleva su propio nombre, Childrens, situada en un lugar llamado Nether Street, si no Lower Street (por cuyo nombre se conocen en la actualidad tanto la casa como la granja que ahora son de mi propiedad), en Hildenborough, en la parroquia de Tunbridge», escribió el abuelo de Anna Atkins, entonces alguacil en jefe. Este testimonio aparece recogido en Memoir of J. F. Children, including some unpublished poetry by his father and himself. Fue la propia Anna Atkins quien escribió las memorias de su padre. Aunque logró mayor prestigio como científica y fotógrafa, en su faceta de escritora publicó varios libros. Lo que entusiasmaba a Anna Atkins era ilustrar. En el caso de las algas, el proceso se complicaba. «La dificultad de hacer dibujos precisos de objetos tan pequeños como algas y confervas me ha inducido a aprovechar el bello proceso del Cianotipo de Sir John Herschel para obtener impresiones de tales plantas», escribió. Aunque ella y su padre experimentaron con el calotipo de William Henry Fox Talbot y compraron una cámara para ello, Anna Atkins pronto quedó encandilada por el cianotipo, un invento que abarataba el coste del proceso. Al artífice de tal invento, William Herschel, les unía una íntima amistad. Según este mismo autor, Atkins basó su clasificación de algas británicas en Manual of British Algae que William Harvey publicó dos años antes. Como ella misma escribió en el prefacio: «He partido intencionadamente de la organización sistemática que podría dar a especímenes de muy variados. Alga ciponus trins.

HISTORIA DEL ARTE 23

Malika Favre es una de las grandes artistas de nuestro tiempo. Vive y trabaja en Londres. Es fuente de inspiración para muchos

Entrevista:

Malika Favre

ilustradores. Su obra minimalista nos recuerda al Pop Art y al Op Art. Lineas delicadas, composiciones perfectas y colores brillantes se encuentran en un espacio en el que el positivo y negativo nos dan una lección sorprendente del uso del color. Desde un punto de vista cinematográfico y con la mujer como protagonista en muchos de sus trabajos nos regala imágenes sólidas que, estamos seguros, perdurarán a lo largo de los años Entre sus clientes están The New Yorker, Vogue, BAFTA, Sephora y Penguin Books, entre muchos otros.

¿Cómo empezaste en el mundo de la ilustración y el arte? He dibujado desde que era muy joven y siempre parecía estar obsesionada por el cuerpo femenino.Me encantaban las curvas y las formas orgánicas probablemente tanto como los colores. Si miro atrás, puedo ver pinceladas de lo que hago ahora en mis dibujos de la infancia. El verdadero punto de inflexion ocurrió estando en Airside, el studio de diseño londinense. Ellos tenían una fuerte estética visual y me enseñaron a encontrar la belleza en la simplicidad de mis ilustraciones. Desarrollé mi estilo a lo largo de los años seleccionando mis ilustraciones más y más hasta que juntas manifestaban mi estilo. ¿Cómo es tu proceso creativo? Empiezo dibujando digitalmente la composición y situando las areas de color ya que es una parte importante de mi trabajo. Siempre me centro en el concepto primero y propongo varias soluciones para que el cliente tenga variedad de enfoques. Una vez que decidimos una ruta, empiezo a refinar y a dibujar todos los elementos correctamente así como proponer diferentes gamas de colores. La ultima fase del proceso es limpiar donde es necesario y arreglar cada pequeño detalle.

¿Cuál es tu lugar favorito de tu casa? Mi estanteria colgada en la pared. Es donde tengo todos mis objetos favoritos. Tus ilustraciones tienen un punto de vista y una atmósfera muy cinematográficos, ¿de dónde coges inspiración para iniciar un nuevo proyecto? Depende del proyecto pero por supuesto hago una búsqueda previa de fotográfias. Trato de encontrar iluminaciones interesantes, puntos de vista y creo un tipo de collage de muchos elementos. A veces tomo fotos de mi misma para empezara trabajar. ¿Cuál es tu libro favorito? ¿Y tu pelicula favorita? Mis libros favoritos son Ocean Sea de Alessandro Baricco y Ravage de Barjavel. Es muy dificil decir una pelicula favorita. Hay tantas buenas y me encantan por razones diferentes. Diré “The beat that my heart skipped” de Audiard. Por que puedo verla una y otra vez… ¿Puedes contarnos tu primer recuerdo de la infancia? Recuerdo pocas cosas de mi infancia, incluso me pregunto si construí esas memorias más tarde. Es realmente difuso cuando pienso sobre ello Probablemente la loca ropa que mi madre me ponía cuando tenía 6 años con zapatos del partido, falda y gorra. Me veía ridícula. ¿Qué has aprendido recientemente? Que tomar un descanso de vez en cuando es más inspirador que dibujar sin parar. Actualmente me he tomado dos meses por primera vez desde que empecé mi carrera como freelance. Ha sido asombroso.

“Recuerdo pocas cosas de mi infancia, incluso me pregunto si construí esas memorias más tarde.” ENTREVISTA 25

Bon apetit! La comida de hospital sabe mejor si te ríes de ella Imagina que estás a punto de palmarla en Corea del Sur por una enfermedad rara pero al final no, y que durante tus últimos meses de convalecencia, ya en un hospital de Madrid, te enfrentas día tras día a una bandeja de plástico con una comida que dista mucho de parecerse a los manjares con los que te obsequiaban en Seúl. ¿Qué haces? O desesperarte aún más o tomártelo a guasa. Esto último fue lo que hizo Carlos Bustamante, director creativo de El Laboratorio, que decidió mirar su menú de hospital con buenos ojos y compartirlo día a día con sus amigos de Facebook acompañándolo de sabrosos e inspiradores títulos. «La verdad es que después de estar a punto de no contarlo, los meses de hospital, el traslado de Seúl a Madrid y recibir la noticia de que me tienen que abrir en canal para operarme del corazón, encontrarme con la verdadera dieta mediterránea en todo su esplen que spital, el traslado de Seúl a Madrid y recibir la noticia de que me tienen que abrir en canal para operarme del corazón, encontrarme con la verdadera dieta mediterránea en todo su esplendor fue todo un subidón», asegura Bustamante. «“Solo” me quedaban unos meses más ingresado, pero todo se iba a hacer cuesta abajo con unos manjares tan bien preparados y tan apetecibles visualmente. Eran de un gusto exquisito, las texturas, las composiciones, los colores… parecía un trabajo digno del mejor Director de Arte.

26 OPINIÓN

Tembladera de verduras y huevos en molde con gabardina de pavo.

Sopa acidulce de fideos, rotí de cerdo glaseado con manzana y pirámide tumbada de pera en su jugo.

Timbal de caprese con toque de oliva y kokotxas de pescado con minizanahorias de la huerta.

Tartar de cerdo con esencia de aire y emulsión de pescado en cama de arroz.

Paella madrileña con mezclum de verduras y emperador con reducción de limón.

El libro del mes

¿En qué piensan los animales?¿Y las personas? Mirando las estrellas los animales y las personas piensan en lo mismo: en una sola cosa. Un cuento para pensar en lo que de verdad importa. Apila Ediciones nace en el año 2007 en el seno de la Escuela de Arte de Zaragoza de la mano de varios de sus profesores. Es el resultado de compartir muchos cortados de media mañana y muchas conversaciones alrededor del tema de la ilustración y alguna que otra sobre guarderías o piratas. En estas mini tertulias surgió la idea, que pronto se convirtió en proyecto y, más pronto todavía, en realidad, de crear una editorial dedicada al álbum infantil ilustrado. Desde que comenzamos nuestra andadura tenemos presente la idea de acompañar a nuestros libros en algunos de sus viajes. Por eso realizamos una importante labor de animación a le lectura en colegios, librerías y bibliotecas a través de charlas, cuentacuentos y diversos talleres. De esta manera fomentamos en los niños la curiosidad y la sensibilidad hacia el lenguaje artístico mientras que nuestros libros se recargan de la energía mágica de los pequeños lectores. Desde Apila queremos, además, promocionar y divulgar obras de ilustradores y autores que inician su carrera.

Violación de derechos La libertad de expresión tiene cadenas

“Toda persona tiene derecho a la libertad de opinión y de expresión; este derecho incluye el de no ser molestado a causa de sus opiniones, el de investigar y recibir informaciones y opiniones, y de difundirlas por cualquier medio de expresión sin limitación de fronteras”. En Sudán, la inteligencia nacional y las fuerzas de seguridad arrestaron y torturaron a decenas de defensores de derechos humanos. En Etiopía, destacados defensores de los derechos humanos fueron declarados culpables de cargos falsos y los sentenciaron a casi tres años de prisión. En Somalia, asesinaron a prominente defensor de los derechos humanos. En la República Democrática del Congo, el gobierno ataca y amenaza a defensores de los derechos humanos y restringe la libertad de expresión y de asociación. En 2007, el gobierno empleó disposiciones de la Ley de Prensa de 2004 para censurar a los periódicos y limitar la libertad de expresión.

28 INFOGRAFÍA

Rusia reprimió disidencia política, presionó cerró medios comunicación independientes y acosó organizaciones no gubernamentales. Dispersaron con uso de la fuerza manifestaciones públicas pacíficas y amenazaron y atacaron a abogados, defensores de derechos humanos y periodistas. Desde el año 2000, siguen sin resolverse los asesinatos de diecisiete periodistas, todos críticos de las políticas y acciones gubernamentales. En Irak, asesinaron al menos a treinta y siete empleados iraquíes de las redes de medios de comunicación en 2008 y 235 desde la invasión de marzo de 2003, lo que hace a Irak el lugar más peligroso del mundo para los periodistas. Los derechos humanos existen, tal como se contempla en la Declaración Universal de Derechos Humanos y el cuerpo entero del derecho internacional de los derechos humanos. Se reconocen, al menos en principio, por la mayoría de las naciones y forman el corazón de muchas constituciones nacionales. Sin embargo, la situación real en el mundo está muy lejos de los ideales enunciados en la Declaración.

Para algunos, la realización completa de los derechos humanos es una meta remota e inalcanzable. Es incluso difícil hacer cumplir las leyes internacionales sobre derechos humanos y llevar a cabo una queja puede requerir años y una gran cantidad de dinero. Estas leyes internacionales ejercen una función restrictiva, pero no son suficiente para proporcionar una protección adecuada en cuanto a los derechos humanos, como se ve en la cruda realidad de abusos perpetrados a diario. La discriminación prolifera en todo el mundo. Miles de personas están en prisión por decir lo que piensan. La tortura y el encarcelamiento por motivos políticos, a menudo sin juicio previo, están a la orden del día, se permiten y se llevan a cabo incluso en algunos países democráticos. Tú puedes marcar la diferencia. Infórmate leyendo los informes sobre derechos humanos alrededor del mundo. Compra ejemplares de los folletos de La Historia de los Derechos Humanos en nuestra librería de Internet, para distribuir en tu área y entre quienes.

El envase como herramienta de comunicación Juan Bautista Alcaraz. Diseñador. En este artículo se va a tratar de descubrir cuál es el valor del envase como herramienta de comunicación, partiendo inicialmente de los productos de consumo de alta rotación

30 PACKAGING

Los productos de alta rotación tienen unas características muy particulares: segmentos de mercado objetivo amplios, consumo habitual y compra frecuente, precios y beneficio por unidad vendida bajos. Esto provoca que para conseguir ganancias se tengan que vender grandes volúmenes de producto. Ejemplos de productos de consumo de alta rotación serían artículos como productos de limpieza, alimentación o productos de higiene personal. Es importante saber que los consumidores están dispuestos a aceptar productos substitutos sin gran dificultad. En esta situación los fabricantes se ven obligados a competir unos contra otros para conseguir las

También es fundamental conocer las distintas dimensiones o niveles de un producto desde el punto de vista del marketing: Producto básico. El que cubre una necesidad o un deseo básico del consumidor (limpia, alimenta…) Producto real. Entran en juego cuatro variables: calidad, características del producto, marca y envase. Producto ampliado. Beneficios adicionales como garantía, servicio al consumidor, productos complementarios, etc. El que cubre una necesidad o un deseo básico del consumidor Éstos no suelen ser determinantes pero refuerzan la decisión de compra.

Así pues, las empresas tienen dos opciones para conseguir su cuota de mercado: implementar estrategias de lucha (descuentos, promociones, guerras de precios…) o implementar estrategias de diferenciación de producto (modificaciones de diseño, cubrir nuevas necesidades…). Las primeras ofrecen ventajas inmediatas pero efímeras, pues son fáciles de copiar por la competencia. Las segundas, llevadas a cabo por empresas orientadas al mercado y no a las ventas, tienen periodos de ventaja mayores y mejor posición frente a la competencia. El objetivo de cualquier empresa orientada al mercado ha de ser crear una oferta de productos distinta, que sea difícil de copiar.

PACKAGING 31

Manuel Estrada El malabarista del diseño El diseñador gráfico Manuel Estrada expone en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza, explicando cómo diseñar es como hacer malabares.

Ehent unt ea exernate nis es de es sequati umquaerum faceatur, cumentium es rehent. Rat omnis evende volorio. Odis verum simillam, incilla verspietur? Aliqui tem. Bo. Everum nullo mil magniam volor milit minum intur aliqui quam que destibus ni deruptatet quuntus dit anissime nonempores sae voloria volupta sitatib erovid quid ea pero disimai oreprep uditatum est, omnis pori non prae. Quia andio. Agnaturio. Ent ab id ea quibus comnimus eseque consequiant vero blaudi vento blab ipsuntis de omnia pe cus doluptas molor si que exera sunt ea cones ea inimus et vendi re aut officip santistota vitasperror si nectore sim vit ommodi iuribus nuscia ped ent. Ebis ut volorro coreror ionsequ iatium qui sus aute nonsequi que lignis expernatur? Omnihil iquam, nesenim verspitatem ius maxim venimporum lantus repuditium que id ut quia coribus re perchil imus eatur? Qui blatem ipsanim poribus intem hil mo modia quibus rehent deria prepel estrunt molum eum dolendae quatem fuga. Ga. Num dolo opta consequo minum niment aut vent voluptur molor solorae. Ilitatissi re odionsequi odit ex es es sitatem et latat. Remporenis est rectiature nullaborio. Ut a sitis eversped que nate plignimus,

32 EXPOSICIONES

occae sitaten isitature volor apidusd aerferero voluptatem quid molor sitaero blacim nobis ant odio odit aliquae stempos qui odit molesti orumquam quia sandenis nonsequi re plis experi volores estrum fugia voluptiis que sae prate comniminus dolorerundis invende non ne volestibus ministor maximpo reptae provit, ex exped quiae corro quatiuntem volo intio. Sam nonsequas etur aribus. Occuscietus. At latatis quidus dolupta veri dolorehenis aut resed eat parios et et acestioribus mo volorerum quibusdae litata illum nus maios reiur, sitio et omnim litecto moloriantem quia qui iscimpo reprovid quundemolo mod eic tempor simpos doluptam quatus illoresti occupta turit, quodi dolupta tusantiis eos ad et quo occus, conse cum fuga. Pudament haruptatur, si alicab ipsam nis perunt alitibusdam, ut as sita conestiam haritiaestia si autent. Veliti aturias in re molumqu idebitius consequia cus doluptam qui cum quatiat. Sitas expeliquam laut adis et aligenisit estis ratis sed et iunt ariat. Iciur? Quia alibus acerecu llaccusae ea aciat alibus. Em nonse inum voluptum reptaqu asitint. Ut esendemodis et pa nulland ucipsap iscius resti incillibus aut rest, cullore

Manuel Estrada nació en 1953. Comenzó los estudios de arquitectura mientras trabajaba en el estudio del arquitecto Román Marlasca. En el principio de los años ochenta crea, junto a otras cinco personas, el colectivo gráfico Sidecar y abandona los estudios de arquitectura. Durante varios años compatibiliza la gráfica publicitaria, trabajando para algunas de las agencias españolas más importantes, en el packaging, los carteles de cine y el diseño de publicaciones. En 1989 abre su propio Estudio volcado de lleno en el Diseño Gráfico: logos y cubiertas de libros, revistas y carteles. Su actividad va extendiéndose a todas las actividades relacionadas con la gráfica. En la década de los noventa el estudio crece de tamaño hasta ser un equipo de diez personas que realiza Programas de Identidad Corporativa, Colecciones de libros y proyectos editoriales, o de Identidad Visual para Museos, la gráfica de eventos y proyectos de señalización y arquigrafía. Se destacan sus trabajos para instituciones como los Premios Cervantes, Alianza Editorial, las más importantes, en el packaging, los carteles de cine Fundación Repsol y numerosas portadas de libros del diario El País durante los últimos años.

En el Estudio, Estrada trabaja con palabras y con dibujos, para desarrollar y pulir las ideas antes de trasladarlas al formato digital. Buscando, en los procesos de creación, un equilibrio entre la reflexión y la emoción o el instinto. “El diseño no puede ser un mero adorno. Nuestro trabajo no debe servir de maquillaje, blanqueando realidades mal construidas. Debemos trabajar desde dentro hacia fuera, sobre todo en aquellos proyectos que tocan la realidad de las empresas instituciones. Generando valores estéticos que sean útiles para la sociedad a la que van dirigidos”. Los diseñadores trabajamos por encargo. Hay que asumir este riesgo y hacerlo bien.

1. En primera página, el diseñador gráfico Manuel Estrada, dibujando en una de sus exposiciones 2. En la parte superior de esta página, el cuaderno del diseñador 3. La tercera foto hace referencia a los bocetos que Estrada ha ido realizando a lo largo de su carrera.

EXPOSICIONES 33

4. Banderas de logotipos en duotono para exposiciรณn en Barcelona 5. Frase en el suelo con banceras y mesas a los laterales

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6. Algunas de las cubiertas de libros que ha creado Estrada 7. Los libros son creados a partir de objetos reales sin modificar posteriormente.

EXPOSICIONES 35

D i e z cosas que aprendí

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Milton Glaser en su estudio

Milton Glaser Diseñador gráfico de referencia desde mediados de los sesenta hasta la actualidad, Glaser comparte en este artículo su obra y algunas cosas que aprendió a lo largo de los años y que tienen mucho que ver con lo que hacemos los diseñadores. MILTON GLASER 37

Sólo puedes trabajar con gente que te agrada

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de hecho, en los inicios de mi práctica sentía lo contrario. Ser profesional requería que no te gustara particularmente la gente para la cual trabajabas, o al menos que mantuvieras una relación distante, lo que significaba no almorzar con los clientes ni tener encuentros sociales. Hace algunos años me di cuenta de que lo opuesto era verdad. Descubrí que todo el trabajo valioso y significativo que había producido, provenía de relaciones afectivas con los clientes. No estoy hablando de profesionalismo; estoy hablando de afecto. Estoy hablando de compartir con el cliente algunos principios comunes. Que de hecho tu visión de la vida sea congruente con la del cliente. De otro modo la lucha es amarga y sin esperanzas.

«Sabes, no se cómo prepararme para la vejez», dijo. «Nunca tuve un empleo, porque si tienes un empleo, algún día alguien te lo quitará y entonces no estarás preparado para la vejez. Para mi ha sido lo mismo cada día desde los doce. Me levantaba por la mañana y trataba de hacerme una idea de cómo llevar el pan a la mesa. Es lo mismo a los setenta y cinco: me levanto cada mañana y pienso cómo voy a llevar el pan a la mesa hoy. Así que estoy excelentemente preparado para la vejez».

Alguna gente es tóxica, mejor evitarla

En los sesenta había un hombre llamado Fritz Perls que era psicólogo gestáltico. La terapia Gestalt, derivada de la historia del arte, propone que debes comprender el «todo» antes que los detalles. Lo que debes observar es la cultura entera, la familia completa, la comunidad, etc. Perls proponía que en todas las relaciones la gente puede ser tanto tóxica como enriquecedora entre sí. No es necesariamente cierto que la misma persona sea tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o enriquecedoras. Hay un test para determinar si alguien es tóxico o enriquecedor en su relación contigo: tienes que pasar algún tiempo con la persona, tomar algo, ir a cenar o a ver un partido… esto no importa demasiado, pero al final observa si te sientes con más o menos energía, si estas cansado o si estás alegre. Si estas más cansado, entonces te han envenenado. Si tienes más energía, te han enriquecido. El test es casi infalible y sugiero usarlo toda la vida.

I love NY. Logotipo promocional.

Si puedes elegir, no tengas un empleo

Una noche estaba sentado en mi coche fuera de la Universidad de Columbia. Mientras esperaba escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: «Ahora que llegó a los setenta y cinco, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo prepararse para la vejez?». Reconocí la voz de John Cage —el compositor y filósofo que influenció a gente como Jasper Johns y al mundo de la música en general.

38 MILTON GLASER

I love NY. Logotipo promocional.

El profesionalismo no alcanza, o lo bueno es enemigo de lo genial

Cuando comencé mi carrera quería ser profesional. Esa era mi aspiración porque los profesionales parecían saberlo todo —sin mencionar que además les pagaban por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el profesionalismo en si mismo es una limitación. Después de todo, lo que profesionalismo significa en la mayoría de los casos es «reducción de riesgos». Así, si quieres arreglar tu auto vas a un mecánico que sepa lidiar con el problema que tiene y supongo que si necesitas cirugía no querrás doctor tonto inventando una nueva forma de conectar tus terminaciones nerviosas. Desafortunadamente en nuestro campo, el llamado creativo, cuando haces algo en forma recurrente para reducir riesgos o lo haces de la misma forma en que lo has hecho antes, se vuelve vacío porque el profesionalismo no es suficiente. Después de todo, lo que se requiere en nuestro campo, más que cualquier otra cosa, es la transgresión continua. El profesionalismo no da lugar a la transgresión porque ésta incluye la posibilidad de error, y si eres profesional tu instinto te dicta no fallar, sino repetir el éxito. El profesionalismo como aspiración de vida es una meta limitada.

Menos no necesariamente es más

He escuchado este mantra toda mi vida: «menos es más». Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene dentro de sí una paradoja resistente a la razón. Sin embargo no funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética. No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: «suficiente es más».

El estilo no es confiable

Creo que esta idea se me ocurrió por primera vez cuando miraba una acuarela de un toro de Picasso. Era una ilustración para un cuento de Balzac llamado «La obra maestra desconocida». Es un toro expresado en doce estilos diferentes, desde una versión muy naturalista a una abstracción reducida a una simple línea, con todos los pasos intermedios. Lo que surge con claridad al observar este impreso es que el estilo es irrelevante. En cada uno de esos casos, desde la abstracción extrema al naturalismo fiel, todos son extraordinarios más allá del estilo. Es absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad. Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos. El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que leyeron a Marx saben.

“Lo que se requiere en nuestro campo es la transgresión continua” También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado de lo mismo todo el tiempo. Entonces, cada diez años más o menos se produce un cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y vienen y el sistema visual cambia un poco. Si tienes años de trabajo como diseñador tienes el problema esencial de qué hacer. Has desarrollado un vocabulario, una forma que te es propia. Es uno de los modos de distinguirte de tus pares y establecer tu identidad en el campo del diseño. Mantener tus creencias y preferencias se vuelve un acto de equilibrio. La duda entre perseguir el cambio o mantener tu propia forma distintiva se vuelve complicado. Y así hay historias tristes como la de Cassandre, indiscutidamente el más grande diseñador gráfico de la década de los 20 del pasado siglo, que no pudo ganarse la vida en sus últimos años y se suicidó.

En la medida en que vives, tu cerebro cambia

El cerebro es el órgano más activo del cuerpo. De hecho es el órgano más susceptible de cambiar y regenerarse de todos los órganos. Tengo un amigo, gran erudito en estudios del cerebro, que dice que la analogía del cerebro con el ordenador es lamentable. El cerebro es más como un jardín que constantemente está creciendo y regenerándose. Y él cree que el cerebro es susceptible —en una forma de la cual no somos totalmente concientes— a toda experiencia y a todo encuentro que tengamos en nuestra vida.

Bocetos preparatorios para cartel, 1983

MILTON GLASER 39

Tendemos a creer que la mente afecta al cuerpo y el cuerpo afecta la mente, pero generalmente no creemos que todo lo que hacemos afecte el cerebro. Quizás es por eso que mi madre siempre decía: «no te juntes con esos chicos». Debía tener razón. El pensamiento cambia nuestra vida y nuestro comportamiento. También creo que el dibujo funciona de la misma manera. Soy un gran defensor del dibujo, no por haberme convertido en ilustrador, sino porque creo que el dibujo cambia el cerebro de la misma forma en que encontrar la nota correcta cambia la vida de un violinista. El dibujo te vuelve atento, te hace prestar atención a lo que ves, lo cual no es tan fácil.

Sobre la edad

El año pasado alguien me regalo para mi cumpleaños un libro titulado «Ageing Gracefully» (Envejeciendo con gracia). Contiene una serie de reglas para envejecer. La primera regla es la mejor: «No importa. No importa lo que pienses. Sigue esta regla y agregarás décadas a tu vida: No importa si es tarde o temprano, si estás aquí o allá, si lo dijiste o no, si eres

Bocetos preparatorios para cartel, 1983

La duda es mejor que la certeza

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces. Recuerdo que una vez en clase de yoga, el profesor dijo que, espiritualmente hablando, si tú crees que has alcanzado la iluminación apenas has alcanzado tus límites. Pienso que es verdad en un sentido práctico. Las creencias profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y por eso encuentro cuestionable toda posición ideológica sostenida con firmeza. Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial. Por supuesto hay que tener clara la diferencia entre escepticismo y cinismo, porque el cinismo es tan restrictivo a la propia apertura al mundo como las convicciones apasionadas: son como gemelos. En definitiva, resolver cualquier problema es más importante que tener razón. Existe una sensación de autosuficiencia tanto en el mundo del arte como en el del diseño. Las escuelas de arte a menudo comienzan con el modelo de personalidad singular de Ayn Rand, resistiendo a las ideas de la cultura que la rodeaba. La teoría de las vanguardias es que como individuo tú puedes transformar el mundo, lo cual es verdad hasta cierto punto. Uno de los signos del ego dañado es la certeza absoluta. Las escuelas alientan la idea de no comprometerse y defender tu trabajo a toda costa. Bien, el asunto es que todo trabajo tiene que ver más que nada con el compromiso. Sólo tienes que saber con qué comprometerte. La búsqueda ciega de tus propios fines a costa de excluir la posibilidad de que otros puedan tener razón, no tiene en cuenta que en diseño siempre lidiamos con una tríada: el cliente, la audiencia y tú mismo. Lo ideal sería que mediante alguna clase de negociación todas las partes ganaran, pero la autosuficiencia suele ser el enemigo. El narcisismo generalmente proviene de alguna clase de trauma infantil que no debe profundizarse.

40 MILTON GLASER

AIGA. Cartel para concurso anual de diseño gráfico, 1983

“Es absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad”

Art is work. Cartel, 1998

inteligente o estúpido. Si saliste despeinado o si tu jefe te mira cruzado o tu novio o novia te mira cru zado, si tú estás cruzado… Si consigues o no que te den ese ascenso o premio—no importa». Sabiduría al fin. Entonces escuché un maravilloso cuento que parecía relacionado con la regla número diez: Un carnicero estaba abriendo su negocio una mañana y mientras lo hacía un conejo asomó su cabeza a través de la puerta. El carnicero se sorprendió cuando el conejo preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero dijo: «Esta es una carnicería, vendemos carne, no vegetales». El conejo se fue saltando. Al día siguiente el carnicero estaba abriendo su negocio y el conejo asomó su cabeza y preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero enojado le respondió: «Escúchame pequeño roedor, te dije ayer que vendemos carne, no vegetales, y la próxima vez que vengas por aquí te voy a agarrar del cogote y clavaré esas orejas flojas al suelo». El conejo desapareció precipitadamente y nada sucedió durante una semana. Entonces una mañana el conejo asomó su cabeza desde la esquina y preguntó: «¿tiene clavos?». El carnicero dijo: «No». Entonces el conejo dijo: «¿tiene repollo?».

Estudio para serigrafía basado en un cuadro de Boucher, 1978

Mookie, colotipia y serigrafía, 1987

“Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial” 42 MILTON GLASER

Cartel para una exposición de Milton Glaser, 1985

Decir la verdad

El cuento anterior es importante porque se me ocurrió que buscar repollo en una carnicería sería como buscar ética en el campo del diseño. No parece ser el lugar más adecuado para encontrarla tampoco. Es interesante observar que en el nuevo código de ética de la AIGA (American Institute of Graphic Arts) aparece una cantidad importante de información sobre conductas para con los clientes y para con otros diseñadores, pero ni una palabra acerca de la relación del diseñador con el público. Lo que se espera del carnicero es que venda carne que se pueda comer y no mercadería engañosa. Recuerdo haber leído que durante los años de Stalin en Rusia, todo lo que llevaba la etiqueta de «ternera» en realidad era pollo. No me quiero imaginar qué sería lo que llevaba la etiqueta «pollo». Podemos aceptar algún nivel mínimo de engaño, como que nos mientan acerca del contenido graso de sus hamburguesas, pero cuando el carnicero nos vende carne podrida nos vamos a otra parte. Como diseñadores ¿tenemos menos responsabilidad con nuestro público que un carnicero? Quien esté interesado en controlar el diseño gráfico, debería notar que la razón de ser del control es proteger al público, no a los diseñadores ni a los clientes. «No hacer daño» es una advertencia a los doctores que tiene que ver con la relación con sus pacientes, no con sus colegas o con los laboratorios. Si fuéramos éticos, decir la verdad se convertiría en algo más importante en nuestra actividad.

Original para la portada de The New York Times Magazine, 1982

“El dibujo te vuelve atento, te hace prestar atención a lo que ves”

El otro significado de las palabras

Joan Quirós: el calígrafo que oye las palabras que traza «En el papel surge una composición musical. Las letras son las notas y los espacios en blanco, los silencios»

Detalle de caligrafía

Escribir es una danza. El trazo de la mano lleva el paso y el compás. El calígrafo dirige la composición desde su pluma igual que el director de orquesta produce música del vuelo de su batuta. Escribir es música. No importa qué digan las palabras. El trazo del lápiz sobre un papel o el ruido del pincel generan una sinfonía de letras. La caligrafía es tan evocadora que, a veces, aparece un sonido de fondo en la mente del que lee. Otras veces es tan física que el calígrafo, al contornear palabras, escucha el eco del rotulador a su paso por la cartulina. Joan Quirós oye las palabras que dibuja. No es que hablen. Es que la caligrafía tiene algo de arquitectura y construcción. Poner ladrillos hace ruido. Rayar una línea por el filo de una regla también. «Cada herramienta provoca un sonido. La combinación de los lápices y los papeles generan una especie de composición musical», explica el calígrafo. «En el papel surge una composición. Las letras son las notas. Los espacios en blanco son los silencios. Los estilos de letra dan ritmos distintos». Ese ruido surge del movimiento, pero en la quietud, las letras también desprenden sonidos. Hay fuentes, como la

Portada de revista

44 TIPOGRAFÍA

cursiva inglesa, que se deslizan con ligereza sobre el papel. «Es como el sonido de la brisa», indica el valenciano. «Otras, como la gótica, son más duras. Resuenan como si cayese un árbol». En la caligrafía afloran muchas sensaciones que de la tipografía no surgen. En esto el humano sigue venciendo a la máquina. El trazo de una mano desprende más emoción que un tipo móvil de plomo, madera, antimonio o estaño. Y rematadamente más que cualquier fuente creada en ordenador. Por eso hay quien califica la caligrafía del ‘porno de la tipografía’. Si el recorrido de la imaginación es largo, la caligrafía puede llevar a un olor o un sabor. Quirós nunca probó una uva amarga en sus letras, pero sí conoce las esencias que desprenden los grafemas. Un lector, al pasar los ojos por la panza de una jota, puede trasladarse a la sombra de un jazmín. La fantasía apenas dista unos milímetros del aroma real que desprende ese arbusto.

El olor, para el valenciano, no tiene un sentido figurado. Él huele la tinta, el papel y las herramientas que hay sobre su mesa. Al final cada oficio tiene una nariz. El Quirós de la adolescencia pintaba letras en muros, pero eso no parecía una profesión de futuro. Optó por el diseño gráfico. En eso se ocupó hasta hace cuatros años. Fue entonces cuando descubrió que también podía vivir de la caligrafía. Se especializó y hoy su trabajo consiste en dibujar palabras. Joan Quirós descubrió el pulso de las letras. Las conoce con la precisión del mecánico que calibra una brújula y sabe que el mensaje de un vocablo no está sólo en su significado. Las palabras cuentan más cosas. «Hay muchas formas de decir ‘Te quiero’», indica el valenciano. «Cada trazo transmite una sensación. No es lo mismo escribir esa frase en una gótica que en una cursiva inglesa». Un ‘Te quiero’ en monotype corsiva produce un empalago horrible;, un ’Te

amo’ en Kaiserzeit Gotisch da un tremendo repelús. La caligrafía tiene su propio lenguaje. Las fuentes no pueden librarse de ese halo cultural que remite las góticas al Medievo y la cursiva inglesa a la era Industrial. Esos otros significantes fascinan a Quirós. «La caligrafía funciona como un refuerzo del significado de una palabra. Puede incluso dar un mensaje contrario a lo que dice. Por ejemplo, un trazo enérgico en un vocablo suave provoca una contradicción». El Quirós de la infancia aborrecía los cuadernillos Rubio. Su madre lo perseguía para que rellenara aquellas páginas en las que había que dibujar una ‘a’ redondísima diez veces en unos renglones tan tiesos como las cuerdas de tender. Esos caracteres regordos aburrían al niño hasta la extenuación. Poco queda hoy de lo que le enseñaron esas prácticas de escritura. Su letra manuscrita ha perdido el ritmo infantil y recuerda a la grafía de las cartas.

Detalle de caligrafía

TIPOGRAFÍA 45

«Me saturé de estar frente a una pantalla y ahora intento trabajar lo más posible con pluma, tinta y papel».

Portada de revista

46 TIPOGRAFÍA

¿Cómo puedes salir de un número laberíntico? Cada uno de estos números es un laberinto y solo es posible salir de uno de ellos. Así lo decid ieron sus constructoras, Ángela y Elena, del estudio de diseño gráfico Happyending para la sección de Numerografía de Yorokobu de este mes de marzo. Pensaron ta mbién que para armar esta colección de dígitos buscarían un argumento que ac abara de forma feliz, es decir, un ‘happyending’ y eso es lo que ocurre cuando alguien está dentro de un laberinto y halla una puerta que lo saca por fin de ahí. Las ilustradoras lanzan un reto. Las 10 primeras personas que les envíen una foto que muestre la salida del único número del que se puede escapar recibirán una lámi na impresa en risografía de edición limitada de estos números. La dirección pa ra mandar la vía de huida es hello@wearehappyending.com. ¡Que empiece el juego!

EL LABERINTO 47

El botones grafico del Gran Hotel Budapest

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Ilustración de la fachada del hotel por Lucía Torres

FOTOGRAFÍA 49

Tiene Wes Anderson unas hechuras de artesano visual que lo han llevado a convertirse en adalid de la estética modernista. Cada vez que estrena un largometraje, barbudos gafapastas y Amelies modernas de medio mundo lo celebran con una efusividad enloquecida que recuerda a adolescentes de caras pintadas a las puertas de un concierto. No son sus historias, a pesar de los Óscars en contrario (mejor guion original por The Royal Tenenbaums y Moonrise Kingdom) las que han rendido a sus pies a hordas de hipsters de medio mundo. Tampoco son sus personajes profundos ni lo intenso de sus diálogos. Es la estética, cuidada al detalle, la que eleva sus cintas por encima de la media, la que ha convertido a este cuarentón originario de la árida Texas en un visionario del cine moderno. En El gran hotel Budapest, Anderson narra, con su peculiar estilo visual, las andanzas de Gustave H., conserje del legendario hotel que da nombre a la película. El señor H es un esteta, obsesionado con sus colonias, su aspecto y el de su querido hotel. Para conseguir que todo luzca impoluto tiene a su servicio a una cohorte de conserjes y botones, entre los que destaca su inseparable Zero Mustafa. Es inevitable no trazar un paralelismo con la vida real y encontrar en Anderson al eterno señor H. obsesionado con una perfecta presentación, con sacar lustro a cada detalle en el gran hotel que es su filmografía. El desmesurado interés

que suscita cada cinta de este autor ha hecho que los periodistas nos empeñemos en buscar al Zero Mustafa de esta producción, al aprendiz del artesano visual que ejecuta sus órdenes y da brillo a sus fotogramas. Paper Magazine lo encontró en Robin L. Miller, responsable de atrezzo de la película. Vogue creyó entreverlo en la figura de While Canonero, diseñadora de vestuario. Nosotros hemos querido encarnarlo en Simone de Salvatore, responsable de matte painting de la película. Bajo este críptico título se esconde una profesión importante, especialmente en películas como las de Anderson. De Salvatore pinta fotogramas, manipula escenas y les añade esa pátina cromática made in Anderson. Es un pintor de películas. El matte painting, traducido al español en una expresión tan extraña como poco usada, pintura mate, lleva usándose en el séptimo arte desde hace décadas. Los hangares de la Estrella de la Muerte, los prados del mundo de Oz o los almacenes donde descansa el arca perdida fueron pintados sobre cristal. Así eran los inicios de esta técnica que colapsó con la llegada del Photoshop y fue reinventada manteniendo solo el nombre. De Salvatore insiste en que se siente más artista que técnico, más pintor que ingeniero, aunque sea esta la titulación que decora su currículo. Es un artesano de los efectos especiales. Acostumbrado a trabajar en producciones de acción -por sus manos han pasado fotogramas de Smallville,

El color de los teleféricos salió de la paleta de Simone de Salvatore

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Breaking Bad, Snow Piercer o Capitán América-, El gran hotel Budapest supuso un reto para este italiano afincado en Alemania. «Ha sido una experiencia distinta», comenta; «para las otras películas me han pedido siempre crear un ambiente lo más realista posible, aquí no. Wes Anderson tenía una idea clarísima, sabía exactamente lo que quería y cómo transmitirlo» . El hotel Budapest tiene una fachada rosa y recargada, a medio camino entre el rococó y la repostería nupcial. Los colores de sus habitaciones, salones e incluso ascensores, todo, cada detalle, estaba pensado, esperando a salir de la mente de Anderson para tomar forma en las manos de Simone de Salvatore. Es aquí donde el trabajo de este Zero Mustafa se fundía con el resto de aspirantes a botones, cuando los fondos pintados contrastaban con las piezas de atrezzo y los originales vestidos. Cuando toda la estética visual de Anderson encajaba, componiendo una obra cinematográfica de brillo hipnótico. «Le gusta meter mano en todos los aspectos del film», comenta sobre el director, «desde la posición de una ventana hasta el número de colores que hay en una habitación». Esta obsesión cromática se traslada del autor a sus seguidores. La web Wesandersonpalettes da buena cuenta de ello, analizando fotogramas de sus películas y resumiendo gráficamente la paleta de colores que compone cada escena. Tiene Wes Anderson unas hechuras de artesano visual que lo han llevado a convertirse en adalid de la estética modernista. Cada vez que estrena un largometraje, barbudos gafapastas y Amelies modernas de medio mundo lo celebran con una efusividad enloquecida que recuerda a adolescentes de caras pintadas a las puertas de un concierto. No son sus historias, a pesar de los Óscars en contrario (mejor guion original por The Royal Tenenbaums y Moonrise Kingdom) las que han rendido a sus pies a hordas de hipsters de medio mundo. Tampoco son sus personajes profundos ni lo intenso de sus diálogos. Es la estética, cuidada al detalle, la que eleva sus cintas por encima de la media, la que ha convertido a este cuarentón originario de la árida Texas en un visionario del cine moderno.

El fondo y la iluminaciรณn de las ventanas es obra de Simone de Salvatore

El castillo, la colina y la nieve son pintados

Dell Canvas 27 Un nuevo y revolucionario espacio de trabajo para diseñadores e ilustradores La Dell Canvas 27 está pensada para facilitar el trabajo de dibujar y escribir sobre una gran pantalla táctil.

Espacio de trabajo del aparato

Dell Canvas 27 es un nuevo espacio de trabajo inteligente horizontal que llegará al mercado este próximo 30 de marzo. Al menos esas son las previsiones. Durante la pasada edición del CES 2017, Dell presentó todo un nuevo sistema revolucionario para trabajar bajo la plataforma Windows que puede cambiar el trabajo de muchos diseñadores gráficos e ilustradores. Un nuevo espacio de trabajo para el diseñadorLa Dell Canvas es una gran superficie lgo así comtáctil de 27

pulgadas de tamaño con la que podrás dibujar y escribir con gran precisión. Como si estuviéramos dibujando sobre un gran cuaderno de dibujo. Con la diferencia que no es papel sino una pantalla con una resolución QHD de 2560×1440 píxels. Dell Canvas se utiliza junto a Windows 10 y funciona junto a una especie de ratón circular. Al estilo Surface Dial, un dispositivo circular que se puede pegar a la pantalla y que funciona como si fuera un ratón circular.Lo mas novedoso del espacio Dell

Canvas es que la pantalla la podremos utilizar como queramos y en función de las necesidades del momento. Una pantalla táctil, con un lápiz digital para dibujar o mediante el nuevo ratón. Las posibilidades aumentan. Se espera que con la próxima actualización de Windows 10 también se incorporen los cambios de software necesarios para su correcto funcionamiento. Dell Canvas se conecta con programas desarrollados por Adobe, Autodesk, AVID, Dassault Systems, Microsoft y

El nuevo Dell Canvas 27 pretende crear un nuevo espacio de trabajo para diseñadores e ilustradores.

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SolidWorks. En cuanto al precio de la Dell Canvas 27 se habla de que costará unos 1.800 dólares. De momento nos conformaremos con las imágenes que nos muestran este espacio. El equipo tiene un display QHD con resolución 2K. Está diseñada para poder trabajar horizontalmente, pero se puede inclinar un poco para darle gusto a esos diseñadores o creativos que buscan el punto ideal para sus creaciones. No podemos evitar compararlo con el Surface Studio de Microsoft ya que Dell nos presenta un Totem, algo así comlgo así comlgo así como el Dial del Surface, que cumple con la misma función de cambiar los colores, el tamaño del trazo, deshacer o rehacer. El Totem no sirve en otra superficie que no sea el área del panel Dell Canvas. Años atrás, la empresa fabricó televisores pequeños con paneles OLED que costaban un verdadero ojo de la cara, pero es la primera vez que la empresa japonesa llega a este mercado con televisores grandes. El Sony Bravia OLED A1E integra elProcessor X1 Extreme, un diseño elegante y es el primer en tener el sistema de sonido Acoustic Surface. Con este sistema, Sony elimina las bocinas que generalmente se encuentran en la parte trasera o frontal del televisor para ahora hacer que la pantalla del televisor funcione como el parlante. De esta manera, el sonido está saliendo directamente de las imágenes. Es sorprendente la buena calidad y el volumen de sonido que logra reprodu

El Sony OLED A1E es un televisor 4K y HDR, así que funciona con los formatos más populares: HDR 10 y Dolby Vision HDR. Por otra parte, estos televisores siguen ejecutando Android TV, integran Google Assistant y son compatibles con Google Home, de modo que puedes controlar el televisor usando tu voz. Aunque LG lleva ya varios años en el mercado con esta clase de televisores OLED, Sony asegura que logrará diferenciarse con el procesamiento de imagen que ofrece el X1 Extreme, algo que la empresa segura es superior a la competencia.

Frecuencia turbo 3,40 GHz

Unidad de disco duro

Caché del procesador 6 MB Smart Cache System bus data transfer rate Socket de procesador S Socket H3 (LGA 1150) Litografía del procesador 22 nm Capacidad almacenaje 1000 GB Tarjeta de lectura integrada Unidad de almacenamiento Discos duros instalados

La ilustración de Teresa Orellana en la tableta.

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Automat: ¿Qué es y cómo funciona? Si estás pensando en diseñar prendas de vestir inteligentes deberías conocer Automat. Automat es un revolucionario kit de herramientas que facilita la creación de dispositivos inteligentes tales como prendas de vestir. Las posibilidades que abre son infinitas. Microchips para el funcionamiento de Automat.

Muy posiblemente te hayas preguntado en alguna ocasión cómo se fabrican algunos de los dispositivos inteligentes que a veces anuncian los grandes medios de comunicación. Cada vez más, las llamadas prendas de vestir inteligentes empiezan a convertirse en una realidad. Si estás pensando en diseñar prendas de vestir inteligentes deberías conocer Automat.Automat es un completo kit de herramientas diseñado para construir dispositivos inteligentes. Consiste en

una placa base con sensores de alta calidad, una tarjeta de control para la distribución de energía y una placa de soldadura. Básicamente se trata de un conjunto de hardware y software para el desarrollo de dispositivos inteligentes que puede utilizarse para crear mandos a distancia para el control de movimiento, accesorios de moda y prendas inteligentes, dispositivos de automatización domésticos y hasta instrumentos musicales. Las nuevas posibilidades

que ofrece Automat todavía están por ver. La aplicación Automat viene junto al kit de desarrollo de software (SDK) de código abierto, y forman la interface para la comunicación con la placa base. Se puede utilizar la plataforma Automat basada en la nube, para almacenar datos o para la comunicación con APIs externas. Automat hace posible que la tecnología portátil esté al alcance de todo, ya que con el kit de herramientas de hardware.

La nueva tecnología de Automat te permite crear diseños novedosos muy fácilmente.

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CARACTERÍSTICAS: Tipo de enfriamiento activo Circuito integrado de tarjeta madre Intel Q85 Sistema de audio HD Intel Core i5-4xxx PCI Express x1 (Gen 2.x) PCI Express x16 Gen (2.x) Frecuencia del procesador 3,2 GHz Modelo del procesador i5-4460 4 núcleos de procesador Frecuencia turbo 3,40 GHz Caché del procesador 6 MB Smart Cache System bus data transfer rate Socket de procesador S Socket H3 (LGA 1150) Litografía del procesador 22 nm Capacidad almacenaje 1000 GB Tarjeta de lectura integrada Unidad de almacenamiento Unidad de disco duro Discos duros instalados

TECNOLOGÍA 55

UNA CATEDRAL PARA EL DISEÑO

SEGURIDAD

El diseño con letras mayúsculas, concebido como una forma de entender el mundo que nos rodea y como expresión de los cambios sociales, culturales y económicos, va a tener a partir de ahora su propia catedral en una de las zonas más turísticas del oeste de Londres. Ese nuevo Museo del Diseño, que abre sus puertas el jueves, 24 de noviembre, está consagrado a una heterogénea rama del mundo creativo que abarca desde los objetos más sencillos de la vida cotidiana hasta las esse nuevo Museo del Diseño, que abre sus puertas el jueves, 24 de noviembre, está consagrado a una heterogénea rama del mundo creativo que abarca desde los objetos más sencillos de la vida cotidiana hasta las especificidades arquitectónicas y de la ingeniería, pasando por el interiorismo, la moda, los formatos gráficos y la evolución de las herramientas digitales para el uso común.

El programa todavía está en sus primeras fases. De hecho, necesita unos 20 minutos de conversación para procesar todos los sonidos y poder empezar a trabajar. t Adobe realizó una prueba en público durante su conferencia. Y fue capaz de demostrar como el programa imitaba la voz de una persona e introducía nuevas palabras sin que apenas se apreciera.

Aunque quizás podamos considerar que la seguridad no es un tema propio de diseño, los desarrolladores web tendrán que tenerla en cuenta. Y también quiénes gestionan una web o un blog.

VENECIA A LA VENTA Venecia esta dispuesta a vender patrimonio para hacer frente a sus deudas. Fue una de las ciudades más ricas del mundo, capital durante un milenio de la República de Venecia, pero hoy el presupuesto de la ciudad de los canales hace aguas y el déficit superará los 60 millones de euros a final de año. El alcalde veneciano, Luigi Bru capital durante un milenio de la República de Venecia, pero hoy el presupuesto de la ciudad de los canales hace aguas y el déficit superará los 60 millones de eurosño. El alcalde veneciano, Luigi Bru capital durante un milenio de la República de Venecia, pero hoy el presupuesto de la ciudad de los canales hace aguas y el déficit superará los 60 millones de euros a final de año. El alcalde veneciano, Luigi Brugnarollones de euros a final de año. El alcalde veneciano, Luigi Brug a final de año. El alcalde veneciano, Luigi Brugnarollones de euros a final de año. El alcalde veneciano, Luigi Brugn arte moderno Ca’ Pesaro, prderno Ca’ Pesaro, propiedad del ayuntamiento. gnarollones de euros a final de añe las obras más apreciadas del museo de arte moderno Ca’ Pesaro, propiedad del ayuntamiento.

56 NOTICIAS

Otro de los aspectos que mas preocupa es el tema de la seguridad. Los periódicos están cada vez más repletos de noticias sobre fallos de seguridad y robo de datos. Nadie está a salvo. Pero lo que sí está en nuestra mano es prevenir. Lo ideal es aumentar la seguridad de nuestra web en la medida de lo posible.

EL PHOTOSHOP PARA EL SONIDO Adobe se encuentra trabajando en un nuevo proyecto al que ya ha bautizado como el Photoshop del sonido. En realidad estamos hablando de Project VoCo, un programa para editar sonidos que permite alterar grabaciones introduciendo nuevas palabras. La multinacional estadounidense ha presentado este nuevo proyecto en su conferencia anual Adobe Max. Project VoCo permite introducir palabras en grabaciones de sonido, alterando por completo lo que haya dicho una persona Un editor de audios ‘muy peligroso’. El sistema VoCo está siendo dearrollado por la Universidad de Princeton y Adobe. Su principal virtud es que es capaz de entener la voz de una persona a la que incluso puede imitar. La tecnología todavía está en su fase inicial pero las consecuencias que puede acarrear este tipo de software pueden ser muy peligrosaEl desarrollador de Adobe, Zeyu Jin, aseguró que Voco “hace para el audio lo que Photoshop hace para la fotografía”. Estaríamos ante un editor de sonidos en toda regla.

KARL LAGERFELD LLEVA SU ARTE A MIAMI Karl Lagerfeld lleva 60 años gobernando el mundo de la moda. Al frente de un imperio valorado en unos 5.000 millones de euros, el diseñador alemán ha logrado ser más que el director creativo de Chanel. El hombre tras las gafas negras es, además, diseñador de Fendi, fotógrafo, director, caricaturista, escultor y ahora ha sumado a su lista de talentos el de diseñador de interiores. Así lo ha dado a conocer el Grupo Trump, una de las empresas constructoras más reconocidas de Estados Unidos. Los hermanos Eddie y Jules Trump, que nada tienen que ver con el candieriores. Así lo ha dado a conocer el Grupo Trump, una de las empresas constructoras más reconocidas de Estados Unidos. Los hermanos Eddie y Jules Trump, que nada tienen que ver con el candidato republicano a la Casa Blanca, anunciaron que el llamado káiser de la moda será el responsable de diseñar el vestíbulo de las dos torres del lujoso proyecto residencial The Estates at Acqualina. Los flamantes edificios estarán ubicados en Sunny Isles Beach (Miami), e.

PORTADA EXPLOSIVA FUTURACHA PRO, LA TIPOGRAFÍA CUCARACHA Futuracha es el nombre de la tipografía mas original que quizás haya existido nunca. El nombre ya se las trae. Futuracha es un juego de palabras entre Futura y una cucaracha. En realidad la nueva tipografía es una versión de la Futura, una de las mejores tipografías de la historia, a la que se le ha incorporado un cierto aire art déco. Futuracha es el nombre de la tipografía mas original que quizás haya existido nunca. El nombre ya se las trae. Futuracha es un juego de palabras entre Futura y una cucaracha. En realidad la nueva tipografía es una versión de la Futura, una de las mejores tipografías de la historia, a la que se le ha incorporado un cierto aire art déco. Pero lo novedoso no es su estilo o rasgos. Lo verdaderamente increíble es que es capaz de ir cambiando de diseño en función de la palabra que estemos escribiendo. Y lo mejor

La portada del semanario alemán Der Spiegel con una caricatura de Donald Trump levantando eufórico la cabeza de la Estatua de la Libertad decapitada, una controvertida forma de aludir a sus ideas nacionalistas y contrarias a la inmigración, tiene detrás la historia íntima de un refugiado cubano. El autor, Edel Rodríguez, de 45 años, llegó a los ocho a EE UU a bordo de un barco durante el éxodo del Mariel, en 1980, que llevó a 125.000 isleños al país vecino. de hierro. Es una idea, caballeros, entiendan el arte”, razona. Der Spiegel ha recibido diversas críticas, desde quienes lo ven como una falta de respeto a las víctimas del Estado Islámue retroalimenta la dinámica de crispación que busca el propio Trump en su hábil hibridación de poder y espectáculo. El editor de la publicación, Klaus Brinkbäumer, ha defendido que el objetivo de la portada es “defender la democracia (…) en tiempos difíciles”.

GULLIVER NUNCA PASA DE MODA Es un día de julio por la tarde en Valencia, ha hecho un calor de mil demonios y ahora chispea, algo raro en verano. Pero no falla: El Gulliver, la figura de 67 metrel Turia de Valencia está bien surtido de niños que trepan por la cabeza y se lanzan por alguno de los toboganes gigantes que forma la ropa. “Hemos viajado por muchos sitios y no habíamos visto nada así. Es muy original”, dice Miriam Grailhe, turista france.

NOTICIAS 57

EXITOS Y FRACASOS Porque no basta con decir que el más bonito es el azul, por ejemplo. Hay casi tantos azules como se puedan imaginar: process blue, process cyan, scuba, aguamarina o dusk, entre otros muchos. A partir de ahora la elección se complica porque la autoridad mundial del color ha añadido 210 tonos nuevos a su paleta, que junto a los que ya existían, suman en total 3.210.

PANTONE AÑADE 210 COLORES Elegir un color favorito de la paleta de Pantone no es tarea sencilla porque no basta con decir que el más bonito es el azul, por ejemplo. Hay casi tantos azules como se puedan imaginar: process blue, process cyan, scuba, aguamarina o dusk, entre otros muchos. A partir de ahora la elección se complica porque la autoridad mundial del color ha añadido 210 tonos nuevos a su paleta, que junto a los que ya existían, suman en total 3.210. La nueva paleta, que se llama Fashion, Home + Interiors (moda, hogar e interiores), ha sido especialmente creada para diseñadores y teniendo en cuenta la evolución de los gustos de los consumidores, según ha anunciado a sido especialmente creada para diseñadores y teniendo en cuenta la evolución de los gustos de los consumidores, según ha anunciado Elegir un color favorito de la paleta de Pantone no es tarea sencilla

La nueva paleta, que se llama Fashion, Home + Interiors (moda, hogar e interiores), ha sido especialmente creada para diseñadores y teniendo en cuenta la evolución de los gustos de los consumidores, según ha anunciado Elegir un color favorito de la paleta de Pantone no es tarea sencilla porque no basta con decir que el más bonito es el azul, por ejemplo. Hay casi tantos azules como se puedan imaginar: process blue, process cyan, scuba, aguamarina o dusk, entre otros muchos. A partir de ahora la elección se complica porque l especialmente creada para diseñadores y teniendo en cuenta la evolución de los gustos de los consumidores, según ha anunciado. la ciudad. No son los únicos. Hay otros colectivos que trabajan, desde diferentes puntos de vista, en el campo de la intervención urbana participativa. Son organizaciones como Basurama, Zuloark, Todo por la Praxis, Truthbehind404, PEC, We Diseñamos o Pez Arquitectos. Y funcionan en colaboración con instituciones municipales .

AFRICA DISEÑADORA “Hasta que los leones tengan sus propios historiadores, los cuentos de caza siempre glorificarán a los cazadores”. El escritor nigeriano Chinua Achebe lo explicó así de claro: son los africanos los que tienen que contar su historia. Ese es el objetivo de la exposición Making Africa, que puede visitarse en el Vitra Design Museum de Weil am Rhein (Alemania) hasta el 13 de septiembre y que viajará en otoño hasta el Guggenheim de Bilbao. África contada por sus creadores supone mucho más que el hambre, la corrupción y unos paisajes que cortan la respiración. Lo primero que cuentan esos creadores, pero también los ciudadanos africanos del siglo XXI que gracias a Internet pueden hacer que se escuche su voz, es que África no es un país. Es un continente con 54 países, 2.000 lenguas, más de mil millones de habitantes y el tamaño de China, Estados Unidos y varios países europeos juntos. Lo cuenta gráficamente el alemán Kai Krause con un mapa de África que incluye todas esas naciones y que, publicado en varios semanarios internacionales, ha dado la vuelta al mundo. Las gafas del artista keniata Cyrus Kabiru.Las gafas del artista keniata Cyrus Kabiru. Es cierto que en África el reciclaje está detrás de muchas iniciativas creativas, pero el artista keniata Cyrus Kabiru recicla cuanto encuentra —cucharas, clavos o ramas— para convertirlo en una metáfora. Fabrica gafas que muestran su ntos”, explica la comisaria de la muestra, Amelie

58 NOTICIAS

SEGURIDAD El programa todavía está en sus primeras fases. De hecho, necesita unos 20 minutos de conversación para procesar todos los sonidos, colores, formas, músicas y poder empezar a trabajar. Adobe realizó una prueba en público durante su confeencia. Y fue capaz de demostrar como el programa imitaba la voz de una persona e introducía nuevas palabras sin que apenas se apreciera. Otro de los aspectos que mas preocupa es el tema de la seguridad. Los periódicos están cada vez más repletos de noticias sobre fallos de seguridad y robo de datos. Nadie está a salvo. Pero lo que sí está en nuestra mano es prevenir. Lo ideal es aumentar la seguridad de nuestra web en la medida de lo posible. Aunque quizás podamos considerar que la seguridad no es un tema propio de diseño, los desarrolladores web tendrán que tenerla en cuenta. Y también quiénes gestionan una web o un blog.. Otro de los aspectos que mas preocupa es el tema de la seguridad. Los periódicos están cada vez más repletos de noticias sobre fallos de seguridad y robo de datos. Nadie está a salvo. Pero lo que sí está en nuestra mano es prevenir. Lo ideal es aumentar la seguridad de nuestra web en la medida de lo posible.

ARTE PARA HUMANIZAR MADRID Para empezar: ¿Qué demonios es un alcorque? Aunque convivimos estrechamente con ellos, el concepto no es muy conocido.Los alcorques son esos huecos cuadrangulares llenos tierra (o basura y colilas), que rodean la base de los árboles que adornan las aceras. Hace unos días, delante de MediaLab Prado, un grupo de personas se afanaba en torno a ellos. Popih Sandoval, un hombre joven de melena perfectamente cana, relataba, azada en mano y no sin cierto suspense, la operación: “Vamos a rodearlos de unas tablas de madera, para que no se llenen de colillas, y luego, con estos cactus, vamos a convertirlos en pequeños jardines urbanos”. Se trataba de una de las Hackity Dinner, reuniones informales que el estudio de diseño social Hackity realiza para que los propios ciudadanos realicen mejoras en el paisaje.

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La compleja belleza de la sencillez

Koan mix personality

Deep in your skin

El artista coreano Daehyun Kim aplica tinta negra sobre papel blanco para dibujar pequeñas escenas que son como koanes visuales. Imágenes sencillas llenas de significados oscuros. Fly myself

The forest under your body

60 HISTORIA DEL ARTE Pie de foto o créditos

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Diseño y diversidad

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Jazz records. Vinilo actualizado de los hits del Jazz en la historia.

El lenguaje del jazz Ambos fueron músicos de color, con actitudes diferentes. Genios opuestos que nunca se cruzaron. Lo más cerca en Impressions, pero no en el plano físico sino conceptual. Del “So What” modal de Miles (1959), desarrollado por Coltrane en el exuberante “Impressions “(1961) a la versión del modesto Wes (1965) que sin abandonar la sonrisa ni las restricciones del jazz modal, supera en intensidad expresiva a los citados. Los dos temas son herederos del diseño de Ahmad Jamal en su “Pavanne” (1955) que a su vez, es un cover de otro tema de Morton Gould (1939) Davis, de acomodada cuna y músico de carrera, creció en un entorno culto y como músico consagrado participó activamente en múltiples proyectos artísticos, siempre en vanguardia. Es seguramente,

MÚSICA 63

64 DIBĂ&#x161;JALO

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