New Sick Magazine by Mario Merino

Entrevista: Lori Meyers

Dicen los granaínos que les va medio bien: estrenan disco (Impronta), les llaman de todos los festivales y progresan adecuadamente tras el desamor.

Entrevista por Iago Fernández Llamamos a Noni (Loja, 1981) a la hora acordada y pide retrasar la entrevista. Un imprevisto. Una pelea con su proveedor de internet. Parece una mala broma que lo más engorroso de romper con tu novia sea darte de baja de la compañía telefónica. Todo OK con ella. Recoges los pedazos y te sale el nuevo disco de Lori Meyers. Pero Wi-Fi no. Wi-Fi aún no tienes.

Entrevista: Lori Meyers

on Impronta se confirma que lo que nos han dejado las profecías mayas no es más que una avalancha de rupturas. Eso parece, pero tampoco creo que este disco venga sólo de que yo rompiera con mi novia. Lo guay es que recorre la separación de dos personas desde el principio hasta los últimos alientos, pero no como algo concreto sino como un concepto general con el que todo el mundo se puede sentir identificado. ¿Te refieres al concepto general de “decir te quiero y ser sincero”? Esa frase es de Deshielo, el tema que hicimos con Manu Ferrón, de Grupo de Expertos Sol y Nieve. Habla del momento en el que todo se ha enfriado demasiado. Bueno, también habláis de cosas profanas. Eso de ver fotos de tu ex en internet. [Ríe como si se fuera a ahogar] Le pasa a todo el mundo, ¿no? Uno no conoce de verdad a alguien hasta que investiga su perfil de Facebook. No, es broma… pero, a ver, ¿quién no se ha encontrado con fotos que no le han gustado? Es una experiencia cotidiana que conecta rápido con la gente que nos escucha.

Con la gente joven conectáis rapidísimo. Gente mucho más joven que vosotros. Fui siempre el pequeño y ahora me toca ser el mayor. Yo me movía en Granada con la gente de 091, Los Planetas, Niños Mutantes… todos mayores que yo. No sabría decir qué nos conecta con la gente joven. Y en la época de nuestro debut Viaje de estudios (2004), los colegas decían que le gustábamos a sus padres. Quizá le sonábamos a Los Brincos, Los Módulos, Los Ángeles y grupos de esa época… En Deshielo y Huracán aún asoma un poco Triana, ¿no? Es que siempre he sido superfan de Triana. Es la música que se escuchaba en mi casa. Es como ser del equipo de fútbol que le gusta tu padre. No lo puedes evitar. Yo de Triana me las sé todas en hammond, piano, guitarra… todo. Soy un puto friqui con Triana. Es normal que haya pianos y medios tiempos que recuerden a ellos, claro. Vuestro manager dice que Despedirse le suena a Kings of Convenience. ¿Habéis conocido algún músico más idiota que Erlend Øye? [Roza otra vez la asfixia con una carcajada] Al Erlend Øye lo conocí una vez porque es amigo de Javiera [Mena], pero no charlé mucho con él, la verdad. Todo el mundo dice que es gilipollas. En este momento difícil que estamos viviendo, la verdad, prefiero odiar a los personajes que salen en el telediario antes que a ningún músico. Entonces de debates sobre el machismo en el indie ni hablamos. Algo me comentó Anni [B Sweet] pero no leí ese artículo [en referencia a un reportaje publicado por el periódico Diagonal y que encendió a la escena musical española durante varias semanas]. Tenemos que volcarnos en lo que de verdad importa porque, aunque nuestra vida en general vaya medio bien y nos llamen para tocar en festivales, todos tenemos gente en nuestra familia que está mal y a la que tienes que ayudar. ¿Machismo en el indie? No voy a perder tiempo en algo tan idiota. A mí hablar de indie ya me parece un chiste. Vosotros siempre tenéis un pie en esa etiqueta. Somos un grupo que nunca nos planteamos lo que iba a pasar y yo, a eso, lo llamo ser independiente. Somos independientes en el aspecto de trabajar al máximo.

F a r g o

Violencia y absurdo en tierra nevada. La primera temporada de â&#x20AC;&#x153;Fargoâ&#x20AC;?, una producciĂłn dividida en diez episodios con una estructura compleja y protagonismo coral Por Quim Casas

Fargo

l plano final del décimo episodio de “The Knick” (2014), la serie de Steven Soderbergh ambientada en un hospital neoyorquino en 1900, nos muestra un frasco de heroína disuelta, substancia que un médico anuncia como la solución a los problemas que el protagonista tiene con la cocaína. Este último plano nos pone en guardia respecto a lo que le espera en el inminente futuro al personaje encarnado por Clive Owen, tan adicto a la cirugía como a las drogas.

“Fargo”, creada por Noah Hawley, no necesita llegar a la última imagen de una primera temporada dividida también en diez episodios para procurar una parecida incertidumbre, en este caso coral y no individual. Antes de concluir su octavo capítulo, un simple rótulo nos sitúa temporalmente un año después de los hechos que hemos presenciado hasta ese momento. Quien era un entrañable pero torpe agente de policía, Gus Grimly (Colin Hanks, hijo del protagonista de “Forrest Gump” y psicópata religioso en la serie “Dexter”), trabaja ahora de repartidor de correos. Su segunda esposa, la decidida agente de policía Molly Solverson (Allison Tolman), está embarazada, como lo estaba la jefa de policía de “Fargo” (1996), el filme de los hermanos Coen. De un plano a otro, con un solo rótulo, el mundo parece haber dado un vuelco radical. Pero la estabilidad de esta nueva pareja, cuyo tímido cortejo ha supuesto uno de los temas de los anteriores siete episodios, no invalida que los hechos criminales no hayan sido esclarecidos. La elipsis no disipa la incerteza y la duda. Un asesino sigue libre. Unos crímenes no se han resuelto. Todo está aún por hacer. Antes fue el cine el que adaptó series de televisión: “Misión: Imposible”, “Star Trek”, “El fugitivo”, “Los intocables”, “Los vengadores”, “Expediente X”... Ahora es la ficción televisiva la que se inspira en la cinematográfica: “Bates Motel”, “Gomorra. La serie”... “Fargo” no es exactamente una adaptación catódica de la película de los Coen; es una serie inspirada en el universo de aquel filme. Eso sí, se repiten algunas situaciones (el dinero enterrado en la nieve, el accidente en la carretera helada), escenarios, tipologías y sentido del humor. Ambas producciones empiezan con el mismo rótulo: “Esta es una historia verdadera. Los acontecimientos que se relatan tuvieron lugar en Minnesota en 2006 (1987 en la película). Por petición de los supervivientes, se han cambiado los nombres. Por respeto a los muertos, todo lo demás se relata tal y como ocurrió”. Y lo que se relata apela al thriller, drama, humor absurdo, retrato de algunas paranoias con resonancias bíblicas; la pintura inmisericorde, inquie-

Fargo

tante y divertida a la par, de personajes arribistas u honestos, miserables o listos, violentos, empequeñecidos todos por hechos que los desbordan. Aquí no hay un pusilánime vendedor de coches que encarga el secuestro de su esposa para cobrar el rescate, sino un apocado vendedor de seguros, Lester Nygaard (Martin Freeman, mejor aquí y como catódico doctor Watson que haciendo de hobbit), que se ve involucrado en los actos de un asesino lacónico y metafísico, Lorne Malvo (espléndido Billy Bob Thornton, que, con corte de pelo, barbita y ropa oscura, se asemeja a un existencialista de los años cincuenta), y acaba ejerciendo él mismo la violencia para convertirse, durante la elipsis antes citada, en el mejor vendedor de seguros del año. Lester avanza en el relato de forma parecida a como lo hace el Walter White de “Breaking Bad”, ya que poco a poco toma conciencia de su propia criminalidad y cinismo. En el séptimo episodio, no duda en poner pruebas en el garaje de su hermano para que la policía crea que este tenía una aventura con su esposa y lo culpen de su muerte. En este mismo episodio, la explicación falsa de Lester al jefe de policía encarnado por Bob Odenkirk (el abogado de “Breaking Bad”) es todo un elogio de la representación.

Fargo

No faltan en la serie los momentos extraños, como el tornado que absorbe los peces y agua del lago y los deja en otro lado –una idea que parece más de Paul Thomas Anderson que del imaginario de los Coen–; situaciones dramáticas vaciadas de tensión –Lester y Lorne en la sala de espera del hospital, el origen de todos los conflictos–; secuencias de violencia sintética –la muerte a martillazos de la esposa–; una estructura innovadora –no se trata de una trama lineal ni de subtramas, sino que el relato va en distintas direcciones– y dos momentos memorables en su coreografía visual: el tiroteo durante la tormenta de nieve que lo difumina todo en el episodio seis y, en el capítulo siguiente, la masacre que perpetra Lorne dentro de un edificio con ventanas de cristal de espejo, rodada en un magnífico plano secuencia desde el exterior.

Fargo

Fotografía y Música

Mick Rock ha tenido una carrera larga e increíblemente fructífera como fotógrafo de rock. Quizás sus imágenes más icónicas se enmarcan en el glam-rock de principios de los setenta. Si te has topado con algún retrato fantástico de David Bowie, Queen, Lou Reed o Iggy Pop de esa época, seguro que Rock es el responsable. Pero él no paró cuando Ziggy Stardust colgó sus plataformas de purpurina. En las últimas dos décadas, ha fotografiado a Daft Punk, Janelle Monáe y Lady Gaga.

Fotografía y Música

Probablemente, el más famoso de esta lista. El artista holandés Anton Corbijn es hoy en día más conocido por su faceta de director. Sus vídeos musicales incluyen Heart-shaped box, de Nirvana, y One, de U2; y su debut como director de cine se produjo en 2007, con el biopic de Joy Division Control. Pero Corbjin comenzó su carrera a mediados de los setenta como fotógrafo musical, poniendo tras su objetivo a Ian Curtis, Tom Waits o David Byrne. Aunque también ha empleado color en sus fotos, es célebre por sus retratos en blanco y negro.

Fotografía y Música

El trabajo del norteamericano Charles Peterson está sólidamente unido a la escena grunge de Seattle de finales de los 80 y principios de los 90, y muy específicamente al sello que catalizó este movimiento, Sub Pop. Él es el responsable de la mayoría de las imágenes más famosas de la primera etapa de Nirvana, al igual que de un puñado de fantásticas instantáneas de Mudhoney, Pearl Jam, Alice in Chains y otros grupos de la misma onda. Desde entonces, Peterson ha expandido su temática considerablemente, fotografiándolo prácticamente todo: Yeah Yeah Yeahs, Estambul, chicos jugando a la guerra, etc.

Dave Grohl

El tío más simpático del rock es el flamante Embajador del Record Store Day 2015. David Fricke lo entrevistó y te cuenta la historia de una estrella insospechada.

Dave Grohl

Dave Grohl acaba de ser nombrado Embajador del Record Store Day de este año. Y no nos extraña nada de nada, porque es el tío más simpático del rock y conmueve su alegato emotivo escrito al recibir la noticia del nombramiento. Kirk Hammet, de Metallica, fue el primer embajador, allá por 2008, de esta fiesta que celebra ya por todo el mundo la testaruda existencia de las tiendas indpendientes de discos y la cultura musical que las sigue sustentando a pesar de todo. También España se suma cada tercer sábado de abril a la celebración con multitud de actividades, lanzamientos y conciertos. Dave Gorhl está a punto de cantar la última canción de la noche en la misma sala en la que asistió a su primer concierto de rock en 1982: el bar Cubby Bear de Chicago. Aquel grupo era Naked Raygun, una banda punk local. Grohl tenía 13 años, había venido desde Virginia a visitar a su familia y su prima le llevó al concierto. Salió de allí transformado. Todo lo bueno y salvaje que ha habido en su vida empezó aquí: desde dejar el instituto para irse de gira con un grupo punk a ser el batería de Nirvana, componer éxitos y llenar estadios con los Foo Fighters o hacer documentales de rock. “Recordad lo sencillo que es que alguno de vosotros le descubra algo a alguien que le acabe cambiando la puta vida”, dice Grohl al público, refiriéndose a su prima Tracey Bradford, antes de acabar el concierto que Foo Fighters han ofrecido para festejar el estreno de Sonic highways, la serie documental que Grohl ha hecho para HBO. “Imaginaos la de cosas que podéis descubrirles a vuestros colegas, que pueden cambiarles sus putas…”. Grohl se gira hacia alguien que hace aspavientos cerca del escenario. Su sonrisa se torna en una mi-

Por David Fricke

rada asesina. “¡Hablo en serio, gilipollas!”, suelta, en un raro destello de ira. Más tarde, Grohl recordará ese momento, aún enfadado: “La listilla esa hacía esto” –se pone un dedo en la sien en forma de pistola y dispara– “como diciendo, ‘¡Guau, algo que te volará los sesos!” (Una desafortunada muestra de ironía. Hace 20 años, Kurt Cobain, cantante y guitarrista de Nirvana, acabó así con su vida.) En el Cubby Bear, Grohl recupera rápidamente su buen humor. “Puede que sea un tipo muy entusiasta y un poco empollón”, dice, “pero me ha ido bien durante estos 20 años”. Y entonces, Grohl, los guitarristas Pat Smear y Chris Shiflet, el bajista Nate Mendel y el batería Taylor Hawkins atacan Everlong, de 1997, en la que Grohl canta, al unísono con sus fans: “Y me pregunto/ mientras canto a coro contigo/ si este sentimiento podría durar eternamente/ si las cosas volverán a ser tan buenas como ahora”. “La gente no cree que sea tan real

y sincero”, dice Grohl, de 45 años, unos días después en su casa de Los Ángeles desde las que se ve el valle de San Fernando y donde vive junto a Jordyn, su segunda mujer, y sus tres hijas pequeñas. Agita la cabeza con asombro, quitándose el largo y negro pelo que le cae sobre la cara. “Para mí es muy importante que las historias que me inspiraron inspiren a otras personas. Y aunque no creo que esa sea mi misión, dispongo de la oportunidad y los medios para hacerlo”. Ha invertido un par de años y su dinero –también parte de las ganancias de los dos estadios que los Foo llenaron en México el año pasado– en Sonic highways, que también da título al disco de la banda que acompaña al documental. Continuación de Sound city, documental que Grohl hizo en 2013 sobre un legendario estudio de Los Ángeles, la serie de HBO es un viaje de ocho capítulos a través de las ciudades americanas más importantes para el rock y la música de raíces: Chicago, Austin...

Dave Grohl “Dave tiene una visión”, confirma Smear, de 55 años, que fue miembro de la influyente banda de punk de Los Ángeles Germs y que coincidió con Grohl en Nirvana el mismo año de la muerte de Cobain. “Nuestra tarea es alcanzarla o, si es posible, superarla”. Grohl, que creció en Springfield, Virginia, ha intercalado sus propias historias –como la epifanía de Naked Raygun y sus lecciones sobre la autosuficiencia cuando era un adolescente en la esce-

na punk de Washington– en Highways. “Pregúntate a ti mismo/ devánate los sesos/ ¿dónde queda aquella P.M.A.?”, pregunta Grohl en The feast and the famine, citando el acrónimo en inglés de ‘Actitud Mental Positiva’, expresión acuñada por la banda punk Bad Brains. “Es una persona que sabe apreciar las cosas”, dice Virginia Grohl, madre de Dave. “Tiene respeto por la historia y las raíces”. Ella crió a Dave y a Lisa, su hermana mayor, tras divorciarse de su padre, periodista y poeta ocasional, cuando

Dave tenía 6 años. Profesora de inglés de instituto, Virginia no tuvo reparos en que Dave abandonara su educación a los 17 años para irse de gira por Europa con su primer grupo serio, Scream. “Solíamos hablar sobre la música y el futuro”, recuerda Virginia. “De dinero nunca hablábamos. Quería estar en grupo y poder ver a otros grupos. Estaba muy decidido”. Hace una pausa. “Ahora sigue estando motivado. No sé cómo lo hace. Su pasión es muy, muy grande”.

Dave Grohl “Dave no quiere entrar en el estudio y grabar otro disco de la misma forma que siempre”, dice Butch Vig, productor del mítico Nevermind (1991) de Nirvana, y coproductor del disco Sonic highways. “Quiere que haya una historia tras la grabación que le dé relevancia”. Vig también apunta: “La gente le sigue porque creen que Dave es sincero. Eso se plasma en su música. Es como si la hubiera hecho tu vecino”. En su estudio casero, en un rincón de la planta de arriba de su casa, Grohl se comporta como un tipo que no acaba de creerse la suerte que tiene, poniendo a todo volumen algunas de las maquetas de estridentes guitarras que compuso aquí para Highways. Es un estudio modesto, con el espacio justo para un escritorio, un sofá y una pequeña cabina insonorizada con una batería. Al salir, hay que levantar el cuello para poder ver los 15 Grammys que ha ganado Grohl, alineados en lo alto de una estantería. “Tendrías que verme aquí arriba después de un día de hacer de padre”, grita Grohl con placer por encima de un torrente de guitarra distorsionada. “Me bebo casi una botella de vino, me quedo en ropa interior y toco estos riffs durante toda la noche”. Es un poco más tarde de las diez de la mañana, pero Grohl lleva despierto desde las 5:45. He hecho el desayuno de sus hijas Violet (8 años) y Harper (5), les ha preparado la comida y las lleva al colegio. Ahora, vamos en su coche hacia el Studio 606, el local del grupo, donde está editando el episodio de Nueva York de Highways. Justo antes, Grohl se prepara su propio desayuno, lo engulle, limpia y se da una vuelta por la casa, parándose delante de una cuna para coger a su hija pequeña, Ophelia, que nació en agosto, para hacerle carantoñas. De camino al estudio habla animadamente –especiando la conversación con tacos y jerga de furgoneta (“colega”, “guay” o “guapo”)– sobre su vida, su obra y sus muchos amigos en el mundo del rock and roll.

TE D UNA Ca 26

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Te doy una canción

LET

“Blitzkrieg Bop” es una canción del grupo de punk rock The Ramones aparecida en el primer álbum de la banda, Ramones, de 1976 y que fue lanzada como sencillo en noviembre de 1975 en Estados Unidos y julio de 1976 en el Reino Unido. Este tema es considerado un hito no sólo del punk, sino también del rock and roll en general. La canción fue escrita principalmente por el baterista de la banda, Tommy Ramone, y fue una de las más populares debido al repetitivo coro que comenzaba la canción con “Hey! Ho! Let’s go!”. Hoy en día es el lema principal de la banda, con ritmos pegadizos, guitarras y bajos al estilo punk rock clásico. “Blitzkrieg Bop” es, según muchos, la primera canción del género punk rock, inspirando a otros grupos del mismo estilo o derivados de la época y a los que estaban por venir. También aparece en el número 92 de la Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. La canción ha sido versionada por muchos artistas, como Rob Zombie, Pennywise, The Beautiful South, Babyshambles, Screeching Weasel, Sodom, Cataract, Die Toten Hosen (con la colaboración de Joey Ramone), Jason Mraz, Green Day y The Casualties, entre otros. La canción también aparece en el videojuego de música Rock Band.

Jeffrey Hyman era un adolescente desempleado, hijo de un matrimonio divorciado, que ocupaba su tiempo tocando la batería y coleccionando discos, mientras su madre intentaba inculcarle el interés por la pintura y su padre le pedía que siguiese con su negocio de camiones. Jeffrey sufría un trastorno obsesivo-compulsivo que necesitó su ingreso en un centro psiquiátrico. A finales de los 60 formó parte de una banda de glam rock de corta vida llamada Sniper. John Cummings había sido alumno de una academia militar a la que entró por mandato de su madre. Como amigo de la infancia de Jeffrey, intentó formar un grupo con él y otro amigo durante su etapa en el instituto. A finales de los 60 fundó una banda de garage rock llamada Tangerine Puppets junto con Thomas Erdelyi, un húngaro de nacimiento que llevaba inmerso en el mundo de la música desde mucho antes que sus futuros compañeros. Douglas Colvin pasó toda su infancia en Alemania debido al trabajo de su padre, miembro de la División de Investigación Criminal del ejército estadounidense. Se mudó a Nueva York con su madre y sus hermanas a los 14 años, y cuando entró en el grupo era el único de los componentes que tenía un trabajo (peluquero). A principios de los 70, Jeffrey era cantante en una banda local. En uno de sus conciertos conoció a Douglas, a quien volvió a ver en un concierto de los New York Dolls. John era amigo de Douglas y también amigo de Jeffrey (estuvo con su hermano Mitch Hyman en la misma banda), y a su vez amigo de Thomas. De este modo, la primera alineación del embrión de los Ramones tenía como integrantes al guitarrista John Cummings, el

Te doy una canción guitarrista rítmico y vocalista Douglas Colvin, el batería Jeffrey Hyman y Richie, un amigo de todos, al bajo, quien acabaría abandonando al poco de comenzar. Thomas actuaría como representante del grupo, y fue el que consiguió la primera sala de ensayos del grupo, Performance Studio, en Manhattan. En esta sala tocaron su primer concierto, el 30 de marzo de 1974 ante una audiencia de 30 personas y con un repertorio compuesto únicamente por versiones de otros artistas. En este concierto la banda ya era conocida como Ramones, un nombre inventado por Douglas. A partir de ese momento, todos los miembros llevarían el apellido Ramone (el mismo que utilizaba Paul McCartney en el periodo Silver Beetles ), de modo que los tres miembros serían conocidos como Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Johnny Ramone (John Cummings) y Dee Dee Ramone (Douglas Colvin). Este primer concierto resultó un desastre, causado principalmente por la imposibilidad de Dee Dee de tocar y cantar a la vez. Como solución, Dee Dee se dedicó solamente al bajo y Joey se hizo con el puesto de cantante. Para rellenar su hueco en la batería se eligió a Thomas, el representante y amigo de los componentes, que pasó a llamarse Tommy Ramone.

T’sGO! El 16 de agosto se produjo su debut oficial en un local llamado CBGB. A partir de esta primera actuación pasaron a tocar allí una vez a la semana junto con otros músicos emergentes como Blondie, Johnny Thunders, Talking Heads, Patti Smith o Television. Su primer concierto fuera de Nueva York tuvo lugar como teloneros de Johnny Winter ante 20.000 personas en Waterbury, Connecticut, y fue un sonado desastre. En diciembre de ese año grabaron una demo de 15 canciones producidas por Tommy, de las cuales siete irían a parar al primer álbum y dos al segundo. Otras dos fueron publicadas en All the Stuff (and More), mientras que aún hay cuatro de estas canciones inéditas. En junio de 1975, una compañía discográfica semidesconocida, Sire Records, les ofreció grabar un sencillo, pero declinaron la oferta. Linda Stein, la mujer de uno de los fundadores de esta compañía, Seymour Stein, los había visto actuar en el CBGB y les recomendó a su marido, que consiguió convencer a Sire para ofrecerles un contrato de cinco años. El 2 de febrero de 1976, los Ramones empezaron a grabar su primer álbum, Ramones, con un presupuesto de 6.400 dólares, en contraste con los altos presupuestos que gastaban los grandes grupos de rock. Dos semanas y media después, el disco ya estaba terminado, y salió a la venta el 23 de abril. El 10 de mayo compartieron escenario con la banda inglesa Dr. Feelgood. Este concierto fue presenciado por un empresario inglés que les ofreció realizar un concierto en el Roundhouse de Londres el 4 de julio junto con el grupo de San Francisco The Flamin’ Grooves y los ingleses The Stranglers. El concierto resultó un éxito y allanó considerablemente el camino a las bandas inglesas de punk como Sex Pistols o The Clash. De este concierto se dice que lo presenciaron los futuros líderes de estas bandas que se harían famosas poco después, un hecho falso puesto que ese mismo día The Clash se encontraba teloneando a los Sex Pistols en el Black Swan de Sheffield.

Te doy una canción

En el momento en que el disco se estaba desarrollando en el estudio, se proyectaba que el título fuese Get Back, motivo por el cual este tema fue interpretado en el famoso concierto en la azotea de Apple Records, pero finalmente el trabajo fue pospuesto hasta 1970, momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, a quien se había encargado la producción por deseo de John Lennon. Fue en ese momento cuando los Beatles decidieron que el disco se llamaría Let It Be, ya que las canciones quedaron con un toque “majestuoso”, y no “crudo”, tal y como esperaba Paul McCartney, debido a la incorporación de arreglos orquestales en algunos de los temas, y la mayor preponderancia dada a los coros y otros arreglos en detrimento de la batería, en aplicación de algunas de las técnicas popularizadas por Spector, y conocidas como wall of sound. Aunque Let It Be fue el último disco que salió a la venta de la banda inglesa, no fue el último en el estudio. Paul McCartney se mostraría disconforme, sobre todo con “The Long and Winding Road”, por los arreglos orquestales de Phil Spector. Más tarde, publicaría, ya en 2003, Let It Be... Naked, un disco doble con los temas sin los agregados de Spector. Let It Be también fue el nombre del documental de la banda interpretando sus temas en el estudio de Apple Records y en la terraza. El máster fue grabado el 31 de enero de 1969, como parte del proyecto Get Back Album, con McCartney al piano (un Blüthner Flügel), Lennon al bajo, Billy Preston al órgano y George Harrison y Ringo Starr a la guitarra y a la batería, respectivamente. La voz principal de McCartney fue acompañada por Lennon y Harrison, como se podía ver en el documental. El máster incluía un solo de guitarra de Harrison que podía ser escuchado en el documental Let It Be. El 30 de abril de 1969, Harrison realizó arreglos sobre un nuevo solo de guitarra. Harrison volvió a arreglar otro solo el 4 de enero de 1970 y, aunque tienen similitudes estilísticas, este solo pudo haber sido interpretado por McCartney. El primer solo fue utilizado para la versión del sencillo, y el segundo para el álbum. Algunos seguidores creen erróneamente que existían dos versiones de la pista básica, basadas en los diferentes solos, pero también en arreglos y mezclas. Versión del sencillo El título de la portada del sencillo (que usaba las mismas fotos de cubierta que el álbum) decía: “An intimate bioscopic experience with THE BEATLES” (Una íntima experiencia bioscópica con THE BEATLES). El sencillo originalmente salió a la venta el 6 de marzo de 1970, con la canción “You Know My Name (Look Up the Number)” en la cara B y con la producción de George Martin. La canción incluía orquestaciones y acompañamientos vocales dirigidos por McCartney, incluyendo la única contribución de Linda McCartney en una canción de los Beatles. Estos añadidos se grabaron en la misma sesión en la que Harrison arregló el segundo solo de guitarra. La intención era que los dos solos sonaran juntos, pero esta idea fue eliminada de la parte final de la mezcla, y sólo el 30 de abril fue utilizada. La versión del sencillo se incluyó en la recopilación The Beatles/1967-1970. En

Te doy una canción

el sencillo original viene reflejada la duración de la canción en el álbum, 4:01, y no la del sencillo, 3:52, que es la que debería venir reflejada. Versión del álbum El 26 de marzo de 1970, Phil Spector remezcló la canción para el álbum Let It Be. En esta versión se dio predominancia a la guitarra y a la orquestación. El solo de guitarra se podía escuchar más bajo que como se había previsto en el original. Hay tres líneas en el último estribillo de la canción que se cantan dos veces en vez de una como en la versión del sencillo. Antes de la canción se escucha a Lennon decir “Now we’d like to do ‘ark the angels come...” que es una referencia a un villancico. Allen Klein contrató a Spector para mezclar el álbum sin el consentimiento de McCartney porque éste último no había firmado con él el contrato de representación que el resto del grupo había rubricado. McCartney declararía posteriormente que no estaba satisfecho con la producción de Spector. Versión Let It Be... Naked Otra versión de la canción estuvo recogida en el álbum Let It Be... Naked, del año 2003. Ringo no estaba de acuerdo con la mezcla que de la canción había hecho Spector, ya que en ella el sonido de su batería sonaba amplificado. En Let It Be... Naked se escuchan los tambores como deberían haberse escuchado en el álbum original. Starr también comentó que después de la publicación de Let It Be... Naked no tendría que volver a escuchar a McCartney diciendo: “I told you so” (Te lo dije), cuando se refiriese a la producción de Spector. La duración de la canción en esta versión es de 3:54.

La recepción de la canción por parte de la crítica fue muy positiva. La Allmusic dice que es una de las baladas más populares y bonitas de los Beatles.

McCartney dijo que escribió “Let It Be” tras soñar con su madre durante las tensas sesiones para la grabación del Get Back Album. McCartney explicó que su madre había fallecido cuando él tenía 14 años, a la que se refiere la letra.4 5 Posteriormente McCartney declaró: Me encantó volver a conversar con mi madre. Me sentí bendecido por tener ese sueño. Eso me hizo escribir ‘Let It Be’.

TEa IN HE

Te doy una canción

Tears in Heaven es una balada escrita por Eric Clapton y Will Jennings en memoria de Conor, hijo del primero, quien murió el 20 de marzo de 1991 al caer accidentalmente del piso 53 de un rascacielos en Manhattan, Nueva York, a los 4 años y medio de edad. Escrita 9 meses después del deceso, se transformó en uno de los temas de más éxito de Clapton. Alcanzó el número 2 en la lista de popularidad Billboard Hot 100 de Estados Unidos y se mantuvo tres semanas en el primer lugar de la lista Adultol Contemporáneo en 1992. “Tears in heaven” fue incluida originalmente en la banda sonora de la película Rush. En el año 1993 ganó tres premios Grammy, en las categorías “Canción del año”, “Grabación del año” y “Mejor interpretación vocal pop masculina”. También fue incluida en el álbum de Clapton Unplugged. La canción ocupa el puesto 353 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone.

Clapton nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929-marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920-1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 25 años. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, mientras que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton). Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos. Cuando Clapton contaba con nueve años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermano Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio. Su hermano, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanas del segundo matrimonio de su madre: Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).

Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, “un niño malo”. Aun así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crio en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial

aRS EAVEN

Te doy una canción

de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric obtuvo su primera guitarra como un regalo con motivo de cumplir 13 años de edad. Era una guitarra acústica de la marca alemana Hoyer, que le resultó de difícil ejecución. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprender los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.

Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda The Roosters. Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers. Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo. En octubre de 1963, Keith Relf (que estudiaba con Clapton) y Paul Samwell-Smith reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voz), Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony “Top” Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham. The Yardbirds, ya sin Clapton, en Langueux, Francia en 2006. De izquierda a derecha: John Idan, Jim McCarty, Chris Dreja. Durante su período de dieciocho meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de “slowhand” (“mano lenta”). Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira con Sonny Boy Williamson II, de la cual saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds.

Así nacieron los grupos más influyentes del Pop británico

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ARCTIC MONKEYS Por Mario Merino Granados En 2001 los vecinos Alex Turner y Jamie Cook pidieron algún instrumento musical como regalo de Navidad. Después de haber aprendido a tocar por su cuenta, la pareja formó una banda con los amigos de la escuela de Turner (Stocksbridge High School), Andy Nicholson y Matt Helders. Nicholson ya sabía tocar el bajo, así que Helders terminó en la batería. En un artículo de la revista Blender de mayo de 2006 se mencionó que Turner no era el vocalista original - “Cuando su primer vocalista, Glyn Jones, dejó la banda después de unos meses, Turner tomó el micrófono.” Este hecho fue nuevamente reportado más detalladamente en el tabloide británico The Sun, en el cual Jones cuenta que una tarde, después de unos exámenes, estaban aburridos con Alex, así que empezaron a escribir una canción acerca de Sheffield, ciudad natal de la banda. Glyn era el cantante principal sólo porque “Alex era muy tímido y no era consciente de su gran voz... pero estaba contento tocando su guitarra.”

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lyn comentó que no tenía la intención de dar un paso más allá “para mí éramos sólo una pandilla de niños causando problemas debido al aburrimiento.” Aunque algunos rumores cuentan que el grupo se puso el nombre de la banda del tío de Helders (o la de su padre), éste lo negó, afirmando que “lo inventamos todo porque mucha gente nos preguntaba (acerca del nombre), así que simplemente empezamos a inventar historias”, y que luego no tuvo el valor para reconocer de que estaba mintiendo. Nos quedamos con Arctic Monkeys. Sus primeros ensayos los hicieron en los Estudios Yellow Arch en Neepsend, mientras que su primer concierto fue el 12 de junio de 2003 en The Grapes en Sheffield. Después de unas cuantas presentaciones, empezaron a grabar demos y a grabarlos en CD para regalarlos en los conciertos. Con un número limitado de CD disponibles, los fans comenzaron a ripear la música en sus ordenadores y a compartirla entre ellos. Al grupo no le importó, diciendo que “nunca hicimos esas demos para hacer dinero ni nada. Estábamos regalándolas de todos modos, era la mejor manera de que la gente las escuchara. Eso hizo que los conciertos fuesen mejores, debido a que la gente sabía las letras y cantaba con nosotros.” No quisieron responsabilizarse de la difusión de su música, admitiendo que ni siquiera sabían cómo poner sus canciones en Internet. Cuando un periodista de Prefix Magazine les habló sobre la popularidad de la banda en MySpace, los miembros de la banda admitieron que ni siquiera sabían qué era MySpace, y que su página oficial había sido creada por sus fans. “Cuando éramos número 1 en los charts en Inglaterra estábamos en las noticias y en la radio. Hablaban sobre cómo Myspace nos había ayudado. Ése es el ejemplo perfecto de alguien que no sabe de qué diablos le están hablando. No teníamos idea de qué se trataba”. Comenzaron a ganar popularidad en el norte de Inglaterra, siendo el núcleo de su popularidad el lugar donde la banda solía tocar a menudo, The Boardwalk. En mayo de 2005, la banda lanzó su primer EP, Five Minutes with Arctic Monkeys, el cual contenía las canciones “Fake Tales of San Francisco” y “From the Ritz to the Rubble”. Dicho lanzamiento fue limitado a 500 CD y a 1000 LP, estuvo también disponible

para su descarga en iTunes Music Store. Poco después, la banda tocó en la Carling Stage de los Festivales de Reading y Leeds, un festival reservado para bandas poco conocidas o sin discográfica. Su aparición estuvo repleta de periodistas y fue recibida por una multitud, mayor a la de otro concierto anterior, además de haber sido aclamada por la crítica. En el concierto, el público continuamente estuvo cantando junto a la banda. Su primer sencillo después de haber firmado con Domino Records, “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, fue lanzado el 17 de octubre de 2005 y fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, superando a Sugababes, McFly y Robbie Williams en el proceso. Cuatro meses y tres días después hicieron su primera aparición en el semanario New Musical Express. Su segundo sencillo, “When the Sun Goes Down” (anteriormente titulado “Scummy”) fue lanzado el 16 de enero de 2006 y también fue directo a la primera posición en el UK Singles Chart, vendiendo 38.922 copias. El increíble éxito de la banda, alcanzando sus dos singles iniciales la posición número uno sucesivamente sin promoción ni marketing llevó a algunos a pensar que podría significar un cambio en cómo las nuevas bandas podrían alcanzar el reconocimiento en el futuro. Terminaron de grabar su álbum debut en los Chapel Studios en Lincolnshire en septiembre de 2005. Su nombre fue confirmado en diciembre como Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, un título tomado de la película de 1960 Saturday Night and Sunday Morning, con el lanzamiento planeado para el 30 de enero de 2006. El álbum fué recibido de manera sorprendente, batiendo records a nivel mundial. Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not se convirtió en el álbum debut con las ventas más altas de la historia.

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THE KOOKS Los miembros originales de The Kooks se conocieron en el Brighton Institute of Modern Music en 2002. El baterista Paul Garred declaró a la MTV que todo se inició un día en el que él y Luke Pritchard fueron de compras. Al compartir amor por grupos como The Rolling Stones, Bob Dylan, The Police, y David Bowie Luke Pritchard consiguió que Harris y Rafferty se unieran a él con el pretexto de elaborar un proyecto musical para la escuela. Con una sólida demostración de su material Garred y Pritchard fueron en busca de un concierto, y de acuerdo con Garred, eran capaces de reservar su primer concierto simplemente porque al propietario le gustaban sus sombreros. Sin embargo, no pudieron llevar a cabo su actuación ya que en esos momentos estaban grabando su demo.

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omaron su nombre de la famosa canción de David Bowie ‘kooks’ que viene a significar chiflados. En cierta ocasión, Pritchard reveló que la primera canción que alguna vez tocaron como grupo fue una versión de la canción ‘Reptilia’ de The Strokes. The Kooks grabó un EP que enviaron en busca de conciertos, pero lo que recibieron fueron ofertas de gerentes y de compañías discográficas. Al cabo de cuatro meses de haberse formado como banda firmaron con Virgin Records, después de haber sido descubiertos por varios caza talentos en el Brighton Free Butt Festival en 2005. En una entrevista con musicomh.com, Pritchard reveló que “Fue muy rápido cómo sucedió todo, hicimos un demo con un compañero nuestro en Londres, que enviamos a un chico para conseguir algunos conciertos, y él resultó ser un gerente. Nos elevó y como que se fue de allí”. Los miembros de la banda han puesto de manifiesto que sentían que no estaban preparados en el momento. “era demasiado temprano para firmar un contrato discográfico... eramos muy jóvenes, habíamos estado juntos como dos o tres meses, así que realmente no queríamos firmar. Pero luego pensamos que era una oportunidad muy buena y los de Virgin parecían gente muy simpática. Parecía que realmente comprendían de donde veníamos”. Pritchard, quien también felicitó al sello discográfico por dar cabida a un grupo que estaba creciendo,

«Eran pacientes con nosotros y nos permitían desarrollar nuestro propio estilo, lo que sea» Después de haber firmado con Virgin Records The Kooks se resistían a grabar un disco de inmediato, indicando el deseo de centrarse más en sus actuaciones en directo y canciones. La banda decidió embarcarse en su primera gira en vivo en vez de grabar un álbum inicialmente, lo que ayudó a desarrollar su estilo y sonido. Como Prithard afirma “No nos sentamos con un proyecto. Sólo nos desarrollamos naturalmente y no intentamos darnos forma o moldearnos para nada”. Como resultado de ello, entraron en el estudio con cientos de canciones con una variedad de géneros, y se necesitó una “cantidad increíble de paciencia” por parte del productor Tony Hoffer para dar forma al contenido de lo que se convertiría en su primer disco. El álbum llegó a ser certificado cuádruple platino en el Reino Unido por la Industria Fonográfica Británica (BPI) en un año y de platino en toda Europa certificada por la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI). El éxito de su álbum debut llevó a la banda a la corriente principal atención de los medios, ganando el premio a la mejor artista del Reino Unido e Irlanda en los premios MTV en 2006 y una nominación a los Premios Brit de “She Moves in Her Own Way”, en 2007.

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FRANZ FERDINAND Todos los miembros de Franz Ferdinand estuvieron anteriormente en distintas bandas independientes en la década de los ‘90 como The Karelia, Yummy Fur, 10p Invaders, Pulguishona y Embryo. Alex Kapranos y Paul Thomson tocaban juntos en Yummy Fur y posteriormente se unieron para escribir canciones. Alrededor de la misma época Kapranos enseñó a su amigo, Bob Hardy, cómo tocar el bajo. Kapranos se reunió con Nick McCarthy en el año 2001 que regresaba a Escocia después de estudiar jazz en Alemania. En mayo de 2003, la banda firmó con el sello discográfico independiente, Domino Records. La banda había grabado un EP Darts of Pleasure, el que pretendían lanzar ellos mismos, pero fue lanzado por Domino a finales de 2003. La cubierta del disco fue diseñada por Thomson. Llegó #43 en el chart del Reino Unido[cita requerida]. La banda ganó el Premio Philip Hall Radar, en la ENM de los Premios de 2004, anunciado a finales de 2003.

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El 7 de septiembre de 2004, el álbum de 2004 fue galardonado con el Premio Mercury Music. En Australia, “Take Me Out” ganó el Triple J Hottest 100 del año 2004. Franz Ferdinand procedió a ganar un Premio Ivor Novello en 2004 y dos Brit Awards en 2005. El vanguardista video de “Take Me Out” ganó en la categoría “Video Revelación” en la entrega de los MTV Video Music Awards del 2004. La ENM llamó a “Franz Ferdinand” el mejor álbum de 2004, y también lo puso 38a en la Lista de los 100 Mejores Álbumes. La banda se presentó en los Grammy de 2005, interpretando “Take Me Out”, en un Medley en vivo con Los Lonely Boys, Maroon 5, Black Eyed Peas y Gwen Stefani. La banda pasó la mayor parte de 2005 en el estudio en Escocia trabajando en la grabación de su álbum, You Could Have It So Much Better, que fue lanzado el 3 de octubre de 2005.

a banda se trasladó a Gula Studios en Malmö, Suecia con Tore Johansson, productor de The Cardigans para grabar su disco de debut. En enero de 2004, el sencillo Take Me Out alcanzó el tercer puesto en las listas de ventas del Reino Unido. El álbum Franz Ferdinand, se lanzó a principios de 2004, debutando en la tercera posición de discos en el Reino Unido en febrero de 2004 y en el décimo segundo en Australia, en abril de 2004. El álbum sólo alcanzó los niveles más bajos del Billboard 200 Album Charts en los EE.UU., pero alcanzó el top 5 de la tabla de indie rock. Después de un par de viajes de América del Norte y la gran rotación del video “Take Me Out” en MTV, el álbum alcanzó el # 32 en Billboard 200 después, en 2004, y vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos.

La intención de la banda, inicialmente, era de titular el disco igual que su debut, pero cambiaron a You Could Have It So Much Better... With Franz Ferdinand antes de nombrar definitivamente el título. El diseño de la cubierta del álbum fue el retrato de Lilya Brik de Alexander Rodchenko de 1924. La banda trató de ampliar su abanico musical en el álbum. Después de la aclamación de la crítica de su álbum debut, algunos comentarios hacia el nuevo álbum se hizo más polarizado, con algunas quejas de que la grabación fue de urgencia. Sin embargo, fue en general bien recibido en la prensa y visto como un álbum igual o mejor que el primero por la mayoría de los críticos, incluidos los ENM. En el Reino Unido, el álbum fue número 1 y número 8 en los EE.UU..

Franz Ferdinand en general recibió una respuesta positiva de los críticos. ENM dice que la banda fue el más reciente que sigue la línea del arte de grupos de rock como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur. “En sólo 38 minutos de duración “Franz Ferdinand” no podía ser un álbum largo, pero es una obra maestra de funky, punky, suave fresco de la primera canción a la última”. All Music Guide clasificaron el álbum con cuatro de cinco estrellas y dijo: “Franz Ferdinand termina siendo gratificante de manera diferente al anterior trabajo banda, pero es evidente que aún son uno de los grupos más excitantes de fuera del garage-rock.

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KASABIAN La banda se formó en principio con el nombre de “Saracuse”, empezando a grabar en los Bedrock Studios ubicados en Leicester, donde Chris Edwards trabajo como ingeniero. Los miembros originales de la banda provenían de Countesthorpe y Blaby, la banda se formó mientras Pizzorno y Meighan asistían al Countesthorpe Community College. La influencia de The Stone Roses se puede escuchar en sus primeras canciones. El primer demo EP fue producido por Scott Gilbert y se hizo a finales de diciembre de 1999. Su primera aparición pública fue en el Club de Rugby Vipers para celebrar el cumpleaños número 18 de Chris Edwards con su familia y algunos amigos. La banda rápidamente capto la atención del público, por lo que cambiaron su nombre a Kasabian, tomado del nombre de Linda Kasabian, la joven embarazada que condujo el coche en el que huyó Charles Manson tras la matanza en la casa de Sharon Tate, esposa de Roman Polanski. En una entrevista con Ukula, el bajista Chris Edwards explicó que el ex guitarrista Chris Karloff escogió el nombre leyendo sobre Charles Manson... “Sólo pensaba que era genial, tomó aproximadamente un minuto para que el resto de nosotros la escuchara... y se decidieran”, dice Edwards. Además, Kasabian significa “carnicero” en armenio.

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u álbum debut fue lanzado en el Reino Unido el 13 de septiembre de 2004 recibiendo buenas ventas y, en general buenas críticas. Durante la grabación, la banda vivió en una granja cerca de Rutland Water para evitar ser molestados. Kasabian se presentó en el Festival de Glastonbury de 2005 en el denominado “Other Stage”. A pesar de tener dos sencillos “Processed Beats” y “Reason Is Treason”, no fue sino hasta el lanzamiento del tercer sencillo “ Club Foot” con el que finalmente obtuvieron éxito en las listas. La canción, que fue escrita en los primeros años de Kasabian, llegó a disfrutar de éxito crítico y comercial, convirtiéndose en una de las mejores canciones de la banda, y un infaltable en todas las actuaciones en vivo desde su lanzamiento. La canción fue el tema para el juego de skate Tony Hawk’s Project 8, Pro Evolution Soccer 5 y WRC: Rally evolved, así como soundtrack de las películas The Guardian y Goal!. Por su parte “Reason is treason” fue incluida en el juego Gran Turismo 4 para PlayStation 2 y Shaun White Snowboard en la Xbox 360. “LSF (Lost Souls Forever)” fue incluida en el juego FIFA 2004. Durante este período, varios bateristas tocaron con Kasabian, ya que no tenían un baterista permanente. Durante la grabación en Bristol, la banda se reunió con Ian Matthews, que aparece en los créditos tocando en “Processed Beats”, “Butcher Blues”, “Weeds” y posiblemente algunas otras canciones en el álbum debut y lados B. Se le pidió que fuera de gira con ellos en 2004 y se convirtió en un miembro permanente en abril de 2005. A lo largo de 2005 la banda se destacó por actuar como banda de soporte de Oasis en sus giras por Europa. Esto trajo muchos beneficios a la banda. Noel Gallagher se convirtió en una influencia clave para la composición y grabación del nuevo álbum y también trajo más fans a la banda. Durante las sesiones de grabación, el guitarrista y compositor Cristopher Karloff abandono la banda argumentando diferencias artísticas y creativas con el resto de la banda, por lo que se le pidió que dejara Kasabian. Karloff contribuyo en tres canciones de Empire. Finalmente en agosto de 2006 se editó el disco Empire, con el lanzamiento previó del sencillo homónimo que alcanzó el puesto 9 en la lista de sencillos inglesa solo debido a la venta en Internet del mismo, llegando a permanecer entre los diez primeros durante cuatro semanas. Luego, en noviembre, el segundo corte “Shoot the Runner” salió a la venta y alcanzó un respetable 17 puesto. “Me Plus One” fue el tercer sencillo, lanzado el 29 de enero en el Reino Unido. En los NME Awards ganaron el premio a mejor banda en vivo, mientras que en ese marco Noel Gallagher subió al escenario para interpretar junto con la banda “The Doberman” y “Club Foot”.

The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico (1967). Andy Warhol aparecía en los créditos del disco debut de Velvet Underground, de 1967, pero su papel exacto en la producción del álbum ha sido siempre un asunto turbio. La portada, sin embargo, fue un proyecto completamente suyo. En las primeras versiones de su famosa portada, el plátano salía medio pelado. Con canciones drogotas como I’m waiting for the man, algunos interpretaron que la portada era una referencia al rumor habitual de patio de colegio que decía que fumar la cascara de platano colocaba. Sea o no sea esa la intención de Warhol, la portada sigue siendo una de sus obras más famosas.

Pink Floyd, Wish you were here (1975). Los especialistas en escenas de acción de Hollywood Ronnie Rondell y Danny Rogers han trabajado en casi 200 películas, incluyendo Speed oTitanic. Pero por lo que siguen siendo más conocidos es por una fotografía tomada en los estudios de Warner Bros. en 1975, la que hicieron para la portada de Wish you were here, de Pink Floyd. Rondell llevaba un traje de chaqueta ignífugo y estrechaba la mano de Rogers, mientras que su ropa estaba en llamas. Para proteger la cabeza, Rondell se puso un par de pelucas. A pesar de todas las precauciones, durante el rodaje hubo momentos de peligro, ya que el viento soplaba en la dirección equivocada y el bigote de Rondell casi desaparece.

Las 10 mejores portadas de la historia

The Rolling Stones, Sticky fingers (1971). El segundo álbum de esta lista diseñado por Andy Warhol. Sticky fingers fue el primer disco de los Rolling Stones que grabaron para Atlantic Records, lo que les dio la libertad y el presupuesto necesarios para fabricar esta portada con una cremallera real. Cuando se abre la cremallera, se ve la ropa interior blanca con el logotipo de los Rolling Stones. Contrario a la leyenda, el hombre de la ropa interior no es Mick Jagger, sino uno de los colaboradores de Warhol, aunque nadie parece ser capaz de ponerse de acuerdo sobre quién es exactamente.

The Clash, London calling (1979). Pennie Smith estaba tomando fotos de The Clash en el Palladium de Nueva York en septiembre de 1979 cuando capturó una de las imágenes más icónicas de la historia del rock. Paul Simonon, el bajista, estaba molesto porque la audiencia se encontraba muy tranquila, así que empezó a romper su bajo contra el suelo. “No recibíamos ninguna respuesta de ellos: es como si no le importase lo que estábamos haciendo. A Joe Strummer le encantó la foto, pero Smith trató de convencerlo de que estaba demasiado desenfocada para ser la portada. El bajo destrozado se puede ver en el Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland, Ohio.

Las 10 mejores portadas de la historia

Bruce Springsteen, Born to run (1975). La portada del Born to run, de Bruce Springsteen, la tomó el fotógrafo Eric Meola en sólo dos horas 1975. “Bruce y su banda llegaron al estudio fotográfico a las 10 de la mañana”, recordó Meola en una entrevista de 2006. “Estaban agotados. Parecía como si hubieran estado toda la noche despiertos. Fue una declaración de la raza. Quería capturar en foto lo que hacían en directo. Es muy difícil volver a crear este tipo de la energía en un estudio fotográfico. Pero hay que decir en su favor que lo consiguieron”. Durante el último concierto de Springsteen y la E Street Band, en 2009, Springsteen y el saxofonista Clarence Clemons recrearon la clásica pose.

The Beatles, Revolver (1966). Artista plástico de origen alemán y músico, Klaus Voorman era un viejo amigo de los Beatles. El grupo le tocó su nuevo tema Tomorrow never knows antes de que dibujase el primer boceto. “Estaban en una actitud tan psicodélica”, ha dicho Voorman, “que pensé que la portada tenía ir en esa línea. ¿Hasta dónde puedo llegar? ¿Cuán surrealista y extraño puede llegar a ser la portada?”. Así que pidió a los Beatles que le enviasen fotos viejas de sí mismos. Durante muchos años se pensó que el original de Voorman se perdió, pero él afirma que lo tiene localizado. “No voy a decir dónde está”, dijo: “Está bien cuidado y atendido. Y estoy feliz por eso”.

Pink Floyd, Dark side of the moon (1973). Hasta Dark side of the moon, las portadas de Pink Floyd no habían sido muy memorables. Hipgnosis, el estudio de diseño británico, no había hecho trabajos muy buenos con los anteriores dos discos de Floyd. Pero tenía un buen historial con portadas de otros grupos, por lo que el estudio fue contratado de nuevo. “Rick Wright (teclista de Pink Floyd) sugirió hacer algo limpio y gráfico, pero no una fotografía”, dijo el diseñador Storm Thorgerson. Su inspiración inicial fue una foto del prisma que hay en la parte superior de algunas partituras. Usando esto como punto de partida, el equipo de Hipgnosis creó la portada icónica.

The Beatles, Sgt. Pepper’s lonely hearts club band (1967). La ganadora como la mejor portada de la historia, según las votaciones de la web americana de ROLLING STONE. La foto originalmente iba a mostrar a los Beatles jugando en un parque. Poco a poco evolucionó hacia el concepto final, donde están parados en medio de recortes de cartón de sus héroes. Las únicas personas que aún viven de esta portada son Paul McCartney, Ringo Starr, DiMucci Dion, Shirley Temple y Bob Dylan. Todas las figuras que se ven, son reales, no se usó ningun tipo de montaje, croma, etc.

Las 10 mejores portadas de la historia

The Beatles, Abbey road (1969). Muchos creían que el beatle Paul McCartney murió en 1967 y había sido reemplazado por un doble en la portada de Abbey Road. Se veía la a foto como un cortejo fúnebre: John (de blanco) es el predicador, Ringo (en negro) es el doliente, George (en algodón) es el sepulturero y Paul (descalzo) es el cadáver. Una placa al fondo se puede leer “281f”. McCartney tenía 27 años cuando el disco salió, y eso hizo que mucha gente pensase que el mensaje quería decir que hubiera cumplido 28 años si no hubiera muerto. La fotografía se tomó el 08 de agosto 1969 fuera de los estudios Abbey Road, siendo ahora un lugar de congragación de fans y fuente de imitaciones y parodias.

Nirvana, Nevermind (1991). Spencer Elden, el bebé desnudo en la portada de Nevermind, tiene una gran frase de ligoteo con las chicas: “¿Quieres ver mi pene… otra vez?”. En 2007, en una entrevista con la MTV, Elden dijo que se siente raro con su lugar en la historia. “Es algo espeluznante que millones de personas me hayan visto desnudo”, dijo: “Me siento como la más grande estrella del porno del mundo”. A sus padres sólo les abonaron 200 dólares por la sesión, pero a Elden le han pagado mucho más para recrear la famosa foto.

KANEY WEST ¿Cómo llamar a los delirios de grandeza cuando la realidad les da la razón? ¿Es megalomaníaca la megalomanía si produce obras maestras? ¿Es condenable el narcisismo cuando la imagen que devuelve el espejo es de una perfección categórica? La verdad de Kanye West trasciende la (casi) unanimidad de la crítica –aunque es cierto que tanto consenso puede llegar a ser cansino y estéril– para instalarse en el terreno de la semiótica y el análisis sociológico. Un disco como “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” (Roc-A-Fella/ Universal, 2010) sirve de affidávit para toda una vida de vanidad y fanfarronería, pero sirve también como material para la reflexión sobre la función del arte en la era de la información y la cultura de la celebridad. “Quiero que documentes esto: soy el ser humano número uno en la música” (BET, septiembre de 2007) La modestia es, dicen, la virtud de los mediocres. La modestia es el orgullo de los hipócritas. Más que un requisito del hip hop, el ego trip es uno de los fundamentos de su narrativa. En el universo en expansión de Kanye Omari West, “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” podría considerarse tan solo un elemento más –al lado de su colección de prendas Louis Vuitton de color pastel y una cuenta de Twitter sin restricciones morales– en la deriva egocéntrica en la que lleva embarcado desde hace siete años y que se proyecta a todo el mundo, en directo y sin filtros de publicistas (el último dimitió tras un día en el puesto), a través de radio, prensa o televisión, pero sobre todo por internet, para que el engreído rapero sea sobreanalizado, juzgado y condenado. Si West no fuera West, si el Kanye workahólico que se encierra durante varios meses en el estudio no fuera capaz de hacer honor a la lengua desbocada del Kanye celebrity que se pasea por los photocalls asido a una botella de coñac, este disco podría haber sido su lápida. Pero es tan bueno que materializa la sinceridad hiperbólica y el discurso sociópata y políticamente incorrecto de este joven hombre negro en un documento irreprochable.

“Si la Biblia se escribiera hoy, yo saldría en ella” (‘Playboy’, enero de 2006) Resulta sugerente leer la autobiografía en construcción de Kanye West en las letras de sus discos al tiempo que se asiste, con el placer culpable del voyeur, a las andanzas de su figura mediática en los medios digitales y la prensa amarilla. Desde su debut como rapero en 2004 tras ejercer de proveedor de beats a la crema de los MCs de la costa este como Talib Kweli, Beanie Sigel, Dead Prez, Foxy Brown y Jay-Z, la discografía de Kanye West describe nítidamente el arco narrativo de su vida y expone una serie de temas centrales que definen su personalidad: el duro camino hasta el reconocimiento y su grave accidente de coche como señal del destino –“The College Dropout” (Roc-A-Fella, 2004)–; el éxito rutilante y la

soledad en la cima –“Late Registration” (Roc-A-Fella, 2005)–; la incomprensión y los encontronazos con el establishment –“Graduation” (Roc-A-Fella, 2007) –; la pérdida de su madre y la ruptura con su prometida, la diseñadora de moda Alexis Phifer –“808s & Heartbreak” (Roc-A-Fella, 2008)–; para finalmente cerrar la primera década del nuevo milenio más sabio, más poderoso y más épico que nunca. Más rabioso. Más opulento. Más. Desde el primero de sus frenesís públicos en la gala de los MTV Europe Music Awards de 2006 –cuando saltó al escenario para arrebatarle el micrófono al atónito Jérémie Rozan, director del vídeo para “We Are Your Friends” de Justice vs Simian Mobile Disco, y rebelarse ante la injusticia de que su superproducción para “Touch The Sky”, “que había costado un millón de dólares y contaba con Pamela Anderson”, perdiera.

Kaney West

“Soy un soldado de la cultura” (‘The Ellen DeGeneres Show’, octubre de 2010) Y, a pesar de todo ello, West ha continuado honrando el hip hop como las escrituras del hombre negro moderno y ha convertido sus discos en sus memorias, las páginas de una autobiografía que refleja la guerra entre los ejércitos de la opinión pública y el colosal ego del productor/rapero de Chicago. Una guerra que, para desmentir a Gil Scott-Heron, sí está siendo retransmitida en directo y de la que, debemos congratularnos, emerge un ganador inesperado: la música. Incluso desde un punto de vista externo a esta, y analizadas bajo la luz adecuada, muchas de las salidas de tono, escándalos o polémicas que ha protagonizado Mr. West –como cuando denunció la desidia de la administracón Bush hacia la población negra en una telemaratón de la NBC en favor de los afectados por el huracán Katrina o provocó un nuevo arrebato de su álter ego de justiciero del videoclip en favor de Beyoncé, esta vez con una pánfila Taylor Swift de víctima propiciatoria– resultan edificantes y sirven para arrojar luz sobre la domesticación del show business y la dictadura de la falsa modestia. “Soy la Coca-Cola, el Walt Disney y el McDonald’s de la música” (ABC, septiembre de 2007) Con motivo del suicidio de David Foster Wallace en 2008, un crítico comentó que más que un escritor genial, el autor de “La broma infinita” (1996) era un genio que había resultado ser escritor. Salvando las enormes distancias, cabe afirmar que, a diferencia de otros productos mediocres que inundan el mercado y que ansían la fama como valor absoluto, Kanye West es un artista que se ha hecho famoso. No a la inversa. Mientras la fama de Lady Gaga es el resultado de una compleja operación diseñada y teledirigida para vender un artículo y un discurso de consumo –resulta que es música– a un nicho de público cautivo, la de Kanye West, también buscada aunque por razones diferentes y diríase que mucho más legítimas, es un derivado natural de una aspiración artística verdadera, resultado de un talento incontestable y un comportamiento auténtico. Para ambos la fama es un monstruo, pero mientras Lady Gaga lo cabalga a su antojo, Kanye West lo padece tanto como lo disfruta.

Grunge

El grunge, en ocasiones conocido como sonido de Seattle, es un subgénero del rock alternativo influido por el punk, el hardcore punk, el noise rock, el hard rock y con estructuras cercanas al rock clásico. Surgió a finales de la década de los ochenta, con grupos provenientes principalmente del estado norteamericano de Washington, en particular, del área de Seattle. La primera compañía que impulsó y dio a conocer el género fue la discográfica Sub Pop, apoyando a bandas que serían fundamentales en el desarrollo del naciente género, como Nirvana, Green River o Soundgarden. Las características distintivas del sonido grunge eran sus guitarras fuertemente distorsionadas y enérgicas, melodías vocales guturales, muchas veces pegadizas y repetitivas, así como baterías predominantes; mientras sus letras se caracterizaban por reflejar apatía y desencanto. Las canciones primerizas y más agresivas del género estuvieron influenciadas por el Sludge metal. El grunge es un género familiar a varios derivados del hardcore punk tales como el post hardcore o el metalcore aunque se diferencian ya que cada género tiene sus aspectos propios. El grunge se expandió a nivel mundial durante la primera mitad de la década de los noventa, impulsado principalmente por el éxito comercial de los álbumes Nevermind de Nirvana y Ten de Pearl Jam. Dicho éxito catapultó la popularidad del rock alternativo e hizo del grunge el género de hard rock más popular de ese tiempo. A pesar de esto, muchos grupos estuvieron siempre incómodos con su estatus de superestrellas y por la aparición, a causa de la influencia de los medios, de un movimiento grunge, lo que en algunos casos les provocaron conflictos internos que los llevaron desde la separación hasta la muerte de algunos de sus integrantes.

La popularidad del grunge comenzaría a desvanecerse a finales de la década de los noventa (entre 1998 y 1999). De las grandes bandas que dieron vida al movimiento, en 2013 sólo quedan activas The Smashing Pumpkins, Pearl Jam, Alice in Chains,Green River, Mudhoney, Soundgarden, The Melvins, Veruca Salt, y Stone Temple Pilots. Aún con esto, la influencia del grunge fue determinante en el posterior desarrollo del rock. Como género musical, se caracteriza por las guitarras distorsionadas, melodías repetitivas, y batería pesada de herencia punk

Grunge

N G y heavy metal, siendo más complejo que el punk en sus melodías pero sin la pesadez del metal. Varios sellos musicales independientes fueron los que permitieron llevar este estilo de música al público en sus inicios. Muchas de las bandas más exitosas de la época fueron asociadas con la compañía discográfica independiente Sub Pop de Seattle; sin embargo, otros sellos independientes de dicha ciudad también ganaron reconocimiento, incluyendo Kill Rock Stars y K Records. El ejecutivo David Geffen también

tuvo un papel importante en la comercialización del grunge.

La escena grunge (Seattle scene) tuvo también fuertes influencias de la cultura musical del noroeste de Estados Unidos y de la cultura juvenil local. El parecido a otras bandas de la misma procedencia, como The Wailers y, más particularmente, The Sonics, es notorio. Las letras del grunge destacan por su desencanto y apatía y por tratar temas como la alienación,(el fenómeno de suprimir la personalidad) la búsqueda de la libertad o la marginación social. A través de estos temas, los músicos del género mostraban su disconformidad con la sociedad y con los variados prejuicios de ésta, lo que los aproximaba tanto al punk como a la generación X. Sin embargo, no todas

las canciones de grunge tenían este tipo de temáticas: un claro ejemplo es la canción “In Bloom” de Nirvana, de temática humorística, así como “Touch Me I’m Sick” de Mudhoney.

Grunge

Nirvana fue una banda de grunge estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, Estados Unidos integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna. A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut Bleach, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989.3 La banda finalmente llegó a desarrollarun sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: Nevermind. El primer sencillo del álbum Smells Like Teen Spirit, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains

y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90. El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una genera-

Grunge

ción» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, In Utero. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audien-

cia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged. La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, «You Know You’re Right», un demo nunca terminado que la banda había grabado dos

meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto #27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto #14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 95 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó al The Rock and Roll Hall of Fame. Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en el instituto Abeerden High School, sin embargo no se comunicaban, según Cobain. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda. Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de varios intentos fallidos para formar una nueva banda, Cobain quería formar una banda con Novoselic pero éste no cedió a sus peticiones a lo que Cobain respondió entregándole un demo de su propia banda Fecal Matter.

Festi-Agenda

NO SIN MÚSICA FESTIVAL 2015 3 y 4 de julio (Cádiz)

FESTIVAL DE LOS SENTIDOS 12 y 14 junio (Roda)

MAT MAD FESTIVAL 2015 20 de junio (Madrid)

NO SIN MÚSICA FESTIVAL 2015 3 y 4 de julio (Cádiz)

TERRITORIOS SEVILLA 2015 12 y 13 de junio (Sevilla)

MULAFEST 2015 25 al 28 de junio (Madrid)

BARCELONA METAL FEST 2015 13 junio (Barcelona)

POLIFONIK SOUND 2015 26 y 27 junio (Barbastro) POPARB 2015 26-27 junio (Arbúcies)

CONTEMPOPRANEA – BADAJOZ 5 y 6 junio (Alburquerque)

4EVERY1 FESTIVAL 2015 27 junio (El Álamo)

TRES SESENTA FESTIVAL 2015 5 y 6 junio (Pamplona)

IBIZA ROCKS 2015 17 junio a septiembre (Ibiza)

EMDIV MUSIC FESTIVAL 2015 27 junio (Elda)

ARTENOU 2015 6 junio (Barcelona)

ANFIROCK SOUND FESTIVAL 19, 20 y 21 de junio (Isla Cristina)

KRISTONFEST 2015 27 junio (Bilbao)

I AM GLOBAL 6 y 7 de junio (Barcelona)

AZKENA ROCK FESTIVAL 2015 19 y 20 de junio (Mendizabala)

NEOX ROCKS FESTIVAL 2015 27 de septiembre (Madrid)

EMBASSA’T 2015 11, 12, 13 junio (Sabadell)

CULTURA QUENTE 2015 20 de junio (Carballeira de Caldas de Reis)

DERRAME ROCK 2015 27 de junio (Oira)

Festi-Agenda

VIDA FESTIVAL 2015 2 al 5 de julio (Vilanova i la Geltrú)

BILBAO BBK LIVE 2015 9, 10 y 11 de julio (Bilbao)

RESURRECTION FEST 2015 16 al 18 julio (Viveiro)

CRUÏLLA BARCELONA 2015 10, 11 y 12 de julio (Barcelona)

GROOVE PARADE 17 y 18 de julio (Fraga)

ELECTROSPLASH WAFTER 10, 11, 12 julio (Vinaròs)

BARCELONA BEACH FESTIVAL 18 julio (Barcelona)

FÁRDELEJ FESTIVAL 2015 3 y 4 julio (Arnedo)

GRANI ROCK REVOLUTION 10 y 11 julio (Quintana de la Serena)

ELECTROMAR DAY 2015 18 de julio (Torrevieja)

OJEANDO FESTIVAL 2015 3 y 4 julio (Ojén)

MARENOSTRUM FESTIVAL 2015 11 y 12 julio (Valencia)

JAZZALDIA 2015 22 al 26 de julio (San Sebastián)

ERA ELECTRÒNICA 2015 4 julio (Llagostera)

STARLITE 2015 22 julio (Marbella)

PULPOP FESTIVAL 2015 4 julio (Roquetas de Mar)

IBOGA SUMMER FESTIVAL 23, 24, 25 de julio (Cullera)

THE LEMON DAY 2015 4 de julio (Capellades)

ALRUMBO FESTIVAL 2015 16, 17 y 18 de julio (Chipiona, Cádiz)

PALMFEST 2015 23 al 25 julio (Hospitalet de l’Infant)

WEEKEND BEACH FESTIVAL 2015 8 al 11 de julio (Torre del Mar)

PORTAMERICA 2015 16, 17, 18 julio (Nigrán)

ROCK FEST BCN 2015 23, 24, 25 julio (Barcelona)

Festi-Agenda

FESTIVAL HARD ROCK RISING 24 y 25 julio (Sant Adrià de Besòs)

SHIKILLO FESTIVAL 2015 6, 7, 8 agosto (Valle del Tiétar)

DGTL FESTIVAL BARCELONA 14 y 15 agosto (Barcelona)

LEYENDAS DEL ROCK 2015 6, 7, 8 agosto (Villena)

ROTOTOM SUNSPLASH 2015 15 al 22 de agosto (Benicàssim)

DREAMBEACH VILLARICOS 2015 7 y 8 agosto (Cuevas de Almanzora)

AQUASELLA 2015 21 y 22 de agosto (Arriondas)

FESTIVAL’ERA 2015 25 juio (Can Gascons de Llagostera)

OBA FESTIVAL 7 y 8 agosto (Cangas de Onís)

CROMA DAY 2015 22 de agosto (Albacete)

ARENAL SOUND 2015 28 de julio al 2 de agosto (Burriana)

PRESTOSO FESTIVAL 2015 7 y 8 de agosto (Xedré (Asturias))

EBROVISIÓN 2015 3, 4 y 5 septiembre (Miranda de Ebro)

SANTANDER MUSIC 2015 30-31 jul, 1 ago (Santander)

FESTIVAL GIGANTE 2015 4 y 5 de septiembre (Guadalajara)

MUNDAKA FESTIVAL 2015 30 y 31 de julio, y 1 de agosto (Mundaka)

KUTXA KULTUR FESTIBALA 2015 4 y 5 septiembre (San Sebastián)

FESTIVAL ASPESUENA 2015 31 julio y 1 agosto (Aspe)

TENTACLE SUMMER 2015 14 y 15 agosto (Foz)

FESTIVAL OSA DO MAR 2015 4 y 5 septiembre (Burela)

CREAMFIELDS IBIZA 2015 1 de agosto (Ibiza)

MEDUSA SUNBEACH FESTIVAL 14 y 15 agosto (Playa de Cullera - Valencia)

SINTONITZZA FESTIVAL 2015 4 y 5 septiembre (Santa Coloma de Gramenet)

Festi-Agenda

GASTEIZ CALLING 5 septiembre (Vitoria)

IRÚN ROCK 2015 26 septiembre (Irún)

GLASTONBURY 2015 24 AL 28 JUNIO (PILTON)

IBERIA FESTIVAL 2015 5 de septiembre (Benidorm)

VILLAMANUELA 2015 del 9 al 10 de octubre (Madrid)

CREAMFIELDS 2015 28, 29 Y 30 AGOSTO (LIVERPOOL)

GIBRALTAR MUSIC FESTIVAL 5 y 6 de septiembre (Inglaterra)

FIZ FESTIVAL 2015 3 octubre (Zaragoza)

LEEDS FESTIVAL 2015 28 AL 30 AGOSTO (LEEDS)

SOUTH POP ISLA CRISTINA 2015 11 y 12 de septiembre (Isla Cristina, Huelva)

MONKEY WEEK 2015 9 al 11 octubre (Puerto de Sta. María)

READING FESTIVAL 2015 28 AL 30 AGOSTO (READING)

DCODE FESTIVAL 2015 12 de septiembre (Madrid)

COCA COLA MUSIC EXPERIENCE 16 de octubre (Madrid)

LOLLAPALOOZA 2015 31 JULIO Y 2 AGOSTO (CHICAGO)

FESTIVAL DE LA LUZ 2015 12 y 13 septiembre (Boimorto)

DELESTE 2015 23 y 24 octubre (Valencia)

TOMORROWWORLD 2015 25, 26 Y 27 SEPTIEMBRE (ATLANTA)

BIME 2015 30 y 31 de octubre (Barakaldo)

HELLFEST 2015 18 AL 21 JUNIO (CLISSON)

MADRID LIVE! 2015 30 octubre (Madrid)

ROCK EN SEINE 2015 DEL 28 AL 30 DE AGOSTO (PARÍS)

GRANAPOP 2015 21, 26,27 y 28 de noviembre (Granada)

PITCHFORK MUSIC FESTIVAL DEL 29 AL 31 DE OCTUBRE (PARÍS)

FAAN FEST 2015 19 septiembre (Oviedo)

Esta revista es una edici贸n limitada, de la cual se ha reproducido una sola copia. El contenido de esta revista se ha transcrito de diversos medios editoriales. Impreso en Pipers Print (Granada) en Junio de 2015. Maquetaci贸n, encuadernaci贸n y Direcci贸n de arte: Mario Merino Granados.