Libro de animación

ANIMACIĂ“N Y ARTE Montoya Manjarrez Juan Mario

2013

Flipbook Un folioscopio es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones.

Los folioscopios son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la forma normal de verlo es teniendo el folioscopio con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso.

El primer folioscopio apareció en septiembre de 1868, cuando fue patentado por John Barnes Linnet con el nombre de kineógrafo(cineógrafo etimológicamente imagen en movimiento). Fue la primera forma de animación que empleó una secuencia lineal de imágenes en lugar de circular (el viejo fenaquistiscopio). El pionero de cine alemán Max Skladanowsky, exhibió por primera vez sus imágenes fotográficas en serie en forma de folioscopio en 1894, mientras que él y su hermano Emil no desarrollaron su propioproyector de cine hasta el año siguiente.

En 1895, Thomas Edison inventó una forma mecanizada llamada el mutoscopio, que montaba las páginas en un cilindro rotativo central en lugar de en forma de libro. El mutoscopio se conservó como una atracción popular a través de mediados del siglo XX, apareciendo como máquina operada por monedas en parques de diversiones.

Continúan siendo usados en estrategias de mercadotecnia de todo tipo, así como en arte y colecciones fotográficas. Los folioscopios antiguos son populares entre coleccionistas, y los particularmente difíciles de conseguir de fines del siglo XIX y principios del veinte han alcanzado miles de euros en ventas y remates.

Persistencia retiniana La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas por segundo).

Quienes le asignan algún valor a la persistencia retiniana se basan en argumentos débiles como estos: "El ojo hace que cualquier imagen vista se grabe en la retina por un corto tiempo (durante aproximadamente 0,1 segundos). Por ejemplo, al colocar un objeto frente a la vista y retirarlo rápidamente, cualquier persona que estuviera mirándolo lo seguirá viendo, porque el cerebro retiene la impresión de la luz. Esta impresión es notoria al mirar por un momento una fuente de luz como el sol y luego apartar la vista." Una revisión de este argumento nos lleva a la conclusión de que si se superpusieran en la retina diversos estímulos visuales entonces el resultado no sería movimiento sino a lo sumo la mezcla o confusión de dichos estímulos dando lugar a imágenes borrosas, como la que se vería en la pintura de Marcel Duchamp, Desnudo descendiendo una escalera.

Este error se deriva de atribuirle una explicación al fenómeno visual solamente a partir de un órgano periférico como es el ojo sin la intervención del cerebro argumento que se ha desvirtuado sistemáticamente por hallazgos como el mencionado por el cognoscitivista Donald Hoffman en su libro Inteligencia Visual (pág. 197, Ed. Paidós, Barcelona, 2000) de sujetos que a pesar de tener la retina completamente sana no pueden captar el movimiento en el mundo real, debido a lesiones en el cerebro, a esta disfunción se la denomina acinetopsia, esto es, ceguera al movimiento.

APARATOS DE ANIMACIÓN Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.

Dibujo animado Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.

Stop motion Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado «paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llamaAnimación de recortes (cutout animation).

En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los ordenadores facilitan la tarea.

Stop trick (literalmente «truco de parar») Tipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.

Georges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el mecanismo. Más tarde, al

proyectar la película, quedó atónito al ver a un ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había sucedido es que el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la cámara y había sido reemplazado por el coche fúnebre cuando ésta siguió rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo, podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès paraba la cámara.

Luego le decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la película completa, parecía que la chica había desaparecido tras el gesto del mago.

Esta técnica no debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de lo rodado fotograma a fotograma.

Recambio de piezas La técnica de «recambio de piezas», «replacement animation» (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas –con una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir un gran cantidad de piezas, en torno a las 20.

Puppertoons El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.

Film directo

Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide.Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.

Pixilación Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre el celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora.

Rotoscopía Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.

Animación limitada Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedra.

Animación flash Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

Animación en 3D Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora «interpreta» la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.

Foto-realidad Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.

Animación motion capture y performance capture La «Performance Capture» es un avance recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador.

Eadweard Muybridge Leland Stanford ideó un sencillo experimento: este consistía en un método que fotografiaba al caballo en las diferentes etapas de su galope y que proporcionaría una vista completa de todo el trayecto recorrido, para lo cual Stanford encargó a Eadweard Muybridge que tratara de captar con su cámara el movimiento de su caballo de carreras Occident. Sin mucha confianza en el resultado, Muybridge se prestó a fotografiar a Occidenttrotando a unos 35 km/h en el hipódromo de Sacramento. Pidió a los vecinos de la zona que le prestaran muchas sábanas de color blanco y las colgó en torno a la pista a manera de fondo, sobre el que destacara la figura del caballo. En mayo de 1872, Muybridge fotografió al caballo Occident, pero sin lograr un resultado, porque el proceso del colodión húmedo exigía varios segundos para obtener un buen resultado.

No trató de tomar las fotografías con una exposición correcta, pues sabía que la silueta era suficiente para poder definir la cuestión. Sus primeros intentos habían fallado porque el obturador manual era demasiado lento como para lograr un tiempo de exposición tan breve como precisaba. Así pues, inventó un obturador mecánico, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y dejaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición récord de 1/500 de segundo.

Stanford, impresionado con el resultado del experimento, que se conocería más tarde con el título El caballo en movimiento, encargó la búsqueda de un estudio fotográfico para poder captar todas las fases sucesivas del movimiento de un caballo. Los experimentos se reanudaron en el reformado rancho de Stanford durante el verano de 1878. Aunque con una exposición ligeramente insuficiente (debido a las ya mencionadas dificultades técnicas de la época), la serie resultante de fotografías mostraba claramente todos los movimientos de una yegua de carreras de Kentucky llamada Sally Gardner. Muybridge pintó los negativos para que sólo se viera la silueta de la yegua, cuyas patas adoptaban posiciones inconcebibles. El resultado fue una secuencia de 12 fotografías que se realizó aproximadamente en medio segundo.

Emile Reynaud En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio- Teatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía.

Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios.

El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

Un bon bock era una farsa sobre un café donde a un hombre le roban continuamente la bebida y acaba peleándose con los transeúntes. Clown et ses chiens estaba inspirada en el mundo del circo. Pauvre Pierrot! (terminada en 1891 y estrenada en noviembre de 1892) es una encantadora comedia romántica que utiliza los personajes de la Commedia dell'arte.

De su producción tan sólo se conservan Pobre Pierrot (1892) y Alrededor de una caseta de baño (1895). Esta última obra fue representada ininterrumpidamente, ya en competencia directa con el Cinematógrafo de los hermanos Lumière, desde enero de 1895 hasta marzo de 1900, en que finalizará su contrato con el Museo Grévin. Junto a Autour d'une cabine, que era una película cómica (otras de sus obras eran más bien líricas), se proyectaba Rêve au coin du feu (Un sueño junto al fuego).

A partir de 1896, Reynaud incluyó una película cinematográfica dirigida por él mismo, Guillaume Tell (Guillermo Tell), interpretada por los payasos Foottit y Chocolat.

Georges Melies Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles. Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante. Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, Méliès queda impresionado y su inagotable mente que, siempre está maquinando ideas, hace que lance una oferta para incluirlo en su función.

Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul, y en abril de 1896 ya se halla realizando proyecciones en su teatro. Su deseo por crear sus propias películas le lleva a transformar el artilugio de Paul en una cámara con la que rueda su primer filme Partida de naipes. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière.

Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.

Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna.

En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella. Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos. Técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica..

Emiles Cohl Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.

Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.

También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista.

Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.

Hoy es un personaje casi olvidado. Si acaso, encuentra acomodo en la esquina de alguna enciclopedia o disfrute en las páginas de un libro escrito por alguno de sus admiradores y, sin embargo, durante una corta pero intensa época, fue considerado todo un genio. Émile Cohl falleció a principios de 1938 en un hospital de París prácticamente arruinado y olvidado, un triste final para quien es considerado como el padre de los dibujos animados1. Cohl, seudónimo artístico que tomó Eugène Jean Louis Courtet, nacido en 1857, cuando decidió dedicarse al dibujo y la caricatura tras pasar a ser aprendiz del gran dibujanteAndré Gill, abandonando de paso el taller de joyería en el que trabajaba, siempre estaba experimentando con nuevas técnicas. No tardó mucho en sentir fascinanción por el incipiente mundo del cine y, cómo no, se preguntó qué sucedería si se unía fotografía en movimiento con caricaturas. A lo largo de su carrera estrenó muchas películas de dibujos animados, con gran éxito, pero sin duda una de ellas es recordada especialmente. Fantasmagorie, la primera película de dibujos animados de la historia, estrenada el 17 de agosto de 1908 en París, fue todo un acontecimiento.

No llega a los dos minutos de duración y, sin embargo, quienes asistieron por primera vez a su proyección, quedaron impresionados al ver los dibujos de Cohl moverse libremente en el espacio. Son 36 metros de película que cambiaron la historia y alumbraron el camino para muchos otros dibujantes que, a partir de entonces, soñaron con realizar grandes películas de dibujos animados. He aquí esta pequeña joya, Fantasmagorie.

James Start Blackton James Start Blackton (Sheffield, de Yorkshire, en Inglaterra, 5 de agosto de 1875 Hollywood, de California, 13 de agosto de 1941) fue unproductor de películas mudas. Es considerado el padre de la animación estadounidense.

Cuando tenía 10 años, Blackton y su familia emigraron a Nueva York. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Reader, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica. Blackton y Smith produjeron el campo del cine de animación, en la que aparece el propio Blackton en campo dibujando sobre un papel el rostro de un hombre de gesto cómico, junto a una botella y un vaso con el que el dibujante se sirve algunas copas mientras el hombre dibujando se va enfadando. El acto de Blackton consistía en "bosquejos de relámpago". El acto no juntó mucho dinero y el trío se separó para tener trabajos regulares.

James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la invención de Edison dan inicio a la historia de la animación en los EEUU. La animación como animación ya había sido experimentada antes, en américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa.

La animación americana debe sus principios a J. Stuart Blackton, un cineasta ingles que creó la primera película animada en América. Antes crear dibujos animados, Blackton era un artista de vodevil conocido como "El Komikal Kartoonist." En su acto, él dibujaba caricaturas rapidamente.

Winsor McCay Fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney uOsamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio.

Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906), historia en la que los estornudos del pequeño Sammy producen inimaginables catástrofes. La temática onírica aparece, al año siguiente, en uno de sus trabajos más recordados, Dreams of a Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las desmadradas pesadillas de un impenitente aficionado a las fondues de queso.

La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911.

El30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después, McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje.

Little Nemo in Slumberland está considerada una de las obras clásicas del cómic de todos los tiempos. Cada página de la serie corresponde a un sueño del niño Nemo –"nadie", en latín–, y tiene una estructura recurrente: en todas las páginas, en una pequeña viñeta del ángulo inferior derecho, Nemo despierta; la página siguiente, sin embargo, retoma el sueño donde había quedado la noche anterior, lo que confiere a la serie una estructura folletinesca que permite introducir numerosos personajes secundarios y mostrar un mundo de los sueños (Slumberland) de una gran riqueza narrativa.

Por la importancia que concede a lo onírico, se ha relacionado la obra de McCay con movimientos culturales posteriores, como el surrealismoo la literatura del absurdo.

McCay realiza una exploración exhaustiva de las posibilidades del medio, empleando multiplicidad de encuadres, y jugando con el formato de la página de forma espectacular y sorprendente. Su obra pone en escena arquitecturas fantásticas, elementos decorativos inspirados en el art nouveau, así como faunas y floras imaginarias, en un inacabable derroche de imaginación.

Quirino Cristiani En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.

Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm(a razón de 14 cuadros por segundo),3 además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.4 En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pública, la prensa no mencionó su existencia y fue confiscado por el Ministerio de Relaciones Exteriores que no quería una confrontación contra Alemania.

En ese tiempo volvió a dibujar caricaturas e historietas para los periódicos, pero en vista que el ingreso monetario no era suficiente para mantener a su familia comenzó un nuevo negocio. Éste consistía en recorrer aquellos barrios de la ciudad que no tenían cine y proyectar películas en una pantalla al aire libre. El Public-Cine ―como él lo llamó― atrajo a muchas personas; sin embargo, las autoridades municipales opinaban que interrupía el tráfico y perturbaba la paz, y le clausuraron el negocio.

En el año 1927, la empresa cinematográfica estadounidense Metro-GoldwynMayer lo contrató como director de publicidad de la filial argentina. Paralelamente Cristiani fue formando su propio estudio, Cristiani Studios.

Pat Sullivan Patrick Sullivan (22 de febrero de 1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción.

En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la violación de una niña de 14 años de edad.

El 9 de noviembre de 1919, Master Tom, un personaje parecido a Félix, debuta en un corto de Paramount Pictures titulado "Feline Follies".2Producido por el estudio de animación de Pat Sullivan, el corto fue dirigido por el caricaturista y animador Otto Messmer. Fue un éxito, y el estudio de Sullivan rápidamente se puso a trabajar en otro corto protagonizado por Master Tom, "The Musical Mews" (estrenado el 16 de noviembre de 1919). También probó ser exitoso con la audiencia. El productor de Paramount, John King, sugirió renombrar al personaje a "Félix", por las palabras latinas felis (gato) y felix (suerte), el nombre fue utilizado en la tercera película, "The Adventures of Felix" (estrenada el 14 de diciembre de 1919).

En 1924, el animador Bill Nolan rediseñó al felino, haciéndolo más redondo y llamativo. La nueva apariencia de Félix, junto a la habilidad de Messmer para la animación, lanzaron al personaje a la fama mundial.3 La pregunta de quién creó exactamente a Félix continúa en disputa. Sullivan indicó en numerosas entrevistas que él creó a Félix e hizo los bosquejos claves para el personaje. En una visita a Australia en 1925, Sullivan le dijo al periódico The Argus que "La idea surgió al observar a un gato que mi esposa llevó al estudio un día". 4 Los dichos de Sullivan son respaldados por su corto animado "The Tail of Thomas Kat", estrenado el 18 de marzo de 1917, más de dos años antes de "Feline Follies".

Otto Messmer Messmer nació en West Hoboken, Nueva Jersey (ahora Union City). Asistió al colegio Holy Family Parochial. Se sintió atraído por el Vaudeville y la industria del entretenimiento, inculcados por sus padres y maestros a una temprana edad.

Estudió en el Instituto de Arte Thomas en Nueva York entre 1911 y 1913, y participó en un programa de estudio y trabajo de la agencia Acme, donde hizo ilustraciones para catálogos de moda.

Sin embargo, el primer amor de Messmer fue la animación. Inspirado por las películas animadas de Winsor McCay, como How a Mosquito Operates, Messmer comenzó a crear sus propias tiras cómicas para periódicos locales en 1912, el mismo año en que conoció a Anne Mason, que luego se convertiría en su esposa en 1934. Uno de sus cómics, Fun, formó parte de la página de tiras cómicas del periódico New York World. Firmó un contrato con Jack Cohn de Universal Studios en 1915 para producir una película de prueba, con un personaje creado por Messmer llamado Motor Mat. Nunca se llevó a cabo, pero atrajo la atención del animador Pat Sullivan, por otra parte Messmer decidió trabajar con Henry "Hy" Mayer, otro caricaturista de renombre. Los dos trabajaron en la exitosa serie animada The Travels of Teddy, que estaba basada en la vida de Theodore Roosevelt. Messmer trabajaría luego para Sullivan, quien se encargó de los negocios, dejando a Messmer las responsabilidades creativas. Cuando Sullivan cumplía una condena de nueve meses de prisión en 1917, Messmer trabajó un tiempo con Mayer, hasta que Messmer fue llamado para participar en la Primera Guerra Mundial.

Cuando Messmer regresó a Estados Unidos en 1919, volvió al estudio de Sullivan, contratado por el director Earl Hurd de Paramount Screen Magazine para hacer un cortometraje que acompañaría a una película. Sullivan le dio el proyecto a Messmer, cuyo resultado fue, Feline Follies, protagonizado por Félix, un gato negro que había creado, que daba buena suerte a la gente en problemas. Félix fue el primer personaje animado creado y emitido para la gran pantalla, al igual que el primero en convertirse en un producto comercial.

Sullivan, sin embargo, adquirió los créditos por Félix, aunque Messmer dirigiera y fuera el animador de todos los episodios, solo el nombre de Sullivan aparecía en la toma de los créditos. Messmer también estuvo a cargo de la tira cómica de Félix para los periódicos, haciendo la mayoría de los dibujos hasta 1954.

Lotte reinigers Le interesó el cine desde su adolescencia, especialmente las películas de Georges Méliès, por sus efectos especiales; y más tarde las del actor y director Paul Wegener, hoy recordado por sus dos versiones de Der Golem. En 1915, la joven asistió a una conferencia de Wegener y quedó entusiasmada antes las posibilidades del cine de animación.

Consiguió convencer a sus padres para que le permitieran entrar en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener (1916-17). En un intento de llamar la atención de su héroe, distante y muy ocupado, se dedicó a confeccionar las siluetas de los otros actores del grupo en sus respectivos papeles. Logró el efecto deseado, y pronto empezó a trabajar con Wegener, realizando siluetas para los rótulos intercalados de las películas: Rübezahls Hochzeit ("La boda del gigante Ruebezahls", 1916) y Der Rattenfänger von Hameln ("El flautista de Hamelín", 1918); así como los decorados y accesorios de la película Die schone prinzessin von China ("La bella princesa de China", 1916).1 Gracias al éxito de su trabajo y a la recomendación de Wegener, consiguió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de Innovaciones Culturales), un estudio berlinésdedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de siluetas, Das Ornament des verliebten Herzens ("El ornamento del corazón enamorado", 1919).

Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la agencia de publicidad Pinschewer contrató a varios animadores abstractos durante la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época, Reiniger se convirtió en el centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores alemanes.

En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva,2 con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches.

Tony Sargs The First Circus" es un cortometraje de animación mudo, producido y dirigido por Tony Sarg y Herbert M. Dawley, en 1921. Una copia se conserva en la filmoteca de la Biblioteca del Congreso de EE.UU. En lugar de una historia de animación tradicional, "The First Circus" parece más teatro de sombras japonesas. De hecho, toda la animación se realiza utilizando siluetas. Las imágenes son divertidas, con monos emborrachándose, y el circo prehistórico de Stonehenge, con un dinosaurio.

La animaciójn como ese popular ARTE que es tuvo el acierto de llamar la atención de ARTISTAS pero artistas no lineales, debió de ser duró intentar elevar el sentido de los proyectos, salvo que sea como es el caso de Anthony Sarg, el Titiritero Americano (American Puppeter) aunque quiso la historia que al igual que Alfred Stieglitz, su país de origen fuera Alemania, pero es en los Estados Unidos donde tiene el honor de hacer una de las primeras animaciones en la técnica del recorte, estas, de seguro fueron inspiradas acaso por lo que un año antes proyectara Wilies O´Brien que participo en el grabado de la animación En todo caso, lo de Sarg es por una parte el libro ilustrado infantil en donde participa con el fin de canalizar su ARTE y creo tiene el prestigio de ser un innovador, ya que sus libros son verdaderos y complejos sistemas de acercamiento al conocimiento por diversos medios, con partes desarmables, productos, olores, en fin todo un objeto de estudio para el interesado en el ARTE DE la ilustración bibliográfica del siglo XX. Antes había colaborado freelanceramente para varias revistas y periódicos tanto en Inglaterra como en Nueva York, donde llega durante 1915 con su familia para huir de la primera guerra mundial que en Europa agudiza las carencias y privaciones y situaciones de violencia más insólitas, aquí se concentra en el desarrollo de proyectos para Marionetas, había creado personajes para Don Quijote, Ali Baba, Robin Hood que destacan entre más de una decena de obras representadas.

Es por esos años cuando realiza la Película Original (Original Movie 1922) por medio de la técnica del recorte hace una representación del quehacer, por ejemplo de Edward Muybridge, en la primera secuencia, luego hace una serie de gags en donde trata los problemas de los hombre de las cavernas para filmar películas… el resultado que además e entretenido, resulta una revelación en el acabado y nitidez que la proyección de las figuras sobre la lámpara logra en favor del “realismo” de la historia

Max Fleischer Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.

En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes.

Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.

Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.

Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.

Max Fleischer nació el 19 de julio de 1883 en la ciudad de Viena, Austria. Con sólo cuatro años, Max emigró a los Estados Unidos junto a su familia, estableciéndose definitivamente en la ciudad de New York.

Su interés por el arte, lo llevó a estudiar en la Cooper Union y en la Art Students League. Pero a la vez que desarrollaba sus capacidades artísticas, el joven Max se interesaba por el mundo de las maquinarias. Tal vez de esa combinación (creación-máquina), surgiría su primer trabajo como dibujante y fotógrafo para el Brooklyn Daily Eagle.

En 1915, mientras trabajaba como editor para el Popular Science Monthly, comenzó a desarrollar un invento que le permitiría “dibujar” sobre un trozo de film con personajes reales, utilizando a éstos como referencia: el rotoscopiado, como lo bautizaron sus creadores (sistema que aún hoy es utilizado en el cine de animación).

Max y su hermano Dave se encargaron de construir el aparato (que patentaron en 1917) y realizaron su primer trabajo, Experiment N° 1 (1915) en el que el otro hermano Fleischer, Dave, se disfrazó de payaso, creando el personaje que posteriormente se transformaría en Koko the Clown. Este personaje, no sólo fue el primer ser animado en ser rotoscopiado, sino que también fue el primero en “mezclarse” con el mundo real, al salir - al comienzo de cada uno de los cortos – de un tintero.

En el año 1919 los hermanos Fleischer comenzaron a trabajar para John R. Bray (quien los contrató luego de ver Experiment N° 1). Bray era pionero en el negocio del cine de animación (Paul Terry y Walter Lantz trabajaron para él), y tiempo después firmaría un contrato por el cual debía proveer de cortos animados a la Paramount Pictures. Los Fleischer debían realizar un corto por mes, pero poco tiempo después, su serie Out of the Inkwell – protagonizada por Koko the Clown – se transformó en la más destacada del Paramount Pictograph de Bray.

Walter lantz Walter Lantz nació como Walter Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle en una familia de inmigrantes italianos, sus padres fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri, Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación.

Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American, su dueño era William Randolph Hearst.

Cuando terminó de trabajar en el periódico, se dedicó a la escuela de arte.

A la edad de dieciséis años, Lantz trabajaba tras la cámara en el departamento de animación bajo la supervisión del directorGregory La Cava. Lantz luego comenzó a trabajar en los John R. Bray Studios en Nueva York para la serie Colonel Heeza Liar. En 1924, Lantz comienza a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primera serie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y luego como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett.

Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz decidió que necesitaba un nuevo personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunkeran algunos de los personajes creados por Lantz y sus empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940.

En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford.

En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo. Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nuevo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda.

Walt Disney Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte delsiglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.2 Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney puso su voz original.

Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue premiado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió otros cuatro premios honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de la Academia ha ganado.

Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas.

Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng.

Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban.

Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland.

Berthold Bartosch Berthold Bartosch, un creador y un corto que desconocía por completo antes de esta lista. Un animador que sería uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana y cuya obra se ha perdido casi por completo, excepto este L'Idée, ya que sus ideas políticas hicieron que los nazis se ocuparan de destruir todo aquello que pudiera caer en sus manos, como el material que depositara en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

No obstante y a pesar de constituir casi el único fragmento de su obra que nos ha llegado, es un ejemplo perfecto para deshacer multitud de prejuicios comunes sobre la animación, lo cual suele ocurrir en cuanto se dedica un poco de estudio a la historia y evolución de una forma artística. Incluso entre grandes aficionados al cine, la animación no ha podido quitarse el estigma de ser una forma conservadora, alejada de los círculos y ambientes de la vanguardia. Nada más alejado de la realidad. En este corto colabora, ni más ni menos, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo, Eric Honegger, y se escribe la música para un instrumento electrónico, el famoso Ondes Martenot, que utilizaba válvulas de vacío y altavoces para producir el sonido.

Por supuesto, esto no pasaría de ser anecdótico si no fuera porque el estilo del corto es fuertemente expresionista, con el uso de pinceladas gruesas y sombras extremas para expresar sentimientos e ideas, resaltado por el uso del blanco y negro. Un expresionismo que filtra en la forma del corto, puesto que se trata de uno de los primeros ejemplos de cut-out, esa manera que parece que inventara South Park, y que en esta ocasión ha sido tratada especialmente para simular profundidad e incluso el aire, depositando las diferentes figuras en cristales a diferente distancia de la cámara y con distintas transparencias, lo cual además permite aplicar efectos especiales, como halos y brillos, mediante el sencillo expediente de verter liquidos sobre la superficie del cristal.

Desecho ese mito, el de el conservadurismo en la forma, quedaría aún otro tópico, el de que la animación es incapaz de tratar temas e ideas profundas y complejas. Sin embargo, este corto es eminentemente político, radical y revolucionario incluso, un sentimiento muy apropiado para el convulso periodo de revolución y reacción de entreguerras.

Bill Nolan William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-diciembre 06, 1954) fue un estadounidense de origen irlandés Animación escritor , animador ,director y art ista . Él es mejor conocido por la creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma del estilo de la animación y de la racionalización de Félix el gato . De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman 's Krazy Kat deMargaret J. Winkler y 1929-1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Estudio sobre el Oswald el conejo afortunado serie.

William Charles Nolan o simplemente Bill Nolan (1894-1956) fue un pionero de la animación La Edad silenciosa de Animación y La Edad de Oro de la Animación . Fue uno de los mejores animadores de la Era Silenciosa, que permita disponer de un registro de 500 dibujos al día-una hazaña sólo superada por el animador Ub Iwerks .

Bill era importante en que él era un pionero de este estilo artístico rubberhose que definen la animación-los clásicos orígenes de que se iniciaron en 1924, cuando se trabaja en Felix el Gato con Otto Messmer , que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, sino también hacer que la animación una carga menor para los trabajadores.Por lo tanto, él es el padre de Rubberhose Limbs .

Nolan también descubrió que si mucho de pintura de fondo se deslizó bajo un carácter correr en su lugar, le dio la ilusión de una cámara pan , él el inventor de la lo que hace de fondo del cruzado .

El Sr. Nolan también hizo un libro de instrucción rara sobre cómo dibujar personajes de cómic periódico, que se puede encontrar aquí , Cortesía deRecursos de Animación .

Chuck Jones Fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante loscortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano.

Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado.

Jones se unió a Leon Schlesinger Productions en 1933, un estudio independiente que producía cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies para Warner Bros.. Durante los años 1930, trabajó junto a los directores Tex Avery y Bob Clampett, convirtiéndose en director (o "supervisor", nombre que recibían en el estudio) en 1938, cuando Frank Tashlindejó el estudio.11 Fue Henry Binder, asistente de Schlesinger, quien le dio la oportunidad de ocupar dicho cargo. 12 El primer dibujo animado dirigido por Jones fue The Night Watchman (1938), donde aparecía un gato antropomórfico llamado Sniffles.13 Al año siguiente dirigió PrestO Change-O, un cortometraje donde aparece un conejo blanco anónimo, considerado como uno de los prototipos de Bugs Bunny.14 Muchos de sus primeros trabajos fueron criticados por seguir una línea similar a los de Walt Disney, anteponiendo la ternura al humor.15 16 Durante 1941 y 1942 su estilo de animación cambió, siendo influido por Friz Freleng y Tex Avery principalmente. Según palabras de Jones: «Después de The Draft Horse (1941), En 1941, Jones participó activamente en la huelga de los animadores del estudio de Disney, quienes buscaban mejoras en sus condiciones de trabajo.18 19 Al año siguiente, dirigió el cortometraje The Dover Boys, considerado como uno de los primeros en incorporar la técnica de 2 animación limitada. Jones rompió con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como «estilo UPA».

Chuck Jones trabajó junto a Theodore Geisel en la serie de dibujos animados Private Snafu.13Jones dirigió 12 de los 26 capítulos de la serie; cada capítulo duraba cerca de cuatro minutos y consistía en un video instructivo dirigido a los reclutas más jóvenes de las tropasestadounidenses.

Friz Freleng Isadore "Friz" Freleng (21 de 1 agosto de 1906 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y product or estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies.

Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.

En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred Quimby. Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo nivel de liderazgo que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuando su contrato terminó en 1940.

Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia.

El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar.

Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando.

Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión.

Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos animados hasta 1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos.

Oskar Fischinger Oskar Fischinger (22 de junio de 1900 † 31 de enero de 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán.

Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su artedegenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936.

Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

Oskar Fischinger fue un pintor y animador de vanguardia, nacido en Alemania en 1900.

A los 22 años ya era propietario de su propia empresa de animación, con la que buscaba fundir sus dos gandes pasiones, la música y las artes gráficas, para lo cual utilizó su formación como ingeniero, con lo cual pudo experimentar con diseños de cámara y fotografía, que le permitieron crear "música visual", un claro antecedente del moderno video-clip.

Huyó de Europa hacia Estados Unidos cuando su arte fue considerado como "degenerado" por parte de los Nazis. En Estados Unidos trabajó en la película Fantasía de Disney , antes de establecerse en Hollywood, donde se dedicó a pintar y realizar animación hasta su muerte acaecida en 1967.

Robert Emerson Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany.

Clampett estuvo bajo el mando de Tex Avery ese mismo año, y los dos crearon un estilo de animación diferente, que destacaría a Warner Bros. de sus competidores. Trabajando en un edificio de madera aparte del resto de los animadores, Avery y Clampett descubrieron que no eran los únicos en el edificio. Compartían además el lugar junto a un gran número de termitas. Nombraron al edificio Termite Terrace, nombre utilizado por fanáticos e historiadores para referirse al estudio.Se unieron animadores como Chuck Jones, Virgil Ross y Sid Sutherland, y trabajaron prácticamente sin interferencias durante ese año en su nuevo estilo de humor.

Clampett pidió a Leon Schlesinger una oportunidad para trabajar como director, Schlesinger le asignó una secuencia para la película de Joe E. Brown What's Your Birthday? (1937), animando los signos del zodiaco. Esto permitió que Clampett y Chuck Jones dirigieran en conjunto para Ub Iwerks, haciendo varios cortometrajes de Porky. En estos cortos apareció por primera vez Gabby Goat, compañero de Porky. A pesar de las contribuciones de Jones y Clampett, solo Iwerks fue acreditado como director.

Clampett fue promovido a director en 1937, y entró en su propia era dorada. Sus dibujos animados se volvieron más violentos, irreverentes y surrealistas, sus personajes se convirtieron en los más alocados de los creados por directores de Warner. Clampett fue influenciado por el artista Salvador Dalí, esto es demostrado en el cortometraje Porky in Wackyland (1938), donde la historia toma lugar en un escenario basado en obras del pintor, con objetos derretidos y formas abstractas.

Durante los próximos nueve años, Clampett creó algunos de los dibujos animados más populares del estudio, como Porky in Wackyland (1938), Bugs Bunny Gets the Boid (1942),A Tale of Two Kitties (debut de Piolín), Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943), Russian Rhapsody (1944), The Great Piggy Bank Robbery (1946) y The Big Snooze (1946), su último cortometraje para el estudio. La influencia de Clampett permitió que Warner se diferenciara de Disney y siguiera el camino que los ha distinguido desde entonces.

Shamus Culhane Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio.

Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho".

Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes.

Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión.

Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967.

Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

Ubbe Ert Iwwerks Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero ("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en Estados Unidos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido.

Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "IwerksDisney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923.

De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios.

El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica deCineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar.

Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo.

William Hanna Una vez que abandonó la universidad, Hanna consiguió empleo como ingeniero de construcción y participó en la edificación del Pantages Theatre, 20 24 en Hollywood.

Sin embargo, tuvo que buscar otro empleo al ser despedido de este a causa del impacto de la crisis económica. Consiguió un trabajo temporal en un lavado de automóviles. En esa etapa, el novio de una de sus hermanas lo alentó a buscar una oportunidad laboral en la compañía Pacific Title and Art, que producía intertítulos para filmes.28 Mientras trabajaba ahí, comenzó a sobresalir por su talento para dibujar, y en 1930 se incorporó al estudio animado Harman-Ising, responsable de los dibujos animados Looney Tunes y Merrie Melodies.1A pesar de carecer de formación en materia de animación, pasó a encabezar el departamento de coloreado del estudio. Sin embargo, su labor fue más allá de solamente colorear los dibujos, ya que también escribió algunas letras de las canciones que servían como temas de apertura y cierre de esos programas.1 En sus primeros años ahí, el estudio estaba asociado con Leon Schlesinger, de Pacific Title and Art, que emitía el material de Harman-Ising por medio de Warner Bros. Sin embargo, una vez que Hugh Harman y Rudolph Isingdecidieron prescindir de su asociación con Schlesinger y comenzar, en cambio, a producir sus dibujos animados de forma independiente para MetroGoldwyn-Mayer (MGM), en 1933, Hanna optó por seguir colaborando con Harman e Ising.1 29 En 1936, Hanna dirigió su primera serie de dibujos animados, To Spring, que formó parte de la colección Happy Harmonies de Harman-Ising.16 Al año siguiente, MGM finalizó su asociación con Harman-Ising y comenzó a producir sus propios dibujos animados.2 Hanna se convirtió en uno de los primeros empleados en ser contratados por MGM para su nuevo estudio de animación. En la temporada de 1938-39, fungió como director en jefe de la serie Captain and the Kids de MGM, basada en la tira cómica del mismo nombre (una versión modificada de The Katzenjammer Kids, que había resultado de una demanda judicial en 1914). No obstante, el programa no tuvo el éxito esperado, por lo que Hanna fue reasignado como guionista del estudio, a partir de la cancelación de los dibujos animados. 2 El escritorio donde trabajaba Hanna estaba justo al lado del de Joseph Barbera, que previamente había trabajado en Terrytoons.

Tex Avery

Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.

El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

John Hubley John hubley fue el director artístico general de la UPA desde su creación, después de verse obligado a dejar la Disney por participar a finales de los 40 en la huelga que los trabajadores le hicieron a esa empresa por mejoras salariales, este artista laboró allí en varios largometrajes que van desde Blanca Nieves y los 7 Enanitos hasta Fantasía, en la cual llegó a dirigir la parte titulada The Rite of Spring .

En la foto lo vemos captando en apuntes los movimientos femeninos de una modelo para su filme Rooty Toot Toot.

Hubley vio en la UPA la posibilidad de hacer cortos animados que no fueran los del gato persiguiendo al ratón y que tuvieran diseños más novedosos los personajes y los fondos de películas.

La cinta The Dover Boy de Chuck Jones le sugirió que la clave estaba en la semianimación.

Crea en 1949 a Mister Magoo inspirado en un tío cegato, el artista consideraba que trabajar personajes fijos limitaban sus posibilidades creadoras y le entrego este protagonista a otros directores de la compañía para que continuaran narrando historias en futuros cartoons.

Cuando desapareció la UPA, otros Studios hicieron Show para la television con Magoo y otros personajes secundarios que lo acompañaban en sus primeros cartoon.

La UPA recibió la orden de despedir a Hubley en 1952 como castigo por negarse a declarar ante el Macarthismo, este entonces creó Storyboard Studios y se propuso junto a su esposa Faith producir con sus postulados estéticos un corto animado anual con los cuales ganó los premios Oscar de su categoría en los años 1959, 1962 y 1966.

Con su equipo produjo tambien mini cortos dibujados para la serie Sesame Street, que se intercalaban entre actos que interpretaban Muppets de los creados por Jim Henson.

Junto a este texto aparecen dos fotogramas que son muestra de esto último.

Hubley falleció el 21 de febrero de 1977 a la edad de 62 años, su esposa Faith sin el acompañamiento de John realizo 25 películas hasta su fallecimiento en el 2001.

Juntos habían realizado 23 filmes.

Joseph Barbera Creador de storyboards,director y productor estadoun idense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido porWarner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y ScoobyDoo. Barbera estudió en las escuelas de arte Art Students League of New York y Pratt Institute, siendo posteriormente contratado por Fleischer Studios para trabajar en el departamento de pintura. En 1932 se incorporó a Van Beuren Studios, donde fue guionista y animador.11 Allí trabajó en dibujos animados como Cubby Bear y Rainbow Parades, y produjo además los cortometrajes de los personajes Tom y Jerry-estos no presentaban similitud alguna con el gato y el ratón del mismo nombre. Cuando el estudio fue cerrado en 1936, Barbera se trasladó al estudio de Paul Terry, Terrytoons.13 El primer trabajo del estudio fue The Ruff & Reddy Show,23 una serie que mostraba la amistad entre un gato y un perro.35 A pesar de no obtener una buena respuesta por sus cortometrajes de Loopy De Loop, Hanna-Barbera logró crear dos exitosas series de televisión: The Huckleberry Hound Show y The Yogi Bear Show. Tras enterarse por una encuesta que la mitad de la audiencia de Huckleberry Hound eran adultos, la compañía decidió hacer una nueva serie, Los Picapiedra.30 36 El programa era una parodia de The Honeymooners y mostraba a una familia que vivía en la Edad de Piedra, con animales parlantes como electrodomésticos y algunas celebridades como invitados especiales. Gracias a una audiencia conformada por niños y adultos, Los Picapiedra se convirtió en la primera serie animada que logró éxito en horario central.30 35 37 La frase «yabba dabba doo» dePedro Picapiedra se convirtió en parte del lenguaje popular,1 y el programa hizo que el estudio lograra imponerse como el más importante de la televisión en el ámbito animado.28La compañía repitió la fórmula en Los Supersónicos, una serie ambientada en el futuro. Aunque ambas series fueron emitidas durante los años 70 y 80, Los Picapiedra permaneció como la más popular.35 y Don Gato

Ray Harryhausen Raymond Frederick Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en Los Ángeles, California, EE.UU. Sus padres fueron Fred y Martha.

Tenía una pasión, que nadie consiguió quitarle, por los dinosaurios y por todo lo referente a la fantasía.

Sus padres le animaron a dedicarse a lo que quería, incluso aunque la carrera elegida no fuese lo que ellos probablemente hubiesen considerado normal. Ray comentó: “Mi obsesión por la fantasía viene de toda la vida, creciendo durante mis años de formación y siendo llevada a nuevas alturas por las novelas, pinturas, y por supuesto las películas, y siempre fui animado por mis padres. Alimentaron esta inusual pasión llevándome al cine y al teatro, y posteriormente se entusiasmaron con mis experimentos con marionetas, modelos y animación, llegando incluso a ayudarme con mis producciones. Nunca intentaron desanimarme en modo alguno para que renunciara a mi obsesión, y podrían fácilmente haber dicho: ‘Sal y hazte médico o abogado o busca cualquier otra profesión que te dé dinero’. Por suerte, no lo hicieron.”

El joven Ray empezó a recrear las imágenes de King Kongusando marionetas o títeres.

Las primeras fueron inevitablemente Kong, un tiranosaurio rex, un estegosaurio, un brontosauro y un pterodáctilo, puesto que todos aparecían en la película.

Durante un tiempo se concentró en diseñar y producir varios espectáculos de marionetas, incluyendo una versión corta de King Kong, pero él sabía que las marionetas no eran la respuesta.

De nuevo volvió la pregunta: “¿Cómo podían moverse en la película?”

Buscó por todas partes para descubrir cómo Kong parecía estar “vivo” y encontró unos cuantos artículos, algunos de los cuales resultaron ser erróneos, algo que él supo desde el principio.

Finalmente, acabó descubriendo algunos artículos que incluían información sobre algo llamado animación fotograma a fotograma o stop-motion.

Simultáneamente, visitó una exhibición en el L.A. County Museum sobre las técnicas usadas para hacer El mundo perdido y King Kong que le permitió encajar todo junto. Ray recuerda: “Conforme continuaba estudiando y aprendiendo cómo se lograron los efectos de Kong, me di cuenta de que era algo que yo mismo quería probar e incluso de lo que quería formar parte, de manera que empecé a construir mis propios dioramas en miniatura y toscos modelos, lo que finalmente me llevó a al punto de construir figuras más grandes móviles”.

Jules Engel Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6 de septiembre de 2003, Simi Valley, California) fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro.

Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabras: I have concentrated, with particular emphasis, upon the development of a visually inspired, dynamic language, demonstrating that pure graphic choreography is capable of non-verbal truth. I have chosen to convey ideas and fellings through movements, visually formed by lines, squares, spots, circles and varieties of colors.1 Compositores de música han visto un trabajo similar al musical en sus composiciones visuales.

Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas.

Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America(UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas.

En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas como Man Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad.

Norman Mclaren Norman

McLaren (Stirling, Escocia, 11

de

abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27

de

enero de 1987)

de

fue

un animador y director

cinecanadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada.

Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial.

En 1941 fue

invitado

a Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó

su

film

famoso, Neighbours (1952),

más el

cual

ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.

Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

Peter Foldes Budapest-born Peter Foldes (19241977) was one of a number of Hungarian artists (another was the film's composer Mรกtyรกs Seiber) who ended up working with fellow countryman John Halas on the latter's animated films after he moved to Britain in 1946. After leaving Halas, Foldes made a number of animated films in collaboration with his British wife Joan (b. 1924), starting with the allegorical Animated Genesis (1952), On Closer Inspection (1953) and A Short Vision (1956).[1] A Short Vision became one of the most influential British animated films ever made, when it was screened on US television as part of the popular Ed Sullivan Show. Although children were advised to leave the room while it played, it still caused outrage and alarm with its graphic representation of the horrors of nuclear war. In the film, wild creatures flee in terror as a strange missile flies overhead. As it passes over the sleeping city, the world's leaders and wise men look upwards. The missile explodes, destroying humans, wild creatures and the Earth itself. It caught the mood of the times, since the mid-1950s was the height of both the Cold War and nuclear [1] paranoia.

Foldes later moved to Paris, where he became an early pioneer in computer animation.[1] In the 1960s, he worked for the Research Service of the ORTF. He is one of the pioneers of computer animation with his film Hunger, which received the Jury Prize in the "short film" category at Cannes Film Festival as well as an Academy Award nomination.

Heinz Edelmann Heinz Edelmann (Ústí nad Labem, Checoslovaquia, 20 de junio de 1934 Stuttgart, Alemania, 21 de julio de 2009)1 fue un ilustrador y diseñador alemán.

Reconocido principalmente por ser el director artístico y diseñador de personajes del film de 1968, Yellow Submarine , dónde aparecían los miembros del grupo musical The Beatles en una visión psicodélica y animada. También diseñó a Curro, la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992.

Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles “Yellow Submarine”, Edelmann nació en 1934, en la antigua Checoslovaquia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, una de las instituciones más progresistas de la Alemania de postguerra.

Acabados sus estudios, hacia 1958 comenzó a trabajar como diseñador freelance, ilustrador, animador y profesor en Alemania, Gran Bretaña y Holanda. Siempre en solitario –“Fui mi propio director de arte, ilustrador, diseñador, maquetador y también barrí el suelo e hice el café”- realizó carteles para la Westdeutscher Rundfunk (WDR) (Radiodifusión de Alemania Oeste), publicidad para la agencia Putz, cubiertas de libros para la editorial Klett-Cotta de Stuttgart, así como un buen número de ilustraciones para publicaciones, entre las que hay que citar el periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung y la mítica revista Twen, dirigida por Willy Fleckhaus. A él se deben, asimismo, las imágenes de la primera edición alemana de El Señor de los Anillosde Tolkien y Curro, la mascota de la Expo de Sevilla 92.

Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser.

Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en ‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e imaginación”.

Para Glaser, además, fue “uno de los diseñadores más brillantes que produjo Europa en el último siglo. Fue un profesional prodigioso y diestro en todos los aspectos del diseño, la tipografía y la ilustración”.

Jiri Trnka Jiří Trnka (Pilsen, 24 de febrero de 1912 Praga, 30 de diciembre de 1969) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.

Con la formación recibida en la escuela de artes, y la experiencia que le proporcionaba su trabajo en el taller de grabadoDesde entonces, Trnka ilustró numerosos libros infantiles. A lo largo de su vida, intervino como ilustrador en unas 130 obras, la mayoría de literatura infantil. Fueron especialmente celebradas sus ilustraciones para los cuentos de los hermanos Grimm, así como para colecciones de cuentos tradicionales checos, de autores como Jirí Horák y Jan Pálenícek.

También relacionadas con el folclore de su país están sus ilustraciones para Bajaja, de Vladimír Holan, publicado en 1955, y que sería el punto de partida para un posterior largometraje animado.

Además de las citados, Trnka ilustró, entre otros muchos libros, los cuentos de Andersen y de Perrault, las fábulas de La Fontaine, Las mil y una noches, varias obras de Shakespeare, y Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.1 Muchas de sus obras son auténticos clásicos de la literatura infantil: son muy numerosos los niños que han crecido leyendo las aventuras del oso Micha, escritas por Josef Menzel e ilustradas por Trnka. Por el conjunto de su carrera como ilustrador, le fue concedido en1968 el Premio Hans Christian Andersen por la International Board on Books for Young People (IBBY).

En algunos casos, su tarea como ilustrador le proporcionó las ideas para la realización de películas de animación, como ocurrió con Bajaja, o Sen noci svatojanske (El sueño de una noche de verano).

Manuel Garcia Ferre Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión. Durante varias décadas (1970-2000) las revistas Billiken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina.

García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes (El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile,Venezuela, Colombia, Ecuador, Mé xico, Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés.

Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito, Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita.

También en 2009 participa con un original del su personaje Hijitus, realizado para el diario Río Negro de Argentina; en la muestra "Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico" que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores del humor gráfico en Argentina a través de su historia. Por más de 40 años, el estudio del décimo piso del edificio Apolo, a pocas cuadras del Obelisco de Buenos Aires, fue testigo de las entrañables creaciones del historietista que, en 2012, a sus 82 años, estrenó su última película, Soledad y Larguirucho, una historia protagonizada por la cantante Soledad Pastorutti, que combinó dibujos y personajes reales.

Osamu Tezuka D de historietas yanimador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas.

Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Buda es una obra publicada en ocho volúmenes que recrea de manera documentada aunque muy personal, la vida de Sidartha Gautama Buda, el primer hombre en acceder a la iluminación y fundador del budismo. En esta obra cumbre Tezuka consigue exponer al lector a algunas de las bases más serias y profundas del Budismo hilvanando con maestría las anécdotas rodeando la vida de Buda desde su nacimiento hasta su muerte.

Fénix es, por otra parte, la obra más íntima de Tezuka. Aunque no pudo finalizar antes de su muerte, el prestigio de esta obra de Tezuka ha aumentado exponencialmente con los años.

En Fénix se recrea la eterna búsqueda del ser humano por la inmortalidad a través de una serie de historias que suceden en tiempos diferentes con civilizaciones que nacen y perecen. El quinto volumen, Ho-ō (Karma), es considerado el corazón de esta obra, en donde se plasma de manera magistral la progresiva transformación de un criminal y su abandono del mal. Recientemente, la NHK japonesa ha editado esta obra en DVD tras 40 años de trabajo con los últimos avances digitales de imagen y sonido, sustentada además en una banda sonora ejecutada por la orquesta filarmónica de la cadena pública japonesa. Esta auténtica joya de la animación tiene traducción al inglés pero todavía no está disponible en castellano.

Ralph Bakshi A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla imagen real con dibujos animados, aunque actualmente trabaja en Last Days of Coney Island, un largometraje de animación financiado en masa mediante el sitio web Kickstarter. El estreno está previsto para 2014 Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de la Segunda Guerra Mundial.2 3 Creció en Brooklyn y fue a la High School of Industrial Art. Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación de Terry Toons en New Rochelle, coloreando personajes comoSuper Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó como director creativo de los estudios CBS, donde creó los Mighty Heroes. En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, El gato Fritz etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.

Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes reales y en la cual trabaja con Brad Pitt y Kim Basinger.

A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utilizando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimientos y dibujo.

Richard Williams Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canad iense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982).

Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que ejercía la película de Disney Aladdín. Completion Bond completó la animación en Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert. La creación de Calvert fue distribuida en 1994 como The Princess and the Cobbler. Miramax luego adquirió los derechos del proyecto para poder escribir y animar nuevamente la película, agregando diálogos y nueva música. El producto de Miramax fue estrenado en 1995 bajo el título Arabian Knight

Terry Vance Gilliam Terry Vance Gilliam (n. 22 de noviembre de 1940) es un actor y director de cine británico nacido en Estados Unidos. Fue uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python.

Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental deCalifornia. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.

Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

Tiene varios proyectos en distintas fases de desarrollo, incluida una adaptación de la novela escrita entre Neil Gaiman y Terry Pratchett, Good Omens (Buenos presagios: las buenas y ajustadas profecías de Agnes la chalada).

Los infructuosos esfuerzos de Gilliam por rodar la película The man who killed Don Quixote (El hombre que mató a Don Quijote), basado en la obra de Miguel de Cervantes, son el tema del documental Lost in la Mancha (Perdido en la Mancha).

Se anuncia que el proyecto ha sido retomado por Gilliam, una vez que la compañía aseguradora les dio la razón y cubrirá los millones perdidos en el caótico primer intento. Estaba anunciada la preproducción en 2009 y su estreno en 2011.

Donald Virgil Bluth Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cineestadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).

Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot(1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la películaXanadu.

El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.

Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arcade con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba vídeo pregrabado en un disco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.

Luis Carlos Carrera González En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país.

Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas.

Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado por Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artística. A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes buscan afecto y son solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director.

En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por la academia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera.

GUILLERMO DEL TORO Del Toro empezó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la ciudad de Guadalajara. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998 su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago de un rescate, Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy yBlade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del General Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial).

Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Su estilo está marcado por su gusto por la biología y por la escuela de arte simbolista, su fascinación por el mundo fantástico desde el punto de vista de los cuentos de hadas y su gusto por los temas oscuros. Sus trabajos incluyen frecuentemente monstruos o seres fantásticos. Del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». También tiene una lista de otras cosas que le fascinan y que se han convertido en piezas habituales de sus películas: «tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer Guillermo del Toro es también amigo de dos directores mexicanos aclamados por la crítica: Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres influyen a veces en las decisiones de los demás en cuestiones de dirección, han sido entrevistados juntos por Charlie Rose, y Cuarón fue uno de los productores de El laberinto del fauno. Los tres fueron nominados a los Premios Óscar de 2006, celebrados en febrero de 2007: Del Toro fue nominado por El laberinto del fauno , Cuarón por escribir y editar Hijos de los hombres e Iñárritu por producir y dirigir Babel.

M ATIAS KOPISTINSKI Trabajo en animación desde el año 2000 hasta la fecha, habiendo comenzado como Asistente en la película Mercano el marciano (Malcriados producciones), pasando por otras producciones como: Teo cazador intergaláctico (Shazàm Producciones); Patoruzito (Patagonic Group); En la productora Nannimacion (Animaciones para publicidades); Hook Up Animation (Animaciones para publicidades, como Cartoon Network, scout, ESPN, MTV; y películas como: Una película de huevos; Tous a l´ouest una aventura de Lucky luke).

A partir del año 2006 trabajé como Animador en la película Fierro (Camaranda producciones); y en otras producciones como Bieito Dubidoso, Global Wonders, y publicidades para Cartoon Network y otros medios en Hook Up Animation. También trabajé animando cosas de forma independiente.

Todo eso en Buenos Aires Argentina.

En el año 2009 Viajo a México y empiezo a trabajar como Animador Sénior en Animex 2d producciones, en los largometrajes Nikté 2009/2010, y La revolución de Juan Escopeta También trabaje en la preproducción de la película Selección Canina (Largometraje en 3d) de la misma empresa...

En la actualidad trabajo como Animador Sénior para la película El Santos contra la amenaza Zombi de Anima estudios. Habiendo trabajado también para ese mismo estudio para una producción anterior llamada La Leyenda De La Llorona.

También trabajo de forma independiente con un equipo de talentosos amigos, habiendo realizado el diseños de personajes y un anticipo en animación 2d para serie animada “Los cuentos negros de Ofelia (Aeroplano Films); Y en otros proyectos para otros estudios como Hook up nuevamente y Nébula aquí en puebla. … Y ahí seguimos

SOFÍA CARRILLO Licenciada en Artes Audiovisuales de la U de G, se ha desempeñado en las áreas de Animación y Dirección de Arte. Con Fuera de Control, su segundo trabajo, obtuvo el apoyo del CECA y fue beneficiada por Academia Jaliscience e Imcine para la postproducción de cortometraje. Participó en Talent Campus Guadalajara 2009.

RIGOBERTO MORA Nacido en 1965 en Guadalajara, Jalisco, Rigoberto Mora o “Rigo” Mora, fue uno de los impulsores de la animación en México, especialmente del “Stop motion”.

Estudió Guión Cinematográfico en la Universidad de Guadalajara y formó parte de la “Escuela de Guadalajara”, un grupo de cineastas dedicados a la renovación de la animación en el país.

“Rigo” fue productor y colaborador de varios cortos animados. En 1985 creó, junto con Guillermo del Toro, la empresa “Necropia”, especializada en maquillaje, animación y efectos especiales. Entre sus trabajos destacados se encuentran sus colaboraciones en las cintas “Sólo con tu pareja” (1991) y “Cronos” (1993). Acerca de sus cortos representativos están “Los ángeles del fin del milenium” (1997), “Polifemo” (2000) y “Sombras” (2003).

Falleció en el 6 de mayo de 2009, víctima de un paro cardio respiratorio.

RENE CASTILLO René Castillo Rivera es un animador mexicano especializado en la técnica del stop-motion, con la que ha realizado cortometrajes como Sin Sostén y Hasta los huesos. Ha ganado más de 50 premios internacionales y una nominación a la Palma de Oro en Cannes.

Nació en el Distrito Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente. Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).

Timothy "Tim" Walter Burton

Director, productor, escritor y diseñadore stadounidense.

La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. (Véase Características personales de la obra de Burton).

Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Edward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas.

Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimentalHelena Bonham Carter.

El 15 de marzo de 2010 Tim recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.

La mayor parte de su infancia estuvo caracterizada por la representación, junto a su hermano, de parodias relacionadas con delitos sangrientos (homicidios, asesinatos, etc), considerándose a él mismo como un introvertido —una de sus anécdotas personales es la de haber simulado un asesinato con una hacha, para asustar a los vecinos hasta tal punto que uno de ellos llamó a la policía. Por ello recibió el alias «Axe Wound» (traducido como «herida de hacha»). Asimismo, otro de sus pasatiempos favoritos era asustar a los hijos de sus vecinos alegando el arribo de criaturas extraterrestres que invadirían la Tierra.3 Uno de sus principales entretenimientos fue el diseño, aspecto en el que demostró tener talento tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados en los camiones urbanos de su ciudad natal.4 Académicamente, nunca sintió afinidad por la lectura ni por los estudios.5 En cambio, sus más grandes pasiones eran la pintura, el dibujo y el cine —le encantaban las películas de monstruos, principalmente aquellas vinculadas con Godzilla, Hammer Productions,Ray Harryhausen y Roger Corman. Este último trabajó en varias ocasiones con el actor Vincent Price, a quien Burton consideraba «su héroe».5 6

Sus vecinos lo catalogaban como un «inadaptado social con apetito frecuente por la ciencia-ficción y el terror»,7 debido a su afición por las películas de terror de bajo 89 presupuesto. A los 13 años, realizó su primer corto animado junto con algunos de sus amigos, The Island of siguió Houdini, en donde Burton interpretó al

Doctor Agor,5 al cual le escapistaHarry Houdini.5 Su madre trabajaba en una tienda de regalos y utensilios decorativos para gatos, su padre en un parque de atracciones. El joven Tim Burton no tardó mucho en mudarse a vivir con su abuela, por sentirse fuera de su sitio, admitiendo que la relación que ha mantenido con sus padres ha sido mínima y recordando apenas a su hermano pequeño, Daniel.

Tim Burton adoraba el cine, en especial el cine fantástico, recordando como una de las primeras películas que vio de este género: Jason and the Argonauts, 1963. Embelesado por los efectos especiales de Ray Harryhausen, con su famosa técnica «stop motion», la cual Burton usará ya de adulto en sus películas.

Tras concluir sus estudios de bachillerato, en 1976, ingresó en su segundo año universitario10 en el Instituto de Artes de California — fundado por Walt Disney a manera de «plataforma alternativa de aprendizaje» para jóvenes interesados en la animación.11 Durante su estancia en Cal Arts (término popular con el que es conocido el instituto) realizó unaserie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster,5 trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney para colaborar en próximos filmes y proyectos.

Butch Hartman Elmer Earl Hartman IV (nacido el 10 de enero de 1965), es un dibujante y director estadounidense. Él es el creador de las series animadas de Nickelodeon: Los padrinos mágicos, Danny Phantom y T.U.F.F. Puppy.

Hartman nació en Highland Park, Míchigan, hijo de Elmer Earl Hartman III y Carol Davis. Recibió el apodo "Butch" en su juventud y continuó usando el nombre profesionalmente de adulto. Hartman pasó su niñez en Roseville, Míchigan y su adolescencia en New Baltimore, Míchigan. Se graduó en Anchor Bay High School en New Baltimore en 1983. Consecuentemente se matriculó en el California Institute of the Arts en Valencia, California.

Hartman entró a la industria de la animación en 1986, su primer trabajo fue en el dibujo animado Mi pequeño poni.

En 1990 él fue a DiC Entertainment, donde trabajó en Adventures of Sonic the Hedgehog, Captain N y Gadget Boy. Luego, él se convirtió en escritor, director y editor de libretos en muchos shows de Cartoon Network, incluyendo: El laboratorio de Dexter, La vaca y el pollito, y Johnny Bravo.

Su gran suceso ocurrió en 1997, cuando él creó Los padrinos mágicos (en donde también hizo voces). Este fue originalmente una serie de cortos relacionados con el show antológico, Oh Yeah! Cartoons. En 2001, Nickelodeon la convirtió en una serie completa. Los padrinos mágicos se convirtió en un gran éxito, segundo en los ratings detrás de Bob Esponja.

Hartman creó otro show para Nickelodeon, Danny Phantom, en 2004. Danny phantom ha cesado el 12 de febrero del 2007. Sin embargo una vasta mayoría de los fanáticos dedicados del programa luchan para tener más episodios de Danny Phantom. Con los lemas «Salven al fantasma, ¡la mayoría lo adoramos!» y «Mantengan el volar de Danny» las docenas de peticiones han sido firmadas, y centenares de cartas mandadas.

Hartman está trabajando actualmente en dos nuevos proyectos para Nickelodeon, una serie real y la otra animada. Él también es el productor ejecutivo y editor de escenas de Doogal, la versión Norteamericana de la película animada FrancoBritánica The Magic Roundabout. El film fue doblado por The Weinstein Company, y fue lanzado el 24 de febrero de 2006. Hartman ya ha firmado el contrato con Nickelodeon para producir la serie T.U.F.F. Puppy.

Andreas Deja Andreas Deja (1 de Abril de 1957), es un animador de Walt Disney Animation Studios conocido por crear a algunos personajes principales de películas como Hércules en Hércules, Scar de El Rey León, Jafar de Aladdín, y Gastón de La Bella y la Bestia. Deja fue galardonado con el premio Winsor McCay Award.

Como fan de las películas animadas de Disney, Deja fue contratado por el estudio en 1980 después de que él había mantenido correspondencia con Eric Larson.2 La primera película en la que trabajó fue El Caldero Mágico, tiempo durante el cual compartió cubiculo con Tim Burton.

Durante sus días de novato en Disney, Deja buscó la asesoria práctica de los entonces siete sobrevivientes de los Nueve Ancianos (que ya se habían retirado para cuando el comenzó).3 Deja declaró que si el podcast necesitaba algo sobre los Nueve Ancianos, podía referirse a él debido a la enorme cantidad de información que ha reunido durante varios años En una de sus últimas declaraciones reveló su deseo de publicar un libro sobre los Nueve Ancianos.

Deja es conocido por ser el supervisor de animación de algunos de los más memorables villanos de Disney: Gastón de La Bella y la Bestia, Jafar en Aladdin y Scar en El Rey León. También animó a Roger Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, el Rey Tritón de La sirenita), el personaje principal en Hércules, Lilo en Lilo y Stitch, y a la Reina Narissa enEncantada. Además, actualmente es el responsable de la animación de Mickey Mouse.

En el 2006, en la entrega 35th Annie Awards, Deja fue galardonado con el premio Winsor McCay Award por su destacada contribución al arte de la 4 animación.

El 2 de Febrero del 2010 Andreas apareció en un programa para niños de la BBC llamado Blue Peter para promocionar la película La Princesa y el Sapo en el Reino Unido. Allí relató como inventó la mirada para el personaje de Mamá Odie, y como los ojos son claves en el diseño de animación mostrando como los ojos de Jafar dicen que él es "hasta el resultado fue negativo ". Andreas últimamente trabajó animando a Tigger en la película de 2011 de "Winnie the Pooh".

Deja creó un blog donde comparte algo de su colección sobre el trabajo de los Nueve Ancianos

Hayao Miyazaki Hayao Miyazaki (宮崎駿?) es un director de cine de animación, ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Cofundador de Studio Ghibli y director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Su retirada como director de proyectos de animación en Ghibli fue anunciada el 1 de septiembre de 2013 a través de un comunicado remitido por el presidente de la compañía, Koji Hoshino.

Con el tiempo se convirtió en secretario en jefe del sindicato, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli.

Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli.

La mayor parte de su obra ha estado enfocada en los niños. En ella trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o aborda temas complejos como el hombre y la naturaleza, el individualismo, la responsabilidad, lo que le ha valido el reconocimiento público de Occidente y el de los especialistas.

Nausicaä del valle del viento es considerada la primera película del Studio Ghibli. Supuso su primer gran éxito en Japón y la creación de dicho estudio.

La princesa Mononoke le representó un gran reconocimiento internacional debido a que fue una de las primeras películas de su estudio que se lanzaba al mundo. Obras anteriores a esta, como Mi vecino Totoro, Kiki, entregas a domicilio o Porco Rosso, alcanzaron cierto interés internacional.

El viaje de Chihiro recibió el Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Óscar a la mejor cinta animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

El castillo ambulante fue nominada al Óscar 2005 como mejor película animada.

Con Ponyo en el acantilado, vuelve a obtener el reconocimiento de la crítica y entra entre los veinte candidatos a los Premios Óscar 2009 en la categoría Mejor película de animación.

Juan Pablo Zaramella Juan Pablo Zaramella (7 de abril de 1972, Buenos Aires, Argentina).

Animador independiente argentino.

Habiendo empezado a dibujar a los 3 años, estudió dibujo desde los 8. A los 24 egresa del Instituto de Cine de Avellaneda como Director de Cine Animado, empieza su carrera profesional haciendo cortos que dirige, guiona y anima. En paralelo, comienza a trabajar en el mundo de la publicidad, donde dirige comerciales para conocidas marcas internacionales. En 1998 comienza a colaborar como ilustrador e infografista en el diario Clarín, donde obtiene numerosos premios, entre los que se cuentan Society of News Design (SND) y Malofiej (España). En 2005 deja Clarín para dedicarse de lleno a su carrera como director.

Todos sus cortos independientes fueron premiados y recorrieron el mundo. En Argentina, sus películas han obtenido por dos años consecutivos el premio al Mejor Corto del Año que otorga el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), y en tres oportunidades obtuvo el Cóndor de Plata al Mejor Cortometraje (2004, 2005 y 2012) otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina.

En 2010, el Festival Internacional de Animación de Annecy presentó una retrospectiva con sus trabajos. Ese mismo año es convocado como jurado del festival, junto al animador Nick Park (Wallace & Gromit) y el ilustrador Peter DeSéve (Ice Age).

Su último cortometraje "Luminaris", ha ganado más de 150 premios internacionales, incluyendo el Premio del Público y el Premio Fipresci de la Crítica internacional en Annecy 2011, y fue preseleccionado al Oscar en la categoría Mejor Corto Animado.

Actualente, Zaramella está desarrollando una serie llamada "El Hombre más Chiquito del Mundo", que consiste en 26 episodios de 1 minuto cada uno.

John Lasseter John A. Lasseter (nacido el 12 de enero de 1957 en Hollywood (Los Ángeles), California) es un animador y director de cine estadounidense, y el Director Creativo de los estudios Pixar Animation Studios, Walt Disney Animation Studios y DisneyToon Animation Studios y ejerce un puesto como Asesor Creativo en Walt Disney Imagineering.

Es miembro fundador de Pixar, donde supervisa todas las películas que produce este estudio de animación como productor ejecutivo.

Además ha dirigido Toy Story, Bichos, Toy Story 2, Cars y Cars 2.

Tiene dos Oscar de la Academia de Hollywood en su haber, uno al mejor corto de animación (por Tin Toy) y otro por Toy Story. [1] Lasseter empezó a trabajar en animación en los estudios Disney y, posteriormente, en la Industrial Light and Magic de George Lucas, donde se creó y posteriormente se escindió Pixar. Actualmente ha vuelto a trabajar en Disney como el director creativo de la compañía, debido al acuerdo suscrito tras la compra de Pixar por el gigante de la animación tradicional, llevado a cabo en abril de 2006. Lasseter compatibiliza sus dos trabajos de director creativo con el de asesor creativo para Walt Disney Imagineering, donde ayuda a diseñar atracciones para los parques temáticos que Disney tiene repartidos por el mundo, reportando directamente a Bob Iger, director de Disney, evitando a los mandos intermedios.

Lasseter se graduó en el California Institute of the Arts, donde conoció a su futuro colega, Brad Bird. Su primer trabajo en Disney fue como capitán de la atracción Crucero de la Jungla de Disneylandia en Anaheim.

Yuri Norshtéin Animador ruso, conocido sobre todo por su mediometraje El cuento de los cuentos, considerado una obra maestra de la animación soviética.

Antes de estudiar animación en la productora Soyuzmultfilm, trabajó en una fábrica de muebles. Cuando terminó el curso, pasó a formar parte de la productora, en 1961. Trabajó como director artístico de varias películas, como ¿Quién dijo miau? (1962), El cocodrilo verde y El zurdo.

Su primera película como director fue El día 25, el primer día (1968), en la que compartía los créditos como director con Arkadii Tyurin. La película era una conmemoración de la Revolución de Octubre, en la que se utilizaban obras de los artistas soviéticos revolucionarios Petrov-Vodkin y Nathan Altman.

Su siguiente película fue La batalla de Kerzhents (1971), codirigida con Ivan Ivanov-Vano, a cuyas órdenes Norshteyn ya había trabajado anteriormente. La película trata de la resistencia de los rusos ante la invasión tártara, y en ella utiliza varias imágenes medievales (frescos, miniaturas, iconos, etc). Fue un éxito internacional, y obtuvo el máximo galardón del Festival de Zagreb de 1972.

Durante los años setenta, continuó trabajando como animador en varias películas, como El zorro y la liebre (1973), La garza y la grulla (1974) y Erizo en la niebla (1975). Su obra más reconocida, sin embargo, llegó en 1979: El cuento de los cuentos. Esta película, de 27 minutos de duración, no tiene un argumento convencional, sino que se basa en asociaciones mentales.

Para sus películas de animación, Norshteyn utilizó una técnica especial, consistente en emplear varias láminas de vidrio para dar un aspecto tridimensional.

Nunca ha querido utilizar ordenadores en su obra.

Durante muchos años ha colaborado con su esposa, la artista Franchesca Yarbusova, y con el cineasta Alexandr Zhukovsky.

Obtuvo varios premios en los años setenta y comienzos de los ochenta. Sin embargo, en 1985 fue despedido de Soyuzmultfilm por trabajar demasiado lentamente en su última película, aún no terminada, que será presumiblemente un largometraje basado en la obra de Gogol El abrigo. Cuando fue despedido, después de dos años de trabajo, había logrado terminar diez minutos de película.

En abril de 1993, Norshtéin y otros tres destacados animadores rusos fundaron la Escuela y Estudio de Animación (SHAR Studio) en Rusia. Actualmente, Norshtéin trabaja aún en El abrigo, proyecto que ha tenido varios problemas financieros.

Matt Groening Matthew Abram Groening (n. 15 de febrero de 1954, Portland, Oregón) es un dibujante, productor de televisión y escritorestadounidense, principalmente reconocido por ser el creador de Los Simpson. Es también el creador de Futurama y el autor de la tira cómica semanal La vida en el Infierno.

Groening publicaba La vida en el Infierno en el semanario de Licorice Pizza, una tienda en la cual trabajaba.

Hizo su primera venta como caricaturista profesional a la revista Wet en 1978. La tira todavía se publica en 250 periódicos semanales.

La vida en el Infierno atrajo la atención de James L. Brooks. En 1985, éste contactó a Groening con el propósito de trabajar en un proyecto de animación para el programa de la cadena FOX The Tracey Ullman Show. Originalmente, Brooks quería que Groening adaptase a sus personajes de La vida en el Infierno para el programa. Temiendo perder sus derechos de autor, Groening decidió idear algo nuevo y creó a una familia animada, los Simpson, 4 nombrando a sus miembros como sus propios padres y hermanas, mientras que Bart es un anagrama de brat, que significa mocoso. Los cortos se convertirían en una serie: Los Simpson, la cual desde entonces ha producido más de 508 episodios en 23 temporadas. En 1997, Groening se asoció con David X. Cohen y creóFuturama, una serie animada sobre la vida en el año 3000, la cual se estrenó en 1999. Luego de cuatro años en el aire, el programa fue cancelado por Fox en 2003, pero Comedy Central encargó 16 episodios nuevos para realizar cuatro películas en DVD, las cuales fueron lanzadas a la venta en 2008.

Groening ha ganado doce Premios Primetime Emmy, diez por Los Simpson y dos por Futurama, además de un premio British Comedy en la categoría "Trabajo Destacado en Comedia" en 2004. En 2002, ganó el premio Reuben de la National Cartoonist Society por su trabajo en La vida en el Infierno.

Mike Judge Michael Craig Judge Torres (Guayaquil, Ecuador, 17 de octubre de 1962) es un productor, animador, y actor Ecuatoriano y nacionalizado estadounidense. Es el creador de las series de televisión Beavis & Butt-head King of the Hill y Shrek Forever After (El rey de la colina).

También dirigió el film Office Space, el cual estaba basado en la serie animada de Milton que él mismo creó para elSaturday Night Live.

En el rey de la colina, Judge hace la voz de Hank Hill y Boomhauer.

En 1991, el cortometraje "Office Space" (también conocido con "Milton") fue tomado por Comedy Central durante un festival de animación en Dallas.

En 1997, Judge dejó MTV para crear King of the Hill (El Rey de La Colina) para la Fox. Muchos de los personajes del show son basados en personas que Judge conoció mientras vivía en Texas. Judge continuo haciendo voces para sus personajes, tanto para Hank Hill comoBoomhauer.

En 1999, Judge escribió y dirigió la película de humor Office Space, que fue basado en parte en la serie de animación Milton que creo para Saturday Night Live. En la película, hace una corta aparición como Stan, el manager de Chotchkie (con peluca y un bigote falso). La película, creada con un presupuesto de diez millones de dólares, consiguió solo diez millones ochocientos mil al salir. Office Space se ha convertido en un clásico de culto, produciendo millones en ventas en DVD. Desde el otoño de 2003, Judge ha manejado un exitoso festival de animación, junto con el animador Don Hertzfeldt, llamado "The Animation Show (El show de animación)". "The Animation Show" viaja por el país cada año, mostrando cortos animados principalmente de animadores independientes.

La última película de Judge, Idiocracy, es una comedia con Luke Wilson y Maya Rudolph, tuvo un pobre lanzamiento en Septiembre del 2006, dos años después de ser dejada de lado por la 20th Century Fox. Fue titulada en algunos teatros como Untitled Mike Judge Comedy (la comedia sin título de Mike Judge). El filme fue lanzado sin un trailer o publicidad sobresaliente.

Nació en Guayaquil pero fue criado en los Estados Unidos, en la actualidad tiene familias en Estados Unidos y Ecuador.

Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época. Estos 12 pincipios ayudaron a que el oficio de la animación pasara de ser algo novedoso a ser una forma de arte. Fueron aplicados inicialmente a los clásicos animados de Disney, como Blancanieves, en 1937, Pinocho y Fantasía, en el 40, Dumbo, en el 41 y Bambi, en 1942.

Estos principios hoy siguen funcionando, ayudan a crear personajes y situaciones más creíbles, proporcionan sensación de realidad. Para 3D estos principios se han tenido que reinterpretar y expandir, incluso se han tenido que añadir algunos principios adicionales que den soporte a los nuevos estilos y técnicas utilizados en la animación. Esto es poeque en los años 30, el estilo dominante era la animación narrativa cartoon pose a pose. Durante este tiempo, las técnicas y los estilos de la animación han cambiado enormemente.

Los 12 principios han evolucionado para adaptarse a la animación 3d:

-ENCOGER Y (Squash and Strech)

ESTIRAR

La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más drámatico. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.

-ANTICIPACIÓN (Anticipation) Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí misma y la reacción (recuperación, término de la acción).

-PUESTA EN ESCENA (Staging) Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes.

Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción – reacción, son dos ejemplos.

-ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose) Éstas son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluír una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.

La acción directa se distingue por la fluidez del movimiento, proporciona un look fresco, suelto y desenfadado. Influye la creatividad.

En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial, es una animación más controlada que viene determinada por el número de poses y las poses intermedias.

Se pueden mezclar estas dos técnicas.}

-ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA through and overlapping action)

(Follow

Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movimiento continúa hasta finalizar su curso.

En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje.

En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje.

En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.

-FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out) Acelerar el centro de la acción mientras que se hacen más lentos el principio y el final de la misma.

-ARCOS (Arcs) Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

-ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action) Pequeños movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal.

-SENTIDO DEL TIEMPO (Timing)

Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos.

Aquí se define también el peso del modelo y la sensaciones de escalas y tamaños.

-EXAGERACIÓN (Exageration) Acentuar una acción. La hace más creíble.

-MODELADOS SÓLIDOS

Y

ESQUELETOS

Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.

-PERSONALIDAD (Acting) Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos.

PERFIL PSICOLÓGICO GABRIEL

ANTECEDENTES Nadie sabe exactamente cuándo nació, ni qué edad tiene, solo se sabe pocas cosas de él, se sabe que vivió mucho tiempo dentro de un hospital de tuberculosos al rededor de los 80's, y que se le vincula con la serie de desollamientos y torturas que sufrieron los directivos del hospital algunos días después de que éste cerrara.

Algunos que lo conocieron aseguran que el no era una mala persona, pero que el hecho de que fuera resultado de una violación extremadamente agresiva, haber sido abandonado por su madre despues de su nacimiento, y la pedofilia y sadísmo de algunos doctores en el hospital, fue lo que lo mandó al psiquiátrico en el cuál comenzó su carrera de asesino.

MARCO PSICOLÓGICO Gabriel sufre de piromanía y esquizofrenia paranoide, lo cual lo hace muy violento y disperso. Sufre de alucinaciones y delirios de persecución. En sus asesinatos no sigue un patrón, incluso su modus operandi es casi azaroso.

Ha sido vinculado a casos que van desde el robo de artículos para el hogar como trapeadores, etc., hasta los casos más grotescos de violación, tortura, desollamiento y desmembramiento.

MIEDOS Y DISGUSTOS Le tiene miedo a los payasos, a los doctores o cualquier persona que use bata, le tiene miedo a los pericos y guacamayos, es claustrofóbico, le molestan los vestidos grandes y largos, le molesta viajar en autobús e ir sentado en el lado de la ventana.

Detesta que las cosas sean más grandes de lo que deberían ser, por ejemplo los puestos de helado en forma de cono de helado, y detesta las cosas pequeñas, por ejemple los insectos.

Le aterra no poder dormir, le aterra el agua, detesta con todo su ser los peinados ridículos o muy elaborados tanto en mujeres como en hombres.

GUSTOS Es fanático de los libros, le gusta la comida mexicana, andar en bicicleta, acariciar perros y patear gatos, ama dormir . . . AMA dormir, le gusta caminar, le gusta pintar, adora el fuego, prácticamente no sale si no lleva un encendedor con él, le gustan los cuchillos, le gusta fumar y beber café, le gusta jugar con aves muertas, que se llega a encontrar en la calle, como si fuera un niño y su juguete, le gusta oler el cabello de las mujeres y observar las orejas de lo hombres, le gusta el color rojo, el color negro, el color azul y el color blanco, le gusta usar pantalones de mezclilla, alguna camiseta y una chamarra una camisa, ADORA EL SARCÁSMO Y LA SÁTIRA!!

PRECAUCIÓN Gabriel nunca ha podido controlarse, pierde muy rápido la cordura, y es capaz de toda clase de conducta violenta y perjudicial.

No se llevará bien con nadie, a menos que sea en una relacion de verdugo-victima ó que la otra persona muestra conductas destructivas

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