ALTERNA
LIM
Una publicación de UVK MULTICINES
DI S T R IB UCI ÓN G RAT UI TA - P RO HI B I D A S U V E N TA
Año 1 N° 1
ENTREVISTA A
MICHAEL HANEKE
Y SU “AMOUR” AL ARTE
ESPECIAL
VI EDICIÓN FESTIVAL
AL ESTE DE LIMA FESTIVAL
LIMA INDEPENDIENTE
Pawel Pawlikowski
Un jurado ‘dorado’ en el Festival AL ESTE DE LIMA
CLIMAS De ENRICA PEREZ
Una Producción de SEXTO SENTIDO y BURNING BLUE
ESTRENO: 4 JUNIO
UVK MULTICINES
CLAUDIA RUIZ DEL CASTILLO | FIORELLA DE FERRARI | JORGE ARMAS | RAFAEL NOVOA | PEDRO MOSQUERA |ELISABET TRIGOSO |MARISELA PUICÓN | RENATO GIANOLI | SOFÍA RABATA
Dirección de Fotografía
Guión Dirección ARAUCO HERNÁNDEZ Dirección ENRICA PEREZ de Arte EDUARDO CAMINO de Sonido OMAR PAREJA Música Dirigida Producida ENRICA PEREZ por ENID “PINKY” CAMPOS Digital PAUCHI SASAKI po
BLUE
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LIMALTERNA | EDITORIAL
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3 | EDITORIAL 4 I NOTICIAS INTERNACIONALES 6 I ENTREVISTA A MICHAEL HANEKE 10 I ESPECIAL: VI EDICIÓN FESTIVAL AL ESTE DE LIMA 12 | ZOOM: PAWEL PAWLIKOWSKI 16 I FESTIVALES: LIMA INDEPENDIENTE 18 I CLÁSICO DEL MES: DEKALOG 20 I ESTRENOS 22 I CRÍTICA DIRECCIÓN GENERAL Gianella Bellido Peña Marlon Alvarez DIRECTOR EDITORIAL Marlon Alvarez EDITOR GENERAL Gianella Bellido Peña TODAS LAS IMÁGENES SON PROPIEDAD DE LAS CASAS PRODUCTORAS Y SU USO EN ESTA PUBICACIÓN SON CON FINES INFORMATIVOS Y PROMOCIONALES.
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El festival que trae lo mejor del cine de Europa Central y Oriental llegó a su VI Edición y esta vez trajo como invitado y jurado especial a un ganador del Óscar, el polaco Pawel Pawlikowski Lima, sábado 30 de mayo 2015
H
oy se cerró la VI Edición del Festival de Cine de Europa Central y Oriental Al Este de Lima. En la ceremonia de clausura, en la Fundación Telefónica, el jurado, encabezado por el ganador del Óscar, Pawel Pawlikowski; el crítico de cine peruano, Ricardo Bedoya; la directora, Enrica Pérez; y la actriz, Vanessa Saba, eligió a la película polaca Cuerpo como la ganadora de la Sección Competitiva. El trofeo del festival se le hizo entrega a la Embajadora de Polonia en el Perú. Asimismo, la directora polaca de la película ganadora, Malgorzata Szumowska, tuvo unas palabras de agradecimiento hacia el festival y fue invitada para la próxima edición (la séptima) del siguiente año. Cabe recordar que el año pasado, en la Sección Competitiva de la V Edición, Pawel Pawlikowski ganó el premio del festival con la película Ida, razón por la cual fue invitado para esta edición. La película Corn Island tuvo una mención honrosa. Esta VI edición nos dio un buen respiro a la taquilla convencional de las salas limeñas durante los diez días de duración. Nos trajo la retrospectiva de la recientemente fallecida directora checa, Vera Chytilová; la restrospectiva del invitado de honor, Pawel Pawlikowski; la Sección Competitiva con las mejores películas europeas del 2013 y 2014; las Secciones Fokus, que tienen un carácter documental, el primero sobre la Caída del Muro, y el segundo sobre la Guerra en Ucrania; una Sección Experimental con proyecciones tipo concierto; grandes obras maestras como el Decálogo, o la recientemente nominada al Óscar, Leviathan; incluso proyectaron, subtitulada al inglés, la gran obra de Francisco Lombardi, La ciudad y los perros, la cual fue el preludio a un conversatorio entre el cineasta peruano y Pawel Pawlikowski. Fueron diez días de un buen cine de autor que poco se ve en la taquilla local. Esperamos con ansias la VII Edición.
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NOTICIAS INTERNACIONALES
Documental ganador de Sundance
El documetal Cartel Land (Tierra de Cárteles), autoría de Matthew Heineman y producido por Kathryn Bigelow, primera mujer en llevarse el Oscar a mejor dirección, obtuvo los premios a Mejor Director y Mejor Fotografia en el Festival de Sundance 2015. El filme, aborda la existencia de carteles en el país y el movimiento de autodefensa en Michoacán, encabezado por el Dr. José Mireles, en contra de varios carteles como Los Caballeros Templarios, comandados por “La Tuta”, Servando Gómez Martínes. Además el documental abarca un caso desde la frontera norte, donde un veterano de guerra, Tim Foley, lucha enArizona para evitar que los carteles de droga lleguen a Estados Unidos.
Kenneth Müller, director guatemalteco de la cinta ‘12 segundos’ en el DF.
Netflix premia al cine mexicano La primera edición del Premio Netflix México ha galardonado a las películas 12 segundos del director guatemalteco Kenneth Müller y a Todo mundo tiene a alguien menos yo del mexicano Raúl Fuentes. La primera ha sido elegida por la votación de más de 9.800 internautas y la segunda por un jurado. El premio consiste en un año de distribución en la cibercadena mundial, es decir, que los filmes estarán disponibles para más de 57 millones de subscriptores en 50 países. El premio busca apoyar el cine independiente mexicano por lo que las películas debían ser nacionales, realizadas por directores formados en México y rodadas en el país. Müller llegó al país azteca hace diez años para estudiar la carrera de cine en la escuela Digital Design University en el Estado de Jalisco, al noroeste del país. El cine no estaba en sus planes de vida. De niño tocaba al piano y sus ojos estaban puestos en la prestigiosa escuela neoyorquina Juilliard, pero con 15 años se enamoró tanto de una chica que prefirió quedarse en Guatemala. Tres años después, cuando estudiaba ingeniería electrónica, terminó con su novia y poco después la mataron de un balazo en la cabeza. Estaba de luto y perdido. Por recomendaciones decidió viajar al país vecino. “No sabía ni lo que era el cine, pero me fui. Ahí me di cuenta de que me encantaba. Al final la chica que me había sacado del arte me volvió a meter”, cuenta con sinceridad y con un acento mexicanizado, pero con destellos de su país de origen.
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Fuentes estudió cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional (UNAM). Y fue ahí, en su alma mater, la primera vez que su película, ahora galardonada, fue aplaudida y premiada. Entró a un concurso para egresados donde la cinta que saliera seleccionada sería producida por la universidad. El filme ha participado, según recuerda el director, en 60 festivales por todo el mundo y ha sido nominada a cuatro Arieles, el máximo premio otorgado por la Academia Mexicana de Artes. “No me esperaba el premio de Netflix. Pensar que tu película va a estar en una plataforma que se ve alrededor del mundo, y llegará a gente que antes no habrían tenido acceso a ella es una enorme alegría”, cuenta el mexicano. En ambas películas las protagonistas son mujeres que, de cierta forma, se enfrentan a ellas mismas. 12 segundos (2013) es un thriller donde Selma, una joven dedicada a su trabajo, se ve comprometida a buscar a su jefe tras una extraña desaparición. Por lo que tiene que viajar a la montaña donde deberá aprender a enfrentar sus temores para sobrevivir. Todo el mundo tiene a alguien menos yo (2012) es la historia de Alejandra, una mujer treintona que conoce a María, una chica de 18 años. Se enamoran pero Alejandra, una persona sumamente aprensiva, quiere transformar a María en un espejo de ella misma.
Raúl Fuentes, director de cine mexicano.
El Zinemaldia espera contar otra vez con un presupuesto de 7,4 millones El Festival de Cine de San Sebastián espera tener este año un presupuesto similar al de la pasada edición, que fue de 7,4 millones. El director de la cita, José Luis Rebordinos, ha explicado esta mañana que el certamen, que todavía no ha cerrado sus cuentas, está cerca de alcanzar dicha cantidad y si los patrocinios durante los años fuertes de la crisis no se cerraban hasta mayo o junio, en esta ocasión algunos de esos acuerdos ya se firmaron a finales del año pasado. Precisamente, Rebordinos ha presentado esta mañana la renovación del acuerdo con Gas Natural Fenosa, uno de los principales patrocinadores del Zinemaldia. Rebordinos ha precisado que "en este sentido estamos un poco más tranquilos", en referencia al cierre del presupuesto, y al objetivo de alcanzar una cifra similar a la del año pasado, y si bien las cuantías que aportan las empresas no han aumentado de forma significativa, excepto algún caso, "da la impresión de que hay cierta estabilidad". De los 7,4 millones con los que contó la cita el año pasado, el 52% procedieron de aportaciones públicas, mientras que el resto fueron cubiertos por los patrocinios y los ingresos de taquilla, que suponen unos 600.000 euros. La empresa ha presentado la segunda edición de Cinergía, la iniciativa con la que a través de cortos dirigidos y protagonizados por grandes nombres del cine español busca concienciar a la ciudadanía de la importancia del ahorro y la eficiencia energética. Si el año pasado los trabajos pretendían conseguir su objetivo con historias de terror, este año el humor ha sido el género elegido. La iniciativa contará con la colaboración de los realizadores Isabel Coixet, Santiago Segura y Paco León, que grabarán un corto cada uno, mientras que el cuatro trabajo será el resultado del concurso Talento Cinergia convocado para que estudiantes de cine y comunicación audiovisual tengan la oportunidad de participar en la experiencia. El plazo para presentar propuestas termina el próximo 28 de junio. El ganador contará con el equipo técnico de El Terrat para producir y rodar su corto, además de con el apoyo de José Coronado. Los cuatro cortos se proyectarán en cines.
Buenafuente, Rebordinos, García Tabernero y León, este miércoles en San Sebastián minutos antes de la presentación de la iniciativa Cinergia. 5 | LIMALTERNA | MAYO-JUNIO 2015
De ‘punks’ y violencia neonazi: así es el otro Cannes
Es como una de zombies, pero con cabezas rapadas y una inteligente aproximación a la violencia en el cine. Jeremy Saulnier acaba de dejar sin respiración a los espectadores de la Quincena de realizadores de Cannes y no es la primera vez que lo hace. Con Green Room, ha logrado que un buen grupo de gente bregada en ver toda clase de propuestas gritara como adolescentes en un autocine. La película que ha traído una experiencia cinematográfica real al imperio del postureo fílmico muestra a una banda de punk sin mucha suerte, a la que sale un bolo en medio de la nada. Su público resulta ser un puñado de neonazis y sus perros rabiosos y, cuando los músicos se convierten en testigos inconvenientes de un hecho inesperado, la cosa se pone fea. Pero que muy muy fea. Es como una de zombies, pero con cabezas rapadas y una inteligente aproximación a la violencia en el cine. En 2007 Saulnier había debutado tras la cámara con Murder Party, una cinta de terror irónico que, al igual que Scream (1996), homenajea a John Carpenter. Solo que esta vez las víctimas son un puñado de hipsters de Williamsburg. El cineasta, que vive y rueda en el barrio desde mucho antes de que se pusiera y pasara de moda, recibió buenas críticas por su primer trabajo, pero no el empujón definitivo en su carrera. Ahora que regresa a la Croisette con su nuevo trabajo, los asistentes al certamen han estado atentos a lo que el estadounidense tenía que ofrecer. Y no se han decepcionado, contagiados por el entusiasmo genuino que hay en su forma de hacer cine. “He esperado toda mi carrera a que alguien influyente pusiera el sello de aprobación a lo que hago para que las puertas se abrieran. Por vez primera tengo varias ofertas en la mesa y puedo decidir el siguiente paso a tomar”, celebra Saulnier.
Patrick Stewart en Green Room
LIMALTERNA | ENTREVISTA
“Mis películas
las creo porque estoy afectado por una situación, por algo que me obliga a reflexionar, que se presta a una reflexión artística” 6 | LIMALTERNA | MAYO-JUNIO 2015
MICHAEL HANEKE
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Durante los últimos 25 años el austríaco Michael Haneke se ha convertido en uno de los directores más importantes de la historia del cine. Desde sus primeros trabajos hasta “Amor”, por la que recibió el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, Haneke ha creado un estilo propio muy cercano a la realidad, revelador de nuestros miedos, de nuestros secretos y tabúes. Por “Amor”, una película que nos habla del amor, del final de la vida y del miedo a la muerte, le han concedido algunos de esos premios. La ceremonia de los Oscar tuvo lugar hace unos meses. ¿Cómo se explica que una película que no corresponde a la corriente principal, porque trata asuntos que todo el mundo intenta evitar, consiguió tener tanto éxito? Creo que tuvo que ver con el momento en el que salió la película. Siempre digo que si la hubiese hecho hace diez años no hubiese tenido el mismo éxito. En los últimos años los medios de comunicación han hablado mucho de estos temas atrayendo la atención del público. Son temas sobre los que hay que hablar. Pero también fue un golpe de suerte ya que, al principio, tanto yo como mis productores, cuando les dije la película que quería hacer, pensamos que sería como veneno para la taquilla. Pensamos que sería mejor no hacerla. Pero como me interesaba, porque debía hacer frente a una situación parecida en mi vida privada, insistí, quería hacerla, y, al final, todo el mundo aceptó.
Sus películas son amadas y temidas ya que confrontan a las personas con sus miedos y secretos. La violencia es un tema importante, la violencia física y psíquica. ¿Usted entiende que ir a verlas, para algunas personas, es como una tortura? Nadie está obligado a ir al cine. Suele decirse eso sobre mi película “Funny Games” que fue concebida como una provocación para enseñar a la gente a lo que se expone cuando ve una película violenta. Ya que normalmente en el cine, digamos más comercial, la violencia es tratada como un bien de consumo. Nos sentamos en el cine, vemos la película pero sentimos que no nos concierne, que es solo una película. Y eso es algo que me enfada un poco, por eso reaccioné y quise mostrar al espectador que, de alguna manera, también es cómplice.
“Nadie está obligado a ir al cine”
Usted es austríaco pero nació en Münich y creció en Viena donde sigue viviendo. Ha trabajado en Alemania y no para de hacer películas francesas con actores franceses y en francés. ¿Por qué? Usted, ¿de dónde se siente? Mi casa es allí donde me dejan trabajar. Es más fácil hacer
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LIMALTERNA | ENTREVISTA películas en Francia, películas “exigentes” quiero decir, no cine comercial, y para ello es más fácil encontrar dinero en Francia. Además, hay actores excelentes. Esto no quiere decir que en Alemania no haya buenos actores. Que yo haya podido hacer una película en Francia fue gracias al hecho de que Juliette Binoche vió mis películas austríacas y me llamó para preguntarme si podríamos hacer algo juntos. Me sorprendió mucho y pensé que alguien me estaba gastando una broma. Y entonces hicimos una película y después se presentaron otras ocasiones. Ahora tengo muchos amigos en Francia, me gusta trabajar allí pero esto no quiere decir que no siga trabajando en Alemania o en Austria. Todo depende de la historia que queremos contar. Cuando buscamos su nombre en internet encontramos comentarios muy divertidos sobre usted en las redes sociales. Sobre todo una parodia de un periodista gran admirador suyo. Su cuenta en twitter fue cerrada, llegó a tener 20.000 seguidores. Esto le hace reir pero a usted no le gustan mucho las redes sociales, ¿por qué? Yo no he dicho eso. Me río porque no lo sabía, me lo contaron unos estudiantes. Cuando lo ví me hizo mucha gracia, eso es todo. No es cierto que no me gusten las redes sociales, al contrario, mi nueva película, en la que estoy trabajando ahora, habla un poco de este asunto. Pero la verdad no las utilizo demasiado. No tengo mucho
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tiempo para ello. Justamente, ¿cuál es su próximo proyecto? ¿Nos puede contar algo? No le puedo contar mucho, lo hice en otras ocasiones y al final tuve que rectificar y pedir perdón porque la película hablaba finalmente de otra cosa totalmente diferente de lo que yo había dicho. Por ello me juré que no lo volvería a hacer. Hoy en día muchos directores estadounidenses conocidos dejan de hacer cine para rodar series de televisión. Usted mismo viene de la televisión, dígame, ¿para usted es una posibilidad de futuro? Si el cine comercial sigue siendo tan estúpido, es normal que la gente que tiene ambiciones más intelectuales intente encontrar un nicho de oportunidad. Nadie hubiese pensado hace diez años que la televisión viviría un renacimiento semejante basado en la frustración de los directores de cine más intelectuales estadounidenses que eligen hacer series. Creo que es maravilloso que lo hagan. Además cuentan historias realmente inteligentes que no podemos encontrar en el cine estadounidense. Así que ¿por qué no? ¿Cuál será el resultado? Nadie lo puede decir, sino, también podríamos haber predicho lo que está pasando ahora. Mientras me dejen, seguiré trabajando, trabajaré mientras siga teniendo ideas. Puede que un día deje de tenerlas. Pero mientras esto funcione y la gente siga queriendo ver mis películas, no tengo ninguna razón para dejar de hacerlas.
ESPECIAL
La VI Edición del Festival de Cine de Europa Central y Oriental “Al Este de Lima” trajo consigo lo mejor del cine de esta parte del viejo continente realizado entre el 2013 y el 2014, y a un ganador del Óscar, convirtiéndose en el primer festival peruano en lograrlo.
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ima (Perú). Del 20 al 30 de mayo se realizó el reconocido Festival de películas de Europa Central y Oriental Al Este de Lima, que llegó a su sexta edición. En diversas salas de cine y centros culturales del país
se proyectaron decenas de películas con lo mejor de la cinematografía de esta región del mundo, premiadas en los festivales más importantes como Sundance, Cannes o Berlín, y que han ganado importantes premios como el Oscar, Oso de Oro, Palma de Oro, entre muchos otros. Son películas que no llegan a nuestra cartelera habitual y marcan una fiesta del cine independiente en nuestra ciudad. El presidente del jurado invitado para esta edición fue el polaco Pawel Pawlikowski, director de la película ‘Ida’, recientemente galardonada con el Oscar a Mejor Película Extranjera, y ganadora de decenas de premios, entre ellos el BAFTA, Goya, Independent Spirit Award, Premio del Cine Europeo, entre otros. Esta edición contará con diez películas en competencia, originarias de Austria, Eslovenia, Hungría, Kasajistán, Letonia, Polonia, República Checa, Rumania y Rusia.
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LIMALTERNA | ESPECIAL
Sección
Competitiva
Cialo (2014) - Ganadora
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e dedicó una retrospectiva a la recientemente fallecida directora checa Vera Chytilová, que marcó un hito en la filmografía del Este Europeo. De la misma manera, se disfrutó de otra retrospectiva, esta vez del invitado de honor, de la obra de Pawel Pawlikowski. También Lima pudo disfrutar de una selección de 7 cortos que compitieron en el Festival de Künstendorf, en Serbia (dirigido por Emir Kusturica), destacando el corto ‘Aferim’ de Radu Jude, ganador del Oso de Plata del Festival de Berlín a Mejor Director.
AVENTURA Priklyuchenie Drama/ NarimanTurebayev/ Kasajistán/ 2014/ 81’ EL ENEMIGO DE LA CLASE Razredni sovražnik Drama/ Rock Bicek/ Eslovenia/ 2014/ 112’ EL SEGUNDO JUEGO Al doilea joc Deporte/ Corneliu Porumbioiu/ Rumania/ 2014/ 97’ LA FÁBRICA DE LA ESPERANZA Kombinat ‘Nadezhda’ Drama/ Natalya Meshchaninova/ Rusia/ 2014/ 102’ LA ISLA DEL MAÍZ Simindis kundzuli Drama/ George Ovashvili/ República Checa/ 2014/ 100’ LA PUERTA DE SALIDA Cesta Ven Drama/ PetrVáclav/ República Checa/ 2014/ 103’ PEQUEÑOS GOLPES Male Stuczki Drama/ Aleksandra Gowin/ Polonia/ 2014/ 78’
Dentro de la sección ‘Fokus’, se dedicó un lugar especial al proyecto ‘Off the wall’, promovido por la Unión Europea, que presenta en diferentes festivales la cinematografía desarrollada en el Este y Centro Europeo después de la caída del muro de Berlín. El segundo ‘Fokus’ se centró en Ucrania, con la presentación de dos documentales realizados durante los primeros años de conflicto de lo que fue la Guerra Al Este de Ucrania.
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CUERPO Cialo Comedia | Malgorzata Szumowska | Polonia | 2015 | 90’ SUPERMUNDO Superwelt Drama/ Karl Markovics/ Austria/ 2015/ 120’ VICTORIA Viktoria Drama/ Maya Vitkova/ Rumania/ Bulgaria/ 2014/ 155’
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Una mirada a la trayectoria del ganador del Óscar
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Pawlikows 12 | LIMALTERNA | MAYO-JUNIO 2015
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El ganador del Óscar fue el invitado especial de la VI Edición del Festival Al Este de Lima. Junto con Ricardo Bedoya, Vanessa Saba y Enrica Pérez, integró un jurado de lujo para elegir a la ‘Mejor Película’ de la ‘Sección Competitiva’ del Festival. Te contamos un poco de su trayectoria:
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awel Pawlikowski Aleksander (15 de septiembre 1957) es un director de cine polaco-británico que ha vivido y trabajado la mayor parte de su vida en el Reino Unido. Su último filme, Ida (2013) ganó el Óscar a Mejor Película Extranjera este año. A finales de los años 1980 y 1990, Pawlikowski fue mejor conocido por sus documentales, en los cuales, mezclando lirismo e ironía, ganó muchos fans y premios en todo el mundo.
La transición de Pawlikowski a la ficción se produjo en 1998 con un pequeño Twockers película híbrida de 50 minutos, una historia de amor lírico situada en una finca de lavabo en Yorkshire, que él co-escribió y co-dirigió con Ian Duncan. En 2001 escribió y dirigió Last Resort (2000) con Dina Korzun y Paddy Considine, que ganó un BAFTA, el premio Michael Powell a la mejor película británica en Edimburgo y muchos otros premios. Años después, escribió y dirigió My Summer of Love (2004) con Emily Blunt y Natalie Press, que ganó un BAFTA, el premio Michael Powell a la mejor película británica y muchos otros premios.
Dostoevsky’s Travels (1991) El multi-premiado Dostoevsky’s Travels (1991) es una road movie tragicomedia en la que, un conductor de tranvía en San Petersburgo, único descendiente vivo de Fyodor Dostoevsky, viaja alrededor de Europa Occidental encantando humanistas magnánimos, aristócratas, monarquitas y el casino de Baden-Baden en su búsqueda por recaudar fondos para comprar un Mercedes de segunda mano. La película más original y formalmente la más exitosa de Pawlikowski fue Serbian Epics (1992), realizadas en el apogeo de la guerra de Bosnia. El estudio casi hipnótico oblicuo, irónico e imaginista de la poesía épica serbia, con imágenes exclusivas de Radovan Karadzic y el general Ratko Mladic, despertó una tormenta de controversia e incomprensión en su momento, pero ahora se ha asegurado una especie de estatus de culto.
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Last Resort (2000) En el 2011, escribió y dirigió una película libremente adaptada de la novela de Douglas Kennedy, La femme du Vème (2011), protagonizada por Ethan Hawke y Kristin Scott Thomas.
La femme du Vème (2011)
Ida: nominada al Óscar en Mejor Fotografía y ganadora a Mejor Película Extranjera en los Premios Óscar de este año (2015)
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da (2013), es, sin dudas, la película que lo llevó a la cima de su carrera como director. Fue estrenada el 11 de septiembre de 2013 en el Festival de Cine de Gdynia (Polonia), y por primera vez en cines el 25 de octubre del mismo año en dicho país. La película ganó varios galardones cinematográficos polacos y europeos, incluido el de mejor película por la Academia de Cine de Polonia y mejor película por la Academia de Cine Europeo. Luego fue nominada a la Mejor película de habla no inglesa y a la Mejor fotografía en la 87.ª edición de los premios Óscar, ganando el premio a Mejor película extranjera. Sinopsis: La trama de la película se centra en Anna, una novicia que ha vivido toda su vida en un convento y que está a punto de asumir los votos. Antes de ello, debe conocer a su tía, su única pariente viva, una jueza de vida bohemia y pasado antifascista que le da a conocer su origen judío y su verdadero nombre: Ida. Ambas irán en busca de los restos de los padres de Ida, asesinados durante la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial.
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«Hicimos una película sobre el silencio y el retirarse del mundo y la contemplación, y aquí estamos, en el epicentro del ruido y la atención mediática. Fantástico, ¿verdad? La vida está llena de sorpresas»
LIMALTERNA | FESTIVALES
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Más de noventa cintas se proyectarán los diez días del festival, algunas con miradas e historias de países como Ruanda, Irán, Irak y Egipto.
a quinta edición de Lima IndependienteFestival Internacional de Cine se inaugurará el jueves 18 de junio en el Auditorio Central de la Universidad de Lima con la proyección de The Look of Silence, pieza que sigue la línea de The Act of Killing, cinta nominada al Óscar, ambas dirigidas por Oppenheimer. La proyección inaugural en la Universidad de Lima será con INGRESO LIBRE a las 20 horas del mismo jueves 18. Más de noventa cintas se proyectarán los diez días del festival, algunas con miradas e historias de países como Ruanda, Irán, Irak y Egipto. Para esta quinta edición, Lima Independiente ha invitado a Pedro Costa (Lisboa, 1959), un innovador en el cine experimental y la docuficción, su más reciente obra es Cavalo Dinheiro (Caballo Dinero). Asimismo vendrá Luis Miñarro (Barcelona, 1949), un cineasta que dejó la publicidad para dedicarse a la producción cinematográfica desde 1995, Como director su más reciente obra es Stella Cadente (2014).
T E R E C O M E N D A M O S
1
“The Look of Silence” de Joshua Oppenheimer: Dinamarca/Indonesia/ Noruega/Finlandia/Reino Unido
Pedro Costa
2 “Décor” de Ahmad Abdalla – Egipto
3
“Songs from the North” de Soon-Mi Yoo – Corea del Sur/Portugal/EEUU
4
“The Reaper” de Zvonimir Juric – Croacia/ Eslovenia
Luis Miñarro
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“Videofilia (y otros síndromes virales)” de Juan Daniel F. Molero – Perú
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Q U E N O P E R D E R
T E D E L
P U E D E S F E S T I V A L
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“A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence” de Roy Andersson – Suecia
7
“Cavalo Dinheiro” de Pedro Costa – Portugal
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“Invierno” de Alberto Fuguet – Chile
“Homeland” de Abbas Fahdel – Irak
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“Taxi” Jafar Panahi – Irán
Krzysztof Kieslowski
D e k a l
“Soy siempre reacio a destacar alguna característica particular de la obra de un cineasta importante porque tiende inevitablemente a simplificar y reducir el trabajo. Pero en este libro de guiones de Krzysztof Kieslowski y su co-autor, Krzysztof Piesiewicz, no debe estar fuera de lugar observar de que tienen la capacidad muy rara para dramatizar sus ideas en lugar de sólo hablar de ellas. Al poner sus puntos a través de la acción dramática de la historia adquieren el poder adicional de permitir a la audiencia descubrir lo que realmente está pasando en lugar de ser contado. Lo hacen con tal habilidad deslumbrante, que nunca verás las ideas llegar y no te darás cuenta hasta mucho más tarde lo profundamente que han alcanzado tu corazón.” Stanley Kubrick Enero de 1991.
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ekalog es, entre muchos otros motivos, peculiar por su doble estatuto: es una pieza (o mejor: un conjunto de piezas) de culto; es admirada como uno de los frutos más depurados del cine-arte europeo de su tiempo (las diez cintas se produjeron entre 1988 y 1990), célebremente calificada por Stanley Kubrick como la única verdera obra maestra de su generación. El Decálogo es una serie de diez episodios, que presenta diez parábolas de los Diez Mandamientos Sagrados de la Biblia, que el director y colaborador en el guión, Krzysztof Piesiewicz, centran en personajes cotidianos que viven en un complejo habitacional en Varsovia, y aunque las historias son independientes, el conjunto se enriquece con algunas claves en apariencia casuales.
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LIMALTERNA | CLÁSICO DEL MES DEKALOG 6: “No cometerás actos impuros” En la sexta historia, un joven empleado de correos (Olaf Lubszenko) se enamora perdidamente de una vecina mayor (Grazyna Szapolowska), a quien admira y vigila a la distancia (este episodio se amplió luego en el largometraje Una película de amor).
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DEKALOG 7: “No robarás”
DEKALOG 1: “Amarás a Dios sobre todas las cosas” En el primer capítulo, Krzysztof, un físico de mediana edad que vive con su pequeño hijo Pavel, pone su fe en la ciencia y la lógica para gobernar la vida cotidiana.
El séptimo capítulo presenta la historia de una mujer (Maja Barelkowska) que secuestra a su hija biológica (Katarzyna Piwowarczyk) para decidir por ella cómo va a tener el bebé que ésta espera, sin que intervenga su padre, y que ella misma educará como hija a la que es su nieta.
DEKALOG 8: “No darás falsos testimonios” La octava historia enfrenta a una profesora de ética (Maria Koscialkowska) con la culpa, cuando durante la Segunda Guerra Mundial hubiera podido ayudar a una muchacha judía.
DEKALOG 9: “No consentirás pensamientos ni deseos impuros” El noveno capítulo muestra a un matrimonio (Piotr Machalica y Ewa Blaszyk), cuyo marido, el joven cardiocirujano Roman, descubre que es impotente.
DEKALOG 10: “No codiciarás los bienes ajenos” Dekalog, jeden
En la décima y última parte, dos hermanos completamente diferentes (Jerzy Stuhr y Zbigniew Zamachowski), heredan de su padre muerto una valiosa colección de estampillas.
DEKALOG 2: “No dirás el nombre de Dios en vano” En la segunda historia, una violinista (Krystina Janda), incapaz de decidirse entre su marido y su amante, difiere esa decisión imposible en el médico que atiende a su esposo (Alexander Bardini).
DEKALOG 3: “Santificarás las fiestas” El tercer capítulo muestra a una mujer (Maria Pakulnis) que acude a su ex amante Janusz (Daniel Olbrychski), para que la ayude a encontrar a su marido que ha desaparecido en vísperas de Navidad.
DEKALOG 4: “Honrarás a tu padre y a tu madre” En la cuarta historia, Anka, una joven estudiante, descubre una siniestra carta de su padre (Janusz Gajos).
DEKALOG 5: “No matarás” En el quinto capítulo, un cruel delincuente joven (Miroslaw Baka) vaga por las calles en busca de una víctima, mientras un taxista busca un pasajero y un estudiante está terminando sus estudios de derecho. Este episodio fue luego ampliado por Kieslowski en su largometraje No matarás.
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Krzysztof Kieslowski
LIMALTERNA | ESTRENOS
LO QUE SE VIENE
BUZZARD es como una película de Mike Judge donde
todos los chistes fueron desechados en el montaje final; un relato satírico narrado por alguien con Asperger. La fijación del protagonista por la cinta Pesadilla en Elm Street es comprensible cuando la alienación que le provoca su trabajo en la oficina y la violenta incomunicación a la que se ve sometido a la hora de relacionarse con los demás son mucho más aterradoras que la película de género dirigida por Wes Craven. Buzzard es cine sobre gente cabreada hecho por gente cabreada, aparentemente sin meta narrativa alguna, cabalgando sobre ritmos de hardcore punk, y compañera perfecta para Taller Capuchoc, segunda película de Carlo Padial.
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del director Justin Simien recoge el cuajo de Fiebre Salvaje o Bamboozled en su salto al largo con Dear With People. Centrada en la tensa convivencia entre negros y blancos en una universidad liberal de Estados Unidos, la película y sus sentencias viperinas atacan a los márgenes de un problema -endémico y complejo- con sofisticación y sin maniqueísmo, sobretodo si atendemos a su telón final. Ideal para los amantes de los diálogos interpretados con la rapidez y vehemencia de una metralleta, Dear With People viene abalada por premios en varios festivales, incluido Sundance.
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THE SMELL OF US
es la última película de Larry Clark, se abre con la imagen de un homeless siendo utilizado como obstáculo que sortear por una panda de jóvenes skaters, así que sí: The Smell of Us es excesiva hasta límites insospechados incluso para lo que se puede esperar del director de Kids. Si en los westerns de Leone podíamos calibrar el nivel de humedad a la que se exponía el poncho de Eastwood sin necesidad de estar con él en Almería, The Smell of Us es capaz de abrumar pituitarias con su planificación explícita, su sucia puesta en escenay la habilidad de trasnmitirla unos actores apenas conocidos. El veterano Clark, en esta oscurísima epopeya con gusto queer, hace gala de una frescura que sólo se contempla en debuts, algo que a estas alturas parecía inconcebible para alguien que lleva radiografiando a la juventud en sus películas desde mediados de los noventa.
¿DÓNDE Y AGENDA CUÁNDO? JULIO - AGOSTO 9
BUZZARD
JULIO
Lugar:
UVK LARCOMAR Horarios: Distintas funciones
16-30
FESTIVAL DE CINE FRÁNCES
JULIO
Lugar: SALA CINE ARTE UVK Horarios: De 5:00 pm a 11:00 pm
23
DEAR WHITE PEOPLE
JULIO
Lugar: UVK PLATINO BASADRE Horarios: Distintas funciones
A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT
es el equivalente al síndrome de Stendhal, en lo cinematográfico se conoce como momento mágico: cuando tus extremidades superiores son incapaces de reconocer los reposabrazos de la butaca y, de repente, te sientes secuestrado por la pantalla. La primera película de la iraní Ana Lily Amirpour tiene, como cualquier otra ópera prima, multitud de defectos, pasajes algo plúmbeos, y demasiada ostentación de referentes, siendo la forma del primer Jarmusch y el fondo de sus obras tardías lo más reconocible en la vampírica A Girl Walks Home Alone at Night.
30
THE SMELL OF US
JULIO
Lugar: UVK LARCOMAR Horarios: Distintas funciones
A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT
6
AGOSTO
Lugar: UVK LARCOMAR Horarios: Distintas funciones
13
BALLET EN EL AGOSTO CINE Lugar: SALA CINE ARTE UVK Horarios: De 8:00 pm a 10:00 pm
TEMPORADA DE ÓPERA
AGOSTO
Lugar: SALA CINE ARTE UVK Horarios: De 4:00 pm a 6:00 pm
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14-28
LIMALTERNA | CRÍTICA
“Climas”, en sus mejores momentos, consigue transmitir una cierta tristeza a partir del silencio, de aquello que está entre sus personajes sin que ellos tengan que pronunciar palabra alguna. en la que la cámara se mueve más, justamente para seguir el movimiento de la protagonista; un movimiento que quizá represente esa sexualidad que está a punto de explotar. Cuando esa cámara se centra en el ritmo, en la sonrisa y en la mirada Ruiz del Castillo, la historia capta de forma precisa esa dimensión casi visceral que implica el despertar sexual. Ese aspecto del filme balancea el hecho que la historia se siente muy tópica en cuanto a su estructura. Por momentos pareciera que estamos viendo un esquema con todos los estereotipos del descubrimiento de la sexualidad: la conversación de las chicas sobre la menstruación, por ejemplo, resulta reiterativa en su intención de dejar en claro la etapa que están viviendo las jóvenes. Cuando el filme se aleja de su concepto es cuando consigue sus mejores momentos.
L por Rodrigo Bedoya (@Zodiac1210)
C
limas, de Enrica Pérez, es una película que permite ver a una directora con capacidad para generar ambientes y manejar esos momentos en los cuales los silencios son más importantes que las palabras. Las mejores situaciones del filme, ópera prima de la realizadora, se encuentran justamente en esas secuencias donde las miradas y los gestos permiten ir delineando a los personajes y sus relaciones, y en donde son las acciones, más que la ilustración de una idea de guion, las que van alumbrando el camino que siguen las tres mujeres protagonistas. Son tres historias las que componen el filme: la primera ocurre en Ucayali y narra el despertar sexual de Eva (Claudia Ruiz del Castillo), una adolescente. La segunda ocurre en Lima, y vemos a Patricia (Fiorella de Ferrari), una mujer que debe lidiar con un tragedia del pasado. La tercera se ambienta en los Andes y se centra de Zoraida (María Unocc), una anciana que vive en una comunidad campesina y que se reencuentra con su hijo. Tres historias que se ambientan en las tres regiones geográficas del país y que tienen como protagonistas a mujeres que conviven con su soledad, con problemas que tienen que ver con la edad y con su propio recorrido de vida.
L
a historia de Eva tiene aciertos parciales, sobre todo en lo que se refiere a aprovechar la fuerza y la potencia de su actriz. De las tres, esta es la historia más física, aquella
a segunda historia es aquella que depende más de su anécdota, y ese es su principal problema: Fiorella de Ferrari sufre por una tragedia que tiene que ver, en un principio, con la imposibilidad de ser madre; aunque después entendemos que la tragedia del personaje es más profunda. Por más que Pérez busca aprovechar el clima gris y apagado de Lima en invierno, la cinta va creando un ambiente de excesiva gravedad que nunca se siente del todo orgánico: el malestar del personaje lo sentimos en el papel y a partir de diálogos que explican la situación, pero nunca es transmitido con la suficiente convicción. Tal hecho resulta evidente en la conversación final, entre Patricia y su ex pareja: el trágico secreto que oculta la protagonista es explicado a partir de un diálogo que es un truco de guión para resolver el tema, y que por lo tanto se queda en la declamación, en la simple explicación del dolor sin que este se exprese o sienta en su real dimensión.
L
a tercera historia es la más lograda y es la que permite apreciar de manera cabal el dominio que tiene Pérez de sus recursos. La visita que recibe Zoraida de su hijo es el punto de partida de una historia que tiene un estilo distinto a las anteriores: en esta, la cámara fija va marcando un ritmo cadencioso, como si lo que estuviéramos viendo fuera parte de un rito. El rito del regreso del hijo y de la desconfianza, acaso resignada, de la madre. En este tercer episodio, Pérez consigue generar un clima en el que aquello que los personajes no se dicen es justamente lo que mueve las emociones: la desconfianza de Zoraida está presente en el rostro y en la sonrisa de Unocc, cuya economía de recursos es bien aprovechada por la cineasta para ir generando cierta sensación de desesperanza. En ese rencuentro madre-hijo, no hay espacio para la alegría o el cariño; solo uno muy pequeño para la nostalgia. Pérez, a partir de la cotidianidad y de los pequeños actos de
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la mujer, va creando ese clima de resignación, en donde el pasado del hijo se mezcla con el presente, marcado por el trabajo de la tierra; en donde los momentos más emotivos e íntimos tienen el mismo tono que aquellos más dolorosos o complejos. Como si toda la historia fuera un ritual cuyo desarrollo escapa a la voluntad de los personajes. Como si el desenlace de los sucesos estuviera escrito de antemano, donde la madre y el hijo forman parte de un engranaje silencioso que nada ni nadie puede detener. “Climas”, en sus mejores momentos, consigue transmitir una cierta tristeza a partir del silencio, de aquello que está entre sus personajes sin que ellos tengan que pronunciar palabra alguna. Veremos que camino sigue la carrera de Enrica Pérez.
DOMINGO 7 DE JUNIO DEL 2015
E
l primer rasgo que habría que apuntar, en la filmografía de Llosa, es el protagonismo de las mujeres. En este caso, Nana Kunning es una artista y curandera naturista (Connelly), también madre de dos hijos, que debe lidiar con la enfermedad de uno de ellos. Sin embargo, en esta cinta adquiere, también, notoriedad especial Iván (Murphy), primogénito de Nana, quien, ya adulto, trabaja como entrenador de halcones.
L
a cinta se convierte en el montaje de dos historias en paralelo. Ellas terminarán confluyendo a partir de un hecho trá- gico, que explica el origen del distanciamiento entre madre e hijo. Llosa se interna, entonces, en una forma diferente de narrar, entremezclando pasado y presente, aunque sin predominancia de ninguno de los dos. Característica que propicia una dinámica de relecturas constantes y una poética de fantasmagoría y misterio, en la que el tormento de Iván se hace más intenso.
L
losa también acusa un cambio de estilo: su mirada era antes fija y contemplativa; ahora, su cámara se pega a los rostros y cuerpos de sus personajes, lo que le ha dado a sus criaturas una mezcla de vitalidad e intimidad mayor. Sin embargo, también son ostensibles la falta de precisión y contundencia –que sí tenían sus cintas anteriores–. Y es que muchos momentos se vuelven predecibles, como la relación entre Iván y la reportera fascinada por su caso –interpretada por Mélanie Laurent.
L
o que se ha ganado en lirismo y sensualidad –a lo que contribuye también la fotografía y el sonido, siempre en búsqueda de paisajes abismales o de las crepitantes atmósferas del Ártico– se ha perdido en visceralidad. Crudeza que se hace presente solo en los primeros minutos, cuando Nana, con el propósito de asistir el parto de una cerda, introduce su brazo en el vientre del animal, para luego, a través de un corte directo, tener sexo con un compa- ñero de labores.
S
i el filme no termina de balancear bien sus elementos, no deja de distinguirse por las relaciones simbólicas y metafóricas, que se sugieren con amplitud, y por su dirección de actores. Definitivamente, “Aloft: no llores, vuela” aprovecha al máximo el talento de esos dos estupendos actores que son Connelly y Murphy, quienes sintonizan bien en un registro contenido pero sufriente y, por momentos, desgarrador. Sus rostros delínean un carácter noble y agreste, y cargan con una tensión que, a veces, parece encarnarse en las visiones de la naturaleza que los rodea.
por Sebastián Pimentel
C
laudia Llosa regresa con este, su tercer largometraje, luego de “Madeinusa” y “La teta asustada”. Sin embargo, “Aloft: no llores, vuela” se distingue por ser su primera cinta hablada en inglés y que se escenifica fuera del Perú, en los bosques y desiertos helados de Canadá, además de contar con tres estrellas internacionales –Jennifer Connelly, Cillian Murphy y Mélanie Laurent– en los roles principales.
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F
inalmente, hay algo más que podemos decir a favor de “Aloft…”, que, a pesar de ser una película ambientada en Canadá y de habla inglesa, muestra todo el universo de su directora, reconocible de principio a fin: la naturaleza como escenario del drama con todo su ciclo naturalista y circular que une la vida a la muerte; el predominio de creencias míticas, pulsiones e instintos –maternales, sexuales, animales–; así como la parábola central, que se resuelve en una especie de redención espiritual.
LUNES 22 DE JUNIO DEL 2015
ESTRENO: 11 JUNIO UVK MULTICINES