Historia Del Diseño Gráfico

H i s t o r i a D e l D i s e ñ o G r á f i c o

I N T R O D U C C I ó n El diseño grafico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño grafico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales. El diseñador grafico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho mas satisfactorios. El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le de a su obra. Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señaletica, empaquetado.

Antes de que se pudiera hablar de diseño grafico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.

T A B L A D E C O N T E N I D O 5.Generalidades 6.Antecedentes 10.Autores 13.Imprenta Siglo XXI 15.Movimientos Artísticos 20.Elementos Del Diseño 25.Tipografía 26.Fuentes 27.Teoría Del Color 30.Glosario 41.Bibliografía

G E N E R A L I D A D E S OBJETIVOS: - Formar al alumno en las disciplinas relativas al diseño gráfico - Formar al alumno en el trabajo telemático.

- Potenciar la creatividad y el desarrollo de las capacidades artísticas del alumno.- Fomentar la iniciativa personal y la actitud profesional innovadora.

Objetivos Específicos : Formar diseñadores gráficos capaces de abordar con creatividad y sentido crítico el papel que su profesión cumple en la sociedad contemporánea. Fomentar la creatividad, la disposición a la revisión permanente y la autocrítica, orientadas todas a permitir la comunicación fluida entre los distintos actores de la profesión.

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A N T E C E D E N T E S EL LIBRO DE KELLS Se trata de manifestación gráfica, de gran valor artístico, de altísimas calidad, y que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar, pues incluso supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales

LA TIPOGRAFÍA Está estrechamente vinculada a la del diseño gráfico; esto puede ser así porque prácticamente no existen diseños gráficos en los que no se incluyan elementos gráficos de este tipo. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de la columna trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro, los afiches parisinos, el movimiento de artes y oficios, la Bauhaus, etc.

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JOHANNES GUTENBERG (c. 1398 - 3 de febrero de 1468) fue un orfebre alemán, inventor de la imprenta de tipos móviles moderna (hacia 1450). Su mejor trabajo fue la Biblia de 42 lineas.

SIGLO XIX Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor.

-El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y prestaba mas atención a elementos ornamentales e ilustrativos -Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de Williams Morris publicó algunos de los productos gráficos mas significativos del Movimiento Artes y Oficios, y fundo un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiendolos a las clases pudientes como objetos de lujo.

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Estilos clásicos: Al inventarse la imprenta y durante el periodo de los Incunables (1460 - 1500 libros que se imprimieron) se uso mayoritariamente el carácter gótico y para la ornamentación imitaron las orlas y las iniciales, y las finales de los libros medievales manuscritos. A lo largo del Siglo XVI se utilizo el carácter romano o humanístico del que derivaron, el romano itálico, también llamado cursivo primero y es del Siglo XVII y el romano neoclásico o moderno del Siglo XIX. Estilo romántico: Apareció a principios del Siglo XIX y se manifestó como un estilo nuevo, idealista, dinámico, etc.

Introdujo en el Arte Grafico elementos atrevidos, decorativos y recargados por las iniciales y viñetas de fantasía con abundantes flores, rasgos y arabescos y fue en esta época en la que tuvieron más éxito las ilustraciones.

Impresionismo: En la 2ª mitad del Siglo XIX supuso una autentica revolución tipográfica por la evolución de los métodos de trabajo si bien para el artista grafico no fue un buen periodo salvo por el impresionismo (1860 - 1910) que avanzó hacia el cartelismo y la publicidad y no a la creación de estilos.

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Modernismo: Es un estilo decorativo mas que artístico pues se da en las Artes Menores (fotografía, tipografía) Art. Nouveau en Francia, Modern Style o Liberty en Inglaterra, Juenstil en Alemania, Floréale en Italia; inspirándose en las formas de la naturaleza creo un estilo nuevo naturalista y recargado en cuanto a tipos y ornamentación (entre 1890 - 1910).

Los ismos (1910): El futurismo, el cubismo, el dadaísmo, ultraísmo, surrealismo y otras corrientes artísticas que comenzaron a influir en la tipografía a partir de 1910 tendían a simplificar las formas y a buscar los elementos estrictamente esenciales de la obra pero empleando los caracteres en disposiciones extravagantes y desequilibradas. Culturistas y dadaístas hicieron las obras más representativas de la época y también las más excéntricas. El cubismo, en cambio por su tendencia al reposo y la serenidad, influyo mucho en la tipografía por la afinidad de sus formas geométricas con la estructura del libro y del impreso y por la facilidad de combinación entre masas de texto, ilustración, espacios en blanco, etc.

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A U T O R E S Cassandre (1901 – 1968) Ucrania (de padres franceses, donde vivió toda su vida). Uno de los padres del cartelismo y del diseño gráfico moderno, un artista que se terminó suicidándose al negarse a cambiar su estilo cuando este pasó de moda Paul Colin (1892–1985) Francia. Famoso por sus más de 1000 afiches.

Actualmente junto a Cassandre y Jean Carlu y definieron el estilo gráfico francés..

Alfons Mucha (1860 – 1939) Moravia, Imperio austríaco. El máximo exponente del Art Nouveau. Su estilo influyó en toda una generación de pintores, artistas gráficos, dibujantes y diseñadores, llegando a personificar este nuevo estilo vanguardista. Inmortalizado en sus legendarios afiches para obras de teatro, continúa experimentando interés desde entonces, influyendo a varios artistas y diseñadores contemporáneos.

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Gustav Klutsis (1895–1938) Rusia. Un diseñador gráfico pionero de la fotografía, el colage constructivista y sus numerosos afiches pro Leninistas-Stalinistas. Junto a su esposa Valentina Kulagina, entre otros, contribuyeron al desarrollo de una nueva identidad visual del socialismo soviético.

El Lissitzky (1890–1941) Rusia. Uno de los principales representantes del avant-garde ruso y el arte abstracto. Aparte de sus contribuciones al movimiento socialista también es reconocido por sus contribuciones al movimiento Bauhaus.

Rodchenko (San Petersburgo, 1891 – Moscú, 1956). Revolucionó el mundo de la fotografía en medio la Revolución Rusa.

Rodchenko se propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, ya que él creía que para cambiar el mundo primero había que cambiar la forma de mirar el mundo.

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Max Bill (1908-1994) Suiza. Arquitecto, Diseñador Gráfico, Diseñador Tipográfico y Diseñador Industrial. Ampliamente conocido en el campo del diseño Industrial por los relojes diseñados para Junghans. En 1951 fundó la escuela de diseño HfG siguiendo las ideas de la Bauhaus.

Herbert Matter (1907–1984) Suiza. Fotógrafo y diseñador gráfico famoso por su gran cantidad de afiches publicitarios. Pionero en la utilización fotográfica en afiches publicitarios. A diferencia de sus colegas contemporáneos, no fue un fundamentalista de toda ideología modernista. Su continua experimentación y las influencias de múltiples estilos anteriores, por ejemplo su trabajo junto a Cassandre, le permitieron convertirse en uno de los más grandes cartelistas de la historia.

Roman Cieslewicz (1930-1996) Polonia. Para muchos el diseñadores gráfico más importante e influyente de la historia polaca.

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I M P R E N T A S I G L O X X I La utilización de las piedras para sellar quizá sea la forma más antigua conocida de impresión. De uso común en la antigüedad en Babilonia y otros muchos pueblos, como sustituto de la firma y como símbolo religioso, los artefactos estaban formados por sellos y tampones para imprimir sobre arcilla, o por piedras con dibujos tallados o grabados en la superficie. La piedra, engastada a menudo en un anillo, se coloreaba con pigmento o barro y se prensaba contra una superficie elástica y dúctil a fin de conseguir su impresión.

ANTECEDENTES DE LA IMPRENTA Por sus características intrínsecas, la historia de la imprenta es quizás, la mejor documentada de todas, ya que desde el origen, hay testimonios físicos (ya sean papiros, piedras talladas u otros utensilios) sobre ella.

Durante siglos, la mayor parte de la obra impresa se ha producido con este método, totalmente mecánico, sin embargo su evolución esta variando de procesos.

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LAS TÉCNICAS ANTIGUAS El antecedente más antiguo que se conoce como medio de impresión es la utilización de piedras para sellar. Estas se utilizaban sobre todo en Babilonia y pueblos de características similares. Su utilidad se basaba prácticamente como sustituto de la firma o como símbolo religioso.

Estos aparatos estaban formados por sellos y tampones que imprimían sobre arcilla o bien piedras con dibujos tallados.

Esta se incrusta en un anillo se coloreaba y se prensaba para así conseguir la impresión.

Esta evolución hasta hoy en día se ha producido de forma independiente tanto en diferentes épocas como en diferentes lugares o civilizaciones, por ejemplo: En Egipto, Grecia o Roma, los libros se copiaban a mano con tinta.

Posteriormente, esto también se aplicó posteriormente en los monasterios medievales. Ya se lanzaban ediciones de hasta 5000 ejemplares, entre ellos manuscritos coloreados como los “Epigramas” de Marcial.

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M O V I M I E N T O S A R T I S T I C O S BARROCO El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó, aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del Barroco y, por ende, lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.

ROMANTICISMO es un movimiento cultural y político originado en el Reino Unido y Alemania a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición neoclasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particularproyectándose también en todas las artes.

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CUBISMO fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salón de los Independientes.

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FUTURISMO movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.

El futurismo surge en Milán, Italia impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales de la poesía el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.

DADAISMO fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido.

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IMPRESIONISMO es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.

ARTE CONTEMPORÁNEO en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:

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FAUVISMO es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza.

REALISMO Movimiento artístico del siglo XIX, de carácter fundamentalmente francés, caracterizado por una rebelión contra los temas tradicionales de orden histórico, mitológico y religioso a favor de escenas no idealizadas de la vida moderna.

Situado entre el romantisismo y el simbolismo, se trata de un periodo que da especial importancia al presente y tiende a la exclusión de todo lo que no sea verificable como hecho; tomando los artistas conciencia de los terribles problemas sociales de la industrialización.

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E L E M E N T O S D E L D I S E Ñ O EL PUNTO Artículo principal: Punto.

Se le denomina punto a la señal de dimensiones pequeñas, ordinariamente circular, que, por contraste de color o de relieve, es perceptible en una superficie. En sentido gráfico, el punto es una superficie materializada, es decir reconocible por el ojo humano; es la unidad gráfica mas pequeña, el "átomo".

Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su Centro geométrico, puede constituir el centro de atención. Entre las características más notables del punto en diseño gráfico están: No es un ente inmaterial, ocupa una superficie sobre el plano. Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo. Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.

Posee sus límites y tensiones internas. Es tensión en sí mismo, sin dirección.

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LA LINEA puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o como la unión de dos o más puntos[7]. A su vez es una suma de puntos que son conectados en el espacio.

Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los diferentes elementos que conviven con ella. Puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto. Además la línea separa planos, permitiendo crear diferentes niveles y volúmenes.

Una línea es direccional, tiene longitud, pero no anchura.

Divide o circunda un área. Se encuentra en el borde de una forma. Cuando la anchura esté presente, aparece una forma. Sin embargo las formas de cierta longitud y poca anchura son consideradas generalmente como líneas, y pueden tener: Bordes lisos,Bordes dentados,Extremos rectos, Extremos redondeados, Extremos en punta, Cuerpo sólido Cuerpo texturado, Dirección recta, Dirección curva Homogénea y Modulada

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EL CONTORNO Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un mismo punto. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno.

Cuando la línea cierra un determinado espacio se crea una tensión entre el espacio y sus límites y es entonces cuando la línea tiene un gran poder de atracción. La característica principal del contorno es que son estáticos o dinámicos dependiendo del uso que se les de o de las diferentes direcciones que éste adopte.

Las formas más generales del diseño provenientes de los principios básicos de verticalidad, horizontalidad, centro e inclinación, son el círculo, el rectángulo y el triángulo equilátero. Cada uno de ellos tiene su carácter específico y se les atribuyen diferentes significados. Los contornos básicos, por tanto, son estos tres: El círculo: El cuadrado: El triángulo: El contorno / la dirección Todos los contornos básicos son fundamentales, figuras planas y simples que pueden describirse y realizarse de forma fácil.

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PLANO Y TEXTURA El plano: permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.

La textura: Consiste en la modificación o variación de la superficie de los materiales utilizados, ya sea de una forma visual o táctil. La reunión de puntos sobre una superficie es considerada como trama o textura, pues se produce un efecto colectivo tonal segun la densidad y/o tamaño de los puntos. La textura sirve frecuentemente para expresar visualmente las cualidades de otro sentido, el tacto. Cuando hay una textura real, coexisten las cualidades táctiles y ópticas, no como con el tono y el color que se unifican en un valor comparable y uniforme, sino por separado y específicamente, permitiendo una sensación individual al ojo y a la mano, aunque proyectemos ambas sensaciones en un significado fuertemente asociativo.

La Textura / Escala / Dimensión El primer análisis que realiza el ojo en la percepción, queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra información.

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El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden además emplear tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias de percepción con propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.

El círculo cromático nos sirve para observar la organización básica y la interrelación de los colores. También lo podemos emplear como forma para hacer la selección de color que nos parezca adecuada a nuestro diseño. Podemos encontrar diversos círculos de color, pero el que aquí vemos está compuesto de 12 colores básicos

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T I P O G R A F I A Definimos la tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.

La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo tipográfico se ha considerado como uno de los miembros más activos de los cambios culturales del hombre.

En los primeros signos de escritura, cada signo nos expresa una idea, un concepto o una cosa; estos signos se combinan entre sí para comunicar ideas más complejas. Estos sistemas de escritura son los pictogramáticos, jeroglíficos e ideogramáticos.

El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras.

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F U E N T E S Es la que se define como estilo o apariencia de un grupo completo de caracteres, números y signos, regidos por unas características comunes. tambien esta conformado por un conjunto de grifos (letras, números y caracteres especiales) es el diseño de caracteres unificados por propiedades visuales uniformes, aunque, para autoedición, la totalidad de los caracteres citados suelen estar en fuentes denominadas.

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T E O R Í A D E L C O L O R No podemos entender totalmente los colores sin entender qué es y cómo funciona la luz.El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. Todo el mundo que nos rodea es de colores siempre y cuando haya luz.

La luz está constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 km por segundo. Esa luz no viaja en línea recta sino en forma de ondas. Es lo que se conoce como el carácter ondulatorio de la luz.Cada una de esas ondas tiene una longitud de onda diferente que es lo que produce los distintos tipos de luz, como la luz infrarroja, la luz ultravioleta o el espectro visible.El espectro visible es aquel en el que la longitud de la onda está comprendida entre los 380 y los 770 nanómetros ya que el ojo humano sólo es capaz de percibir ese tipo de luz.

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PROPIEDADES DEL COLOR Las propiedades del color son aquellos atributos que cambian y hacen único a cada color. Estos atributos son tres: El tono, la saturación y el brillo.

El Tono también es conocido como matiz, tinte, croma o su nombre en inglés, Hue. Es la propiedad que diferencia un color de otro y por la cual designamos los colores: verde, violeta, rojo, etc.

TONO

Hace referencia al recorrido que hace un color en el círculo cromático adquiriendo matices, como por ejemplo el rojo anaranjado o el amarillo verdoso.

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La Saturaciรณn representa la intensidad cromรกtica o pureza de un color. En otras palabras, es la claridad u oscuridad de un color, estรก determinado por la cantidad de luz que un color tiene.

La saturaciรณn de los colores cambia a medida que ese color tiene mรกs o menos cantidad de gris. A mayor cantidad de gris, mรกs pรกlido y menos saturaciรณn.

La luminosidad es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparaciรณn con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminaciรณn.

En teorรญa del color, la luminosidad hace referencia a cuรกnto de oscuro o de claro es un color. A mayor luminosidad de un color mayor luz reflejarรก.

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G L O S A R I O 1- Boceto Es el esquema básico o línea ideológica que conforma la pre-visualización de un futuro proyecto artístico.En éste, tan solo se plasma la esencia, por lo que únicamente contiene los rasgos principales de la idea que se pretende desarrollar con posterioridad.

2- Branding Este término, muy utilizado en mercadotecnia, se refiere al proceso de “construir” una marca mediante un conjunto de estrategias y manteniendo la identificación inherente a esa marca para que sea reconocida por el público.

3- Cabecera El concepto “cabecera”, hace referencia en términos periodísticos al título dominante en la portada de una publicación, así como los de sus diferentes secciones destacadas.

4- Calle Las calles son los espacios existentes entre las columnas de un texto determinado.

5- Creatividad Es la capacidad de generar nuevas ideas o conceptos, de llegar a nuevas conclusiones, resolver cruces en el camino, en pos de un proyecto determinado.

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6- Cruces de registro También denominadas “marcas de registro”, éstas constituyen una terminología utilizada en impresión que van a más de un color para “casar” las distintas pasadas de tinta y comprobar que el trabajo esté correcto en sus dimensiones.

7- Curva Bezier Este término de diseño gráfico utilizado en imagen vectorial, es un tipo de línea curva ideada por medio de un método de descripción matemática que permite definir las transiciones de las curvaturas.

8- Degradado En un conjunto de colores, el degradado hace referencia a la transición de tonalidad entre dos colores de manera linealmente ordenada. Es decir, sin saltos de color.

9- Díptico El díptico no es más que un folleto compuesto por una hoja de papel doblada a la mitad, generalmente pequeña, que suele usarse como invitación a un evento o como recurso informativo sobre un producto o servicio empresarial.

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10- Diseño editorial Rama del diseño dedicada a la maquetación, edición y estructuración de publicaciones como revistas o libros.

11- Diseño gráfico Es el arte o disciplina cuyo fin consiste en idear y proyectar mensajes con carácter e identidad propia a través de la imagen.

12- Diseño plano El diseño plano, o “flat design”, es una técnica que se viene aplicando cada vez más en apariencias web e incluso en logotipos, lo que ha llegado a convertirse en una tendencia.

13- Diseño publicitario Al igual que el diseño editorial, el diseño publicitario también se encarga de la maquetación de publicaciones impresas, aunque también trabaja soportes para otros medios.

14- Entradilla Una entradilla es un concepto periodístico que hace referencia a las líneas iniciales o breve párrafo que resumen una noticia o contenido, situada entre el titular y el cuerpo de una noticia.

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15- Escala de grises Es la representación de una imagen en la que cada pixel se dibuja usando un valor numérico individual en una escala que se extiende entre blanco y negro.

16- Eslogan publicitario Este término en realidad es un anglicismo, dado que la palabra “eslogan” no se encuentra en el diccionario de la RAE, pero podría traducirse como “lema publicitario”.

17- Espacio de color El espacio de color es el modelo con el que se teoriza sobre cómo los humanos percibimos los colores.

18- Flyer Traducido al castellano como “volante”, el flyer es un recurso publicitario con formato impreso (aunque también se puede aplicar en el mundo digital) en el cual se anuncia o presenta algo de una marca o empresa.

19- Folleto El folleto o “brochure”, es una especie de carta (o carpeta) doblada en dos o tres partes que representa toda la información comercial de una empresa o negocio.

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20- Fotomontaje Construcción fotográfica resultado de la composición de fragmentos de fotos, con intención artística o publicitaria.

21- Icono En artes gráficas, los iconos son signos o pictogramas que se utilizan para ilustrar una idea con la cual guarda una relación de identidad o semejanza.

22- Identidad Corporativa La identidad corporativa es la combinación del nombre de marca (naming o identidad verbal) y los códigos de conducta de la misma (o identidad visual).

23- Ilustración vectorial Este es un concepto vinculado a la imagen digital (compuesta por mapa de bits), pero que en su caso se compone de elementos geométricos independientes que se combinan para crear dibujos y figuras geométricas más complejas.

24- Imagen Corporativa Al otro lado de la identidad corporativa, tenemos la imagen corporativa, que hace referencia a la representación o imagen conceptual que el público tiene sobre determinada marca (si es buena, si ofrece un mal servicio, etc.).

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25- Imagotipo Este concepto hace referencia a la combinación del isotipo (parte icónica) y logotipo (parte textual) a la hora de plasmar la identidad de una marca.

26- Inconstancia de color Cuando percibimos los colores de diferente manera según la luz, estamos frente a un fenómeno de inconstancia de color.

27- Infografía La infografía supone una herramienta de comunicación visual muy potente, dado que se compone de información representada de forma visual mediante diagramas, esquemas y diferentes símbolos.

28- Innovación Se trata de un cambio que introduce novedades y que además incluye nuevas propuestas de implementación económica.

29- Interlineado El interlineado, también denominado “espaciado entre líneas”, es un concepto que solemos encontrar junto a “sangrías” en los editores de texto, y es el que determina la cantidad de espacio en sentido vertical entre las líneas de texto de un mismo párrafo.

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30- Isologo Composición del logotipo y el isotipo. A diferencia del “imagotipo”, la unión conforma un todo indivisible.

31- Isotipo El isotipo es únicamente un recurso de identidad de marca que se representa mediante un símbolo. Por tanto, carece de texto o nombre.

32- Justificación tipográfica La justificación en diseño y maquetación de textos hace referencia tanto a los espacios entre palabras, como los espacios entre letras.

33- Lápiz litográfico El lápiz litográfico o “lápiz graso”, es una tradicional herramienta de artistas y dibujantes. Podemos encontrarlo definido como “lápiz de mina grasa” que se usa para dibujar sobre planchas litográficas (de caliza, aluminio, etc.).

34- Legibilidad En pocas palabas, la legibilidad puede definirse como la cualidad que tiene un texto para que pueda ser leído.

35- Lienzo Tradicionalmente, el lienzo de un pintor es el soporte de trabajo en el cual representa sus obras de arte, compuesto de tela de lino u otros materiales resistentes.

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36- Logotipo Aunque este es el término comúnmente utilizado para referirse al símbolo que identifica la imagen corporativa y valores de marca, en realidad el logotipo es únicamente la construcción de palabras que conforman el nombre de ésta.

37- Lorem Ipsum Es el texto que se usa en diseño gráfico y diseño web para referirse a las demostraciones de tipografías o borradores de diseño que se aplican para probar el diseño visual antes de insertar un texto real definitivo.

38- Mapa de bits El mapa de bits, también denominado “imagen matricial” o “imagen rasterizada”, se compone a partir de puntos (píxeles) dispuestos en forma de matriz o rectángulo (raster).

39- Marca Personal La importancia de este término radica en su definición, ya que siendo bien desarrollada y mantenida en el tiempo, permite generar mayores éxitos y logros profesionales.

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40- Merchandising Técnica o estrategia comercial basada en la promoción de productos que se aplica en los puntos de venta.

41- Marketing Traducido al castellano como “mercadeo” o “mercadotecnia”, este anglicismo se refiere a la disciplina o conjunto de técnicas y estrategias que colaboran a mejorar el posicionamiento y la comercialización de un producto o servicio.

42- Mezcla aditiva del color La mezcla aditiva o “síntesis aditiva del color”, hace referencia a un sistema de formación del color en el que los colores se consiguen sumando luces con distintas longitudes de onda.

43- Mockup Se trata de fotomontajes o prototipos muy utilizados en diseño gráfico, ya que permiten hacer pruebas del aspecto final de un trabajo y mostrarlo a los clientes.

44- Naming El naming es un anglicismo acogido comúnmente en la terminología de diseño gráfico para referirnos a la creación léxica de nombres de marcas, productos o similares, con fines comerciales.

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45- Negro de gama completa Pocas definiciones podemos encontrar en la red sobre este concepto, por resultar bastante técnico y específico del sector.

46- Negro de humo El negro de humo o “negro de hollín”, es un pigmento de color negro compuesto por carbón y partículas de estructura grafítica y color muy intenso, que se produce al quemar algunos gases y aceites con poco suministro de aire.

47- OpenType Se trata de un formato vectorial de tipos o fuentes tipográficas escalables para PC, desarrollado por Adobe Systems y Microsoft Corporation. Sin duda alguna, el formato establecido por profesionales de la tipografía y el diseño gráfico.

48- Packaging Este anglicismo, viene a significar “embalaje”, y hace referencia al diseño de envoltorios o paquetería que contiene productos de manera temporal, creado con la intención comercial de facilitar su manipulación, transporte y distribución.

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49- Paleta de colores Es una de las herramientas de diseño gráfico elementales, ya que se utiliza para crear combinaciones de colores que trabajen bien juntos.

50- Pan de oro Lámina muy fina de oro batido que se emplea para embellecer objetos como iconos religiosos o esculturas.

51- Patrón También denominados “motivos”, los patrones de diseño son dibujos repetitivos que se aplican a una superficie y se clasifican según su composición o estilo. Por ejemplo, tenemos los patrones geométricos, artesanales, florales, etc.

52- Pixel El pixel es la unidad básica de una imagen digitalizada en pantalla. En otras palabras, son los puntos de color que conforman una imagen, mediante la constitución de una matriz de pixeles sucesivos.

53- Publicidad impresa La publicidad impresa es la que se realiza en medios gráficos como revistas, periódicos, panfletos, folletos, etc.

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B I B L I O G R A F I A IntroducciĂłn: html.rincondelvago.com/introduccion-al-diseno-grafico.html Generalidades: generalidadesdeldiseografico.blogspot.com.co html.rincondelvago.com/introduccion-al-diseno-grafico.html Antecedentes: https://prezi.com/s0chglghmkuj/antecedentes-del-disenografico/ Autores: www.golpevisual.com/blog/grandes-maestros-deldiseno-grafico.html Imprenta: html.rincondelvago.com/imprenta-y-sus-origenes.html Movimientos ArtĂ­sticos: www.monografias.com/trabajos55/movimientosartisticos/movimientos-artisticos2.shtml https://fefithax.wordpress.com/movimientos-artisticos/

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Elementos Del Diseño: https://www.ecured.cu/Elementos_basicos_del_ Diseño_Gráfico Tipografía: www.fotonostra.com/grafico/tipografia.htm https://prezi.com/amion0tqsjyk/concepto-de-tipografiafamilia-y-fuentes-tipograficas/ http://es.slideshare.net/paola_martinez_ox/que-sonfuentes-tipogrficas Teoria Del Color: www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm Glosario: http://xn--diseocreativo-lkb.com/terminos-de-disenografico-diccionario/

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