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LE RUBAN BLEU Une exposition pour célébrer le lancement de La Ligne Bleue À l’occasion du lancement de La Ligne Bleue [Réseaux et quartiers culturels], MASSIVart présente une collection d’œuvres créées par seize artistes de la scène locale, toutes disciplines confondues. Cette exposition propose un panel d’oeuvres rassemblées par le thème bleu qui dressent un portrait éclectique des Montréalais habitant les quartiers traversés par la ligne bleue. Le Ruban Bleu est en tournée pour un an ! Suivez l’exposition dans les lieux partenaires de La Ligne Bleue au cours de la prochaine année. Retrouvez plus d’information et le cahier d’exposition complet en ligne sur le site www.massivart.ca/lerubanbleu À propos de MASSIVart MASSIVart est un organisme spécialisé en production d’expositions et de projets artistiques. Depuis sa fondation en 2009, MASSIVart met tout en œuvre pour que se tissent des liens entre artistes émergents et public, entre créateurs et passionnés. Notre mot d’ordre? Rendre l’art plus présent et accessible. Et notre méthode est simple : multiplier les points de rencontre et les collaborations au sein de la scène locale. THE BLUE RIBBON To celebrate the launching of La Ligne Bleue [Réseaux et quartiers culturels], MASSIVart proposes the work of sixteen emerging local artists. The exhibition contains works of all mediums combined, some inspired by daily life, some by the city and some inhabited by poetic melancholy. This exhibition’s intention is to emulate the spirit of the inhabitants of this massive neighborhood. The Blue Ribbon is on your ! Follow the exhibit during the next year through the different neighborhoods along the Blue line. Find the full exhibition leaflet and more information online here: www.massivart. ca/lerubanbleu
ANNE BERTRAND
annebertrand.tumblr.com
Anne Bertrand, née en 1992, étudie présentement la photographie à Concordia et pratique le médium depuis 3 ans, son travail s’intéresse principalement à l’étude d’espaces caractérisés par le vide et la lourdeur de leur atmosphère. Elle privilégie une esthétique sobre et épurée ainsi que des procédés symétriques rigoureux, voire quasi géométriques. L’ironie et le mystique dictent ses compositions. Anne Bertrand, born in 1992, is presently studying Photography at Concordia University and has been practicing the medium for the last 3 years. Her work is mostly concerned with the study of empty spaces occupied only by a heavy atmosphere. She emphasizes on a sober and minimalistic esthetic as well as rigidly symmetrical and geometric procedures. Irony and mysticism inspire her compositions.
Dernière journée (24X28) Impression argentique 300 $
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Dernière journée pour dernière journée d’ouverture de la piscine municipale de Saint-Jérôme, ville ouvrière, surnommée Capitale des Laurentides. Je travaille ici, chaque été, depuis quatre ans et ce jour est sacré. Il est habité d’une monotonie et d’une nostalgie palpable causées par la fin du chapitre que sont ces deux mois d’activités, deux mois chauds et mouvementés où notre équipe veille tous les jours à la sécurité des usagers. Cet emploi est pour nous tous une vacuité et une occasion de se déconnecter de nos modes de vie respectifs. Donc, 20 août, 17:00, on observe que la piscine est vide, il s’agit d’un phénomène curieux et récurrent, comme si les gens boudaient le fait qu’un service de première importance leur est enlevé. Il ne faut pas oublier que pour certains Jérômiens et Jérômiennes moins nantis, la piscine est essentielle pour passer à travers une saison qui peut leur être très difficile. L’ambiance est alors au neutre, c’est la fin des vacances et de notre présence dans le quotidien des citoyens, demain l’eau sera retirée et les plaintes retentiront.
Dernière journée for last opening day of the municipal pool of SaintJérôme, a blue collar town having merited the title of Capital of the Laurentians. I work here, each summer during the past four years, and that last day is a sacred day. It is inhabited by a palpable nostalgic monotony, caused by the ending of a chapter; two months of activities, warm and agitated months. Together our team watches over the security of our guests. This job is an opportunity to disconnect from daily life. On the 20th of August at 5 pm, the pool is empty; it is a bizarre and recurring phenomenon. It seems as if the public is somehow retaliating against the fact that a very important service is being removed from them. It is important to remember that, to some less well-off St-Jerômians, the pool is essential to get through a season that can be quite difficult for them. The ambiance is then neutral, it’s the end of the summer holidays and of our presence in the everyday lives of our citizens, tomorrow the water will be drained from the pool, and complaints will be heard.
AUDREY MALO AUDREYMALO.COM
Née en 1987, Audrey grandit sur la Rive-Sud de Montréal. Elle étudia le design graphique, pour ensuite se concentrer sur l’illustration. Elle complète actuellement un baccalauréat en Fine Arts à l’Université Concordia où elle se plaît à explorer divers médiums, tout en continuant de faire du graphisme et de l’illustration à la pige. Born in 1987, Audrey grew up on the South Shore of Montreal. She studied graphic design, then concentrating on illustration. She is in the process of finishing a Bachelor of Fine Arts at Concordia University, where she plays with many mediums, while continuing to take on contracts in graphic design and illustration.
Bulle I (11X17) Impression numérique 250 $
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Bulle II (11X17) Impression numérique 250 $
Bulle I et Bulle II sont des allégories de déplacements dans le métro et du sentiment de déréalisation qui l’accompagne lorsque l’on décide de se retirer en soi-même grâce à un lecteur mp3. Bulle I and Bulle II are allegories of trips in the metro and of the alienating feeling that accompany these voyages once we decide to retreat into ourselves with the help of an MP3 player.
MATEO
mathieubories.com
Né en France en 1985. Après un master en arts plastiques à Toulouse, il s’installe à Montréal pour y étudier et y travailler pendant 3 ans. Il entame ensuite un voyage de 8 mois à travers l’Amérique latine où il continue à produire et peint des murales au fil de ses rencontres. Ses influences se situent entre Street Art et Collage, avec une liberté totale dans les matériaux. Nous pouvons voir son travail en France, Espagne, Lettonie, Argentine, Chili, Uruguay, Bolivie. Artiste du collage et du stencil, Mathieu Bories questionne la perception du monde qui nous entoure. Son approche humaniste met en valeur une nostalgie de l’enfance ainsi qu’un romantisme effacé dans notre société contemporaine. Images oubliées, photographies, documents de voyages accumulés en quête de connaissances intemporelles sont la matière première d’une composition personnelle, un monologue de l’âme. “It’s not where you take things from, it’s where you take them to.” Jean-Luc Godard
Born in France in 1985. After a Masters in Applied Arts in Toulouse, he moved to Montreal with the intention of studying and lived there for three years. He then embarked on an 8 month voyage through Latin America, where he continued to produce art, painting murals as he met new people. His influences lie between street art and collage, with no restraints in materials. It is possible to see his work in France, Spain, Latvia, Argentina, Chili, Uruguay and Bolivia. Artist in collage and stencil, Mathieu Bories alias Mateo questions the perception of the world that surrounds us. His humanistic approach to art gives us insight into nostalgia for childhood as well as romanticism that our society erases. Forgotten images, photos and travel documents accumulated while on a quest for timeless knowledge are the base materials for personal composition, a monologue of the soul. “It’s not where you take things from, it’s where you take them to.” Jean-Luc Godard
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Con el maravilloso Rey (30X40) Médiums mixtes 960 $
“El Maravilloso Rey” fait partie d’une série de collages expérimentaux réalisés lors d’un voyage en Amérique Latine d’une année. Le principe étant de composer des images à partir d’éléments trouvés sur le chemin. Ceci afin de se retrouver dans une zone de non-confort et d’élargir sa créativité. “El Maravilloso Rey” is a piece of an experimental collage serie, completed during a one year trip through Latin America. The principle was to create images based on elements found on the way. This in order to find itself in a zone of noncomfort and wide creativity.
ROBERT CHAYER robertchayer.com
Artiste en art visuel en début de carrière, Robert Chayer a d’abord œuvré en graphisme (designer et directeur artistique). Il détient un baccalauréat (1989) en Design Art de l’Université Concordia. Il a participé à des expositions collectives du Mois de l’histoire des noirs en autre, à l’Édifice Gaston-Miron du Conseil des arts de Montréal et a été sélectionné pour l’Espace galerie au FIMA. Visual artist at the start of his career, Robert Chayer worked principally in graphic design (designer and artistic director). He has a Bachelor of Design Art (1989) from Concordia University. He participated in some collective shows during Black History Month amongst others, at the Gaston-Miron building; the Montreal Council of the Arts and was selected for L’Espace Galerie at FIMA.
Lacrima (40X51) Acrylique sur papier, encollé sur toile 2 400$
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Depuis quelques années mon thème principal demeure la condition sociale des gens. Isoler un individu pour décrire un groupe, épurer une image pour lui redonner une structure signifiante. Fasciné par les événements du nord de l’Afrique au début de 2011 appelés «les Printemps arabes», j’ai récolté sur le web des images provenant de vidéo pris par les manifestants même. Ce matériel brut, pour moi, symbolisant la résistance de la vie devant la régression, fut le ferment de mes toiles (voir sur mon site au portfolio 011). Je vous propose ici une toile de la série 2012 qui sont des impressions universelles de lutte sociale. Ce corpus qui est en production aborde le processus de réaction vis a vis des événements dramatiques et par conséquent marquants l’effort de la vie pour garder l’équilibre devant la persistance de la mémoire. Une réflexion par le fait même sur les nouveaux réseaux d’information qui nous inondent tous les jours et de partout à travers le monde.
I propose to you a painting from the 2012 series, which are universal expressions of social battles. This body of work, which I am currently producing, speaks of the process of reacting to dramatic and therefore marking events as well as the effort of life to stay in equilibrium when faced with the persistence of memory. It is a reflection in itself on new media news that floods us every day throughout the world.
Emmanuel Chieze chieze.com
Né à Paris, Emmanuel Chieze a passé sa vie adulte à Montréal. Après une carrière en informatique, Emmanuel s’est tourné vers la photographie et la peinture. Il suit actuellement une formation en photographie commerciale au Collège Marsan. Emmanuel a à son actif deux expositions solos ainsi que plusieurs expositions collectives. Sa démarche artistique en photographie questionne la notion de perception visuelle. Son approche photographique, reflet d’un regard différent du quotidien, se sert du figuratif pour en faire apparaître la structure abstraite sous-jacente, pour mettre à jour l’au-delà de l’immédiatement accessible. Ce passage du figuratif à l’abstrait se produit par exemple lorsqu’il fait intervenir le mouvement, celui des objets ou celui du photographe, ou encore la réflexion de la lumière. La répétition, que ce soit celle de la texture, de la forme, ou de la couleur, est toujours un ingrédient essentiel de son approche. Ainsi il se sert de son appareil photographique comme d’autres se serviraient d’un kaléidoscope, pour transformer des objets concrets en tableaux abstraits où les couleurs et les formes sont présentes pour elles-mêmes, et non plus dans un objectif de
Born in Paris, Emmanuel Chieze has spent his adult life in Montreal. After a career in computer technology, Emmanuel diverted his attention to painting and photography. He is currently in training for commercial photography at Marsan College. He has two solo shows under his belt as well as many collective exhibitions. Through his photo practice he questions the visual perception of everyday life by using figurative elements to make the underlying abstract structure come into light. This play between abstract and figurative leads him to use his camera as a kaleidoscope for color, form, texture and light, creating complex abstract tableaus.
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RÉFLEXIONS AQUATIQUES 015 1/5 (24X30) Impression acrylique 630 $
Dans le cas de RÉFLEXIONS AQUATIQUES 015, la prise de vue s’est faite au port de pêcheurs de Victoria, en Colombie-Britannique. L’effet du mouvement de l’eau combiné à celui d’une lumière plombante de mijournée a donné cette image si déformée d’un bateau de pêche qu’on le reconnaît à peine. L’effet kaléidoscope, pleinement observable ici, n’est donc pas le résultat d’un travail en Photoshop. L’ordinateur n’a été utilisé que pour optimiser l’image (renforcer les contrastes et ajuster les niveaux de luminosité) et non pour la transformer.
In the case of REFLEXIONS AQUATIQUES 015, the photos were taken at the fisherman’s port in Victoria, British Columbia. The combined movement of the water and the powerful midday sun deforms the image of a fishing boat so severely that it is barely recognisable. The clearly visible kaleidoscope effect is therefore not a Photoshop effect. The photo has not been tampered with at all in any way.
CÉSAR CUBILLAN ccubillan.com
César Cubillan est un artiste polyvalent qui oeuvre autant en arts visuels (dessin-peinture et sculpture) qu’en art multimédias. Originaire de Maracaibo, Venezuela, César s’installe à Montréal pour poursuivre sa carrière artistique dans le domaine des arts visuels. Initialement formé en beaux-arts, il a ensuite complété un baccalauréat en infographie Multimedia.
César Cubillan is a multidisciplinary artist working as much in sculpture, painting and drawing as in multimedia. Originally from Maracaibo, Venezuela, Cesar has moved to Montreal to pursue his artistic career in the field of the visual arts. Initially trained in the Fine Arts, he then achieved a Bachelor’s Degree in Graphic design and Multimedia
Blue01 (8.8X23.2) Iinstallation lumineuse 890$
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Blue01, est une oeuvre qui représente la transition constante de la société moderne montréalaise. Montréal est une société pleine de vie et de culture, dans laquelle toutes ses composantes, humaines, technologiques et naturelles, se trouvent liées les unes avec les autres d’une manière complexe tout en étant fluides, avec des intérêts et des besoins communs. Cette oeuvre est faite de matériaux modernes comme le plexiglas, le vinyle et quelques composantes électroniques. Elle est basée sur les arts et les techniques classiques comme le design et la peinture, tels que nousmêmes. Nous sommes aussi un mélange du traditionnel et du moderne. La ligne Bleue flue à travers les quartiers, apportant avec elle un bagage multiculturel qui va et vient d’un coin à l’autre. Elle nous fait interagir, réagir et réfléchir, consommer et produire. Nous naviguons et nous explorons nos quartiers de la même façon que les anciens explorateurs se sont promenés sur la Rivière du Saint-Laurent, il y a bien des années.
Blue01 represents the constant transition of contemporary Montreal culture. Montreal is a society full of life and culture, within which all its components ; human, technological and natural find themselves linked to each other in a complex and fluid manner, all of them have the same needs and interests. This work is made of modern materials; Plexiglas, vinyl and electronic components. However, this work is based on classical techniques of design and painting, combining the old and the new. We ourselves are a mix of traditional and modern. The Blue Line pass through neighborhoods, bringing with it a multicultural baggage that is always going back and forth. It helps us to interact, react, think, consume and produce. We explore and navigate our neighborhoods as the same way that the early explorers traveled the St Lawrence River, many years ago.
Sabrina Desmarteau sabrinadesmarteau.com
Née à Montréal en 1982, Sabrina Desmarteau vit et travaille dans la métropole. Invitée à être soutenue par la galerie ESPACE PROJET art contemporain + design à Montréal suite à la fin de son baccalauréat en arts visuels et médiatiques, Sabrina y expose ses séries de tableaux depuis 2010. La jeune artiste de la relève marque une étape dans sa recherche sur les icônes architecturales montréalaises qu’elle qualifie comme faisant partie du patrimoine urbain avec une préoccupation environnementale actuelle. Afin d’exprimer son sentiment d’appartenance à sa ville, elle fait appel aux faits marquants de l’histoire, telle que l’Expo 67 qui a contribué au développement de la ville de Montréal. Dans son oeuvre, l’accumulation de lignes et les formes géométriques soutiennent la complexité du monde vivant fragilisé par un certain éclatement, suscitant au récepteur une remise en question et une implication au changement. En somme, son art a pour objet de transmettre la préservation de ces icônes architecturales nouvellement transformées.
Born in Montreal in 1982, Sabrina Desmarteau lives and works in the city. Invited to be supported by the gallery ESPACE PROJET art contemporain + design à Montréal once she had finished her Bachelors in Visual and Media arts, Sabrina has been showing her work since 2010. The young upcomingartist is exploring the architectural icons of Montreal that she considers to be urban patrimonial heritage, with a preoccupation for our present environment. In order to express her feeling of belonging to her city, she refers to important landmarks in history, such as Expo 67, which greatly contributed to the growth of the city of Montreal. In her work, the accumulation of lines and geometric forms emulates the fragility and complexity of the world, reinventing and preserving the newly reinvented icons.
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La machine procède de la géométrie| Métro de Montréal #0005 (36X40) Acrylique et huile sur canevas 750$
Sabrina Desmarteau a été découverte avec sa série de tableaux qui a pour titre : La machine procède de la géométrie|Métro de Montréal, qu’elle a exposé à ESPACE PROJET en 2010 et en 2011. Cette série de tableaux propose six oeuvres regroupées sous le thème du métro de Montréal. L’artiste de la relève a une grande fascination pour le plan utilisé dans le domaine de l’architecture. Il s’agit d’une mise en application de différents principes d’architecture, qui sont nécessaires à son travail : plans, conceptions d’espaces, structure, urbanité. Ce plan lui offre de multiples visions de l’espace et sa peinture suggère une nouvelle façon d’entrevoir la ville comme une structure avec ses infrastructures. Avec les techniques de peinture et de dessin, elle se plaît à représenter le paysage urbain de manière à ce que le procédé géométrique devienne un moyen de percevoir et d’exprimer la réalité. Dans son oeuvre, la ligne droite omniprésente crée des circuits et des réseaux. À travers cette démarche, la circulation prend une autre allure créant un nouveau code. Pour y parvenir, elle utilise des aplats isométriques ou en perspective créant des espaces construits et déconstruits : figuratifs et abstraits. Chacune des juxtapositions bigarrées apposées sur le canevas est destinée à subir un traitement graphique par la couleur, la perspective, l’épaisseur des traits et la géométrie. Le tableau devient alors la construction d’un paysage urbain élaboré autour du transport et du bâtiment. Le regard oscille constamment entre l’ensemble et le détail dans une organisation complexe.
The recent works of Sabrina Desmarteau make up the series named: La machine procède de la géométrie | Métro de Montréal. For her first solo show at ESPACE PROJET, the artist showed a series of six works around the theme of the Montreal Metro. Desmarteau has a fascination for architectural plans. She exploits the different principles of architecture that are necessary to her work : plans, the organisation of space, structure, and urbanism. This plan gives her a wide array of visions of space and her paintings suggest a new way to see the city as a structure with its infrastructures.
Caroline Dejeneffe artwork.cd
Née en Belgique en 1985, d’un père ventriloque et d’une mère musicienne, cette artiste française a passé son enfance dans les coulisses des plateaux de télévision et des théâtres parisiens. Bercée très jeune par les questions artistiques et le mode de vie de son milieu familial, elle développe avec le temps une sensibilité particulière qui aiguise son esprit d’analyse sur le monde qui l’entoure. Elle entreprend plus tard des études en arts plastiques et en beaux-arts qu’elle achève à Montréal avec mention d’honneur. En 2007 elle part pour Londres travailler à la création d’accessoires pour la société LLROK et crée en parallèle une ligne de sacs à partir de matériaux détournés. Elle collabore ensuite avec Kelvin Birk à une collection de bijoux modernes qui sera exposée en 2008 au V&A Museum. Depuis 2010, elle continue à développer son travail artistique dans l’art contemporain. Notamment dans des expositions telles que Chromatic ou Art Souterrain à Montréal ou Le Nouveau Festival du Centre Georges Pompidou à Paris. La plupart de ses travaux actuels sont des oeuvres de grand format.
Born in Belgium in 1985, of a ventriloquist father and musicial mother, this French artist spent her childhood backstage on tv sets and in theatres of Paris. Faced early with musings on art and her family’s lifestlye, she developped a keen sense of analysis of the world around her. Later, she studied in Fine Arts and Visual Arts, which she achieved with honors. In 2007, she left for London to work in the creation of accessories for LLROK and made her own line on the side of bags made from recycled materials. She then collaborated with Kelvin Birk in the creation of a collection of modern jewellry, which showed in 2008 at the V&A Museum. Since 2010, she has continued to develop her work in contemporary art. She showed in Chromatic as well as Art Souterrain and the Nouveau Festival du Centre Georges Pompidou in Paris. Most of her current work is large scale.
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Processus cognitifs (47 X 100) Acrylique sur toile 4500$
La vie consiste en une série interminable de choix. Tous sont de plus en plus teintés de nos expériences. Ainsi, toute forme de douleur s’ancrera en nous et modifiera pour toujours nos décisions futures. Cette œuvre est une proposition graphique de description des processus cognitifs humains, mettant en scène deux expériences distinctes, la première (toile de gauche) correspondant à la perception d’une information liée à un souvenir relativement neutre d’émotion, la deuxième (toile de droite), représentant le cheminement d’une information liée à un souvenir douloureux. Les processus cognitifs humains utilisent deux mécanismes fondamentaux qui sont, l’assimilation ou phase d’appropriation, de décodage et de transformation (partie supérieure gauche de chaque tableau) où l’information tend à s’identifier à une expérience antérieure. Vient ensuite l’accommodation (partie inférieure droite) qui est l’adaptation du souvenir passé dans la situation présente. Life is an endless sequence of choices, each more and more tinted with our experiences. Therefore, all forms of pain anchor themselves in us and forever affect our future decisions. This work is a graphic interpretation of the human cognitive process, representing two distinct experiences: on the left, the representation of a reaction to a neutral memory, the right, representing the trajectory of information related to a painful memory. The human cognitive process consists of two main mechanisms : assimilation or appropriation, decoding and transformation ( top left side of each canvas) where the information is associated to a previous experience. Next comes accommodation (lower right) between past and present memories.
Sébastien Gaudette sebastiengaudette.com
Artiste peintre autodidacte, je me suis spécialisé dans l’intégration de plusieurs techniques en art visuel. J’explore constamment la déconstruction de l’objet ainsi que la combinaison de matières. L’abstrait et le réel, la logique et l’absurde, le rationnel et l’émotionnel se rencontrent dans mes œuvres. Elles illustrent la tension existante entre les hémisphères droit et gauche du cerveau.
Self-taught artist, I specialised in the mixing of many visual arts techniques. I explore the deconstruction of the object as well as the combination of mediums. Abstraction is reality and logic is absurd; rational and emotional meet within my work. They together illustrate the existing tensions between the two hemispheres of the brain.
L’armée des saltimbanques (36X72) (tryptique) Médiums mixtes 2500$
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L’œuvre intitulée “L’armée des Saltimbanques” a été réalisée durant l’année 2011 et fut présentée lors d’une exposition solo au Musée Régional de Vaudreuil-Soulange dans le cadre du projet artistique TRACE la même année. Inspiré du célèbre personnage de Hitchcock, il est représenté dans l’œuvre comme un symbole de sa grandeur au cinéma de l’épouvante.
The piece titled ‘’ L’armée des Saltimbanques’’ was made in 2011 and was shown in my solo show at the Musée Régional de Vaudreuil- Soulange in the context of the TRACE art project of the same year. Inspired by Hitchcock, this piece shows him as a symbol of grandeur in horror cinema.
Élise Desrosiers
cargocollective.com/elisedesrosiers
Motivée depuis toujours par la notion d’esthétisme et le souci du détail, Élise s’exprime à travers la création d’ambiance. Elle puise directement son inspiration dans le fait de métamorphoser les choses, de les rendre plus charmantes à l’œil. Au fil de ses études en design graphique, cette fervente de mode, déco et DIY révèle une signature bien à elle à travers les images colorées qu’elle confectionne. Assez rapidement, on y remarque une véritable histoire de coeur entre elle et son premier béguin, l’illustration. À peine sortie de classe, elle devient d’ailleurs lauréate du concours LUX 2008 grâce à l’une de ses illustrations académiques. Dans le cadre de ses recherches créatives, son côté bonbon, vintage et pétillant dicte ses compositions. C’est à travers plusieurs collaborations avec MASSIVart qu’elle eut la chance d’exposer dans différents événements culturels inspirants. Vous reconnaîtrez son univers par sa palette de couleurs vives, son trait vacillant et sa coquetterie poétique.
Motivated since the start by the notions of aesthetics and a strong attention to detail, Elise expresses herself through the creation of an ambiance. She draws her inspiration directly through the act of metamorphosing things, making them more pleasing to the eye. Throughout her studies in Graphic Design, this fashion, décor and DIY fiend revealed a trademark style of her own through the colored images that she creates. It becomes quickly obvious that there is a real love story between her and illustration, her first love. Freshly graduated, she received the Lux award in 2008 for one of her academic drawings. During her creative experiments, her cotton-candy side, vintage and full of spark dictates her compositions. It is through multiple collaborations with MASSIVART that she gained the opportunity to show her work in many stimulating cultural events. Her work is recognizable through her bright color palette, her quivering line work and her poetic coquetry.
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Cordon bleu (11 1/2 X 15 1/4 ) Impression numérique 120$
BLEU. Voici l’une des 3 couleurs primaires que l’on côtoie tous les jours, et ce, dans plusieurs contextes inspirants. J’avais définitivement l’embarras du choix ! Dans ma recherche, après avoir épluché cette couleur de long en large, j’avais envie de travailler sur un concept simple qui parle aux gens au quotidien. Après plusieurs essais / erreurs, le tout s’est arrêté sur le thème de la nourriture. «Cordon bleu» / «Manger un steak bleu» voilà ce qui m’a inspiré une combinaison que j’avais envie de rendre sympathique et rigolote. C’est avec la venue d’une perruche que le tout a pris vie. C’était maintenant elle la chef cuisinière qui allait préparer ledit steak bleu. Prête à déguster son chef-d’oeuvre, bavette au cou et vêtue tout de bleu, elle se pose sur sa pièce de viande comme si c’était un précieux trophée. Dans mon illustration, j’avais envie de donner un 2e sens au bleu, qu’il ne soit pas seulement présent par sa couleur concrète.
BLUE. One of the 3 primary colors we come across every day in different inspiring contexts. In my research, after having explored this color through and through, I wanted to work on a simple and universal concept that speaks to people on a daily basis. After many trials and errors, I came to food. ´Cordon bleu’ / ´Manger un steak bleu’ is what inspired me to make this combination silly and fun. With the arrival of a parakeet in the role of the cook, all came together. Ready to enjoy its steak, napkin at the neck and attired in blue, the bird poses on her meat as if it was a trophy. I wanted, through the illustration, to give the word ‘blue’ a second sense, not only its meaning as a color.
JJ Levine jjlevine.ca
JJ Levine est une artiste de Montréal qui fait du portrait intimiste. Levine détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia avec une concentration en études interdisciplinaires en sexualité. Ses photographies explorent les problématiques liées à l’identité de genre, la sexualité, l’identité de soi et aux espaces queer. Levine a présenté ses œuvres dans des centres d’artistes autogérés, des galeries commerciales, des festivals d’art, des conférences académiques, et elles ont été publiées dans de nombreux magazines d’art au Canada, en Europe, et en Amérique de Sud. La pratique artistique de Levine met de l’avant des enjeux politiques et une esthétique formelle puissante. JJ Levine is a Montreal-based artist who works in intimate portraiture. Levine received a BFA in Photography and Interdisciplinary Studies in Sexuality from Concordia University. Levine’s photography explores issues surrounding gender, sexuality, self-identity, and queer space. Levine’s work has been exhibited at artist-run centres, commercial galleries, art festivals and academic conferences across Canada, the United States, and Europe. As well, Levine has guest lectured for several university courses and has been featured in Gender Studies journals and art photography magazines internationally. Levine’s artistic practice balances a political agenda with a strong formal aesthetic.
Tapestry (30x40) Impression c-print 840 $
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Une tapisserie est suspendue sur un fond de tapisserie turquoise. Un personnage portant des caleçons de petit garçon est couché sur un canapé couvert du même motif fleuri que les murs. Dans la première image, le modèle est recroquevillé sur lui –même, sur le canapé, dos à la caméra. La lumière effleure son dos, faisant ressortir l’apparence de ses muscles et son ossature, telle une carte topographique. Cette photographie, révèle le corps d’une forme androgyne de la femme mannequin. Cette androgynéité est juxtaposée avec le fond fleuri de la tapisserie et le canapé très chargé de genre, qui envahit le restant des images. Ce travail fait référence à la femme nue allongée de l’histoire de l’art, en la subvertant; la mannequin a les cheveux courts, plusieurs tatouages et une identité de genre ambiguë. Cette série contient six photos saturées de couleur, prises en studio de 30x40 pouces.
Tapestry is set against a hanging backdrop of turquoise tapestry. A figure wearing boy’s underwear is lying on a couch covered with the same floral-patterned fabric as the walls. In the first image, the model is curled up, lying down on the love seat with thier back to the camera. The light hits the back in such a way that the bones and muscles come into topographic relieve. This photographyreveals the body of the androgynous form of the model. This androgyny is juxtaposed with the gendered background of the floral motif of the couch/wall cover, which floods the rest of the frames. This work references the art-historical female reclining nude, and in doing so it subverts that genre: as the model has short hair, tattoos, and a queer/androgynous gender presentation. This series contains six studio-lit, saturated-colour images printed 30x40 inches. However, it may be presented as a triptych or as a single image depending on the context.
GeneviÈve Giroux Bédéiste et illustratrice, Geneviève Giroux s’intéresse aux quartiers montréalais. En 2012, elle a entre autres collaboré aux événements Lire Montréal, le Mois de la BD et 100 ans Saint-Michel. Elle a également participé à la Manif de bonhommes, à l’exposition Néofolk et au livre Carré rouge de Jacques Nadeau.
Illustrator and graphic novelist, Geneviève Giroux has an interest in the different neighborhoods in Montreal. In 2012, she amongst other things, collaborated in the event Lire Montréal, Le Mois de la BD and 100 ans Saint-Michel. She also participated to the Manif de bonhommes, and the exhibition Néofolk and to the book Carré Rouge by Jacques Nadeau.
Le déménageur (13 X 17) Impression numérique 75 $
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La couleur bleue est très présente dans mes illustrations et mes bandes dessinées. J’utilise souvent le bleu et le blanc à la place du classique « noir et blanc ». Par exemple, lorsque j’ai créé ma bande dessinée sur le quartier Saint-Michel, le bleu était la couleur qui dominait, car je voulais faire un lien avec la ligne bleue du métro… L’œuvre Le déménageur est l’illustration d’un personnage travaillant dans la Petite-Patrie tout près de la rue Jean-Talon à Montréal. Cet homme est sensible aux chats abandonnés lors des déménagements. J’ai créé cette illustration à partir d’une photographie prise sur la rue Boyer et d’un dessin.
The color blue is very present in my illustrations and comic strips. I often use blue and white instead of the classical black and white. For example, when I made my comic about the Saint-Michel neighborhood, blue was the dominant color, because I wanted to link it to the Blue metro line. The piece ”Le déménageur” is an illustration of a person working in PetitePatrie near Jean-Talon street in Montreal. This man has a soft spot for cats that were abandoned during moves. I created this illustration inspired by a photo taken on Boyer street and from another drawing.
MA” carassou maillan macarassoumaillan.com
Vidéographe/vj et artiste visuelle, Ma” Carassou-Maillan a participé à de nombreuses créations visuelles pour des festivals en Europe et à Montréal ainsi que pour la télévision et la radio. Dans le cadre de ses recherches créatives, Ma”explore l’espace en s’inspirant de méthodes mathématiques. En se penchant sur le code, la data visualisation, l’art génératif et la photographie, Ma” découvre de nouvelles possibilités de visualisation composées d’images en mouvements. Utilisant habituellement la vidéo comme médium de diffusion, elle expose aujourd’hui son travail artistique grâce à la photographie.
Videographer, vj and visual artist, Ma” Carassou-Maillan has participated to many works for festivals in Europe and in Montreal as well as for the television and radio. In her creative explorations, Ma” explores space and draws inspiration from mathematical methods. Working on code, data visualisation, and photography, Ma” discovers new visual possibilities composed of moving images. Using video as a main means of diffusion, she also shows her work through photography.
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TRACE 02 (12X12) Papier métallique 300$
Ma” Carassou-Maillan amplifie la beauté mathématique des mécanismes du code informatique jusqu’à une abstraction visuellement élégante et organique. À travers un processus répétitif de projection et de prise de photographie, Ma” Carassou-Maillan génère différents patterns et mouvements qui créent des formes aléatoires ou contrôlées et laissent ainsi des traces d’objets et de lumières que le capteur de la caméra saisit à la manière d’une persistance rétinienne.
Ma” Carassou-Maillan amplifies the beauty of mathematics and the mechanisms of computer coding into elegant and organic visual abstraction. She repeatedly projects and photographs her images, generating images, patterns and movement of unpredictable nature leaving nothing but a trace of the original object.
Isabelle Guichard
isabelleguichard.blogspot.com
Née en France, Isabelle Guichard part vivre 1 an en Chine à 16 ans. Après un diplôme d’Arts Appliqués à Paris, elle travaille à Hong Kong en tant que Designer d’Intérieur/Graphiste pendant 4 ans. Elle développe sa carrière artistique à Montréal depuis 2010 (Chromatic, Art Souterrain 2012 : La Marelle, édition 2013 à venir.)
Born in France, Isabelle Guichard spent 1 year living in China at the age of 16. After obtaining a diploma in Applied Arts in Paris, she worked in Hong Kong as an Interior/Graphic Designer for 4 years. She has developed her artistic career in Montreal since 2010 (Chromatic, Art Souterrain 2012 : La Marelle, edition 2013 to come.)
COSMOS 1, COSMOS 2, COSMOS 3 (16 X 13) Papier, stylo encre, feutre 139 $ chaques
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Isabelle Guichard vise principalement à développer la figuration et l’expérimentation de l’espace (au sens de vide et plein) et de l’Espace (au sens d’Univers), et ce de par son expérience dans le domaine de l’Architecture d’Espace et son attrait pour l’Astronomie. L’imagerie du ciel et de ses merveilles lui tient à cœur, et éveiller les êtres humains à la beauté du monde peut en découler. Le questionnement sur l’identité est souvent évoqué, la place que nous avons, que nous prenons en tant qu’entité humaine sur la Terre, et les uns par rapport aux autres. Avec son expérience de vie au sein des différentes cultures asiatiques, elle explore souvent la gestuelle des lignes calligraphiques et des lignes du corps, sur papier et dans l’espace. Ici, la ligne est utilisée dans plusieurs de ses variantes. Ainsi le pointillé peut retracer nos chemins épars ou bien les points figurer nos existences, qui peuvent être solitaires ou se croiser par moments sous différentes configurations. Que signifient nos vies comparées à l’infini de l’Espace ? Où nous plaçons-nous ? Le vide s’installe-t-il par moments ? Quant aux cercles, ils peuvent représenter des cycles infinis de renouvellement, de renaissance, en somme une évolution spirituelle. Ou bien, ils sont la voûte céleste qui nous semble divinement vaste au-dessus de nos têtes et pourtant nous masque la réalité au-delà de notre vision de Terrien, et ceci excepté pour certains êtres humains qui transcendent toutefois les limites survenues progressivement à partir de notre naissance.
Isabelle Guichard aims mainly to develop figuration and the experience of space (sense of absence and fullness) and of Space (the Universe), this through her experience in Interior Design and her attraction to Astronomy. Imagery of the sky and its wonders inspire her and she wishes to transmit that wonder to others. Her work often speaks of identity, the roles we play as Humans on Earth and in our relations between people. Considering her baggage living submerged in different Asian cultures, she often explores gestural lines and calligraphy-inspired movements on paper and in space. The line in this context represent our trajectories in life, crossing other trajectories, other people) as well as expressing passages of solitude. What does life mean in relation to the infinity that is Space? Where is our place ?
Maxime Boisvert maximeboisvert.com
Maxime Boisvert a d’abord étudié en littérature avant d’en venir ensuite à la photographie. C’est à l’aide de ce médium qu’il tente de questionner nos mécanismes de perception, et donc notre rapport au monde, au réel. Soit en déformant la réalité, soit en nous incitant à en faire une autre lecture en manipulant les automatismes de notre regard.
Maxime Boisvert first studied in Literature before coming to photography. It is through this medium that he attempts to question our tools of perception, and consequently our relationships to the world, to reality. He does this by deforming reality to make us question what we are looking at before jumping to conclusions.
Cosmos # 327 (24x24) Impression numérique 350 $
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Depuis Descartes, nous n’avons de cesse d’isoler les éléments que nous étudions, de créer des distinctions entre ce qui fait partie d’un tout; le corps et l’esprit, soi et les autres, l’homme et l’animal, l’homme et son environnement, l’homme et l’univers... Le terme «acosmie» renvoie au fait de ne plus se sentir, en tant qu’individu, comme une partie intégrante du cosmos, de ne plus en avoir une vision inclusive. Nous nous extrayons du monde pour penser les choses, les divisons pour les observer, les catégorisons pour les comprendre. Cependant l’existence est dans la relation et nous l’oublions, tellement notre approche théorique du monde s’est insinuée dans notre compréhension réelle. Ce projet part de cette idée que nous observons le monde comme si nous étions à l’extérieur, et de ce fait nous créons un autre univers que le nôtre, et celui-ci n’est pas viable. Chaque cosmos de ce projet comporte ses ingrédients spécifiques et ses carences. Ils sont réalisés, comme si quelqu’un aurait vous créer un univers à partir d’éléments essentiels, dans un espace circonscrit. Son entreprise est vouée à l’insuccès, car le cosmos est composé de tout et ne peut exister en dehors de soi. «[...] «concrescence» - le fait de «croître» ensemble - implique que, dans la réalité, les choses et les êtres sont liés concrètement, car ils ont grandi ensemble depuis que la vie existe. Les choses ne sont donc pas des objets. Elles ne sont même pas réductibles à des objets, car elles se sont formées dans le tissu de corrélations qui a également produit notre propre existence, par un enchaînement qui est toujours présent au fond de notre chair [...] Since Descartes, we have isolated phenomenons from one another : man/animal, man and environment, man/the Universe, body and soul… The term ”acosmia” refers to the reality of one not feeling one’s self as an individual, as part of the Cosmos, to no longer se one’s self as a part of the whole picture. We retreat from the world to think things over, to dissect them, to classify them and to understand them. It is important not to lose touch with the world, because it is that contact that reminds us that existence exists in our relation with reality. This project springs from the idea that we observe the world as outsiders, and through that we create a universe that is not viable. Each cosmos in this project has very specific and different ingredients and flaws. The universe disappears when it is outside of us, it cannot survive. People and things cannot function independently of one another, because they were born together since the birth of life.
NOÉMIE LETU noemieletu.com
Noémie Letu est une photographe originaire de France, elle vit et travaille à Montréal depuis 2008. Également, réalisatrice d’événements culturels, elle puise son inspiration de ses expériences et rencontres dans le secteur culturel montréalais. Avec des compositions inattendues et une utilisation exclusive de la lumière naturelle, Noémie documente sa ville, son quartier le Mile-End, ses artistes et ses habitants avec douceur et nostalgie. Noémie Letu is a French photographer, based in Montreal since 2008. She is also the organizer of large scale cultural events, drawing inspiration from her encounters and experiences in Montreal culture. Using particular composition and strictly natural lighting, Noémie catalogs her city, her neighborhood, the Mile End, other artists and inhabitants with gentleness and nostalgia.
L’atelier 1 (12X18) Impression numérique 100 $
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Pendant un an, avoir la chance de partager un atelier avec une peintre, Dominique Goupil. Pendant un an, se sentir comme une petite souris. Pendant un an, être entourée de pigments et de beauté. Ces photographies sont le résultat de différents moments et flâneries passés à l’atelier 203 des ateliers d’artistes du 5795 De Gaspé. Ce travail est la suite d’une première série réalisée en 2011: Mile End, radiographie du secteur de la création, projet collectif sur les ateliers d’artistes du Mile-End.
During one year, she shared her studio with a painter, Dominique Goupil. During that year, she felt like a mouse, surrounded by pigments and beauty. These works are the result of different moments in the studio 203 of the artist workshops of 5795 De Gaspé. This work is the continuation of a first series from 2011 : Mile End, radiographie du secteur de la création, collective project on the Mile-End artist studios.
L’atelier 2 (12X18) Impression numérique 100 $