Panorama Del Rococo ,
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Contexto histórico y social Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis XIV. La transición del Rococó, también conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas y expresiones artísticas empezó hacia 1720. 2
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Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», fue despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas con la palabra rococó, que es una composición de «rocaille» (piedra) y «coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas irregulares. Otras versiones buscan el origen en rocaille, un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento. Aunque el Rococó haya sido un arte convencionalista y cortesano, es un ejemplo de cómo el arte es expresión de la vida social y de cómo un estilo puede estar dirigido
a individuos dentro de dicha sociedad y no a sus monarcas o dioses. El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales. Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la griega», embrión del Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI.
SOL Declive del Rococó
El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano, por el artista Ronald Rizzo. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.
El fin del Rococó se inicia en torno a 1760, cuando personajes como Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 el Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo neoclásico. El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone
Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes por objetos rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix dan valor nuevamente al estilo.
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Arquitectura Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura rococó en la Alemania meridional. Una de las características del estilo rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. El interior será un lugar de fantasía y colorido muy recargado, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en las edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajas y curvas rodeado de un jardín o inmerso en un parque natural. res y mobiliario.
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En este momento la ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la puerta, ventana o «ventana francesa», obteniendo una interrelación entre interior y exterior que consigue la ideal fusión con la naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se descartan los marcos en ángulo recto, demasiado rígidos, y se adoptan ventanas arqueadas. Se elimina o reduce el uso de esculturas monumentales, limitándolas a la ornamentación de los jardines. En cualquier caso, el aspecto más destacable de los interiores rococós es la distribución interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribución muy sencilla. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada funcionalidad, combina ornamentación, colores y mobiliario. Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas tuvieron muy poco reflejo en las construcciones oficiales, fueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía.
Palacio de Sanssouci, Potsdam. En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con mucha fuerza y supera las fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el estilo a construcciones religiosas que consiguió el Rococó alemán. Entre los autores de las obras más destacadas encontramos a artistas franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam, Charlottenburg en Berlín, los Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl, Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.
SOL Las paredes pueden ser tapizadas con tela o pintadas. El motivo principal – relieves y tallas. Molduras en forma de rollos, conchas, cupidos. Rococó da la bienvenida redondeando así que la transición de las paredes al techo también debe ser lisa, redondeada. La combinación de las paredes y el techo se puede alcanzar con la ayuda del patrón general, hilo o frescos.
ROCOCO EN DISEÑO DE INTERIORES Elegante, coqueto, lujoso y juguetón el estilo rococó es ideal para habitaciones exquisitas, salones de cámara y acogedoras salas de estar. El estilo rococó en el diseño de interiores de casas, apartamentos o salones, refleja el deseo de los propietarios para enfatizar el alto estatus y excelente sabor, Todo lo anterior expresado en el amor por los detalles, en una combinación cuidadosamente pensada de muebles y diseño de interiores, la capacidad de combinar las formas dinámicas con líneas frías. Hay amantes de este estilo en todo el mundo.
Lámpara de cristal imitando candelabros con muchas velas, floreros elegantes, cajas, marcos, espejos, pantallas, porcelana y madera, relojes de oro y almohadas decorativas con bordados. Colores suaves, combinados con el dorado: rosa claro, crema, azul, tonos claros de púrpura, verde, amarillo, melocotón, perla, colores crema. . Materiales de calidad: madera natural, telas elegantes (brocado, seda, satín, terciopelo), cristal y cristal, elementos metálicos forjados (bronce, latón, cobre, etc.), dorado natural y artificial.
Uso de estilo chino, debido a las tendencias de la moda con su lujo oriental: pantallas, cortinas, ventiladores, tapices con paisajes orientales y encantadoras mujeres chinas con traje elegante. . Rococó tiende a temas mitológicos y eróticos: imágenes y figuras de ninfas, cupidos, dríades, dioses y diosas antiguas que adornan el interior en este estilo. . Los fundamentos del estilo son la asimetría, líneas suaves, formas redondeadas, carga decorativa. Este estilo encarna el espíritu del boudoir – íntimo, femenino, lujoso y cómodo. Estilo rococó en el interior de la casa es el encanto de la exquisita elegancia, el toque de secretos: salas secretas, cajones ocultos de armarios y escritorio con particiones invisibles. El estilo rococó es una mezcla de sentimentalismo y provocación, elegancia, facilidad y detalle en el diseño interior.
. Habitaciones elegantes y confortables.
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Mueble: . Los muebles de estilo rococó son cómodos y lujosos: sillas suaves, sillones, sofá. . Elegantes bancos y mesas, tocadores y mesitas de noche. . Mesas decorativas. Lujosas camas con un cabecero tallada. . Las piernas talladas y redondeadas de sillas, sofás, mesas y sillas son tópicas. . Ricamente decorado con tallas de estuco, muebles de bordado.
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Este mobiliario es perfecto si quieres aportar un toque lujoso a tu estancia. El rococó se llevó a cabo entre los años 1730 y 1760. En este estilo se copiaron las formas de los empapelados de las paredes para crear respaldos de sillas y sofás. Está compuesto por piezas exóticas, exuberantes y curvilíneas similares a las que decora el Palacio de Versalles. Decorar con muebles rococó Puedes llevar el estilo rococó hasta el extremo si adoras la decoración recargada o exagerada o decorar tan solo con algunas piezas. Tanto si vas a decantarte por la primera o por la segunda opción, te vendrá bien saber cuales son las características de este mobiliario para poder distinguirlo correctamente.
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Muchas personas confunden el rococó con el barroco, y en realidad el rococó nació como una antítesis del barroco. Mientras que el mobiliario barroco se decanta por la simetría y la prominencia de colores oscuros, el rococó apuesta por la asimetría y los tonos luminosos, suaves y claros. Los colores de moda fueron los pastel, sobre todo los verdes, azules, dorados, rosas y beige
Aunque recargados, son muebles livianos, de talla reducida y fáciles de mover. Los cortesanos y burgueses querían reflejar su riqueza y querían piezas que pudieran utilizar en sus reuniones sociales, y es que ¿para qué sirve tener un mueble lujoso sino puedes presumir de él?
SOL Mobiliario y objetos decorativos durante el periodo Rococó Diván de estilo rococó.
La mayoría de los muebles de este estilo están enfocados a las mujeres. En esa época, eran las cortesanas francesas quienes dictaban la moda de la época. Los artesanos crearon tocadores y escritorios con compartimentos ocultos. Se preocuparon por crear muebles cómodos y apostaron por las tapicerías uniformes en sillones y sofás.
La temática ligera pero intrincada del diseño rococó se adecúa mejor a los objetos de talla reducida que a la arquitectura y a la escultura. No sorprende por lo tanto que el Rococó francés fuera utilizado sobre todo en el interior de las casas. Figuras de porcelana, platería y, ante todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando la alta sociedad francesa quiere adecuar sus casas al nuevo estilo. Los diseñadores franceses, como François de Cuvilliés y Nicolas Pineau, exportan el estilo a Múnich y San Petersburgo, mientras el alemán Juste-Aurèle Meissonier se trasladó a París, si bien hace falta considerar a Simon-Philippe Poirier como el precursor del Rococó en París. El Rococó inglés tiende a ser más moderado. El diseñador de muebles Thomas Chippendale mantiene la línea curva pero menos ampulosa que la del mueble francés.
Los muebles estaban pensados para socializar. Era muy común reunirse alrededor de las mesas de juegos y cartas.
El mayor exponente del Rococó inglés fue, probablemente, Thomas Johnson, un escultor y proyectista de muebles ubicado en Londres a mediados de 1700.
Mobiliario El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses, alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva en tres dimensiones, donde las superficies embarnizadas se completaban con marquetería de bronce. En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente de madera, eran menos macizos y se presentaban como composiciones de motivos florales, escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra. La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Los asientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendencia general a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a los salones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, Este nuevo concepto de la comodidad y una actitud más despreocupada respecto al cuerpo humano, la inquietud por desarrollar actividades intelectuales y lúdicas en los espacios privados, propicia el desarrollo de nuevos diseños de muebles.
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Pintura en el Rococo En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar los artistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada veduta. Entre las figuras más importantes a considerar encontramos: Giovanni Battista Tiepolo, Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto y Francesco Guardi. A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las artes decorativas, el estilo mostró su influencia también en la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década de 1730.
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SOL Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura. El retrato también fue popular entre los pintores rococós, en el que los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos.
Jean-Antoine Watteau (1684–1721) Es considerado el más importante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico: las fêtes galantes (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 37 años, tuvo una gran influencia en sus sucesores, incluidos François Boucher (1703–1770) y Jean-Honoré Fragonard (1732–1806), dos maestros del periodo tardío.
Esta pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como Pintura Rococó, pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los pintores usaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubines.
Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad.
Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas.
Era hijo de un artesano techador de Valenciennes, ciudad
Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet.
flamenca que acababa de pasar a dominio francés. Comenzó su aprendizaje a los once años con el pintor decorador Jacques-Albert Guérin. Se trasladó, a la muerte de este (1706), a París. En la capital, se unió a los pintores flamencos del barrio de Saint-Germain-des-Prés. Ingresó en el taller de Claude Gillot, gracias a cuya colaboración frecuentó los ambientes de la farándula y el teatro que le servirán como motivo de inspiración, así como la sociedad elegante. Fue también alumno de Claude Audran III. Fracasó en el concurso para el Prix de Rome, que le hubiese proporcionado una beca para estudiar en Roma. Desencantado por sus pobres progresos, en 1709 regresa a su ciudad natal, dedicándose a la realización de escenas de posadas y sol Desencantado por sus pobres progresos, en 1709 regresa a su ciudad natal, dedicándose a la realización de escenas de posadas y soldados. Dos años después regresa a París, y continúa su relación con el mundo teatral, representando a diversos personajes y obtiene buenos ingresos. Se retiró a Norgent-sur-Marne. Murió tuberculoso a los 37 años.
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LA MODA DEL ROCOCO La evolución de la moda entre el Renacimiento y el Rococó fue tan compleja y excéntrica que el pensamiento neoclásico buscó una relación más utilitaria con la ropa. Esta exigencia social produjo, poco antes de que Rousseau empezara a reflexionar sobre ello, unas propuestas estéticas que se pusieron en práctica a finales del siglo XVIII. Con la muerte de Luis XIV y la coronación de Luis XV en 1715, floreció un estilo elegante y refinado llamado “rococó”. Aunque el término fue utilizado despectivamente en el siglo XIX, hoy día se refiere a un estilo artístico general representativo de la armoniosa cultura francesa. La cultura responsable del estilo “rococó” se caracterizaba por la búsqueda del placer personal. Como ese placer también incluía la indumentaria, también esta fue pronto elevada a la categoría de arte. Aunque Francia ya había sido el líder reconocido de la moda durante el reinado de Luis XIV, el período rococó confirmó la reputación del país como líder de la moda femenina en todo el mundo. 10
SOL Tras la popularidad inicial del rococó, el estilo de vestir se dividió en dos direcciones diametralmente opuestas, una que implicaba un fantástico amaneramiento de estética artificiosa, y otra que manifestaba un deseo de volver a la naturaleza. La Revolución Francesa de 1789 modernizó muchos aspectos de la sociedad y ocasionó un claro cambio en la indumentaria: el decorativo rococó a los vestidos más sencillos del neoclasicismo. Este cambio radical en el vestir, fenómeno único en la historia de la moda, es un reflejo de los grandes altibajos que los valores sociales experimentaron en esa época.
La moda rococó femenina Según los investigadores del Instituto de Indumentaria de Kioto (2004) el espíritu esencial de la moda rococó residía en la elegancia, el refinamiento y la decoración, pero también había elementos caprichosos y extravagantes, así como coquetería. El atuendo femenino del siglo XVIII era a la vez ornamentado y sofisticado. Simultáneamente, la gente también ambicionaba un estilo de vida cómodo que le permitiera pasar horas de ocio en acogedores salones, rodeada por sus cachivaches y sus muebles favoritos.
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Para satisfacer estas necesidades más cotidianas, también surgió un estilo de vestir relativamente más relajado e informal. Dentro de este nuevo estilo surgió el corpiño, con grandes pliegues que fluían desde los hombros hacia el suelo sobre una falda redonda. Aunque el corpiño iba bien ajustado por un corsé, la túnica tableada y suelta daba la impresión de comodidad y relajación. Después del vestido volante, el otro atuendo femenino típico del rococó era el llamado vestido a la francesa (robe a la Françoise), y este estilo persistió como traje de etiqueta hasta la época de la Revolución.
prendas se llevaban encima de un corsé y de un guardainfante, que eran los que le daban forma a la silueta, (a palabra corse – no se conocía en el siglo XVIII, pero lo utilizamos aquí para referirnos a la prenda de ropa interior reforzada con varillas de ballena, llamada corps – cotilla – o corps a baleine – cotilla de ballena). Estos fueron los componentes básicos de la indumentaria femenina, que sólo variaron en sus detalles decorativos, década tras década, hasta la Revolución Francesa.
El corsé A lo largo del siglo XVIII, la silueta de la mujer fue moldeada por la ropa interior como el corsé y el guardainfante. En la época rococó la parte superior del corsé fue bajandohasta dejar el pecho parcialmente al descubierto. El corsé ya no comprimía todo el torso, sino que más bien hacía subir el pecho, que asomaba entre un delicado remate de encaje en la parte del escote.
A lo largo del Rococó, los elementos básicos femeninos fueron un vestido con falda y sobrefalda y un peto triangular que cubría el pecho y el estómago bajo la abertura frontal del vestido. Estas 11
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DISENO TEXTIL EN TAPICES EN EL ROCOCO
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SOL TRAJES Y MATERIALES TEXTILES En el Rococo las bases textiles de la época son el Lino, la Seda, los Brocados, los Damascos. Textiles gruesos de seda entrelazados con hilos de oro y plata y Terciopelos. Entre las paletas de color utilizadas en este movimiento se encuentran los tonos neutros, suaves, también colores pasteles.
EL TEXTIL EN LOS TRAJES FEMENINOS
FEMENINO: Traje Flotante: Es un vestido amplio, suelto, y que no marca la cintura, el petillo acordonado es la abotonadura del vestido hecha a partir de cordones sueltos. Tiene mangas amplias. En estos vestidos se encuentran los motivos pastorales que predominan en los diseños de la época. La Mantilla es una prenda adicional que cubre los hombros y la cabeza.
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FIGURAS DE PORCELANA EN ESTILO ROCOCO
Escultura y porcelanas
RELOJ DE PORCELANA Y ORO.
Francia ocupó un lugar importante a la producción de porcelana durante el siglo XVIII. Se fabricó en Ruan, Estrasburgo, Saint-Cloud, Mennecy, Chantilly y en la Manufactura Real de porcelana de Sèvres. La porcelana de Sèvres se caracterizaba por sus dibujos rodeados de ornamentación de rocalla sobre fondo blanco, aunque este blanco pasó rápidamente a colores de tonos muy vivos como el bleu de Roi (posterior al Rococó), el amarillo vivo, el azul turquesa, y el rosa Pompadour (a partir de 1757), de moda durante diez años y que se denominó así como reconocimiento al interés personal de Madame Pompadour en el desarrollo de las Manufacturas.
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DISENO DE PORCELANAS EN EL ROCOCO
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PANORAMA Revista de Artes Ano 1, Num. 1 Agosto, 2018 Directora Melania Severino Santo Domingo, R. D. melaniaseverino@yahoo.com