Revista Transfer Primera Edición by Melissa Aldana

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Cuando elegimos involucrarnos o dedicarnos a ejercer en el ámbito del diseño, el primer requisito en la lista para ser parte de este mundo es ser creativos, pero en estos días para tener éxito ser creativo no es suficiente. El mercado actual ha cambiado y las necesidades de los usuarios también. Las nuevas exigencias requieren de diseñadores innovadores, que sean líderes comprometidos capaces de colaborar en equipo, de desempeñar distintas disciplinas y desarrollar alternativas de solución a los diferentes problemas que se presenten. El mundo necesita de DISEÑADORES MULTIDISCIPLINARIOS. El primer número de TRANSFER esta dedicado al trabajo de grandes diseñadores amigos que han dedicado tiempo y esfuerzo a perfeccionar sus destrezas y habilidades en una disciplina, que de alguna manera ha definido su estilo y se ha vuelto su área de expertise, claro sin olvidarse del resto, ya que como creativos es importante estar conscientes de todo lo que interactúa y rodea a nuestra labor. En cada una de las entrevistas, te invitamos a explorar nuevas ideas y herramientas que puedes incorporar en tu proceso creativo. A conocer a través de las experiencias de nuestros invitados como cada una de estas herramientas llegó a enriquecer su desarrollo professional.

Dirección general: Aldana Hernández Melissa Jefe de redacción: Aldana Hernández Melissa Diseño de portada: Aldana Hernández Melissa Diseño editorial y dirección de arte: Aldana Hernández Melissa Cuidado de la edición: Rojas Soler Natalia Transfer Instagram @transfer Correo electrónico transfer@gmail.com Ciudad Mexicali, B.C. Teléfono de contacto 6861974388

Céditos y agradecimiento

EQUIPO EN ESTE NÚMERO HAN COLABORADO: Barragan Garcia Deborah Valeria Becerra Romero Ana Itzaret Cuevas Piñon Andrea Mariela Encarnacion Beltran Veronica Aylin Gonzales Sanchez Luisa Fernanda Hernández Gomez Tulio Izael Hernández Quintero Ruben Herrera Medina Daniel Andres King Castros Jared Johanan Mora Mora Ellior Samuel Pacheco Perez David Alejandro Ramirez Robinzon Emilia Ramirez Duran Celia Samantha Rios Torres Ana cecilia Vasquez Lomeli Alma Angelina Villaseñor Talamantes Pablo Antonio

GRACIAS A: Ramírez Ana Hernández Arcocha Gorka Ruiz Héctor Rafael Álvarez Santiago Edición especial elaborada en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Autónoma de Baja California, como proyecto principal de la asignatura de Tipografía II, impartida por la maestra Natalia Rojas Soler en el ciclo escolar 2020-1 Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa o indirecta del contenido de la presente obra sin contar previamente con la autorización expresa y por escrito del autor,en términos de la Ley Federal del Derecho de Autor y, en su caso, de los tratados internacionales aplicables. La persona que infrinja esta disposición se hará acreedora a las sanciones legales correspondientes.

Manifiesto

CrĂŠditos y agradecimientos

Entrevista

Ana Hera

Entrevista

Gorka

Entrevista

Chao Chato

Entrevista

Datos de diseĂąador

nido Fuafja

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Ana Hernández Ramírez especialisada en letering

Texcoco, Diseñadora gráfica

¿Qué fue lo que más te llamó la atención del uso de la tipografía y porqué decidiste dedicarte a esto? Lo primero que descubrí en torno a la letra fue la caligrafía, el uso de herramientas convencionales y los resultados que conseguía con la unión de sólo unos pocos trazos fue lo que me asombró. El saber que con t ra zos tan simples se podían conseguir hacer diferentes estilos de letras me atnimó a investigar mucho más y a practicar cada vez más con diferentes estilos hasta conseguir un dominio en los trazos básicos. El porqué me dediqué a esto es muy simple, me apasionan las letras. ¿Cuál es el proceso creativo que llevas a cabo antes de realizar un nuevo proyecto? Considero que mi proceso creativo es muy intuitivo, primero recibo un Brief del cliente. El Brief me permite ver hacia dónde va el proyecto, posterior a esto tengo un primer acercamiento con la investigación de lo que requiere, con ayuda de la investigación comienzo a generar ideas que me pemitan resolver el proyecto, tme inspiro viendo referencias al mismo tiempo que voy realizando algunos bocetos con ideas muy simples, pero en la mayoría de los casos me funciona bastante hacer un moodboard para ampliar mi referentes visuales e ir construyendo ideas más fuertes que me permitan hacer un proyecto de calidad.

Procuro siempre bocetar l o necesario y comparó diferentes resultados para ver cuál es el que está funcionando. Al final todo eso me ayuda a digitalizarlo en el programa que elija y que ayude a recopilar ciertas características del proyecto quizá necesite resaltar cierto efectos, texturas, etc. ¿Cuáles son las herramientas que sueles utilizar en el momento de hacer lettering o tipografías? ¿Consideras ser más digital o manual? Para caligrafía usualmente utilizo brush pen, plumas paralelas o pinceles planos, para lettering lápiz y posteriormente digitalizo. Hace unos años cuando comencé la mayoría de mis proyectos eran manuales, hacía más caligrafía que lettering pero actualmente estoy tratando de

“Lo que más me apasiona es construir mensajes que resaltan la riqueza de méxico a través de colores y formas que remiten a su c ultura”.

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Me encanta la capacidad que tienen las letras para expresar ideas y emociones

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¿Cuál consideras que ha sido el proyecto que más aprendizaje te ha brindado en el ámbito de tipografía y lettering? Otomitl es una fuente tipográfica que terminé en el 2017, fue un gran reto y un proyecto que me dejó mucho aprendizaje ya que el desarrollar una fuente tipográfica requiere de mucho esfuerzo y dedicación para que funcione correctamente como todo un sistema. ¿Cómo definirías tu estilo de diseño en cuanto a lettering o tipografía en general? No sé cómo definiría mi estilo de diseño ya que trato de que cada proyecto tenga una personalidad distinta y que vaya acorde a las necesidades del cliente y muchas veces experimento con diferentes estilos. Sin embargo puedo ecir que mi estilo de caligrafía favorito es el gótico ya que cosidero que es muy flexible para experimentar tanto en formas como con herramientas. Quizá podría decir que en éste momento estoy muy interesada en letras script. Si nos pudieses contar un poco, ¿cuáles son tus aspiraciones a nivel profesional en el futuro? ¿Tienes algún proyecto en mente? A futuro me gustaría tener la oportunidad de trabajar con más marcas y generar proyectos que vayan subiendo de complejidad. En cuanto a proyectos personales tengo en desarrollo algunos cuantos de ambigua más y otros que resalten cosas muy lindas de México.

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¿Consideras que tu bagaje cultural y lugar de origen influye de algún modo en tu estilo de trabajo? Si, porque como diseñadores nuestra cultura visual influye mucho en cómo abordamos los proyectos, desde lo teórico hasta lo práctico. ¿Nos pudieses contar alguna anécdota de tus primeros trabajos? Hay un mural que hice de la Catedral de San Basilio en los primeros meses que comencé a aprender caligrafía, lo posteé en mis redes sociales y me contacto el Mtro. Antonio Anzures. Eso me permitió conocerlo y posteriormente me beco uno de sus cursos en el cual aprendí caligrafía inglesa redonda. Creo que ha sido una de las mejores experiencias en donde un profesional se acercó a mi para brindarme muy buenos consejos y aprendizaje que me permitirían conocer las bases de ese estilo, además de ser el primer acercamiento con esta disciplina. ¿Quiénes son o fueron tus inspiraciones o grandes referentes en el ámbito que te desarrollas? El trabajo de Gabriel Martínez Meave siempre me ha gustado mucho, sobre todo por la fuerza que tiene el estilo gótico en sus proyectos. También me inspira mucho el trabajo del Mtro. Antonio Anzures al que por cierto admiro mucho. Actualmente mis referentes son más digitales como Martina Flor, Jessica Hische y Paula Scher.

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Gorka

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Soy RedLightKid, un alter ego en donde experimento con luces y cuerpos desde un punto de vista totalmente personal

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Soy español, originario de Santiago de Compostela aunque los últimos 16 años los he vivido en Barcelona y estoy a punto de mudarme a vivir a Madrid

¿A qué te dedicas actualmente? Actualmente estoy con un proyecto que se llama #redlightpeople en el que fotografío a gente (modelos profesionales, trabajadoras sexuales, actrices porno…) que conozco por las redes u otros sitios de manera natural y con luz roja como el propio nombre indica. Ese proyecto ha derivado en #redlightfriends, en donde fotografío a los/las amigos que logro convencer, que no se dedican a esto de manera profesional. ¿Cuál es tu historia con la fotografía, como iniciaste? Siempre me ha gustado mirar y fisgonear. Igual que me encantaba jugar con las cmaras de mis oadres y de mi tio cuando iba a su casa.

No se exactamente el por qué porque creo que nunca me he parado a planteármelo. Hago fotos porque me gusta, porque es una manera de pensar en otras cosas, porque hace que me plantee retos y porque creo redes sociales que meparecen muy interesantes. Con la crisis económica de 2008 yo perdí el trabajo que tenía en un hotel y decidí que iba a estudiar lo que me gustaba para tener así dos oficios. En 2009 entre en GrisArt (escuela de fotografía en Barcelona) azuzado por una amiga que también entraría a estudiar ese año y por Paco Rocha (formador oficial de Lightroom y de Capture One en España) que es una de las personas que más me ha animado siempre con todo esto.

¿Qué aplicaciones o programas utilizas para realizar tu trabajo? Pues básicamente utilizo Capture One para hacer la toma y luego, en base al trabajo que tenga que hacer puedo usar también Lightroom y Photoshop ¿Cuál es tu mayor inspiración? (Algún mentor, referencias o fotógrafos que admire.) Si tengo un montón de un montón de estilos distintos. Larry Sultan, Harry Peccinotti o Hans Feurer me flipan. Me encanta como trabajan los colores. Larry Clark, Richard Kern, Helmut Newton, Irving Penn, Richard Avedon, Erwin Olaf o David LaChapelle entre otros muchísimos ¿Qué plataformas digitales han ayudado a dar a conocer tu trabajo? Pues un poco todas. Instagram y Twitter me han funcionado mejor ¿Cuál sería la definición de tu estilo que que Facebook, aunque también he tenido mi trabajo en flickr o tumblr. lo vuelve distintivo a otros? Había una que se llamaba Zivity y fue Creo que hago una fotografía que un poco en donde me di más a bebe de numerosos estilos distintos. conocer. A día de hoy ha cerrado. Por lo que me han dicho lo que más destaca es el uso del color y las ¿Qué consejo le darías a alguien que sombras aunque a mí siempre me comienza en el mundo de la interesó el estilo fotográfico de los fotografía? años 80 en el tema erótico. Me Técnica, técnica, técnica y más gustaban esos colores y esas luces técnica. Es lo que hace falta y lo que que daban unas tonalidades da de comer al final del día. Una foto amarillas y rojizas a las imágenes (o buena le puede salir a cualquiera, así es como son en mi mente) con la técnica sabes por qué esa Supongo que es difícil definirse foto es buena y puedes volver a porque somos muchos tratando de reproducirla si quieres. También tienes la opción de trabajar contra ser distintivos diferentes. Yo me centro en hacer lo que a mí esa técnica una vez que sabes y ahí me gusta y consensuado con la poder experimentar. Además de la persona que está al otro lado y que técnica está lo de ver y estudiar fotos para encontrar es la protagonista al final del día. Esa continuamente tendencias o nuevas maneras de persona se tiene que ver bien cuando lo edito todo y en eso me hacer las cosas. baso. No siempre acierto y puede ser frustrante, pero es parte del proceso y ahí también se aprende.

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RedLightKid nace de la necesidad de separar mis trabajos más eróticos de aquellos más “clásicos” o con unos clientes más “conservadores”. De esta manera puedo trabajar de una manera mucho más libre”.

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¿Qué herramientas consideras indispensables para lograr una buena fotografía? Para hacer una buena fotografía lo que creo que hace falta es mucha imaginación y mucho conocimiento técnico para poder aprovechar los recursos de los que disponemos en cada momento. Te podría decir que lo importante es una buena cámara y unas buenas luces, pero creo que es mucho más importante conocer bien el equipo que tenemos y saber que podemos obtener de dicho equipo. Saber hasta dónde lo podemos exprimir. O saber cómo funciona la luz para saber si podemos experimentar con los recursos en cada momento. Durante mucho tiempo yo iba con un flash Yongnuo al que le ponía una bolsa blanca y la hinchaba, lo que hacía más grande el haz de luz al mismo tiempo que lo suavizaba. Si esa bolsa fuese de algún color pues ya podía dar la dominante que quisiera a la foto. Eso lo podía hacer porque me especialicé en iluminación y se cómo funciona. También he hecho softboxes en un restaurante con cajas de porespan del pescado y papel del horno y con el flash dentro. Me hacía falta una fuente de luz algo más grande y tenía esas herramientas en el restaurante. Al final, lo que hace falta, es ser capaz de resolver una situación con lo que tenemos. Teniendo en cuenta que cada vez más personas tienen acceso a una buena cámara en sus celulares ¿Cómo crees que afecte esto a la industria de la fotografía? El problema no es tanto los equipos que hay sino la poca cultura visual por parte de los medios. Esto hace que sean aceptadas imágenes que no cumplen los criterios más básicos. Eso mezclado con poner el acento en los seguidores que tiene un artista más allá de su calidad hace que la industria de la fotografía haya bajado el listón en algunos ambientes.

Luego habrá sitios en los que siempre se pueda reconocer la calidad técnica de los fotógrafos. Habrá gente que necesite, sí o sí que sus obras de arte estén bien reproducidas mediante fotografía o diseñadores de moda que necesiten que se vean muy bien los 4 tonos de blanco de ese vestido de novia o cocineros que querrán que sus platos aparezcan en un libro con una edición maravillosa. Es decir, siempre habrá quien necesite invertir dinero y siempre habrá quien quiera ahorrarlo. ¿Creo que se pueden hacer fotos maravillosas con un celular? Si. ¿Creo que habrá quien se pase a hacer fotos con el celular y deje la cámara? No si es medianamente profesional. A no ser que, de repente, los celulares empiecen a disparar en RAW pero tenemos el problema de que los sensores de los celulares son mucho más pequeños que la de cualquier cámara compacta del mercado. Y al final del día la calidad de una foto la dan el sensor, la óptica y el motor de edición (software externo o, en el caso de los celulares, interno).

¿Cuál consideras que es tu proyecto más importante? ¿Por qué? Todavía no ha llegado. Siempre hay que tener la cabeza funcionando y buscando ideas nuevas. Si pensase que ya lo había conseguido aparcaría la cámara. Tengo un proyecto que se llama “Deer” en donde los protagonistas llevan una máscara de ciervo y se relacionan con humanos o entre ellos. Desde que estudiaba en GrisArt, y un profesor nos enseñó un proyecto en una especie de comuna brasileña, tengo la intención de hacer fotos a parejas en sus dormitorios mientras se acuestan. Quiero hacerles fotos mientras interactúan entre ellos sin que estén para nada pendientes de la cámara. No quiero retratar sexo posado sino dos personas dándose placer y pendientes únicamente de sí mismos. No es fácil entrar en la habitación de alguien en momentos tan íntimos. Además me gustaría que esas personas fuesen lo más anónimas posibles.

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chao chato

T Ó S I L R N T Ó S I L R N T Ó S I L R

Nací en Culiacán Sinaloa y desde hace 20 años vivo en Mexicali, desde donde he viajado intermitentemente o pasado temporadas largas en ciudades como Barcelona, Tokyo, Tel Aviv, Ciudad de México, etc.

¿Cómo fue tu formación e inicios en el mundo de la ilustración ? Estudié diseño gráfico donde conocí el mundo de la ilustración, trabajé durante toda la carrera en algunas imprentas y agencias de publicidad, donde tuve la oportunidad de hacer ilustración un tanto más comercial a nivel local. Cuando me gradué me fui a hacer una especialidad de ilustración de libros para niños en Barcelona, donde conocí otro tipo de campos como la ilustración editorial o para el trabajo cultural; así como nuevos autores y estilos. Cuando estudiaba la universidad la mayoría de las tendencias que nos llegaban venían de Estados Unidos, un tipo de ilustración vectorial muy a la Cartoon Network, la cual nunca me terminó de gustar. Al vivir y viajar por Europa me pareció más interesante el estilo, narrativa y nivel conceptual de los ilustradores europeos.

Desde entonces traté de empaparme e investigar más sobre ese tipo de trabajo. Ilustradores como Isidro Ferrer, Arnal Ballester, Kveta Pacovska y editoriales como Media Vaca, Libros del Zorro Rojo, Nowbrow y Kókinos me formaron desde entonces. Me di cuenta de que la ilustración no solo era un buen dibujo o una buen uso de alguna técnica, si no que se traba de generar ideas, narrar con imágenes que se sostuvieran por si solas, muchas veces sin ayuda de algún texto o explicación. Durante esa época también me influenciaron mucho otras disciplinas como la arquitectura, la música y el diseño industrial. Me di cuenta que también era importante conocer un poco de diferentes disciplinas, comencé a colaborar en todo tipo de proyectos no necesariamente de diseño gráfico o ilustración.

¿Por qué elegiste enfocarte en la ilustración? Desde niño dibujé, quería dedicarme a algo que tuviera que ver con eso, pero no sabía que existía la ilustración y que podía hacer una carrera de eso. Cuando llegó el momento de matricularme elegí arquitectura, pensando que al menos sería una disciplina creativa, y unos días antes de entrar me avisaron que se había abierto la carrera de diseño y me cambié. Estando ahí descubrí la ilustración, un poco tarde la verdad... por que las clases que nos daban en ese entonces eran meramente plásticas, nos enseñaban a usar diferentes materiales, más no se exploraba en algún concepto o narrativa, yo hacía los ejercicios pero me aburria. En ese entonces descubrí la fotografía, diseño de logos, manuales, etc... entré a trabajar a agencias y creí que me dedicaría al diseño gráfico comercial. Hasta que después de unos años, ya un poco harto del ritmo de trabajo y tonterías que se hacen en el mundo publicitario, renuncié y me fui a viajar. Comencé a comprar libros para niños, estudié en Barcelona y me di cuenta que podía hacer una carrera como ilustrador, en el diseño editorial, cultural y social. Desde entonces he buscado clientes y proyectos que me permitan trabajar en esos campos. No he dejado de comprar libros, asístir a ferias, hacer proyectos personales y viajar. A lo largo de tu desarrollo profesional, ¿Cuáles han sido los obstáculos o dificultades a los que te has enfrentado? Las dificultades han sido desde econoómicas, entré a trabajar desde el segundo semestre, primero por que quería tener dinero para mis propios gastos, y luego por que las cosas se complicaron en mi casa y ya no tuve otra opción. Sobre todo un par de años antes de terminar la carrear fueron muy difíciles, no obstante siempre traté de cumplir en la escuela, en el trabajo y

todavía me hacía tiempo para organizar eventos culturales o exposiciones con mis amigos. Cuando me gradué me comenzó a ir bien en proyectos que cada vez más se perfilaban a la cultura o el arte, sin embargo eran pocos, era el 2012 y si ahorita todavía la gente no sabe qué es la ilustración, en esos años menos, por lo que intenté incluir ilustración en proyectos de diseño. Si alguien me buscaba para hacer un manual de identidad gráfica ilustraba la portada o hacía una ilustración especial para alguna camiseta o ap licación. Ahora creo que en la ciudad todos estamos un poco más abiertos al diseño en general, los emprendedores están apostando por contratar a un arqutiect@ para que diseñe su restaurante, un diseñador para que diseñe su logo o un ilustrador para que ilustre alguna campaña o mercch para su marca. No obstante la ilustración editorial acá todavía está en pañales, apenas se editan libros o se hacen carteles... por lo que actualmente es otro reto que un puñado de ilustradores estamos asumiendo, dar a conocer la profesión. En lo personal desde unos años para acá he tratado de salir a buscar proyectos, eso también ha sido un reto, desde viajar a ciudades en otros países donde busco conectar con editoriales, creativos o ilustradores, hasta vivir temporalmente en DF. Todo con la idea de estar activo ahí donde se gestan los proyectos grande r pagados, pero sin dejar de radicar en Mexicali. ¿Aproximadamente cuánto te lleva elaborar una ilustración? Depende del proyecto. Hay algunos proyectos más extensos, a mi lo que más me gusta es hacer libros para niños. Un buen libro te puede llevar hasta 4 meses para hacer solamente las ilustraciones, y éstas varían entre 16 y 24 ilustraciones a doble página. Te doy esa referencia por que creo que hacer una ilustración no es solo sentarse a dibujar, si no también investigar, cruzar ideas con los editores, corregir bocetos, hacer pruebas de estilo, etc. ¿Cuáles son tu trabajos más recientes? Ahorita estoy ilustrando bloques de libros de texto para la secretaría de educación pública. Son libros de cívica y ética de primero a sexto de primaria. Para que te des una idea del proceso; cada día recibo por correo una o dos páginas de texto donde se plante alguna situación, yo tengo que leerla y plantear una secuencia narrativa que haga más digerible la situación para los niños. A veces lo hago a partir de viñetas o de ilustraciones aisladas, luego envío las imágenes a la editora que vive en Guadalajara, ella los revisa, los maqueta en la página y los envía a la Ciudad de México. Allá la gente que se encarga de los contenidos en la SEP los revisa, y si no hay ajustes se pasa a otra página. Es un trabajo cansado que requiere mucho de tu ingenio para resolver temas a veces muy abstractos en poco tiempo, pero la idea de que esos dibujos impactan a casi 14 millones de niños en todo el país es muy gratificante.

¿Cuál es tu técnica favorita de ilustración? No tengo una técnica favorita. Ahorita estoy dibujando con tinta y pintando viñetas con photoshop, pero lo hago así por que los tiempos de entrega son limitados y eso me permite avanzar muy rápido. Creo que la técnica debe de estar en función del proyecto, es decir, habrá algunos que sean más adecuados resolverlos con una técnica análoga o digital. Si se hace ilustraciones de libros para niños muy pequeños, por ejemplo, se puede pensar en usar una técnica donde el material luzca más, colores, texturas, contrastes; por que los niños pequeños suelen sentirse más atraídos a este tipo de grafismos. Al contrario, si ilustras un libro de poesía, se buscará que las ilustraciones sean discretas, colores sobrios, que no le roben protagonismo al texto, si no que lo complemente de manera discreta. ¿Hay algo que te sirva como fuente de inspiración cuando tienes un bloqueo creativo? Me gusta mucho caminar. Como ahora trabajo en casa trato de llevar una vida equilibrada, no desvelarme mucho, levantarme temprano y desayunar ligero. Trato de tener una rutina y respetarla, así siento que fluye muy bien mi trabajo y evito bloqueos. Pero a pesar de eso a veces los tengo, días buenos y días malos en los que no doy una, pero en esos casos dejo lo que estoy haciendo y me en foco en otra cosa, salgo con amigos, escucho música o destapo una cerveza. Creo que en estos casos ocupar tu cabeza en otras cosas ayuda a despejarte, y cuando menos te lo esperas llega la solución al problema. ¿Qué tanto el proyecto elige a la técnica a utilizar? 100%, como ya lo escribí antes, pero también sé que muchos ilustradores anteponen su estilo al proyecto. Yo no estoy de acuerdo con eso, por que creo que al final te encierras en det erminado tipo de colores, materiales o personajes. Aquí podría agregar que creo que el estilo es una cárcel, y que más allá de hablar de estilo, podríamos hablar de cierto temáticas, enfoques o ideas afines a uno mismo. ¿Qué medio usa más durante tu proceso de trabajo, análogo o digital? Siempre parto del boceto a lápiz en libretas que para mi son como diarios. Trato de poner fechas y anotar datos relevantes sobre el proyecto, así me ayuda a recordar cuando las reviso años después. Hasta que no estoy seguro de que la idea funciona en el papel no pienso en resolverla de manera digital o análoga, últimamente me he inclinado más por lo digital, respondiendo al la demanda del ritmo de trabajo apresurado o para asegurarme que se vea a tener el control del proceso de impresión de un libro o una ilustración, cosa que con lo análogo, si no se cuenta con un buen impresor, es un poco al azar el resultado final. ¿Cuánto tiempo te toma estructurar una ilustración desde su proceso de conceptualización? Al día que escribo esto, ayer por ejemplo, bajé la idea para tres portadas de libros para preescolar de una editorial española con oficinas en DF llamada SM, comencé con los bocetos a lápiz al durante la mañana, y en lo que llegué a un concepto que me gustara, pasé la propuesta en limpio, la escanié y la monté en el layout; envié las propuestas al rededor de las 10 de la noche. algo así como 12 hrs de chamba, entre comida, llamadas por teléfono, etc...

De todos sus trabajos que a realizado ¿Cuál fue el que más lo ha emocionado? y ¿por qué? El año pasado hice un libro para la Universidad de Guadalajara. Algo que dentro de la literatura infantil se conoce como ¨libro álbum¨, que es el rey de este nicho de literatura. Se trata de libros por lo general muy grandes, donde la ilustración llena aproximadamente un 80% de la pagina, dejando el % restante al texto que siempre complementa de manera interesante a la ilustración, y viceversa. El libro que hicimos es sobre un personaje de la época de la conquista llamado Francisco Tenamaxtle; un guerrillero indígena al que se le atribuye ser el precursor de los derechos humanos en américa. Fue un personaje muy interesante que no nos enseñaron en la primaria, un verdadero héroe que murió defendiendo sus ideas. Disfruté mucho ese proyecto, tuve absoluta libertad creativa y como el texto estaba quebrado en el sentido narrativo (no era lineal), tuve que experimentar con narrativas aisladas que al leer el libro integran muy bien la historia, fue un verdadero reto del que estoy muy orgulloso. Hasta el punto de convertirse en ilustrador ¿hubieron otros ilustradores a quienes han sido referencias o te han inspirado en tu desarrollo como ilustrador? Como lo dije antes, ilustradores como Isidro Ferrer, que es español. Pero también ilustradores mexicanos como Miguel Covarrubias, caricaturistas como Rius, hasta artistas como Francisco Toledo.

Hasta el punto de convertirse en ilustrador ¿hubieron otros ilustradores a quienes han sido referencias o te han inspirado en tu desarrollo como ilustrador? Como lo dije antes, ilustradores como Isidro Ferrer, que es español. Pero también ilustradores mexicanos como Miguel Covarrubias, caricaturistas como Rius, hasta artistas como Francisco Toledo. ¿Has trabajado en colaboración con algún otro ilustrador? Si, así como a sido tu experiencia en cuanto a desarrollo personal. Sí, he trabajado con Daniel Rivera en muchísimos proyectos personales y comerciales. Ahora estamos colaborando cada vez en más proyectos en un sub-sello de diseño que se llama A Sangre. A mi me gusta colaborar, creo que es la excusa perfecta para reunir muchas ideas en pro de un resultado en común. ¿Cuál fue tu primer proyecto a nivel profesional? Considero mi primer trabajo -formal- una serie de ilustraciones para museografía que hice gracias a la recomendación de la maestra Natalia Rojas Soler para el museo de la vid y el vino en el Valle de Guadalupe en Ensenada. Estaba recién graduado de la universidad, y fue el primer encargo -grandeque recibí, y gracias al que pude viajar durante 6 meses por Europa. ¿Cuál sería el consejo que darías a alguien que se quiere dedicar a la ilustración y el mejor que te han dado a ti hasta el momento? La ilustración es una carrear difícil, es un hecho. Muy pocas personas logran hacer una carrera, por así decirlo; prospera. A pesar de que México es referente en edición de libros y cultura en iberoamérica, es difícil llegar a editores, representantes y los círculos de la ilustración. Cuando terminé mis estudios en Barcelona una compañera brasileña me aconsejó algo que me ha servido mucho; me aconsejó que no me desanimara. Ya pasaron 8 años de eso, en los primeros años a mi regres ar de eso nunca dejé de intentar. Desde el 2016 ilustro libros para niños, cada vez recibo más encargos y tan solo este último año se editarán 6 libros en los que participé como ilustrador o como autor, algo que en los años en los que me tocaba no recibir respuestas no pensé que pasaría, no dejé de intentar. Un ilustrador amigo recientemente dijo algo que se me quedó muy grabado, compartía que la mayoría de las veces tus padres van a ser los que te desanimen, creo que es muy cierto. No es por que no te quieran o no quieran que cumplas tus sueños, si no por que simplemente no saben que lo puedes hacer, no saben que se puede hacer una carrera de esto. Muchas veces te dirán que vivir de hacer dibujos no es algo digno o que estas perdiendo el tiempo. Una vez que lo logras es irreal decir que te ganas la vida haciendo dibujitos.

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David Santiago Alvarez Duron

especialisada en Arts and crafts FUAFJA

¿Cómo fue que comenzó tu interés por el área en la que se desarrolla ahora? Comienza desde la primaria por mi interés sobre leer revistas y libros viejos repletos de imágenes. Solía recortarlas como pasatiempo para forrar mis libros y cuadernos de la escuela con las imágenes que más me gustaban. ¿Qué le inspira al hacer sus proyectos? Utilizo el collage como medio para distraerme de la rutina diaria. Soy un fanático y coleccionista de fanzines y muchas de éstas auto publicaciones me inspiran a trabajar en algo que a mí me guste el resultado final. ¿Cómo se refleja tu personalidad en tu trabajo? Creo que soy alguien que le gusta burlarse de todo hasta de sí mismo, además de que colecciono muchos tipos de cosas así que por la misma razón suelo usar la saturación en las piezas y a la vez el absurdísimo. ¿De qué forma su trabajo se relaciona con el mundo del diseño? El observar tan constante todo tipo de imágenes no solo en internet sino en libros y revistas me ha ayudado apoder experimentar nuevos diseños.

¿Cómo superar bloqueos creativos? En mi computadora siempre tengo una carpeta en la que guardo cosas que me gustan, cuando no tengo ideas o me siento bloqueado accedo a ella para mirar y basarme en alguna de las ideas ya hechas por alguien y no comenzar con la hoja en blanco. ¿Cuáles han sido los mayores obstáculos a lo largo de su trayectoria? Siempre han sido los encargos, ya que tengo que meterme en la mente del cliente y basarme en los gustos de esa persona y no en los míos. ¿Cuáles artistas/diseñadores te han influenciado? Son varios y de distintas ramas. El Danés Asger Carlsen en la Fotografía. El Mexicano Alejandro Magallanes en Diseño Gráfico. Corrosivo Carsal de Colombia en el Arte Urbano. El escritor Estadounidense Austin Kleon por medio de sus libros y el Peruano Kike Congrains en el Collage. ¿Con quién ha trabajado? Con el artista Estadounidense Jay Berrones y el Méxicano Antonio Frappa por medio de una exposición de La Sociedad Mexicana de Collaxistas que tuvimos en la ciudad de Bogotá Colombia sobre Collage. Artistas locales y regionales como lo son Libre HEM, Marco Miranda, JM y Rosko.

¿Qué definiría como las principales características de tus trabajos? Experimentar en la composición y no basarme en ningún tipo de reglas prestablecidas. ¿Qué impacto le gustaría provocar en la sociedad y en la gente que le rodea con su trabajo? Rechazo o gusto, cualquiera siempre y cuando no sea indiferencia. ¿Qué consejo les dirías a las personas que quieren adentrarse al mundo del arte y diseño? Que se atrevan a hacer lo que les guste, dediquen parte de su tiempo a explorar y encontrar nuevos estilos hasta encontrar con el que más cómodo se sientan. Quien no hace nada es la única persona que no se equivoca.

ana hera

Gorka

chao chato

fuafja

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