MEXART 2016 by MexArt

Noviembre, 2016

carta al editor MexArt es una revista digital semestral dedicada a la investigación, difusión y desarrollo de las artesanías mexicanas, impulsamos el contenido cultural, el valor de la mano de obra y la cultura que permite la creación de composiciones artesanales magnificentes. Nos preocupamos por dignificar el trabajo de los artesanos, personas que escenifican la cultura, creencias e historia de un pueblo. MexArt propone revalorizar la transcendencia e importancia de los legados culturales de representaciones sencillas y cotidianas de determinados pueblos mexicanos. Dirigida a todos aquellos interesados en la historia de México, la tierra del mezcal, el ombligo de la luna. Para público hispanohablante y angloparlante. La opinión de nuestros lectores es importante. Los invitamos a valorar nuestro trabajo y a intercambiar ideas, o enviarnos sugerencias a través de nuestros datos de contacto, para mejorar nuestra revista día a día. Editor: Ana Yarely Cruz Zapata yarely.cruz@iest.edu.mx

MexArt is a digital semiannual magazine dedicated to the research and diffusion of the Mexican crafts, we promote cultural content, the value of the labour and the culture that allows the creation of magnificent artisan compositions. We care about dignifying the work of artisans, people who stand for the culture, beliefs and history of their people. MexArt proposes to revalue the transcendence and importance of the cultural legacies in simple and daily representations of certain Mexican towns. Aimed at all those interested in the history of Mexico, the land of mezcal, the navel of the moon. For Spanish-speaking and Englishspeaking audience. The opinion of our readers is important. We invite you to value our work and to exchange ideas, or send us suggestions through our contact details, to improve our magazine day by day. Editor: Ana Yarely Cruz Zapata yarely.cruz@iest.edu.mx

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Investigación y Redacción Yarely Cruz yarely.cruz@iest.edu.mx Auxiliar de Redacción Gizel Castillo jessica.castillo03@iest.edu.mx Maquetación Daniela Cruz daniela.cruz@iest.edu.mx Auxiliar de Maquetación Marian Biagi marian.biagi@iest.edu.mx Fotografía Abraham Cid abraham.cid@iest.edu.mx Ilustración Marco Miranda marco.miranda@iest.edu.mx

índice Noroeste

Palo Fierro, madera del arte seri y yaqui Palo Fierro, wood from seri y yaqui art.

Noreste

Sarape de Saltillo, manta del colorido diamante. Saltillo’s serape, colorful diamonded blanket.

Cuera Tamaulipeca, emblema de identidad amenazada Cuera Tamaulipeca, threatened identity emblem

Oeste

Catrina, de Diosa de la Muerte a Símbolo de festividad. Catrina, from Goddess of Death to Festivity Symbol.

ARTE HUICHOL, aullidos del alma de un pueblo Huichol Art, howls from their people’s soul.

Este

Talavera poblana, superviviente de la época colonial. Talavera Poblana,survivor of the colonial era.

El salterio mexicano, melodia virreinal Mexican psaltery, virreinal melody

Centro Norte

48 Vestimenta teenek, metáfora cosmológica de identidad cultural. Teenek Clothing, cosmological metaphor of cultural identity.

Tenango otomí, Hidalgo de colores Otomi tenango, colorful Hidalgo

Centro Sur

Árbol de la vida, ícono de Metepec Life’s Tree, Metepec’s icon

Charrería deporte nacional mexicano Charreria, mexican national sport

Suroeste

ALEBRIJES, los guardianes de Oaxaca Alebrijes, Oaxaca's Guardians

Taxco, el Pueblo de Plata. Taxco, Silver Village.

Sureste

Coral Negro, peligrosa belleza Black Coral, dangerous beauty

Bordados y costuras yucatecas, infinidad de puntadas Yucatecan embroidery and needlework, lots of stitches

Especial

Día de muertos, una celebración nacional. Day of the Dead, a national celebration.

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z o n a noroeste

El Pinacate y Gran Desierto de Altar, en el estado de Sonora,

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Figuras en una Pieza. Talla directa./ One piece figura. Direc cut. Pieza creada por: / Piece created by: JosĂŠ Enrique Palacios. Hermosillo, Sonora, Mexico

PALO FIERRO madera del arte seri y yaqui wood of seri and yaqui arT 6

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Origen de la artesanía Su origen se remota a 1654, gracias un pescador Seri de la comunidad de Desemboque, localizada en el municipio de Caborca, llamado José Astorga Encinas. La técnica fue transmitida por sus antepasados a través de un viaje místico que mantuvo a su cuerpo en un estado inmóvil por varios días. Al regresar, Jośe contó a su pueblo lo que vio en su viaje y transmitió su conocimiento adquirido de cómo trabajar con la madera de palo fierro. Es hasta los setenta que esta artesanía se distribuyó

One of the most recognized handicrafts of the state of Sonora are the elaborate works of artisans and natives with the palo fierro. This custom arises by the indigenous Seris and Yaquis located in the desert of Sonora; However, its distribution covers the peninsula of Baja California and the southwest of the United States. The work with palo fierro is one of the most notorious cultural manifestations of these indigenous tribes and the inspiration for its elaboration is obtained from environments as much desert as of marine fauna. Among his pieces are works such as cactus, saguaros, animals such as roadrunners, owl, eagles, snakes, hares, turtles, seals, sea lions, sailfish, dolphins, sharks, whales, among many other things. It could be said that the Seris and the Yaquis embodied everything that nature showed them in a world which they were proud of.

zona noroeste

Una de las artesanías mas reconocidas del estado de Sonora son los elaborados trabajos de artesanos e indígenas con el palo fierro. Esta costumbre surge por los indígenas Seris y Yaquis ubicados en el desierto de Sonora; no obstante, su distribución abarca la península de Baja California y el suroeste de los Estados Unidos. El trabajo en palo fierro es una de las manifestaciones culturales más notorias de estas tribus indígenas y la inspiración para su elaboración es obtenida de entornos tanto desérticos como de fauna marina. Dentro de sus piezas se encuentran trabajos como cactus, saguaros, animales como el correcaminos, tecolote, águilas, serpientes, liebres, tortugas, focas, lobos marinos, pez vela, delfines, tiburones, ballenas, entre muchas cosas más. Se podría decir que los Seris y los Yaquis plasmaban todo lo que la naturaleza les mostraba en un mundo del cual se sentían orgullosos.

Origin of the craft Its origin is remote to 1654, thanks to a fisherman Seri of the community of Desemboque, located in the municipality of Caborca, his name was Jose Astorga Encinas. The technique was transmitted by his ancestors to him through a mystical journey that kept his body in a immobile state for several days. Upon his return, José told his people what he saw on his journey and conveyed his acquired knowledge of how to work with iron wood. It is until the seventies that this handicraft began to distribute Arson. Artesanías de Sonora. Tradicional Danza del Venado / Arson. Handicrafts of Sonora. Traditional Dance of the Deer. Fotografía de / Photo from: MercadoLibre

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Fotografía de:/ Photo from:

Vista del Mar Hotel.

Fotografía tomada por:/ Photo taken by:

zona noroeste

Abraham Cid.

adecuadamente, anteriormente la madera también era usada como leña. A partir de los ochenta, su venta se elevó gracias al uso de motores y a una buena distribución que la hizo llegar a lugares como Canadá, Estados Unidos o Japón. En el inicio de la década de los noventa, fue tanto el mal uso como explotación para leña y carbón, que el gobierno tuvo que vedar el árbol de palo fierro, para que no se lo acabaran y sólo quedó permitido su uso para la artesanía. Hay quienes opinan que este oficio se industrializó tanto que perdió su vena artística, pero en algunas plazas aún se pueden encontrar varias piezas singulares y hermosas.

properly, since previously the wood was also used as firewood. From the 1980s, Its sales was increased thanks to the use of engines and a good distribution that made it reach places like Canada, the United States or Japan. At the beginning of the nineties, it was both the misuse and exploitation for firewood and coal, that the government had to seal the palo fierro tree, so they would not finish them, and they were only allowed to use it for handicrafts. There are people who think that this trade was industrialized so much so it lost its artistic vein, but in some places its still posible to find several unique and beautiful pieces.

Elaboración

Elaboration

Participan tanto los hombres como las mujeres. El primer paso es buscar árboles secos ya que son mejores para trabajar. Si se corta un árbol aún vivo, se tiene que dejar secar hasta por 5 años; si no se deja secar, trabajar la madera será más difícil y quedará de color rojo y amarillo y no brindará la

Both men and women participate. The first step is to look for dry trees as these are the best ones to work with. If it a tree is cut it will have to be let to dry for up to 5 years; If the craftsman does not wait the required time and start to work the wood, it will be more difficult to carve and will be red and yellow and will not provide the same beauty.

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Fotografía tomada por: / Photo taken by: Abraham Cid.

While the men machete a piece of wood to make the silhouete, the women give the final finish, filing and polishing the pieces. For this porpuse they use limes, sandpaper, raspberries and grease rubbing it with a canvas. The first figures carved in antiquity were made in a more natural way. Cause they were carved with pointed stones, pumice stone and the finish was given with loggerhead fat. Nowadays, craftsmen use more industrial tools and polishers, which generates a big difference in the price due to the detailed that can be the pieces, thanks to the hands of the Seris. The elaboration of these crafts is of great importance for the Seris, since through their sale they obtain the majority of their income and the prestige they have. The wood is very similar to the one of the ebony, cause it is very hard and possesses a glassy consistency. Up to now it is considered the palo fierro as one of the hardest woods. Its strand is straight and has no betas or pores, so it protects the tree of the the humidity, and unlike most of the woods that float, this one sinks in the water. The traditional Seri art of palo fierro is very present when visiting Santa Ana in Sonora, there are several workshops such as the one of Don Manuel Vargas, recognized artisan of the locality. Por: Abraham Cid

zona noroeste

misma belleza. Mientas que los hombres machetean un trozo de madera creando la silueta, las mujeres le dan el acabado final a través del limado y pulido de las piezas. Para todo esto ellos utilizan limas, lijas, escofinas escarlopas y grasa frotándola con un lienzo. Las primeras figuras talladas en la antigüedad se hicieron de una forma más natural. Se tallaban con piedras puntiagudas, piedra pomes y el acabado se daba con grasa de caguama. Hoy en día, los artesanos utilizan herramientas y pulidoras más industriales, lo cual genera una clara diferencia en el precio debido a lo detallado de las piezas. La elaboración de estas artesanías es de gran importancia para los Seris, ya que por medio de su venta obtienen la mayoría de sus ingresos y el prestigio que tienen. La madera es muy parecida a la del ébano, ya que es muy dura y posee una consistencia vidriosa. Hasta ahora se considera el palo fierro como una de las maderas más duras. Su hebra es rectilínea y no tiene betas ni poros, causando que no le entre la humedad, y a diferencia de la mayoría de las maderas que flotan, ésta se hunde en el agua. El arte Seri tradicional de palo fierro se encuentra muy presente al visitar Santa Ana en Sonora, ahí se localizan varios talleres como el de Don Manuel Vargas, reconocido artesano de la localidad.

Fotografía tomada por: / Photo taken by: Abraham Cid.

Figuras de Pescados. Madera del desierto “Palo Fierro”. Talla a mano en una pieza. / Fish figures. Wood of the desert “Palo Fierro”. Carved by hand in one piece.

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z o n a noreste

Catedral de Santiago de Saltillo, Coahuila, MĂŠxico.

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Sarape de Saltillo manta del colorido diamante.

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zona noreste

La palabra Sarape proviene del náhuatl Sarape que significa manta era cubrir, un término muy general aplicable a otras prendas, pero ciertas características diferencian al sarape de otras mantas. De orígenes prehispánicos, el sarape en la antigüedad fue usado como una prenda que daba estatus social, y aunque su uso sigue vigente en algunas partes del país, ha perdido esa connotación y ahora sólo suele considerarse como un artículo artesanal. Concebido como una prenda netamente masculina, esta vestimenta rectangular tiene una reminiscencia precolombina, cuyo antecedente se remonta a las grandes tilmas, vestimenta que portaban los gobernantes. Con la llegada de los españoles y la introducción a América de nuevos materiales como la lana y el telar de pedales, el sarape fue usado por personajes como chinacos, charros y hacendados. Los tlaxcaltecas se inspiraron en los colores que emanaban del diamante que reflejaba los colores del arcoiris al pasar la luz a través de el, el diamante es una piedra preciosa de un alto valor, es distintivo, por eso al centro del sarape se coloca una forma de diamante, para que la persona que lo portaba se viera como que traía sus medallones que otorgaba el Virrey a quienes les encomendaba ciertas obligaciones, esto brindaba ciertos status y renombre. El sarape es uno de los elementos más representativos del México independiente, convirtiéndose en un verdadero emblema nacional, similar al rebozo femenino. Sin embargo, su surgimiento entre 17501860 constituye hasta nuestros días una gran incógnita, se desconocen los lugares, fechas y circunstancias precisos en los cuales fueron tejidos por primera vez, estos textiles considerado de los más refinados del mundo. Su huella fue tan amplia, que encontramos sarapes y tejidos que reflejan la influencia de los “saltillo” desde Totonicapán, Guatemala, hasta la región Río Grande de los hispano- americanos de Nuevo México y los indios navajo de la misma región. Generalmente, el sarape esta conformado por

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The word comes from the Nahuatl Serape which means blanket or cover, a very general definition applicable to other garments, but certain features distinguish the serape blankets from others. Prehispanic origins, the serape in ancient times was used as a garment that gave social status, and although its use continues in some parts of the country has lost this connotation and now only often considered a handicraft item. Conceived as a purely male garment, it has a preColumbian rectangular reminiscence, whose history dates back to the great tilmas, clothing carried by the rulers. With the arrival of the Spanish and the introduction of new materials to America such as wool and loom pedals, serape was used by characters like chinacos, charros and landowners. The Tlaxcalans were inspired by the emanating color from the diamond reflecting the colors of the rainbow by passing the light through it, diamond is a gemstone of a high value, it is distinctive, that’s why the center of the sarape has a diamonded-shaped form, so that the person who carried it look like bringing their medallions given by the Viceroy who entrusted them certain obligations, it offered certain status and reputation. It is one of the most representative elements of the independent Mexico, becoming a true national emblem, similar to the female shawl. However, its rise between 1750-1860 is to this day a mystery, places, dates and precise circumstances in which tissues were first unknown, these textiles considered the finest in the world. Its footprint was so extensive, we found blankets and fabrics that reflect the influence of the “saltillo” from Totonicapan, Guatemala, to the Rio Grande region of Hispanic-Americans of New Mexico and the Navajo Indians of the region. Generally, it is united by the center, it’s size is approximately 1.20 m wide and 2.40 m long; it may or may not have a hole called bocamanga, to be used as a poncho or placed on the shoulders, the central

design goes on the back. It has a tripartite pattern design consisting of a dominant central medallion or diamond that covers the area between the back and chest, it also has a frame of 5 to 10 cm around the fabric in colors and designs related to the central motif and a contrasting background with small repetitive designs. Serape became the quintessential male garment, giving shelter and a high status to those who wear it. For being a dense tissue it was also waterproof, some were designed with a hole in the center to use it as ponchos during the rainy season. Saltillo serape’s recognition was given to the late seventeenth century and early eighteenth century, when Saltillo became the economic center of the northeastern region and because the northern climate was warmer, the weavers were asked to make serapes with thinner threads which soon were marketed in the United States. It was very common that people in Arizona, New Mexico and Texas, when they came to Saltillo’s fair, asked for Serape of Saltillo, everything that came from the south they called it Saltillo. This serapes were made with wool which made it more expensive in comparison with those made with cotton, ixle or a combination of the both. Wool yarn being very thin allows to design more delicate and beautiful figures were made, so it had more detailed motifs with brighter colors than the rest made in the country, which made it the buyers’ preference. In its long history, the serape has fascinated to those who observe it, becoming a desired object by visitors and a sublime gift of Mexican rulers. The harmony of the Saltillo’s serape, sensitivity and expertise in spinning, weaving, design and color that gave them life, became the legacy and the lasting testimony of the Anonymous weavers of México, whose secret, we hope someday will be discovered.

Por: Marian Biagi

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zona noreste

dos lienzos unidos por el centro como medidas aproximadas de 1.20 m de ancho por 2.40 m de largo; puede tener o no una bocamanga o apertura, para ser usado como poncho o colocado sobre los hombros, con el diseño central a la espalda. Tiene un patrón de diseño tripartita que consta de un elemento central dominante -un diamante o un medallón- que abarca el área entre la espalda y el pecho, y tiene también un marco de 5 a 10 cm alrededor del tejido en colores y diseños afines al motivo central y un fondo contrastante con pequeños diseños repetidos. Llegó a ser la prenda masculina por excelencia, brindando abrigo y un alto estatus a quienes lo usaban. Al tratarse de un tejido demasiado denso también era impermeable y algunos sarapes fueron diseñados con abertura al centro para colocarse como jorongos en temporada de lluvias. El reconocimiento al separe de Saltillo se dio a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII, cuando Saltillo se convirtió en el centro económico de la región noreste y debido a que el clima del norte era más cálido, se pidió que los tejedores hicieran sarapes con hilos más delgados, que pronto fueron comercializado en Estados Unidos. Era muy común que la gente de Arizona, Nuevo Mexico y Texas, cuando venían a la feria de saltillo, pidieran que llevaran Sarape de Saltillo, todo lo que llegaba aquí del sur del país ellos lo llamaban de Saltillo. Estos sarapes eran hechos con lana más cara, en comparación del que se hacia con algodón, con ixle o una combinación de las dos. El hilo de lana al ser más delgado. permite que al momento de realizar el tejido se hicieran figuras más delicadas y hermosas, por lo que tenia diseños mas detallados con colores mas brillantes que los del resto del país, lo que lo hacían de la preferencia de los compradores. En su larga historia el sarape a fascinados a quienes lo observan, convirtiéndose en un objeto codiciado por los visitantes y en un excelso obsequio de los gobernantes mexicanos. La armonía de los “sarapes de Saltillo”, la sensibilidad y la maestría en el hilado, tejido, diseño y color que les dieron vida, se convirtieron en legado y testimonio duradero de los tejedores anónimos de nuestro país, cuyo secreto esperamos algún día poder descubrir.

c u e r a tamaulipeca zona noreste

emblema de identidad amenazada La Cuera Tamaulipeca es el traje típico que representa al estado, esta prenda es originaria de Ciudad Tula, Tamaulipas. Está elaborada a partir de piel de becerro o gamuza de venado, con grabados en piel de color blanco y flores; los adornos incluyen flecos largos en mangas, espalda, frente y orilla de la cuera. En ocaciones tiene el escudo del estado en la espalda. Pero, ¿cómo fue que surge la idea de realizar una vestimenta con largos flecos partir de piel de becerro o gamuza? La cuera proviene de un traje llamado cotón, vestimenta surgida en tiempos de la Colonia Española utilizada por los vaqueros para protegerse de las ramas y espinas del campo, el clima seco y frío de Tula favorecía el uso cotidiano de este tipo de prendas. De cotón a identidad tamaulipeca

El diseño de la primera cuera fue realizado por Don Rosalío Reyna Reyes el siglo pasado por iniciativa del general agrarista Alberto Carrera Torres, quien pidió una chamarra norteña con muchas barbas y adornos a partir del cotón vaquero.

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Cuera Tamaulipeca is the costume that represents the state, this garment is originally from Ciudad Tula, Tamaulipas. It is made from calfskin or suede deer with prints of flowers in white leather; embellishments include long fringed sleeves in back, front and sides of the cuera. Sometimes it has the state seal on the back. But how did the idea of a dress with long fringes from calfskin or suede arises? The cuera comes from an outfit called cotón, clothing emerged in times of the Spanish Colony used by cowboys to protect from branches and thorns field, dry or cold weather from Tula favored everyday use of such garments. From Coton to tamaulipeca identity

The design of the first leather jacket was made by Don Rosalio Reyes Reyna last century on the initiative of the agrarista General Alberto Carrera Torres, who asked a northern jacket with many beards and ornaments alike cowboy coton. It is believed that the evolution of the cuera emerges from the coton, a simple jacket, with just one fringe on the front and one on the back,

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zona noreste

Se cree que la evolución de la cuerda surge del cotón, chamarra sencilla y discreta, con apenas un flequito o barba en la pechera y otro en la espalda, que se originó a partir de las chamarras tejanas que, a su vez, pudo ser copiado las que llevaban los indios norteamericanos. Don Rosalío obedeció a las demandas del General Carrera, agregó muchos flequillos, tanto en la pechera como en la espalda y a la altura de las bolsas de la parte baja, le dibujó flores y plantas del desierto sobre prácticamente todo el traje. El resultado le encantó al General, quién fue el primero en lucir una cuera y popularizarla. En los años veinte, el general fue fusilado por los carrancistas en Ciudad Victoria antes del fin de esa década. El modelo de la cuera se extendió entonces a todo Tamaulipas, Nuevo León y Veracruz. También fue bien

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that was originated from the Texas jackets which,at the same time, could have been copied from the used by North American Indians. Don Rosalio due to the demands of General Carrera, add many fringe, in the front and back and up to the bottom bags, he drew flowers and desert plants on the entire suit. The General loved the, he was the first to wear a leather jacket and popularize. In the twenties, the general was shot by the carrancistas in Ciudad Victoria before the end of the decade. Cuera model was pread throughout Tamaulipas, Nuevo Leon and Veracruz. It was also well received in La Huasteca, being used as clothing for huapangos. Over time the outfit was popularized as part of the Tamaulipa’s identity. Making its way as an excellent dress from Tamaulipas, recognized by the bearing and the gala they represent.

Prestigio Actual El oficio de corte y confección de cueras pasó a Don Pomposo Reyna Chaires, hijo de don Rosalío, después a Don Ramón, su yerno, quién se quedó al frente del taller familiar que posee los patrones y plantillas originales de los diseños de 1916, según las ideas del General Carrera Torres. Actualmente se sigue casi procedimiento original de la cuera del General Carrera, aunque el uso de otros materiales como la piel de res en lugar de gamuza de venado y el uso de pieles preparadas y no curtidas en casa, modifican un poco el trabajo artesanal que se acostumbraba. El precio de una cuera es de cinco mil pesos en promedio, según su tamaño, y el acabado que se pida, hecha a la medida; se trata de una prenda de lujo de difícil confección por el tratamiento que la piel exige. Se utilizan plantillas para los diseños florales de la cuera, se realizan completamente a mano. Se pintan y se pegan con

Current prestige The craft of dressmaking of cueras get to be on Don Pompous Reyna Chaires’s hands, son of Don Rosalio, then to Don Ramon’s hands, his son, who stood in front of the family workshop which has the original patterns and templates designs of 1916, according the ideas of General Carrera Torres. Nowadays, almost original procedure of General Carrera’s cuera is ongoing, although the use of other materials such as leather, beef instead of chamois deer and the use of skins prepared and not tanned at home, modify some craftwork that were used. The price of a leather jacket is five thousand pesos on average, depending on their size, and the finish is requested, tailored; It is a luxury garment making difficult treatment for the skin requires. Floral templates are use for cuera’s designs, completely made by hand. Painted and glued with industrial chemicals. Female cuera arises from the exclusively masculine style of the garment and the need to be used in dances like huapango, a variant for women is created through a competition for its design resulting in a jacket and skirt, completely handmade . The female garment typically color is shedron or beige hue. Currently it considered, both male and

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recibida en La Huasteca, siendo utilizada como indumentaria para los huapangos. Con el paso del tiempo el atuendo se popularizó como parte de la identidad tamaulipeca. Abriendose paso como la vestimenta por excelencia tamaulipeca, reconocida por el porte y la gala que representan.

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sustancias industriales. La cuera femenina surge por el carácter exclusivamente masculino de la prenda y la necesidad de ser utilizada en los bailes como el huapango, se crea un variante para las mujeres mediante un concurso para su diseño dando como resultado una chamarra y falda, de elaboración completamente artesanal. La prenda femenina es típicamente de una tonalidad chedrón o beige. Actualmente se considera, tanto a la prenda masculina como femenina, como una prenda de gala para uso en fiestas o eventos especiales. A pesar de tu prestigio, de ser la representación de la identidad cultural del estado de Tamaulipas y haber preservado por años su tradición de elaboración, desafortunadamente como sucede con la mayoría de las artesanías, se está extinguiendo su proceso artesanal, los viejos sastres han ido muriendo y los jóvenes han perdido el interés en aprender el arte de hacer cueras, faldas o camisas. Don Ramón Mendoza Maldonado, es uno de los últimos sastres de cueras en Tula, Tamaulipas.

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female garment, as a pledge gala for use at parties or special events. Despite cuera’s reputation, and even it is a representation of the cultural identity of the state of Tamaulipas and have preserved for years its tradition of preparation, unfortunately, as with most crafts, it is slowly dying with their craft process, the old tailors have gone, dying and and young generations have lost interest in learning the art of making leather jackets, skirts or shirts. Don Ramon Mendoza Maldonado, is one of the last cuera tailors in Tula, Tamaulipas. Por: Marian Biagi

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z o n a oeste

Peregrinaje de los nativos wixaricas en wirikuta

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Catrina, de Diosa de la Muerte a Símbolo de festividad. Catrina, from Goddess of Death to Festivity Symbol Capula es un hermoso poblado que se encuentra al oeste de Morelia, Michoacán. Un lugar colorido y lleno de tradiciones. Todo el año sus calles visten de glamurosas esculturas huesudas, saludando a sus visitantes, y son mejor conocidas como las Catrinas. Pero ¿qué esta más allá del fondo visible del origen de la catrina? ¿Cómo es que surge este elemento tan representativo de la cultura mexicana?

Capula is a beautiful town located on the west of Morelia, Michoacan. A colorful place full of traditions. Throughout the year, the streets shows glamorous boney sculptures, greeting the visitors, best known as the Catrinas. But what is beyond the visible origin of the Catrina? How this element got to be so representative in the Mexican culture?

Historia Ancestral

The roots of Catrina date from the pre-hispanic era, Mictlantecuhtli and Mictecacihuatl were The aztec god and goddess of death, darkness and Mictlan “the region of the dead” (also called Popocatzin in Nahuatl), which was the place where the men and women who died of natural causes were to rest. It’s temple was in the ceremonial center of the ancient city of Tenochtitlan. Before the spirits reach Mictlan to rest, they must cross obstacles like colliding rocks, deserts, hills and a crocodile called Xochitonal, sharp obsidian wind, and a rushing river that the spirit can crossed with the help of a dog that was sacrificed the day of his funeral (Xoloizcuintl, known as xoloitzcuintle, a hairless aztec dog).

Las raíces de la catrina datan de la época prehispánica, Mictlantecuhtli y Mictecacihuatl eran el dios y la diosa mexica de la muerte, la oscuridad y el Mictlán “la región de los muertos” (también llamado Popocatzin en nahuatl), era el sitio donde los hombres y mujeres que morían de causas naturales iban a descansar. Su templo se encontraba en el centro ceremonial de la antigua ciudad de Tenochtitlán. Antes de que los espíritus llegaran a Mictlán para descansar, debían atravesar obstáculos como piedras que chocan entre sí, desiertos, colinas, y un cocodrilo llamado Xochitonal, viento de filosas piedras de obsidiana, y un caudaloso río que el muerto atravesaba con la ayuda de un perro que era sacrificado el día de su funeral (Xoloizcuintl o xoloitzcuintle, que significa perro azteca sin pelo).

Ancestral History

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zona oeste

Según esta mitología, era tradición entregar a los dueños del inframundo ofrendas, para facilitar a los difuntos la entrada a la región de los muertos. Algo de estas creencias prehispánicas aún sigue latente en la cultura popular mexicana, naciendo así el 1 de noviembre o Día de Muertos, fecha donde se festeja el día los antepasados difuntos, apegándose a la idea de que a los muertos no hay que recordarlos con tristeza, si no con alegría como ellos vivieron.

According to this mythology, offerings were delivered to gods of the underworld to ease the entry to the region of the dead. Some of these pre-hispanic beliefs are still in popular Mexican culture, giving birth to the November 1st or Day of the Dead, the date in which the deceased ancestors are celebrated, holding the idea that the dead must be remember with the joy how they lived, not with the sadness of their lost.

Evolución de la muerte

This ideology of celebrating death, is taken up by the Mexican artist Jose Guadalupe Posada, a famous writer, cartoonist and illustrator, however, he decide to add a metaphorical meaning of the high social Mexican class, adding a satirical touch to his representations. In his illustrations it was often showed the social criticism that revealed situations of inequality and injustice in the country and Porfirian society, represented in his engravings with skulls dressed in luxury, skulls in parties in suburbs or streets, in wealthy houses, he noted the misery and political mistakes of the country. These “calacas” (Spanish word for skull or skeleton) made him famous. Posadas originally called chickpear (garbancera) calaber, word used to call the indigenous people who stopped selling beans and sell chickpea, pretending to be Europeans, whether Spanish or French society and reneged on his own race, heritage and culture. In this way, Catrina becomes a way of criticizing the last century women who dressed in the French fashion, and Mexicans who wanted to look like having an European lifestyle that did not belong to them.

Esta ideología de festejar la muerte, es retomado por el artista mexicano José Guadalupe Posada, célebre grabador, caricaturista e ilustrador, sin embargo, el decide agregar un significado metafórico de la clase social alta Mexicana, agregar un toque satírico a sus representaciones. En sus ilustraciones solían estar presentas las críticas sociales que evidenciaban situaciones de desigualdad e injusticia en el país y en la sociedad porfiriana, representados en sus grabados con calaveras vestidas de gala, calaveras en fiesta de barrios, en calles urbanas, en las casas de los ricos, señalaba la miseria y los errores políticos del país. Estas “calacas” le hicieron famoso. Posadas las llamó originalmente calavera garbancera, palabra con la que se conocía entonces a las personas indígenas que dejaron de vender frijol y para vender garbanzo, pretendiendo ser europeos, ya fueran españoles o franceses y renegaban de su propia raza, herencia y cultura. De esto modo, la catrina pasa a ser una forma de critica a las mujeres del siglo antepasado que se vestían a la moda francesa, y a los mexicanos del pueblo que querían aparentar un estilo de vida europeo que no les correspondía.

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Evolution of dead

En el siglo XIX el nombre catrina también hacia alusión a la alta sociedad afrancesada de aquella época. De ahí que a las personas bien vestidas hoy se les conoce como catrines o catrinas. In the nineteenth century the name “Catrín” o “Catrina” also alluded to the high Frenchified society at that time.Therefore, well dressed or elegant people today are known as dandies (catrín) or catrinas.

En el 2010, la catrina celebró su primer siglo. Se realizó un cortometraje como homenaje a José Guadalupe Posadas y a Quirini Mendoza Cortés (creador de Cielito Lindo, canción utilizada en el cortometraje), fue finalista en el festival de cine en Xochimilco. In 2010, Catrina celebrated it’s first century. A short film was made as a tribute to José Guadalupe Posadas and Mendoza Quirini Cortés (creator of Cielito Lindo, song used in the film), the shortfilm was a finalist at the film festival in Xochimilco.

Let’s call her Catrina

Diego Rivera fue quién le dio el nombre de Catrina, la hizo de cuerpo completo, le agregó clase, sofisticación, porte, vestidos rimbombantes y un sin fin de múltiples accesorios. Rivera la dibujo por primera vez en su mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” en esta obra se puede ver a la catrina acompañada de su creador José Guadalupe Posada, y desde ese entonces fue aceptada y tomada como un ícono de la cultura mexicana. La Catrina es una metáfora viva que habla de la muerte, es un juego de picardía muy respetable, que te invita a la sonrisa, una sátira seductora, una símbolo de coquetería, que nos acerca humorísticamente a la muerte en una manera de ver la mas alegre, mas cercana, mas divertida y nos recuerda el placer de vivir. Este muy querido personaje, ya es parte del patrimonio cultural mexicano, donde se representa tanto lo espiritual como lo ancestral. La zona de Michoacán, principalmente Capula, es un espejo vivo donde se miran estas majestuosas catrinas coquetas en diferentes tamaños, colores, y vestuarios, siendo cada una única.

Diego Rivera was who gave her the name Catrina, made her full body representation, added her class, sophistication, and bombastic dresses and multiple accessories. Rivera drew her for the first time in his mural “Dream of a Sunday Afternoon in Alameda Park” in this work, Catrina can be seen accompanied by its creator Jose Guadalupe Posada, and since then was accepted and taken as an icon of Mexican culture. La Catrina is a living metaphor that speaks of death, it is a mixtures of respect and slyness that invites you to smile, a seductive satire, a symbol of coquetry, which brings us humorously to death to see it in a more cheerful, closer, and funnier way and reminds us of the pleasure of living. This loved Mexican character is part of it’s cultural heritage, where both the spiritual and ancestral customs are shown. Michoacan state, mainly Capula town, is a living mirror where these majestic coquettish catrinas look in different sizes, colors and clothes, each one unique.

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Llamémosla Catrina

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Feria en Capula

Capula’s Carnival

“La feria de la Catrina de Capula”, es un evento muy esperado por los habitantes de este poblado, las pintorescas calles se llenan de colores con la exposición y venta de las míticas catrinas que realizan los hábiles artesanos de la zona. Podrás observar el espectáculo de artesanos trabajando a marchas forzada, otros descansando porque previeron el trabajo desde hace cinco meses, algunos laborando casi horas extras en sus talleres para cumplir en próximos días con los pedidos de los visitantes; lo cierto es que los artesanos alistan los últimos detalles ya sea en sus talleres o en los pequeños comercios instalados a lo largo de su calle principal. Además, durante la celebración de la Feria también se puede encontrar rica gastronomía típica de la región, y hasta tomarte la foto del recuerdo con las catrinas y catrines vivientes que recorren las calles de Capula, sin duda una tradición escondida que vale la pena encontrar. Actualmente, la catrina, ha dejado sus límites originales del grabado de Posada y el lienzo de Rivera, convirtiéndose en un artefacto vivo, parte de la cultura de los mexicanos, su oposición a la muerte como angustia diferencia a México como uno de los pocos países en el mundo que enfrenta la muerte con fiestas y risas, en vez de sollozos y angustia. Es una artesanía que simboliza el mestizaje, que resalta la riqueza formal y espiritual del país.

“Catrina’s Carnival in Capula” is a much an awaited event by the people of the town, the picturesque streets are filled with colorful exhibitions and sale of the mythical catrinas made by skilled craftsmen in the area. In the carnival you can see the craftsmen working as fast as possible, others resting because they prevented the work for five months ago, some others doing extra hours in their workshops to fulfill the incoming visitor’s requests for the next days, the truth is that the artisans prepared the final details either in workshops or small businesses installed along the main street. In addition, during the Fair you can also find rich cuisine of the region, or take photo with the living catrinas as a souvenir, through the streets of Capula there is a hidden tradition that definitely is worth finding. Currently, Catrina, has left its original boundaries like Posadas’s engraving or Rivera’s canvas, becoming a living artifact, part of the culture of Mexicans, its opposition to death as a torment differentiate México as one of the few countries in the world which face death with festivities and laughter instead of tears and anguish. It is a craft that symbolizes miscegenation, highlighting formal and spiritual wealth. Por: Daniela Cruz y Jessica Castillo

El Libro de La vida, película creada por Reel FX Creative Studios y distribuida por 20th Century Fox; enmarca la catrina como la protagonista, en la película es la gobernante de la Tierra de los Recordados. The Book of Life, film created by Reel FX Creative Studios and distributed by 20th Century Fox; frame Catrina as the main character, she is the ruler of the Land of the Remembered.

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ARTE HUICHOL, aullidos del alma de un pueblo Huichol Art, howls from their peopleâ&#x20AC;&#x2122;s soul. mexart

Oeste central de México, Sierra Madre Occidental, hogar de la comunidad indígena cuyas tradiciones son las mejor resguardadas al mantenerse casi intactas desde su origen, rodeados entre desiertos, montañas y valles han logrado sobrevivir casi sin contacto por la mano de la modernidad, llamados por ellos mismos wixaritari, o pueblo wixárika (‘el que se viste en honor de nuestros antepasados’).

West Central Mexico, Sierra Madre Occidental, home of the indigenous community whose traditions are best sheltered and remaining almost untouched since its origin, among deserts, mountains and valleys they have managed to survive and remain almost without been touched by the hand of modernity, calling themselves Wixaritari, or Wixárika ( ‘the dressed in honor of our ancestors’).

Preservación

Preservation of it’s culture

una

cultura

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Los posibles ancestros de los huicholes fue una tribu llamada Teochicimecas, una de las tribus Nahuatlacas que salieron de Chicomoztoc “lugar de las siete cuevas”. Mantuvieron una vida independiente de los imperios mesoamericanos. En la conquista de los españoles, el pueblo huichol huyó, refugiándose en las montañas, manteniendo así su autonomía como hasta la fecha. Esa independencia les permitió desarrollar libremente sus costumbres y tradiciones sin influencias externas. Dándole poder comunicativo a su arte, el único medio para preservar la memoria colectiva, ya que no tienen un lenguaje escrito, es atraparla en sus artesanías. El arte wixárika habla por su gente, maneja un significado más profundo sobre la cultura y la historia de su pueblo. Sin embargo; esta riqueza cultural se ha visto amenazada por el factor económico, forzando a un número de huicholes a migrar hacia áreas como Guadalajara y la Costa para trabajar o vender sus mercancías.

La cultura Wixárika

El arte huichol como tal, no es asunto principal, es más importante conocer a los artistas huicholes antes que a sus obras.

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Possible ancentros of the Huichols were a tribe called Teochichimecas, one of the seven Nahuatlacas tribes who had left Chicomoztoc “place of seven caves” . They keep an independent life from the Mesoamerican empires. When the Spanish Conquest ocurred, the huichol people escape, taking shelter in the mountains been able to preserve their autonomy, as they have done to date. This independence allowed them to freely develop their customs and traditions without external influences. Giving communicative power to their art, the only way to preserve the collective memory, due to the lack of a properly written language, is by catching it into their handicrafts. Wixarika’s art speaks for it’s people, holds a deeper hidden message about their culture and history. But nevertheless; this autonomy and cultural wealth has been threatened by the economic factor, forcing a number of Huichols to migrate to areas such as Guadalajara and to the coast to work or sell their wares.

The Wixárika culture

The Huichol art is not the main matter, it’s more important to know the Huichol artists before their art.

El peyote, alimento divino El Peyote, llamado hikuri en su lengua, es el mayor símbolo religioso ya que es el principal medio para contactar con sus dioses. Según la leyenda, el dios Tamatz Kauyumari (“Nuestro hermano mayor venado azul”)

To understand the meanings of Huichol art we must understand their cosmogony, their mythical narrative in which people base their origins and the universe’s. We can measure the importance of religious role in their lives with their 24 ceremonial centers (tihupas), guarded by the elderly or wisest of the tribe to take care of nierikas, the amalgams of energy that extends the wisdom of ancestors, and focuses on the physical word with offerings or ceremonial objects created to flatter, thank or ask favors from their deities, the elements of nature. Nierika is a wixárika word that refers to the appearance, the face or feature of things; it’s the representation of an idea and the reflection of who creates it. The nierika can represent the face of the sun, the skin of the earth, the face of deer or fire, peyote’s face and the face of the man who makes the offering. The Huichol has a fascination with the number five and attributed mystical properties. Five is the number of their cardinal points, their deities, and color of the corn and peyote. Five times must the mara’akame (“who knows how to dream” in wixárika), the spiritual leader of the community, peregrinate to Wirikuta, to complete his training and achieve the maximum religious power to penetrate the world of the sacred.

Peyote, the sacred food. The Peyote, called hikuri in their language, is the largest religious symbol because it is the principal way to contact their gods. God Tamats Kauyumari ( “Our big brother blue deer”)

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Para entender los significados del arte huichol hay que entender su cosmogonía, su narración mítica en la que fundamentan su origen como pueblo y el origen del Universo. Podemos medir la importancia del rol religioso en sus vida con sus 24 centros ceremoniales (tihupas), resguardados por los ancianos o más sabios de la tribu para cuidar los nierikas, amalgamas de energía que prolonga las sabiduría de los antepasados, y las concentra en lo físico como ofrendas u objetos ceremoniales creadas para halagar, agradecer o solicitar favores a sus deidades, los elementos de la naturaleza. Nierika es una palabra wixárika que se refiere al aspecto o característica de las cosas; son la representación de una idea y el reflejo de quien la crea. El nierika puede representar el rostro del sol, la piel de la tierra, el rostro del venado o del fuego, la cara del peyote así como el rostro del hombre que hace la ofrenda. Los huichol tiene una fascinación con el número cinco, le atribuyen propiedades místicas. El número cinco se manifiesta en sus puntos cardinales, sus deidades y los colores del maíz y el peyote. Cinco veces debe peregrinar el mara’akame (“quién sabe soñar” en wixárika), el líder espiritual, a Wirikuta en Real de Catorce, San Luis Potosí, para completar su entrenamiento, alcanzar el máximo poder religioso para poder penetrar en el mundo de lo sagrado.

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pierde parte de sus cuernos al levantar a su padre el sol al cielo, cuando caen al suelo crece el peyote, siendo parte del cuerpo del dios venado se vuelve divino en la cultura huichola. Otro mito narra el origen de la wirikuta, el territorio sagrado. Un grupo de cazadores en temporada de hambruna salen a cazar, sin éxito. Al encontrar un venado, lo persiguen hasta llegar a Wirikuta, el venado desaparece y se convierte en peyote. El cactus sirvió para alimentar a su gente, quienes se fortalecen y se curan de todas sus enfermedades. Por eso, el peyote es considero el alimento espiritual que alimenta el alma y el cuerpo de sus tribus. De este mito surge el ritual anual del peregrinaje al área desierta de San Luis Potosí.

raised his father the sun to the sky, lossing part of his horns which fell to earth and became peyote which is part of the body of the deer god, therefore the peyote is divine in the Huichol culture. Another myth tells of the origin of the Wirikuta, the sacred territory. A group of hunters in famine season go hunting, without success. They found a deer, which is chased until they reach Wirikuta, where it disappeared and became peyote. The cactus is used to feed their people, who are strengthened and cured from all diseases. That’s why the peyote is considered the spiritual food that heals soul and body of their tribes. This myth gives the origin to the anual pilgrimage to the desert area of San Luis Potosi to communicate with the gods.

El arte huichol

Huichol art

El pueblo wixárika, es un pueblo que vive las emociones de manera intensa, lo que les permite conectar la naturaleza con todos los ámbitos de su existencia, experimentan la vida con otro enfoque. Igual pasa con el color, pasa a ser una experiencia vivida, una percepción profunda y penetrante símbolo. La elección de colores , tiene un origen: el peyote, alimento sagrado. Los colores tienen una perfecta armonía, ninguno pierde su intensidad, crean un espacio lleno de potencia y pasión, maravillosas figuras nacidas gracias al florecimiento del color. ¿Y cómo es que se logra esto? La frase colores vividos no es solo una metáfora, en el arte huichol se vuelve realidad cuando el mara’akame, en sus trances para comunicarse con los dioses, puede efectivamente vivir el color, guiado por la voz del fuego y la tierra, escuchando los susurros del venado, el maíz y el peyote, para cantar las voces de los dioses

The wixárika people live the emotions intensely, which makes posible to connect the nature with all areas of their existence, experiencing life with another perspective. Same happen with the color, it becomes an experience, a deep and penetrating symbol of perception. The color selection has an origin: peyote, the sacred food. The used colors coexist in perfect harmony, none lose its intensity, creating a space full of power and passion, wonderful figures born from simplicity thanks to the flowering of color. And how is this accomplished? The phrase vivid colors is not just a metaphor, in the Huichol art it becomes reality when the mara’akame in their trances to communicate with the gods, can truly live the color, guided by the voice of fire and earth, listening to the whispers of the deer, corn and peyote, to sing the voices of the gods

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El arte huichol fue documentada por primera vez a finales del siglo XIX por Carl Lumholtz. Huichol art was first documented in the late nineteenth century by Carl Lumholtz.

that reveal the origin’s stories and rituals, and give meaning to the images and strength to the words. The mara’akame is responsible to find the paths in dreams, to pursue the balance of rituals and provide physical and spiritual health of his tribe. The mara’akame sings only under the influence of peyote, these songs often provide inspiration by raising his mind, overstep the threshold of the unknown and contact with deities; the design and images narrate the ancient stories shown on these journeys of the mind, with its colors and ideograms reproduced in all handmade Wixárika’s creations. Crafts with high religious symbolism Most of the huichol’s handicrafts have it’s origin in rituals and are intrinsically related with their spiritual life.

Niérikas.

Originally the tablets with a hole in the center, covered with colored stamens, are called neirika (now any offering is called that way), also known as nieriluu or transgenerational wixárika mirror by some historians. They were made with natural-dyed wool. Now, industrial yarns are used, and rituals tablet’s size had grew because of industrialization. It used to represent the myths, holidays, and the power of mara’akame and the magic of their gods. The ones for sale are copied by skilled craftsmen. From being mystical objects, the connection between past and present,source of the wisdom of the universe, the heart of the eternal reincarnation, to be an artisan product whose purpose is the sale by the need of survival.

Originalmente las tablillas con un hueco en el centro, recubiertas con estambres de colores, se les llamada neirika (en la actualidad se le llama así a cualquier ofrenda), también eran conocidas como nieriluu o el espejo transgeneracional wixárika por algunos historiadores. Se hacían con hilos de lana teñida de pinturas naturales. Actualmente se usan estambres industriales, y los tamaños de las tablillas rituales crecieron por la industrialización. Representan los mitos, las festividades y rituales, el poder del mara’akáme y la magia de sus dioses. Las que están disponibles a la venta, son replicas realizados por habilidosos artesanos. De objetos místicos, la conexión entre el pasado y el presente, fuente de la sabiduría del Universo, el corazón de la reencarnación eterna, pasó a ser un producto artesanal cuyo propósito es

Niérikas

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que revelan las historias del origen, los rituales, dandole sentido a las imágenes y fuerza las palabras. El mara’akame se encarga de encontrar los caminos en los sueños, para procurar el equilibrio de los rituales y proporciona la salud física y espiritual de su tribu. El mara’akame canta sólo bajo el influjo del peyote, brindando la inspiración al elevar su mente, traspasar el umbral de lo desconocido y contactar con las deidades; los diseño e imágenes cuentan las historias ancestrales mostradas en estos viajes de la mente, presentes en todas las creaciones artesanales del pueblo wixárika. Artesanías como objeto religioso La mayoría de las artesanías huicholes tiene su origen en rituales y están intrínsecamente relacionados con su vida espiritual.

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su venta por la necesidad de supervivencia.

whose purpose is the sale by the need of survival.

Muvieris

Pequeñas flechas de bambú confeccionados con una vara cubierta de hilo, en su extremo tiene plumas de águila o halcón. Son usadas en ceremonias por el mara’akáme para curar, conocer los designios de sus deidades, adivinar el futuro y contrarrestar los hechizos provocados por los brujos. Se le atribuyen poderes especiales a las plumas de águila como la sabiduría, el valor y la protección contra cualquier mal. Su origen mítico está asociado con las deidades de la caza, el venado Paritzika y el águila principal, considerada la guardiana de la morada de los muertos (Werika Wimari). Los brujos confeccionan sus muvieris con plumas de buho, lechuza u otros pájaros nocturnos.

Small bamboo arrows made with a covered wire rod, at the end has attached some eagle or hawk feathers. this are used in ceremonies, to heal, know the gods’s plans, foresee the future and counteract spells caused by witches. Eagle’s or hawk’s feathers have special powers, wisdom, courage and protection against evil. His mythical origin is associated with the hunting deity, Paritsika the deer and the main eagle, considered the guardian of the abode of the dead (Werika Wimari). Sorceress’s muvieris are made with owl’s or other nocturnal bird’s feathers.

Tacuats Morrales bordados con motivos religiosos o con chaquira, sirve para que los chamanes guarden los símbolos sagrados, como las muvieris para sanar, purificar y cuidar a su tribu. El mara’akáme pasa los símbolos por todo el cuerpo, pronuncia encantos y sopla las plumas. Por la noche la magia trabaja con la ayuda de la luna y velas para saber los males que se liberaron del alma de la persona. Son usados por el pueblo para cargar con sus pertenencias personales, es considerado símbolo de protección para quién lo porta.

Tacuats Morrales embroidered with religious motifs or beads, used by the shamans to keep the sacred symbols such as muwieris, to heal, purify and take care for the tribe. The purification process takes about 10 minutes, the mara’akame touch the whole body tire the symbols, pronounced charms and blow the feathers. To determine whether the magic worked, they must wait until the night, when they will know, with the help of the moon and candles, the evils that liberated the soul of the cleaned person. These backpacks are also used by regular people to carry their personal belongings, is considered a symbol of protection for those who carries it.

Tepos

Tambores hechos con troncos de encino ahuecados, cuyos tres soportes inferior aumenta la resonancia.

Drums made of hollowed oak trunks, with three supports at the bottom that increases resonance.

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Foto/Photo:Mariano Valadez Huichol Yarn Painter

Tsikuri También llamado ojo de dios, es una cruz de carrizo con estambres hilados con figura de rombos. Asegura la salud y protección de los niños. El padre agrega un rombo por cada año de vida, hasta llegar a cinco, el número mágico del mundo huichol. Se utilizan colores especiales. El negro por Tetei Amara, el Océano Pacífico, donde está la serpiente que devora a los hombres; el azul por el agua y la lluvia, representa al Rapawiyeme, el Lago de Chapala; el rojo simboliza la región de Parietekúa, donde vive el dios peyote. Los colores elegidos son el mensaje, el medio por el cual los hombres piden y hablan con sus dioses.

Rukures Jícaras decoradas con cuentas hechas de huesos, arcilla, piedra, coral, turquesa, pirita, jade y semillas de maíz, calabaza o frijol, piedritas de hormiguero, pedazos de cristal de roca, cabellos o pedazos de carne de venado, figuras de cera o bolitas de algodón. Hoy, las jícaras son parte de los productos artesanales más populares del pueblo wixárika, se utilizan chaquiras o piedras de plástico y en ocasiones materiales naturales como cuarzo, cristales o piedras preciosas para el mercado coleccionista. Las rukures tienen el poder de la petición, los dioses se “beben” las peticiones que contienen cuando son colocabas en santuarios o lugares sagrados, satisfaciendo las necesidades de su pueblo.

The upper deck is hardened and sun-dried deer skin, fastened with cords of deer gut. It is played in ceremonies and rituals intended to increase the concentration of mara’akame state.

Tsikuri Also called Eye of God, is a reed cross with stamens yarn diamondshaped. It ensure the health and protection of children. The father adds a diamond for each year of life, up to five, the magic number of Huichol world. Especial colors are used. The black is the color of Tetei Amara, the Pacific Ocean, where the serpent devours men; blue is the color of water and rain, and represents the Rapawiyeme, Chapala’a Lagoon; red symbolizes Parietekúa region where the peyote god lives. The chosen colors are the message, the way the men ask and talk to their gods.

Rukures Jícaras decorated with beads made of bone, clay, stone, coral, turquoise, pyrite, jade and seed corn, squash and beans, pebbles anthill, pieces of rock crystal, hair or pieces of deer, wax figures or cotton balls. Today, jícaras are among the most popular Wixárika handicrafts, now plastic beads or stones are used, sometimes natural materials such as quartz, glass or precious stones are use specially for the collector market. Rukures have the power of petition, Gods drink the contained petitions from the jícaras when it’s placed in shrines or holy places, satisfy the needs of their people.

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La cubierta superior es de piel de venado secada al sol y curtida, sujetada con cordeles de tripa de venado. Se toca en ceremonias y rituales con la intención de aumentar el estado de concentración del mara’akáme.

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Foto/Photo:Mariano Valadez Huichol Yarn Painter

Un fragmento del mito de la Madre del Maíz nos explica esta creencia. La diosa ofrece a un joven huichol hambriento una olla llena de tortillas y una jícara llena de atole; el joven no creía poder saciar su hambre con eso, pero la comida se renovaban mágicamente, y quedó satisfecho. Los dioses huicholes son todopoderosos, siempre podrán escuchar y cumplir las peticiones de su gente, aunque parezca imposible.

“kuka” Es una máscara ceremonial tridimensional, surgieron de pequeños cuencos de calabaza, eran cubiertas con semillas, huesos, arcilla, coral y conchas, actualmente se usan cuentas comerciales. Son usadas en rituales religiosos en fechas de Pascua. El águila bicéfala, Tatei Werika Wimari, es representada en estas máscaras. De aquí deriva la práctica moderna de las figuras de madera con cabezas de serpientes y jaguares.

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A fragment of the myth of the Mother of Maize explains this belief. The goddess offers a young hungry huichol a pot full of tortillas and a jícara full of atole; the young man was unconvinced that could satisfy his hunger but the food was magically renewed, and the young man was satisfied. Gods are all-powerful will always listen to the requests of its people and fulfill their needs, even if it seems imposible.

“Kuka” Tridimensional ceremonial mask, created from small bowls of pumpkin, covered with seeds, bones, clay, coral and shells, but these have been replaced by commercial beads. Used in religious rituals in the celebrations of Easter. The two-headed eagle, Tatei Werika Wimari is represented on this masks. This is the foundation of the modern wooden sculptures with heads of snakes and jaguars.

Decorative handicrafts of

pueblo huichol

the Huichol people

La chaquira es usada para elaboran pulseras, gargantillas, bolsos, cinturones y aretes, para complementar la indumentaria tradicional de la gente huichol. Los diseños se arma con las manos, agregándose una a una las pequeñas chaquiras. En ocasiones se utilizan chaquiras checoslovacas, estas son más pequeñas y caras, utilizadas solo en piezas para coleccionistas por su acabado más fino y exquisito. Sus trajes de algodón y de tela tejida están bordados con diseños que invocan a sus antepasados cristalizados sobre la tierra, o Takakauma. El huerruri, el pantalón de manta del hombre huichol y el hutuni, la camisa larga y abierta a los costados, representa su mundo en cada puntada creadas por las manos de la comunidad, con la única guía de su imaginación y la cosmonogía de su cultura. El bordado es tan importante que existen nierikas que piden a los dioses por un buen bordado.

The beads is used to produce bracelets, necklaces, bags, belts and earrings to complement the traditional clothing of the Huichol people. Design are created by hand, adding on by one the small bead. Sometimes Czechoslovak beads are used, a tiny and more expensive glass bead used only in pieces for collectors because of its finest and exquisite finish. Their cotton suits with woven fabric are embroidered with designs that invoke their ancestors crystallized on earth, or Takakauma. Huerruri, men’s blanket huichol pants, and the hutuni, the long and sideopened shirt, represents their world in every stitch patiently created by the hands of the community, their only guide, their imagination and cosmogony of their culture. It is so important that there are nierikas to ask the gods for a good embroidery.

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Artesanías decorativas del

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Foto/Photo:Mariano Valadez Huichol Yarn Painter

Cada bordado tiene un alma propia que mantiene los símbolos huicholes, el venado encarna la bondad; el águila es el sostén del mundo; la serpiente representa la lluvia; el rayo, el movimiento. Cada artesano mezcla en sus piezas el reflejo cotidiana de la vida con lo místico para mostrar el conjunto de la vida huichol. El arte huichol, ya sea decorativo o religioso, es completamente mudo para quién no sabe escuchar o descifrar los gritos de un pueblo ancestral, cada pieza esta plagado de significados y leyendas, desborda tradiciones y creencias. Cada pieza representa las raíces de un pueblo prehispánico ancestral que se niega a extinguirse o dejarse influenciar, los wixárikas, aquellos que siguen vistiéndose en honor de nuestros antepasados.

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Every embroidery has a soul that maintains the huichol symbols, deer embodies goodness; eagle is the holder of the world; snake represents the rain; lightning represent movement. Each craftsman blend their the daytoday reflection with the mystical to show the whole Huichol life. Huichol art, whether decorative or religious, is completely silent for those who don’t know how to listen or can’t decode the exclamation of an ancestral community, each piece is full of meanings and legends, overflowed with traditions and beliefs. Every piece represents the roots of an ancient pre-hispanic world that refuse to disappear or be influenced, the Wixárika, those who are still dressed in honor of our ancestors. Por: Daniela Cruz y Yarely Cruz

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z o n a e s t e

Iglesia de Nuestra SeĂąora de los Remedios, Cholula, Puebla de Zaragoza.

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talavera poblana

superviviente de l a ĂŠpoca colonial. talavera poblana, survivor of the colonial era.

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Puebla, la cuidad colonial mas grande de México reconocida por su centro histórico; mundialmente conocida por su producción de cerámica de Talavera Poblana, exclusiva del estado, abundante en localidades como Atlixco o Cholula por sus suelos ricos en minerales y su antigua tradición de manufactura.

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Un poco de historia El origen más remoto de esta artesanía se encuentra en China, cuyos diseño y técnicas fueron llevados a la península de ibérica por alfareros de la España musulmana a finales del siglo XII, expandiéndose por toda Europa. La porcelana oriental era símbolo de prestigio, tanto la cerámica japonesa como china tenían bastante reconocimiento. Las primeras piezas que llegaron a México fue por medio del Galeón de Manila, también llamado el Nao de China, una nave española que comerciaba entre Filipinas y la Nueva España. Traían porcelana china, biombos y otras artesanías, espadas japonesas, alfombras persas, jarrones de la dinastía Ming, entre otros. De aquí surge la primera inspiración de la Talavera Poblana. Pero fue en 1550, que un pequeño grupo de artesanos de los talleres de Talavera de la Reina, Sevilla y Génova se establecieron en la Nueva España, en Puebla. Estos artesanos respondieron al ferviente deseo de la alta sociedad mexicana por mostrar su renombre al poseer una vajilla de porcelana fina o loza europea, la mayoría de las importaciones se quebraban por el largo viaje. Así, los artesanos europeos comenzaron la producción local de la talavera, nutriéndose del conocimiento prehispánico de los indígenas en el manejo de la arcilla presente en el estado.

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Puebla, the largest colonial city of Mexico known for its historic center; worldwide recognized for its ceramical production of Talavera Poblana, exclusive of the state, abundant in places like Cholula or Atlixco because of its mineral rich soils and its ancient manufacturing tradition.

A little of history The most remote origin of this craft is in China, whose design and techniques were brought to the Iberian Peninsula by the Muslim potters of Spain in the late twelfth century, expanding throughout Europe. The oriental porcelain was symbol of prestige, both Japanese ceramics and Chinese had enough recognition. The first pieces that arrived in Mexico was through the Manila Galleon, also called the Nao of China, a Spanish ship that traded between the Philippines and the New Spain. They brought Chinese porcelain, folding screens and other crafts, Japanese swords, Persian rugs, vases from the Ming Dynasty, among others. Hence the first inspiration of Talavera Poblana arises. But it was in 1550, a small group of artisans workshops Talavera de la Reina, Seville and Genoa settled in the New Spain, in Puebla. These craftsmen answered the fervent desire of the high Mexican society to show its popularity by having a fine china or earthenware Europe, most imports were broken by the long journey. Thus, European craftsmen began local production of Talavera, feeding the prehispanic indigenous knowledge in managing this clay in the state.

El término azulejo, proviene de la palabra árabe azulisch, que significa recubrir muros. La inspiración del diseño de Talavera provino de la porcelana venida del extremo oriente.

The term tile comes from azulisch Arabic word which means to coat walls. Talavera’s design inspiration came from the porcelain coming from the Far East.

zona este Se retomando las tendencias orientales traídas por las piezas del Galeón de Manila, ya que estaba de moda y había bastante demanda de esos acabados y diseños. Los primeros diseños con estilos asiáticos representaban ciervos y garzas, muy comunes en la porcelana china kraak, mezclando los elementos con diseños mozárabes y japoneses; dando como resultado una amalgama muy peculiar. En el gobierno virreinal, se crearon las primeras ordenanzas para controlar la calidad, se usaban firmas u hologramas para evitar falsificaciones y se realizaban inspecciones. Esto permitió aumentar la calidad de las piezas, llegando así a la “era dorada de la talavera” entre 1650 y 1750, difundiéndose a otros países como Nueva España, Guatemala, Cuba, Santo Domingo y Venezuela.

Trends brought by the eastern parts of the Manila Galleon as it was fashionable and had enough demand for those finishes and designs. The first designs with Asian styles represented deer and herons, common in Chinese porcelain kraak, mixing elements mozárabes and Japanese designs; resulting in a very peculiar amalgam. In the colonial government, the first ordinances were created to control the quality, and signatures or holograms were used to prevent counterfeiting and inspections were carried out. This greatly enhanced the quality of parts, thus reaching the “golden age of talavera” between 1650 and 1750, spreading to other countries such as New Spain, Guatemala, Cuba, Santo Domingo and Venezuela.

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Contrario a lo que normalmente se piensa, la talavera no era una alternativa de bajo costo para aquellos que no podían adquirir las porcelanas del Galeón. En ocasiones, era inclusive más cara que la porcelana extranjera por sus complicados diseños con tintura azul que se obtenía del cobalto, un material extremadamente costoso. En ocasiones, su uso tan marcado le daba una cualidad casi tridimensional a las piezas. La talavera se implementó en azulejos, los cuales eran una demostración del estatus económico familiar o de la iglesia. A tal grado llegó la importancia del uso de azulejos que se creó el dicho:“No aspirar a construir una casa de azulejos equivale a no aspirar a mucho en la vida.” Durante el periodo de Guerra de Independencia, los gremios de alfareros se abolieron, la cerámica se producía sin calidad y el mercado de la talavera colapsó, dejando solo siete de los 46 talleres productores del siglo XVIII. La talavera estuvo a punto de la extinción, amenazada por esta situación, las importaciones baratas y de baja calidad, y la falta de creatividad en los diseños. Pero los artesanos lucharon por preservar la tradición hasta que fue reconocida bajo la Denominación de Origen en 1995 para garantizar su protección legal contra manufacturas similares realizadas de manera apócrifa, asegurando los métodos originales y certificando la importancia cultural de estas piezas. Gracias a esto, la talavera es reconocida a nivel internacional, exportando piezas a Estados Unidos, Canadá y Europa, con colecciones de talavera inclusive en Nueva York.

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Contrary to common belief, Talavera was not a low-cost alternative for those who could not acquire Galleon porcelains. Sometimes it was even more expensive than foreign porcelain for their intricate designs with blue dye that was obtained cobalt, an extremely expensive material. Sometimes they use is so marked that it gives an almost threedimensional quality to the pieces. Talavera was implemented in tiles, which were a demonstration of family economic status or church. Importance of tiles use created the saying: “Those who do not aspire to build a house of tiles do not aspire to much in life.” During the War of Independence, potters guilds were abolished, ceramics was produced without quality and talavera market collapsed, leaving only seven of the 46 producers workshops in eighteenth century. Talavera almost was extinguish, threatened by this situation, cheap and low-quality imports, and lack of creativity in the designs. But the craftsmen fought to preserve the tradition until it was recognized under the Designation of Origin in 1995 to ensure legal protection from similar articles made of apocryphal manner, ensuring the original methods and certifying the cultural importance of these pieces. Thanks to this, the talavera is recognized internationally, exporting pieces to the United States, Canada and Europe, including talavera collections in New York.

Refined technique of creation

La producción de alfarería de Talavera contempla seis procesos distintos que duran aproximadamente seis meses. Cada etapa se cubre con dos o tres pasos con delicadeza. El proceso integral suma quince pasos, sin incluir su embalaje comercial. El cuidado que requiere la cerámica de Talavera es excesivo. Si uno de los pasos no resulta como debe, la pieza queda arruinada. Un descuido como filtrar mal la mezcla de los barros o dejar secar el barro en un cuarto con ventilación puede significar horas de trabajo desperdiciadas. El proceso de la elaboración de la talavera prácticamente no ha cambiado desde la temprana época virreinal. En aquella época, los alfareros encomendaban las piezas con oraciones especiales durante el proceso de cocimiento. Todo el proceso de elaboración puede llegar a tomar tres meses para la mayor parte de las piezas, pero en algunas puede durar hasta seis. El proceso es complicado a un grado tal que algunos talleres en Puebla ofrecen visitas guiadas y explican el proceso. El taller certificado y aún en operación más antiguo es la “casa Uriarte”, fundada en 1824 por Dimas Uriarte, y se especializa en diseños de la era virreinal. Otro taller certificado es el “Talavera de la Reina”, conocido por que aplica diseños de artistas mexicanos contemporáneos. La talavera fue una ventana abierta a los intercambios culturales más fascinantes de la historia de tres continentes, Asia, Europa y América; a tal grado que éstos contribuyeron a conformar el carácter nacional de un pueblo. México es la orgullosa cuna de la Talavera poblana, impecable por excelencia.

The Talavera pottery production includes six different processes that last about six months. Each stage is covered with two or three steps delicately. The whole process is a total of fifteen steps, not including commercial packaging. The care required to produce the Talavera pottery is excessive. If one of the steps is not as it should, the piece is ruined. Carelessness and bad filtering the mixture of mud or clay to dry in a room with ventilation can mean hours of wasted work. The process of drafting the talavera is unchanged since the early colonial era. At that time, the potters entrusted the pieces with special prayers during the cooking process. The entire development process can take three months for most of the pieces, but some can last up to six. The process is complicated to such an extent that some workshops in Puebla offer guided tours and explain the process. Certificate and oldest workshop in operation is the “House Uriarte” founded in 1824 by Dimas Uriarte, and specializes in designs viceregal era. Another certified workshop is the “Talavera de la Reina,” known for applying designs contemporary Mexican artists. Talavera was a window into the fascinating cultural exchanges in the history of three continents, Asia, Europe and America; insomuch that they helped shape the national character of a people. Mexico is the proud birthplace of Talavera Poblana, impeccable par excellence. Por: Marco Miranda

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Refinada técnica de creación

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salterio mexicano, Melodía virreinal

mexican psaltery, virreinal melody México siempre ha sido un país musical, que ama el movimiento del día a día y los sonidos que su ambiente le provee y así el mexicano ha tratado imitar, y estar en unión con estas melodías mediante instrumentos musicales. Constituido por varias piezas de madera en forma de trapecio, el salterio, es en realidad un instrumento, que se cree, es originario de Europa, sin embargo se pueden encontrar registros de instrumentos similares en el Medio Oriente. Este llegó al suelo mexicano en momentos de la conquista de los españoles.

Evolución La mayoría de los músicos mexicanos del siglo XIX y principios del XX compusieron obras para salterio fueron: Juventino Rosas, Abundio Martínez, Manuel M. Ponce, Enrique Mora, entre otros. Durante muchos años, se le ha considerado un instrumento de museo porque, con el tiempo, entró en desuso debido a la entronización de la guitarra a partir de la Revolución mexicana de 1910, el decaimiento popular de los género en los que eran usados el salterio, como el vals, polca o la marcha; y a la difusión de la discografía moderna como los corridos, el mariachi y el bolero. Los primeros que empezaron a recuperar este instrumento, a través de la formación de orquestas exclusivamente de salterios, fueron los asiáticos, donde ya llevan más de 30 años en activo. Sin embargo, la manera en que el mexicano ha podido adaptar y transformar este instrumento fue sorprenderte, tocando canciones clásicas del folclor

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Mexico has always been a musical country, that loves the everyday movement and the sounds of their surroundings, so the Mexican has tried to copy and be one with these melodies, with the implementation of musical instruments Constituted by several wood pieces in a trapezoid for, the salterio, which is in reality an instrument believed to come from Europe, although there are records of the instrument found in Middle East. It came to Mexican land in the time of the Spanish conquest.

Evolution Most Mexican musicians composed their psaltery works in nineteenth and early twentieth century, some of them are: Juventino Rosas, Abundio Martinez, Manuel M. Ponce, Enrique Mora, among others. During several years, it has been considered a “museum instrument”, since with time it’s use has been minimum due to the enthronement of the guitar since the Mexican Revolution of 1910, the popular genre decay of which were used in the Psalter, such as the waltz, polka or march; and the spread of modern discography as corridos, mariachi and bolero. The first that tried to take back this instrument, with salterio exclusive orchestras were the Asians, whom have more than 30 years with this activity. Although, the way the Mexican adapted and transformed this instrument was astounding, playing classic tunes of national folclore, such as “cielito lindo”, “caminos de michoacan” “hay unos ojos” etc. managing to capture an essence of each one, and transmitting a feeling of melancholy and sweetness

Características Se puede tocar de manera muy diversa, mediante el uso de la yema de los dedos en cada cuerda, produciendo una nota, se puede usar como un instrumento de cuerda frotada, utilizando un “arco” muy similar al del violín, así mismo, pueden utilizarse palos para tocar las notas. Los sonidos que se pueden alcanzar con el salterio mexicano son de tenores, sopranos y requintos, cada uno constando de distinta cantidad de cuerdas, de hasta 90 o 100 cuerdas para los mas grandes. Son inconrtables la cantidad de melodías y canciones que se pueden reproducir.

Del pasado a la actualidad En los cincuenta y sesenta, otros géneros musicales fueron suplantando la música de salterio, el revolución

that only the salterio would be able to, which is why, nowadays, it is known as the Mexican arp.

Characteristics The ways it can be played are very diverse, it can be played with the use of the tip of the fingers on each cord, producing a note, it can be used as a “rubbed cord” instrument, using an “arch” very similar to the violin’s, likewise, you can use sticks to play notes in it too. The sounds it can reach are of “tenor” “sopran” and “requintos” each one consisting of a different amount of cords, with ranges of 90 to 100 cords for the biggest versions. The quantity of tines that can be played with this instrument are too many to count.

From Then to Now In the fifties and sixties, other musical genres were supplanting the psaltery music, the musical revolution in the United States and the emergence of AfroCaribbean music, cumbia, ballads, electronic and electroacoustic music, threatened the art of psaltery music. However, psaltery has remained alive thanks to

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nacional como el cielito lindo, caminos de Michoacán, Hay unos ojos, etc., logrando capturar la esencia de cada una y transmitiendo sentimientos melancólicos y dulces de una manera que solo el salterio podría, de tal manera, que tal se conoce hoy en día como “el arpa mexicana”

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musical en Estados Unidos y la aparición de la música afroantillana, la cumbia, baladas, música electrónica y electroacústica, amenazó el arte de la música de salterio. Sin embargo, el salterio se ha mantenido con vida por conciertos, fiestas, talleres, y conferencias lo han rescaado a nivel nacional, permitiendo su difusión la República mexicana. Quizás su presencia no sea como en los siglos XIX yXX, pero es un legado cultural que vale la pena escuchar y es merecedor de un momento de nuestro tiempo para apreciar sus particularidades. Algunos músicos de salterio están innovando para girar la atención sobre este instrumento de origen virreinal, Dulce Melos de Querétaro, busca darle sonoridad a otros géneros musicales por medio del salterio. ¿Se imaginan un toque virreinal en la música contemporánea, un poco de jazz, rock o pop acompañados de este glorioso instrumento?

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concerts, parties, workshops, and conferences that pretend to accomplish the national rescue of it and allow to spread it in the Mexican Republic. sence is not as in the nineteenth or twenty centuries, but is a cultural legacy that is worth listening to appreciate its peculiarities. Some psaltery musicians are innovating to turn attention to this instrument of colonial origin, Dulce Melos from Queretaro, seeks to give live to other musical genres through the psaltery. Imagine to add one virreinal touch to contemporary music, such as jazz, rock or pop, accompanied by this glorious instrument. Por: Marco Miranda

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san luis potosĂ

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Vestimenta teenek, metáfora cosmológica de identidad cultural.

Clothing Teenek, cosmological metaphor of cultural identity. En la huasteca Potosina habitan los teenek, grupo maya que se extiende por el norte de Veracruz desde la Sierra de otontepec hasta el noreste de San Luis Potosí. Los hablantes del teenek definen el término como “los que viven en el campo, con su lengua, y comparten ‘el costumbre’ ”. Para los nahuas y mestizos, los teenek son conocidos como los huastecos. En la Huasteca, los textiles realizados por las mujeres indígenas reflejan el destino, ellos lo llaman k ´ ij en teenek o tonali en náhuatl. La vestimenta tradicional muestra la filosofía y pensamiento de una cultura en las figuras de animales, plantas, seres humanos y los dioses que están referidos en su tradición oral. El arte textil es una manifestación concreta y visual de un sistema simbólico que otorga identidad a un pueblo.

In the Huasteca inhabit the Teenek, Mayan group that spans northern Veracruz from the Otontepec Mountain to the northeast of San Luis Potosi. Teenek speakers define their name as “those who live in the countryside, with their language, and share ‘the habit.’” For the Nahua and the mestizos, Teenek are known as the Huastecos. In the Huasteca, textiles made by indigenous women reflect the fate, they call it k ‘ij in Teenek or tonali in Nahuatl. Traditional dress shows the philosophy and thoughts of a culture in animals, plants, humans and gods representations which are referred to in their oral tradition. Textile art is a concrete and visual manifestation of a symbolic system that gives identity to people.

El significado del bordado

A garment can hold the ancient wisdom of a culture. Although centuries have washed away some meanings, the iconographic memory is persistent.

Una prenda de vestir puede encerrar la sabiduría ancestral de una cultura. Si bien los siglos han deslavado algunos significados, la memoria iconográfica es persistente.

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Embroidery’s meaning

The ones who dress in certain way shows that their world is conceived

Una prenda de vestir puede encerrar la sabiduría ancestral de una cultura A garment can hold the ancient wisdom of a culture.

in a particular way, the actions involved in their cycle constitutes planting, harvesting, spinning, warping, weaving, embroidery and clothing have a symbolic value. This cycle originates particular codes that constitute a recognizable language only among those belonging to a cultural group. According to Teenek culture, in each cardinal point is a god, represented by the four petals of the Huasteca flower or star. Teenek’s mythical space is bounded by the ocean to the east and the mountains to the west, which are representations of repose of the souls; ordinary people lies in the west, and healers and dancers in the east. The caves are a place of worship and communication, the gateway to the world of the gods, inhabited by thunder, the rain giver and the fertility goddess. The jungle is life, is represented by the tree is a symbol of a person’s life, the woman is the direct representation. In the jungle, they have their homes integrated with nature and the earth is a sacred place for rituals, ceremonies and dances, giving offerings at funerals and in agricultural cycles. Animals represent the spirit of each person, the joy of their house, the environment and family relationships. Jaguar is the animal of strength. When a child is born, the path to follow in life is embroidered with figures on his or her bag. A red ball is added if male, it representing the one who gives life; and a green ball is added, if female, which means fertility. When a person die, the same embroidery made on his or her birth is replicated on the bag, adding a star and a small gourd. This symbolic embroidery is called “The way of life”.

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El que viste de cierta manera muestra que concibe el mundo de una forma particular, las acciones implicadas en el ciclo que constituye sembrar, cosechar, hilar, urdir, tejer, bordar y vestir tienen un valor simbólico. Dicho ciclo deviene códigos particulares que constituyen un lenguaje reconocible sólo entre los pertenecientes a un pueblo o a un grupo cultural. Según la cultura teenek, en cada punto cardinal se halla un dios, representados por los cuatro pétalos de la flor huasteca o estrella. El espacio mítico de los teenek esta delimitado por el océano al este y la sierra al oeste, que son representaciones del descanso de las almas; la gente ordinaria descansa en el oeste, y los curanderos y danzantes en el este. Las cuevas son lugar de culto y comunicación, la puerta al mundo de las divinidades, donde habita el trueno, dador de lluvia y la diosa de la fertilidad. La selva es vida, es representada por el árbol que es símbolo de la vida de una persona, la mujer es la representación directa. En la selva, tienen sus hogares integrados con la naturaleza y la tierra es sagrada, lugar de rituales, ceremonias y danzas, brindando ofrendas en los entierros y en el ciclo agrícola. Los animales representan el espíritu de cada persona, la alegría de la casa, el entorno y las relaciones de la familia. El jaguar es el animal de la fuerza. Se bordan figuras en una talega donde se señala el camino de los recién nacidos que ha de recorrer en la vida. Se agrega una bola roja, representa a quien otorga la vida, si es hombre; y una bola verde, si es mujer, que significa fertilidad. Al morir, se le bordada la misma talega que se le confeccionó al fallecido en su nacimiento, agregándole una estrella y un pequeño guaje.

A este simbólico bordado le llaman “El camino de la vida”.

La vestimenta femenina

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Las vestimentas femeninas de la tradición mesoamericana son una metáfora del mundo en su dualidad de principio y fin. El cosmos es un vestido, ya que todo parece interconectarse, y así cada elemento tiene sentido respecto de los otros. El quechquémil, en teenek se denomina dhayemlaab, prenda con la que las mujeres cubren su torso, actualmente utilizado para ocasiones especiales. La vestimenta tradicional teenek consta de falda negra, blusa de colores brillantes como el amarillo o el azul celeste, reservándose el rosa para cuando se casen. El quechquémil que carece de flecos indica que la mujer es soltera, y el que se encuentra tupido de ellos significa que quien lo porta vive en matrimonio. El dhayemlaab, es un mapa cosmológico del pueblo teenek es la historia de una prenda sagrada que ha ido evolucionando desde hace siglos. El petop, es un

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Women’s clothing Women’s clothing from Mesoamerican tradition are mostly a metaphor for the world as a duality of beginning and end. Cosmos is a dress, everything seems to be interconnected, and each item have a meaning in relation with the others. Quechquémil, also called dhayemlaab in Teenek, is a garment with which women cover their torso, currently used for special occasions. Teenek traditional dress consists of a black skirt, a blouse with bright colors like yellow or sky blue; pink is especially used only when women get married. Quechquémil with fringes are used by women who lives in marriage, the one without fringes are used by single women. Dhayemlaab, is a cosmological map of Teenek people, is the story of a sacred garment that has been evolving for centuries. The petop, is a headdress made by entangling green, pink or orange yarn lace, depending on their marital status. Green means the woman is a widow. Petop is reminiscent of old headdress used

Vestimenta del hombre La vestimenta tradicional del hombre casi se ha perdido, por la imposición de leyes de la época de la Colonia, se vieron obligados a cambiar su taparrabo por un pantalón y cubrir su pecho descubierto con una camisa. La constante relación que mantienen con las personas de las ciudades y sus comercios nos han

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tocado que realizan enredando a la cabeza cordones de estambre guinda, verde, rosa o naranja, según su estado civil. El verde, quiere decir que ha enviudado. El petop es la reminiscencia del antiguo tocado que utilizaban las huastecas prehispánicas y consistía en entrelazar sus cabellos teñidos de rojo con hilos de plumas retorcidas. La evolución de la vestimenta femenina no sólo ha ocurrido en su iconografía, también ha cambiado su uso ceremonial tradicional que aún se vincula con los ancestros, en particular con la Gran Madre Tierra (Pulik Miim T’sa baal), la cual ha sido desplazada de su territorio sagrado por el desarrollo urbano.

for prehispanic huastecas that consisted in interlacing her red dyed hair with threads and twisted feathers. The evolution of women’s clothing has not only occurred in its iconography, it has also changed its traditional ceremonial use that is still linked to the ancestors, particularly with the Great Mother Earth (Pulik Miim T’sa baal), which has been displaced from her sacred territory by urban development.

Teenek Man Clothing The traditional clothing of man was almost lost, by the imposition of laws of colonial times, men were forced to change his loincloth for trousers and cover their bare chest with a shirt. The constant relationship they have with the people of the cities and commerce have pushed them to change his clothes. Their clothing has been restricted to be used only in the festivities, when men use huaraches, and blankets pants and shirt. Limitis on the male use of this clothing and the difficulty of huasteca women to make

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orillado a cambiar su vestimenta. Su vestimenta se ha restringido a ser usada sólo en las festividades, cuando suelen utilizar huaraches, calzón y camisa de manta. La limitación del uso de la vestimenta masculina y la dificultad de las mujeres huastecas para confeccionar las prendas artesanales representativas de su cultura, es una problemática cada vez más latente. La comercialización se encuentra en un punto crítico ya que se realiza de manera individual, el laborioso bordado y el poco tiempo que pueden dedicarle las mujeres huastecas que también deben velar por el hogar y la familia, son factores que entorpecen el crecimiento de estas artesanías. Actualmente, al menos un integrantes de cada hogar se dedica a la elaboración de la artesanía, sin embargo, la necesidad económica y de emigrar a las ciudades ha propiciado la perdida de interés en las nuevas generaciones por esta costumbre perdiendo no solo el arte del bordado, sino una identidad cultural. La vestimenta teenek no sólo se trata de un sistema indumentario creado para cubrirse o protegerse de los embates del ambiente sobre el cuerpo, las prendas tienen en un medio sociocultural, ya que otorgan identidad individual y de grupo.

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handmade garments representing their culture, are increasingly latent problems. The market is at a critical point as it is done individually, the laborious embroidery must be made in the short time because huasteca women also have to ensure home and family, this are factors that hinder the growth of these crafts. Currently, at least one of the members of each household is dedicated to the development of crafts, however, economic and the need to migrate to cities has led to the loss of interest in new generations for this custom, losing not only the art of embroidery, but a cultural identity. Teenek Garments is not only is a clothing system created to cover or protect their body from the ravages of the environment, the clothes have a socio-cultural environment, since they provide personal and group identity. Por: Jessica Castillo

tenango otomí Otomi tenango

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Colorful hidalgo Hidalgo de colores

Fotografía / Photo: ArteOtomí de Martha Aguilar. Photographer Juan Tapia

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Escondidas entre la región otomítepehua, se encuentran unos cuantos cientos de mujeres que han dedicado su vida y sus manos para crear obras color arcoiris llamadas “Tenangos”, maravillas del mundo textil, reconocidos mundialmente por sus diseños, complejidad y belleza estética y tradicional. El tenango es una manta multicolor y multipropósito que surgió por las ganas de superarse de las mujeres de la región. En la década de 1960, las comunidades otomíes de la Sierra Oriental atravesaron por una fuerte crisis económica, desatada por una terrible sequía que provocó muy malas cosechas. En San Nicolás y San Pablo, comunidades del municipio de Tenango de Doria, Hgo., la situación fue tan devastadora que sus pobladores se vieron en la necesidad de buscar crear nuevas alternativas económicas, a partir de lo que sabían hacer, de lo que conocían y de lo que tenían a la mano. Es así que se plantearon la posibilidad de que las mujeres, bordadoras ancestrales, comercializaran las blusas que ellas mismas elaboraban.

N.B. Zorkendorfer. Olli Lounger. Remodelista. Sourcebook for considered living.

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Hidden inside the “otomí-tepehua” region, there can be found a couple hundred of women, who have dedicated their entire lives and their hands to create works of rainbow color called “tenants”, wonders of the textile world, recognized around the globe for the designs, complexity and traditional esthetic beauty. The tenango is a multicolored piece of clothing, which can serve several purposes, that came to be thanks to the will of the local women to overcome the hard times. In the decade of 1960, the otomíes community of the Sierra Oriental went through a serious economic crisis, because of a terrible drought that provoked very bad harvests. In San Nicolás and San Pablo, communities of the municipality of Tenango de Doria Hidalgo, the situation was so devastating that their inhabitants were forced to look for new economic alternatives, with what they could do, with what they knew and with what they had in hand. It’s this way that they planted the possibility that the women, ancient in the art of needlework, to comercialize the blouses that they made themselves.

Omawari Artesanías. Focoltura Mini Cojín

White Otomi Dress ArteOtomí de Martha Aguilar.

Utilizan diversos materiales, como telas blancas como lino, manta, seda y algodón, sin embargo, en la actualidad podemos encontrar algunos tenangos hechos en telas oscuras, con bordados blancos o dorados, o de colores. Los tenangos son arte viva y palpable , que manejan estilos y diseños únicos por pieza, con elementos animales, prehispánicos o culturales, que cargan consigo una basta historia que no hace mas que enriquecer y aumentar su valor. Podemos observar caballos, pájaros, venados, perros, conejos, burros, armadillos, toros, libélulas, peces, gallinas y otros seres en sus diseños, ambientados con grecas que se asemejan a los pétalos de nochebuena, árboles, tulipanes, y demás elementos de la naturaleza combinan perfectamente con algunos otros símbolos prehispánicos que dan vida a la prenda. Con sus vivos colores como amarillos, rojos, verdes y azules que resaltan la belleza de cada puntada. Los conocimientos y saberes, la relación con la naturaleza y el cosmos, la religiosidad, en una palabra: la cosmovisión de cada pueblo, son plasmados en colores, texturas y formas que dan cuerpo y significado a la vida simbólica del tenangos, son una representación de esta rica y compleja construcción cultural. Al ver el trabajo terminado, es difícil imaginar que algo tan hermoso fue hecho a mano, pero al sentir las puntadas, puedes sentir todo el esfuerzo y talento que fue incorporado a cada una de las obras.

Using varios materials, white fabrics such as linen, muslin, silk and cotton, although, nowadays we can find some tenangos made with dark fabrics, with white, golden or colored embroidery. The tenangos are live and palpable art, that carries unique style and designs in each piece, with animal, prehispanic, or cultural elements which carry a huge backstory, that only manages to enrich and increase its value. Horses, birds, deers, dogs, rabbits, donkeys, armadilos, bulls, dragonflies, fish, chickens and other beings can be observed in the designs, accompanied with grecas that resemble the poinsettia’s petals, trees, tulips, and other elements of nature perfectly combined with some other preHispanic symbols that give life to the garment. With its bright colors like yellow, red, green and blue that highlight the beauty of each stitch. Knowledge and wisdom, the relationship with nature and the cosmos, religiosity, in a word: the worldview of people, are reflected in colors, textures and shapes that give meaning to the symbolic life of tenangos, a representation of a rich and complex cultural construction. When you see the finished piece of clothing, it is hard to imagine something with such beauty was made by hand, but when you feel the stitches, you can also feel the huge amount of effort and talent that was put into making each and one of them.

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Hand made Poncho ArteOtomí de Martha Aguilar.

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The Prickly Pair Chairs. Tenango de Doria. Commissioned by Bergdorf Goodman, NYC Valentina Gonzalez Wohlers. WOH&Co.

Los artesanos, solían vender su trabajo a bajos costos, no valorando lo suficiente su ardua labor hasta que una comisión representante de los artesanos de esta región, se acercó a la Asociación Mexicana de Mujeres Empresarias en Hidalgo, asesorándolas para exportar sus valiosos productos y lograr obtener un pago justo por sus artesanías. Actualmente se ven los tenangos decorando espacios en lujosos hoteles dando un toque especial de México. La calidad y distinción de los bordados son dignas de enmarcarse en elegantes bastidores para darle colorido a muros en donde se rompe la solemnidad. Es importante no olvidar los orígenes, “en los tenangos permea la cosmovisión indígena que todavía forma parte de su vida cotidiana, a pesar de las transformaciones que ha sufrido la comunidad, en lo cultural y en lo ideológico.” (Investigadora Carmen Lorenzo). No debemos permitir que se pierdan las tradiciones, ni que la cosmovisión ancestral otomí sea olvidada. Es necesario rescatar el pensamiento y la cultura indígena. Por: Yarely Cruz

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Craftsmen used to sell their pieces at a low cost, not valuing enough their hard work until a committee representative of the artisans of this region approached the Mexican Association of Business Women in Hidalgo, advising them to export their valuable products and achieve a fair payment for their crafts. Currently, Tenangos decorate spaces in luxury hotels giving a Mexican special touch. The quality and distinction of this embroidery are worthy of been framed in elegant racks to give color to walls and break the solemnity. It is important not to forget the origins, “in tenangos, the indigenous world view permeates, it is still part of their daily lives, despite the cultural and ideological changes that have befallen the community.” (Researcher Carmen Lorenzo). We must not allow traditions to be lost, or that the ancestral Otomi worldview be forgotten. It is necessary to rescue indigenous thought and culture.

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capilla del calvario, metepec

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Árbol de la vida, ícono de Metepec

Metepec, pueblo mágico cercano a la ciudad de Toluca, municipio lleno de tradición alfarera la cual ha dado vida a hermosas artesanías típicas del Estado de México como los árboles de la vida.

Metepec, magical village near the city of Toluca, a town full of pottery tradition which has given life to beautiful typical of the State of Mexico and the trees of life crafts.

Un poco de historia

In 1477, the last aztec tlatoani Axayacatl conquered Metepec, and the arrival of the Spanish kingdoms of Toluca were invaded and defeated. The friars, in order to evangelize, spent this place as indoctrination center for its importance as a center of exchange, cultural exchange and main route for travelers. Chapels and monasteries were built on the remains of the ancient Aztec temple. They asked a craftsman to make tree-shaped clay figures with two human figures: Adam and Eve. This way, missionaries spread their religious beliefs and through these artifacts conversion of indigenous was easier. Symbol of the defeat of the Teotihuacan culture and the victory of the Spanish conquest, born the first sign of the life’s tree. However, the ceramic piece, as we know it today, began to be produced about 100 years ago, around 1935.

En 1477, el último tlatoani azteca Axayacatl conquistó Metepec, y a la llegada de los españoles los reinos de Toluca fueron invadidos y derrotados. Los frailes, con el propósito de evangelizar, destinaron este lugar como centro de adoctrinamiento por su importancia como centro de trueque, intercambio cultural y principal ruta de los viajeros. Se construyeron capillas y conventos sobre los vestigios del antiguo templo mexica. Pidieron a un artesano hacer creaciones de barro con forma de árbol y dos figuras humanas: Adán y Eva. De esta manera, los misioneros propagaron sus creencias religiosas y por medio de estos artefactos se facilita la conversión de los indígenas. Símbolo de la derrota de la cultura teotihuacana y la victoria de la conquista de los españoles, nace el primer indicio del árbol de la vida. Sin embargo, la pieza de cerámica, tal como la conocemos hoy, comenzó a producirse aproximadamente hace 100 años, se cree que en 1935.

A bit of history

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Life’s Tree, Metepec’s icon

Basándose en los árboles bíblicos pedidos por los frailes en el siglo XVI. Para “leer” propiamente un árbol de la vida, debes empezar de abajo hacia arriba, partiendo del principio que para conocer la historia debes partir desde su raíz para entender la magnitud de su follaje.

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Del barro nace el árbol Para su realización de estas piezas artesanales se necesita del barro, que debe ser triturado en polvo fino, si contiene polvo grueso pueden arruinar la pieza. Al mezclarlo con agua, se agrega el ingrediente secreto exclusivo del municipio de Metepec, la flor de tule, la cual le da consistencia al barro. Por eso en otros estados de México, las piezas se rompen con mayor facilidad. Se amasa de barro para hacer las pieza y se deja secar. El tiempo de secado varía del clima. Están elaborados en un estilo “naif”, con estilo humorístico y hasta infantil, con una diversidad de elementos sorprendente, todos creados a mano. Las pequeñas piezas son unidas al tronco con una masa de barro o por medio de hilos de alambre. Se pintan con anilinas, pinturas acrílicas o esmaltes, o pueden lucir el color natural del barro. Existen de todos tamaños y precios, desde 7 hasta 60 centímetros; algunos colosales de seis metros, teniendo como único límite la habilidad creativa del artesano. La pieza completa es cocinada en un horno a baja temperatura. Finalmente será usada como ornamento, admirada en un museo o comercializada en una tienda artesanal. La elaboración de estos árboles puede tardar desde unas semanas hasta varios años en obras monumentales.

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Based on the biblical trees ordered by the friars in the sixteenth century. To “read” properly a life’s tree, you must start from the bottom up, based on the principle that to know the story you must start from the root to understand the magnitude of their foliage.

From Clay was born the tree These handcrafted pieces requieres clay for its elaboration, which must be crushed into fine powder, if it contains rough pieces it can be ruined. When mixed with water, the exclusive and secret ingredient of Metepec town is added, the tule flower, which gives consistency to the clay. That’s why in other states of Mexico, the specimens break more easily. Clay needed to be mash to make the pieces and let it dry. Climate determines the drying time. They are made in a “naif” style, humorous and even childish, with a variety of surprising elements, all created by hand. Small pieces are joined to the trunk with a mass of clay or through wire strands. They are painted with dyes, paints or glazes acrylic, or can be left with the natural color of clay. There are all sizes and prices, from 7 to 60 centimeters; some getting to be six meters tall, with the creative skills of the artisan as the only limit. The entire piece is cooked in an oven at low temperature. Eventually it is used as an ornament, admired in a museum or sold at a craft store. The development of these trees can take anywhere from a few weeks to several years in monumental works.

El tule, también llamado junco o espadaña, es una planta acuática nativa de los lagos y pantanos de Norteamérica. Su nombre deriva del náhuatl tolli que significa junco. Esta planta crece en la ribera del lago de Texcoco. The tule, also called bulrush or cattail is a native aquatic plant of the lakes and marshes of North America. Its name derives from the Nahuatl word tolli which means reed. This plant grows on the rivera of Texcoco’s Lake.

Decorative topics

Anteriormente los árboles de la vida describían la divina creación y diversos pasajes bíblicos exclusivamente. En la actualidad, existe mayor libertad, pueden representar acontecimientos históricos, leyendas populares, tradiciones, obras literarias, la vida de algún personaje o inclusive la del mismo artesano. Los árboles se convirtieron en el espejo de la imaginación del artesano, las costumbres y tradiciones de Metepec. La dualidad es otro de los cautivadores temas presentes en las coloridas escenas de los árboles de la vida, representada con la confrontación de ambos lados, exhibiendo mundos opuestos, como la Vida y la Muerte, la Noche y el Día, el Bien y el Mal, el Hombre y la Naturaleza.

Previously, Life’s trees described exclusively the divine creation and biblical passages. Currently, there is more freedom, historical events, popular legends, traditions, literary works, the life of a character or even the same craftsman are now represented. It became the mirror of the imagination of the craftsman, and customs or traditions of Metepec. Duality is another captivating theme in the colorful scenes from trees of life, confrontation of both sides are represented, showing opposite worlds, as Life and Death, Night and Day, Good and Evil , Man and Nature.

Caminando al presente

Naíf (del francés naïf, ‘ingenuo’) es una corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición.Se inspira en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

Se considera a la familia Soteno, originaria de Metepec, como la precursora de el árbol de la vida. Aunque se reconocen también al artesano Timoteo González, quien trabajaba para familia, como el real precursor de la tradición de árboles de la vida en el municipio.

Walking to the present Soteno family is considered as the forerunner of the life’s tree. Although, the craftsman Timoteo González, who worked for family, is also recognize as the real precursor of this tradition.

Naif (from the french word naïf, means ‘naive’) artistic movement characterized by the ingenuity and spontaneity, self-taught artists, bright and contrasting colors and unscientific perspective captured by intuition. It was inspired by children’s art, usually against the academic learning.

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Temáticas decorativos

En los setenta, Alfonso Soteno, descendiente las primeras generaciones creadoras de la icónica pieza de arte popular, por encargo del gobierno mexicano elaboró 52 árboles gigantes que fueron enviados a diferentes embajadas mexicanas alrededor del mundo. Hay extranjeros que viajan a México exclusivamente para conseguir una artesanía con su firma. Los museos de Arte Popular y el de Antropología e Historia también cuentan con su árbol de la vida firmado por los descendientes de esta familia de alfareros. Con la admiración viene la imitación, situación que puso en peligro el trabajo artesanal original del Árbol de la vida, siendo amenazado por réplicas, imitaciones sin el respaldo de la cultura, el trabajo artesanal, ni la calidad. Los artesanos exigieron protección y en el 2009, el Árbol de la Vida se convirtió en marca registrada, lo que permitió preservar y fortalecer la importancia de la tradición artesanal. El próximo reto para conseguir el reconocimiento de esta artesanía es alcanzar la Denominación de Origen, distintivo que brindará un mayor valor comercial y respaldo cultural a los Árboles de la Vida. Actualmente es una de las artesanías mexicanas más reconocidas a nivel mundial, siendo expuesto en diversos museos en Europa, Asia y Norteamérica y obteniendo importantes pedidos para su exportación a China, España, Alemania, Francia, Italia y Japón. Es una tradición que ha sido respetada y admirada durante mucho tiempo por conocedores nacionales y extranjeros.

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In the seventies, Alfonso Soteno, one of the descendant of the first creative generation of this iconic piece of folk art, was commissioned by the Mexican government to produced 52 giant trees which were sent to the Mexican embassies around the world. Foreigners travelers come to Mexico only to get a piece with family signature. Museum of Popular Art and Museum of Anthropology and History also have their life’s tree signed by the descendants of this family of potters. With admiration comes the imitation, a situation that endangered the original craftsmanship of the life’s tree, being threatened by replicas, imitations without the cultural background, handwork or quality. Artisans demanded protection. Life’s tree became trademark in 2009, which allowed to preserve and strengthen the importance of artisanal tradition. The next challenge for the recognition of this craft is to achieve the denomination of origin, distinctive that will provide greater business value and cultural support to the Trees of Life. Life’s tree is one of the most recognized worldwide Mexican crafts, being exhibited in several museums in Europe, Asia and North America and obtaining important orders for exportation to China, Spain, Germany, France, Italy and Japan. It is a tradition that has been respected and admired for a long time by domestic and foreign connoisseurs. Por: Daniela Cruz

charrerÃa

DEPORTE NACIONAL MEXICANO Mexican national sport mexart

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El charro mexicano tiene su origen en Salamanca, España, en donde designan con tal nombre a los aldeanos. La charrería en México nace en los Llanos de Apan, Hidalgo, donde se empezó a colear (jalar al animal por la cola para derribarlo). El primero que coleó fue un picador español, que persiguiendo a un torete en campo abierto, le atrapó del rabo y, tirando de él, a pulso derribó al cornudo. De ese hecho surgió la suerte de colear, como se hace actualmente. Los conquistadores trajeron los primeros caballos, de origen arábigo, a América. Desconocido para nuestros naturales, el caballo llegó a ser indispensable para el hombre de campo. Dada la utilidad del animal en sus diversas y difíciles disciplinas (recorrer las enormes extensiones de las haciendas, juntar y arrear el ganado, etcétera) se crearon nuevas necesidades. La escaramuza, como arte y deporte, nace por los años cincuentas, poniendo gracia y belleza a la fiesta charra.

Traje de Charro A principios del siglo XX, las haciendas eran como pequeños feudos con jerarquías establecidas mostrada por la indumentaria: el traje del patrón y los varones de su familia eran más lujosos y distintos. Los charros más ricos usaban los atavíos de sus antecesores que cabalgaban “a la Jineta”. Después adoptaron la indumentaria que consistía en un “coleto” que era una chaqueta muy corta, pantalones bastante amplios con tapabalazos; calzoneras de casimir, con botones de plata en los costados y en los tapabalazos; y en la parte inferior que dejaba al descubierto del calzón, este lucía bordado, deshilado y otras delicadas labores. El caballo marcha ágilmente, el

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The Mexican charro has its origin in Salamanca, Spain, where the villagers were designated with that name. Charrería born in Mexico born in the Llanos de Apan, Hidalgo, where they began to colear (pull the animal by the tail) can be said as tailing. The first one to tail was a Spanish picador, that chasing a young bull in an open field, catch him by the tail and shoot him down by pulling it. There is were the tailing begin as is currently done. The vast expanses of farms, gather and herd cattle, etc.) new necessities were created. The main fates of the charrería: Horse Creek, piales on the canvas, tails, bull jineteo, mare jineteo, three candidates in the ring, Mangano on foot, horseback Mangano, and passing from death. Skirmish, as art and sport, born by the fifties, putting grace and beauty to the charra party.

Charro suit In the early twentieth century, the haciendas were like little fiefdoms with established hierarchies that became noticeable through clothing: the boss and the men of his family were more luxurious and different. The richest charros used his predecessors clothing who rode “the Jineta”. Then they took the clothing which consisted of a fairly broad “jerkin” it was a very short jacket, pants with tapabalazos; calzoneras cashmere with silver buttons on the sides and in the tapabalazos; and at the bottom it exposed the pants, showing an embroidery, openwork and other delicate tasks. The Creoles were wearing wool with silver ornaments and costumes adorned their modest fretwork suede. Moreover, the laborers were content with cotton blanket and sandals as huaraches instead of boots. As the landlords were raising their

Montar a la jineta: hacer correr, parar y girar el caballo bruscamente pero siguiendo determinados principios. Collection of nine original reproductions made by Maria Nievez and Rachel, in the workshop Marcial Chavez, the original William Spratling’s molds. Taxco de Alarcon, Guerrero, Mexico.

cattle, horses and cows both in a state of freedom, it was imposed the need for roping, jinetear, taming, lease, etc; and to catch the beasts, charros used the reata, becoming experts by using it. Therefore, the saddle had to be modified to practice new moves; so mexican chair, daughter from spanish and granddaughter from the Arabic, is far superior to any in the world. The jacket and pants called salmantinos passed to our charros, who changed it and decorating it with buttons and artistic embroidery. The original sombrero (hat) was very similar to the one used to date drillers in the bullring. The Spanish spurs were transformed into ours. Spanish chaps were modify somehow to create our Chaparreras. The serape and jorongo are derivations of the Spanish blanket; hence the saying “any serape is jorongo, opening bocamanga”. Until the Spanish band inherited the charro, who called gird. With Mexican Revolution this dress is “democratized” and became the national costume.

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jinete lo sujeta con una sola mano y las piernas, mientras con la otra se lleva algún otro instrumento de ataque. Los criollos vestían de lana con ornamentos en plata y los más modestos adornaban sus trajes con grecas de gamuza. Por otra parte, los peones se conformaban con manta de algodón y huaraches como calzado en lugar de botas. A medida que los terratenientes fueron criando sus ganados, tanto caballar como vacuno, en estado de libertad, fue imponiéndose la necesidad de lazar, jinetear, amansar, arrendar, etcétera; y para coger a las bestias los charros se valieron de la reata, cuerda o correa para guiar a los animales de carga para que vayan en fila uno tras otro.en cuyo manejo se volvieron expertos. En consecuencia, tuvo que modificarse la silla de montar para practicar las nuevas suertes; así la silla mexicana, hija de la española y nieta de la árabe, es muy superior a cualquiera otra del mundo entero. La chaqueta y el calzón salmantinos pasaron a su vez a nuestros charros, quienes los fueron modificando y adornando

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con botonaduras y bordados artísticos. El sombrero charro primitivo fue muy similar al que hasta la fecha usan los picadores en la plaza de toros. Las espuelas españolas se fueron transformando en las nuestras. Las chaparreras son los zahones españoles, un tanto modificados. El sarape y el jorongo son derivaciones de la manta española; de ahí el refrán “cualquier sarape es jorongo, abriéndole bocamanga”. Hasta la faja española heredó el charro, quien le llama ceñidor. Con la Revolución mexicana esta vestimenta se “democratizó” y pasó a ser el atuendo nacional.

Como

debe

ser

verdadero traje charro El traje de charros reglamentado debe ser confeccionado con lana, gamuza o la combinación de ambos materiales. Consta de pantalón, chaquetilla, camisa (en ocasiones chaleco), botines y corbata de rebozo, todas estas piezas son las que conforman un traje de charro propiamente dicho y completo. Los colores permitidos son toda la gama de café, azul oscuro, marrón, gris y verde seco los cuales contrastan con las “grecas” o calados y las botonaduras. También se utiliza el rojo oscuro mezclado con negro únicamente en el pantalón de caporal y en los complementos de la montura. Colores como el blanco o el rosa están proscritos. Los botines deben ser del color del cueraje de la silla, es decir miel, café o bayo. El traje negro es solamente para bodas o funerales y es el único que debe llevar botines negros. La camisa, que puede ser de cuello militar conocida también como “pachuqueña” o cuello civil

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As befits a true charro suit Regulated charro suit must be made of wool, suede or a combination of both materials. It consists of trousers, jacket, shirt (sometimes vest), booties and tie shawl, all these pieces are what make up a charro suit itself and complete. Permitted colors are full range of coffee, dark blue, brown, gray and green dry which contrast with the “frets” or openwork and buttoning. dark red mixed with black solely in the pants Caporal and supplements frame is also used. Colors like white or pink are outcasts. The boots should be cueraje color of the chair, ie honey, coffee or bay. The black suit is only for weddings or funerals and is the only one who should wear black boots. The shirt, which can be of military collar also known as “pachuqueña” or civil neck also called “bent neck”, giving preference to white and off-white, the pink and black are outcasts.

The famous sombrero It is made of felted wool, hair hare or wheat straw and is a real protection for the bright sun of Jalisco and fall from the back of a horse. So the real sombrero is brimmed, up from the rear; He leads in the cup four “stones” that give resistance in case of impact. In drier areas, the wing is wider than in forested areas, and those with higher humidity, the materials are fresher and lighter than on the high ground. Usually usually they adorned with shawls and embroidered borders or “drafts”. The most commonly used types of hat are the “San Luis Moderate”, “Pachuca”, “Cocula”, “yeoman” Etc. A true charro hat are commanded to do with skilled artisans and is very

El famoso sombrero de charro Está hecho de fieltro de lana, de pelo de liebre o de paja de trigo y es una auténtica protección para el brillante sol de Jalisco y para la caída desde el lomo de un caballo. Por eso el verdadero sombrero de charro es de ala ancha, levantado de la parte posterior; lleva en la copa cuatro “pedradas” que le dan resistencia en caso de impacto. En las zonas más secas, el ala es más ancha que en las zonas boscosas, y en aquellas con mayor humedad, los materiales son más frescos y ligeros que en las tierra altas. Suelen adornarse generalmente con toquillas y ribetes bordados o “calados”. Los tipos de sombrero más usados son: el “San Luis Moderado”, “Pachuca”, “Cocula”, “Hacendado”, Etc. Los sombreros de charro originales cumplen una función más que solo decorativa, deben proteger a los charros de los peligros de su faena, cubrirlos del sol, del viento y sobretodo del polvo, protege de los peligros de una cornada y, en caso de caída los protege como casco. El charro es noble, leal y valiente hasta la temeridad. Con deleite se juega la vida. Es hospitalario y sentimental; canta y baila con alegría y donaire; le atraen los ejercicios fuertes y peligrosos, dependiendo de la destreza, de la fuerza y de la serenidad. Por tradición es el símbolo genuino nacional y en la historia ha destacado su bizarra estampa. El charro ha sido, es y será, la representación simbólica de nuestra adorada y respetada patria.

different sold in stores “souvenirs” for tourists. Original charro hats fulfill a decorative function only, must protect the charros of the dangers of their job, cover the sun, wind and dust mainly serve to stoke a fire with him; atarantar vipers; to give drink to the horse; It is used as a shield in defense of a machete or knife attack; Great rain covers; It protects them from the dangers of goring and in case of a fall which protects helmet. The charro is noble, loyal and brave to recklessness. With delight life is at stake. It is hospitable and sentimental; She sings and dances with joy and grace; will attract strong and dangerous exercises, depending on the skill, strength and serenity. By tradition it is the genuine national symbol and history has highlighted his bizarre stamp. The charro has been, is and will be the symbolic representation of our beloved and respected country. Por: Marian Biagi

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también llamado “cuello doblado”, dando preferencia al blanco y al color hueso, el color rosa y negro están proscritos.

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Calle Peatonal, Taxco, Guerrero, MÃ©xico.

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ALEBRIJES , los guardianes de Oaxaca mexart

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Jacobo y María de los Ángeles, Oaxaca, México.

Entre delirios y alucinaciones, en su mente se forman seres quiméricos que cobran vida, gruñen, lo atacan, él horrorizado gritaba “aléjate brujo”, de lo cual deriva la palabra alebrije. Ravings and hallucinations make him see chimerical beings, growling and attacking him. In horror, he screamed “Alejate Brujo”, that means “Get away Warlock!” from which spanish word derives the word alebrije.

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Oaxaca es reconocida por sus exóticas artesanías, un de ellas se relacionada con los seres de la noche. Los habitante de Oaxaca tienen la creencia basada en leyendas ancestrales, las pesadillas pueden ser ahuyentados por un guardián que te protegerá y velará por tus sueños: los guardianes de Oaxaca. Toda una cultura ancestral toma vida en estos monstrous creados por la invención de los artesanos de San Martín Tilcajete, poblado de Oaxaca, tierra madre de algunos de los artesanos más notables de este oficio, como Manuel Jiménez, Isidro Cruz, Jacobo Ángeles, Julia Fuentes y Martín y Miguel Sandiego. Son representaciones muy estilizadas de animales que en la cosmovisión zapoteca representan el destino y el alma de una persona, y que se asigna a los recién nacidos para que se vele por su seguridad. Los artesanos toman como inspiración y referencia el calendario prehispánico que tiene 20 tonas, que es el nombre que reciben en su origen la talla de estos seres en madera, este bestiario que sirvió para dividir el tiempo en la época prehispánica, actualmente sirve a los artesanos oaxaqueños para crear obras reconocidas por los principales museos de arte de todo el mundo: los alebrijes..

Oaxaca is known for it’s exotics handicrafts, one is especially related to the creatures of the night. The inhabitants of Oaxaca have the belief based on ancient legends, that bad dreams, the night-mares can be driven away by a guardian that will protect and secure your dreams: Oaxaca’s Guar-dians. A whole ancient culture comes alive in these monsters created by the invention of the artisans of San Martin Tilcajete, a town from Oaxaca, mother of some of the most remarkable artisans of this practice, as Manuel Jimenez, Isidro Cruz, Jacobo Angeles, Julia Fuentes and Martin and Miguel Sandiego. Alebrijes are very stylized representations of animals in the Zapotec cosmovision that represent the fate and soul of a person, its assigned to newborns to ensure their safety. Craftsmen take as inspiration and reference the prehispanic calendar which has 20 tonas, this is the name given originally to these wood beings, this bestiary served to divide time in ancient times, now serves Oaxacan craftsmen to create this art recognized by major art museums around the world: alebrijes.

Origen como artesanía

Art Craft origin

Ciudad de México, primera mitad del siglo XX, Pedro Linares, cartonero de La Merced, preso de una úlcera gástrica cae en coma, sus familiares comienzan a rezar por la salvación de su alma. Entre delirios y alucinaciones, en su mente se forman seres quiméricos que cobran vida, gruñen, lo atacan, él horrorizado gritaba “aléjate brujo”

Mexico City, the first half of the twentieth century, Pedro Linares, a cardboard worker of La Merced, suffer a gastric ulcer that causes him coma, his family prayed for the salvation of his soul. Ravings and hallucinations make him see chimerical beings, growling and attacking him. In horror, he screame “Alejate Brujo”

El origen ancestral El origen cultural del alebrije surgen de la relación entre las pesadillas de Pedro de Linares con la cultura zapoteca, retomando de ella la palabra indígena tona, que hace alusión al animal o animales, generalmente silvestre, que comparte el destino y el alma con una persona, si la persona enferma o muere, lo mismo le sucederá al animal compañero y viceversa. La identidad del animal compañero es generalmente desconocida por su contraparte humana; solamente los hombres con poderes mágicos la conocen.

that means “Get away Warlock!” from which spanish word derives the word alebrije. Pedro wake up from coma, motivated by this desire to explain his hallucinations and to preserve his nightmares, he creates this figures with paper “mache”. It is said that the only owner of some of the original specimens was Diego Rivera. On a visit to their relatives in San Martin Tilcajete, Oaxaca, Pedro show his creations, there how it it began to be popularized in the area, most of his family are now dedicated to his art craft to create these fantastic creatures, migrating from paper “mache” technique to woodcarving. Manuel Jimenez Ramirez, native from the town of San Antonio Arrazola, Oaxaca, retake this art but introduced the copal wood and the nahual’s concept that in Mexican culture are represented in the Zapotec calendar as animals fused with the human being, becoming the protector and guardian of men. The alebrije defines your personality depending on the year and the day you’re born, from that day, the alebrije choose you to guide you , take care of you and protect you from danger, nightmares and enemies.

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de lo cual deriva la palabra alebrije. Pedro despierta del coma, y en su afán de querer explicar sus alucinaciones, preservar sus pesa-dillas, crea sus figuras con papel mache. Se cree que solo Diego Rivera conservó algunos ejem-plares originales. En una visita a sus familiares de San Martín Tilcajete, Oaxaca, Pedro muestra sus creaciones, y así comenzó a popularizarse en la zona, gran parte de la familia se dedica a la creación de estos seres fantásticos, migrando de la técnica de papel maché a la talla de madera. Manuel Jiménez Ramírez, originario del pueblo de San Antonio Arrazola, Oaxaca, retoma el arte de Pedro pero introduce la madera de copal y el concepto de nahual, que en la cultura mexicana están representados en el calendario zapoteco como animales fusionados con el ser humano. El alebrije define tu personalidad dependiendo del año y el día en que naces, desde ese día, el alebrije te escoge para cuidarte, guiarte y protegerte del peligro, las pesadillas y tus enemigos.

Ancestral Origin The cultural origin of alebrijes appears from the relation between the nightmares of Pedro de Linares and the Zapotec culture, retaking the meaning of the Indigenous word “tona”, which refers to the animal or animals, usually wild, that share the fate and soul with a person, when the person gets ill or dies, the same happens to his animal partner and vice versa.The identity of the animal companion is generally unknown by its human counterpart; only men with magical powers can know it.

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En las culturas indígenas existía la imperiosa necesidad de conocer la tona de los recién nacidos, recurrían a rituales o predicciones de una partera, de quién solían ser familia. Los parientes al conocer la tona del recién nacido, pueden velar mejor por su bienestar, procurando mantenerlo en secreto a lo largo de su vida, ya que brujos enemigos al conocer al animal compañero pueden lastimarla con embrujos, acción que repercutirá en la salud del dueño de dicho animal. Estas creencias refuerzan los lazos de la familia y de protección de sus seres queridos, sin embargo también permite la posibilidad de rivalidades entre la familia, al poder realizar hechizos o brujería a sus parientes La cantidad de nahuas o alteridades zoológicas ligadas a una persona varía según el grupo étnico y su región, algunos establecen una relación jerárquica entre sí; es decir, una de ellas influye en mayor grado en la vida de su contraparte humana, y las tonas restantes, pierden sucesivamente importancia; si una de ellas muere, la persona sólo se enferma, pero si mueren todas

In indigenous cultures there was an urgent need to know the newborns’s tona, appealing to rituals or predictions of a midwife, who are usually family. By knowing newborn’s tona, the family can ensure the newborn’s welfare. As wizard enemies can hurt the human by hurting his animal companion with spells, they must keep it secret throughout his life. These beliefs reinforce the ties of family and their loved ones, but also allows the rivalry between the family, by casting spells or witchcraft to their own family. The amount of Nahua or zoological alterities linked to a person varies according to the ethnic group and region, some establish a hierarchical relationship; one’s importance is greater in the life of its human counterpart, and the remaining tonas are less important; if one of the less important tonas die, the person gets sick, but if they all die or the main tona dies,

the human counterpart dies, too. But, there is a belief that if the person eats the flesh of his animal companion, the spirit of the original tona can get into the body of a breeding from the same specie and reach salvation. The ethnic group of the coastal huaves of Oaxaca or mareños, located on a coastline of the Gulf of Tehuantepec, are the ones that created the fusion between the ancient concept brought from the prehispanic culture with the modern concept of alebrije as guardian of the man who drives away nightmares; by preserving their ancient customs and stay in a constantly changing world, open to modernization and new conceptions of the universe, the mareños, huazantecos, juaves, mareños or wabis, they are the real parents of the culture of alebrije. Artisanal vocation of this Zapotec community earned her the distinction of “Cradle of alebrije”.

Procesos

Alebrijes can be made from a base of wire, cardboard, papiermaché and even scraps of fabric, however, in this article we will focus on those by woodcarvings. The artisans who are dedicated to creating alebrijes put their life and soul into their work; they practice the drawings in their own skin, mixed pigments with their bare hands in direct contact with the inks, design with the soul, paint with dedication and passion for hours, to get as result one of the most valuable handicrafts in Mexico.

Los alebrijes pueden ser hechos a partir de una base de alambre, con cartón, papel maché y hasta retazos de tela, sin embargo, en esta artículo nos enfocaremos en aquellos tallados en madera. Los artesanos que se dedican a la creación de los alebrijes ponen su vida y su alma en esta labor; practican los dibujos en su propia piel, mezclan pigmentos con sus manos, en contacto directo con las tintas, diseñan con su alma, pinta con dedicación y pasión por horas, para dar como resultado una de las artesanías más valoradas en México. Ser un artesano especializado en alebrijes lleva su tiempo, se necesita practica, trabajo duro, conocimiento sobre la iconografía zapoteca y su cultura,

Procedure

Otros nombres que reciben los Huaves Ikoots / Kunajts o mareños (que significa “gente del mar”). huaves (que significa “podridos por la humedad” en su idioma) se autodenominan “mero ikooc”, expresión que traducida literalmente significa “verdaderos nosotros” Other names the Huaves received Ikoots / Kunajts o mareños (means “people from the sea”). huaves (means “rotten by humidity”) They claim to be called “mero ikooc”, whats means “Truly us” in their language.

Being a specialized alebrije’s craftsman takes time, practice, hard work and needs the knowledge of Zapotec’s iconography and culture,

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o muere la tona principal, también muere la contraparte humana. Pero existe la creencia de que si la persona se come la carne de su compañero o alteridad animal, el espíritu de la tona original se trasladaba una cría de la misma especie y logrará salvarse. El grupo étnico de los huaves costeños de Oaxaca o mareños, ubicados en un litoral del golfo de Tehuantepec, son los que crean el mestizaje entre el concepto ancestral traído desde la cultura prehispánica junto con el concepto moderno de alebrije como guardián del hombre que ahuyenta las pesadillas; al conservar sus costumbres antiguas y permanecer en un mundo en constante cambio, se abren a la modernización y las nuevas concepciones del universo, los mareños, huazantecos, juaves, mareños o wabis, son los verdaderos progenitores de la cultura del alebrije. La vocación artesanal de esta comunidad zapoteca la hizo acreedora de la distinción de “Cuna del alebrije”.

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aprender combinaciones de colores, practicar el dibujo de los íconos, desarrollar a la perfección el tallado de las piezas, impregnarse del arte del alebrije, apasionarse por su trabajo. Estos artesanos suelen ser generaciones de padres, hijos, y nietos, que se especializan en tallado o pintura de las piezas. La vida del alebrije comienza con la talla que debe realizarse antes de que pasen ocho días de la tala del árbol, ya que después se endurece mucho cuando se seca. Este proceso permite convertir un simple pedazo de madera en un ser fantástico y mágico. Los artesanos deben cuidar cada detalles por mínimo que sea. La superficie debe quedar lisa, uniforme y tersa, para lograrlo se pule con arena. La talla de madera puede tardar de ocho a diez meses para las piezas promedio y de un año y medio a dos años para piezas grandes. El diseño previo de los trazos es igualmente una tarea complicada, proceso que durará meses. Se realiza la sofisticada faena a mano alzada, solo con sus pinceles, confeccionados a la medida, usando en ocasiones aguijones,

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learn color combinations, practice drawing icons, develop perfectly to carve pieces, get impregnated with alebrije art and passion for their work. These artisans are often generations of parents, children, and grandchildren, who are specialize in carving or painting of the pieces. Alebrije’s life begins when the copal wood is carved, the crafters have to work before eight days of cutting the tree to create the inicial form, if not the wood gets very hard when dry and can’t be pro-perly worked. This procedure allows to turn a single piece of wood in a fantastic and magical being. The artisans should take care of every detail no matter how small it is. The surface should be smooth and uniform, to achieve this it must be polished with sand. Wood carving process can take from eight to ten months for an average piece and from one and a half to two years for large pieces pieces. The previous design of the strokes is also a complicated task, this process tan take months. The sophisticated task is done by freehand performed only with brushes, made especially sometimes using stingers,

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Tona o nahual= animal protector que depende de tu fecha de nacimiento que te protegerá espiri-tualmente durante toda tu vida. Tona or nahual= Animal protector that depends on your date of birth that will secure you spiritually through all your life.

pelos de animales y espinas de cactus para trazos finos y regulares; y sus pinturas mezcladas manualmente minutos antes de comenzar a trazar. Tan complicada es la tarea, que el proceso total de elaboración de una solo pieza puede llevar hasta 600 horas de trabajo. Imagínate como se siente tener en tus manos el resultado de todas esas horas de trabajo de la vida de una persona. Se dice que tener en casa un alebrije o, mejor aún, una colección de ellos es de buena suerte y traerá felicidad. Además, tener un alebrije es poseer un pedacito de lo mejor del arte mexicano, tan amplio, colorido y majestuoso, pero aún desconocido para muchos, tan lleno de vida y una belleza espléndida reconocida a nivel internacional.

for thin and regular strokes; and with pigments manually mixed minutes before they start to draw the pictures. The process is so complex, that the whole series of tasks can take up to 600 hours of handiwork. Can you imagine how does it feel to hold in your hands the result of all those work hours from a person’s life? It is said that having an alebrije at home, or even better a whole collection, might bring good luck and happiness . Also, having a alebrije is to possess a bit of the best, colorful and majestic Mexican art, still unknown to many, but so full of life and a splendid beauty recognized internationally.

Iconografía de la cultura zapoteca Pescado= respeto mariposa= felicidad grecas de mitlá de monte alban símbolo de la persona= pueblo cascabel de serpiente = poder máximo

Iconografía de la cultura zapoteca pescado (icono) = respect mariposa= Happiness grecas de mitlá= monte albán símbolo de la persona= people cascabel de serpiente = maximun power alebrije.

Por: Yarely Cruz

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TAXCO EL PUEBLO DE PLATA Silver Village Por: Yarely Cruz

2ndo lugar del Concurso Nacional de Platería 2012 2nd Place in National Silversmith’s Competition 2012 Fotografía / Photo: Gobierno del Estado de Guerrero Guerrero Goverment

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The guerrerense art go back to the first evidence of Olmec influence in 300 B.C. Mezcala people, a Mesoamerican archaeological culture of Guerrero, in southern Mexico; introduced its peculiar geometric style from the stone sculpture and ceramics into Teotihuacan. When Aztecs conquered the area, important tribute items became into exquisite craft products, work such as gold pieces for priests and nobility. With the Spanish conquest, the creation of this items drastically change the creation of these items, new techniques and materials were introduced, disappearing completely some indigenous products. The craft activity provides most of the State income, especially to the isolated indigenous communities. Guerrero’s handicrafts greatly reflect its indigenous nature, although the obvious European and even Asian influences reflected in its aesthetic and technique. Tourism has increased sales and production of handicraft in recent decades. Three main touristic centers that influence this are Acapulco, Zihuatanejo and Taxco. The main state market for handicrafts is in Acapulco.

Pieza del taller Marcial Chavez, creador original de moldes para William Spratling. Piece from Marcial Chavez’s workshop, the original William Spratling’s molds. Fotografía de Renacimiento de Spratling. Joyeria de Taxco Plata Sterlina .925 powered by WordPress.

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El arte guerrerense se remonta a la influencia olmeca en 300 A.C. La gente mezcala, cultura arqueológica mesoamericana de Guerrero, en el sur de México; introdujeron su peculiar estilo geometrizante de escultura de piedra y cerámica en Teotihuacán. Los aztecas al conquistar la zona, convirtieron los artículos de tributo importante en producciones artesanales exquisitas, como el trabajo en piezas de oro para sacerdotes y la nobleza. Con la conquista española se cambio drásticamente estos artículos, se introdujeron nueva técnicas y materiales, desapareciendo por completo algunos productos indígenas. La actividad artesanal proporciona la mayoría de los ingresos del Estado, especialmente a las aisladas comunidades indígena. Por eso, las artesanías de Guerrero reflejan de gran manera su naturaleza indígena, aun siendo obvia la influencia europea e incluso asiática reflejada en su estética y técnica. El turismo ha incrementado las ventas y la producción artesanal en las últimas décadas. Los tres principales centro turísticos que influyen son Acapulco, Zihuatanejo y Taxco, el principal mercado de artesanías del estado se encuentra en Acapulco.

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Colección de nueve reproducciones originales hechas por Maria Nievez y Raquel, en el taller de Marcial Chavez, el original creador de moldes para William Spratling. Collection of nine original reproductions made by Maria Nievez and Rachel, in the workshop Marcial Chavez, the original William Spratling’s molds. Taxco de Alarcon, Guerrero, Mexico. Fotografía de Renacimiento de Spratling. Joyeria de Taxco Plata Sterlina .925 powered by WordPress.

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El origen de la plata de Taxco

The origin of Taxco’s silver

“El primer vestido del hombre fue el embrujo esotérico de una joya”, frase del libro Joyería de Taxco, escrito por Raúl Ybarra, recopilador de las distintas técnicas de elaboración de la joyería en México. “En la Antigüedad el gusto por las joyas estuvo muy relacionado con la adquisición de poderes que supuestamente conferían y con la posesión de un valor codiciado”. Raúl Ybarra. El trabajo de la plata y el oro se remonta a la época prehispánica, cuando eran sumamente importantes para las ofrendas, los elementos sacerdotales y la vestimenta de la nobleza. Actualmente, la plata es la más conocida por su finura y excelente acabado, siendo Taxco la localidad exponente de joyas de calidad impecable. En el período colonial, Taxco era rica en plata, convirtiendo en ricos a muchos mineros. Al acabarse los metales de las minas, el trabajo de la platacomenzó a desarrollarse en 1931. William Spratling, un artista estadounidense, al llegar a Guerrero vio la oportunidad y fundó el primer taller artesanal de plata en Taxco, creó un programa para enseñar el oficio, convenció a dos jóvenes que se dedicaban al oro en Iguala para mudarse a Taxco y abrir el taller. Creía que el diseñador debía dignificar el material, siendo este el nuevo ideal para artesanos de la época; y que su fabricación debía realizarse donde el metal tenía su historia. William Spratling es reconocido por sus creaciones artísticas en plata y su influencia en el diseño de la platería mexicana del siglo XX. Es llamado el «padre de la plata mexicana».

“The first man dress was the esoteric charm of a jewel” phrase from the book Taxco’s Jewelry, written by Raul Ybarra, compiler of different techniques of jewelry in Mexico. “In ancient times, taste for jewels was closely related to the acquisition of power and allegedly conferred a coveted possession of value.” Raul Ybarra. The work of silver and gold dates back to pre-Hispanic times, when it was extremely important for the offerings, the priestly elements and dress of the nobility. Actually, silver is known for its finesse and excellent finish, Taxco is the principal exponent known as the town of jewelry for its impeccable quality. In the colonial period, Taxco was rich in silver, becoming many miners wealthy. Metals extraction from mines ended, and silver treatment began to develop in 1931. William Spratling, an American artist, saw the opportunity when he arrived to Guerrero and founded the first craft workshop silver in Taxco, created a program to teach the craft, and by persuading two young men who were gold artisans in Iguala, they moved to Taxco and open the workshop. He believed that the designer had to dignify the material, which was the new ideal for artisans of the time; and that its manufacture must be performed where the metal had its history. William Spratling is known for his artistic creations in silver and their influence on the design of the Mexican silversmiths of the twentieth century. It is called the “father of Mexican silver.”

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1 El éxito del taller de Spratling trajo consigo el interés de los habitantes, quienes posteriormente abrieron sus propias tiendas, artesanos importantes como Antonio Castillo y Antonio Pineda, fueron la nueva generación de plateros que han rescatado una técnica olvidada de la combinación de diferentes metales, que tiene un origen prehispánico, llamados “metales casados”, creando auténticos mosaicos en piezas ornamentales. La Feria Nacional de la Plata y la competencia en la última semana de noviembre, posicionan aún más la producción de plata en la ciudad. La mayoría de la producción es de exportación, comprada por turistas, y llevada fuera de México.

The success of Spratling’s workshop brought the interest of the people, who later opened their own stores, important craftsmen as Antonio Castillo and Antonio Pineda, were the new generation of silversmiths who have rescued a forgotten combination of different metals technique with a prehispanic origin, called “married metals”, creating authentic mosaics ornamental pieces. The National Silver Fair and competition in the last week of November, positioned silver production further in the city. Most production is for export, bought by tourists, and taken outside Mexico.

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Galardón 75 Anivesario de la Feria Nacional de la Plata. 75 Anniversary of Silversmith’s National Competition Award. Nombre de la obra / Name of the piece: KUKULKAN Autor: Ezequiel Tapia Bahena Fotografía / Photo: Gobierno del Estado de Guerrero Guerrero Goverment

Concurso Nacional de Platería

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A finales de noviembre y principios de diciembre, Taxco de Alarcón, Guerrero, se llena de festividad con exposiciones, conciertos y conferencias gracias al Concurso Nacional de Platería, en el cual participan los principales talleres plateros del país para exponer sus piezas. Este Pueblo Mágico celebra 78 años de este concurso. Se ha instituido para reconocer a los artesanos, orfebres y diseñadores que todos los días transforman barras de plata en obras de arte, en este concurso se presentan sus piezas a concursar en cuatro categorías: Joyería, Orfebrería, Escultura y Nuevas Tendencias. El origen de esta fiesta se remonta a la época de William Spratling, se realizaba una fiesta anual llamada Día de la Plata, consistía en concursos entre los artesanos locales donde el era el juez.

Silversmith’s National Competition

In late November and early December, Taxco, Guerrero, is filled with festivals, exhibitions, concerts and conferences thanks to the Silversmith’s National Competition, in which the main silversmiths workshops in the country exhibit their developed pieces. This magical town celebrates 78 years of this competition. It has been instituted to recognize craftsmen, goldsmiths and designers who transform everyday silver bars into works of art in this contest, their pieces are presented to compete in four categories: Jewelry, Goldsmith Sculpture and New Trends. The origin of this festival dates back to the time of William Spratling, with an annual festival called Plata’s Day, which consisted of contests among local artisans where he was the judge.

3er lugar del Concurso Nacional de Platería 2012 3rd Place in National Silversmith’s Competition 2012. Fotografía / Photo: Gobierno del Estado de Guerrero Guerrero Estatal Goverment

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Zona arqueolรณgica de Tulum, Quintana Roo

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JOYERÍA Coral NEgro Black Coral Jewerly,

Peligrosa Belleza Dangerous Beauty Collar de Coral Negro, Pantera” 925 y Ágata. Hecho a mano. Necklace of Black Coral, Panther “925 and Agate. Handmade. Fotografía de / Photo from: Pinterest.

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Black coral bracellet. Pulsera de Coral Negro. Fotografía de / Photo from: KUNUGI

El mar ha ofrecido a la humanidad un sin fin de productos, tanto para la subsistencia como para fines estéticos. Desde la antigüedad, se han utilizado conchas de mar, perlas, caracoles, y demás objetos procedentes de las profundidades del océano para adornar tanto su persona como para objetos y muebles. Entre los más bellos productos que el mar ofrece se encuentra el coral negro, que antiguamente ha servido para realizar amuletos a los cuales se les atribuía poderes míticos. Los griegos lo consideraron como de la buena suerte contra cualquier mal agüero, en la India los sacerdotes lo utilizaron en sus ritos religiosos. En México, especialmente en la parte sureste del país, se realizan bellas piezas partir de este material, joyería de exquisita calidad extraía de las profundidades del mar mexicano.

Sea has offered humanity an endless supply of products, both for subsistence and for aesthetic purposes. Since ancient times, sea shells, pearls, snails, and other objects from the depths of the ocean have been used to decorate persons, objects and furniture. Among the most beautiful products that the sea offers is black coral, which used to be used to make amulets to which were attributed mythical powers. Greeks considered it as good luck against any evil omens, in India the priests used it in their religious rites. In Mexico, especially in the southeastern part of the country, beautiful pieces are made from this material, jewelry of exquisite quality extracted from the depths of the Mexican sea.

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El coral negro está listado en el Apéndice II de la Convención del Tratado Internacional de Especies en Riesgo de Extinción (CITES). Vive en aguas profundas, por lo cual ha sobrevivido a la sobre pesca, ya que es utilizado en joyería.

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Black coral is listed in Appendix II of the Convention on the International Treaty on Endangered Species (CITES). It lives in deep water, surviving overfishing because of it, due to it is used in jewelry.

Antipatarios (Antipatharia)

Antipatharia (Antipatharia)

También conocidos como corales negros, por el color de sus esqueletos, son parientes cercanos de las anémonas de mar, comparten una simetría hexameral en su estructura. Es una colonia de organismos que tiene la forma de un pequeño árbol de 50 centímetros de altura. Sus tejidos vivos son intensamente brillantes. Los biólogos han calculado que crece más o menos 10 centímetros cada 50 años; por su belleza, calidad, escasez y difícil extracción, alcanza altos precios en el mercado internacional y con él especulan los coleccionistas y comerciantes en objetos preciosos. Se encuentra a grandes profundidades, entre los 30 y 60 metros, pudiendo llegar a los 100 metros.

Also known as black corals, by the color of their skeletons, are close relatives of sea anemones, they share a hexameral symmetry in their structure. It is a colony of organisms that has the shape of a small tree 50 centimeters high. Its living tissues are intensely bright. Biologists have calculated that it grows about 10 centimeters every 50 years; because of its beauty, quality, scarcity and difficult extraction, it reaches high prices in the international market and with it speculates the collectors and merchants in precious objects. It is generally found at great depths, between 30 and 60 meters, and can reach 100 meters.

Métodos de extracción

Fotografía de / Photo from: Rachel Roy Pinterest

Escafandras: Traje compuesto de una vestidura impermeable y un casco perfectamente cerrado, con un cristal frente a la cara y orificios y tubos para renovar el aire; empleado para permanecer sumergido en el agua. Scapers: Suit composed of a waterproof garment and a perfectly closed helmet, with a glass in front of the face and holes and tubes to renew the air; Employed to remain submerged in the water.

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Se han utilizado muy diversos procedimientos para la explotación del coral, desde la recolección a mano, buceando a poca profundidad, hasta el empleo de escafandras. Se llegan a emplear barcos coraleros de cierto tonelaje, se lanza al agua un instrumento de madera en forma de cruz de que pueda desciende hasta el fondo, con redes para la recolección. La cruz rompe las ramas del coral y los colgantes de las redes retienen

Extraction methods Various procedures have been used for the exploitation of coral, from hand-picking, shallow diving, to the use of scapers. Coral boats of certain tonnage are used, from which it throw into the water an instrument composed of a wooden cross with enough ballast so that it can descend to the bottom, with nets in each arm for the collection. The cross is caught in the branches of the coral, breaks them and for about an hour the pendants of the nets retain the loose coral; then it is hoisted on board and collected the product that is then to be commercialized.

Pulsera De Coral Negro Con Acabados En Plata. Black Coral Bracelet With Silver Finish. Fotografía de /Photo from: MercadoLibre

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Collares de coral negro con piedras preciosas, ámbar y oxidiana, con extensiones de tejido. / Necklaces of black coral with precious stones, amber and oxidiana, with extensions of fabric. Artesanías Leomar. Blog.

el coral suelto; luego se iza a bordo y se recoge el producto que después se ha de comercializar. En algunas zonas costeras, los corales finos comienzan a escasear debido a su alta demanda, y hay que buscarlos en profundidades hasta de 300 metros. Se han registrado varias muertes por la dificultad que representa sumergirse a esa profundidad.

Tratamiento al coral

Cuando se saca el coral del agua, se le llama "coral bruto"; tiene un cierto valor, que va aumentando de acuerdo con la calidad de elaboración o trabajo de que es objeto. Se realiza una evaluación para calcular su valor, intervienen las características del coral, la perfección de la labor y el valor artístico de la obra para determinar su precio. Uno de los factores que más influyen en la mayor estimación del coral es su coloración, los de color más peculiar o menos frecuente suele ser los de mayor precio, y los de color más ordinarios suelen tener un costo menor. Refiriéndose al coral negro, es uno de los más caros del mundo. El coral extraído sufre mermas por deshidratación, parásitos y durante el tallado, por lo que 8 kilogramos de coral negro en bruto equivalen a un kilogramo de coral de primera semiprocesado.

In some coastal areas, fine corals are becoming scarce due to their high demand, and they have to be sought in depths of up to 300 meters. There have been several deaths due to the difficulty of submerging that depth.

Coral treatment

When the coral is removed from the water, it is called "raw coral"; it has a certain value, which is increasing according to the quality of elaboration or work of which it is subject. An evaluation is made to calculate its value, the characteristics of the coral, the perfection of the work and the artistic value to determine its price. One of the factors that most influence the highest estimation of the coral is its coloration, the most peculiar or less frequent color is usually the most expensive, and the most ordinary color usually have a lower cost. Referring to black coral, it’s one of the most expensive worldwide. The extracted coral undergoes dehydration, parasites and during cutting, resulting in 8 kilograms of raw black coral equivalent to one kilogram of first semiprocessed coral.

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El precio de este coral semiprocesado es de 1 100 dólares por kilogramo y los artesanos talladores ganan del 1 al 10% por gramo trabajando.

Coral Negro en México

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Fernando Gatto Kaia Joyas Uruguay

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En 1960, el investigador francés Jacques Ives Cousteau descubrió en el Arrecife de Palanzar, al sur de la isla de Cozumel, en México, corales de excelente calidad, los nativos ya lo explotaban en pequeñas cantidades. Actualmente, solo existe dos permisos federales en México para la extracción de coral negro, los cuales permiten a los artesanos de Cozumel continuar con su labor bajo las medidas ecológicas y de seguridad reglamentadas, ya que es importante mantener esta tradicional trabajo que por muchos años ha sido la fuente de ingresos para decenas de familias en la isla, afirmó el presidente de la Unión de Artesanos de coral negro, David Calderón Uc. El gremio de artesanos de Cozumel es el único permitido para trabajar legalmente con el llamado “oro negro”. Sin embargo, la extracción furtiva es algo presente a pesar de las reglamentaciones. Pero al ser muy riesgosa y complicada la extracción, es poca la cantidad de coral que logran extraer, los recolectores ilegales se juegan la vida puesto que muchos no cuentan con la experiencia o el conocimiento para realizar este proceso y mucho mueren en el intento.

Fotografía de / Photo from: Pinterest

The price of this semi-processed coral is 1100 dollars per kilogram and carver craftsmen earn from 1 to 10 per cent per treated gram.

Black Coral in Mexico In 1960, the French researcher Jacques Ives Cousteau discovered coral in the Palanzar Reef, south of the island of Cozumel, in Mexico, of excellent quality, the natives already exploited it in small quantities. Nowadays, there are only two federal licenses in Mexico for the extraction of black coral, which allow the artisans of Cozumel to continue their work under the regulated ecological and safety measures, since it is important to maintain this traditional work that for many years has been source of income for dozens of families on the island, said the president of the Union of black coral craftsmen, David Calderón Uc. The guild of artisans of Cozumel is the only one allowed to work legally with the so-called "black gold". However, poaching is somewhat present despite regulations. But because the extraction is very risky and complicated, there is little amount of coral that they manage to extract, the illegal collectors are gambling the life because many do not have the experience or the knowledge to perform this process and much of them die in the attempt.

Permitted artisans stipulate that they are allowed 50 kilograms per month at most to allow the natural balance of corals to be restored, however, artisans confess that they usually draw 15 kilograms per month at most. Visitors are often very interested in the pieces made with this material because it is easy to take it to other countries because of the holograms that indicate the legality of each craft they acquire. Many have been the products that the sea has provided to man to fulfill their needs, while he knows that their exploitation has served to raise the level both cultural and economic of people. It is up to man to ensure that this exploitation is carried out in a rational way, he must respect nature and thank the sea for his favors, to avoid its extinction with which part of the tradition of a people will be erased.

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Los artesanos con permisos estipulan que se les permite como máximo extraer 50 kilogramos por mes para permitir que se restablezca el balance natural de los corales, sin embargo, los artesanos confiesan que suelen extraer, cuanto mucho, 15 kilogramos por mes. Los visitantes suelen prestar mucho interés por las piezas fabricadas con este material pues es fácil llevarlo a otros países al contar con los hologramas que indican la legalidad de cada artesanía que adquieren. Muchos han sido los productos que el mar le ha brindado al hombre para colmar sus necesidades, a la vez que sabe que su explotación ha servido para elevar el nivel tanto cultural como económico de los pueblos. Le corresponde al hombre velar porque esa explotación se realice de una forma racional, debe respetar a la naturaleza y agradecer al mar sus favores, para evitar su extinción con la cual se borraría parte de la tradición de un pueblo.

Por: Yarely Cruz

Fotografía de / Photo from: Eduardo Soler Blog.

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Ana Dalal de Gyves Pinterest. Bolsa bordada a mano en telar de pedal por artesanas del Istmo de Tehuantepec, Oaxaca. Ana Dalal de Gyves Pinterest. Hand embroidered on a pedal loom by artisans from the Isthmus of Tehuantepec, Oaxaca.

BORDADOs YUCATECOs, Yucatecan embroidery, y costuras, infinidad de puntadas and needlework, lots of stitches Por: Yarely Cruz

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El bordado yucateco no data de la Colonia, como muchos suelen suponer, se remonta a la época prehispánica. Incluso en el cenote de Chichén Itzá se han encontrado vestigios de prendas con el bordado maya “chuy cab” o punto de satín. Otros bordados que se siguen haciendo hoy día son el punto de cruz o xocbil chuy introducido por los españoles y el xmanikté o deshilado. El origen específico del bordado y costura yucateca es desconocido. Pero según información del Ayuntamiento de Mérida, el bordado yucateco se ha enriquecido con el tiempo hasta ser reconocido como patrimonio cultural de Yucatán, siendo el “xocbi chuy” o punto de cruz (el que sirve para los ternos) el más conocido.

Beauty of the traditional embroidery on the hippies of the mestizo women has gained international fame through hundreds of photographs and reproductions. Its image is a symbol of Yucatan, and of course, of Mérida. The Yucatecan embroidery does not date of the Colony, as many usually suppose, it goes back to the pre-Hispanic time. Even in the cenote of Chichén Itzá have been vestiges of garments with the Mayan embroidery "chuy cab" or point of satin. Other embroidery that are still made today are the cross stitch or xylobil chuy introduced by the Spaniards and the xmanikté or frayed.

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La belleza de los bordados tradicionales en los hipiles de las mujeres mestizas ha cobrado fama internacional a través de cientos de fotografías y reproducciones. Su imagen es símbolo de Yucatán, y por supuesto, de Mérida.

The specific origin of Yucatecan embroidery and needle working is unknown. But according to information from the City of Merida, Yucatecan needle working has been enriched over time until it is recognized as a cultural heritage of Yucatan, being the "xocbi chuy" or point of cross (the one that serves for the suits) the best known.

Cinturones bordado yucateco. Yucatecan embroidered belts. Camiseria Canul. Online Store.

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Huipil bordado a mano. Cultura zapoteca. Istmo de Tehuantepec./ Hand embroidered Huipil. Zapotec culture. Istmo of Tehuantepec. Fotografia de / Photo from: GUIEXHUUBA twitter. Arte textil y accesorios hechos a mano./ Textile art and handmade accessories.

Un mundo de puntadas

A world of stitches

En Yucatรกn hay veinte tipos de puntadas (otros dicen que 70), tanta es la importancia del bordado en Yucatรกn que al menos un integrante de cada casa sabe bordar ya sea a mano o a mรกquina.

In Yucatan there are twenty types of stitches (others say 70), so much is the importance of embroidery in Yucatan that at least one member of each house knows how to embroider either by hand or by machine.

La cultura yucateca se ha mantenido fuerte a la tendencia homogeneizado de la modernidad, se preserva su cultura en cada puntada, luciendo con orgullo su identidad regional que demuestra la importancia histรณrica, cultural y hasta financiera de este prรกctica.

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Yucatecan culture has remained strong to the homogenized trend of modernity, preserving its culture in each stitch, proudly displaying its regional identity that demonstrates the historical, cultural and even financial importance of this practice.

Costuras, alma artesanal en peligro

Needle working, craft soul in danger

De los bordados a mano, que generalmente son conocidos como costura (bordado se le llama al hecho a máquina), los más conocidos, además del punto de cruz, son costilla de ratón, diente de perro, punto de sombra, hilván, manic ben y xmol mis, estos dos últimos en peligro de desaparecer. El manic ben es uno de los más complicados, giran leyendas en torno a él, como el que las niñas que desean aprenderlo tienen que pasar sus manos por el cuerpo de una culebra. “Cuando una señora muere lo primero que Dios le pregunta para dejarla entrar al Cielo es si sabe costurar manic ben”, dice Luciana Ek Tun, mujer de Maxcanú, municipio de Yucatán, que todavía hace este bordado. A falta de canevá, la tela se deshila cuidadosamente con una aguja formando una rejilla para pasar el hilo y formar flores y otras figuras a base de finos nudos casi imperceptibles.

Embroidery made by hand, is known as needle working or sewing, (machine-made is called embroidery), the best known, in addition to the cross stitch, are mouse rib, dogtooth, shadow point, nylon, manic ben And xmol mis, these last two in danger of disappearing. Manic ben is one of the most complicated and difficult to learn, there are legends around it, such as the fact that girls who want to learn this have to touch with their hands through the body of a snake. "It is also said that when a lady dies the first thing that God asks her to let her into Heaven is if she knows how to sew manic ben," says Luciana Ek Tun, a woman from Maxcanu, Yucatan, who still does this type of embroidery. In the absence of canevá, the fabric is carefully debarked with a needle to form a kind of grid where the thread will be passed to form flowers or any other figure based on fine almost imperceptible knots.

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Fotografia de / Photo from: El universal. Uno tv. Un1ón. Claudia Catzín, la yucateca más pobre/ the poorest Yucatecan.

Bordado en Punto de Cruz. Ropa tradicional maya. Embroidery on Cross Stitch. Traditional mayan clothing. Fotografía de / Photo From: Pinterest

Canevá es una tela cruda de tejido muy abierto, en la que se borda y se hacen tapetes y tapices. Canevá is a raw material of very open fabric, in which it is embroidered and made carpets and tapestries.

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Fotografia tomada por / Photo taken by: Ana Yarely Cruz Mail:yarely.cruz@iest.edu.mx

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Bordados, tradición familiar Caso contrario de los bordados a máquina, los cuales están en su máximo apogeo, de los cuales se derivan las puntadas renacimiento, calado y rejilla, que últimamente se han vuelto populares. Entre las puntadas que se realizan a máquina, las más populares son el bordado relleno, el sombreado, el bordado renacimiento, el rejillado y el calado. La tradición del bordado se transmite, por lo general, en el seno familiar. Las flores multicolores son el motivo principal de esta labor artesanal practicada por las mujeres desde antes de la Colonia.

The traditional costume of the Yucatecan women, is embroidered by hand and is worn in weddings and parties of XV years. The making of this costume can take up to three months, and should be done with cloth and silk threads. The knowledge of this type of sewing is being lost, because those who know are dying and the new generations are not interested in learning because it is a very laborious process. Previously, sewing manic ben abounded in hipiles, yucateca blouses in the community, nowadays it has almost disappeared.

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El terno, traje tradicional de gala de las mujeres yucatecas, se borda a mano y se luce en bodas y fiestas de XV años. La elaboración de un terno puede llevar hasta tres meses, y debe hacerse con tela e hilos de seda. El conocimiento de este tipo de costura se va perdiendo porque van muriendo las que saben y a las nuevas generaciones no les interesa aprender por ser un proceso muy trabajoso. Anteriormente, la costura manic ben abundaba en los hipiles, blusas yucatecas en la comunidad, en la actualidad ya casi ha desaparecido.

Embroidery, family tradition The opposite has happened to machine embroidery, which is at its peak, from which the rebirth, draft and grid stitches are derived, which have recently become popular. Among the stitches made by machine, the most popular are embroidery filling, shading, renaissance embroidery, grinding and draft. The tradition of embroidery is usually transmitted in the family. Multicolored flowers are the main reason for this artisanal work done by women before the Colony.

Hipil Doble Ruedo Double Wheel Huipil Camiseria Canul. Online Store.

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Herminia Mor | Blog: Arte textil mexicano./ Mexican textile art.. Fotografia de / Photo from: herminiamor.blogspot.mx. Pinterest.

El tipo de hilo ha cambiado con el tiempo, el terno original se hacía con hilo de seda, ahora se utiliza principalmente estambre fino, por conservar sus colores intensos después de cada lavada.

Preservación del bordado Es tal el interés por mantener viva la costumbre de bordar que en 2012, la Casa de las Artesanías del Estado lanzó la convocatoria de un concurso de la disciplina, obteniendo la respuesta 150 artesanos de la entidad.

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The type of thread has changed over time, the original embroidery was made with silk thread, is now mainly used fine stamen, to preserve their intense colors after each wash.

Preservation of embroidery

Such is the interest to keep alive the custom of embroidering that in 2012, the House of the Crafts of the State launched the call for a contest of the discipline, obtaining the answer 150 artisans of the entity.

zona sureste Falda bordada mexicana.Tehuana Negro Velvet Vintage Estilo Frida / Mexican Embroidered Skirt Tehuana Black Velvet Vintage Frida Style. Fotografia de / Photo from: Living Textiles. Sheri Brautigam.

Fotografia de / Photo from: tehuanas.com. Mail: sandra.matus@gmail.com

La directora de la institución convocante, Luz Elena Arroyo Irigoyen, señaló que Yucatán es el único estado donde la mayoría de sus habitantes aún utiliza la indumentaria tradicional, sin importar la condición social o el lugar donde radican. Además de Maxcanú, en Chemax y Teabo también está muy difundida la práctica del hilo contado.

Blusa Yucateca Tipica Huipil Negra Con Bordado Al Frente./ Yucateca Tipica Huipil Black Blouse With Embroidery On Front. Fotografia de / Photo from: MercadoLibre

Director of the convening institution, Luz Elena Arroyo Irigoyen, said that Yucatan is the only state where most of its inhabitants still use traditional clothing, regardless of social status or where they reside. In addition to Maxcanú, in Chemax and Teabo is also very widespread the practice of counted thread.

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Fotografia de / Photo from: Mercado Libre.

Guayaberas, del río Yayabo a almacén de guayabas.

Guayaberas, from the Yayabo River to a guava store.

Prenda diseñada para climas tropicales. Un hombre cubano pidió confeccionar a su mujer costurera una camisa con los compartimientos adecuados para llevar en ellos “la fuma y otras cosillas”. Así, ella elaboró una camisa de tela fresca con dos bolsas a los costados, al verla los otros hombres quedaron sorprendidos, por el tamaño de dichas bolsas, que también solicitaron camisas similares.

A garment designed for tropical climates, it is very cool. Its origin is told according to historians that a Cuban man asked his wife seamstress to make him a shirt with the appropriate compartments to carry in them "smokes and other things." So, she made a fresh cloth shirt with two bags on the sides, when the other men were surprised by the size of these bags, they also requested similar shirts.

Antes era conocida como “yayabera” debido a que se utilizaba en la zona del río Yayabo, no obstante al notar que los hombres campesinos solían almacenar guayabas en las grandes bolsas, se le renombró como Guayabera.

Fotografia de / Photo from: Camasha. Linen and cotton. Online Shop. / Tienda en Línea

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Before it was known as "yayabera" because it was used in the area of the Yayabo river, nevertheless noting that the peasant men used to store guavas(in spanish Guayaba) in the big bags, it was renamed to him like Guayabera.

Se proclamó el 25 de julio como el Día de la Guayabera. It was proclaimed July 25 as the Day of the Guayabera.

Actualmente es utilizada por presidentes, gobernantes, entre otros célebres personajes en eventos de suma importancia, se viste este traje para dar solemnidad a eventos sociales como bautizos, bodas, entre otros. Desde los bordados que son tradición familiar, las costuras que son inspiraciones hechas a mano que reflejan la identidad de una cultura, hasta las famosas y frescas guayaberas, todas las puntadas yucatecas reflejan la riqueza cultural de su gente, la diversidad de colores, figuras y estilos que definen su valor como artesanías.

Despite the fact that it was not emerged in Yucatan as such, it is today a symbol of elegance among the inhabitants of the region, for the quality of cloth (linen or cotton), the delicacy of its seams and the fine appearance it reflects. Today it is used by presidents, rulers, among other noted personages in events of great importance, this garment is dressed to give solemnity to social events like baptisms, weddings, among others. From embroideries that are a family tradition, hand-stitched and sewing that reflects the identity of a culture, to the famous and cool guayaberas, all Yucatecan stitches reflect the cultural richness of its people, the diversity of colors, styles that define the value of it’s crafts.

Fotografia de / Photo from: Camasha. Linen and cotton. Online Shop. / Tienda en Línea

En 1880 el ayuntamiento de Sancti Spíritus otorgó la autorización oficial de usar la guayabera en eventos en los que únicamente se admitía el acceso en traje y corbata. In 1880 the city council of Sancti Spíritus grants the official authorization to use guayabera in events in which the only access was admitted in suit and tie.

Orignalmente se creó con el propósito de guardar “la fuma y otras cosillas” It was originally created to keep and carry “smokes and other things”

Fotografia de / Photo from: Camasha. Linen and cotton. Online Shop. / Tienda en Línea

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Es símbolo de elegancia entre los habitantes de la región de Yucatán, por la calidad de tela(lino o algodón), la delicadeza de sus costuras y el aspecto tan fino que refleja.

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Pocas veces reflexionamos acerca de las costumbres. Un claro ejemplo de ello es la tradición del Día de Muertos en México, fecha emblemática que se ha convertido en promotor del turismo nacional e internacional, declarado patrimonio intangible de la humanidad. La muerte ha sido en todas las culturas un evento que invita a la reflexión, a rituales, a ceremonias, a la búsqueda de respuestas, que causa temor, admiración e incertidumbre. Las culturas prehispánicas compartían la creencia de que existe una entidad inmortal que da conciencia al ser humano y que después de la muerte continúa su camino en el mundo de los muertos, donde sigue necesitando de utensilios, herramientas y alimentos.

Un poco de historia Para los ya antiguos mesoamericanos, la muerte no tenía las connotaciones morales, no existía el cielo ni el infierno basado en el comportamiento de la persona, el alma de los muertos estaba determinado a cierto lugar por el tipo de muerte que habían tenido. Los aztecas por ejemplo, creían que la vida ultraterrena del difunto podía tener tres destinos: Tlalocan o paraíso de Tláloc, dios de la lluvia. Aquí se dirigían aquellos que morían en circunstancias relacionadas con el agua: los ahogados, o por un rayo, por enfermedades como la gota o la hidropesía, la sarna o las bubas, y los niños sacrificados al dios. El Tlalocan era un lugar de reposo y de abundancia. Omeyocán, paraíso del sol, presidido por Huitzilopochtli, el dios de la guerra. Aquí llegaban los muertos en combate, los cautivos que se sacrificaban y las mujeres que morían en el parto.

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Rarely we reflect about our customs. A clear example is the tradition of Day of the Dead in Mexico, an emblematic date that promote the national and international tourism, declared intangible heritage of humanity. Death has been in all cultures, inviting to reflection, creating rituals, ceremonies in a searching for answers, which causes fear, admiration and incertitude. Prehispanic cultures shared the belief that there is an immortal entity that gives consciousness to the human being and that after death it continues its way in the world of the dead, where it still needs utensils, tools and food.

A little of history For the ancient Mesoamerica, death had no moral connotations, there was no heaven or hell based on person’s behavior, the soul of the dead was determined to a place by the type of death they had. The Aztecs, for example, believed that the afterlife of the deceased could have three destinations: Tlalocan or paradise of Tlaloc, god of rain. Here those who died in water-related circumstances lived: the drowned, or dead by lightning, or diseases such as gout or dropsy, scabies or galls, and children sacrificed to the god. Tlalocan was a place of rest and abundance. Omeyocan paradise of sun, chaired by Huitzilopochtli, the god of war. Here lived the war dead, the sacrificed captives and women who died in childbirth.

Era un lugar de gozo permanente, se festejaba al sol con música, cantos y bailes. Estos muertos, después de cuatro años, volvían al mundo, convertidos en aves de hermosas plumas multicolores. Mictlán, destinado a quienes morían de muerte natural. Este lugar era habitado por Mictlantecuhtli y Mictecacíhuatl, señor y señora de la muerte. Era un sitio muy oscuro, sin ventanas, del que ya no era posible salir. El camino era muy tortuoso y difícil, las almas deambulaban por distintos lugares durante cuatro años. Para recorrer este camino, el difunto era auxiliado por un perro Xoloitzcuintle que le ayudaría a cruzar un río y llegar ante Mictlantecuhtli, a quien debía entregar ofrendas. Al enterrar a quienes iban al Mictlán recibían, como ofrenda, cuatro flechas y cuatro teas atadas con hilo de algodón, los enterraban junto con el perro que les serviría de guía en el inframundo. Hay un lugar especial para los niños que morían antes de su consagración. Chichihuacuauhco era un lugar donde se encontraba un árbol de cuyas ramas goteaba leche, para alimentar a los niños. Los que llegaban aquí volverían a la tierra cuando se destruyese la raza que la habitaba. De esta forma, de la muerte renacería la vida.

Mictlan, destined to deaths of natural cause. This place was inhabited by Mictlantecuhtli and Mictecacíhuatl, Mr. and Mrs. Death. It was a very dark room with no windows, which was no longer possible to leave. The road to get there was very tortuous and difficult, souls wandering through different places for four years. To walk this path, the deceased was assisted by a Xoloitzcuintle dog that would help him cross a river and come to Mictlantecuhtli, to whom the deceased delivered offerings. When buried, those who went to Mictlan received as an offering, four arrows and four torches tied with cotton thread, they were buried along with the dog that would serve as a guide in the underworld. There was a special place to the children that die before his consecration. Chichihuacuauhco was a place where a tree dropped milk by the branches to fed the children. Those who came here would return to earth when the race that lived is destroyed. Thus, death will reborn life. Chichihuacuauhco, a place where the children were dead before his consecration to the water where a tree whose branches dripping milk was, to be fed. Children who came here would return to earth when the race that lived is destroyed. Thus, death reborn life.

Las entierros prehispánicos

The Prehispanic burials

Existían dos tipos de objetos en las ofrendas: los utilizados en vida por el muerto y los que podría necesitar en su tránsito al inframundo. Algunos objetos funerarios eran instrumentos musicales de barro, como ocarinas, timbales y sonajas en forma de calaveras; esculturas que representaban a los dioses mortuorios, cráneos de diversos materiales (piedra, jade, cristal), braseros, incensarios y urnas.

There were two types of objects in the offerings: those used in life for the dead and those who which the deceased may need in their passage to the underworld. Some funerary objects were clay musical instruments such as ocarinas, flutes, drums and rattles in the shape of skulls; sculptures representing the Mortuary gods, skulls of various materials (stone, jade, crystal), braziers, censers and urns.

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Un altar representa el mundo material e inmaterial.Existen altares de 2 niveles que representan el cielo y la tierra, altares de 3 niveles que representan el cielo, la tierra y el inframundo y existen altares de 7 niveles que son el tipo más común y representan los niveles que atraviesa el alma para poder llegar al descanso y paz espiritual. Los aztecas solía sacrificar a una princesa a los dioses, su corazón eran puesto en un olla con amaranto para después morderlo como agradecimiento. Los españoles cambiaron esta barbara costumbre por un pan de trigo en forma de corazón espolvoreado con azúcar y pintado de rojo para simular la sangre, naciendo así el pan de muerto. El Día de Muertos coincide con el paso de las mariposas monarca por México. De acuerdo a las leyendas, éstas cargan los espíritus de los difuntos sobre sus alas, ayudándolas a visitar el mundo de los vivos.

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Altars represents the material and immaterial world. Two level altars representing heaven and earth, altars of 3 levels represented heaven, earth and the underworld and there are altars of 7 levels that are the most common type and represent levels that pierces the soul to reach rest and spiritual peace. The Aztecs used to sacrifice a princess to the gods, his heart was placed in a pot with Amaranth and then bite it in gratitude. The Spanish conquerors changed this barbaric tradition by replacing the heart by heart-shaped wheat bread sprinkled with sugar and red painted to simulate blood, thus giving birth to the pan de muerto (Dead Bread). Day of the Dead coincides with the passage of monarch butterflies Mexico. According to the legends, butterflies carry the spirits of the dead on their wings, helping them to visit the world of the living.

“Nuestras relaciones con la muerte son íntimas, más íntimas que en ninguna otra parte. Los mexicanos son familiares de la muerte; bromean acerca de esta, la cuidan, duermen con ella, la celebran, es uno de sus juguetes favoritos y su más leal amor.” Fragmento del Laberinto de la Soledad de Octavio Paz. “Our relation with death is intimate, more intimate than anywhere else. Mexicans are relatives of death; joking with it, taking care of it, sleep with it, celebrate it, is one of our favorite toys and our most loyal love“. Fragment of Labyrinth of Solitude by Octavio Paz.

Conversion Mictlán Day of

Día de Muertos

the Dead

Los orígenes del Día de Muertos en México, pueden ser contados hasta la época de los indígenas de Mesoamérica, con los rituales que celebraban las vidas de los ancestros se realizaron por estas civilizaciones por lo menos durante los últimos 3,000 años. El antiguo festival caía en el noveno mes del calendario solar azteca, cerca del inicio de agosto, y era celebrado durante un mes completo. Las festividades eran dirigidas por el dios Mictecacihuatl, conocido como la “Dama de la muerte”. Se recordaba y celebraba a los niños y los parientes fallecidos. Los conquistadores españoles al llegar a América en el siglo XV, horrorizados por el pagano ritual de los indígenas, cambiaron la fecha a inicios de noviembre para que coincidiesen con las festividades católicas del Día de todos los Santos y Todas las Almas en un intento de convertir a los nativos al catolicismo. Actualmente, el día de muertos es un homenaje a los seres queridos fallecidos. Se invita a los espíritus a regresar a casa con una fiesta de alegría para volver a sentir a los que han partido. Las familias mexicanas se dispones a visitar los panteones, creando un paisaje pintoresco y colorido, adornado con flores, veladoras, juguetes, comida preferida del difunto y música. Los hogares se adornan con altares para que las almas amadas abandonen el más allá y vaguen unos cuantos días por el mundo, visitando a su familia, su casa y amigos.

The origins of the Day of the Dead in Mexico, can go back to the indigenous people of Mesoamerica, these civilizations celebrated the lives of the ancestors with rituals at least by the last 3,000 years. The ancient festival was celebrated on the ninth month of the Aztec solar calendar, near the beginning of August, and was celebrated for the entire month. The festivities were led by the Mictecacihuatl god, known as the “Lady Death”. The deceased children and relatives were remembered and celebrated. The Spanish conquistadors when reach America in the fifteenth century, horrified by the pagan Indian rituals, changed the date to early November to coincide with Catholic celebrations of the Day of All Saints and All Souls in an attempt to convert the natives to Catholicism. Actually, the Day of the Dead is a tribute to deceased loved ones. The spirits are invited to return home with a feast of joy to feel the ones who have departed. Mexican families visit the pantheons, creating a picturesque and colorful landscape decorated with flowers, candles, toys, and favorite food and music of the deceased. Homes are decorated with altars for the beloved souls which came back from the afterlife for a few days to wander around the world, visiting family, home and friends. Por:Daniela Cruz

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