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PALABRAS DE LA DIRECTORA GENERAL: Contempoart espacio
es
una
cargado
revista
de
que
múltiples
le
brinda
obras
un
artisti-
cas y sus autores. En cada página de esta revista
lleva
consigo
Además res
un
que collage
historias
le de
conmovedoras
brindamos los
a
del
nuestro
diferentes
artistas
arte. lectoexito-
sos que a través del tiempo han dejado su huella
en
el
arte
contemporáneo
a
nivel
mundial.
El equipo que ha trabajado en Contempoart ha hecho un arduo trabajo para brindar lo mejor del arte contemporáneo, con páginas llenas de color, experiencias y un buen contenido que les permita a los lectores ampliar sus conocimientos de cultura general.
- KARLA PENELOPE SIERRA
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CONOCE EL EQUIPO
Directora General Karla Penelope Sierra Director Creativo Carlos Rodriguez Directora de Fotografía Monsserrat Castillo Director de Redacción Miguel A. Jimenez
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ÍNDICE
Arte Contemporaneo........................................................................ Pág.#7 Surrealismo.............................................................................................. Pág.#8 Salvador Dalí............................................................................................ Pág.#9 Cubismo, Pablo Picasso................................................................... Pág.#11 Expresionismo Alemán.................................................................... Pág.#14 Abstraccionismo................................................................................... Pág.#16 Wassily Kandisky ................................................................................. Pág.#17 Piet Mondrian......................................................................................... Pág.#19 Popart, Andy Warhol......................................................................... Pág.#22 Cindy Sherman...................................................................................... Pág.#25 Elsa nuñez................................................................................................. Pág.#26
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ARTE
CONTEMPORANEO - MIGUEL JIMÉNEZ El arte contemporáneo se originó a finales del siglo XIX. Se formó a raíz del arrastre de técnicas diferentes que provenían de dicho siglo, y se considera que el impresionismo y el post impresionismo fueron los conceptos que impulsaron su creación. Se fundamentó desde sus inicios en diferentes movimientos de vanguardia como el cubismo, expresionismo, surrealismo, futurismo y dadaísmo. Estas corrientes tenían como aspecto común la innovación y el darle al arte un espacio diferente al que tenía en épocas antiguas. Ya en el siglo XX, el arte contemporáneo llega a romper esquemas tradicionales e impone nuevas características en la forma de hacer arte. El arte contemporáneo es importante porque nos da la idea de que el arte no está separado de la vida o del mundo en el que vivimos. La práctica del arte contemporáneo se ha convertido en un intercambio entre el artista y el espectador más que una imagen u objeto que esperamos admirar. El arte contemporáneo se convirtió en una prolongación de la vida que busca preguntas, orden y coherencia. Promueve las interrogantes sobre nuestra vida y además trae consigo diversión.
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EL SURREALISMO - KARLA PENELOPE SIERRA El arte surrealista suele ser muy original, incongruente, onírico en el sentido en que los artistas muestran su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal que todos podemos entender. Breton se convirtió en una especie de papa cuando el movimiento estaba ya establecido en los años 30 y con los más extraordinarios artista.
The Lovers Rene Margritte (1928) 8
SALVADOR DALÍ
- KARLA PENELOPE SIERRA
Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España. Fue el segundo hijo de una familia adinerada, así que siempre fue muy consentido y mimado y sus padres le conseguían todos sus caprichos. Descubrió la pintura cuando aún era muy joven y pintó algunos cuadros y pinturas al óleo que impresionaron a quienes los vieron, aconsejándole que estudiara pintura. Así, Dalí se apuntó a unos cursos de dibujo y aprendió muchas técnicas, así como a utilizar muchos tipos de pintura para sus dibujos y sus cuadros. Era muy conocido por sus pinturas extrañas y surrealitas. Además de sus pinturas y sus dibujos, estaba aficionado a hacer grabados en tinta sobre papel. También le gustaban las manualidades y hacía escenas con objetos y dibujos de papel, colocándolos en un espacio también hecho de papel, como si fuera un teatro. Colaboró en varias obras de teatro y en películas de cine diseñando el decorado de las escenas.
Persistencia de la memoria - Salvador Dalí (1931) Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo. La composición se observa el esquema horizontal de la playa y la rama del árbol que se equilibran con la vertical del tronco. Estas línea compensan
estáticas se con esque-
mas y líneas dinámicas como las diagonales de la mesa y sobre todo las curvas de los relojes y de la cabeza. La gama cromática juega con el contraste de colores fríos como los azules, grises con cálidos como marrones, amarillos , anaranjados. La luz divide el cuadro en dos partes el primer plano tiene poca luz , una luz suave que procede de la derecha e incide en las figuras; la zona del fondo está fuertemente iluminada con una luz blanca e irreal que contribuye al efecto profundidad. El efecto profundidad clásico presenta una una perspectiva geométrica y los colores fríos del cielo y del mar que también contribuyen a la creación de espacio. 9
La Metamorfosis de Narciso Salvador Dalí (1931)
En La metamorfosis de Narciso hay repetición de una con- figuración formal que no solamente relaciona dos imágenes, sino que transforma una en la otra. La colocación de las dos figuras principales divide la pintura en dos mitades que se- paran horizontalmente el cuadro y a la vez encontramos dos planos diferentes, según la
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distancia de lo representado respecto del observador, según la profundidad. A la izquierda del óleo aparece un Narciso cuyos contornos se reflejan en el agua, con la cabeza sobre sus rodillas doblándose. Predominan los colores cálidos (amarillo, naranja, rojo, marrón). La figura principal es amarilla, los con- tornos son difusos.
CU BIS MO
- CARLOS RODRIGUEZ
El cubismo fue un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que se caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas como podrían ser triángulos, rectángulos y especialmente cubos. El cubismo tiene como objetivo romper con representación de la perspectiva tradicional y plasmar varios planos de forma simultánea, dando así un nuevo enfoque a la forma de concebir la pintura. La pintura cubista trata de plasmar la diferente perspectiva de una figura, es por eso que las descomponen y la vuelven a ordenar para así mostrar desde distintos ángulos esa misma figura. Se establece como inicio del cubismo el año 1907 con
el cuadro Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso. El cubismo se caracteriza por dar una visión analística de los elementos representados, usan poco la perspectiva y profundidad espacial, utilización de figuras geométrica para descomponer las figuras que se intentan representar, incorporan varios ángulos de un mismo plano y presentan una clara preferencia por las líneas rectas.
mético (1909 - 1912), en esta etapa se da la descomposición de formas en figura geométricas para reordenarlas en planos sucesivos y simultáneos. También elimina el original, las representaciones y tiende a utilizar tonalidades monocromáticas.
3- Cubismo sintético (1912 1914), en esta etapa hay un gran uso de colores y de formas que permiten realzar la parte más significativas de figura, también se utiEl cubismo se di- lizaba el collage de forma vide en tres fases: masiva y se buscaba nuevas sensaciones visuales. 1- Cubismo cezaniano (1907 - 1909), en esta etapa exis- La gama de colores se exte una gran influencia por tiende y no es tan mocomo las obras de Paul cézan- nocromática, ne y se considera con una también las figuras se forma de protocubismo. vuelven menos abstractas y más reconocibles. 2- Cubismo analítico o her11
PABLO PICCASSO - CARLOS RODRIGUEZ
Fue uno de los mayores artistas del siglo XX y una de las figuras más influyentes de la historia del arte, nació en Málaga el 25 de octubre de 1881 con el nombre de Pablo Ruiz. Pablo prefería firmar sus obras con el apellido de su madre, María Picasso. Su padre era profesor de pintura y con él se inició en el arte del dibujo, mostrando un gran talento desde pequeño. Estudio dibujo en el instituto y, más tarde, consiguió ser admitido en la escuela de Bellas Artes de Barcelona resolviendo en un día los ejerci- - Etapa azul: Sus cuadros represenpersonajes poco afortunacios que otros tardaban un mes en terminar. taban dos (ciegos, mendigos, enfermos). A sus 15 años ya tenía un taller y reciEtapa rosa: Sus cuadros rebía encargos de gente muy influyentes. presentaban el mundo del circo (acróbatas, actores, arlequines). Todo esto cambio tras su mudanza a
París donde junto con otro joven pintor, Georges Braque, comenzó a expe- - Etapa Negra: Sus cuadros representarimentar con las formas y a desarrollar ban características del cubismo y una el movimiento pictórico del “cubismo” gran influencia por el arte africano. El resultado de unos de esos experi- Tras haber superado sus fases de comentos fue Las señoritas de Aviñon. lores ya mencionas y haber fundado el cubismo, Picasso exploro otros esPero, el cubismo no es el único esti- tilos artísticos como el neoclasicislo que empleaba Picasso en sus obras, mo, el surrealismo y el expresionismo.
sino que paso a explorar muchos otros. Los estilos de Picasso son tantos esti- Durante su etapa expresionista pinlos que se podrían dividir por etapas: to su cuadro más famoso “El Guernica”. 12
OBRAS PABLO PICASSO Las señoritas de Aviñón Pablo Picasso (1907) El prostíbulo más famoso de la historia del arte. Este cuadro, pintado de un modo nunca visto antes, causó un verdadero terremoto y dio comienzo al estilo cubista, que fue tanto criticado como admirado entre el público.
Guernica es una pequeña ciudad situada al norte de España que sufrió un bombardeo liderado por los alemanes e italianos durante la Guerra Civil Española. Este cuadro mezcla elementos cubistas y expresionistas para representar el horror de la guerra, aunque hay quien dice que El Guernica es un cuadro autobiográfico.
El Guernica Pablo Picasso (1937) 13
EXPRESIONISMO ALEMÁN - CARLOS RODRIGUEZ
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. manifestaba todo sobre Alemania, un fenómeno nacional que reflejo los que se vivía en el imperio a comienzos del siglo XX
Estéticamente el expresionismo alemán se inclina por la búsqueda de la esencia de las cosas, pero específicamente del individuo contemporáneo y se caracterizaba por:
- Mostrar la perspectiva negativa sobre la realidad, los artistas miran con descreimiento y desconfianza las importante era el interior, promesas progresistas de que se intenta representar la modernidad al captar las encontrando su esencia Su primera manifesta- contradicciones de fondo. ción fue en el terreno de - Mostrar la visión crítila pintura, coincidiendo - Concebían al individuo ca, Para los expresionisen el tiempo con la apa- como un ser a la merced tas lo importante reprerición del fauvismo fran- de los acontecimientos, casentar el materialismo cés, hecho que convirtió rente de sustancia propia y dominante en la sociedad a ambos movimientos ar- sometido a la mediocridad. de la época y la vida urbana. tísticos en los primeros exponentes de las llamadas - Mostrar la visión interna, El expresionismo alemán «vanguardias históricas». Para los expresionistas lo integra dos importantes grupos los cuales son: - Die Brücke (El puente): Los artistas de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XX - Der Blaue Reiter (El jinete azul): Los artistas de este grupo tenían una visión del arte en la cual imperaba la libertad creadora, pretendían ser más refinados y espirituales. 14
OBRAS DEL EXPRESIONISMO Blue Horse I Franz Marc (1911) Esta pintura está asociada con el grupo de artistas expresionistas Blauer Reiter como ninguna otra y es casi un testaferro. Franz Marc, quien fundó el grupo con Wassily Kandinsky en 1911, era conocido por pintar animales no en su color de apariencia, sino más bien para determinar su esencia en color. Esta abstracción de motivos comenzó a ser introducida en 1911 en el trabajo de Marc. Esa esencia de color siempre fue azul en los caballos pintados por Marc como un símbolo de espiritualidad y el anhelo de la liberación del mundo terrenal y material. A cambio, pintó sobre un toro rojo, una vaca amarilla o un zorro morado.
Autorretrato como soldado Ludwig Kirchner (1915) El pintor se representa a sí mismo disfrazado de un soldado privado con su mano derecha. Detrás de él emerge un desnudo femenino, que representa el arte. El pintor se siente obligado a mostrarle los hombros, expresando su incomodidad interior, como se sentía en ese período de tiempo, y sofocando a Kirchner pintado de uniforme como soldado durante un permiso debido a trastornos del nervio y la depresión, mutilado de su mano derecha, y sin los ojos para hacer visible el estado de su interior perdido. Más tarde, en 1916 fue dado de alta. 15
ABSTRACCIONISMO - CARLOS RODRÍGUEZ
Es un movimiento artístico que se origina en el siglo XX en el cual prevalece las ideas y los conceptos en detrimento de una representación figurativa de la realidad visible. El arte abstracto es un estilo moderno que se opone al realismo y la fotografía, de esta manera hace uso de la imaginación y la comprensión más allá de la lógica para poder admirar una obra de arte, es decir, El arte debe ir más allá y ofrecer una nueva visión no figurativa de lo que es la realidad. Tiene con enfoque la plasmación de las emociones, de los conceptos y del inconsciente. Este arte se destaca por contener estas características: - Gracias a su enfoque, ayuda y favorece la originalidad y la libertad de los artistas 16
a la hora de realizar una obra y gracias a esto se ha logrado marcar tendencias artísticas diferenciadoras que permiten general un alto impacto visual.
- Deseo social jarse de la
de alerealidad.
El arte abstracto se divide en varios tipos, los cuales son:
- El arte abstracto or- Renuncia totalmente al gánico. Este busca concepto figurativo, rom- plasmar formas org piendo así con la tradición occidental que hasta - El arte abstracto geoméel siglo XIX se basaba en trico. Este se basa en la la representación e imi- racionalización geométación de la naturaleza. trica y matemática de la forma en una obra. - Sus artistas pretenden plasmar lo que no se pue- - El arte abstracto exprede ver a través de los sen- sionista. Este se caracteritidos, es decir, se alejan za por utilizar la exterioridel aspecto externo de la zación de las emociones realidad para plasmar la y sentimiento sin formas impresión que dicha rea- ni objetos de la realidad. lidad le trasmite a ellos. - El arte abstracto lírico. Este - Este arte promueve un se basa en la utilización de espíritu contemplativo, ca- elementos libre sin procepaz de acoger la dimensión sos de racionalización como estética de una obra como la geometría o matemática. un valor autosuficiente.
WASSILY KANDISKY - Monsserrat Castillo
Para muchos, el primer gran representante del arte abstracto es Wassily Kandinsky. El ruso, además, fue un importante teórico del arte y estudió minuciosamente el color y su relación con la psicología, lo que hizo que su legado no se limitara al ámbito artístico sino que abarcó también aspectos esenciales de lo humano. Además de su carrera como artista, Kandinsky hizo estudios sobre folclor popular ruso, la simbología del color, la geometría y la intrínseca relación que existe entre el artista y la espiritualidad, lo cual lo llevó a hablar de la figura del creador como una suerte de profeta. Otra de las disciplinas estudiadas por el ruso fue la música (a la que llamaba “la más grande maestra”). Influenciado por la escatología cristiana, por la obra de Claude Monet, la música de Wagner y la teosofía, Kandinsky fue un artista integral y un pensador que creó conceptos completamente nuevos en el arte. Así, sus trabajos teóricos iluminan no sólo a aquellos que dedican su vida al trabajo creativo sino también a aquellos que buscan senderos apropiados para ejercer su exploración vital. A continuación seis de las lecciones más valiosas, para la vida y el arte, que nos dejo.
Composición VIII Wassily Kandisky (1923) 17
OBRAS- KANDISKY Amarillo, Rojo, Azul Wassily Kandisky (1925) Esta obra de dos metros de ancho fue creada por Wassily KanEsta obra de dos metros de ancho fue creada por Wassily Kandinsky en 1925. Consta de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos mono- cromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y las principales masas coloreadas presentes en el lienzo es solo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no sólo de las formas y co- lores involucrados en la pintura, sino de su relación, su absoluto. y posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Estudio de color con cuadros Wassily Kandisky (1913) Estudio de color con cuadros, también conocido como Farbs- tudie quadrate fue producido por Wassily Kandinsky en 1913. Este, aplicó lavados de acuarela en anillos concéntricos permi- tiéndoles fluir entre sí en sus bordes, realizados como ejercicios prácticos para explorar más profundamente la relación entre color y forma. Según el artista, todos los colores pueden ejercer un doble efecto. El primero es un simple impacto físico en los ojos del espectador similar a las sensaciones agradables; el se- gundo efecto es mucho más profundo, espiritual: esto es lo que Kandinsky llamó “vibración del alma”. 18
PIET MONDRIAN - MIGUEL JIMÉNEZ
Piet Mondrian fue un pintor que fue un importante líder en el desarrollo del arte abstracto moderno y un principal exponente del movimiento de arte abstracto holandés conocido como De Stijl (“El estilo”). En sus pinturas maduras, Mon-drian utilizó las combinaciones más simples de líneas rectas, ángulos rectos, colores primarios y negro, blanco y gris. Las obras resultantes poseen una pu- reza formal extrema que encarna la creencia espiritual del artista en un cosmos armonioso. Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento. Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos, grises, tierras, tonos oscuros... Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que le descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos, pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción.
NEW YORK CITY I Piet Mondrian (1942) New York City I , o más bien la serie de obras reunidas posterior- mente bajo el título New York City, marca el inicio de una nueva etapa en la obra de Mondrian. Las líneas negras han desaparecido junto con los rectángulos de color primario, que desde la Compo- sición: Planos de color con contornos grises de 1918 habían forma- do una totalidad plana sólida con las líneas y el blanco que ante- riormente había sido el fondo. En cambio, las líneas en los colores primarios, amarillo, pero también rojo y azul, atraviesan el lienzo cuadrado, entrelazándose entre sí.
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OBRAS- MONDRIAN
COMPOSICIÓN
II
EN ROJO, AZUL Y AMARILLO
Piet Mondrian (1929)
Hacia 1930 el arte de Mondrian alcanzó un punto álgido de pureza y sobriedad, para lo cual se habían preparado las bases en las pin- turas de los años anteriores, la composición de 1929 , por ejemplo. En realidad, la Composición II en rojo, azul y amarillo, 1930 es una variación de la imagen del año anterior, al menos en lo que respecta al marco lineal. Pero precisamente por eso, las sutiles diferencias en la obra, como la subdivisión 20
de la franja izquierda del cuadro en tres rectángulos desiguales, uno de los cuales es el cuadrado azul, son aún más notables. Muestran que en Mondrian nunca se puede cuestionar un patrón preconcebido para una composición, sino que cada obra surge de una asociación cuidadosa y minuciosa con los elementos de la pintura, que deben resolverse de nuevo en cada obra.
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POP ART - KARLA PENELOPE SIERRA
El pop art o arte pop es un increíble movimiento emocionante, lleno de colores y vibrante que surge en Reino Unido y los Estados Unidos en la década de 1950. Cuando este arte surgió se convirtió en un estilo radical e impactante creando un gran contraste con el estilo expresionista abstracto. Luego de 70 años este estilo sigue siendo muy popular y se ha convertido en uno de los movimientos más influyente del siglo XX. Los artistas que trabajaron con este estilo
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cambiaron la percepción de lo que es el arte. Fueron rompiendo barreras entre el llamado arte superior y el arte comercial o arte bajo, que ya era visto en la cultura popular. El cine, los cómics, la publicidad, el empaque de productos y otros diseños fueron la base principal de su inspiración. El arte pop rechaza a noción de unicidad y esto es lo que lo hace un arte único. Los artistas no intentaron ser únicos, sino que adoptaron la producción en masa y elementos de la cultura popular.
AN DY WA RH OL
- KARLA PENELOPE SIERRA
Después de más de 20 años de la muerte de este gran artista, Andy sigue siendo una de las figuras más influyentes del arte la cultura contemporánea.
ta es mucho más profundo y mayor que su única observación profética de que todo el mundo será mundialmente famoso durante quince minutos.
Warhol era un experto en redes sociales (analógicas) lo cuál aprovechó su fama, una conexión a la vez, para el estado de una marca reconocida mundialmente.
Por el estilo de vida y el trabajo de Warhol hace que otros pensadores creativos del mundo se inspiren, por sus imágenes perdurables y su celebridad artísticamente cultivada. Su impacto como artis-
Su curiosidad omnívora dio como resultado un enorme cuerpo de trabajo que abarcó todos los medios disponibles y lo más importante contribuyó al colapso de las fronteras entre la alta y la baja cultura.
Décadas antes de la dependencia generalizada de los dispositivos de medios portátiles, documentó sus actividades diarias e interacciones en su grabadora de audio de viaje y su querida cámara Minox 35EL.
Elvis I & II Andy Warhol - (1963) 23
OBRAS Campbell’s Soup Cans Andy Warhol (1962) El artista se apropió de imágenes familiares de la cultura de consumo y los medios de comunicación, entre ellas fotografías de noticias de celebridades y tabloides, tiras cómicas y en este trabajo la sopa enlatada hecha por Campbells Soup Company. Cuando exhibió por primera vez
las latas de sopa Campberll´s en 1962. Los lienzos se exhibían junto a los estantes como productos en un pasillo de comestibles. En ese momento Campbells vendió 32 variedades de de sopa, cada uno de los 32 lienzos de Warhol corresponden a un sabor diferente.
Díptico de Marilyn Andy Warhol (1962) Marilyn Monroe murió en agosto de 1962. En los siguientes 4 meses Warhol hizo más de 20 pinturas en serigrafía de ella, todas basadas en la misma fotografía publicitaria de la película de 1953 ¨Niagara¨ Este encontró en Monroe una fusión de dos de sus temas consistentes: la muerte y el culto de la celebridad. Al repartir la imagen, evoca su omnipresente presencia en los medios. El contraste de colores vivos con blanco y negro y el efecto de desvanecimiento en el panel de derecho sugieren la mortalidad de la estrella. Esta pieza fue uno de sus grandes aciertos, encontró en la serigrafía fotográfica la técnica con la que sería reconocido en el mundo. 24
CINDY SHERMAN - Monsserrat Castillo
Con una carrera que abarca más de 40 años, Cindy Sherman es considerada una de las fotógrafas más exitosas de la actualidad. Sherman se usa a sí misma como modelo principal, pero sus imágenes no se consideran autorretratos normales. Cada foto es una representación cuidadosa de un personaje, tema o situación. Esto significa que Sherman no solo posa como protagonista de sus imágenes, sino que también asume el papel de maquilladora, estilista, directora de arte y, por supuesto, fotógrafa. Bajo diferentes disfraces, Sherman asume la identidad de los estereotipos que han aparecido en el arte y los medios a lo largo de la historia. La artista desmantela las ideas preconcebidas y pone los reflectores sobre estos encasillamientos, revelando las narrativas siniestras o humorísticas detrás de ellos. Sigue leyendo para descubrir seis temas diferentes que Sherman ha explorado con sus fotografías.
Untitled #96 - Cindy Sherman (1981) 25
EL SA NU ÑEZ - Monsserrat Castillo
Elsa Núñez, artista magistral con una imagen tan poderosa como sensible, es y ha sido reverenciada por una multitud de admiradores. Su pasión por la pintura empezó con apenas 5 años garabateando las paredes, por lo que su padre decidió comprarle los materiales para alejarla de los espacios del hogar.
nica que la identifica, aunque a veces usa pan de oro y ha introducido el collage en algunas de sus obras.
abstracción con lo figurativo, poniendo especial énfasis en imágenes de corte expresionista.
El arte de Elsa ha tenido varias vertientes, iniciándose con una pintura monocromática; después de su viaje a España se aleja de la oscuridad e incluye la luz, pasando luego a ser más figurativa y abstracta.
Ha sido reconocida muchas veces, recibiendo el premio a la Excelencia Profesional, otorgado por el Gobierno de la República y recientemente la Cámara de Diputados le confirió el título de “Gloria de la Pintura Nacional.
En sus inicios trabajaba con En la actualidad, esta desóleo, pero debido a una tacada pintora de la plásalergia la acrílica es la téc- tica nacional combina la 26
OBRAS Concierto sobre el Cesped Elsa Nuñez (1985) La exposición “Alma adentro”, de la consagrada artista dominicana Elsa Núñez, está en el Centro León para el disfrute de los amantes del arte. Elsa Núñez, artista magistral con una imagen tan poderosa como sensible, es y ha sido reverenciada por una multitud de admiradores. Entre ellos, Francisco Comarazamy, periodista de élite, dedicaba a Elsa un elogio memorable: “Esta sensitiva artista maneja la visión y el espíritu, para que la pintura sea una ilusión grata a los ojos y el alma, una pintura mensajera como el ritual de una homilía”.
Transmutación Elsa Nuñez (2009) En la obra se muestra una figura femenina desde la cintura. Su aspecto y la expresión de su rostro nos revelan un especial estado anímico interior, cargado de espiritualidad y que conecta al personaje con el poder femenino de los seres mitológicos. Una leve sonrisa se insinúa en su rostro, y sus ojos cerrados nos sugieren un sueño cálido, reforzado todo ello por la composición y los valores cromáticos. La imagen produce una sensación al mismo tiempo íntima y poderosa.
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