Milagros d. Blanco S. Febrero, 2017
Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas.
Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo. De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma conciencia, el movimiento renacentista se opuso al arte contemporáneo del norte de Europa.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba elementos de la cultura clásica.
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El renacimiento se caracteriza por:
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La aportación de una visión unitaria en la obra de arte.
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La emulación del clásico grecorromano
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La búsqueda de un nuevo lenguaje que refleje las nuevas inquietudes.
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Se busca la Belleza en la naturaleza, en el hombre y en sus creaciones.
En la arquitectura, se intenta crear un espacio interior que el espectador puede abarcar de un solo vistazo. Esto se logra bajando la atura de los techos, subrayando las líneas de perspectiva que dirigen la mirada hacia el fondo.
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El retorno a la medida humana: el hombre renacentista, que conoce a los clásicos y protagoniza los avances científicos.
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A pesar de su carácter secular, el Renacimiento no supone una ruptura con la religión cristiana ni con la Iglesia sino que las incluye en su visión del mundo.
arte
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Italia: Al iniciarse el siglo XV la Península Italiana apareció dividida en una serie de Estados entre los que se destacaban Venencia, Florencia, Milán, Nápoles y el estado Pontificio.
Dicho proceso de renovación artística, intensificado y acelerado a lo largo del siglo XV, constituye el periodo que se denomina Renacimiento, considerado como el punto de partida del mundo moderno. Tal concepto deriva del pintor e historiador Giorgio Vasari, dicho autor parte de la idea del Renacimiento como una cima inalcanzable, opinión que ha permanecido a lo largo del tiempo, hasta el punto de seguirse valorando como uno de los momentos culminantes de la civilización occidental.
Tal fragmentación política era aprovechada por las grandes potencias europeas, que mediante una serie de campañas militares trataban de imponer sus pretensiones. Italia vive con ello graves convulsiones, lo cual no impidió una creciente conciencia cultural de sus habitantes. Desde mediados del siglo anterior se asiste a una recuperación del legado de la antigüedad y a una nueva visión de la naturaleza, que se consideran los únicos caminos para devolver el arte el nivel que poseía antes de la Edad Media.
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Siguiendo la costumbre italiana de designar a los siglos con números correspondientes a las centenas, se ha generalizado la denominación de Quattrocento coincidente con el siglo XV. Se emplea el termino Cinquecento para referirse al momento de plena operatividad que viene a coincidir con el siglo XVI.
Con ello no se buscaba una servil copia de las creaciones de la antigüedad, sino que se pretendía desentrañar y apropiarse de las leyes en que se basaban. Se trataba no solo de imitar a los maestros antiguos, sino también de superarlos. Para culminar tal proceso se contaba con el apoyo de la ciencia, especialmente de las matemáticas, decisivas a la hora de fundamentar de manera racional el ideal de belleza.
La vuelta la legado de la Antigüedad, para lo que resulto decisivo el estudio de las ruinas clásicas, se manifestó en el resurgimiento de las antiguas formas arquitectónicas, en el uso de motivos ornamentales antiguos, en la recuperación de la mitología y la utilización de elementos simbólicos del mundo grecorromano.
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Frente a la verticalidad propia de las catedrales góticas (símbolo del intento de unión del hombre con Dios), en el Renacimiento será la tendente horizontal la gran protagonista, junto con la perspectiva, que concreta la mirada en un punto de fuga, y la proporcionalidad entre las partes.
Periodo de Quattrocento: Se denomina Quattrocento al periodo del arte italiano correspondiente al siglo XV comprendido dentro de la corriente renacentista, encontrándose de esta manera también la aplicación de las denominaciones del Primer Renacimiento o Bajo Renacimiento para la designación de dicho momento.
Además, se plantean ahora planes centrales en la construcción, no sólo por la influencia de la herencia clásica sino también porque son mucho más adecuados a la "medida" de la percepción humana que los longitudinales. Los espacios interiores se diseñan para que el hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista, rompiendo con la tradición fragmentaria y secuencial de la Edad Media
Arquitectura del Quattrocento:
El retorno a las formas clásicas características del arte renacentista se dejará sentir en la arquitectura del momento en toda la serie de motivos decorativos provenientes de la Antigüedad, tales como guirnaldas, capiteles corintios, grutescos…
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Éstos van a ser unitarios, ligeros y diáfanos, además de que, en la búsqueda de la coherencia estructural, se recurrirá al uso de las matemáticas a la hora de proyectar el edificio.
Principales arquitectos momento van a ser:
Junto con esto, la aparición de una clase media profana con influencia y dinero va a favorecer el desarrollo de la arquitectura civil, dando como resultado la realización de bellos ejemplos de palacio, desligándose así la casi totalidad de la arquitectura del poder religioso.
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Filippo Brunelleschi (artífice de la audaz y grandiosa cúpula de la Catedral de Florencia, la Capilla Pazzi o el famosísimo Palacio Pitti),
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Michelozzo (autor del Palacio Médicis-Riccardi).
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Leo Battista Alberti
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Giuliano da Sangallo.
Filippo Brunelleschi
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Escultura del Quattrocento:
Grandes artistas que trabajarán la escultura serán:
La aparición de las formas renacentistas se habría insinuado mucho antes en la escultura que en la arquitectura, quizá debido a la influencia de ciertos modelos clásicos procedentes de la estatuaria funeraria o a la menor consideración que, frente a la arquitectura, este arte suele llevar consigo normalmente (hecho que posibilita que el cambio sea más fácil). El interés por la representación de la naturaleza y el desprendimiento de una consideración absoluta de tipo simbólico, las composiciones siguen la pauta de la búsqueda de la profundidad por medio del uso de la perspectiva y la plasmación de los tipos humanos responde a una individualización y exactitud mucho más naturalista que la medieval.
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Lorenzo Ghiberti (Puertas del Baptisterio de Florencia)
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Donatello (San Jorge, el David y la estatua ecuestre del Gattamelata)
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Miguel Ángel (Jacopo Della Quercia, Lucca Della Robbia y la Cantoría de la Catedral de Florencia asimismo)
Pintura del Quattrocento:
Estos artistas se diferenciaron del gótico precedente al colocar las figuras en espacios arquitectónicos que procuran representar con la debida perspectiva. El centro de atención es la figura humana, generalmente idealizada, estudiada en diversas posturas y movimientos.
. La pintura del Quattrocento se desarrolló, como su nombre indica, en la Italia del siglo XV. Sus características principales son, junto a la evocación de lo antiguo, la observación de la naturaleza de manera que se pueda reflejar fielmente en la pintura. El dominio de la perspectiva hace que se supere la bidimensionalidad de la superficie pictórica. La técnica predominante sigue siendo el mural, tanto en capillas, conventos e iglesias como en los palacios., se pinta sobre tabla e incluso sobre determinados muebles, como arcones o los cassone de bodas, muy populares en el Renacimiento italiano Siguen siendo predominantes los temas religiosos, aunque los mecenas privados comienzan a encargar otros asuntos, como la Mitología o las escenas históricas.
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Frente a la verticalidad propia de las catedrales góticas (símbolo del intento de unión del hombre con Dios), en el Renacimiento será la tendente horizontal la gran protagonista, junto con la perspectiva, que concreta la mirada en un punto de fuga, y la proporcionalidad entre las partes.
Periodo de Cinquecento: Si Florencia había sido la ciudad del Quattrocento italiano, Roma será la del Cinquecento; a lo largo del s.XVI la capital artística de Italia va a "trasladarse" a Roma, principalmente por la enorme influencia del Papado, el cual se convertirá en gran protector de los artistas y contratante de obras.
Además, se plantean ahora planes centrales en la construcción, no sólo por la influencia de la herencia clásica sino también porque son mucho más adecuados a la "medida" de la percepción humana que los longitudinales.
Arquitectura del Cinquecento: Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son características principales de las edificaciones, donde se emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la conjugación de las formas y el manejo de la luz.
Los espacios interiores se diseñan para que el hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista, rompiendo con la tradición fragmentaria y secuencial de la Edad Media
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España: El Renacimiento llegará a España como fruto de las intensas relaciones existentes con Italia. El reino de Nápoles perteneció a la Corona de Aragón desde la primera mitad del siglo XV. Los Reyes Católicos, en su política exterior, intervinieron frecuentemente en Italia (campañas del Gran Capitán) y lo mismo hicieron Carlos I y Felipe II.
El Renacimiento en España se caracteriza por la poca influencia clasicista, al contrario que en Italia; estuvo mediatizado por la tradición gótica y el mecenazgo de la Iglesia que impidió una visión más humanista. En la primera mitad del siglo este nuevo estilo tuvo que luchar contra el gótico y el mudéjar que se resistían a desaparecer. Tanto es así que, al principio, en muchas construcciones conviven estructuras góticas con decoración renacentista. Según vaya avanzando el siglo dejará paso a un clasicismo más acorde con las modas del momento.
Muchos artistas italianos son contratados en España y no faltan españoles que han estado en la vecina península.
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Arquitectura
Durante el plateresco se logra un tipo de arquitectura doméstica bien definida. La ornamentación plateresca se caracteriza por su expresividad.
Durante el renacimiento aun existía el auge extraordinario del gótico final donde su riqueza decorativa sirve bien a la monarquía poderosa; mientras que el arte mudéjar consigue edificios cómodos, ricos y baratos con los materiales y las técnicas tradicionales del ladrillo, el yeso y la madera.
No se concentra, como en Italia, en determinados lugares, sino que llega a cubrir amplios espacios, enmascarando las estructuras del edificio. Durante el primer periodo, la decoración es más plana, más menuda, menos movida y los temas animales y humanos menos frecuentes.:
El reflejo español de la arquitectura del Quattrocento es el plateresco. Más tarde llega la influencia de Bramante que tendrá su reflejo en el estilo herreriano.
Con posterioridad, esa decoración aumenta en escala y en relieve y se nos muestra con un mayor dramatismo. Son frecuentes los muros almohadillados, pilastras, frisos y otros lugares recubiertos de rica decoración de grutescos y arcos de medio punto, aunque también se usan los carpaneles de tradición gótica.
La arquitectura civil (casas o palacios señoriales, hospitales, colegios, ayuntamientos, universidades, etc.) tuvo tanta importancia como la religiosa (catedrales, capillas, claustros conventuales, etc.).
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Escultura
Se combinó el antiguo estilo gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos
Desde el principio la influencia de la iglesia hizo que el tema del desnudo en el arte, que se había impuesto en Italia, no tuviera éxito en España donde la escultura se dirigió principalmente hacia temas funerarios o religiosos.
La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnaldas de frutos y follajes, volutas, medallones y rutescos.
La temática era en su mayor parte religiosa, heredera de la imaginería gótica pero con una mayor expresión y conocimiento anatómico del cuerpo humano Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza.
El mármol y el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes.
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Pintura:
Los clientes de los artistas, debido a la casi inexistencia de burguesía ciudadana, son la nobleza terrateniente, la Iglesia y la Monarquía.
Hasta el siglo XVI la pintura no se asimila plenamente el nuevo lenguaje, que convive con el gótico-flamenco.
La aristocracia española, gran admiradora de las cortes italianas, adopta el nuevo arte porque su modernidad aumenta su prestigio, no por valorar los ideales renacentistas. Una minoría humanista va creando lentamente un clima más receptivo a lo largo del XVI.
La lenta difusión de las formas renacentistas se realiza por distintos medios: importación de pinturas y grabados de Italia, presencia de pintores italianos en España y viaje de artistas españoles a Italia. Esto explica la heterogeneidad de planteamientos.
Los reyes Carlos V y Felipe II impulsan el desarrollo de programas artísticos clasicistas como expresión de su poder.
El artista español carece de la formación intelectual que demanda la nueva cultura humanística y sigue teniendo consideración de artesano. A mediados de siglo contamos ya con artistas, formados en Italia, que desarrollan un lenguaje propio incorporando los aspectos más renovadores de los grandes maestros.
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Francia: Fue uno de los países que más rápido adoptó la influencia italiana con las características de lo que hoy conocemos Renacimiento, esta influencia se vio favorecida por la cercanía geográfica, los vínculos comerciales y la monarquía, la cual quería a toda costa adicionar los territorios limítrofes de la península italiana consiguiéndolo en algunos momentos.
Al igual que el italiano, el Renacimiento francés se caracterizó por el triunfo del humanismo (alegría de vivir, confianza en el ser humano, inquietud y gusto por el saber con un espíritu de libre pensamiento). Su antropocentrismo cuestionó el teocentrismo medieval y busca nuevas formas de vida y civilización, utilizando las posibilidades del desarrollo económico, social y tecnológico.
Si bien esto fue los primeros años de esta influencia durante el reinado de Francisco I se impulsó la adopción de las formas renacentistas, se estima que esto terminó de tomar forma por los años de 15151547, es que este rey era un fanático de las artes que en Italia estaban un gran apogeo siendo un aficionado de todo lo que provenía de estas tierras.
Todo lo "nuevo" pretendía encontrar su fundamento en lo "antiguo", en la antigüedad clásica grecorromana que se quería hacer "renacer" de su olvido medieval, cuando en realidad dependía de lo que la propia cultura medieval había preservado desde su "oscuro" inicio..
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Los palacios-castillo, “les châteaux”, constituyen las edificaciones más interesantes de la arquitectura del Renacimiento en Francia por su peculiaridad. Se trata, pues, de un arte eminentemente civil y cortesano.
Arquitectura: La arquitectura francesa del Renacimiento presenta ciertos paralelismos con la española tanto debido a la misma forma de acceso y penetración del nuevo estilo como por mostrarse eminentemente decorativa en sus inicios y presentar ciertas características propias heredadas de la Baja Edad Media.
Las obras religiosas casi se redujeron en la práctica a una serie de intervenciones en templos ya existentes con el empleo de un nuevo lenguaje en boga en los Estados italianos.
Además, la arquitectura francesa de finales del siglo XV y principios del XVI asumió una actitud híbrida, pues a unas estructuras arquitectónicas que siguieron preferentemente góticas, a lo “moderno”, se aplicaría una decoración a lo romano.
Además, el mecenazgo artístico fue desempeñado por la realeza o la aristocracia más culta..
Por tanto, la arquitectura francesa del siglo XVI fluctuará entre la tradición gótica, el clasicismo y un cierto experimentalismo, pues no se trataba de copiar servilmente lo italiano.
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Los palacios renacentistas franceses muestran ya un claro sentido pictórico muy manierista en el diseño de sus fachadas, donde se juega con el empleo de los órdenes arquitectónicos, a veces superpuestos al modo romano, entre series de arcos redondeados, que suelen formar logias o galerías.
Obras: - Château de Bury, Château de Chenonceau y Château de Azayle-Rideau - Château de Villandry - Château de Blois - Château de Chambord - Château de Fontainebleau Arquitectos: - Pierre Lescot - Jean Bullant - Philibert de l’Orm
La historiografía del arte suele diferenciar varias etapas en el arte renacentista francés. La primera fase se desarrolla entre 1494 y 1525 y es la época de la penetración de la influencia del renacimiento italiano en Francia, cuando lo decorativo se superpone a estructuras todavía góticas. La segunda etapa, el “primer periodo clásico”, tiene lugar entre 1525 y 1559, y en ella la arquitectura francesa va asumiendo poco a poco diversas influencias teóricas de procedencia italiana. La última fase se desarrolla entre 1559 y 1589 y en ella destaca la actividad teórica y práctica llevada a cabo.
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Escultura:
De este tipo son dos obras realizadas por Ligier Richier con policromía en blanco, negro y gris: el Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado tiende un corazón hacia el cielo; y el demacrado cuerpo yacente de Felipa de Güeldres en la Iglesia des Cordeliers de Nancy.
Hacia 1460 se estableció en Provenza el escultor Francesco Laurana, al que se considera el introductor del Renacimiento en Francia, que trabajó sobre todo en la parte sur del país. Una de sus esculturas más conocidas es el sepulcro de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans.
En el siglo XV, en Tours, donde ofrece un estado de transición entre la Edad Media y el propio Renacimiento.
Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de esta época es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura del yacente es tratada con gran realismo.
Para el siglo XVI aparece ya la escultura renacentista, en la que, puede decirse, comenzó a surgir la espiritualidad de Francia, DianaCazadora, de Juan Goujon, que se conserva en el Museo del Louvre, es una buena muestra de ello.
Se representa el difunto como cadáver o incluso en esqueleto; en el momento de la transición, como es el caso del de Juana de Borbón en el Louvre.
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Pintura:
De este modo, la verdadera influencia italiana se produjo cuando Francisco I y luego Enrique II organizaron grandiosos trabajos de decoración en el castillo de Fontainebleau.
La pintura francesa del Renacimiento se italianizó aún más lentamente que la arquitectura y la escultura; en realidad, sólo puede citarse un pintor francés de esta época que fuera con provecho a Italia, realizando un largo viaje (14451448) todavía en pleno siglo XV.
En 1530 llegó el florentino Rosso y dos años más tarde el boloñés Primaticcio. Ambos agruparon en torno a sí a gran número de pintores franceses que formaron con ellos la que se ha llamado escuela de Fontainebleau. Así se convirtió en uno de los focos principales del renancimiento europeo, con la línea grácil y alargada de sus figuras femeninas y con una fantasía intelectualizada muy francesa que selecciona voluptuosos temas mitológicos para representarlos con un sensualismo tan sutil que acaso puede calificarse de frígido.
Estudió con el Filarete en Roma y se nombró a sí mismo:" el buen pintor del rey Luis XI, Jean Fouquet". Se dedicó aún a la iluminación de manuscritos (el Josefo de Jacques d'Armagnac, el libro de horas de Etienne Chevalier y el Boccaccio de Munich), pero pintaba también retratos al óleo siguiendo la técnica que había visto en los grandes pintores flamencos.
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. La influencia italiana fue relativamente escasa y hay que esperar hasta la segunda mitad del siglo XVI para que el vocabulario italiano (órdenes clásicos, volutas, hornacinas, etc), aparezca con cierta frecuencia, aunque sea en edificaciones de carácter gótico. El Renacimiento, comienza en Alemania en la segunda mitad del siglo XV y se prolonga en el siglo XVI.
Alemania: Nota: (El término Alemania no responde al territorio actual, durante el siglo XVI era un mosaico de Estados diferentes relacionados entre sí por el concepto de Sacro Imperio Romano Germano, que comprendía también Austria y Bohemia). El Renacimiento alemán es parte del Renacimiento que se produjo en los Países Bajos hacia los siglos XV y XVI. Pero, debemos tener en cuenta que en Alemania, a diferencia de la pintura y la escultura, la arquitectura tuvo un lento desarrollo en el siglo XVI.
El Renacimiento alemán, que asumió un matiz romántico e inconformista, fomentó la idea de renovación en la vida religiosa y al mismo tiempo recibió y llegaría a rechazar los grandes ideales renacentistas italianos. El gótico persistió en Alemania, pero acusó la presencia de ciertas contaminaciones llegadas desde diferentes lugares.
La Reforma protestante impidió el avance de la arquitectura religiosa y la falta de un poder político central, la aparición de una arquitectura regia.
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Se empleaba por tanto la expresión “manierista” con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico.
Es decir, se ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores intrínsecos propios.
En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia.
Sino que además hay que extenderlo a otras manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música.
Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba.
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Pintura 1. Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas.
Escultura 1. Tendencia a monumentalidad. 2.
Los escultores dan dinamismo a sus obras a través de las líneas curvas y las formas serpenteantes.
2.
3.
Canon más alargado figuras retorcidas.
4.
Interés por el hombre y el cuerpo humano. Naturalismo y antropocentrismo.
3.
Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. objetos representados. Los artistas deforman sus composiciones por diversos ejes, generalmente diagonales.
Arquitectura 1. Monumentalidad. 2.
Tensión y abstracción en las formas en contraposición con los cánones clásicos.
3.
Obras más decorativas.
4.
Los elementos arquitectónicos son utilizados de forma arbitraria.
pláticas
y
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la
y
Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.
El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso. El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos.
El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase.
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma.
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Arquitectura:
Escultura
En el barroco sobresalen la arquitectura barroca, donde se encuentra el dinamismo y la búsqueda del movimiento, y la excesiva ornamentación en las fachadas, puertas y ventanas, así como el uso de columnas salomónicas y ofídicas.
La escultura del periodo barroco se distinguía por la tendencia al movimiento y la naturalidad, desligándose del arte escultórico renacentista, en donde se buscaban poses idealizadas en las esculturas. En el barroco las esculturas evidencian la expresividad que el escultor quiere plasmar en ellas, exponiendo emociones como tristeza, amor, alegría, o enojo, de manera que quede patente la acción que realiza el personaje esculpido, ya sea este personaje real o imaginario.
Mediante ese tipo de elementos arquitectónicos, se buscaba dar la impresión de movimiento en las construcciones, e imprimirles “vida”, contrastando con el clasicismo renacentista. Llevándose acabo por medio de líneas curvas, cóncavas, convexas, y rectas alabeadas en las fachadas y los ventanales, logrando el efecto de un aparente movimiento. Además de elementos contrastantes de rectas y curvas, con las que se les daban perspectivas a los edificios, así como la utilización de relieves y bajorrelieves, con los cuales se enfatiza el claroobscuro.
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Pintura: La pintura sobresalió por los efectos luminosos, como contrastes de luz y sombras, llegando al los extremos de pinturas llenas de luz, y obras en donde se resaltaba el claroobscuro llegando a límite opuesto, al cual se le denominó tenebrismo. Otro aspecto de la pintura barroca, es el dinamismo en los personajes, a los que se les daba una expresión de movimiento, en donde se captaba el instante dramático, captando expresiones como alegría, tristeza o euforia. Así mismo se sucedió el detrimento de la simetría clasicista, en favor de la idealización en los personajes pintados, y una mayor expresividad de las emociones de los mismos, y la acumulación de motivos ornamentales junto a los personajes.
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Se conoce como Neoclasicismo a la corriente literaria y artística predominante en Europa durante el siglo XVIII y que se proponía como principal objetivo restaurar el gusto y las normas propuestas por el Clasicismo.
Mientras duró, la Arquitectura Neoclásica se propuso la realización de construcciones que contribuyan a la mejora de la calidad de vida de los hombres, tales como las bibliotecas, museos, hospitales, parques, teatros, entre otros.
Entonces con el claro deseo de recuperar aquel pasado se empezaron a desarrollar diferentes expediciones que justamente se proponían conocer las obras antiguas en el lugar en el que habían sido pergeñadas.
Muchas obras conservaron el carácter monumental aunque la base siempre era la lógica. Modelos de edificios como los de Egipto, Asia Menor, Roma y Grecia se transforman en únicos referentes, todos los arquitectos de la época los emplearán.
Así viajeros, artistas, críticos y eruditos viajaban a los grandes centros culturales de la antigüedad para recuperar la historia e ilustrarse más y más sobre ella.
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• Función moral y didáctica pero también de agradar y conmover al público.
Características: • Verosimilidad, todo lo sucedidos debían de ser posibles, por lo que se omitía no solo lo insólito y anormal, sino también lo cotidiano.
• El arte de ser una síntesis totalitaria entre lo bello y lo útil. • La norma y el orden se hicieron indispensables para la creación literaria.
• Imitación de la naturaleza humana: Solamente del lado bueno ya que la literatura tenía una función moral.
• La creación literaria se transformó en manera supuestamente sencillas y naturales.
• Decoro interno, equivalente a la unidad del tono, los personajes debían permanecer inconmovibles y comportarse de la misma manera de principio a fin.
• Los principales principios son la imitación, la simetría, la frialdad y la rigidez
• Decoro externo, que es respetar las leyes morales de la sociedad.
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En Inglaterra el gótico pintoresco se convertirá en neogótico coincidiendo con la difusión de un discurso religioso que lo convertirá en modelo arquitectónico indiscutible.
El neogótico apareció en Inglaterra a mediados del siglo XVIII. En el siglo XIX la Europa continental vivió una auténtica fiebre neogótica que restauró y completó catedrales, como la de Barcelona.
Generaba una preocupación en la burguesía que encontró la complicidad de la Iglesia Anglicana para lanzar una campaña de recristianización de la sociedad: se plantea un retorno al primitivo cristianismo y la arquitectura gótica era para ellos el paradigma del edificio religiosos donde el culto primitivo recuperado hallará su espacio de representación idóneo. Su ideal era la recuperación de la sociedad medieval cristiana, con una posición añorante que rechazaba al clasicismo por su significado pagano.
En 1836 se construiría en este estilo el Parlamento de Londres. Se sueña a partir de ese momento (siglo XIX) con un renacimiento del arte medieval, llenándose de nuevo al contenido término "neogótico", que empieza a distinguirse y separarse claramente del románico. En el siglo XIX, el entusiasmo romántico por lo medieval y el historicismo, lleva a cabo amplias restauraciones de edificios medievales, llegando a establecer el estilo neogótico.
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Entre las obras más representativas del Neogótico a nivel mundial se pueden indicar:
Características: El Neogótico busca los valores despreciados por los clasicistas: la complejidad, la novedad, la irregularidad, etc. y como corresponde a las características de esta época, tendrá unas connotaciones nacionales en cada país, y partiendo de una primera etapa pintoresca y exótica.
•El Castillo de Neuschwanstein, en Baviera, Alemania. • Abadía Bélgica.
de
Maredsous
en
• La Iglesia Votiva, en Viena. • La Basílica del Voto Nacional, en Quito, Ecuador.
Donde se perfecciona poco a poco con los estudios y trabajos realizados en su contexto (que serán de suma importancia para la historia de la arquitectura), muy relacionados también con la urgente necesidad de restaurar todo tipo de edificios medievales existentes, que ahora venían a ser poco menos que la esencia de la nación.
• Las iglesias de Lourdes y de Nuestra Señora de Chiquinquirá, en Bogotá, Colombia.
La Basílica del Voto Nacional, en Quito, Ecuador
La Iglesia Votiva
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Su particularidad se basa en la posibilidad de escoger la opción que mejor se adapte a los fines de la obra, pudiéndose mezclar distintos estilos a la vez sin aparentes problemas de coherencia estilística. Y no olvida que en la vuelta a los estilos tradicionales está presente la necesidad de crear algo nuevo y moderno, por lo que aprovecha también las técnicas de la arquitectura industrial y del acero.
El exótico aparece hacia la segunda mitad del siglo XIX como consecuencia del declive al que se llega con el clasicismo impuesto por la Academia a través del Neoclasicismo; imposición que limitaba la libertad del arquitecto a una serie de normas ahora desfasadas. El exótico toma sus raíces de la arquitectura historicista, pero tratando de crear un estilo nuevo, capaz de romper los rígidos esquemas académicos y permitir mayor creatividad y libertad de composición. Surge así la arquitectura exótica, que aún el conocimiento de la historia del arte con la ciencia y la técnica del momento, y permite utilizar cualquier elemento de composición conocido, con frecuencia sometido a una depuración actualizadora
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Entre las obras más representativas del Exótico a nivel mundial se pueden indicar:
Características: La arquitectura exótica, toma sus raíces en la arquitectura historicista. Si la arquitectura historicista se dedicaba más a imitar las corrientes de la antigüedad (como la grecorromana) y no a incorporarles características de otras culturas o arquitecturas, la arquitectura ecléctica se dedica principalmente a la combinación de corrientes arquitectónicas. Así, su característica principal es la de combinar dos o más estilos arquitectónicos en una nueva estructura, que a su vez, resulte algo nuevo, con características de las corrientes que toma, pero con otras nuevas.
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Pabellón Real de Brighton, en Inglaterra.
•
Palacio Vorontsovsky, en Alupka, Ucrania.
Pabellón Real de Brighton
El término se aplica también de forma libre a la variedad de estilos surgida en el siglo XIX luego del auge neoclásico. De todas formas este período pasó a denominarse como "historicista" con el paso del tiempo
Palacio Vorontsovsky
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Historia II