MondoSonoro noviembre 2018

Nº 266 Noviembre 2018 www.mondosonoro.com

LA M.O.D.A., ERIK URANO, TIRZAH, CHRISTINE & THE QUEENS, M.I.A., DORIAN, ROOSEVELT, RAPSUSKLEI CRIM, BEJO, THE NEW RAEMON, RON GALLO, LOW, ALBERT PLA, MANU CHAO, SANTI BALMES, THE MAGPIE SALUTE

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18 ANIVERSARIO RAZZMATAZZ Del 12 de octubre al 22 de diciembre

ACID ARAB DJ SET BELAKO CAROLINA DURANTE CAT POWER CLAP YOUR HANDS SAY YEAH DORIAN FICKLE FRIENDS GERD JANSON GUSGUS HINDS HUNEE KERO KERO BONITO KODALINE LONDON ON DA TRACK MALL GRAB MORCHEEBA OBJEKT OCTAVE ONE PACHANGA BOYS PETER MURPHY (BAUHAUS CELEBRATION) RELS B ROMAN FLÜGEL ROOSEVELT SATELLITE STORIES TELEMAN THE CAT EMPIRE THE VACCINES WHOMADEWHO XAVIER RUDD ANA CURRA ANNA CALVI ANTHONY PARASOLE BATU BEAUTIFUL SWIMMERS BENJAMIN DAMAGE CLIP & CORA NOVOA COLD CAVE DAVE CLARKE DONAVON FRANKENREITER EFDEMIN EQUIKNOXX FEAT. SHANIQUE MARIE FJAAK DJ SOTOFETT JENNIFER CARDINI KAYDY CAIN KHIDJA LARKIN POE LCMDF LITTLE BOOTS DJ SET LOUISAHHH MAKA MALIIBU MIITCH MOSCOMAN MR TC MULA NINA LAS VEGAS PLAYBACK MARACAS & THE ELECTRONIC MOON ORCHESTRA PLOY POLO & PAN ROSS FROM FRIENDS S-TYPE SKEE MASK THE ACES THE MAGPIE SALUTE TORNADO WALLACE UMFANG VILLAGERS VOISKI VOLVOX VOX LOW VRIL WE ARE SCIENTISTS $KYHOOK ADRIANA LOPEZ ALEESHA AN-I APPLESCAL BARIS K BÉZIER BLACK PEAKS + TUSKY + THE PRESTIGE BUNGALOVV CABARET NOCTURNE DAMON JEE DANIELE BALDELLI DE DUPE ELVIS PERKINS HER’S HERE LIES MAN JOB SIFRE MACHINE WOMAN MAFALDA MAMA SNAKE MASSIMILIANO PAGLIARA NEELO NITE FLEIT NOT YOUR GIRLFRIEND PIN UP CLUB PIONAL PLESTED POWDER RAMON ARAGALL RASTRONAUT SCHWEFELGELB SOFT KILL STANISLAV TOLKACHEV STILL CORNERS ALBERT CODE ALGAR Y SOY UNA PRINGADA ALICIA CARRERA AMABLE BALDO CANELA EN SURCO CARDOPUSHER CARLOS BAYONA DJ CASCALES CRUMP DANI PATCH DISCOS PARADISO CREW DJ BRUCE LEE DJ LUI DJ2D2 DJOHNSTON DOWNITES FERNANDO LAGRECA FLACA GUIM LEBOWSKI INDIESPOT INNER AXES JON & MONIQUE KINETIC SYSTEM LA BRITNEY CALVA LA DIABLA LASERS LATZARO LEGOTEQUE LKGT MAADRAASSOO MARIO PICOSSO MARK LUVA MR. GEORGE COSTANZA NEHUEN NEILAND NICO OLDE GODS OMEGA III PALM GREASE PEROTUTEHASVISTO PHONICA DJ PHRAN RNXRX ROBERT MARTEX SANATRUJA SAU POLER SIRIA DJ SQUARIC TUTU UNDO UNJIN WILL BLAKE YLIA YYMHDJS T I C K E TS :

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La M.O.D.A. La sendaE del tiempo

FOTO: ALEX RADEMAKERS

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El septeto burgalés La M.O.D.A. no ha dejado de crecer desde que se subieron a un escenario. Y, por el camino, han aprendido mucho como músicos y como personas. Algo de ese aprendizaje se vislumbra en 7:47 (Ni un minuto más) (PRMVR, 18), tres canciones que reflejan el momento actual de David Ruiz y su banda. Un momento que les llevará a reunir a más de once mil personas en su concierto madrileño. n ocasiones resulta complicado asociar territorios a bandas concretas. Desde hace ya unos años, Burgos y La M.O.D.A. se entrelazan en mi cabeza. Porque pienso en la necesidad que tuvieron de salir de allí para que les escuchasen fuera, porque pienso en que acostumbrarse al frío es definitivamente una ventaja y porque estoy convencido de que si La M.O.D.A. fueran un grupo de amigos de otra ciudad quizás se preocuparían por montones de cosas que en realidad no importan. Pero si la geografía influye en lo que es el grupo, también lo hace cada día más el paso del tiempo. Tanto es así que, escuchando las tres canciones que se incluyen en 7:47 (Ni un minuto más), a uno le da

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la impresión de que ha visto crecer y madurar a David Ruiz. Ya no es ese veinteañero que se sorprendía leyendo a Kerouac. “El tiempo pasa para todos, aunque en mi caso estoy tan perdido como el primer día. Me gusta mucho esa idea de que la obra refleje la vida de una persona. No importa si talla madera o escribe novelas. Creo que así debería ser siempre, oficio y honestidad”, me contesta Ruiz, muy consciente de que, pase el tiempo que pase, las dudas estarán siempre ahí.

Al paso del tiempo podemos sumarle también lo importante que es haber empezado en la música como verdaderos currantes, haber tocado en calles y plazas, haber actuado para unos pocos desconocidos, haber tenido problemas para pagarse el viaje de vuelta o para cenar en condiciones.

“Se aprende mucho en cualquier sitio, pero lo que más te curte es tocar en la calle, como hemos hecho en México o Francia. También esos años que nos pasamos haciendo bares y garitos. Luego uno va viendo otro tipo de escenarios y eventos, pero ese bagaje es fundamental para aprender a desenvolverte en todas las situaciones. En el extranjero hemos vivido de todo. A veces es más difícil ganarte a un público español que está viviendo fuera y se cree que el concierto es una fiesta Erasmus que a cinco mil colombianos que apenas están descubriendo a la banda, como nos pasó este verano en Rock al Parque”. Por todo ello, La M.O.D.A. son conscientes de que más que vivir un sueño, son ellos quienes lo están forjando. Y nadie dijo que fuera fácil. Gracias a eso han aprendi-

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MONDO FREAKO

LA MÍA Susto barcelonés

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plicarlo todo, pero hemos logrado encontrar do a apreciar muchísimo más que las cosas un equilibrio, aunque sería mentir decir que hayan cambiado tanto y que la gente pague la amistad y el trato personal no se resienten. entradas para verles en directo o que el La carretera, como cualquier experiencia, público cante con ellos sus canciones, estén pasa factura (…) Tenemos la suerte de estar en la ciudad en la que estén. Posiblemente, viviendo esta aventura que nos llena y nos al margen de su repertorio, hayan sido la hohace felices, pero no todo son buenos monestidad y la inusual pureza que desprenden mentos y euforia”. sobre el escenario lo que ha conquistado a Y no se preocupen, no nos olvidamos sus seguidores y lo que, al mismo tiempo, les de Steve Albini, con quien la banda grabó mantiene con los pies en el suelo. “Lo bueno los tres temas que componen 7:47 (Ni un es que no estamos de gira tres o seis meses minuto más). Albini es un verdadero dios seguidos, ahí sí debe ser duro el aterrizaje. humano para cualquiera que haya disfrutado Desde que publicamos el último álbum hasta de la música alternativa durante los últimos que acabe este año, nosotros habremos veinticinco años (para más datos busquen hecho unos noventa conciertos, sin contar en Wikipedia). Gracias a él, La M.O.D.A. acústicos y demás. Pero después del fin de suenan menos folk y más crudos que nunca semana, llegamos a casa y aquí vivimos otra (con unos bajos rotundísimos, por ejemvida. A nuestros amigos les da igual si tocaplo). “Sabíamos a lo que íbamos y con quién mos en una sala para novecientas personas queríamos trabajar. Albini no se mete nunca o en un bar para cincuenta. No valoran las en una composición o una estructura. No es cosas como si estuviesen en un grupo, en un un productor, lo dice él mismo nada más que sello o en la industria. A la gente de nuestro llegas al estudio. Él es ingeniero y se preocuentorno les hace mucha ilusión lo que nos pa de que las tomas de sonido sean correctas, está pasando, pero no le dan más importande que todo suene como debe sonar. Y eso es cia. Y sí, eso ayuda a mantener los pies en el lo que buscábamos grasuelo”. bando con él, ese sonido Pero, poniendo la característico, crudo y lupa en la propia banda, áspero y directo que él ¿es complicado mansabe sacar. Aprendimos tener la amistad entre l Tarragona 1-3 noviembre. El Morell. unas cuantas cosas y nos vosotros cuando estáis Festival Pintorrock l Girona 3 noviemsorprendió mucho su tanto tiempo girando? bre. Festa Major l Pamplona-Iruña ética de trabajo”. ¿Cómo se lucha para 10 noviembre. Zentral l Oviedo 16 noque la amistad no se vea —joan s. luna viembre. Espacio Estilo l Santander afectada por los nervios r 17 noviembre. Escenario Santander y el cansancio de la l Madrid 1 diciembre Madrid. WiZink carretera? “Al final vas Más en www.mondosonoro.com Center l Murcia 7 diciembre Murcia. aprendiendo a convivir Teatro Circo l A Coruña 15 diciembre. y a conocerte. Somos Sala INN muchos y eso suele com-

RY COODER FOTO: JOACHIM COODER

en concierto

EL APUNTE

Nuevas influencias A lo largo de estos años, en sus canciones, David Ruiz ha hablado de Kerouac, de Machado, Dylan o Cash, pero es de imaginar que se van sumando a su imaginario nuevos referentes de aquellos que ayudan a enriquecer los puntos de vista sobre la vida. “En LA M.O.D.A. vamos descubriéndonos cosas unos a otros continuamente. Como apuntas, requiere un tiempo el incorporar un referente nuevo a tu ‘universo’ y sólo con el paso de los años uno se da cuenta del valor o la importancia que han adquirido, aunque tengo la sospecha de que los ‘ídolos’ surgen cuando eres muy joven y luego ya cambia la perspectiva. Sí te puedo decir que aún tenemos hambre de descubrir cosas nuevas, sea en la disciplina que sea. Yo últimamente

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he descubierto a Joe Henry, Marc Ribot, Bill Frisell, Javier Colina, Chancha Vía Circuito y el disco homenaje que Delorean han hecho a Mikel Laboa.

Oso Leone es otra banda que me gusta muchísimo, y The Messthetics igual. Y Ry Cooder”. Imagino que, gracias a los viajes por Latinoamérica, también se habrán sumado algunos escritores o artistas mexicanos, colombianos, etcétera. “En nuestra primera visita allá, hace un par de años, tuve la oportunidad de conocer alguna librería en Ciudad de México y descubrí a autores como Julián Herbert y Mario Santiago Papasquiaro. También a Roberto Bolaño. Cuando viaja uno se queda abrumado por la cantidad de discos y libros que le quedan por descubrir”. —j.s.l.

arcelona es siempre motivo de temblores. Parece que es una sensación generalizada hasta para bandas de allí. Es todo un misterio. El caso es que compartimos susto barcelonés con muchos compañeros”. Esta declaración, sobre la dificultad que conlleva atraer público en Barcelona, nos la daban los andaluces Niños Mutantes en una reciente entrevista que mantuvimos con ellos y que puedes consultar en nuestra página web. Así respondían a la cuestión de si existía algún territorio que se les resistiera especialmente más que otros, y la banda ponía sobre la mesa lo que podemos calificar como el virus del “susto barcelonés”. Pero ¿qué hay de cierto en semejante síndrome? Lo primero que hay que determinar es si semejante susto es propio solo de las bandas de indie-pop o afecta a otros estilos. Por lo pronto, si uno analiza las cifras de afluencia de público a formaciones que podríamos enclavar bajo el amplio paraguas del mestizaje o bajo el otro no menos grande de las músicas urbanas, podemos decir sin miedo a equivocarnos que efectivamente, el problema parece afectar con especial virulencia al indie. Es toda una realidad que las formaciones amparadas en el baile, la verbena o la fiesta gozan de una salud de hierro desde hace más de dos décadas. Desde que surgió lo que se denominó como “Sonido Barcelona”, representado por bandas como Ojos de Brujo, Macaco o Dusminguet, el crossover mediterráneo en el que podríamos meter a bandas tan dispares entre sí como Zoo o Txarango, arrasa en tierras catalanas. Y lo hace con la sorprendente capacidad de ir renovando constantemente, no solo el nombre y número de las jóvenes bandas que se van incorporando año tras año al circuito, sino también se va renovando el público, fiel y muy joven, que temporada a temporada llena sin dificultades festivales como el Canet, Esperanzah o Clownia. Si nos ceñimos al rap y a las músicas urbanas en general podríamos afirmar que sucede algo parecido, aunque igual no tan dimensionado. El rap siempre ha tenido una fuerte tradición en Barcelona, aunque quizás la asignatura pendiente del género sea el de la rima en catalán, pero ese es ya otro tema. El rock y el garage, pese a tener una fiel y apasionada parroquia, anda de capa caída y no ha logrado captar la atención de los jóvenes.

Y si obviamos otros estilos como el metal o la música electrónica, que sin duda gozan de su propia audiencia, sí podemos afirmar que, por lo general, al indie-pop le cuesta y mucho en Cataluña. Además, el hecho de incorporar con pasmosa lentitud nuevas nombres que renueven un estilo anquilosado y que lleguen a los más jóvenes, no ayuda excesivamente a que el género se sacuda de encima un virus que, sin ser letal, existe.

Ojalá bandas como Viva Suecia, Rufus T. Firefly o La Plata den con el antídoto necesario para revertir una situación que ya dura demasiado. —don disturbios

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FOTO: JORGE R. PRECIADO

Un año después de Hipi Hapa Vacilanduki, el canario Bejo regresa con un recopilatorio de canciones publicadas a lo largo de este 2018.

Parafernalio (Autoeditado, 18) es el reflejo de que la creatividad del Bejismo sigue vivita y coleando.

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ara este disco he ido cogiendo frases de aquí, ritmos de allá y lo he juntado todo dándole un sentido. Que parezca que no digo nada pero diciendo muchas cosas”.

Así de sencillo, así de complicado. Esta es la forma de crear música de Bejo, librándose de ataduras y dejando que las ideas fluyan y formen canciones. “Por eso este disco lo veo como un collage, un picoteo, un popurrí de ideas que he ido superponiendo”. Lo ha llamado Parafernalio y en realidad es un compendio de los temas que el canario ha ido publicando este 2018, “porque ahora la música se consume así, de una manera más inmediata. Y además así consigues que el público esté pendiente, publicando canciones cada cierto tiempo para que no se olviden de ti”. Es la nueva industria musical del siglo XXI, esa que ha permitido a artistas sin recursos como Bejo llegar a lo más alto. “Internet es el gran almacén de las cosas. Nos permite conectarnos, comprar, vender... y gracias a él yo he conseguido desarrollar mi carrera. Yo trabajo en mi casa, a mi bola, creando lo que me gusta, sin depender de sellos ni de intereses de terceros. Y eso me da una libertad que antes los músicos no tenían”. Porque la libertad es, precisamente, el pilar sobre el que se sustenta la música de Bejo. No se ha dejado influenciar por el rap oscuro y melancólico actual, y de nuevo el funk y las influencias caribeñas dominan su música. Un hip hop vacilón (o vacilanduki, como prefieran), divertido y ante todo, original. “Siempre me ha gustado mezclar diferentes estilos y sonidos. Cuando comencé hacía un rap más oscuro, pero poco a poco fui encontrando mi propio sonido, me gusta probar cosas nuevas y experimentar. Por ejemplo para este disco hablamos con Cookin’ Soul y les pedimos instrumentales que se acercasen a la bossa nova y la música brasileña, y así nacieron Hambusi Basa y Métele con Pepa”. Dos canciones que, adelantamos, no pasarán desapercibidas en sus conciertos.

Ese mismo concepto de originalidad e innovación es también el que rige su manera de crear videoclips. Sus grabaciones causan furor en la red y ya son parte de la marca personal del artista. “Buscamos que canción y vídeo se conviertan en un todo, que vayan unidos.

Que la canción diga una cosa y el vídeo

Bejo Popurrí de ritmos “Cuando sea viejito, rias me volveré a mis Canaar” a mojar el culo en el m

CRÍTICA

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EN CONCIERTO Parafernalio

Autoeditado Rap 8/10

No es fácil lo que hace Bejo; forjarse un estilo tan particular y desarrollarlo con tanto acierto, ofreciendo canciones que siempre mantienen su esencia pero ofrecen cosas nuevas. No todos lo consiguen. Pero el canario lo ha vuelo a hacer. Desde la primera canción, Verde azulado o azul verdoso, el espíritu del Bejismo se mantiene intacto y demuestra que no ha perdido la inspiración, con un ritmo burlón y una letra acorde a las circunstancias. Una fórmula que

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te cuente esa misma cosa de otra manera y se complementen. Además nos gusta que tengan ese toque surrealista, que te impacte y te invite a verlo una segunda vez porque no sabes muy bien qué ha pasado. Buscamos ideas vistosas pero que también digan algo, que sean algo más que ver mi cara cantando. Y lo hacemos sin grandes presupuestos, con cosas cotidianas que tenemos a mano y que serían asequibles para cualquiera", relata el cantante, quien además considera que el concepto de videoclip también ha evolucionado en los últimos tiempos. "Ahora la gente (músicos o productores de vídeo) han encontrado en los videos una fuente con la que experimentar. Prueban con 3D, efectos, animaciones… porque es más libre, no es algo que esté sometido a una narrativa más cerrada como el cine o la publicidad". Confiesa además que su mayor influencia es "el animador inglés Cyriak, me encanta cómo juega con los planos y la postproducción" y es consciente de que su imagen también juega un papel importante. "Aunque las gafas de sol no son las mismas que al principio, esas me las regaló mi abuelo y casi se me rompen en un concierto y decidí conservarlas, pero el collar de caracolas sí es el mismo, ese sobrevive". Razón por la que, además, no descuida tampoco su marca de ropa ni otro proyectos en los que anda metido. "Pero de momento la prioridad es la música, tanto con este disco como con Locoplaya ya que pronto Don Patricio y Uge publicarán cosas nuevas. Cuando tenga tiempo me meteré con nuevos diseños de ropa y, más adelante, cuando sea viejito, me volveré a mis Canarias a mojar el culo en el mar y vivir tranquilito". —alfonso gil

se repite en otras canciones como Hambusi Basa, Corasao o Hasta abajo y que encuentra su zénit en las, a priori, canciones más destacadas del disco: Métele con Pepa (y su ritmo brasileño) y Una papa pal kilo (y su acordeón). Bajo un amplio abanico de productores como Sume Beats, Cookin Soul, Dj Pimp o Nico Miseria, el canario nos regala un disco exento de colaboraciones vocales. Una circunstancia intrascendente, ya que Bejo no necesita ayuda para concebir este álbum, que no te hará reflexionar existencialmente con sus letras pero sí te alegrará el cuerpo gracias a sus ritmos ricos en matices que se nutren de funk, soul, rap clásico, bossa nova, salsa e influencias caribeñas y canarias. Todo bien mezcladito por él mismo. —a.g.

l Vigo 02 de noviembre. Sala MasterClub l A Coruña 03 de noviembre. Playa Club l Zaragoza 09 de noviembre. Sala Las Armas l Bilbao 10 de noviembre. Sala Santana 27 l Sevilla 16 de noviembre. Sala Custom l Granada 17 de noviembre. Sala El Tren l Santa Cruz de Tenerife 21 de diciembre. Aguere Espacio Cultural l Las Palmas de Gran Canaria 22 de diciembre. Sotavento Club l Madrid 12 de enero. Sala But

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FOTO: CLARE SHILLAND

Tirzah Devoción

Devotion (Domino/Music As Usual, 18) supone una sorpresa inesperada, un álbum lleno de sencillas canciones de amor inmediatas y confesionales, vestidas con una electrónica elegante, pero en ocasiones dislocada y oscura que remite por igual al r&b alternativo, a la indietronica y a un cierto soul psicodélico.

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irzah es el dúo formado por las antiguas compañeras de escuela Tirzah Mastin y Mica Levi (Micahu & The Shapes). Sin embargo el nombre de Tirzah, en hebreo “ella es mi delicia”, no es del todo desconocido. Entre 2013 y 2014 publicaron los EP’s I’m Not Dancing y No Romance con unas canciones que se acercaban más al electropop y al post-grime que al examen de los sentimientos íntimos de este álbum. Tirzah, estudiante de arpa en la Escuela Purcell para Jóvenes Músicos de Watford, iba mostrando sus composiciones a su amiga y compañera Mica Levi, que aún no se había dado a conocer como jefa de Micachu & The Shapes, y esta la animaba, todavía sin éxito para que reuniera sus canciones.

Tirzah Mastin cuenta por qué se animó por fin a grabar un álbum que ha sorprendido mucho por su inmediatez descarnada pero dulce mientras se ocupa de su hija Jocelyn. “Era una cuestión de hacer un álbum o más EP’s, así que nos reunimos y vimos si era un desafío demasiado grande reunir cosas para hacer un álbum porque teníamos mucho material, pero la verdad es que me encanta escuchar álbumes. No escucho muchos singles, así que lo que tendríamos que hacer sería un disco largo”.

Tirzah termina cada una de sus contestaciones con un “yeah” que indica que no va a hablar más sobre el asunto, pero duda mucho y cada vez que defiende una opinión añade “supongo”. Es de una sencillez desarmante y sincera. No hay más que lo que escuchas, y sin embargo ha provocado que la prensa británica exagere diciendo que toca redefinir con ella la canción de amor. “Se ha escrito sobre de dónde salen mis canciones, por qué las hago y por qué no escribo sobre las cosas que están pasando, pero hay una conexión clara entre la gente y eso es sobre lo que quiero escribir, y me parece que se debería pensar más en cosas como las que escribo y menos en lo que quiero o no quiero hacer, porque no voy a mentir sobre lo que creo que debo hacer”. Al pan, pan, y al vino, vino, pero no olvidemos que gracias a la originalísima producción de Levi estamos ante uno de los debuts del año cuyo sonido se termina construyendo en el estudio como un juego. Ni siquiera aquella contrapo#8 noviembre 2018

“La verdad es que me encanta escuchar álbumes. No escucho muchos singles,” sición de I’m Not Dancing/I’m Fighting de su primer single es un manifiesto, aunque lo pudiera parecer. “Es una manera de jugar con las expresiones. Es un tema que grabamos muy deprisa en un día, y Mica quería que añadiera algo de voz a unas bases que tenía. Fue muy deprisa, y esto fue lo más adecuado que encontramos para hacer, así que imaginé una situación en la que además de estar bailando estuviera haciendo algo más para ser experimental y creativa”.

Espontaneidad incluso en la manera de trabajar, porque las voces del álbum son primeras tomas. “Es lo más honesto”, dice Tirzah entre atenciones a su bebé.

Canta sobre inseguridad y abandono, incluso en Go Now, compuesta cuando tenía trece años, reprochando a su hipotética pareja su vida disoluta y que le alce la voz. Podría ser un estándar de los años cincuenta o una consigna feminista actual. “Es curioso ver cómo hay sentimientos y pensamientos que pueden existir ahora de la misma manera que entonces y, ¡buah!”. Dicen que lo más complicado es escribir historias o canciones que sean capaces de resumir un gran espectro de sentimientos con simpleza e inmediatez. Cuando además surgen sin pensarlo mucho, es un momento mágico. —jorge obón

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el apunte

La media naranja: Mica Levi (Micachu) El otro cincuenta por ciento de Tirzah, la creadora de la atmósfera de las canciones de Devotion, que combinan la electrónica experimental con el psyche-soul de una manera prácticamente inédita es conocida sobre todo por su banda Micachu & The Shapes. Con ellas ha publicado cuatro álbumes en el sello Rough Trade desde 2009, el primero de los cuales fue producido por Matthew Herbert. Pero Mica Levi no se dedica solo a la electrónica pop descacharrada y a los ritmos rotos.

Mientras Tirzah Mastin estudiaba arpa en la Escuela Purcell para Jóvenes Músicos de Watford, Levi se especializaba en composición, viola y violín, lo que más adelante le posibilitó una colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres, y en la actualidad, es la miembro más joven en obtener una residencia en el Centro Southbank de Londres, el mayor círculo artístico de Europa. Además es autora de tres álbumes fuera de The Shapes. Uno junto a Oliver Coates, “Remain Calm”, mientras que los otros dos son bandas

sonoras. Puso música en “Under The Skin”, la película de Jonathan Glazer protagonizada por Scarlett Johansson, considerada como uno de los mejores largometrajes de ciencia-ficción estrenados durante el siglo XXI, aunque no ha sido estrenada en España. Para televisión, fue elegida para ilustrar musicalmente la serie Jackie sobre la viuda de Kennedy. Hace tres años que The Shapes permanecen en silencio, pero Mica no para de ampliar su paleta musical, consiguiendo aportar el misterio que necesitan las canciones de Tirzah Mastin siempre a la primera toma, insistiendo en que el valor fundamental de su música debe ser la inmediatez y no la perfección. —j.o.

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FOTO: WARWICK BAKER

Rolling Blackouts Coastal Fever Nostálgicos

“Muchas de las o canciones de este disc e rd tratan de estar al bo del abismo”

Esteban Ruiz (I Am Dive)

Si sus dos primeros EP’s nos silbaban al oído que había nueva banda a tener muy en cuenta, su primer largo, Hope Downs (Sub Pop/Popstock!, 18), no hace más que subrayarlo a base de buenas canciones.

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ope Downs ha colocado definitivamente a los australianos Rolling Blackouts Coastal Fever en el panorama internacional. Tras dos vibrantes epés que los situaron en todas las listas de the next best thing, Rolling Blackouts Coastal Fever llamaron la atención del todopoderoso sello de Seattle, Sub Pop. Ellos apostaron por lanzar este debut y de paso mostrar al mundo que esta banda de Melbourne ha llegado para quedarse. Llevan más de un año de gira, tocando en festivales importantes y conquistando la radio independientes de EEUU con un par de single redondos como son Talking straight y Sister’s Jeans pero parecen no sentir vértigo “Puedes pensar en ello todos lo que quieras o no. Nosotros intentamos no darle muchas vueltas. Trabajamos duro en nuestras canciones y en nuestros conciertos. A ver dónde nos lleva. Para nosotros estar de gira es un bonus que jamás imaginamos que tendríamos”.

Letras efectivas y oscuras, que se mueven ágilmente entre vivencias concretas y la abstracción conceptual, otorgan a las canciones una urgencia que contrasta bien con el sonido cálido y nostálgico de unas guitarras que podrían sentirse cómodas en muchos de los discos más representativos del rock alternativo de los ochenta. Desde The Go-Betweens a The Cure, pasando por R.E.M. “Hemos escuchado bandas de esa época durante años. No intentamos de manera consciente sonar como nadie, pero cuando te inspiras en esas referencias supongo que es natural que haya similitudes”.

No sólo miran al pasado a la hora de hacer sus canciones. La efervescente e interesante escena underground de Melbourne es para el quinteto algo más que una influencia. “No hay nada que

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

inspire más que ver a los amigos que tienes alrededor publicar sus trabajos.

Para ser bueno allí tienes que ser bueno en directo. Cuando empezamos no lo éramos pero gradualmente nos convertimos en una banda con un directo más natural. La ciudad también tiene una fantástica tradición de bandas de guitarra con sonido indie/garage/ punk.

Esos estilos y tonos calan en tus oídos y en tu sangre”. Tanto el peso vocal como las labores de composición se reparten entre tres de sus miembros en una comunión que funciona sorprendentemente bien “No pensamos en nosotros

Hope Downs

Sub Pop/Popstock!

Los andaluces I Am Dive acaban de publicar nuevo EP, MAUVE (WeAreWolves, 18), que ahora presentarán en gira. Podrás verlos en Madrid (9 noviembre, Sala 0; con San Jerónimo) dentro del ciclo SON EG. El primer concierto en el que estuve como público…

Sé que mis padres me llevaron a muchos conciertos de muy pequeño pero el primer recuerdo que tengo de haber asistido a un concierto fue cuando con cuatro años o así, fuimos toda la familia a ver al grupo de sevillanas de mi tío Alfonso, que se llamaba Manantial.

El mejor concierto que he visto en mi vida…

Esta sí que es una pregunta complicada de contestar... Hubo uno de GodSpeed You! Black Emperor en el Teatro Central que me dejó noqueado unos meses; también allí vi a Arto Tunçboyaciyan y me pareció muy impresionante. La primera vez que vi a Sigur Rós, o una vez que vi a Radiohead en Salamanca en el año 2002 están también muy arriba en la lista.

El peor concierto al que he asistido…

Además de todo el trabajo con I Am Dive y con WeAreWolves Records, llevo la producción en Sala X en Sevilla, por lo que para bien y para mal tengo una media de cinco conciertos a la semana. Aun así, ni juntando todos estos malos ratos que a veces me toca sobrellevar en la sala, nos acercaríamos a aquella vez que tuve que estar en un concierto privado de Siempre Así, del que yo hacía la producción.

El último concierto al que he ido…

Como público raso, sin tocar o trabajar de alguna forma en él, creo que fue hace dos veranos en Berlín. Arab Strap y Grandbrothers en un evento llamado Pop Kultur que se celebra en KulturBrauerei. Pero ahora mismo estoy en la oficina de la sala mientras ahí abajo tocan Byron Co. Y así casi todos los días. Ninguna queja. :) —MS

Los sonidos de noviembre que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia mismos como cantautores distintos”.

Su buen equilibrio entre la sensibilidad pop, el jangle y unas las líneas vocales que por momentos cabalga en el spoken word son los rasgos más representativos de Hope Down, un debut que toma su título de un desolado paisaje minero de Australia Occidental que pertenece a la persona más rica del país y que enfatiza el carácter del álbum. “Es una metáfora de la prosperidad vacía. Muchas de las canciones de este disco tratan de estar al borde del abismo e intentar procesarlo”. Nostalgia, rabia y un puñado de buenas canciones.

—laura estudillo varela

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1 NOVIEMBRE 981 Heritage/Suuns + Perro + Trepat, Shoko, Madrid 2 NOVIEMBRE RetroFuture, Playa Club, A Coruña We Are Scientists, Cool Stage, Madrid La Habitación Roja, Capitol, Santiago Freedonia, Upload, Barcelona Perro, Le Club, A Coruña Pardo, Mardi Gras, A Coruña 3 NOVIEMBRE Camellos + Medalla, Sala 0, Madrid Perro, Radar Estudios, Vigo La Habitación Roja, Escenario Santander Freedonia, Loco Club, Valencia 9 NOVIEMBRE Sofía Viola, Sala Alevosia, Madrid Im Dive+ Jerónimo, Sala 0, Madrid

10 NOVIEMBRE Lapido, Upload, Barcelona DMX Krew, Le Club, A Coruña 13 NOVIEMBRE Scott Matthew, Nuevo Alcalá, Madrid 15 NOVIEMBRE Mint Fields, Fun House, Madrid 16 NOVIEMBRE Ricardo Lezón, Cool Stage, Madrid Basanta, Sala 0, Madrid The Coral, Sala Changó, Madrid 18 NOVIEMBRE Alice Phoebe Lou, Pop Torgal, Ourense 21 NOVIEMBRE Maria Rodes, Teatro Lara, Madrid 22 NOVIEMBRE Carmen Boza, Lemon Rock, Granada Rusos Blancos, Sala 0, Madrid

23 NOVIEMBRE American Autumn+ Elvis Perkins + Vera Sola, Sala 0, Madrid Carmen Boza, Hangar, Córdoba Carolina Durante, Le Club, A Coruña Christina Rosenvinge, SUPER 8, Ferrol 24 NOVIEMBRE Christina Rosenvinge, Le Club, A Coruña 25 NOVIEMBRE American Autumn/ Elvis Perkins, Torgal, Ourense 28 NOVIEMBRE Wire, Cool Stage, Madrid 30 NOVIEMBRE Toundra, Palacio Congresos de Granada Dorian, Sala Capitol, Santiago de Compostela Public Service Broadcasting, Sala 0, Madrid La Plata, Le Club, ACoruña Carmen Boza, La Calle, Sevilla

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FOTO: NOEMÍ ELÍAS

MONDO FREAKO

The New Raemon Por la calle fascinación

EN LA MALETA

The New Raemon acaba de añadir otro capítulo a su obra discográfica. Una canción de cuna entre tempestades (Sony BMG, 18) es el disco que inicia su etapa de alianza con una multinacional. El nuevo álbum del tipo que quiso ser Art Garfunkel, con mucha poesía y ecos a The Cure, se sitúa entre sus referencia más notables.

DJohnston

Este inquieto barcelonés no es solamente uno de los programadores de la sala Razzmatazz y del festival MIRA (8-10 noviembre, Fabra i Coats, Barcelona), sino que pincha desde hace muchos años. Este mes (10 noviembre) cerrará la afterparty del MIRA en la sala que programa.

#10 noviembre 2018

do "De alguna manera to ese universo The Cure acabó filtrándose"

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ras una década hilvanando composiciones a través de una personalidad perfectamente moldeada, son pocas las sorpresas que presenta la nueva obra de The New Raemon. Nada negativo cuando el resultado es tan notable como Una

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or qué motivos empezaste a pinchar y qué edad tenías en aquel momento?

Empecé a los dieciocho o diecinueve años. Me hacía gracia darle al play a dos canciones a la vez con dos reproductores diferentes en el PC y probar cosas.

Luego pensé que había que llevarlo a otro nivel, así que me compré un mixer.

Le conecté un discman y me compré un tocadiscos de segunda mano para el canal 2. Un drama. No me considero una persona autodidacta con nada, pero con el tema de pinchar la verdad es que lo he aprendido todo a base de prueba-error.

Sin ninguna parte teórica en absoluto.

—¿Cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Ninguno de mis discos favoritos ha sonado nunca en ninguna sesión mía.

Me encanta la electrónica de baile, pero ninguno de mis discos favoritos es de baile, excepto In Sides de Orbital. Al final te he respondido al revés, (risas).

—Eres programador de música electrónica en Razzmatazz, lo has sido en clubes anteriores, y también formas parte del equipo del festival MIRA. ¿Cómo lo compaginas todo y qué te sientes más orgulloso de haber conseguido?

Siempre me gusta compartir todo con la gente que me rodea y hace poco me di cuenta de que eso es lo que hago

canción de cuna entre tempestades.

Entre las particularidades del álbum, el regusto a The Cure que desprenden buena parte de los temas incluidos. “La gente de la revista Efe Eme me encargó un artículo”, desvela Ramón Rodríguez.

“Tenía que hablar de un disco que me

también con la parte profesional: hacer llegar lo que yo creo que es bueno a más gente. Mi posición ahora mismo es muy privilegiada porque en el Razz programo música electrónica de baile de todos los estilos y en el MIRA puedo programar la parte más contemplativa y experimental de la electrónica, así que abarco todo el espectro. También programo conciertos, pero por este lado pocas veces puedo traer lo que quiero.

—¿Qué crees que es lo mejor y qué lo peor de trabajar con otros Dj’s, contratarlos, traerles a tu sala, etcétera?

Lo mejor es complacer a la gente que está esperando verlos o que descubre algo que le gusta gracias a ti. Y que el artista disfrute con la actuación claro, y sienta que ha valido la pena venir, más allá del dinero. Lo peor es cuando no puedes traer a un artista que te gusta, por el motivo que sea.

—¿Cuál fue la primera sesión que viste que te hizo explotar la cabeza? En el buen sentido, claro está…

Me acuerdo que me explotó mucho la cabeza viendo a Mike Paradinas en el Nitsa hace como dieciocho años. Pero de joven mi cabeza era mucho más explotable, ahora hace mucho que no me explota de verdad. Siempre pienso que el criterio es una arma de doble filo, pero pasa con todo, no solamente con la música. —MS

hubiera influenciado mucho. Elegí Wish de The Cure. Para escribir el artículo volví a escucharlo después de tal vez quince años sin hacerlo. Todo ello coincidió con la época en la que empecé a componer los temas para este nuevo disco y de alguna manera todo ese universo The Cure acabó filtrándose”.

Una canción de cuna entre tempestades, disco que, tras décadas afiliado a sellos independientes, inicia su etapa de alianza con la multinacional BMG, es también el disco más poético de The New Raemon. Explica que, en este sentido, trabajar con Ricardo Lezón (McEnroe) le ayudó a descubrir que podía decir las cosas desde otra perspectiva.

“Puede sonar contradictorio, pero las letras de los anteriores discos eran más crípticas. Esta vez son mucho más abiertas pero también hay mucha más poesía. En los últimos cuatro o cinco años no he leído novelas tan solo poesía.

Es un mundo en el que cuesta entrar pero una vez lo haces... También es muy importante encontrar la poesía que te seduzca”. Ramón destaca entre sus escritores favoritos a nombres como Ingeborg Bachmann y Paul Celan. “Era lo que estaba leyendo mientras escribí este nuevo disco. Son los poetas del Holocausto. Su poesía es pureza. Hablan de cosas muy duras, pero lo hacen con un estilo de una belleza brutal. De hecho, el título del disco está muy relacionado con todo ello: habla de volver a ser padre, como me ha pasado a mí después de ya haberlo sido hace muchos años, en momentos muy convulsos”.

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TAN. LEJOS RRColdplay publican el 7 de diciembre un directo de la gira A Head Full Of Dreams, grabado en Buenos Aires (audio) y Sao Paulo (audio y video) en noviembre de 2017. Se publicará en doble CD con doble DVD y triple vinilo de color oro con doble DVD. Se incluirá el documental dirigido por Matt Whitecross que repasa la trayectoria de la banda.

RRSegún informa The Hollywood Reporter, Vince Staples será el encargado de protagonizar el debut cinematográfico del director australiano Richard Hughes, Punk, una road trip movie.

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en concierto l Madrid 08 de noviembre. Ocho y Medio l Barcelona 15 de noviembre. Sala Apolo

RRGreta Van Fleet por fin publican su primer larga duración.

Anthem Of The Peaceful Army (Universal, 18) es uno de los discos de rock duro y corte clásico más esperados del momento. El grupo lo presentará en España el próximo 22 de febrero (Barcelona, Sant Jordi Club).

RREl próximo 16 de noviembre verá la luz Delta (Universal, 18), el nuevo trabajo de Mumford & Sons. Lo produce Paul Epworth e incluye un total de catorce canciones. También pasarán por España, concretamente estarán el 27 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

“Quiero transmitir positividad” Hace apenas unas semanas, Ron Gallo nos visitaba antes de publicar Stardust Biryhday Party (New West/Popstock!, 18), un álbum que nos trae de vuelta a uno de los artistas jóvenes más interesantes del rock del norte de América. Hablamos con él, una vez más, porque no queremos perderlo de vista. Y es que no abundan recién llegados de su empaque y calidad.

H

e leído que el disco está basado en A Love Supreme de John Coltrane ¿y eso?

Bueno, no es exactamente el disco, sino una canción. John Coltrane hizo ese disco como tributo a Dios y un despertar espiritual que influyó en su visión completa del mundo y la música.

Es cierto que ese sentimiento sobrevuela todo el disco, pero está concentrado especialmente en Always Elsewhere.

—Me da la sensación que en Heavy Meta estabas furioso y descargabas eso hacia afuera, y que este disco conserva la furia, pero más hacia dentro.

Sí, este disco se volvió totalmente hacia dentro. Es exactamente lo opuesto a Heavy Meta. Creo que hay mucha más compasión y diversión aquí, especialmente en su segunda mitad. Y en lugar de apuntar agresivamente a todos los problemas del mundo me he dado cuenta que la cuestión soy yo y como elijo ver el mundo, tomando la responsabilidad de todo.

—Así que te das caña a ti mismo.

Sí, pero creo que concentrarse en uno mismo ayuda a comprender y mejorar la contribución que podemos hacer al mundo. Así que, esencialmente, es lo mismo.

—En tus letras pareces empeñado en saber enfrentarte a lo que se escapa de tu control.

Exacto. No podemos cambiar lo que sucede, pero podemos cambiar la forma en que permitimos que nos afecte y cómo lo vemos.

—Pero el primer single, It’s All Gonna

Be Ok, es tremendamente optimista.

Es que es un disco optimista porque aborda que la mayor parte de nuestro sufrimiento está causado por nosotros mismos, cuando nos oponemos a lo que está sucediendo, cuando algo no sale como queremos o cuando vemos una separación entre nosotros y todo lo demás que no es real. Para mí eso es esperanzador porque en realidad hay algo que cualquier persona, en cualquier lugar y en cualquier momento, puede hacer para cambiar el mundo y es solo una cuestión de perspectiva.

—Te atreves a tocar por primera vez la trompeta ¿cómo te sentiste?

Fue una sensación agradable. Hasta me consideré un músico de jazz (risas).

—Tras acabarlo ¿qué piensas del disco?

Todavía lo amo (risas). Es una imagen bastante precisa de cómo estamos como banda y de como soy como autor, y un buen reflejo de cómo siento la música en este momento. Estoy muy contento porque muchas de las canciones del álbum serán siempre un mensaje de positividad que quiero transmitir al mundo, a diferencia de ciertas canciones antiguas en las que ya no me relacione con la perspectiva crítica y negativa. —eduardo izquierdo

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RRSlipknot publicaron su debut homónimo en 1999. Sus fans están ahora de enhorabuena, ya que sus miembros han anunciado que están preparando una celebración y que la intención es también publicar nuevo disco.

RREl músico, Dj y remezclador David Morales fue detenido tras un registro en el Aeropuerto de Fukoka, Japón, en el que encontraron 0,3 gramos de MDMA en su equipaje de mano. Se trata de una cantidad muy pequeña pero suficiente para constituir un delito graves. Morales se defendió asegurando “no es mía. (Alguien) me habrá puesto una trampa”. —MS

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lo que sucede, "No podemos cambiar r la forma en pero podemos cambia que nos afecta"

FOTO: ARCHIVO

De los once cortes que conforman el nuevo trabajo de The New Raemon, hay uno que destaca por encima del resto: Un posible final, canción en la que forma pareja con Rocío Márquez, una de les voces del momento en el mundo del flamenco. “La colaboración surgió de manera casual. Javi Vega de Maga, un gran amigo mío que ha grabado algunos de los bajos del disco, conoce a Rocío de Sevilla de casi toda la vida.

Estoy convencido de que escribí esta canción de forma inconsciente para que le gustara y la cantara ella”. Un posible final surgió de un suceso trágico que se vivió en el pueblo de Ramón: una pareja muy joven marchó a pasar el fin de semana al pantano de Susqueda y fueron asesinados. “Ella, la chica, era amiga de mi hija mayor, iban juntas al colegio.

Fue muy duro. Nos trastocó como comunidad. Es imposible entender este nivel de maldad. De hecho la letra no hace referencia a la historia sino a la maldad. Es un tema muy potente, con mucha fuerza, porque surge del dolor de esta tragedia”. —oriol rodríguez

RRLa editorial Faber Social ha anunciado que publicará Then It Fell Apart, el segundo libro de Moby, el 2 de mayo de 2019. Se trata de una secuela de Porcelain, su primer libro de memorias, que nos llegó a España de la mano de Sexto Piso en 2016, y se centrará en su etapa posterior a Play (Mute, 99), el disco que le catapultó al éxito.

Ron Gallo

noviembre 2018 #11

WALA. WALA.

“Yo no hago esto para colgarlo en mi perfil de Facebook. Salgo y toco. Me la suda el rollo de las rock stars. Nosotros salimos y tocamos. Eso es lo guapo” Sean Kiney, de Alice In Chains, en Ruta66

“Mi casa ardió mientras Puerto Rico se inundaba, justo después de Houston, justo antes de los incendios de California. Mucha gente perdió muchísimo más que yo. No perdí a Jeff, mi novio, ni a mis bichos. Así que el final fue un final feliz” Neko Case, en Pitchfork

“A veces, discutimos sobre pansexualidad y siempre hay alguien que dice: ‘bien, eres gay’. Y la respuesta es no. Sencillamente estoy intentando escapar del binarismo” Chris And The Queens, en Vulture

“La escena de rock en España esta en un momento dulce, están saliendo muchas bandas nuevas y en cualquier lugar donde vamos hay emergentes que están creando buenas canciones”

Low El ruido y la furia Double Negative (Sub Pop/Popstock!, 18), duodécimo disco del trío de Duluth, es posiblemente el más experimental de una impecable carrera que acaba de cumplir el cuarto de siglo. Una audacia sólo al alcance de los elegidos.

A

caban de empezar una gira que se prolongará hasta finales de marzo del año próximo. “Ahora todo va muy bien, pero pregúntanos dentro de dos semanas”, masculla con sarcasmo Alan Sparhawk. A menos de dos horas de completar otra soberbia actuación, el recio guitarrista y cantante y su esposa Mimi Parker (voz, batería) me reciben en el camerino de Madrid. “Desde luego, este disco es el que está más alejado de la manera ‘normal’ de presentar nuestra música -admite Alan-. Fue un proceso completamente diferente. Trabajábamos unos pocos días, nos íbamos a casa, después salíamos de gira un mes o dos y volvíamos a trabajar sobre lo que habíamos hecho”. Para Sparhawk, el productor BJ Burton (con el que ya trabajaron en el anterior Ones And Sixes de 2015) ha tenido “mucha” importancia en el nuevo enfoque. “Creo que le gusta trabajar con nosotros porque estamos dispuestos a ir todo lo lejos que él quiera, cuando otra gente es más cautelosa. No nos importan las guitarras, los bajos o las baterías, sino hacer el disco más interesante que podamos”. “Simplemente, queríamos probar algo diferente”, responde Mimi.

El tono quebrado y turbio del álbum obedece, también, a dos cuestiones: primero, al accidente de esquí con el que Alan se rompió cinco costillas. “Aquello me jodió vivo. Me dolía muchísimo y estuve como seis meses sin casi poder dormir”. “A esto se añadió la situación política”, añade Mimi con tono sombrío. Las

fatídicas elecciones de 2016. Alan lo explica: “Al menos para los norteamericanos, ha sido algo muy traumático. Por supuesto, en Estados Unidos somos muy afortunados, aunque no hemos querido ver las fechorías que hemos hecho por el mundo. Sabemos que hay algo oscuro en la manera en que los estadounidenses interactúan y siempre hemos sido muy conscientes de nuestra ignorancia, pero todo esto ha sido muy deprimente y negativo”. ¿Es Low un grupo “político”?

Nunca lo hubiera dicho. “Por supuesto. Vivimos en el mismo mundo, tenemos esperanzas junto a personas que queremos. Y deseamos lo mejor.

No es sólo política, es bajar a lo individual”. Alan cree que la oscuridad que atraviesa su nuevo trabajo siempre ha estado presente en su obra. Y tiene razón. Aunque “siempre es una mezcla. En este disco hay oscuridad, confusión, frustración.

Pero, también, un poco de esperanza en la unidad. Espero que haya cierta resonancia: estamos aquí contigo, por el momento. Seguimos siendo humanos, estamos vivos. A veces es lo único que puedes hacer”.

El matrimonio se muestra encantado por la entusiasta acogida de un trabajo tan radical.

“Desde luego, es de esos discos que no sabes si la gente va a pillar. Así que ha sido un poco sorprendente”, asegura un Alan para el que estos fructíferos veinticinco años en la brecha no facilitan el momento de acometer un nuevo álbum.

“A veces es doloroso, otras confuso. Siempre tenemos muchísimas dudas. Cuando eres un poco mayor, sabes que esto va así, pero eso no facilita las cosas. No tengo ni idea de cómo superamos los primeros dos discos sin tirar la toalla”.

“Ignorancia”, responde Mimi riéndose.

—jc peña

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Aleix, de Cala Vento, en Indierocks.mx

“He estado en Teenage Jesus & The Jerks, Sonic Youth, The Cramps y millones de grupos más ¿Así que cuál ha podido ser mi influencia? Todos eran muy diferentes, pero compartían muchas cosas” Jim Sclavunos, de The Bad Seeds, en NME #12 noviembre 2018

“Seguimos siendo s. humanos, estamos vivo A veces es lo único que puedes hacer” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Erik Urano Cosmonauta en un mundo E aparte rik Urano ha vuelto, y eso siempre es una buena noticia para cualquiera interesado en esos artistas que, alejados de lógicas comerciales y caminos transitados, se dedican a confeccionar con cuidado de artesano y dominio de la técnica una carrera basada en el talento y la creación de un universo propio. Con Balaclava, el vallisoletano se muestra definitivamente inmerso en el grime, entregando cinco temas oscuros de lírica profunda con el tema de la alienación y la identidad como hilo conductor. “Ahora mismo estamos todos sumidos en una tremenda soledad a la vez que más conectados que nunca en la historia, creo que esa paradoja forma parte de la infantilización que sufre nuestra sociedad: una especie de berrinche burgués del que lo tiene todo y debe frustrarse con algo en vez de buscar su responsabilidad individual en el problema común, y por supuesto soluciones”. A la espera de la continuación en largo del enorme Cosmonautica (Gamberros Pro, 14), Balaclava cumple con creces las expectativas generadas entorno a cada nueva entrega de uno de los mejores MC’s que ha dado este país. “El proceso de grabación ha sido lo más sencillo del proyecto. Son temas que han ido cogiendo forma a lo largo de meses de cocción lenta y que conceptualmente estaban desligados de un siguiente proyecto en formato larga duración en el que estoy trabajando, y al juntarlos vi que tenían una enorme cohesión por ellos mismos. Creo que ha quedado un proyecto bastante rocoso y uniforme en cuanto a sonido y concepto”. Tanto rocoso como uniforme sirven para definir un trabajo que se sirve del hip hop

ga política, ya que es la ciencia que estudia la organización de las sociedades humanas y tú cómo individuo quieras o no formas parte de una organización. Tanto si hablas de amor, como de vender drogas, de tu nihilismo o de tu vacío existencial a la hora de pintar un cuadro, estás metiendo una fuerte carga política en tu obra, retratando tu espacio tiempo y por ende tu situación como individuo en el sistema al que pertenezcas”. Erik Urano lo ha vuelto a dejar claro: él no vende humo, regala niebla. —ricky lavado

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FOTO: XPECTRE

Erik Urano es, efectivamente, un mundo aparte, un rapero que no tiene igual en nuestra escena. Lleva años demostrándolo y explorando su propio universo. Y obviamente, Balaclava (Flat Bits/Gamberros Pro, 18) no es una excepción.

uso que se hace de las herramientas y no a las propias herramientas a lo que se debe de dar la responsabilidad que merece”. En el a menudo encorsetado panorama del hip hop nacional, plagado de discursos vacíos y de lugares comunes, figuras como las de Erik Urano son tan necesarias como imprescindibles. “Creo que es imposible desvincularse de un trasfondo político a la hora de crear, a la vez que completamente necesario no hacerlo. El problema es la percepción que la gente tiene de la propia palabra ‘política’, que suele ir asociada al panfletismo ideológico.

Para mí, el hecho de retratar o exponer tu realidad ya conlleva una fuerte car-

“Es imposible desvincularse de un trasfondo político a la hora de crear”

oscuro y de la electrónica más densa para crear atmósferas asfixiantes, frías e industriales como el paisaje que las inspira. Todos los elementos habituales en la lírica de Erik Urano están presentes aquí: el frio, la tecnología, la deshumanización en un presente gregario y la cosmología como válvula de escape. Sonidos urbanos y fraseo certero con estilo glacial, desde Valladolid y mirando al cosmos. “Sintetizo con palabras lo que sucede en mi entorno mas próximo, aunque sea desde un punto de vista más universal. Dentro de mi imaginario tienen mucho peso las condiciones climatológicas de mi situación, así como las urbanísticas, todo encriptado en esa constante metáfora espacial que amplifica ese mensaje a un entorno macrocósmico, pero siempre desde esa visión microcósmica que ofrece una urbe en concreto, y más si es pequeña o muy de provincias, como es mi caso. No creo que la tecnología conlleve deshumanización: al igual que las drogas o el conocimiento, es al

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Los productores Manul & Energy Man Breaking Bass Connection Son los capos del grime en España, tienen una fuerte influencia de todo el UK bass y lo sintetizan de una manera brutal bajo su prisma.

Zar1 Siempre pilota mi nave Para mí el número uno desde siempre, nada sino admiración y respeto por absolutamente todo lo que hace. Mi productor de cabecera desde el minuto cero.

Skyhook & Fake Guido Flat Fake Sky Dos productores que definen perfectamente la nueva ola de beatmakers en España. Admiro muchísimo el trabajo de ambos y para mí ha sido un lujazo contar con ellos como dupla por primera vez (y no la última) en este trabajo.

Edu Omega X files shit Edu consigue un sonido muy orgánico y con un halo de misterio que encaja perfectamente con la temática del tema. Es muy productivo y artesano con el ruido y esa linea de sinte del estribillo es una llamada directa a esas luces en el cielo. .

Lost Twin Flat Twins Sin duda uno de los mejores y más complejos productores de España, además de un virtuoso de los cacharros. Llevo muchos años trabajando con él y tenemos muchas cosas en la sombra. Un lujo el contar con ese beat y sobre todo con esa coda final instrumental, que me parece digna de estudio. —erik urano

noviembre 2018 #13

T u s

c o n c i e r t o s

A G E N D A

W E B

Juanito Makandé vive rodeado de agua turquesa y paisajes paradisíacos, quizás por ello disfruta hablando de su nuevo disco, El habitante de la tarde roja (Satélite K, 18).

J

uanito Makandé ha empezado a entender la vida, la riqueza que reside en esa tarde roja que da nombre a este recién estrenado álbum que lo ha llevado a trasladarse para poder respirar, vivir y volver a tener experiencias que le lleven a escribir nuevos temas. “El habitante de la tarde roja es el tipo que le da valor a las cosas a las que antes no se las daba y que va entendiendo la vida poco a poco. Es como una conclusión”. Además de cantautor, Juanito bebe la versatilidad en cada una de las líneas de sus letras, por eso se transforma en poeta bajo la timidez que le ha costado dejar atrás tras diecisiete años encima del escenario. “No he empezado a pasármelo bien en el escenario hasta hace cuatro o cinco años, siempre entraba con miedo y fatiga”. En esta nueva etapa como poeta se siente como pez en el agua, sin presión ni exigencias. “Eres tú, el papel, tu inspiración y tus recursos, por lo que siempre te explayas de una forma mucho más tranquila”. Los últimos meses ha estado arropado por su banda, esos amigos de toda la vida que le conocen muy bien y que han hecho rodar el disco tanto en el directo como en el encierro posterior para terminar la edición. El habitante de la tarde roja es un álbum con un sonido muy honesto entre el jazz y el flamenco callejero, dotándolo de un aire más elegante que nunca. —macarena gonzález

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en concierto l Sevilla 10 de noviembre. Auditorio Rocío Jurado l A Coruña 24 de noviembre. Inn Club l Pamplona 7 de diciembre. Zentral l Zaragoza 8 de diciembre. Oasis

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“

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Juanito Makandé Música y poesía

Albert Pla sin miedo Hacer de la banda sonora de un espectáculo un disco al uso puede salir mal o muy mal, acabar teniendo poco más valor que el del puro ‘merchandising’. A no ser que los temas los haya escrito Albert Pla junto a Refree, lo que hace que Miedo (Enunplisplasmúsica/Altafonte, 18) sea emocionante sin el soporte de su obra teatral homónima. Tiemblen.

C

uenta la leyenda que Albert Pla (Sabadell, 1966) lleva los bolsillos llenos de caramelos. Y que los reparte amablemente entre los periodistas cada vez que alguno de ellos le pregunta –original– qué es lo que más miedo le da. “Eres el periodista mil que lo hace. Te has ganado un dulce”, ríe al otro lado del teléfono el cantautor. La pregunta, más allá de la broma, no molesta a Pla sólo porque sea repetitiva. Está acostumbrado a la batalla; cuando no es sobre Catalunya es sobre la monarquía, cuando no... Siempre se le busca la punta. La cuestión incomoda realmente al de Sabadell porque él es como aquel personaje del cuento de los hermanos Grimm, Juan sin miedo. No le teme, asegura, en un tono que apenas sobrepasa los decibelios del aleteo de una mosca, a nada. Ni a subir al escenario, ni a bajarse de él. Es Albert sin miedo.

Pero de algo tienen que hablar las canciones. Y Pla ha hecho como el protagonista del clásico alemán: salir ahí fuera a buscar sus mierdas para contarlas.

Y al final las ha encontrado en sí mismo. Aunque sin mayor gravedad. “Yo tengo miedo… Pero también tengo basura, coche, tierra… Tengo mil cosas. Uno usa el concepto que le va bien en cada momento. En ese momento estaba en contacto con unas personas y unos ritmos de vida que me llevaron a estos temas.

Pero ideas no me faltan nunca”, apunta. Esas personas eran, entre otras muchas, Raül Fernández Refree (Barcelona, 1976), con el que trabajó codo con codo en la idea de un espectáculo teatral, Miedo, que ha acabado

siendo también siendo disco, bajo el mismo título y editado por Enunplisplasmúsica.

Si bien ninguno de los dos temía mostrar esas canciones fuera de los teatros, sin el envoltorio que este conlleva, sus seguidores sí sufrían porque la vuelta a las grabaciones del catalán, siete años después de Somiatruites (2011), fuera una mezcla poco agradecida entre una banda sonora y un objeto de merchandising. Poco más que un recuerdo de un show en el que Pla y Refree han trabajado cerca de dos años. Pero las canciones de Miedo funcionan en lo lírico (cómo no) y también en lo musical, principalmente por la chapa y pintura que agregó Refree a posteriori. Fábulas, ficción, mundo onírico… Universo Pla en el texto. Todo ello convive en los once temas del largo, ataviado de folk circense y bellísimas melodías desnudas pero también de rock épico. “Al principio teníamos la idea de hacer un disco, pero después vimos que se podía montar un espectáculo.

Prepararlo ha sido entretenido y complicado, mucha producción y triqui triqui. Una vez estrenamos, nos pusimos a limpiar y ver qué temas teníamos, qué podía ir y qué no. Y no sé qué riesgo había, ¿que cayéramos en una banda sonora? Como disco son diez canciones, al menos, interesantes”.

“Bailando a solas con mis miedos”, sentencia Pla en Bailando, una confesión –siempre susurrante y rasposa en su voz– que lleva a otra pequeña confesión al final de la charla. “Inevitablemente pienso que si estoy dos años por espectáculo me quedan solamente diez más por hacer. O igual estoy treinta años en esto, pero bueno, no mucho más... Y yo, insisto, tengo ideas cada día”, confiesa. ¿Le saqué un miedo? Ehem, gracias por el caramelito.

—yeray s. iborra

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noviembre 2018 #15

Rapsusklei Loco por el hip hop Insano juicio (Eterno Musik, 18) es el título del nuevo trabajo de este pionero del rap en castellano. Un EP de ocho canciones del cantante con más trabajos publicados en la historia del rap español.

vidado “No diría que se han ol pero sí los valores del hip hop,o” que se han desvirtuad

#16 noviembre 2018

FOTO: ARCHIVO

P

ocos, por no decir ninguno, tienen más discos grabados que Rapsusklei en el hip hop de nuestro país. Treinta y siete maquetas y ocho discos concretamente. “Y todas han sido importantes para llegar al lugar en el que estoy aunque muchas sean una puta basura”. Cuarenta y cinco publicaciones en veinte años y todas con un punto en común: el amor que este zaragozano siente por la cultura hip hop, una pasión que defiende cada vez que tiene ocasión. “No diría que se han olvidado los valores del hip hop, pero sí que se han desvirtuado. Hoy en día la parte musical ha vetado al resto y el oyente no necesita esos valores, cosa que por un lado está bien ya que se amplía el campo pero, por otro, los hip hop heads no lo llevamos muy bien ya que esta cultura nos salvó la vida y la guardamos como nuestro pequeño tesoro. Pero siempre que sea con buena intención y con esos valores emocionales que tanto nos representan, bienvenido sea cualquier tipo de sonido, idea o persona, ya que el hip hop también es compartir". Bajo esa idea alarga su carrera con un nuevo EP, un disco que, "sin dejar de ser lo de siempre, no suena a lo de siempre, sino que es un pequeño paso a los nuevos tiempos, pero con mi propia esencia”. Ocho cortes en formato EP, un envase poco usado hasta ahora por Rapsus. “Pero en una industria musical reinada por video-singles y redes sociales, sacar un álbum de dieciocho canciones me parecía demasiado. Vivimos en la era del consumo rápido y la gente escucha un par de temas y ya».

En Insano juicio encontramos “lo de siempre”: sonidos cercanos al funk, algo de flamenco y beatbox y, su especialidad, mucho rap clásico, que ve la luz de la mano de su sello, Eterno Musik. Un proyecto más del polifacético Rapsusklei, quien también ofrece sesiones de rap y reggae como Eterno Sound en Zaragoza y ha creado el proyecto “Acapellas por el mundo”, donde una vez al mes publica una canción “sin instrumental” grabada en una ciudad diferente. Una experiencia que le ha ayudado a nutrirse de la música de otros países y comprobar las contraposiciones con nuestra industria. “Es muy diferente. Ya no por los grupos, sino por la forma de encajar el arte en este país. Creo que el público general no está tan preparado como en el resto de Europa, en el que no diferencian a un artista sea rapero o cantante de ópera, sino que es un artista y ya está, independientemente del tipo de música que haga. Otra buena culpa la tienen los medios, que sólo sacan raperos si son batallas de gallos o algo muy mediático, y más por su tirón o por el típico mainstream vendible para el consumista medio tirando a bajo que no va a rebuscar más allá de lo que le pongan fácil y sencillo. En otros países llevan escuchando rap, soul, funk, blues o reggae en siete u ocho emisoras desde hace veinte años. ¿Por qué no es igual aquí?". —alfonso gil

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EN CONCIERTO l Reus 16 de noviembre. Lo Submarino l Terrassa 17 de noviembre. Faktoria d'Arts l Mataró 23 de noviembre. Sala Clap l L'Hospitalet de Llobregat 24 de noviembre. Salamandra l Salt 01 de diciembre. La Mirona

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l fenómeno Crim sigue imparable. Desde que Blau Sang, Vermell Cel vio la luz en 2016, la banda catalana de punk rock no ha parado de girar por medio mundo. Aún así, no todas las giras son iguales. “Estados Unidos fue una sinrazón constante: buenas salas pero condiciones muy precarias, sin pruebas, ni cena, ni bebida, ni alojamiento, ni agua… nada. Sólo les importa el dinero y el espectáculo. Por ejemplo, en un festival punk en Las Vegas en el que tocaba NOFX, ¡había tiburones dentro de la piscina del hotel! Y todas las estrellitas del punk allí reunidas... ¡No tiene puto sentido!”, explican indignados. “En cambio, la gira europea con The Adicts fue todo lo contrario: teníamos catering al llegar a las salas, y podíamos descansar después de los bolos. Fue un gustazo”, comentan con emoción.

A todo eso, Crim publican el 9 de noviembre su nuevo disco Pare Nostre Que Esteu A L’Infern. ¿Lo consideran un título impactante? “Queríamos un título que rompiese. Me gustó porque en el colegio al que iba de pequeño nos

EN CONCIERTO l Tarragona 02 de noviembre. El Morell, Pintor Rock l Barcelona 29 de diciembre. Razzmatazz l A Coruña 11 de enero. Sala Mardigans l Vigo 12 de enero. Sala Master l Zaragoza 18 de enero. Arrebato l Madrid 19 de enero. Wurlitzer

#18 noviembre 2018

FOTO: ERIC ALTIMIS

Crim El punk rock no E ha muerto

No hay dudas posibles. Crim se están convirtiendo a pasos agigantados en una de las bandas de punk rock más sólidas de la escena. Pare Nostre Que Esteu A L’Infern (Tesla/HFMN/Contra/Pirates3/BCore, 18) lo subraya en letras mayúsculas. giendo a los que no las cumplen. Nada tiene sentido.”

Son sólo algunos avances de un disco en el que buena parte de los cortes rebasan los tres e incluso los cuatro minutos de duración. ¿Habrán tenido alguna vez ganas de simplificar? “Nunca nos planteamos si una canción debe o no debe ser corta. Que los temas punk tengan que ser cortos nos parecería una imposición”. Pues andan en lo correcto, porque los estribillos de Crim enganchan de lo lindo. ¿Cómo lo conseguirán? “¡Claro que buscamos petarlo en el estribillo! (risas). “Al componer intentamos que cada parte tenga su sentido y respete la que viene después. Si una parte no nos mola, no la ponemos”.

—toni feliu

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nos “Nada del sistema que controla tiene sentido” hacían rezar cada día esa puta mierda, y ahora tengo la oportunidad de cagarme a gusto en ella, ordenadamente y rimando. Hay gente a quien le ha parecido demasiado fácil, pero a nosotros nos encantó al instante. Y musicalmente hemos hecho lo que nos ha dado la gana. Sigue siendo Crim, evolucionado”, explica Adri (cantante y guitarra).

No se muerden la lengua con sus letras (siempre en catalán), con versos como “Violadores vestidos de curas/predicando la humildad/mientras tienen todo el oro escondido”. “Hoy en día tiene que ser de lo más normal poder decir que los curas son unos pederastas y que la Iglesia lleva cientos de años robando. Al final la Iglesia es el sistema.

Es alucinante lo que está pasando con lo de cagarse en Dios, juzgado por humanos… Que sea Dios quien te juzgue, ¿no?”. También hay momentos para el misterio, escondido bajo el verso”Somos un triste experimento/que no ha ido bien”.

Lo explican, más o menos: “Annunakis.

Ingeniería genética ancestral. Al Dios lagarto le salió rana. ¿Sabes cuando las plantas lentejas se mueren, que no pasa

nada? Pues nosotros somos esas lentejas, aunque el tiempo pasa mucho más lento. Pero el sistema sigue intentando hacer experimentos con nosotros, tener un rebaño de ovejas bien educado.”

El disco incluye el tema La puta copa del rei. ¿No les gusta esa copa? “Cuando ves la farsa televisiva en la que se silencia a la gente que pita, con los Reyes poniendo buena cara mientras todo el mundo está silbando contra el himno y lo que la monarquía representa... Mientras haya fútbol, Gran Hermano o cualquier fenómeno similar parece que todo va bien, pero es en el momento de los pitidos cuando la gente parece que despierta un poco”. La crítica social sigue en Hivern etern, en la que se habla del desconocido artículo 47 de la Constitución, por el cual todo el mundo tiene derecho a un hogar digno. “Es un artículo que está muy bien, pero luego tenemos a los bancos echando gente a la calle por hipotecas. ¡Es cuestión de vida o muerte! Se aplican otros artículos, pero este no, con lo cual el sistema que crea las leyes acaba prote-

discografía

Pare Nostre que esteu a l’Infern BCore, 2018 9/10

Blau Sang, Vermell Cel BCore, 2016 9/10

Sense Excuses BCore, 2018 7/10

Crim Walk Alone Records, 2014 8/10

10 milles per veure una bona merda Walk Alone Records, 2011 7/10

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“ FOTO: ARCHIVO

e “Es increíble lo bien qu r de ito cr me siento como es canciones”

Roosevelt Romance joven Madrid. Interior. Día. Diez de la mañana.

Cuatro datos que al cruzarlos con las palabras ‘música’ y ‘electrónica’ parecen evocar un after antes que una entrevista.

Pero no. La realidad es que hemos quedado para charlar sobre Young Romance (City Slang/Music As Usual, 18), su nuevo disco, en un céntrico hotel de la capital.

E

algo que me sorprendió. Él me influyó mucho allá por 2010 o 2011, justo cuando empezaba mi carrera”.

La indiscutible luminosidad de cada una de las canciones aleja a Roosevelt de la oscuridad del club. “Fue una decisión inconsciente. No me senté a pensar y dije: ‘voy a ir a por esta sensación’. Pero sí, estoy de acuerdo en que los sonidos son menos crípticos. Sentía que este era el paso correcto que dar y con el que avanzar en la electrónica”. Al escuchar Young Romance, que le traerá de nuevo a España los próximos días 16 (Madrid, sala Gotham) y 17 ( Barcelona, sala Razzmatazz 2) de noviembre para presentarlo en directo, se plantea la posibilidad de que sea uno de esos conceptos multifunción en el que a veces se embarcan los músicos. Y es que lo mismo puede ser la puntada final a una historia de amor que nunca terminó, la sepultura de algo que nunca tuvo un entierro digno o, simplemente, un estado mental impostado. Lauber nos saca de dudas: “Era un título que iba muy bien con las canciones que había escrito. En un punto estuvo pegado a mí porque en todas las canciones hablaba sobre amores de juventud desde diferentes perspectivas cuyo denominador común eran el mismo tipo de sentimientos. Al principio solo fue un título, un tema con el que empecé a trabajar pero al final del proceso se convirtió en un sentimiento”. —maría ballesteros

l lobby es el lugar en el que nos citan con Marius Lauber, el ser humano que opera bajo el citado alias. El productor, compositor y Dj ha publicado Young Romance: un trabajo concebido en su nuevo –y flamante– estudio de Colonia (Alemania), en el que pasa la mayor parte del día; solo, sin compañía. Quizá, por eso, las historias que cuenta “ocupan un lugar prioritario.

Es increíble lo bien que me siento como escritor de canciones”.

Las doce canciones que integran el álbum están producidas por Chris Coady (Grizzly Bear, Beach House) y tienen tanto potencial que prácticamente diez de ellas podrían ser single. Algo que denota el talento para crear hits del alemán. Sobre su trabajo con Coady, solamente tiene halagos. “Lo que me r gustó de él fue que no me trató como productor de electrónica, sino como si fuera un grupo, lo cual trajo Más en www.mondosonoro.com consigo una parte más tridimensional. Es como si trajera la mezcla a la vida”. Para aderezar el largo, le pidió a Washed Out que participase en él. “Le envié un email diciéndole que l Madrid era muy fan y si se imaginaba 16 de noviembre. Gotham The Club cantando Forgive. Me dijo que sí, l Barcelona que estaba al tanto de mi músi17 de noviembre. Razzmatazz ca, que le gustaba lo que hacía;

en concierto

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noviembre 2018 #19

EN PORTADA

Asalto a los Rosalía Rosalía publica El mal querer (Sony, 18): hits inmediatos (Malamente); canciones que estiran el flamenco hasta el pop (Bagdad); y muchos otros palos que hilan el conjunto. Un disco de mil capas. Un largo que deconstruye el amor romántico por capítulos. Un alegato a repensar las relaciones para conquistar el mercado global.

—texto Yeray S. Iborra

E

l truco es la organización. Saber decir ‘no’. Y dormir –comenta risueña– “un pelín menos” de lo que le gustaría. El calendario de Rosalía Vila (Sant Esteve Sesrovires, 1993) no tiene más hojas que el del resto de los mortales. Aunque lo parezca.

Tal vez por eso ha costado tanto cuadrar este encuentro, que se ubica con alfileres entre un evento de la cantante en Barcelona y otro en Madrid.

Faltan poquísimos días para la salida de El mal querer, su nuevo y esperado largo.

En menos de dos años, desde que se publicó Los Ángeles (Universal, 17), la vida de Rosalía ha dado un vuelco. La joven catalana ha ido apretando la agenda, pero no a bulto, como quien mete un edredón en una lavadora. Siempre con cabeza. Por ello, en este tiempo, ha traspasado unos cuantos techos de cristal: colaboraciones internacionales (Brillo, con J. Balvin); actuaciones en los Grammy (y nominaciones a ellos) o la preparación de un espectáculo previo a la salida de su disco para Sónar. Un aperitivo catalogado por la prensa –sin excepción– de exitazo. Aún así, Rosalía ha encontrado el –como le gusta llamarlo– “drive”, el rollito y la dirección, para crear un artefacto narrativo complejo: El mal querer, producido mano a mano con El Guincho, y que debe consumirse por capas. El álbum está compuesto por temas que le rascan a uno la oreja con facilidad (Pienso en tu mirá), que le hacen moverse sin posibilidad

#20 noviembre 2018

de resistirse (Malamente) y por otros más crípticos (para oyentes más allá del top de Spotify, dígase Nana). Una fórmula certera para mantener un discurso artístico de nivel y, a su vez, empezar a escalar en el selecto club del pop global. Un asalto al cielo con un trabajo que habla, básicamente, de la deconstrucción del amor romántico, de repensar las relaciones, con un final que es casi un alegato feminista.

Rosalía vive en el andén. Trabaja para coger un tren –metafórico– que la catapulte a la liga de las grandes. Pero en una hora le parte –literal– otro desde Sants. Aun así, cuando la catalana se sienta a hablar, se acaban las prisas. En tono pausado, como se hacen ahora los temas, bajitos de bpm’s, mima las palabras y accede a reflexionar sobre todo lo que tenga que ver con su carrera: el precio de sus tickets, su relación con la fe o la responsabilidad social del artista. Para ella hay una única filosofía: viva en Barcelona o Miami, los pies en la tierra. Y para los suyos, cuidados.

—Se relaciona El mal querer con el “desamor”, pero el capítulo final, Di mi nombre, es puro empoderamiento. ¿Es este disco un alegato feminista?

No sé si diría que es un alegato feminista. Hay una intención de vincular una figura femenina con el poder, con la fuerza. Pero no sé si hablaría de feminismo, porque puede tener muchas connotaciones. Pero el disco es un viaje, un cuestionarse a nivel antropológico el amor o la forma como nos relacionamos.

—¿De dónde parte ese interés?

Pedro G. [íntimo también de Niño de Elche] me recomendó una lectura, Flamenca, una novela del siglo XIII de autor anónimo. Me costó encontrarlo… Pero cuando lo leí me fascinó. El libro me conectó con cosas que me parecía interesante cuestionar. Quería abrir esa caja.

—Hacer capítulos, compartimentar ese interés, no debió ser fácil.

Pues en realidad todo empezó con los capítulos. Los pensé lo primero. Fue mi trabajo final de carrera [Rosalía estudió Flamenco en la Escuela Superior de Música de Catalunya]. Antes de hacer las canciones tenía claros los capítulos y antes incluso el título del disco.

—Durante el “viaje” del largo hay capítulos que no parecen de nuestra generación... La boda, por ejemplo. ¿Es algo puramente simbólico?

Hay capítulos que funcionan como metáfora, sí. Puedes entender el enlace como el momento en que te olvidas de ti mismo y te dejas de lado, te abandonas. El hecho de unirte con algo o con alguien a veces te hace sacrificar cosas.

—¿Pensaste en introducir otras formas de relación en el disco? ¿Poliamor?

Me planteé un posible triángulo amoroso. Que no hubiese sólo dos individuos, con una voz claramente masculina y otra femenina. Pero no tenía claro… Ya es confuso que haya dos voces y que yo las encarne las dos... Igual era mucho lío meter otro individuo. Pero me parece interesante la idea. Vivimos de forma muy concreta el amor y tal vez sea interesante plantear otras formas de querer.

—Todo el mundo se preguntaba dónde estaba el capítulo dos cuando salieron los primeros singles (capítulo uno, Augurio, y capítulo tres, Celos). ¿Que el trabajo tenga una voluntad narrativa tan clara contrasta con cómo se consume hoy día la música?

Es interesante, porque el orden de las canciones y las letras no es aleatorio. Todo tiene un sentido. A nivel conceptual y estructural, el disco está pensado al detalle. Pero a la vez… mira, si Malamente sirve para que la gente entre y luego se encuentre con una nueva capa, fantástico. Quien quiera encontrarse sólo con Pienso en tu mirá y luego con las más experimentales o flamencas no conecte, no pasa nada. Pero quien quiera entrar, que pueda hacerlo.

—¿Tienes la sensación que los discos van a ir por ahí de ahora en adelante? Vibras de J. Balvin tiene hits que mezcla con interludios, como en tu caso, que sirven como pasaje entre temas.

Sí. A mí me gusta que Malamente funcione por sí sola y te la puedas encontrar pinchada en un club o en Spotify

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cielos

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noviembre 2018 #21

CRITICANDO

"Puedes controlarlo todo. Yo controlo todo lo que pasa con mi música"

El mal querer

3

pero dentro del contexto del disco adopte otro significado y tenga más lecturas. Uno de mis libros favoritos es Rayuela [1963], de Julio Cortázar. Me marcó mucho. Recuerdo que me sorprendía que lo pudieras leer en el orden que él te proponía o como tú quisieras. Los capítulos los podías disfrutar por separado y si los ponías en contexto funcionaban igual. Este disco tiene esa misma intención.

—Es una forma inteligente de relacionarse con el mundo del streaming...

Sí, pero no lo hago por una mera cuestión estratégica, sino teniendo en cuenta mi porqué de hacer música: compartirla. La prioridad es estar conectada con cada momento que estoy viviendo y que este sea una vía de comunicación, no un monólogo. Quiero poder compartir mi música con todo el mundo.

—¿Las canciones más “directas” están compuestas en lugares diferentes a las que son “interludios”?

Todo está mezclado. Porque el disco está hecho entre Barcelona, Madrid y El Hierro, donde fuimos con Pablo Díaz-Reixa, El Guincho. Hemos trabajado un año y medio con él haciendo músicas; y ha tenido mucha paciencia conmigo. De alguna forma me ha acompañado sin prisa para que yo fuera probando y probando. Eso ha sido muy gratificante.

—¿Sobre la mesa estaba la idea de estirar del flamenco hasta donde se pudiera? Él sabe que yo lo entiendo así. Él sabe que en todo momento quería hacer un disco con voces, muy rítmico, con uso del sampler. Con diecinueve ya sabía que quería un disco de flamenco vinculado al uso del sampler pero no tenía la manera, sentía que tenía que estudiar más.

—¿Estás interesada en la autonomía total dentro de un estudio?

Tomo clases de ingeniería de sonido. A los treinta me gustaría no sólo hacer discos a medida de lo que me gusta a mí sinó ser versátil para poder trabajar para otros.

—Volviendo a los samplers... ¿Lo de Justin Timberlake en Bagdad es cierto? ¡Sí! Y nos dio el ok, que por lo visto nunca lo hace. Nunca deja que pase.

Y queda increíble. Hay más guiños: Di mi nombre también es por Say My Name (Destiny’s Child). Son homenajes a mis músicas de adolescencia.

—¿Con lo que se ha agitado tu vida en estos dos años, ha sido fácil #22 noviembre 2018

encontrar espacios para tener el mood de crear?

[Para de beber agua y levanta la mirada] No, no lo ha sido...

—¿Y cómo lo has hecho?

Durmiendo poco... [ríe]. No, bueno, básicamente se trata de ser muy inteligente en la forma como te estructuras la agenda. Y saber decir que ‘no’, escoger. Tener claras las prioridades y focalizarte mucho. Para mi los dos lugares más importantes en la vida son el estudio y el escenario.

Y a partir de aquí, todo lo demás es secundario. Shootings, promos, no sé qué… Secundario. Si ahora puedo estar haciendo música con gente de fuera, que es un sueño, pues esa es la propiedad.

—Pero, ¿sigues teniendo el tiempo para pensar con claridad después de tanto trajín?

Sí. Siento que tengo la suerte de tener a mi hermana [Pili, Daikyri en Instagram, su estilista y mano derecha, que aguarda en la mesa de al lado] y a mi madre trabajando conmigo, un buen entorno. Lo de fluir o no fluir... Desde hace años mi forma de fluir es ser exigente y trabajar muy duro.

—¿La Rosalía de ahora le habla a una persona diferente a la de hace dos años? ¿Le habla a Miami, Los Ángeles o Nueva York? Promocionaste en Times Square...

Me hizo mucha ilusión. A excepción de Alejandro Sanz, que ha sido el artista más internacional que ha tenido España, siento que los artistas hacen su música para compartirla sólo aquí. Como si hiciesen propuestas pensadas en local. La industria aquí está empezando a coger forma y somos muchos los de mi generación que empezamos a salir. En América en un estudio hay un productor vocal, otro ejecutivo, beatmakers…

Diez personas haciendo muy bien su trabajo. Y eso es porque hay una industria del entretenimiento y las artes fuerte y asentada. Tu escuchas un disco de Kendrick Lamar y no hay nadie en España que suene así.

No hay un estándar así, siendo sinceros. Me dices, ¿te ves viviendo en Miami o Los Ángeles? Pues hombre, medio año aquí y medio allí. Un pie aquí y otro allí. ¿Por qué? Porque los productores que están allí no están aquí y me gusta aprender de ellos y hay mucha gente con la que me motiva crear un diálogo artístico. Hacer una melodía de flamenco en un tema de Pharrell Williams, me encantaría. Me explota la cabeza.

Me hace feliz, por todo lo que significa para mí el flamenco. Me siento una embajadora de esta música.

—A muchos parece que les pese que te sientas embajadora del flamenco.

Pues sí, pero aunque les pese, es lo que hay. Me hace feliz. Es la música que más quiero del mundo y quiero que el mundo entero se enamore de ella como a mí me pasó. Siento que tengo una vinculación con el flamenco que no elegí. En España, mi generación nos estamos haciendo un hueco… Tener un billboard en Times Square es una cosa por la que todos los que somos de aquí deberíamos estar contentos. Como debemos estarlo porque Charli XCX ponga a Bad Gyal en su playlist o porque C. Tangana haga un tema con Becky G... España está en el punto de mira, como puede estarlo Colombia. Podemos hacer algo como lo de fuera pero que no sea lo de fuera, que tenga nuestras raíces, que muestre lo que somos. Está bien pensar en grande. Desde la humildad.

Siempre que salga desde un lugar puro y orgánico. Yo no veo un equivalente de los shows de Pharrell Williams aquí. ¿Por qué no? No hay que tener miedo a pensar así.

—Las entradas de los grandes espectáculos no son baratas. ¿Te preocupa que si todo esto se hace demasiado grande parte de tu público no pueda acceder a tu directo?

Totalmente.

—¿Y eso se puede controlar?

Claro, puedes controlarlo todo. Yo controlo todo lo que pasa con mi música.

Sony, 2018 POP 9/10

En la era del streaming parecía imposible conectar lo artístico con lo comercial.

Hacer un trabajo lleno de pelotazos y a la vez con mensaje, hilado. Un disco, al uso, vamos. Hasta que llegó Vibras (Universal, 18) de J. Balvin, del que Rosalía también participa en la preciosa Brillo y que ha redefinido el juego del pop global. Es un largo de reggaetón que se puede bailar pero también escuchar de principio a fin, gracias a la fórmula de los interludios (engranajes musicales que tiran incluso del ambient).

Ya se conocían algunos temazos –Mi gente tenía ya millones de escuchas en Youtube– pero que luego, empaquetadito, se disfruta diferente (a lo Rayuela, como describe con tino la propia Rosalía), o incluso más. Algo parecido pasa con El mal querer, que mezcla canciones instantáneas (¿quién no se ha dejado atrapar por Malamente estos últimos meses?) con pasajes de flamenco más experimental, bastardo y de digestión lenta. Para armar el disco, Rosalía ha contado con el acompañamiento –así lo cita ella misma– de El Guincho, otro amante de la vanguardia que ha dejado que la voz de la catalana se abriera paso sin corsés. Sin frenos, sin resolver él los atolladeros (que los ha habido). Ambos tenían una premisa clara: querían darle la vuelta al flamenco, no hacer un largo de género, pero a la vez respetar las raíces musicales de la catalana. El resultado es una mezcla de futuro: palos alucinados, más arriesgados, comidos de samplers, electrónica downtempo... En esencia, pop sin prejuicios. —y.s.i.

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—Pero, entradas a cuarenta y cinco euros para una joven de dieciocho años... No las podrá pagar. ¿Cómo lo harás?

Depende, si una producción vale eso… Pues la entrada costará ese precio. Pero buscaré contextos diferentes para mis conciertos. Igual habrá conciertos con ese precio alto, porque llevarlos a cabo es caro. Pero también habrá otros donde igual todos se lo podrán permitir. Algo más intimista. Lo tengo en la cabeza cien por cien. No está bien perder a la gente por el camino. Si no, no tienes posibilidad de incidir realmente en la cultura. [Días después de esta entrevista Rosalía anunciaba una presentación gratuita de El mal querer en Madrid] —Has crecido mucho en Instagram últimamente. Allí todo parece frío y estético. Contrasta con tu forma de relacionarte cara a cara...

Siento que me acerco a todo el mundo desde el mismo sitio. Hay matices y quien me conoce desde pequeña los ve, supongo. Ve que en el escenario potencio o neutralizo según qué cosas. Todos lo hacemos en mayor o menor grado. ¿Por qué lo dices lo de Instagram?

—Las redes construyen un artefacto. ¿No hay responsabilidad de explicar que igual nos tenemos que cuidar también en ellas?

Yo todo lo pienso desde el mimo y los cuidados. Siempre fui así. Esa idea de un artista que se cree que debe ser adorado o que todo gira a su alrededor y se lo puede permitir todo, no la comparto… Pero bueno, ves a Cardi B en su Instagram y flipas. Con su red en la cabeza, una peluca, y riendo… Hay que cuidar y querer esto que hacemos pero no sé, también me flipa Cardi B en su Instagram.

—Has replanteado las relaciones en el disco. Algo muy político para los feminismos. ¿Te sientes en la obligación de entrar en otros debates políticos?

Intento estar conectada a lo que pasa a mi alrededor. Hay cosas que me preocupan. Por las que sí siento que me tengo que implicar. Y me implico [da una palma con el revés de la mano, como en el ya icónico clip de Pienso en tu mirá]. Pero no quiero forzar: a nivel político hay cosas que querría que se hicieran mejor pero siento que no tengo conocimiento mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

"Hacer una melodía de flamenco en un tema de Pharrell Williams, me encantaría. Me explota la cabeza"

suficiente. Durante años he estado sumergida en la música para intentar hacerlo lo mejor posible en este sector. Prefiero que los que saben más que yo hablen más que yo; no voy a utilizar mi voz para hablar sobre algo sobre lo que no tengo conocimiento.

—Has trabajado en una película con Pedro Almodóvar. ¿Las alfombras rojas pueden llegar a cegar?

Siempre hay algo que aprender allí donde estás. Y si te interesa estar en contacto con el mundo, abres Twitter o un periódico en cualquier hotel y ya está. Nunca me dejaré escudar por el ‘oh, por mi nueva vida no puedo estar conectada’. No. —Hablando de conectar: te expresas sin tapujos sobre un tipo de conexión que no es muy frecuente entre los jóvenes... La conexión con Dios.

Siento que soy una persona espiritual. Creo más en la causalidad que en la casualidad y a la vez creo que todos estamos aquí por algo, que tenemos un comedido. Es mi forma de vivirlo.

—¿Te viene de familia?

No, es algo muy mío. Mis padres no me bautizaron ni me llevaron a la iglesia. Mi abuela me llevaba pero yo me fijaba en la música [ríe]. Pero a medida que he ido creciendo me he ido dando cuenta que soy muy espiritual. Es cierto que hoy día no se habla tanto de esto por el prejuicio de vincular lo religioso con las instituciones, pero para mi no tiene nada que ver. Lo espiritual tiene que ver con algo que te trasciende. Con una emoción. —y.s.i.

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noviembre 2018 #23

L a m á s

m ú s i c a q u e c e r c a t i e n e s

E D I C I Ó N E S

L O C A L E S

WHITE MAGIC FOTO: ARCHIVO

kolars FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Los LIBROS de mi Vida

El sello discográfico y promotora de conciertos La Castanya, dirigida por los hermanos Joan y Albert Guardia, celebra este mes de noviembre sus diez primeros años de trayectoria. A lo largo de esta década de actividad, han trabajado por apoyar a cierto tipo de formaciones con las que les une una relación personal, tanto las estatales (desde Aries a Aliment, Desert o Me And The Bees) como a las internacionales (desde Ian Svenonius a Ted Leo & The Pharmacists u Obits). De ahí que hayan decidido celebrar este aniversario con cuatro artistas que les encantan, todos ellos estadounidenses: Hot Snakes, The Van Pelt, Flasher y White Magic. Actuarán en Madrid (16 noviembre, Teatro Barceló) y Barcelona (17 noviembre, Sala Apolo). —MS lacastanya.bandcamp.com

Marc Gili (Dorian)

Dorian se superan a si mismos presentando Justicia Universal (Intromúsica, 18) con tres La Riviera en Madrid (8, 9 y 10 noviembre) y dos Razzmatazz en Barcelona (23 y 24 noviembre), pero antes de que esos conciertos se celebren, Marc Gili nos descubre seis libros que le han marcado.

Rayuela

BIZNAGA FOTO: ARCHIVO

Julio Cortázar (1963)

Novela deconstruída donde las haya, Rayuela trata de capturar la vida en estado puro, con sus banalidades y sus incongruencias, porque nuestra biografía no tiene un argumento definido, sino que está salpicada de momentos en los que nada se dirige a ninguna parte.

Madam Bovary

Monkey Week Llega noviembre y encaramos una edición muy especial del andaluz Monkey Week, que este mes cumple sus diez años de historia. Con el apoyo de SON EG, los responsables de esta muestra de nuevo talento organizan de nuevo una larguísima lista de conciertos, showcases y charlas relacionadas con el nuevo talento.

Así, del 19 al 24 de noviembre, Sevilla acogerá tanto las actuaciones de artistas ya consolidados como María Arnal y Marcel Bagés, Pony Bravo, Novedades Carminha, Toundra, Mujeres, Perro o Biznaga como de formaciones que están abriéndose camino como Esteban & Manuel, Baiuca, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Candeleros y muchos otros.—MS monkeyweek.org #26 noviembre 2018

Houston Party

Gustave Flaubert (1857)

Es una novela de una profundidad psicológica y de una técnica narrativa extraordinaria. Los dilemas de sus protagonistas no han pasado de moda porque son tan universales como la vida misma. Recomiendo leer antes la clase acerca de esta novela que escribió Vladimir Nabokov.

Bajo el volcán

Malcolm Lowry (1947)

Suele decirse que Bajo el volcán es una novela que habla sobre el alcoholismo, y desde luego Geoffrey Firmin, su protagonista, padece esa enfermedad, pero eso no es sino una consecuencia de sus verdaderos problemas: el vacío existencial, la desorientación vital, la caída de un hombre maduro en un mundo carente de referentes morales.

Lolita

Vladimir Nabokov (1955)

Podría defender la idea de que Lolita es la mejor novela del siglo XX dicindo que su prosa es de una finura extraordinaria, que el talento de su autor para escarbar en la mente retorcida de su enfermo protagonista sin caer en lo histriónico o lo grotesco es de una clase exquisita, que su arquetípico personaje femenino ha dejado una huella imborrable en la cultura occidental.

Ordesa Manuel Vilas (2018)

Manuel Vilas está obteniendo un gran éxito con Ordesa. No es para menos. En este libro duro y descarnado, de una sinceridad a flor de piel que desarma y engancha, nos habla de la relación con sus padres y consigo mismo en el contexto de una España atrasada que se vivía en color sepia.

La señora Dalloway Virginia Woolf (1925)

Todo Virginia Wolf está concentrado en esta novela, que narra un día en la vida de Clarissa Dalloway.

Woolf lanza una mirada caleidoscópica sobre la sociedad británica de entreguerras, construyendo un fresco social que le sirve de marco para expresar sus dudas existenciales. —MS

En estos últimos veinte años la promotora Houston Party Music ha acercado a nuestros escenarios a más de trescientos artistas, la mayoría internacionales (Elvis Costello, Pet Shop Boys, Alabama Shakes, Belle & Sebastian, Kate Tempest, Marshmello, etcétera). Y los próximos meses nos traen a gente como The Cat Empire o Ryley Walker (busca la programación completa en: www.houstonpartymusic.com). Para celebrar estos veinte años, la promotora organiza un concierto especial (La [2] de Apolo, 8 noviembre) con dos bandas estadounidenses: Kolars, un dúo de Los Angeles de pop-rock-disco, y Fantastic Negrito, que será el plato fuerte de la noche. Al terminar los conciertos habrá sesión a cargo Houston Party Music DJs. —MS

NOFX FOTO: archivo

La Castanya X

Gasteiz Calling Las mejores bandas de punk y hardcore volverán a Gasteiz en la cuarta edición del Gasteiz Calling que se celebrará en el Iraider Arena los días 9 y 10 de noviembre.

El cartel, encabezado por NOFX y los suecos Refused, sigue la línea abierta en las ediciones anteriores de apostar por bandas históricas del punk y el hardcore. Así, nos encontraremos con el punk británico de The Boys, el hardcore punk de Propagandhi en su única fecha en la península, el crossover de Mike Muir y sus Suicidal Tendencies, el punk británico de Cockney Rejects y The Exploited, con el primer concierto de la reunión de Nations On Fire y con los representantes del NYHC, Agnostic Front.

Euskal Herria quedará representada con Adrenalized, XXL, Rat-Zinger, Segismundo Toxicómano y Soziedad Alkohólika. —MS www.gasteizcalling.com

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Veinte años de Clandestino El 6 de octubre de 1998 se publicaba Clandestino, el debut de Manu Chao en solitario tras la disolución de Mano Negra. Recordamos en su veinte aniversario ese disco de aparente sencillez que consiguió vender tres millones de copias en todo el mundo y convertirse en la punta del iceberg del mestizaje.

cialmente del ska y del punk. Rumba, world music, pop, rock, salsa, electrónica o reggae se mezclaban sin complejos con un marcado carácter latino. De igual modo, y aunque con una amplia presencia del castellano, las lenguas iban pasando del francés al inglés o del gallego al portugués. Las letras mantenían el discurso reivindicativo (el drama de la inmigración, la legalización de la marihuana…), aunque con espacios para el amor, el desamor y, en el trasfondo, una melancolía imperante. No tanto a nivel personal sino social, como quien carga sobre sus hombros el peso de la pobreza que ha visto.

La lírica estaba aliñada en todo momento por samplers que iban desde discursos del subcomandante Marcos a mensajes de amigos dejados en su contestador telefónico, fragmentos de otras canciones (Llorona en mitad de Mentira) o noticias tomadas de la radio.

El 6 de octubre de 1998 Virgin publicaba Clandestino bajo el sello Virgin Records. Un total de dieciséis cortes sin separación ni silencio alguno en sus tres cuartos de hora. Canciones cortas, directas y pegadizas (tres ingredientes necesarios para la viabilidad comercial) que supieron conectar con toda una generación. El éxito no fue instantáneo,

C

omo en tantos otros grupos, las tensiones de las giras infinitas terminaron por quebrar los lazos que una vez unieron a los miembros de Mano Negra. En 1994 salía a la calle Casa Babylon, su cuarto y último disco de estudio. Su cantante, Manu Chao, siguió tocando con algunos integrantes de la banda bajo el nombre de Radio Bemba, pero aquello era una gallina corriendo sin cabeza y no se alargó demasiado en el tiempo.

En su condición de eterno viajero, Manu comenzó entonces a cavilar las canciones de lo que sería su debut en solitario. El denominado ‘Estudio Clandestino’ suponía un ordenador portátil con el que fue grabando aquí y allá las pistas de su ópera prima, que inevitablemente se fueron impregnando de la cultura y el sabor de los lugares que visitó, principalmente de Latinoamérica.

El músico francés preparó unas estructuras de aparente sencillez (muchos de los temas apenas tenían tres acordes) asentadas en bases electrónicas, rasgueos de guitarra sin mayores florituras, samplers por doquier y sus voces dobladas, rematado todo con los vientos de Jeff Cahours (trombón), Antoine Chao (trompeta) y Ángelo Mancini (trompeta) y los coros de Anouk y Awa Touty Wade.

La música seguía teniendo un millón de influencias, pero se alejaba de los ritmos acelerados de Mano Negra, espe-

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pero superó toda previsión. Más de tres millones de copias vendidas en todo el mundo lo convirtieron en disco de diamante, disco de platino en España y disco de oro en Alemania. Los cortes encargados de abrir (Clandestino, Desaparecido y Bongo Bong), corrieron como la pólvora por Europa y Latinoamérica y se convirtieron en verdaderos himnos. Los cantaban hippies y rockeros, rastas y pijos, punks y piesnegros.

Se escuchaban en la televisión, la radio, los bares, las discotecas, las okupas, las manifestaciones, las calles, los parques, los festivales… Los grupos afines no tardaron en aflorar: Amparanoia, Ojos de brujo, Macaco, Combo Linga, Sr. Antipirina, Canteca de Macao… La mecha del mestizaje estaba prendida.

Por su parte, Manu Chao apuntaló su carrera en solitario sin hacer ningún caso a los canales de promoción, consiguiendo crear una banda estable con la que grabaría su siguiente disco cuatro años después, Próxima estación… Esperanza, a la vez que dejaba pequeños recintos como el Central Park de Nueva York o la Plaza de Catalunya en Barcelona en sus multitudinarios conciertos. La nueva aventura de José Manuel Arturo Tomás Chao Ortega acababa de arrancar.

—jesús casañas

Los músicos opinan: (Amparanoia) Sentí mucha emoción, Manu vino desde París con una casete que me dio y me dijo: “Escúchalo y luego me cuentas que te ha parecido”.

Conocía algunos de los temas en guitarra y voz y lo primero que me encanto fue la producción, el groove hipnótico de todo el álbum y escuchar mi voz de un mensaje de contestador que le envié mientras estaba haciéndolo, aislado del mundo en su estudio.

(Rubén, La Pegatina) Lo primero que influyó es que Desaparecido, una de las canciones del disco, fue la primera canción que aprendí con guitarra, ya te puedes imaginar la satisfacción personal de aprender tu primera canción. Pero profundizando un poco más creo que lo que hizo este disco en mí era sobre todo a atreverme a hacer canciones y a tener ganas de grabarlas. Los samplers fue una de las cosas que más me marcaron, nuestro primer disco está lleno de frases grabadas con un minidisc por las calles de Barcelona y Montcada.

(Joni, Kasba Music) Me pareció un disco muy arriesgado, valiente y con unos temas inolvidables. Como un renacer muy afortunado, muy sabio.

Tiene mucha magia ese disco, y recoge muchas vivencias de muchos años.

Es como un compendio de varias vidas. (Álvaro del Norte, Piñata Protest) Clandestino es una de las canciones que me gustaría haber escrito. Algunas se quedan en tu cabeza después de escucharlas. Otras como Clandestino quedan atrapadas en tu alma.

(Xavi Ciurans, Gertrudis) Clandestino podía escucharse desde el sofá con los colegas sin necesidad de levantarte a saltar unos contra otros, eso, para mí, era algo parecido a la madurez.

(Alberto, Itaca Band) Aún a día de hoy recuerdo esas canciones que nos transportaban a lo más hondo de nuestro ser y nos recordaban que nosotros también podíamos. Ya sea por su sencillez o por su complejidad sus canciones no nos dejaban indiferentes. Gracias Manu.

Edu Soldevila (La Raíz) Personalmente Clandestino me marcó muchísimo, al igual que Próxima estación Esperanza. Cuando lo escuché estaba comenzando a tocar la guitarra, la mayoría de los temas son sencillos, algunos son tres acordes y además en clave de reggae, lo cual para alguien que está empezando es fácil de asimilar y te deja bastante libertad a la hora de cantar. Le debemos mucha ilusión. —MS

noviembre 2018 #27

MONDO FREAKO

RRDelorean dicen

adiós. La banda de Zarautz afincada en Barcelona se despide tras dieciocho años de trayectoria, a lo largo de los que han publicado seis álbumes y dos epés, además de girar por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Japón.

noviembre se llevará a cabo en Benidorm el festival VisorFest, que apuesta por los sonidos de los ochenta y los noventa fundamentalmente. Actuarán como cabezas de cartel The Flaming Lips, The Jesus & Mary Chain, Cat Power, Ride y Saint Etienne. El cartel se completará con algunas actuaciones más y con diversos Dj’s como Amable o Bilbadino.

RRSe cumplen quince años de la

fundación de la UFI (Unión Fonográfica Independiente), con lo que sus responsables inician una serie

HOT SNAKES

La Castanya diez años.

Entrevistas cruzadas

RRLos próximos días 2 y 3 de

THE VAN PELT

Sinfoníauniversal Cap02 (Everlasting, 18), el último trabajo de Quentin Gas y los Zíngaros, se presenta como un ejercicio equilibrado entre psicodelia, jondura y electrónica. Una fórmula en la que el rock ha perdido importancia en favor de las nuevas inquietudes de los hispalenses.

FOTO: ARCHIVO

Quentin Gas & Los Zíngaros El quejío del universo

#28 noviembre 2018

de eventos conmemorativos que se extenderán hasta verano del próximo año. De momento, se estrena un documental sobre los sellos independientes nacionales y habrá una fiesta en Madrid el 7 de noviembre (Café La Palma).

RRVetusta Morla vuelven al WiZink

Center de Madrid. Será el 30 de diciembre y el show que presentarán lleva por título El disco que cambió nuestras vidas. El concierto servirá de celebración del vigésimo aniversario de su primer concierto y de décimo del lanzamiento de Un día en el mundo, su primer álbum.

El sello discográfico barcelonés La Castanya, que ha publicando trabajos tanto de artistas estadounidenses (The Van Pelt, Ted Leon And The Pharmacists, etcétera) como de españoles (Aliment, The Zephyr Bones, Aries y muchos otros), celebra este mes de noviembre su décimo aniversario. Lo hará en Madrid (16 noviembre, Teatro Barceló) y Barcelona (17 noviembre, Apolo), con un cartel de lujo formado por Hot Snakes, The Van Pelt, Flasher y White Magic. Para celebrarlo con ellos, hemos conseguido que los artistas participantes se entrevisten unos a otros y aquí tenemos el resultado.

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M

uchas han sido las veces que he cruzado palabras con Quintín Vargas, nombre real del líder y cabeza pensante de Quentin Gas & Los Zíngaros, pero desde la primera de ellas me ha impresionado sentirlo firme e ilusionado con una máxima: “Siempre querría ser recordado artísticamente por haber hecho algo distinto o al menos por haberlo pretendido. Tengo claro que ese reconocimiento puede llegar con el paso del tiempo, cuando una obra se ve con perspectiva”. Tres discos dejan intuir ya un camino y unas intenciones, una identidad propia muy de agradecer en tiempos en los que la línea fácil dentro de la falsa independencia, es sencilla de seguir. “Mis discos no son más que el reflejo del momento en el que me encuentro musicalmente.

En Big Sur estaba un poco perdido pero con ganas de empezar algo nuevo. En Caravana encontré un sonido y estilo. Y en Sinfoníauniversal Cap 02 mantengo ese estilo, pero con texturas de sonidos diferentes, una pseudo electrónica que

RRThe Van Pelt entrevistan a Hot Snakes —(TVP) ¿Cuáles son vuestros lugares favoritos “fuera de mercado” para tocar en América?¿Y por qué?

(HS) Nosotros estamos “en el mercado”.

—(TVP) Chris (Leo) quiere saber si Jason (Kourkounis) se siente mal por que dejase The Lapse después de que Matador les echase. Si es así, quiere preguntarle si le perdona.

(HS) Ahora se lo pregunto… Dice que está destrozado. Y nunca le he visto perdonar a nadie antes, así que…

—(TVP) La Castanya es un sello realmente extraño. Han desarrollado una extraña obsesión por las bandas estadounidenses de los noventa a las que todo el mundo ha olvidado.

The Van Pelt son solamente la punta del iceberg, pero una vez Arcwelder actuaron en Barcelona en un show de retorno y consiguieron convencer a un millón de chavales para que se

"Siempre querría ser ente recordado artísticam por haber hecho algo distinto" con el próximo disco perfeccionaré”.

Y es que la búsqueda del sevillano es contínua, vital y llena de una necesidad de contar cosas, en este caso, un nuevo viaje, para el que la humanidad se prepara. “Básicamente Sinfoníauniversal Cap 02 es una obra musical conceptual de ciencia ficción que narra el más que posible futuro cercano de la humanidad: el éxodo de la Tierra para sobrevivir en otros planetas. Pero este capítulo tiene una peculiaridad y es que las canciones se mezclan, en armonía, con los sonidos de diferentes cuerpos astrales, recogidos por la N.A.S.A. convertidos en ondas sonoras mediante radiación electromagnética. De ahí que sea una sinfonía universal”. Una sinfonía, en la que como bien nos indicaba el sevillano,

RRDorian superan todas las expec-

RRTras empeñar sus instrumentos

tativas en la gira de presentación de su disco Justicia Universal (Intromúsica, 18). Además de los dos conciertos en Barcelona (23 y 24 noviembre), la banda anuncia ya una tercera fecha (8 noviembre) en La Riviera tras agotar las dos anteriores (9 y 10 noviembre). También podrás verles en Bilbao (15 noviembre, Kate Antzokia), Pamplona (16 noviembre, Zentral), Vitoria (17 noviembre, Jimmy Jazz), Santiago (30 noviembre, Capitol), A Coruña (1 diciembre, Inn Club), Valencia (14 diciembre, Sala Moon) y Santander (21 diciembre, Escenario Santander).

para pagar su libertad discográfica, el dúo gallego Presumido pone en marcha una campaña de crowdfunding para pagar el empeño de sus instrumentos y para poder acabar su nuevo disco. La banda pide 6.000 euros y, a la fecha de cierre de este número y a treinta y cinco días del cierre de la campaña, llevan conseguidos 4.500 euros.

emocionaran. Si pudieras descubrirles a una banda que se ha mantenido en la oscuridad, ¿cuál les dirías?

Imagino que The Van Pelt diríais a Vitreous Humor...

(HS) Nueva Vulcano.

RR Hot Snakes entrevistan a The Van Pelt —(HS) Road House (De profesión duro, 1989) o Face Off (Cara a cara, 1997)?

(TVP) Patrick Swayze.

—(HS) ¿Juventud o astucia?

(TVP) Juventud. La astucia se aprende de la experiencia y, por lo tanto, todavía tenemos la oportunidad de tenerla. La juventud es la primavera de la novedad, y además tiene mucha mejor pinta.

—(HS)¿La comida española más asquerosa es…?

(TVP) “Sir Edmund le dijo una vez a Simone que, hasta hace poco, ciertos españoles viriles, la mayor parte tore-

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la electrónica gana la partida al rock tradicional pero es incapaz de diluir ese quejío tan personal ya marca de la casa.

“Llevo desde los ocho años alucinando y entregando mi vida al rock, así que creo que era hora de escoger otro medio de expresión artística y ha entrado la electrónica para aliarse con la psicodelia. Pero también resulta increíble que este disco es donde más y mejor canto con ese quejío aflamencado. Tenía que compensar toda esa electrónica”.

Tantas referencias pueden perder al lector, pero Sinfoníauniversal Cap02 es como un precioso loft de pocos metros cuadrados donde no falta ni sobra nada debido a la claridad de ideas y el orden de su dueño; una sucesión de canciones con cabida para espectros reflexivos o llenos de pasos de baile. Un caos de galaxias ordenadas con ecos a 2001, Odisea en el espacio pero también con aires etílicos de taberna lebrijana. Un alegato, más o menos intencionado, contra el retrógrado concepto de la apropiación cultural. “Es que la tierra no es de nadie. Ningún estilo pertenece a quien lo

RREl próximo 10 de noviembre se

celebra en Barcelona (Antiga Fàbrica d’Estrella Damm) el Soundie 2018 o Festival Internacional de Videoclips de Barcelona, organi-

interpreta. Uno coge de aquí, de allí y eres un puzzle de muchas piezas. Hasta el cantaor más puro y jondo tiene la salida de no sé quién, pone la boca igual que aquel, hace el macho como el otro y remata como ese que ya murió. ¿En qué tierra está entonces?”

—rojas arquelladas

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EN GIRA l Ibiza 03 de noviembre. Festival de Folk l Algeciras 16 de noviembre. Sala Farándula l Sevilla 17 de noviembre. Sala Malandar l Valencia 14 de diciembre. Sala 16 Toneladas l Almería 15 de diciembre. Sala Madchester Club

zado por La Cúpula Music. Habrá ponencias, talleres, actuaciones y entrega de quince galardones con un total de 13.000 euros en premios.

RREl MIRA Digital Arts Festival

(del 8 al 10 de noviembre, Barcelona) ya ha completado su listado de nombres, su programa de conferencias y debates, la distribución por días del cartel y la afterparty oficial. Algunos de los nombres destacados son Tangerine Dream, Venetian Snares & Daniel Lanois, Yves Tumor, Seefeel, Objekt, Atom TM, Rival Consoles o Coucou Chloe, entre otros. —MS

ros amateurs ocasionales, le pedían al encargado de la plaza que les diera las pelotas recién tostadas de uno de los primeros toros que matasen. Los recibirían en sus asientos, en primera fila y se los comerían mientras veían morir a los siguientes toros. A Simone le interesó mucho la historia y como ese domingo era la primera corrida de toros del año, le rogó a Sir Edmund que le consiguiera las pelotas del primer toro, pero añadiendo una condición: tenían que estar crudas” (Historia del ojo, 1928, de Georges Bataille) —(HS) Si Joan y Albert Guardia fueran afroamericanos, ¿cómo se llamarían?

(TVP) Cornelius Leslie Jackson y Demetrius Marcus Jackson, respectivamente. —MS

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noviembre 2018 #29

MONDO FREAKO

Flasher Madrid (16 noviembre, Teatro Barceló) Barcelona (17 noviembre, Sala Apolo)

Hace unos pocos meses, Flasher publicaron su nuevo trabajo, Constant Image (Domino/Music As Usual, 18), que ahora presentan en el marco del décimo aniversario del sello/promotora La Castanya.

AgeNda. noviembre.

W

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#30 noviembre 2018

ashington D.C. siempre ha sido una ciudad muy asociada a las bandas punk y post-hardcore.

Sin embargo, poco a poco, la evolución de los sonidos más identificativos de las bandas de la ciudad ha ido alcanzando nuevos territorios en los que las guitarras están también muy presentes, situándose en un lado de lo más combativo pero con nuevas e interesantes perspectivas estilísticas. Este es el caso de Flasher, un trío que no reconoce como grandes influencias estas míticas bandas pero que sí tiene muy en mente su legado. “El catálogo de bandas de Dischord es enorme y entre ellas existen muchas diferencias, además de resultar muy interesante saber dónde tocaban y el contexto en el que tocaban”. Todo esto

Fantastic Negrito “Todo el mundo debe saber quién era Robert Johnson o quién era John Lee Hooker” Barcelona (8 noviembre, La [2])

Fantastic Negrito, es decir Xavier Amin Dphrepaulezz, ha pasado varias veces por nuestro país para hacernos vibrar con su blues-rock cargado de energía.

Ahora vuelve con el efectivo Please Don’t Be Dead (Cooking Vinyl, 18) para formar parte del cartel del 20 aniversario de Houston Party (8 noviembre, La [2] de Apolo, Barcelona) junto a Kolars.

C

uando a Fantastic Negrito le dieron el Grammy a Mejor Álbum de Blues Contemporáneo por The Last Days Of Oakland le pilló por sorpresa. A él le hizo gracia la noticia y su nombre ha ganado en popularidad con ello, pero el galardón no ha cambiado en lo más mínimo su idea sobre la música y sobre la vida que quiere llevar. “Está bien que te inviten a esa fiesta, y que reconozcan tu trabajo, pero eso no está hecho para mí. Esos no son mis términos, lo mío es algo real. Quiero ser bueno para el mundo por cómo soy y por lo que hago”. Su historia está llena de percances y momentos difíciles, pero todo ello no ha hecho más que sumar fuerza a su personalidad. Cada uno de sus renacimientos lleva tatuado su nombre artístico. “Yo vengo de la cultura de la calle y soy ese fantastic negrito que ha venido hasta aquí a educar a la gente. Todo el mundo debe saber quién era Robert Johnson o quién era John Lee Hooker”. Y es que el sonido de Fantastic Negrito parte del blues para combinarse con el

rock y la energía del r&b. El artista tiene claras sus intenciones. “El sonido parte de mi guitarra, que es mi plataforma de despegue, mi arma. A todo el mundo le gusta el riff de Johnny B. Goode de Chuck Berry. Es una de esas cosas que unen a las personas”.

Su nuevo disco, Please Don’t Be Dead, tiene una intención que se distancia un poco de los pasos previos del músico. “Cuando estuve en Europa la última vez, todo el mundo me preguntaba ‘¿Cuándo nos vas a hablar sobre América en tus discos?’. Me lo decían una y otra vez, así que me planteé hablar de la realidad que se vive en este país, de la gente que emigra, de la falta de oportunidades. Por eso grito ‘¡Por favor, no te mueras América!’. Sé que América no es perfecta, como no lo es ningún sitio, y esa idea es la que he querido transmitir en mis nuevas canciones. Fui al estudio con las cosas bastante claras, sobre la visión del disco. Quería que el mensaje fuera más agresivo y explicar a mi manera lo que está pasando en el mundo”. En cuanto a las canciones, dentro de que hay puntos en común, cada una tiene su propia personalidad y un sonido particular. Una de las más destacadas es A Boy Names Andrews. “Es una de mis favoritas.

Quería trasladarme a 1968, un período en el que la gente era libre de hacer lo que quisiera, de hacer la música que le apetecía. Ese año publicaron disco Jimi Hendrix o The Beatles. En el punto de mi vida en el que estoy, quiero demostrar coraje. Esta es mi aventura musical y sonora, así me gusta definirla”. —toni castarnado

es lo que nos afirma Taylor Mulitz (guitarra) en base a sus experiencias musicales no solo vividas a través de Flasher, sino también gracias a Priests, banda de la que formó parte hasta hace unos meses. Con el salto de Taylor a Flasher con Constant Image se alejó del carácter propiamente art punk de Priests. Lo cierto es que lo de Flasher responde mucho más a saber cómo imprimir en todo el momento el nervio preciso a sus canciones, guiándose constantemente por unas melodías envalentonadas en el apartado pop donde conviven elementos propios de la new wave. Sin encontrar un claro territorio en el que clasificarlos, las inquietudes del grupo no se encuentran dirigidas hacia el plano puramente estilístico, sino hacia las descripciones presentes en sus temas donde el sentimiento de urgencia acaba saliendo a relucir. “Todas las acciones que expresamos intentamos que tengan matices muy intensos y excitantes”. —noé r. rivas

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The Magpie Salute “No pretendíamos recuperar a The Black Crowes” Bilbao (11 noviembre, Kafe Antzokia) Madrid (12 noviembre, Sala But) Barcelona (13 noviembre, 18 aniversario Sala Razzmatazz)

TARQUE

Xixón (2 noviembre, Sala Albeniz) Valladolid (3 noviembre, LAVA) Zaragoza (10 noviembre, Oasis) Iruña-Pamplona (30 noviembre, Zentral) Bilbao (1 diciembre, Kafe Antzokia) Alicante (14 diciembre, The One) Sevilla (15 diciembre, Sala Custom) Madrid (22 diciembre, But) Valencia (28 diciembre, Sala Moon) Barcelona (29 diciembre, Apolo)

Nos hacía falta. Muchos deseábamos ver a Carlos Tarque haciendo un disco de puro y genuino rock and roll. Sin condiciones. Y ese disco es Tarque (Warner, 18), un trabajo en el que las guitarras y su espléndida voz adoptan todo el protagonismo.

M

The Magpie Salute vendría a ser algo así como la continuación de The Black Crowes, al reunir a tres de sus miembros. Ahora publican su nuevo trabajo High Water I (Eagle Rock, 18), que presentan en nuestro país.

C

uando se supo que Rich Robinson montaba nueva banda y que iba a estar formada mayoritariamente por antiguos miembros de The Black Crowes, los seguidores del grupo empezaron a ponerse nerviosos, aunque el propio Rich asegura que: “todo vino de la gira de presentación de mi disco Flux. En medio me pidieron hacer tres conciertos casi secretos, así que me puse en contacto con Marc Ford y Ed Harsch y pensamos que podía ser divertido. Son mis amigos, no pretendíamos recuperar a The Black Crowes, eso ha pasado. Solo queríamos volver a sentirnos juntos en una banda”. Las comparaciones, eso sí, no tardaron en llegar, y muchos vieron al grupo como una segunda versión de los cuervos sin Chris Robinson a la voz, algo que incluso fomentaron con su nombre.

“Trabajar con John Hogg ha sido muy calmado. Una maravilla, además es alguien no preocupado por el éxito, actúa de manera natural y pensando en la música. También, el hecho de que no esté Chris ha rebajado tensiones y, por ejemplo, todo ha fluido más entre Marc y yo. Definitivamente somos dos guitarristas muy diferentes, pero hemos vuelto a sentir algo especial al tocar juntos. Ha sido agradable y se ha establecido una relación muy

fuerte de nuevo”. La ausencia de Chris, eso sí, sobre vuela nuestra charla. “Claro que quiero a mi hermano. ¡Es mi hermano! Pero era difícil trabajar con él. Hace casi cuatro años que no hablamos. No me interesa esa tensión que crea en los lugares en los que está. Concibo la música de otra forma. Con los Crowes hice cosas que no estaban bien. ¡Era joven! Eso sí, tengo la conciencia tranquila, y no sé si él puede tenerla también por su forma de actuar en el seno de la banda”. Ahora, polémicas aparte, el grupo aterriza en nuestro país dentro de la gira de presentación de High Water I, con tres fechas que los llevarán a Bilbao, Madrid y Barcelona. “Creo que es un disco bastante diverso. Algunos temas son más tradicionales y, en cambio, otras canciones son más clásicas. Piensa que somos tres tipos con una personalidad muy fuerte. Marc, John y yo tenemos mucho carácter y eso podía hacer que, a priori, fuera difícil trabajar juntos. Una cosa es subirte en el escenario de manera puntual, y otra muy diferente hacer un disco juntos, metidos mucho tiempo en un estudio. Es el disco que queríamos hacer, con la energía que queríamos”.

Unos conciertos de presentación en los que no podemos descartar encontrar una parte en formato trío. “Marc, John y yo lo hemos hecho varias veces. Hay canciones que piden ser tocadas en acústico, más desnudas. No sé si será algo que haremos en España o no, pero sí que es algo que nos gusta mucho a hacer y que es muy probable. Me gusta pensar en los shows como algo independiente en el momento de hacerlos”. —eduardo izquierdo

uchos le reclamábamos a Tarque que fuera más allá de los escarceos que con grupos como The Rollers o más reciente Gran Cañón (con Prisco y Chapo de M-Clan, Leiva, Ovidi de Los Zigarros y Julián Maeso) había mostrado al público. Y el cantante ha decidido darnos el gusto, marcándose un disco que es, ni más ni menos, el que queríamos.

—Titulas el disco de manera muy rotunda, con tu apellido.

Claro. Lo que quiere decir es que lo que hay dentro soy yo. ¿Qué hay más Tarque que llamarse Tarque? Además, ese juego con la radiografía y la cuchilla de afeitar lo hacía algo como muy potente, muy impactante.

—Tú siempre has sido muy rockero, pero este disco parece ir más allá. Esa influencia por ejemplo de los setenta es más evidente que nunca.

Esa era la idea. No se trataba de hacer un ejercicio de estilo pero sí de buscar un sonido.

En este disco me apetecía ser yo a través de ese tipo de bandas que siempre me han gustado.

—¿Hasta qué punto ha sido vital el impacto de Carlos Raya?

Enormemente. Yo hablé con él y le dije “quiero un disco así”, pero él ha participado incluso en la composición de algunos temas con riffs, etcétera. El disco se llama Tarque, pero a nivel de composición podría llamarse Raya & Tarque.

—Has grabado con una formación clásica. Cuarteto de rock.

Es que, como te decía, el objetivo era sonar crudo. No quería complicarme, creo que eso da frescura y sensación de banda. Yo quería hacerlo como esas bandas de power trio, con una pureza extrema.

Sin muchos recordings, casi enchufarse y darle al botón de grabar. Incluso con esos vacíos que quedan cuando acaba un solo y no hay una guitarra debajo haciendo de colchón. Para eso es necesario que los músicos sean muy buenos, y lo son.

—Y para el directo ¿repetirás la banda que ha grabado el disco?

Sí, seguro. Lo hemos tenido claro desde el principio. Viejos amigos. Es importante que así sea porque cuando te vas a meter en la carretera con unos tíos hay momentos para todos. La relación en la carretera es casi como si fuera de sangre y es esencial que se comparta con amigos.

—eduardo izquierdo

noviembre 2018 #31

33/Mondo VINILOS

Tarque

Mogwai

Tarque Warner

FOTO: SUFFO MONCLOA

8

Chris o Christine Christine & The Queens

Chris Because/Music As Usual

8 pop / Como bien especifica en uno de los

nuevos temas, Héloïse Letissier regresa a la industria para “follarse” a todos los que se pongan en su camino. Desde sus oyentes más habituales, hasta los que siguen prejuzgando e infravalorando sus dotes artísticas. Y, lo mejor de todo, es que lo hace desde un punto de vista dominante en el que disfruta generando situaciones incómodas a través de su música y destruye cualquier estereotipo de género. El sexo siempre provoca fascinación, saca el lado más primario de los oyentes, genera una gran conexión entre el artista y el público. Y es uno de los ejes y temáticas centrales de la industria pop y en Chris se ha convertido en el escaparate perfecto para la madurez y estabilidad de Letissier en el mercado actual. Insinuación, excitación, ambigüedad, pura satisfacción, deseo, rabia… Héloïse quiere romper con todas esas barreras a las que se enfrenta una mujer a la hora de hablar de forma natural sobre sexo.

No es que se defina como una firme defensora de ningún colectivo en concreto, simplemente quiere igualdad para todos, libertad para disfrutar y no sentirse cohibida por la sociedad actual. Chris muestra a una artista libre a la hora de crear, sin censura alguna y con muchas ganas de borrar de la mente de todos el concep-

to que aún se tiene de ella como un producto por afianzar. Con este álbum nos viene a decir que las bases de Christine & The Queens son tremendamente sólidas y que está dispuesta a crecer en la música cueste lo que cueste.

También remarca la idea de que cada nueva era podría mostrar a una Letissier totalmente diferente. Y no, no es que sufra ningún tipo de trastorno de identidad es que simplemente está abierta a reflejar con su música cómo se siente y quién es en cada etapa de su vida.

Pero, ¿qué queda entonces de Christine & The Queens en esta nueva etapa? Pues básicamente lo más importante, la música. Esa idea de seguir manteniendo la esencia que nos lleva de vez en cuando a la nouvelle chanson y hacerla crecer entrelazando a la perfección sus raíces de pop ochentero con el r’n’b más brillante de los noventa. Ella misma reconoce la tremenda influencia que hay en este álbum de figuras como Michael o Janet Jackson. Aunque no se puede obviar también que en una de sus últimas entrevistas la artista comentó estar tremendamente obsesionada con Erotica de Madonna. El funk sale a relucir en temas como Le G y sólo cede su poder cuando se entrega a Dâm-Funk para construir ese himno que es Girlfriend. La conclusión es que Chris se podría describir como la evolución perfecta tras aquel estupendo Chaleur Humaine (14).

Además, existe una preocupación artística que le hace ir un paso más allá. Replantearse lo que quiere reflejar en un futuro como artista y no tener miedo a evolucionar, o arriesgar, como hicieron los grandes. —álex jerez

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ROCK / ¡Cuántas veces los

fans más viejos y sí, los más antiguos también, le habrán espetado directamente a Carlos Tarque que los M-Clan que molaban eran los más rockeros, los del principio! ¡Cuántas veces se le habrá quedado el cantante de la banda murciana con ganas de enviarlos a tomar por culo! ¡Cuántas! Pues bien, ha llegado la hora de la venganza y ¡qué venganza! De entrada el hecho de firmar el disco con su apellido ya nos dice que aquí hay verdad de la buena. Ni aditivos, trampas, arreglos o milongas varias que arruinen la autenticidad de un largo legado. Hard rock del bueno y de alma bluesy que evoca a Free, Bad Company, Status Quo o Thin Lizzy. Rock’n’roll que parte de los riffs rotundos del gran Carlos Raya. Todo muy clásico, pero no por ello menos inspirado. —don disturbios

KIN Temporary Residence

7

inicios, la música de Mogwai, clasificada dentro de esa ambigua etiqueta que es el postrock, ha destacado por su facilidad para evocar imágenes en cada escucha. Una vinculación con lo visual que se ha ido materializando en los últimos años a través de composiciones para documentales o series por parte de la banda escocesa. El último ejemplo de ello es su trabajo para la nueva cinta de los hermanos Baker, Kin (18). Como era de esperar, nos encontramos con un disco que se mueve entre la calma atmosférica y la épica frenética donde el piano cobra especial protagonismo.

Su condición de soundtrack la principal pega pues a falta de las imágenes como nexo de unión, el disco se convierte en una suerte de sucesión de canciones sin aparente conexión entre ellas.

—guillermo chaparro terleira

Slash

Orbital

Living The Dream Warner Music

HARD ROCK / Los sueños de un nuevo disco de estudio de los arrejuntados Guns N’ Roses se ven, como poco, aplazados. Está por ver si será finalmente Axl Rose o Brian Johnson quien grabe la voz en el próximo álbum de AC/DC, pero Slash sí que aprovechó los parones en la gira de los gunners para registrar su cuarto largo en solitario (tercero como Slash featuring Myles Kennedy And The Conspirators) desde que se disolviesen Velvet Revolver. Lo cierto es que el proyecto, en pie desde 2010, suena como un tiro. Las composiciones de Saul Hudson se complementan a la perfección con las siempre precisas melodías vocales de Kennedy (la simpleza de sus letras es otro tema). Por lo demás, sonido continuista, con la marca de la casa: riffs hard rockeros, solos épicos y distorsión con huecos para el blues y los medios tiempos. —jesús casañas

7

BANDA SONORA / Desde sus

Monsters Exist ACP Rercordings

6

ELECTRÓNICA / Mira que

le tenía ganas al regreso de los hermanos Hartnoll, pero Monsters Exist, su noveno álbum sin contar las bandas sonoras, no llega al notable aunque está por encima de Wonky, su irregular retorno en 2012. Vino con dos temas de adelanto: el emocionante P.H.U.K., que recuperaba esas melodías analógicas juguetonas de su disco de debut, y con The End Is Night, un medio tiempo urban que no parecía firmado por Orbital, con una parte vocal femenina ridícula (algo que siempre ha sido la cruz de los hermanos), y claro, no sabíamos qué esperar.

De los nueve temas del disco me quedo con la divertida jota electrónica de Hoo Hoo Ha Ha, ese aire viejo de Tiny Foldable Cities y el trance emocionante de Vision One. En definitiva, únicamente recomendado para muy fans de los Hartnoll. —manu gonzález noviembre 2018 #33

MONDOVINILOS

Cave

Allways Kraut

Dead Can Dance: lo humano y lo divino

ROCK / Eso de que “la psicodelia es libertad creativa” es algo tan absurdamente ambiguo como aquello de “el punk es actitud”. El significado musical del término psicodelia no tiene la menor ambigüedad. Significa emular, evocar o recrear con instrumentos las sensaciones que se experimentan con alucinógenos. A Cave, que son capaces de llevarte hasta otra dimensión, se les suele endosar esa etiqueta pero no acaba de encajarles. Lo suyo es más un drone krautrockero con tintes funk, que en este disco adquiere cierto aura sideral gracias a unos teclados que animan a levantar el vuelo y a unos vientos que juegan un destacado papel en la hipnosis. Es ahí cuando se pueden encontrar puntos de conexión con enteógenos que van más allá de lo lisérgico (léase DMT), pero Allways es muy de este mundo. Contiene por primera vez coros que arañan la identidad instrumental del grupo, y rítmicamente suena a garito de jazz-rock pegajoso.

7

Dead Can Dance Dionysus [PIAS]

7 FOLK / Seis años en silencio sonoro no son moco de pavo. Hay que tenerlos bien puestos, y más ante las prisas de una actualidad cada vez más inquisidora. No es moco de pavo, salvo que seas uno de los dúos indies más carismáticos y emblemáticos de los últimos treinta años, como es el caso. Si su Anastasis dejó temblando y boquiabiertos a más de uno, el tándem formado por Lisa Gerrard y Brendan Perry se calza ahora un nuevo largo en un claro homenaje al dios griego Dionysus. Demostrando la todavía viva química creativa y musical de ambas partes –antes eran pareja- su premisa vuelve, como en la mayoría de su obra, a basarse en tradiciones musicales y a abrazar la nostalgia cultural con la antigüedad clásica griega como principal horizonte de referencia. Desde su irrupción a principios de los ochenta, Dead Can Dance se han sumergido en las tradiciones folk europeas, no

únicamente en términos de instrumentación si no en sus prácticas seculares, religiosas y espirituales. En esa misma línea, unificando todas las esencias de sus anteriores trabajos, continúan con la narrativa en este manifiesto dividido en dos actos, con siete episodios, en un formato musical similar al de un oratorio de comienzos de siglo XVI. Entre lo antiguo, lo tradicional, lo humano y lo divino, Dionysus es posiblemente su trabajo más conceptual hasta la fecha y como si de un libro se tratara,

Neneh Cherry

The Rumjacks

Broken Politics Smalltown Supersound/ Popstock!

POP / Neneh Cherry es toda una institución en la música. Si todavía hay alguien que no lo sabe, es un buen momento para comenzar a escucharla.

Broken Politics es un álbum en el que trata de reforzar la identidad del ser humano como ente independiente, libre y con carácter. Una reflexión perfecta para estos continuos tiempos convulsos. Producido por Four Tet, con quien ya trabajó en Blank Paper (14) -disco que le volvió a situar a la cabeza de la música electrónica gracias a una personalísima mirada al géneroestamos ante un trabajo que realza la interpretación de Cherry tratando su voz con una nitidez arenosa y cercana. En cuanto a los arreglos, el productor inglés dibuja unos paisajes sonoros distintos que se adaptan a cada una de las canciones, aportando un telón de fondo entre la introspección, la melancolía y la reflexión. Y es que, es un arte eso de crear espacios para la calma en medio del caos más absoluto.

7

—maría ballesteros

#34 noviembre 2018

La Banda del Panda

Saints Preserve Us! Four Four

CELTIC PUNK / El cuarto disco de The Rumjacks no hace rehenes. Aquellos que ya disfrutaban con el celtic punk marca de la casa harán lo propio con estas doce nuevas canciones, y el resto no cambiarán de opinión.

Grabado en Milán y producido por su cantante Frankie McLaughin, en este disco el grupo reafirma en canciones como Billy McKinley o Cold London Rain que el hecho de haber nacido en Sidney (Australia) es solo una de esas paradojas de la naturaleza, y que su sitio real está en cualquier mala calle de Belfast. Vuelven a sonar a grupo de bebercio, de barra de bar, pero sería injusto que tras escuchar piezas como The Foreman O’Rourke nos quedáramos en que son solamente eso. Sus muchos años de escenarios les han curtido y el grupo, sin duda, ha crecido, afinando sus letras, cada vez más inspiradas sin dejar su habitual mordiente, y mostrando un riesgo instrumental que no detectábamos en sus primeros trabajos. En crecimiento constante, vamos.

8

—eduardo izquierdo

es de esas obras a escuchar de principio a fin, sin interrupciones de ningún tipo. Sorprende la falta de partes vocales, quizás porque da la sensación de que ha sido horneado únicamente por Perry, dejando a Gerrard en un segundo plano. Pero eso no significa que no incluya tonalidades, coros y registros a cargo de la australiana que aportan al trabajo un aire de oratorio tradicional, enriquecido por la esencia balcánica que aportan instrumentos como la Daf o la Fujara. —diego fernández

RUMBA / La Banda del Pan-

da llevan diez años pateando escenarios, este es su tercer disco y es el que mejor muestra el buen momento de este grupo de Barcelona. Evidentemente su título, Rumba Bastarda, indica que hay rumba en la base, pero mezclada con cualquier estilo que ayude a reflejar la fiesta que el grupo transmite en directo. Un disco en el que se nota el trabajo de banda y en el que la trompeta y el acordeón son elementos diferenciadores. Ritmos alegres aunque las letras en catalán y castellano no lo sean, porque las penas también se pueden bailar.

En esos años han hecho buenos amigos musicales. Che Sudaka aparecen en la rumbia Alma Cumbia. Laura Pagès de Trast en otra rumbia, La primavera. Aitor Cugat de Xeic! en Foc, un himno a los diables, personajes de la cultura popular catalana. Y en la sobresaliente El barri és viu está el violín de Roser Loscos (Las Migas) y la voz de Hakim Zamoun (Gosto BCN). Rumba de barrio para el mundo. —miguel amorós

Sial

The Goon Sax

Rumba Bastarda Kasba Music

7

—nacho serrano

Binasa La Vida Es Un Mus

We’re Not Talking Wichita/[PIAS]

7

POP / Sus canciones tienen

la desvencijada –y a la vez palpitante– hechura del mejor pop deshuesado de las últimas décadas, tal y como podía esperarse de un trío encabezado por un vástago de Robert Forster (The Go-Betweens). De hecho, sus melodías caminan sobre un alambre aún más fino que el que sostenía a Forster y McLennan, aunque tampoco es de extrañar que los nombres de otros especialistas en emocionar con las manos prácticamente vacías asomen cuando toca resumir su pliego de intenciones: The Velvet Underground, The Modern Lovers o cualquier adalid del mejor twee pop. Louis Forster, James Harrison y Riley Jones logran en este segundo álbum, con apenas diecinueve años, que su teen angst se traduzca en un manojo de excitantes canciones como Make Time 4 Love, She Knows, Sleep EZ, A Few Times Too Many o Get Out, que ganan enteros respecto a su debut gracias a la producción de Cameron Bird y James Cecil, de Architecture In Helsinki. —carlos pérez de ziriza

8

HARDCORE / Sial vienen del

entorno de Project 416, uno de los últimos bastiones autogestionados e independientes de la comunidad punk de Singapur, y entraron en escena el año pasado con una demo y un LP. Desde entonces han cambiado poco, pero han cambiado. En Binasa llevan el sonido crudo y retorcido del grupo a su máxima expresión dando un toque aún más abrasivo a las guitarras, ya casi motosierras, y a la vez consiguen que nada quede en un segundo plano en la mezcla.

Un equilibrio nada fácil de lograr en un hardcore punk como el suyo, que bebe tanto de los referentes japoneses del género como del D-beat, el crust, el noisecore y el hardcore británico de los ochenta.

Pero más allá de influencias y herencias varias, lo que aportan Sial como valor añadido es la energía.

Binasa vibra, late y escupe rabia como pocos discos de hardcore lo han hecho este año, y es pura cultura de resistencia frente a ese sueño capitalista -cargado de autoritarismo y represión- que es Singapur. —darío garcía coto

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Pale Waves

ROCK / Recibir noticias

frescas de los cafres de Nashville Pussy siempre es bueno. Los de Atlanta, además, son sota, caballo y rey. No engañan a nadie. Su fusión de hard rock, heavy metal, rock sureño e incluso glam ha marcado sus andanzas desde el principio, y no es cuestión de ponerse a hacer experimentos tras más de 20 años de carrera. Así que en canciones como Go Home And Die, Dinking My Life Away o mi favorita, CCKMP (Cocaine Can Kill My Pain) hay mucho Motörhead, mucho Ted Nugent y mucho AC/DC. Gamberrismo al cubo no exento de fuerza bruta. Algo que Daniel Rey, encargado de la producción, se ha cuidado y mucho de no alterar. Y es que estos autodenominados guardianes del “pequeño y sucio rock and roll” han conseguido aunar con este disco la opinión de una crítica que ya sabe qué puede esperar de ellos, y de un público que, aunque no multitudinario les aclama con veneración.

—eduardo izquierdo

POP / Era cuestión de tiempo que en Reino Unido surgiesen bandas al rebufo de la estela dejada por combos como Haim y Chvrches. Nuevas formaciones que, deslumbradas por la aceptación de dichos grupos, optan por repetir la fórmula con más o menos fortuna. Pale Waves se presentan con un disco funcional, ideado a conciencia para alcanzar un éxito relativamente masivo: desde la sobresaturada producción a la torturada interpretación vocal de Heather Baron-Gracie, pasando por unos sintetizadores que saturan las canciones. Es esa ausencia de espontaneidad y visceralidad la que provoca el regusto artificial de buena parte de la referencia, mientras el contenido se ajusta sin la asunción de riesgos a este tipo de synth-pop de querencia ochentera tan en auge. Una secuencia repetitiva y tendente a la inocuidad adolescente y en donde el adorno adicional parece significar más una obligación que una opción.

5

—raúl julián

Possible Dust Clouds Fire

7

ROCK / Lejanos los tiem-

pos de gloria en los que Throwing Muses abanderaban el rock alternativo norteamericano con carácter e inquietudes, su líder se mantiene al pie del cañón.

Su décimo trabajo en solitario, primero para el prestigioso sello Fire tras varios crowdfundings, devuelve al candelero, esperemos que con más alcance, a una autora dotada de una personalidad única, con diez cortes crudos y eléctricos en las que se aferra a sus obsesiones melódicas. El ritmo robusto de LAX anuncia un disco decididamente aguerrido.

Canciones como la contundente Loud Mouth o la oscura Tulum con su estribillo demoledor, resucitan, de hecho, lo mejor del rock alternativo de los noventa. La mayor novedad estriba en que las deudas a gigantes del rock como Led Zeppelin son más evidentes (No Shade In Shadow, la bluesera Lethe y, sobre todo, la arpegiada Fox Point, en la que Hersh, excelente guitarrista, conjura al mismísimo Jimmy Page, añadiendo su voz rota). —jc peña

DD LJM

1 Rosalía El mal querer

9 9 9 9 9

2 Crim Pare nostre que esteu a l’nfern

8 7 9 9 8,25

JSL DC

Med

3 La Estrella de David 7 9 7 9 8 Consagración 4 Kurt Vile Bottle It In

7 9 7 8 7,75

5 Fucked Up 8 8 7 7 7,5 Dose Your Dreams 6 Bejo Parafernalio

7 7 8 7 7

7 Cloud Nothings Last Building Burning

7 8 7 7 7

8 The Goon Sax 6 8 7 6 7 We’re Not Talking 9 John Grant Love Is Magic

6 7 7 7 7

10 Kokoshca El mal

6 8 6 6 6,5

Joe Crepúsculo repasa su carrera

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Pleased To Eat You Eat Music

7

Kristin Hersh

My Mind Makes Noises Dirty Hit/ Music As Usual

top 10.

Nashville Pussy

Telmo Trenor

Heat Elsa Records

Joe Crepúsculo 10 Ópalo Negro/El Volcán

POP / En el vídeo de Quizá, la única canción nueva –y un nuevo rompepistas de espíritu cazallero- que incluye el recopilatorio que celebra los diez años en activo de Joe Crepúsculo, aparecen navajas, tableros de ajedrez, carajillos, escorpiones, serpientes, las castañuelas de Phil Spector, un niño con un juguete siniestro, ritmos italo dance, la reivindicación del humo y el alcohol como refugio emocional, los amores malditos… Vamos, todas las obsesiones presentes en la imaginería de Joël Iriarte y que le han convertido en un artista genuino, único en su especie. De hecho, es una canción que parece fabricada para describir lo que incluye este atípico grandes éxitos que, pese a contar con algunas canciones menos conocidas –algo que le da más encanto-, se trata de la colección de hits en castellano más grande y variopinta del nuevo milenio. Y es que, ojo, aquí se pueden escuchar, seguidas si uno quiere, Ritmo mágico, Baraja de cuchillos, Música para adultos, Leyenda, El día de las medusas, Mi fábrica de baile,

FUNK / Elsa Records publica este segundo largo del donostiarra Telmo Trenor con una nota de prensa que deja pocas dudas sobre su contenido y sus intenciones. Nos habla de boogie, G-funk, del calor, el baile bajo la luna, el amor estival o la brisa en la playa. Y eso es exactamente lo que transmite este delicioso disco. Sin pretensiones, pero no por ello menos ambicioso ni brillante. Telmo se adapta a los medios a su disposición, a sus conocimientos y a su destreza con los samples para combinarlos con sabiduría, con mucho amor por sus raíces, por esa música negra “de toda la vida” con la que creció, y con una notable intuición para enganchar con sus melodías.

Un disco “fácil”, adictivo, casi balsámico que corre peligro de pasar desapercibido por lo reconocible de sus bases y por cierto tono de homenaje que sugiere.

7

9

La canción de tu vida, la nueva versión de Todo lo bello es gratis o Suena brillante, hitazos que no están cortados por el mismo patrón. Dos ejemplos: Suena brillante la podría haber firmado Ariel Pink y Todo lo bello es gratis, Santa Esmeralda. Dejando de lado los hits, 10, un disco que podría haber seleccionado otras veinte canciones diferentes y

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ser tan o más representativo de su obra (así de bueno es el corpus artístico de Crepúsculo), da una segunda oportunidad a temas excelentes como El cráneo (muy Leonard Cohen era I’m Your Man), el pop ruidista de Los viejos (una de sus obras maestras de culto) o Noche eterna (Iriarte jugando a ser el Black de Wonderful Life). —xavi sánchez pons

—antton iturbe

noviembre 2018 #35

MONDOVINILOS

Paul Weller

8

ROCK / True Meanings

llega sólo un año y pico después del estimable A Kind Revolution, lo que certifica el fértil momento creativo del británico, que no tiene tiempo que perder.

Asegura la nota promocional que estamos ante un trabajo diferente a todo lo que ha hecho en sus veinticinco discos anteriores, lo cual suena a la típica hipérbole promocional. Podría ser, sin embargo, que estemos ante el disco más introspectivo y sentido de su larguísima carrera, con canciones construidas desde la guitarra acústica y una inspirada interpretación vocal. Es algo que ya adelantó en el lejano Wild Wood de 1993, aunque aquí se hace patente el poso de la edad -acaba de cumplir los sesenta- y la memoria. El icono del revival mod, que siempre ha mostrado debilidad por Neil Young y la fértil tradición campestre bucólica de su país, combina perfectamente la urgencia de una grabación rápida en su propio estudio, con ricos y suaves arreglos instrumentales e orquestales. —j.c. peña

Pare nostre que esteu a l’infern Tesla/HFMN/Contra/ Pirates3/B-Core

9

HARDCORE-PUNK / Debo reconocer que, en ocasiones, cuando los críticos echamos mano de aquello de que una banda no toma prisioneros en realidad no hacemos más que dejarnos llevar por un tópico que muchas veces no se encaja como debería. Pero, cuando sí lo hace, lo hace a la perfección.

Es el caso del cuarteto de Tarragona Crim, unos tipos que no se andan con chiquitas.

Ellos encarnan como nadie a ese tipo de bandas que no baja la guardia jamás, que enchufa los amplificadores, hunde las clavijas en sus instrumentos con rotundidad y, al minuto siguiente, ya está sonando como un trueno. Llevan años haciéndolo, pero tras un Crim (11) en el que tres hits levantaban el edificio, alcanzaron su particular estado de gracia con Blau sang, vermell cel (16). Ahora, dos años más tarde

#36 noviembre 2018

y ante la sorpresa de los infieles y el orgullo de los adeptos, publican un álbum a la altura –como mínimo- de su predecesor. Una disco de doce de canciones de punk rock cantado en catalán con la rotundidad del hardcore y el espíritu del street punk. Una orgía de singalongs, bajos trotones, riffs pesados y solos de guitarra desbordantemente melódicos que arropan la cavernosa voz de Adri, una voz que evita los tópicos en cada de sus letras. Porque Crim utilizan los mismos elementos que muchísimas otras bandas, y las mismas palabras, pero con una maestría tal que les convierte en uno de los nombres imprescindibles del género aquí y ahora. No sé si le habrán vendido su alma a ese dios que está en el infierno y al que acuden en diversos pasajes del disco, pero lo que está claro es que tras escuchar del tirón canciones como Potser no hi ha final, Caiguda lliure, La puta Copa del Rei, Pare nostre que esteu a l’infern, Ullals de llet o Quan tornin les sirenes a uno se le dispara la fe hasta límites inimaginables.

La fe en que el punk rock todavía puede mover montañas, patear culos y remover conciencias. —joan s. luna

Birthplace Believe

POP / Que Bon Iver haya creado escuela no es incompatible con que le salgan alumnos aventajados que superan la simple copia a carboncillo para tramar discursos estimulantes. El galés Ali Lacey es posiblemente quien con más acierto se arrima al canon que Justin Vernon esbozó entre For Emma, Forever Ago (07) y Bon Iver, Bon Iver (11), ya que entre el afligido intimismo del primero y el emocionante superávit de elocuencia del segundo se sitúa su primer álbum. Ya saben: voz de eunuco jugando con los límites del falsete, rasgueo de guitarra acústica e imponentes arreglos de cuerda que son los que elevan la cota de emotividad de Emigrate, Utican, Anniversary o State Lines, todas parte de esa sensibilidad tan del nuevo siglo (compartida con Rhye, The xx o James Vincent McMorrow) que no se regodea en las propias miserias: échenle un vistazo al videoclip de Birthplace, bella denuncia del desastre medioambiental de los vertidos plásticos al mar. Notable debut. —carlos pérez de ziriza

7

Molly Burch

FOTO: ERIC ALTIMIS

Crim en estado de gracia Crim

Novo Amor

True Meanings Parlophone

Geotic

First Flower Captured Tracks/ Popstock!

POP / Hace poco más de un año Molly Burch se presentaba en sociedad con Please Be Mine, un estupendo compendio de canciones pop con regusto añejo y de torch songs bellísimas.

Burch no tiene el componente torturado ni la vena folk e indie rock de Olsen. De hecho, lo de Burch va por otros derroteros; la sencillez en las melodías de los girl groups apadrinados por Phil Spector y la emoción teatralizada de Roy Orbison. En Please Be Mine se puso en el papel de la falsa sufridora en el amor para ilustrar las letras de sus canciones, y lo hacía con tanto encanto y lucidez que te la acababas creyendo. Ahora, en su continuación, el también estupendo First Flower, aunque siga habiendo algo de eso (las dudas y los sinsabores que causa el amor), la cantante y compositora norteamericana abre su abanico lírico. Temas como la ansiedad ante la página en blanco (Candy) o el autoexamen emocional (To The Boys), se dan cita en un nuevo cancionero que sigue la misma senda de su debut. —xavi sánchez pons

8

Traversa Ghostly International

INDIETRÓNICA / Will Wiesenfeld lleva unos cuantos años experimentando con los ritmos y melodías en dos proyectos: Baths y Geotic. La diferencia entre un alias y otro radica en la cantidad de pop y emociones que le salen cuando compone, dejando para Baths la parte más oscura y cercana al hip-hop, y para Geotic la electrónica más emotiva y saltarina. Traversa comienza por un Knapsack de espacios abiertos y melodías amables que incitan a arrancar el día con ánimo y recuerdan a The Postal Service. Swiss Bicycle es un instrumental al que añade un toque house. Harbor Drive tiene un deje IDM y Aerostat es más etéreo, con un simple bombo acompañado por unas cuerdas y un piano.

Town Square y Terraformer recuerdan a su compañero de sello Lusine, pero con esos finales repletos de cuerdas y armonías que tanto le gustan. Cierra con un enérgico Maglev que puede sonar en cualquier sesión, por esa mezcla interesante de house e IDM. —raúl linares

8

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Ska-P

Game Over Autoeditado

SKA PUNK / La vuelta de

Ska-P supone la superación personal de un músico ante las limitaciones que impone tan a menudo la salud en esta vida.

La banda de ska punk más famosa de Madrid tuvo que abortar en 2015 su primer regreso (ya lo dejaron entre 2005 y 2007) por imposición: su cantante, guitarrista y compositor, Pulpul, sufría de tinnitus. Pero el líder del grupo no decayó en su empeño. Siguió componiendo temas todo este tiempo, consiguió encontrar la forma de ensayarlos y grabarlos junto al resto de músicos sin sufrir daños y, más todavía, de volver a los escenarios para presentarlos en vivo. De este modo tenemos entre las manos Game Over, una docena de nuevas canciones con las características que siempre les han distinguido: ska punk bailable y festivo, huecos para coquetear con multitud de estilos afines y repaso crítico-reivindicativo al panorama social que marca la agenda.

—jesús casañas

Electrónica y desolación Erik Urano

Balaclava Flat Bits/Gamberros Pro

9 RAP-GRIME / Balaclava suena a grime y a

hip hop oscuro. Suena a barrios que cambian a una velocidad pasmosa y a la pérdida de identidad que esa velocidad provoca.

Suena a electrónica y a desolación; a oscuridad, vértigo y frío. Suena, en definitiva, a Erik Urano, que esta vez cuenta con una apabullante lista de aliados en las labores de producción de cada tema. Al ya habitual Zar1, se suman Manul & Energy Man, Skyhook & Fake Guido, Edu Omega y Lost Twin. Cada uno aporta su personal visión para crear atmósferas sonoras frías y sintéticas en una suma de sensibilidades y contrastes que funcionan a la perfección, desde la contundencia sucia y callejera de la titular Balaclava hasta las atmósferas casi alucinatorias de Capsule (impecable el trabajo de Lost Twin), pasando por la densidad asfixiante de Vybz (primera colaboración

Lildami

Rusos Blancos

POP / Las batallas alrededor del sentimiento amoroso vuelven a emerger en un primer plano en las canciones de Rusos Blancos, dejando constancia de su gran capacidad para transformar historias de corte íntimo en auténticas piezas pop repletas de ingenio. Si en Museo del Romanticismo fueron capaces de reflejar los entresijos de las relaciones esporádicas, en esta nueva entrega van más allá para ofrecer una visión de los asuntos del corazón más afectada por la angustia del paso de los años.

Esto no implica que los temas se sumerjan en un estado de ánimo apesadumbrado, sino que lo reluciente de su capa sintética toma un protagonismo destacado para hacer precisamente gala del título del disco. Por ello, aunque algunas de las canciones se asomen al abismo de la crisis adulta, los paliativos musicales en forma de pequeñas melodías techno cumplen su parte a la perfección, intentando sumergirlo todo en un ambiente más despreocupado.

—noé r. rivas

TRAP / No todo el trap en catalán es P.A.W.N. Gang. Y, aunque pueda parecer una exageración, hasta este 10 Vos Guard no había competencia de categoría para los barceloneses. Como sello de calidad del nuevo largo de Damià Rodríguez, el tercero en apenas dos años, dos miembros de la clika colaboran en él. No son los únicos; están también Enry-K, Sr. Chen y Lil Moss (Damed Squad), que le acompaña en unos de los mejores temas del largo, el fresquísimo No sé qué em veus. La enésima canción de las diez que forman la tape que demuestra que el de Terrassa se mueve bien en aguas de loser. Autoparodia sana. Una línea que queda clara desde buen principio, en el corte homónimo que abre el disco, pero también o en el que lo cierra: No sé cantar. Pero Lildami todavía se empeña con más fluidez cuando estira del hilo de lo emocional (Enredat, Damià). Yung Lean sin tinieblas. Damià Rodríguez hace música desde una mentalidad pop: abierta de miras y con vocación universal. —yeray s. iborra

7

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entre Skyhook y Fake Guido). Todos los elementos habituales en la lírica de Erik Urano están presentes aquí: el frio como metáfora de la anomía en una realidad con “menos salidas que fobias”, los paisajes industriales y la tecnología como representación del aislamiento del ser humano en un presente gregario y asfixiante, y la cosmología y el imaginario espacial como válvulas de escape, aunque la oscuridad de los textos esta vez supone una vuelta de tuerca hacia una madurez creativa que permite al de Valladolid ser afilado

Jacco Gardner

10 Vos Guard Autoeditado

Bailando hacia el desastre Intromúsica Records

7

FOTO: JUAN CARLOS QUINDÓS

8

PSICODELIA / El cambio de aires sufrido por Jacco Gardner tras mudarse de su Holanda natal a Lisboa se ha materializado en un disco que lo aleja de la concepción psicodélica exhibida en sus inicios, logrando en este caso la fascinación en base a las estampas casi cinematográficas que nos presenta. Una auténtica exploración de sí mismo en la que ha dejado de lado su cara más barroca, aquella que lo aupó como uno de los máximos exponentes del pop psicodélico de vertiente sesentera gracias a su debut Cabinet Of Curiosities.

En esta ocasión ha caído rendido ante lo atractivo del mundo nocturno recreado por Brian Eno o incluso el apartado ambiental en el que Broadcast intentaban capturar las ondas radiofónicas.

Lo más llamativo de este trabajo es la renuncia total al apartado vocal, algo que le ha permitido lograr unas canciones que se enlazan en una historia ininterrumpida.

—noé r. rivas

Phosphorescent

Kokoshca El Mal Sonido Muchacho

Somnium Polyvinyl Records

7

como nunca en su constante crónica de un presente que no augura finales felices. No hay oxígeno en Balaclava, de la misma manera que no hay luz. Cada imagen presentada encierra un mensaje oculto en un juego de simbolismos tan desconcertante como efectivo, y como si de un relato de Borges o de una canción de Kate Tempest se tratara, cada estrofa ofrece diferentes niveles de lectura y profundidad en una espiral obsesiva con el tema de la identidad como eje central, o la falta de ella para ser más exactos. —ricky lavado

8

ROCK / Si con el lanzamien-

to de Algo real (2016) ya se hablaba de madurez en Kokoshca, El Mal es la consolidación de esa idea. Su nuevo disco supone un paso adelante desde la solidez y la ambición, algo que ya nos dejaba intuir Bom Bom, un primer adelanto que nos mostraba la faceta latina de los navarros. Esta inquietud sonora se traduce a lo largo del álbum en una genial mezcla de géneros que van desde el rock, o la psicodelia hasta una especie de folklore espacial como el que introduce el tema que da nombre al disco. Pero también es en las letras donde encontramos otras de las virtudes de este trabajo. Desde esa atmósfera oscura que rodea todo el álbum, Kokoshca tiran de las vivencias del día a día para plasmar la incertidumbre y el pesimismo (en el amor, en lo social, en lo político,…) con el que convive su generación. Una generación que pese a todo pretende seguir erguida, tal y como reza ese himno (en mayúsculas) que es Seguiremos en pie.

—guillermo chaparro terleira

C’est La Vie Dead Oceans/ Popstock!

8

ALT-COUNTRY / Cinco años

de su anterior y espléndido Muchacho (13), pero Matthew Houck no ha perdido el tiempo, se ha casado, ha sido padre y ha dejado atrás la efervescencia de Brooklyn por la calidez de Nashville, donde construyó su propio estudio y grabó este C’est La Vie, su séptimo largo. Nueve pistas que rezuman madurez, confianza y sensibilidad por cada surco.

Su voz se ha liberado de toda envoltura y, mientras despliega paisajes y atmósferas sonoras marca de la casa (en las que pulula un omnipresente pedal steel), nos muestra sin tapujos ni filtros lo verdaderamente importante.

Así, a corazón abierto, desborda honestidad y sentimientos a flor de piel en el rayo de luna de My Beautiful Boy o en el despegue de C’est La Vie No.2 bajo una espiral luminosa de sintetizadores que nos atrapa desde el primer segundo, dejando que resuenen los ecos del mejor Paul Simon y brillen hasta cegarnos en la alegría desbordante de New Birth In New England. —david pérez noviembre 2018 #37

MONDOVINILOS

Chelsea Boots

Guilty Pleasure Universal

POP / La banda liderada por Santi Isla (sí, de los Isla de toda vida), se ha estrenado con un largo que combina pop rock azucarado con destellos de chulería. Pero ojo, no les acusamos de ser sensibles o blanditos, sino que beben de unas influencias que, en cierta manera, lo son. Chelsea Boots tienen algo de MGMT, Bowie, Phoenix, Harry Styles o Miles Kane, a partir de las que levantan su propuesta. Ahora les toca demostrar que son músicos con voluntad y dedicación. La producción ha corrido a cargo de Martí Perarnau y Ramiro Nieto, y funciona relativamente bien.

Quizás lo que menos les favorezca sea un sonido demasiado brillante. En cuanto al repertorio destacan, por encima del resto, cortes como This Roof is Burning, Pretty Stranger, Dreams Die on the Road y DWCME.

FOTO: TONJE THILESEN

6

Julia Holter habla de amor Julia Holter

Aviary Domino/Music As Usual

8

POP / “Me he enamorado. ¿Qué puedo hacer?”.

Esa es la letanía que Julia Holter canta en I Shall Love 2, el majestuoso adelanto de un disco complejo -por momentos casi inabarcable- que, efectivamente, habla del amor, un tema que en realidad siempre ha estado en el fondo de la obra de la artista angelina.

Después de un trabajo de ruptura como fue Have You In My Wilderness (15), el más accesible hasta la fecha dentro de una trayectoria siempre intrincada, Holter se adentra aquí en una búsqueda que acaba convirtiéndose en un auténtico atlas de las emociones (soledad, deseo, frustración, resentimiento,

locura…), a través de un ambicioso doble álbum que primero parece levantar un castillo interior, tan inexpugnable como a priori resulta la propia artista, para mostrarse a continuación como una versión más luminosa -aunque igualmente misteriosa- de sí misma. Más que nunca, sus canciones se han construido sin prisas, recorriendo jardines de senderos infinitos -una metáfora del propio proceso creativo- en los que hay momentos de corte medievalista (Chaitius), barroquismo contenido, experimentación, desconcierto global (Voce Simul, Everyday Is An Emergency) y deslumbrantes minutos de pop orquestal (In Garden’s Muteness, Words I Heard, I Shall Love 1 o la maravillosa Les Jeux To You), dentro de un último tercio de disco que crece sin límites, hasta desembocar en un sosegado epílogo (Why Sad Song) que devuelve nuevas preguntas a la inicial búsqueda de respuestas en este asombroso aviario. —enrique peñas

50 ANIVERSARIO EDICIÓN ESPECIAL MULTI-FORMATO

CAJA SUPER DELUXE

YA DISPONIBLE!

—maría ballesteros

Halestorm Vicious Atlantic/ Warner

8

ROCK / Halestorm suben

el volumen. Los hermanos Hale han crecido entre el hard rock de los ochenta y lo muestran sin complejos en Vicious. Con producción de Nick Raskulinecz (Alice In Chains, Mastodon) cabía esperar que su cuarto disco fuera el más explosivo desde que empezaron su carrera con The Strange Case Of (15), aunque en realidad es el más maduro y versátil. Desde los tanteos a los sonidos más pop de Skulls hasta las raíces clásicas

de Buzz, Halestorm han sabido encontrar el equilibrio para que identifiquemos sus temas al instante. Pero Vicious se desmarca del resto de sus trabajos por perfeccionar todos los elementos que construyen su identidad. La arrolladora personalidad de su vocalista brilla con fuerza en temas empoderados, más crudos y sinceros. Sin descubrirnos nada nuevo, Halestorm nos dan una lección de cómo hacer hard rock actual, falta por ver si la formula se volverá repetitiva en próximos trabajos o sabrán mantener esa frescura. —montse galeano Tim Hecker Konoyo Sunblind/ Kranky

7

ELECTRÓNICA / Tim Hecker

vuelve al sello Kranky después de publicar Love Streams (16) en 4AD y lo hace con Konoyo, el noveno largo en la discografía del canadiense, un músico obligatorio para todo aquél interesado en el mundo del ambient y el drone, porque Hecker ha contribuido generosamente al género desde que comenzara en 1996 su carrera musical bajo el alias de Jetone. Para empezar, Konoyo es un cambio de perspectiva respeto a su predecesor, ya que decide explorar territorios más oscuros y espirituales prescindiendo de los magnéticos coros. Con esto tal vez pierde un poco la emotividad y los paisajes de ensueño que llegaba a dibujar Love Streams pero gana en experimentación, como en la demoleradora This Life. Cabe decir que, en esta ocasión, Hecker se inspira en Japón, país que visitó y en el que colaboró con una formación de gagaku, el arte escénico más antiguo del país nipón y una clara inspiración en Across To Anoyo, cierre de este magnético disco.

—marc oliveras deu

INCLUYE 3XLP + 5XCD + 3X7’’(PULGADAS), LIBRO CON IMÁGENES DE LA ÉPOCA, POSTER Y MEMORABILIA

WWW.THEKINKS.INFO

#38 noviembre 2018

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La Estrella de David

Rebelión La Casa del Misterio/ Ataque!

Consagración Terranova/ Jauh USB?/ Sonido Muchacho

POP / “He creado un personaje tan flojito que tendré que marcharme de Madrid”, suelta David Rodríguez en Amor sin fin, cierre de su tercera entrega como La Estrella. Consagración -cuya insuperable portada y título redoblan su apuesta por ese cutrerío costumbrista tan suyo- destaca de primeras por un sonido más pulido y electrónico.

Pero más allá del lujoso envoltorio, al que se suman diversos colaboradores (Ana Fernández, Muchachito…), no puede quedar otra cosa que esa morada lúcida y cáustica del mundo. Empezar el asunto con Me ha parecido que estuvo en mi cabeza con esos teclados entre New Order y Camela, ganará a todos aquellos que vean siempre el vaso medio vacío. El amor es de nuevo el gran tema, como demuestra en Noches de blanco Satán, epopeya íntima y universalmente masculina del romántico teórico y loser que se viene abajo en el momento decisivo, a ritmo de post-indie naíf. ¿Consagración? Desde luego. A su manera. —jc peña

8

7

—kepa arbizu

Broke Lord

Nazgul Says Orphan/ Cosmic Tentacles/ Gog Artifacts

Black Velvet DunhaM/ Daptone

SOUL / Los discos póstumos

suelen generar sentimientos encontrados. Por un lado, si se trata de un artista al que admiras, te encuentras con la innegable emoción que aportan nuevas canciones. Pero por otro, por supuesto, se contrapone la tristeza por saber que pocas veces vas a volver a sentir esa sensación (discos de rarezas y demás cuestiones arqueológicas al margen). Eso, por supuesto, es lo que nos sucede con lo nuevo de Charles Bradley, la “vociferante águila del soul”, con un disco que ve la luz cuando el desaparecido cantante ya hubiera cumplido los setenta años de edad. Tampoco nos engañemos. Esta colección de canciones no nació pensada como un disco, sino que se trata de grabaciones inéditas de toda la carrera del soulman que, curiosamente, conservan la coherencia que tendría un álbum convencional. Una delicia que aúna temas propios con versiones de Nirvana, Neil Young o Rodríguez. Y es que, al fin y al cabo, es solo soul, pero nos gusta. —eduardo izquierdo

ROCK / Sin duda Ilegales

son parte esencial en la historia del rock hecho en castellano, y lo son gracias a escribir capítulos cargados de una irredenta actitud. Quien tuviera duda de que su regreso no iba a estar dirigido, como mínimo, por ese mismo talante es que desconoce el insolente y certero cerebro artístico de Jorge Martínez, capaz de ofrecer todavía a estas alturas un disco conciso y afilado. Un catálogo de canciones que recoge buena parte del variado repertorio estilístico exhibido por los asturianos, iniciado con el punk coreable de Si no luchas te matas y finiquitado con la lírica e instrumentalmente rimbombante El bosque fragante y sombrío. Entre ambas, un arsenal descarado y rotundo a base de sus reconocibles ritmos cortantes y sincopados (Tatuaje invisible), tango camuflado entre chupas de cuero (Mi copa y yo) u oscuro rockabilly (Andad de día). La banda sonora ideal para unos tiempos nuevos cada vez más salvajes.

Charles Bradley

8

MONDOVINILOS

Ilegales

7

ROCK / Pop gótico o rock

oscuro, qué más da la etiqueta, las canciones de Broke Lord saltan de sombra en sombra y transitan por territorios escarpados y poco transitados en la actual música española. Un disco que empieza con la historia de un colibrí que intenta evitar su muerte a manos de un cerdo nos da una idea del territorio poco ortodoxo en el que nos movemos.

Grabado en los estudios Mina de Sevilla, el segundo largo del músico y escritor Luis Boullosa es rico en matices, echando mano de un inteligente uso de los sintetizadores. Su voz, rugosa y frágil, funciona bastante mejor junto a los coros femeninos de Macky Chuca, al estilo de unos Isobel Campbell y Mark Lanegan patrios. Ella es la protagonista absoluta de Eve Of All Churches Burning, ocho intensos minutos de aires kraut. Hay algún que otro acercamiento tangencial al folkrock (New Town), pero Nazgul Says juega en una liga superior y más atrevida que en su debut. Bien por esta rara avis. —jon pagola

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El clasicismo de Kurt Vile Kurt Vile

Bottle It In Matador

8 POP / Cada nueva gira, cada singladura

en el horizonte, supone para Kurt Vile materia de inspiración, de ahí que haya llegado a afirmar que ese momento de pánico en el que uno se sube a un avión y vislumbra la remota posibilidad de estrellarse con él para no volver a ver nunca a su mujer y a su hija ha supuesto una dosis de combustible extra para componer canciones como Hysteria, posiblemente el momento de su carrera en el que más cerca ha estado nunca de parecerse a J Mascis, otro ilustre melenudo con pinta (engañosa) de gandul. Cambien si quieren la referencia al Dinousar Jr por la de Neil Young, porque lo mismo da. El clasicismo de Vile no se remite únicamente a ellos, ya que este Bottle It In, registrado a lo largo de los dos últimos años en diferentes estudios y con diferentes productores (Rob Schnapff, Peter Katis, Shawn Everett), es su entrega más ecléctica hasta la fecha.

No tanto porque su receta haya cambiado (más allá de su versión del Rolling With The Flow de Charlie Rich: su corte más pop en años), sino por su capacidad para darle a cada canción un registro único, como si fueran pequeños universos particulares a través de los que da rienda suelta a ese torrente de imágenes algo inconexas: llámenlo escritura automática, corriente de conciencia, intuición o simplemente el molde de una psicodelia sui generis. El caso es que cada una de sus nuevas letanías, alentadas por esa afinación acústica que tanto delega en el fingerpicking, sus ecos y modulaciones, acaba calando con la misma –o mayor– eficacia que en cualquiera de sus anteriores entregas, cuando en manos de cualquier otro se convertirían en un colosal tostón. Poco importa que Kim Gordon remate Mutinies con su guitarra de palo, o que Stella Mozgawa (Warpaint) le dé a la batería mientras Cass McCombs se marca unos coros durante los diez minutos largos del tema titular: Kurt Vile vuelve a probar que lo importante es la senda trazada y no el destino final, y que su inagotable trip retiene intacto su poder de fascinación.

—carlos pérez de ziriza

noviembre 2018 #39

41/Mondo Media CINE

Matangi/Maya/M.I.A. En la intimidad

LIBROS Música industrial. La deshumanización del sonido Fernando O. Paíno Editorial Milenio

8 La principal cuestión a resolver por parte de Paíno era establecer los límites de un género especialmente permeable como es el industrial. Lo resuelve con una amplia introducción protagonizada por Throbbing Gristle y las bandas referenciadas en el ya mítico England’s Hidden Reverse, y una recta final dedicada al noise, dark ambient y el sonido postindustrial. El asesoramiento de Jordi Valls (Vagina Dentata Organ) es una garantía. —ernesto bruno

Mánchester.

El sonido de la ciudad Marcos Gendre Milenio

8 Mánchester como epicentro musical es una idea mucho más vasta y poliédrica de lo que en un principio puede parecer. Hay sitio para infinidad de grupos y estilos. Este es uno de los grandes aciertos de un libro que se vale principalmente del fluido esquema oral, donde músicos y protagonistas aportan su granito de arena salpicado con aportaciones del propio autor. Un libro jugosísimo, altamente recomendable, con prólogo (¡40 páginas!) de Santi Carrillo. —jon pagola

Matangi/Maya/M.I.A., la película dirigida por Steve Loveridge, se ha estrenado en el festival de cine documental musical In-Edit en Barcelona y Madrid. Y tenemos la suerte de que sea la propia M.I.A. quien nos la comente.

S

obre unas grabaciones caseras de una fiesta familiar en las que una niña baila sonriente, una voz en off confiesa: “La música era mi medicina, tenía que lidiar con el hecho de que era diferente.

Era una inmigrante. En Sri Lanka me disparaban por ser Tamil, y en Inglaterra me escupían por ser una Paki”. La voz es la de Matanghi Maya Arulpragasam, la misma niña de pelo corto que baila feliz en la filmación, más conocida como M.I.A, y tanto el tono confesional y desgarrador de la narración como la intimidad y ternura de las imágenes rescatadas de filmaciones caseras familiares nos avisan de que lo que vamos a ver no se ajusta demasiado a la idea estándar de documental biográfico sobre la carrera de una estrella mundial de la música.

Con Matangi/Maya/M.I.A., el director Steve Loveridge nos ofrece una visión extremadamente íntima y humana de un personaje y una historia apasionantes, en un relato crudo y emocionante donde confluyen política, identidad, arte y activismo. “Todos aquellos inmigrantes que llegaron a Londres y se enfrentaron a todo por primera vez... No habían otros refugiados más antiguos con los que hablar. Mi madre de repente se convirtió en una mujer que conducía un coche, tenía tres trabajos a la vez, criaba a tres hijos y estudiaba inglés, y no tenía a nadie con quién hablar. La cámara era una herramienta necesaria. Era como terapia, una forma de comunicarse”. Fruto de esa terapia son las más de setecientas horas de filmaciones caseras que M.I.A. puso en manos de Loveridge hace diez años para hacer un documental.

“Steve ha estado presente de forma constante en mi vida, es el amigo de la

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facultad que presenté a mi familia, no es nada macho, no avasalla a la gente, es muy sensible con los temas complicados y no juzga ni generaliza. Creo que es muy importante encontrar gente con tanta sensibilidad, y él la tiene”. El resultado de ese voto de confianza es un documento excepcional en el que los elementos de la fama y el éxito quedan en segundo plano para centrarse en la historia de Maya, la persona detrás de M.I.A.: hija del fundador del Movimiento de Resistencia Tamil, refugiada en Inglaterra debido a la guerra civil en su Sri Lanka natal, activista política, madre y auténtico huracán de creatividad e inconformismo. “Hoy en día se ha extendido otra vez un relato acerca de la inmigración y los refugiados que es una de las razones por las que tenemos a Trump, el Brexit o la vuelta de la extrema derecha en toda Europa, otra vez”. Ese difícil equilibrio entre la conciencia política, el arte como

medio de expresión y las contradicciones y conflictos derivados de la fama es el eje central sobre el que se desarrolla la cinta. Alrededor de ese eje, una creadora incansable en perpetua evolución, y mucha y muy buena música. “No quiero que esta película se limite a una historia sobre los inmigrantes, o como un viaje acerca de la raza y el género. En la película también intento ser creativa y quiero ser aceptada por ser creativa”.

Matangi/Maya/M.I.A. supone un viaje visual fascinante, en el que nos asomamos sin glamour ni maquillaje a la historia de una artista única. “El shock inicial de ver tanto material personal en el documental fue difícil, me sentí muy vulnerable la primera vez que lo vi, pero después se lo enseñé a mi familia, y les encantó. Es un documental sobre mi, pero a la vez incluye a muchas otras personas, es algo muy sensible. Steve es un buen tío y fue cuidadoso, no le ha arruinado la vida a nadie”. —ricky lavado

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Matangi/ Maya/ M.I.A. Steve Loveridge

noviembre 2018 #41

“Máculas es nuestra carta de amor al cómic”

Financiada a través de una campaña de micromecenazgo, Máculas (Spaceman Project, 18) acude al metalenguaje para trazar una aventura con trasfondo de creadores de cómic. Hablamos con Jordi Pastor (guión) y Danide (dibujo).

C

ómo surge la idea?

(Pastor) Danide tenía un concepto en la cabeza. Un personaje llamado Dott Spot y el querer jugar con el metalenguaje. Me ofreció trabajar a partir de ello para construir algo sólido. Creo que entramos en sintonía.

(Danide) Quería hacer un homenaje a los viejos cómics pulp impresos en papel malo, con fallos de impresión y demás. Me gusta esa materialidad, que lamentablemente se pierde por completo en los webcómics. Así que el juego no iba a ser solamente narrativo, sino también a un nivel más fetichista, más relacionado con el objeto en sí.

—El juego con el “metacómic” es algo a lo que se han acercado con gran éxito guionistas como Alan Moore o Grant Morrison. ¿Asusta compartir juguetes con ellos?

(Pastor) A mí es que marcó mucho Animal Man de Grant Morrison, con el propio guionista apareciendo en la serie y su personaje exigiéndole explicaciones del porqué de su trágica vida. Cosas como esa te quedan grabadas en la cabeza y recurres a ellas al crear alguna cosa, quieras o no.

—El crowdfunding de Máculas generó muchísima expectación y contó con el apoyo entregado de muchos autores. ¿Cómo vivisteis este momento? ¿Cuál ha sido la recepción de la obra?

(Pastor) No podemos estar más contentos con la recepción que ha tenido el cómic. Hemos escuchado palabras hermosas de gente a la que admiramos desde hace mucho tiempo.

(Danide) La implicación de muchos de nuestros colegas de profesión fue de lo más bonito que me ha pasado a nivel profesional. Me sentí muy querido y arropado. —alex serrano

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#42 noviembre 2018

LIBROS

CÓMICS

Santi Balmes “La escritura tiene un punto sanador” La transversalidad artística define a Santi Balmes. No se encasilla en la etiqueta de músico o en la de escritor: para él, todo forma parte de lo mismo. De ello deja rastros en su nueva novela, El hambre invisible (Planeta, 18), una lectura autobiográfica en la que viajar por su mundo interior se convierte en una aventura apasionante.

E

l hambre invisible es una novela que se completa con las ilustraciones de Sergio Mora –quien ya colaboró con Love Of Lesbian en su último disco, El poeta Halley (16)- y que incluye multitud de referencias al repertorio de la banda.

Balmes cierra así un triángulo de creación entre el último álbum de Love Of Lesbian y Canción de Bruma (17), un libro de poemas que empezó mientras escribía su novela. Cuatro años después de empezar El hambre invisible abre a los lectores las puertas de Bruma, su fascinante ciudad interior, y así, las cierra a antiguos fantasmas de otras etapas. Remueve el pasado y se reconcilia con él para saciar su propia hambre invisible.

—¿Cuánto ha durado esta abertura en canal?

Me tomó cuatro años escribirlo en mis ratos libres. Algunos de los escritos del Joven Poeta Halley son de cuando era más joven. Los he actualizado un poco para que parecieran un poco más profesionales. Eran más viscerales y no tan bien escritos, pero los temas sí que estaban allí. Lo intenté escribir con treinta años y, de repente, inconscientemente, lo abandoné. Hasta que me di cuenta hace unos años que era el momento porque mi vida había dado una vuelta y ya podía verlo todo en la distancia.

—¿Cierras una etapa con El hambre invisible? Tu anterior libro, Canción de Bruma, parece una escisión de la novela.

Sí. De hecho, el ochenta por cient de Canción de Bruma estaba dentro de este libro, y me di cuenta de que había dos libros. Todo lo que decía en Canción de Bruma, que lo escribí en dos meses, eran inserciones poéticas dentro de El hambre invisible. Me di cuenta de que el libro iba a ser demasiado extenso, así que hice la prueba de extirpar todas las partes poéticas.

—El hambre invisible parece una manera de entender mejor las canciones de Love Of Lesbian. ¿Era la intención o tenía más que ver escribir sobre tu yo ficcionado?

La intención de escribir El hambre invisible era un efecto de abrirse en canal de manera metafórica. Me veía con la nece-

sidad de finiquitar ciertas épocas de la vida o, como mínimo, de llegar a ciertas conclusiones. Despertar héroes y monstruos que tenía dentro ha sido muy bonito pero, a la vez, muy doloroso. Me ha servido para reavivar según qué personajes que tenía dentro, como el Niño o el Joven Poeta Halley. Aunque en mi profesión los tengo bastante despiertos, hay como un compromiso vital de no hacerlos desaparecer.

—En este equilibrio de personalidades que describes en el libro, ¿cuál es la que domina más sobre ti?

Creo que el Mago, porque es mi voluntad que sea él quien me encabeza. Es esa persona que, de alguna manera, no cree en la magia de prestidigitador, sino una magia más profunda, más arraigada a la vida. Reivindico el papel de la magia dentro de la rutina, que es lo que hemos querido con la banda desde hace tiempo: el deseo de que nos pasaran cosas inexplicables. Hay una parte destructiva hacia el deseo más primario que, aunque se sacie, continúa provocando una insatisfacción continua. La otra parte es más profunda, casi esotérica, de desear que perviva la magia, y esta parte provoca que nos hayan pasado cosas con la banda casi inexplicables.

—Como haber pasado de ser una banda indie pequeña a llenar el WiZink de Madrid...

Totalmente, y además habernos encontrado la gente maravillosa que hemos conocido, todos esos ídolos en los cuales había establecido una conexión personal que ni en mis sueños hubiese pensado que podría suceder.

Es aquella conexión de la que habla el Mago en el libro, tan personal en uno que, a la vez, crea una especie de cono que hace que conecte con tantísima gente. Es algo que no sabes cómo sucede pero que quizás dentro de cien años tiene una explicación científica, o no. Hay un momento que Equilibrista habla con el Mago y le dice: “Sabes que no lo estás diciendo todo”. Sin lugar a dudas, es la persona que reivindico, aunque el Burgués aprieta.

—karen montero

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El hambre invisible Santi Balmes Planeta

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CÓMICS Sordo

David Muñoz/ Rayco Pulido Astiberri

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Diez años después de que viese la luz y poco antes de que se estrene su adaptación cinematográfica, se reedita esta descarnada obra firmada por el guionista de El espinazo del diablo y por uno de los mejores autores de nuestro panorama. Una breve pero cruda –en el fondo y en la forma- historia sobre la impotencia y la psicosis que generó la posguerra española en quienes lucharon y perdieron la guerra.

—joan s. luna

The Private Eye

Brian K. Vaughan/Marcos Martín Panel Syndicate/Gigamesh

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Ya sabíamos que el noir y la ciencia-ficción distópica casan bien (todos conocemos ejemplos) y ahora sabemos que el cómic nacido en Internet (vía Panel Syndicate) también puede contar con excelentes ediciones en papel. Gigamesh publica en formato apaisado y con extras esta adictiva y casi imprescindible obra que firman el norteamericano Brian K. Vaughan y el español Marcos Martín. —martí viladot El principe y la modista

Jen Wang Sapristi

8 Jen Wang (autora junto a Cory Doctorow de la no menos recomendable En la vida real) firma esta premiada obra para todos los públicos en la que los buenos sentimientos y la comprensión ayudan a Sebastian (el príncipe) y a Frances (la modista) a superar todas las barreras que se levantan frente a ellos en relación con la identidad, la clase social, los prejuicios y las dudas. Realmente bonita, que ya es mucho. —j.s.l.

CINE

Gaspar Noé

La puta resaca

El cineasta argentino vuelve hacer lo que mejor sabe: Climax es una película incómoda e irreverente, una party que se (le) va de las manos. A quién no le ha pasado alguna vez...

E

l propio Gaspar Noé no podría haberlo planificado mejor. En el día del preestreno, cuando Climax alcanzaba su... ecuador, y tras una escena que arrancaba con un aborto inducido y derivaba en una serie de cortes autoinfligidos con una cuchilla, uno de los asistentes se desplomó en su asiento.

Tras el susto inicial, las carreras y las llamadas a los servicios médicos todo quedó en anécdota. “Jamás pensé que alguien podría desmayarse con esta cinta, es la más ligera y divertida que he hecho. ¿En qué secuencia dices que fue...? La última vez que me desmayé fue en el dentista: me arrancó un diente y con él salió un pedazo de carne. Recordar que uno está hecho de sangre y de carne a veces provoca que sucedan cosas así. Cuando el cine está bien hecho pueden ocurrir ese tipo de reacciones, pero te aseguro que la chica no se cortaba de verdad

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é que “Jamás pensodría alguien p on c desmayarsemás s la esta cinta, eivertida ligera y d echo” que he h

y su panza estaba vacía también...”.

Ironías al margen, lo nuevo de este enfant terrible que ya acongojó al público con una violación de diez minutos en Irreversible acaba de hacerse con el Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, lo que da la medida de la película. Y eso a pesar de que el planteamiento a priori no puede estar más alejado del terror. “Planteé el proyecto como un musical con bailarines, y engañé a los productores. El compromiso era hacer una película rápida, quince días de rodaje con un decorado único”. En ella un grupo de jóvenes bailarines parisinos celebran una fiesta en su academia, con su Dj’s y sus coreografías, pero en un momento de la noche las drogas hacen que todo se empiece a torcer. “Climax está inspirada en los excesos con el alcohol que he visto en discotecas y fiestas de adolescentes y adultos. Gente que se pelea, que tiene blackouts y se convierten en monstruos mientras están borrachos y al día siguiente se comportan como angelitos”.

La banda sonora, planteada como música diegética que se dispara a tiempo real desde la mesa del Dj, es otro de los elementos esenciales del filme. Temas de Aphex Twin, Dopplereffekt, Daft Punk, y demás bestias de

la música de club, que más que puntuar la acción ayudan a convertirla en una espiral infernal. “Cuando escribo no escucho música, en mi casa no escucho música, en los taxis no escucho música y si me la ponen... me bajo del taxi. La electrónica me gusta para bailar, por eso hice una selección amplia de temas de club. Rollin’ & Scratchin’ de Daft Punk me encanta desde la primera vez que la escuché y como soy amigo de Thomas Bangalter le pregunté si podía conseguir los derechos y si tenía otros temas personales que pudiéramos utilizar. Sacó Sangría de la computadora, un inédito grabado en 1995. Y sí, es cierto que la estructura de Climax se creó de la mano de la selección musical”.

—luis j. menéndez

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Climax

Gaspar Noé

noviembre 2018 #43

44/Mondo Conexiones Premios Fest <> BIME Pro

Conduce como piensas <> Toyota C-HR Electric Hybrid Ya conocemos la nueva campaña del fabricante de coches japonés Toyota. Se llama “Símbolos” y va dirigida a sus modelos Toyota C-HR Electric hybrid y Toyota Yaris hybrid . Esta campaña habla sobre esos iconos con los que nos hemos identificado alguna vez a lo largo de nuestra vida y que hemos mostrado siempre con orgullo. Esos iconos de los que habla Toyota, como por ejemplo bandas de música, son los que al hacerlos propios terminan por definir nuestro carácter y comportamiento. La música es algo que representa y que enorgullece a cada persona y lo que define y enorgullece a esta empresa es la placa “Hybrid” que lucen sus coches híbridos, ya que es símbolo de innovación, responsabilidad por el futuro y liderazgo tecnológico en el panorama de movilidad urbana actual.

Los Premios Fest han celebrado su V edición y lo hicieron en el V Congreso de festivales del BIME el pasado 24 de octubre.

Estos premios son el único reconocimiento de la industria de la música dedicado a festivales en España. Cuenta con 22 categorías que van desde el festival con mejor acampada, al premio a la diversidad e igualdad de género o mejor festival de pequeño formato entre otras. Consulta los ganadores en la página premiosfest.com

¿A qué suena tu cerveza? <> Estrella Galicia La cerveza Estrella Galicia estrena una nueva edición limitada bajo el claim “¿A qué suena tu cerveza?”, en la que el proyecto musical de la marca, SON Estrella Galicia, vuelve a vestir la lata y el pack de la cerveza en un homenaje a los amantes de la música alternativa. Cada lata simula un micrófono de condensador y el frigopack, un amplificador de válvulas en línea con los más de ciento setenta conciertos que programa SON Estrella Galicia en toda España. Además de esta importante labor de prescripción musical, el proyecto cuenta con festivales singulares, un estudio de grabación propio (SON Estudio), un sello de edición de vinilos (SON Records) y una plataforma de ticketing (SON Tickets). estrellagalicia.es/son/

David Lynch <> Bang & Olufsen

La banda sonora del anuncio, “Brown Shoes” de Sing Street, es el leitmotiv de esta campaña. Nos transporta en el tiempo a esos años 80. Nos lleva a aquella época del casete y los walkman en la que todavía se jugaba al arcade e incluso la época en la que querías ser una estrella del rock. Esta canción también nos pregunta por lo que va a definir el resto de nuestra vida. Sea lo que sea lo que vaya a definirla, Toyota nos impulsa a mostrarlo con orgullo igual que hacen ellos con el símbolo que lucen todos sus Toyota C-HR, el símbolo Hybrid. #44 noviembre 2018

El director, guionista, actor y músico David Lynch ha diseñado una edición especial de altavoces para la marca Bang & Olufsen. Esta edición incluye un número muy limitado del icónico modelo Beoplay A9 y una unidad del Beosound Shape disponibles únicamente en el pop-up del Design Store del MoMA en Soho. Además esta colección exclusiva también incluye los modelos Beoplay M5 y Beoplay P2 firmados por David Lynch.

Live The Roof <> Coca-Cola Mix El ciclo de conciertos de Live The Roof y Coca-Cola Mix ha llegado a su fin tras 7 meses recorriendo azoteas de hoteles de toda España, con más de 55 conciertos programados. El cierre de la temporada fue en la terraza de Casa Suecia con una jornada de conciertos muy especial por la que pasaron ocho artistas que han participado en esta edición como Alice Wonder, Carmen Boza, Mikel Erentxun y El Kanka, entre otros. Tres horas de acústicos para despedir el verano. Todas las fotos y vídeos pueden verse a través de los hashtags #Mixtheroof y #RoofAndFriends. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Sounds Different

CONCIERTO SOLIDARIO 17 ENERO ·

APERTURA DE PUERTAS

19:00h ·

·

LA RECAUDACIÓN SERÁ DONADA A DIFERENTES PROYECTOS BENÉFICOS

LOVE OF LESBIAN · LA HABITACIÓN ROJA NEUMAN · SILOÉ · MAICO · Y MÁS GANADOR CONCURSO GRUPO REVELACIÓN

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Jurado y medios oficiales

Organiza

Entradas

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación

RETROVISOR.

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Tangerine Dream

Origen: Berlin. 1967-Actualidad Clásicos imprescindibles de la música electrónica, Tangerine Dream se mantienen activos hasta el punto que, este mes de noviembre, presentarán en el festival barcelonés MIRA (9 noviembre, Fabra i Coats) su nuevo disco, Quantum Gate, publicado el año pasado.

C

on más de medio siglo de historia a sus espaldas y más de sesenta discos de estudio, Tangerine Dream prosiguen con Thorsten Quaechsning como timón del grupo, que vivió la pérdida del gran Edgar Froese en 2015. “No fue mi decisión, sino el plan de Edgar”. Bajo esta responsabilidad, la enésima reconversión de un grupo por el que ha pasado una treintena de integrantes se basa en “la idea del trío como si fuéramos una orquesta. Cada parte de la banda tiene su rol específico, como una orquesta sinfónica con una intersección ambient donde cada uno sabe las frecuencias de lo que puede hacer y cuándo. Se trata de integrar el concepto de banda sinfónica dentro de una de música electrónica contemporánea, pero utilizando únicamente instrumentos electrónicos”, explica Thorsten, que lucha para que esta encarnación del grupo sea reconocida como algo más de lo que, en su día, el mítico miembro del grupo Peter Baumann sentenció. “Venía a decir que el concepto de Tangerine Dream es más fuerte que la banda, y que esta idea podía perdurar durante cientos de años. Creo que por una parte es correcta. Pero el término de banda es uno de los más fuertes cuando se habla de Tangerine Dream porque el grupo siempre se ha basado en tres, cuatro personas, y no en una que lo controle todo. Edgar era muy grande, pero un disco de setenta minutos de duración es más

#46 noviembre 2018

que una persona haciéndolo todo. Eso sí, todo lo que sé de música electrónica lo aprendí de sentarme a su lado año tras año”.

Lógicamente, el estatismo escénico que los alemanes siempre propusieron sobre el escenario y la ausencia total del ego derivado de las estrellas del rock de los setenta sirve para que Tangerine Dream siga funcionando como un estado mental en sí mismo.

Uno que cuenta con cientos de canciones entre las que escoger en directo. “Una cosa muy buena es que no tenemos ninguna clase de argumento al respecto. Normalmente tocamos dos horas. Podemos tocar unas once o doce canciones. Estamos más centrados en los setenta, Phaedra, Rubycon. También solemos tocar canciones de los ochenta. De los noventa, menos; no se trata precisamente de nuestra etapa favorita”.

Es en directo donde se palpa con más intensidad una metodología que se va relevando de etapa en etapa, y que Thorsten explica en base a que “todo está conectado entre sí. Si tienes la melodía, algunas connotaciones de esta van a cambiar debido a la textura del sonido porque ya te condiciona cómo tiene que sonar la siguiente nota que quieres tocar”.

Quizá el paso del tiempo ha ido erosionando la actualidad de un grupo que avanza con la enorme sombra de su glorioso pasado, al que incluso ellos mismos remiten a través de la influencia que Syd Barret tuvo en sus inicios.

“La idea de canciones como Shape My Sin y Dream Of Death surgió de Madcap’s Flaming Duty, publicado en 2007, que es un homenaje a Syd Barrett. Gran parte de la vida de Edgar ha girado en torno a Pink Floyd. La idea del disco y estas canciones se basaron en estructuras sonoras que incluían elementos psicodélicos adaptados por los clásicos elementos de Tangerine Dream”. —marcos gendre

IMPRESCINDIBLE Phaedra (Virgin, 1974)

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561

Este trabajo canónico está asociado al ARP Omni 2, un sintetizador polifónico básico en la segunda cara del Closer y Atmosphere de Joy Division. Pero Phaedra se basta por sí mismo para erigirse en faro capital de la música electrónica, cuatro movimientos de tacto glaciar y aura cósmica en los que las formas pianísticas son desechadas en pos de sublimar la evocación del oyente. El propio Thorsten no duda en aseverar que se trata “del álbum perfecto de música electrónica, desde el principio hasta el final, por sus intenciones y las ideas que contiene en su interior”. Un surtido de capas sintetizadas con vida propia que inducen al cambio constante en cada escucha. Música interactiva de consciencia atmosférica y naturaleza salvaje. Junto a On Land, de Brian Eno, la piedra angular en materia ambient.

—m.g.

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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