Fusione! by Mónica Méndez

Mayo 2017

Magneti c Midnight

Las nuevas coronas de flores

Florecer

Un nuevo show de arte contemporáneo en Arizona

Tendencia metálica

Y sus múltiples combinaciones

Psicodelia 60´s y 70´s Verano de amor, expansión mental y el arte 2

Directorio

4 Carta de la editora

5- 6

Mayo

Magnetic Midnight

7-8 Producto del mes

9- 15 Verano de amor

17- 18 Florecer

2017

19-20

Noticias

21 Exibiciรณn del mes

Lo nuevo de Banksy

23-24 Tendencia en metal

26-27

Listones

Pelicula del mex

28 Alejandro Annicharico

Directora KARLA MARTINEZ DE SALAS Directora Creativa KELLY TALAMAS Subdirectora BÁRBARA TERÁN Director de Arte FERNANDO RUVALCABA Editor Senior JOSÉ FORTEZA Moda Editora de Moda VALENTINA COLLADO Delegada de Moda en Nueva York SARAH GORE REEVES Coordinadores de Moda ANDREA VAAMONDE Y EMILIANO LÓPEZ Belleza Editora de Belleza CLAUDIA VALDEZ Coordinadora de Belleza PÍA GONZÁLEZ-FRANCO Agenda y Mundo Editora de Agenda y Mundo REGINA MONTEMAYOR Redacción Jefe de Cierre y Redacción ENRIQUE TORRES MEIXUEIRO Coordinadora Editorial KARINA GONZÁLEZ ULLOA Coordinador Editorial Latinoamérica JOSÉ LUIS ÁVILA Coordinadora Editorial Colombia ELENA WRIGHT Coordinadora Editorial Chile BERNARDITA BRAUN Coordinadora Editorial Perú ROMINA GUIULFO Arte Jefa de Diseño Gráfico GABRIELA OLMOS Jefa de Diseño iPad GABRIELA REYES DOMÍNGUEZ Diseñadora Gráfica Senior KARLA ACOSTA Diseño Gráfico KARLA VILLA Y NOEMI YOLIZTLI CRUZ OLVERA Colaboradores RENATA SANTOYO, TALÍA CASTELLANOS Fotografía y video ISRAEL ESPARZA, MAUREEN EVANS, ALDO DECANIZ, VICKY REYES, PABLO ORTIZ, PEPE MOLINA, ANDRÉS OYUELA, SALVADOR RUIZ, TAMARA URIBE, JORGE ZUBILLA, VALENTÍN LÓPEZ CONDÉ NAST MÉXICO Y LATINOAMÉRICA CEO/Directora General EVA HUGHES Condé Nast México y Latinoamérica Montes Urales Nº 415 Col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000 México DF tel: +52 (55) 5062-3710

Carta de la editora

ienvenidos a Fusione! una revista que llegara a tus manos mes con mes, buscamos proveerte información de calidad, sobre lo relevante en arte y moda, y tal como su nombre lo dice, fusionamos estas disciplinas, porque la moda también puede ser arte y el arte, moda. En este número encontraras las últimas tendencias, como el metálico, la última colección de Rihana, los listones o hermosos tocados artesanales; noticias sobre arte, las ultimas exhibiciones y obras. En la moda mas que en otro campo, recordar tendencias pasadas, es estar adelantandose al futuro, pues siempre regresa, por eso, para el plato fuerte tenemos una regresión a la psicodelia de los 60´s y 70´s donde expresar el libre espíritu era sinónimo de hacer y utlizar prendas únicas, danzar en la naturaleza y crear arte muy colorido, una era desbordante de creatividad, que desearíamos experimentar. Así que disfruta cada página, esperamos te sirvan de inspiración para crear y vestir solo como tu sabes.

Magnetic Midnight

ยกLas nuevas coronas de flores!

a idea de llevar un ador no especial sobre la cabeza siempre ha formado parte de nuestro idilio fashionista. Primero comenzó con una corona de princesa durante la niñez, que en los años de pubertad se transformó en una diadema à lo Blair Waldorf, después, se tornó en una bohemia corona de flores como uniforme inequívoco en la temporada de festivales, hace unas cuantas temporadas en una tiara obsesión de Saint Laurent y, ahora, evoluciona a un mágico tocado colombiano. Para aquéllas mujeres audaces que saben de lo que hablamos, ha llegado una marca que promete darle un upgrade (y un toque de color) a cualquier look: Magnetic Midnight. Un sueño de verano hecho realidad que nació cuando Lucía Echavarría, diseñadora colombiana con base en Nueva York, decidió iniciar la firma hace tres años. “La idea del proyecto empezó en un viaje que hice a Irán. Había terminado una pasantía en el Guggenheim en Nueva York y aunque me interesaba mucho la curaduría quería hacer algo más creativo. Consideré estudiar diseño de vestuario porque me parecía una manera divertida de combinar mi pasión por la historia, el arte, la moda y la cultura. Al visitar una mezquita en Shiraz, donde la bóveda y las paredes estaban recubiertas de espejos, se me ocurrió la idea de crear un tocado hecho en mosaicos geométricos y de ahí nació Magnetic

pues cada producto es hecho a mano. “Lo más difícil fue inventar y diseñar el armazón. Me demoré unos seis meses en perfeccionarlo para que fuera cómodo y estable. Cada colección requiere mucha experimentación y múltiples ensayos por la combinación de materiales distintos y técnicas nuevas, lo que significa buscar como mezclar, coser y pegar. Muchas veces las ideas que tengo no se logran realizar por limitaciones técnicas… es un proceso de aprendizaje constante tanto para mí como para los artesanos con quienes trabajo”. Desde terciopelo hasta acrílico, las texturas de cada pieza abarcan una amplia gama de materiales y recursos que se logran a base de la exploración y experimentación. “Cuando viajo busco materiales nuevos como la hojalata en México y los bordados en la India. Actualmente estoy trabajando principalmente con la palma de Iraca que tejen las artesanas de Usiacuri, en la costa Atlántica de Colombia. También trabajo con una familia Camentsa en Putumayo que manejan otro tipo de tejido con hilo y chaquiras. Por su diversidad étnica, geográfica y regional, Colombia tiene una gran variedad de materiales y técnicas artesanales. A través de Magnetic Midnight me gustaría seguir apoyando a los maestros artesanos y sus tradiciones en Colombia y hacia el futuro, tal vez también en otros países”.

¿Y sobre el precio? Cada tocado vale su peso en oro, pues el proceso de fabricación es largo. “Una pequeña familia de lampareros elabora los marcos en las afueras de Bogotá que luego son intervenidos por diferentes artesanos en las distintas etapas de elaboración. Para las piezas realizadas por los artesanos hago muchos dibujos iniciales, basándome en elementos de su técnica y diseños, los cuales reinterpreto y modifico. Para las piezas únicas que elaboro en Nueva York en mi estudio, mi proceso de diseño es bastante intuitivo y empírico. Es similar al proceso de hacer un collage. Voy añadiendo distintos elementos para logar versiones y variaciones diferentes hasta encontrar la composición final”. Para entender otra cultura basta con echar un vistazo a su vestimenta, sus joyas y sus accesorios, esa mirada íntima es la que busca Lucía plasmar en cada pieza de Magnetic Midnight, un tocado festivo y atemporal que reinventa una tradición prehispánica de manera moderna, divertida y original. Elaborados para las mujeres que no se toman demasiado en serio. Para alguien que, en palabras de Lucía “se pone un tocado para salir a una fiesta; es la última en irse, de pronto sin tacones, pero siempre con el tocado todavía impecablemente puesto”. -Karina Monié

Midnight y mi primera colección, Persepolis”. Desafiar los límites entre la moda y el teatro con un toque playful es el objetivo principal de Lucía, una forma de fusionar su gusto por lo artesanal, los disfraces y los accesorios. De filosofía neoyorquina, pero alma colombiana, así es cada una de las piezas statement de Magnetic Midnight, cuyo trabajo requiere de paciencia y dedicac i ó n

Producto del mes Los prรณximos best-sellers de Fenty x Puma (by Rihanna)

o hemos confirmado una y otra vez: todo lo que Rihanna toca se convierte en oro. Léase sus discos, giras, concert merch y, más recientemente, sus creaciones para Puma. Desde su primera colaboración con la marca, para la cual diseñó unos creepers que se popularizaron al instante, demostró el potencial que sus piezas tenían para viralizarse y convertirse en best-seller.

Desde que creara la línea Fenty x Puma, ha creado infinidad de prendas que se han convertido en las favoritas de las it-girls y han invadido el street style una a una. Y sabemos que su colección otoño-invierno 2017 no será la excepción. -J.F

Chamarra XL, con croptop.

Mochi la de osito Teddy

Croptop con el logoti po de Puma.

Las nuevas zapati llas

Gorra

erano de amor, expa psicod

ansiĂłn mental y el arte dĂŠlico

lgunos podrian decir que el movimiento contracultural, comenzó con el primer golpe del ácido. Una vez que tu mente volaba, no había vuelta atras y lo que emergía era una criatura cambiada. Había un patrón en este cambio, y pasó gradualmente, como una operación de tres fases. Primero, todo era despojado, mientras tu gran verdad era relevada, cualquier cosa sin importancia era desechada, afuera la ropa. Había demasiadas personas desnudas bailando bajo los rayos del sol en el parque, palpitando junto la banda o solo corriendo alrededor de la casa, se convirtio en algo de todos los dias, de hecho ¡un poco aburrido! La segunda fase floreció como el cambio espiritual, que era inevitable. La intensidad no comienza a describir la permeación de las formas profundas de pensamiento que flotan por toda la ciudad. Infundió el aire que respiraba, como ningún otro lugar, especialmente por la noche. San Francisco surgió como el patio de recreo del monstruo, el deshuesador, la cabeza ácida. El manto de los cuerpos acostados por la tarde en fantasía salvaje. El arte usable nació en la calle, a veces en la cuneta. Las fases espirituales impregnaban la escena con franjas de tela coloreada y las ropas se convertían en un arte esencial. Color puro y textil, generalmente de algodón, lino o seda, envueltos alrededor de su forma gloriosa. La conciencia del cuerpo era un gran cambio en el tiempo. Durante los años 60, la moda era gráfica, saliendo de la Bauhaus y Art Deco, haciendo la percep-

ción corporal muy bidimensional. Twiggy era popular por una razón! Pero la carne estaba en, y el espectáculo en Hippie Hill en Golden Gate Park en cualquier día era incomparable en el mundo, estoy seguro. Cuerpos pintados, túnicas de colores que remolinan, flores por todas partes, pequeños bebés, gente meditando, hablando o de pie sobre sus cabezas durante horas. Y los tambores, siempre, todo el tiempo, un círculo de tambores de uno o veinte que podían oírse por bloques cuando uno se acercaba al parque desde la calle Haight, un espectáculo lleno de amor y alegría. La fase tres del proceso de expansión de la mente fue la individuación, y fue entonces cuando se hizo realmente interesante. Si fueras un alma valiente y hubieras sobrevivido a las dos primeras fases y no hubieras corrido a casa llorando a mamá (ya que los dos primeros podrían tener miedo), te graduaste en un espacio de cabeza donde el bagaje de viejas ideas desapareció por completo. Todas las apuestas estaban apagadas, y el individuo verdadero emergió, sofisticado y sexualizado. La elección era importante en todo, ya que todo era tan sagrado. Usted podría decir inmediatamente donde alguien estaba con un vistazo leyendo su arrastre, el término “arrastre” que refiere a toda la ropa y los accoutrements relacionados, de moda o de otra manera. Se convirtió en una cuestión de elección expresiva personal, destinada a revelar una fantasía interior, un misterio de creencias.

Ahora estamos a la mitad del siglo cuando todo se abrió, cuando el movimiento juvenil floreció en Hippiedom, y San Francisco se convirtió en el nexo de la Revolución, 1967, el Verano del Amor. Hasta el 20 de agosto de 2017, el Museo de Young en Golden Gate Park en San Francisco será anfitrión, adecuadamente, Summer of Love Experience: Arte, Moda y Rock & Roll. En esta exposición, Jill D’Alessandro y Colleen Tracy, junto con Julian Cox, que dirige la división de fotografía, recorrieron el Área de la Bahía para obras de arte originales, desde carteles, fotografías, folletos, música, ropa Y fascinaciones.

D’Alessandro, la encargada de moda y textil del museo, compartió sus pensamientos sobre lo que más le entusiasmaba en su búsqueda de tesoros en los baúles y áticos de los artistas en el centro del movimiento artístico. “Lo que más me atraía era lo extravagantemente individualistas que eran las piezas, con rasgos de la filosofía personal del artista”. (Yo ciertamente vi que en la obra de la artista de ganchillo Birgitta Bjerke, que parecía haber traído sus ganchos de ganchillo para un Profunda zambullida en la piscina de ácido!)

D’Alessandro también se sorprendió por la alta calidad de los métodos artesanales empleados por los artistas, señalando, por ejemplo, la exquisita camisa Zonkers Acid Test. Muchos aprendieron sus habilidades a una edad temprana de madres y abuelas. Recuerdo, en la escuela primaria, la economía doméstica, donde se nos enseñó a cocinar y limpiar, las habilidades que me eran ajenas. Un montón de guantes enganchados salió del tercer grado, pero también aprendí a coser de mi abuela europea. La cultura de bricolaje surgió de forma natural, como nuestra generación colocó un alto nivel en la calidad, y la ayuda de psicodélicos perfeccionados en detalle! Durante los años 50 y 60, el ready-to-wear era todavía un concepto bastante joven y no teníamos concepto de la idea de ropa desechable. Hacer su propia ropa de patrones de papel era común, especialmente en las zonas rurales. Paula Douglas aka Gretchen Fetchen es una tal artista que perfeccionó sus habilidades al pie de su madre, creciendo en Oregon.

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medida que creció la contracultura en San Francisco, algunos artistas hicieron piezas personalizadas y abrieron sus propias tiendas. Mickey McGowan hizo zapatos que eran tan fabulosos que todos los querían. Se convirtió en Apple Cobbler, haciendo botas y zapatos para los músicos de rock y otros amantes del estilo con dinero en efectivo y la paciencia para esperar en la fila de las piezas únicas que no tenía prisa para producir. El Haight era un barrio de la vieja clase obrera lleno de victorianos degradados, corrientes de aire y sin pintar, esperando la bola de demolición. Sin embargo, los hippies eran un grupo inteligente y lleno de recursos que apreciaban Su belleza inherente. Estos hermosos y enormes techos altos del siglo XIX ofrecían detalles arquitectónicos y agradables jardines. Mucha gente podría vivir cómodamente en uno, creciendo orgánico en el patio trasero y adornando al contenido de su corazón. Cada casa tenía por lo menos una máquina de coser, varias guitarras y por lo general una olla de agua hirviendo listo para tiedye. Junto con los psicodélicos vino la energía ilimitada que tenía que ser expresada, y puesto que el cuerpo sostuvo el alma, la verdad podría bastar como traje. Libre de tendencia o estado, la invención y la transformación se convirtieron en moda. The Family Dog, Big Brother y The Holding Company, la familia Grateful Dead, The Brotherhood of Light y The Diggers son sólo algunos de

los artistas y activistas que crecieron el movimiento desde cero. Sensación cercana a la tierra, su mirada era natural y textural: colores de la tierra, cuero, cordón y terciopelo. Las peregrinaciones de hongos en México trajeron las largas faldas, las blusas campesinas y las joyas artesanales de las mujeres mexicanas. La pureza de las tribus étnicas fue tan venerada que adoptar el lenguaje visual de sus ropas fue una forma de homenaje, creando la génesis de lo que se convirtió en el “look hippie”. Uno de los primeros artistas que trabajaron en cuero fue Burey Olson, quien vino de Edad en la escena Beat y continuó a abrir North Beach Leather. Sus diseños, inicialmente inspirados por los indios americanos, eran muy populares para los hombres hippies. Foto: Fayette Hauser La sociedad psicodélica en San Francisco fue un grupo muy unido que ejerció un tremendo esfuerzo para compartir ideas y evolucionar hacia el futuro. Un modo de vida orgánico y positivo. El material impreso, las revistas, el arte del cartel y la fotografía eran medios vitales de la comunicación. Algunas comunas, como Kaliflower, tenían su propia imprenta, distribuyendo periódicos semanales a su puerta, gratis, por supuesto.

Los Diggers hicieron un esfuerzo especial para doblar las mentes en la dirección de una sociedad libre, abierta e inclusiva. Cada día traían una enorme tina de sopa al Panhandle y alimentaban a las multitudes, entregando folletos que defendían su filosofía de libre, más de una cosmovisión que de dinero. Revistas como Oracle y Rags, dedicadas a la moda, surgieron, pero lo más importante, Berkeley Barb, que difundió la información de la comunidad y empleó a los hippies que vendían los periódicos. La reencarnación estaba muy extendida dentro y vivir en victorianos realzó el sueño de sumergirse Dentro de una fantasía y ser lo más completa posible; Para crear un agujero de gusano personalizado, la línea de terciopelo, y bucear a través de otra dimensión. El perro de la familia era probablemente el primer grupo a realizar ya materializar completamente este aspecto psíquico de la experiencia de la contracultura. Su grupo, The Charlatans, comenzó en el puesto avanzado hippie de Virginia City, una antigua boomtown de minería de plata que se había convertido en un pueblo fantasma aislado en 1964. Fue entonces que un rico empresario cabeza de ácido compró el Red Dog Saloon para que el San Francisco Las bandas tenían un lugar para jugar y los hippies tenían un lugar para colgar, libre de los ojos indiscretos de la aplicación de la ley. Los charlatanes eran una de las primeras bandas originales de rock ácido de San Francisco y también el primero en ofrecer un cartel

de concierto de rock La Semilla), así como la primera en manifestar este deseo de inmersión total en otro tiempo y espacio de cabeza, para ellos, el Salvaje Oeste del siglo XIX. Tenían todo el equipo y también la ciudad (ahora se utiliza como conjuntos de películas). Marvin Banks, miembro original de Family Dog, relata que fue la mayor experiencia surrealista, ya que no sólo los hippies y los hombres de montaña llenaron el salón, sino que las cabañas de la ciudad todavía tenían accesorios de la vida cotidiana desde hace mucho tiempo: platos, cubiertos, , Un martillo o una cinta del pelo aquí y allí. Era la última experiencia de la deformación del tiempo y muchos sentían que habían estado allí antes. Victoriana fue la primera transformación de arrastre importante. Para las mujeres, eliminando la ropa interior poner seda suave y algodones finos junto a la piel. Los detalles y la construcción, la forma en que se celebró el cuerpo, fue una revelación, acentuando la cintura y las caderas, que era muy diferente de la camisa de principios de los años 60. Los hombres nunca se habían visto mejor, vestidos con chaquetas o abrigos de salón de la época eduardiana.

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a artesanía y la individualidad eran un factor muy importante en la contracultura, y cuando llegué a San Francisco en el otoño de 1968, había surgido una elegancia definida. Me quedé impresionado por la belleza de todo el mundo parecía. Había apenas referencias a la corriente principal, y cualquier persona nueva en la escena podía ser transformada en The Diggers Free Store. Incluso en las fiestas, había alguien que rebordeaba, tejía o hacía ganchillo, ya que incluso en un espacio Zen de gran altitud, el artesano permanecía. El movimiento artístico de vestir surgió de una visión compartida de un paisaje más grande que lo que se presentó en el último “ 50 y 60. Una generación posterior a la Segunda Guerra Mundial echó un vistazo largo a los elementos de la cultura material y espiritual que habían sido descartados por el doloroso bagaje emocional del pasado reciente. Todo estaba blanqueado y pintado en una nueva paleta de colores

primarios. Pero la siguiente ola no tenía esa memoria, y así, volvió a examinar estos elementos con nuevos ojos. Jacopetti Hart’s Native Funk y Flash es reconocida como la Biblia del Movimiento de Arte Wearable, donde los métodos clásicos de bordado, crochet, collage de tela y ensamblaje renacieron para crear la auto-transformación. La moda era el identificador-ropa, amuletos, joyas, sombreros y todopara ilustrar el viaje interior que se experimenta. Las distracciones sobre Haight comenzaron a principios de los años 70, la tienda principal más antigua de la ciudad y todavía presenta principalmente diseñadores locales. El ensayo de Jill D’Alessandro ilustra el hilo común de la conciencia cósmica que impregna la exposición, mostrando conexiones y patrones que expresan de manera vital nuevas ideas. Crear arte era como respirar al hippie. Los pantalones vaqueros bordados de Alexan-

dra, Candace Kling y la tela pintada de Fred de su marido cosida en vestidos largos, el macramé pionero y la joyería del metalwork representan viajes maravillosos internos. Cada vestuario que se muestra en esta exposición tiene una historia que contar. El Verano de LoveView Poster El verano de amor fue el catalizador que galvanizó a mi generación en una conciencia de grupo que produjo una producción enorme e intransigente de cambio cultural y creativo. Aquellos que estaban completamente inmersos en la sociedad y en la conciencia sentían que nuestro trabajo principal, el trabajo más importante que teníamos, era explorar la psique para poder evolucionar positivamente al Alma. Y hacer esto con amor y sobre todo, no violencia. La revolución puede proporcionar una manera de ver el mundo que es hermoso, sostenible, inclusivo y tan lleno de gran libertad personal, todo es posible. -Fayette Hauser

Dalí “Sueños“ 25 Mayo- 27 Agosto

Museo de la Revolución en la Frontera (MUREF)

Florecer

un nuevo show de arte contemporรกneo en Arizona

lorecer, es una exhibición grupal, que presenta trabajos de artistas pertenecientes al Nuevo Movimiento Artístico Contemporáneo, sus obras estarán siendo curadas por la galería Thinkspace y en exhibición en el museo de artes contemporáneas de Mesa. Trabajando en una variedad de estilos, Nuevo Arte Contemporáneo, lo incluye todo, desde Surrealismo Pop, Muralismo, Instalación y Arte callejero, hasta Graffiti, Hiperrealismo, Ilustración y Retratos. Aunque parezca disparatado, estos géneros están todos conectados por una vibrante comunidad, múltiples fidelidades estilísticas, y el regreso a las posibilidades expresivas representativas y figurativas, conducidas por una sensibilidad popular. El movimiento esta vagamente definido por su interés compartido en materia social más que en lo abstracto o conceptual. Apoyada por sí mismos y conducida por la comunidad, desde los 90´s, El Nuevo Movimiento de Arte Contemporáneo, ha estado continuamente ganando reconocimiento internacional, durante la década pasada y hoy en día es ampliamente reconocido como el movimiento de arte más extenso y duradero en la historia del arte. Inclusivo y diverso, muchos estilos, medios, y plataformas de exhibición, caen en lo que ahora es la enorme red de miembros del movimiento. El potencial de representación, inspira a estos artistas,

para trazar desde fuentes populares y contraculturales, tales como la música, ilustración, cómics, diseño, tatuajes, cultura del skate y muchas más, mirando el mundo a su alrededor, en lugar de a sí mismos, como se acostumbra en el fino arte. Florecer, presenta una instalación por Felipe Pantone y murales por Esao Andrews y Nosego. La exhibición grupal, incluye trabajos por 1010, Aaron Nagel, Alex Garant, Alexis, Diaz, Allison Sommers, Amy Sol, Bec Winnel, Benjamin Garcia, Cinta Vidal, Craig ‘Skibs’ Barker, Curiot, Daniel Bilodeau, David Cooley, David Rice, Derek Gores, Dulk, Erik Siador, Ernest Zacharevic, Fernando Chamarelli, Frank Gonzales, Ian Francis, Icy and Sot, James Bullough, Joel Daniel Phillips, Jolene Lai, Juan Travieso, Kelly Vivanco, Kevin Peterson, Lauren Brevner, Linnea Strid, Liz Brizzi, Marco Mazzoni, Martin Whatson, Mary Iverson, Meggs, Michael Reeder, Molly Gruninger, Rodrigo Luff, Sarah Joncas, Sepe, Sergio Garcia, Stephanie Buer, Telmo Miel, Tran Nguyen, Wiley Wallace, e Yosuke Ueno. -Milán Herrera

Kirsten Dunst y su viaje introspectivo y paranóico A

Kirsten Dunst se le dan bien este tipo de papeles, donde las imágenes oníricas juegan un papel central en la historia. La actriz de El hombre araña tuvo una experiencia similar en Melancholia, el film de Lars Von Trier. La peculiaridad de Woodshock es que está dirigida por las hermanas Kate y Laura Mulleavy, las dueñas de la firma de moda Rodarte, quienes parecen seguir los pasos de Tom Ford y debutan con esta opera prima. El film se centra en Teresa, una mujer que quedó muy angustiada por la muerte de un ser querido y emprende una suerte de viaje introspectivo y psicodélico, luego de consumir una droga, que la lleva a la más extrema paranoia. - L. R

Noti

icias

Steve McQueen: un acercamiento a la libertad L

a Estatua de la Libertad normalmente parece más pequeña de lo esperado cuando se ve desde lejos. Pero en el video de siete minutos Static (2009) del artista británico Steve McQueen, la escultura monumental domina la pantalla. “Es literalmente un primer plano. Usted ve cada pliegue [de tejido] y ojo oxidado. Se vuelve desconocido “, dice Stuart Comer, el curador jefe de medios de comunicación y arte performance en el Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York, que ha trabajado con el artista en una presentación inusual de la reciente adquisición de la institución de Nueva York. El movimiento sacudido de la cámara, más el sonido de las palas de helicóptero que zumban y el viento fuerte, crea una sensación de malestar. El drama se verá mejorado cuando el trabajo se proyecte sobre una pantalla de doble cara de 9 pies de altura en el atrio del museo durante todo el verano (desde el 6 de mayo). La meditación de McQueen sobre la estatua fue disparada desde un helicóptero continuamente rodeando el símbolo de la libertad y la democracia, que ofreció fama a millones de recién llegados mientras se dirigían a Ellis Island. Mientras tanto, en Milán, Static salió a la vista el mes pasado en la exposición La Tierra inquieta (hasta el 28 de agosto), donde es el trabajo final en un espectáculo sobre percepciones de migrantes y refugiados. La exposición ha sido organizada por la directora artística del Nuevo Museo de Nueva York, Massimiliano Gioni, para la Fondazione Nicola Trussardi, quien dice que la película de McQueen es “como una investigación forense, una especie de acusación de cierta idea de democracia y libertad que debemos, han adoptado y que, por supuesto, necesita ser reelaborado cada vez “. -Manuel Lima

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La Exhibición Emily Mae Smith y Adam Henry en un show de inspiración Sci-fi

l espacio artístico SALTS en Basel, actualmente presenta primera colaboración oficial, los oriundos de Brooklyn Emily Mae Smith Henry, esta es tambien su primera exhibición

la entre y Adam en Suecia.

Con el objetivo de apoyar a nivel internacional a jovenes artistas, desarrollando proyectos únicos, el libro escolar ¨La pequeña Apocrypha¨ es definitivamente un ejemplo de dichos esfuerzos. Inspirado por el ficticio “Planeta Cerebro” del libro de Stanislaw Lem, Solaris, los artistas crearon un trabajo completo y transformaron el espacio de exhibición en una peculiar tierra alienigena. La idea principal era presentar el acto de pintar, como un medio de comunicación, a pesar de su apariencia formal, utilizando el punto de vista de Lem, acerca de la relación entre anatomía y consciencia. Con esta exhibición los artistas buscaban cuestionar la autoridad del conocimiento, apoyandose en la idea de que cada cambio en la ciencia, viene de una pseudo- ciencia o una creencia espiritual. El planeta en si mismo ha sido usado como una metáfora, para el concepto mental de pintar como un proceso inestable y de mente abierta. Con esto en mente Smith y Henry unieron fuerzas para fusionar sus estilos únicos, en una tercera identidad, mezclando el vocabulario figurativo hiper realista de Smith con las investigaciones abstractas de color de Henry, creando una estética única.

-Roberto Leyva

anksy retrata el Brexit en un nuevo mural

n mural de Bansky sobre la salida de Reino Unido de la Unión Europea (UE) apareció hoy en la fachada de un edificio de la ciudad inglesa de Dover, en la primera manifestación del misterioso artista británico sobre el Brexit.Sus representantes confirmaron hoy la autenticidad de la obra, que muestra a un trabajador metalúrgico encaramado a una escalera sobre la que trata de eliminar con un martillo una de las estrellas doradas de la bandera azul comunitaria. El mural se puede ver en la fachada del edificio “Castle Amusements” de Dover, situado junto a la terminal del ferry que une Reino Unido con Francia por el Canal del la Mancha, al sur de Inglaterra. Los medios británicos interpretan hoy la pintura rebuscando en la página web de la Unión Europea, donde se explica que las estrellas de la bandera “representan los ideales de La elección de Dover unidad, solidaridad y armonía entre los pueblos de Europa”. por Banksy no parece La estrella que trata de retirar el trabajador se supone que corresponde a Reino Unicasual, pues además de do, cuya primera ministra, la conservadora Theresa May, ha abierto un complicamirar directamente al contido proceso negociador con sus socios comunitarios para establecer los términente europeo, conecta sus ferrys nos de este divorcio. con la localidad francesa de Calais, donde el artista ya pintó un mural en su Desde el referéndum sobre el Brexit del pasado 23 de junio, campo de refugiados en 2015. Banksy, comprometido con diferentes causas a través de su arte, -O. F había permanecido en silencio, pero esta manifestación llega cuando han aumentado las tensiones entre Londres y Bruselas, al comienzo de sus conversaciones.

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Todo lo que

brilla es...

¡tendencia!

ntes de que comiences a leer, debemos advertirte algo: esta es una tendencia sólo para las más audaces. Aquellas que se atreven a experimentar con sus looks encontrarán aquí algo que probablemente llevaban mucho tiempo buscando: la guía práctica (y realista) para llevar metálicos sin cometer un faux pas. Con tendencias como esta, es fácil dar un paso en falso. Así que toma nota, después de leer esto, no volverá a suceder. -Jessica Vázquez

50/50

Si el full look no es lo tuyo, el balance lo será todo. Puedes conformar tu outfit con dos prendas; una metálica y una negra o neutra. Vestido + blazer, top + cropped pants, las posibilidades son infinitas.

En capas

Las fórmulas son interminables: slip dress de glitter + t-shirt debajo, top metálico + blusa transparente encima... Las capas serán tu aliado cuando de combinar se hable.

Sólo un toque

¿Te sientes un poco tímida? Sólo necesitarás una pizca de brillo para darle vida a tu atuendo.

Full look

Si no sabes con qué combinarlo, la solución es sencilla: con más metálicos. El brillo de pies a cabeza.

En sastrería

Accesorize it

Un accesorio statement podría convertirse en el protagonista de cualquier noche de fiesta. Unos zapatos, un cinturón o un collar XXL, no existe una opción correcta.

Una prenda clásica con un twist siempre será una decisión inequívoca.

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Para llevar hoy: listones en clave chic

no de los elementos favoritos de Karl Lagerfeld, quien continuamente lo incluye en las pasarelas de la Maison Chanel, el listón regresa esta temporada más sofisticado que nunca. ¿Cómo llevarlo? El secreto está en el peinado, ya sea atado en un chignon efortless muy à la Brigitte Bardot, de forma más clásica y simple como lo usaba Audrey Hepburn o incluso amarrado en una cola alta, evocando a Gwyneth Paltrow. También puede combinarse con un prendedor o llevarse al estilo headband. Los factores imprescindibles son el material, el color y el grosor. Tanto en las colecciones de altas firmas como en street style, sin duda es el accesorio must para las fiestas, utilízalos con un vestido de tubo y pumps para un look elegante o con un oversized coat y una cola baja y desenfadada para un aire más casual. Una tendencia que definitivamente será el favorito de muchas en esta época. -Lizeth Gómez

MADLY

The new fragance

Filme del mes

The Neon Demon T

he Neon Demon es una película de suspense psicológico del 2016, dirigida por Nicolas Winding Refn y co-escrita por Mary Leyes y Refn. Está protagonizada por Elle Fanning, Christina Hendricks, y Keanu Reeves. Jesse (Elle Fanning), una aspirante a modelo, se muda a Los Ángeles, donde es reclutada por un magnate de la moda (Alessandro Nivola) como su musa. Al entrar en la industria del modelado en la ciudad, se encuentra con que su vitalidad y juventud son devorados por un grupo de mujeres obsesionadas con la belleza, las cuales van a utilizar cualquier medio para conseguir lo que tiene. El demonio neón es sobre el mundo del modelaje, el narcisismo alrededor y lo vacío que puede resultar la belleza exterior, todo bajo tonalidades magentas, no titubea a la hora de marcar su ritmo. La fotografía de la argentina Natasha Braier (XXY, The Rover) aprovecha el uso de los vacíos, los claros y los oscuros, todo combinado con las luces neón, ofrece un contraste en cada toma. Winding Refn se apoya así de todo un equipo de diseñadores de vestuario, producción y sonido. Exactamente otro departamento que vuelve a sorprender y sostenerse por sí solo es la música. Con un score de Cliff Martínez y una selección musical que incluye a Sia y Sweet Tempest, El demonio neón ofrece una atmósfera de suspenso y misterio a través de sintetizadores y largas notas que acompañan a Jesse durante su viaje. Mismo que podría dividirse exactamente en la primera hora, de dos que consta la película, en donde Elle Fanning demuestra sus capacidades histriónicas a base de miradas, silencios y movimiento corporal. The Neon Demon es un viaje pausado en espiral hacia lo oscuro del ser humano, hacia la violencia más brutal que puede existir dentro de bellos recipientes, con unos delirantes últimos minutos que no buscan otra cosa sino no dejar a nadie en el cine indiferente. -Atenea Morales

Alejandro Annicharico: una mirada onírica L

a fotografía es más que la captura del instante. Fotógrafos a lo largo de la historia han elaborado complejos e irreales escenarios que eternizan a través de su lente. Alejandro Annicharico (Bogotá, 1991) se une a este grupo con su estilo personal, una mezcla de ciencia ficción, arte plástico, fotografía de moda y surrealismo. El también artista visual y publicista ha creado personajes quiméricos en mundos oníricos, protagonistas de historias sólo posibles dentro de su universo estético el cual mezcla sus influencias visuales, cinematográficas y musicales. Annicharico ha encontrado en la fotografía el medio idóneo para reproducir las ideas, recuerdos, inventos y sueños que se arremolinan en su cabeza. “El mismo tiempo fue muy importante para darme cuenta de la flexibilidad que me otorga la fotografía en el momento de materializar ideas. Ha sido un lenguaje que me ha permitido involucrar retrato, escultura, moda, cine y varias corrientes que han sido fuentes determinantes en mi composición” El secreto detrás de su corta pero fructífera carrera es su método, un detallado proceso de pre-producción, para su serie Art Work Vol. 3 la labor de conceptualización y realización le tomó año y medio. “Comencé haciendo una selección de ideas y de ahí partí a hacer las maquetas y bocetos de esas historias. Después junté a dos productoras para producir todas las piezas de vestuario, escenografía y utilería. La decisión de producir en mi “fabrica” todos los elementos que irían en las imágenes fue la manera de controlar y de ser fiel a las historias que tenía en la cabeza”.

Esta serie, en sus palabra, es “una colección de anhelos. Es un tributo a mis antepasados y diría que mi declaración de amor al arte. Recuerdo que cuando comencé a pensar en esta serie estaba atravesando por un momento de cambio bastante radical a nivel personal, así que la mayoría de imágenes reflejan esa transición y los sueños que se me estaban atravesando por la mente”.

Así como las influencias visuales han sido un fuerte detonante estético para sus fotografías, la música, que siempre ha estado cerca en momentos claves de su vida pues se considera un “melómano extremo”. De ahí el origen de la conexión simbólica entre su arte y agrupaciones como Air, Queens of the Stone Age, Mirwais y Radiohead, cuyos títulos de canciones esta última han sido utilizados para nombrar también algunas de sus fotografías. Actualmente, Alejandro Annicharico se encuentra colaborando con la marca de lentes Carl Zeiss como embajador latinoamericano. -Manuel Lima