Introducción
El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general. En el presente informe se abordarán las grandes épocas del arte en la historia, analizando todos los puntos de cada arte y viendo sus características más marcadas según sus artistas comprendiendo su análisis formal, para su mejor entendimiento
Objetivo General Elaborar un recurso que sirva como apoyo a la hora de repasar o estudiar, que contenga todos los temas vistos, de forma breve y concisa.
Objetivos específicos • Realizar un breve resumen sobre cada arte vista en clase, que contenga lo más importante en lo que se refiere al arte. • Mostrar ejemplos del arte de cada época por medio de imágenes e información descriptiva
INDICE Primera Parte: Resúmenes............................................................................................................. 5 Arquitectura renacentista ........................................................................................................ 6 Escultura renacentista ............................................................................................................. 7 Pintura Renacentista ................................................................................................................ 8 Arte Manierista. ............................................................................................................................. 9 El Manierismo en la Escultura .............................................................................................. 10 El Manierismo en la Pintura .................................................................................................. 10 Arte Barroco ................................................................................................................................ 12 La escultura barroca .............................................................................................................. 14 La pintura barroca .................................................................................................................. 15 La arquitectura barroca.......................................................................................................... 16 Arte Neoclásico ........................................................................................................................... 17 Arquitectura Neoclásica......................................................................................................... 17 Escultura Neoclásica.............................................................................................................. 19 Pintura Neoclásica.................................................................................................................. 21 Segunda parte: Álbum ................................................................................................................... 23 Arte renacentista......................................................................................................................... 23 Arte Manierista ............................................................................................................................ 47 Arte Barroco ................................................................................................................................ 53 Arte Neoclásico ........................................................................................................................... 79 Tercera Parte: Recursos ............................................................................................................. 103 Conclusión ..................................................................................................................................... 104 Rubrica ........................................................................................................................................... 106
Primera Parte: Resúmenes Arte del renacimiento
El término renacimiento se refiere al periodo artístico que se inicia en la Edad Moderna y surgió por la obra de Giorgio Vasari “Vida de arquitectos, escultores y pintores famosos” que fue sacada a la luz en 1570 pero no fue hasta el siglo XIX cuando el término no obtiene una interpretación artística- histórica. Aun así, Giorgio Vasari había enunciado una idea concluyente y fue la del origen de un nuevo arte antiguo, que poco después supuso una conciencia marcada histórica particular, es decir, esa idea sería un nuevo fenómeno en la postura espiritual que tomaría el artista. El Renacimiento surgió en la ciudad de Florencia, fue una consecuencia de la progresiva apertura de las ciudades al comercio, donde nacieron nuevos grupos sociales conocidos como burgueses que invertían su capital en la compra de obras de arte, esto permitió al hombre de la época comenzar a dejar de lado el teocentrismo que lo ponía al completo e indiscutible servicio de Dios para pasar a observar la naturaleza, todo lo que lo rodeaba y, especialmente, a sí mismo. Es por eso, por lo en el Renacimiento se rompe las tradiciones artísticas que habían en la Edad Media, según los artistas del renacimiento a esas tradiciones artísticas la califican con mucho desprecio y dirigiéndose a ella como un arte hecho por godos y bárbaros, también con el mismo pensamiento se enfrenta al arte contemporáneo que había en el Norte de Europa.
Arquitectura renacentista
El Renacimiento es una creación típicamente italiana. Esto se explica si se considera que Italia había conservado el patrimonio clásico del que era heredera directa, y que durante todo el siglo XV, su riqueza artística no habría de franquear las fronteras alpinas. Pero en el curso del siglo XVI, gracias a numerosos grupos de arquitectos italianos, se difundiría en los países vecinos con un alcance sólo comparable al de la arquitectura gótica del siglo XIII. Una manifestación del espíritu de aquella época la constituye la evolución de la arquitectura, que influye sobre toda la vida civil y crea sus obras maestras no sólo en el dominio de los monumentos religiosos, sino también en el sector de los edificios públicos y privados. El Renacimiento recurre al arte antiguo en busca de elementos arquitectónicos, de concepciones planimétricas, de principios sobre las proporciones y los sistemas de construcción. Sin embargo, la arquitectura del Renacimiento no es una mera imitación de la que se desarrolló en la antigüedad. Los arquitectos, teniendo en cuenta los viejos modelos, los transforman a la luz de un ideal estético que les es propio. En el siglo XV aparece una nueva concepción arquitectónica que subsiste aún en nuestros días. A diferencia de los constructores de los períodos románico y gótico, el arquitecto del Renacimiento no sale de entre los albañiles y escultores. Es un hombre de formación más teórica que práctica; a menudo, proviene de otras ramas del arte, y sólo se consagra a la arquitectura de tiempo en tiempo. Él dibuja los planos del edificio y, en la mayoría de los casos, encarga a otros la realización de los mismos. Ello explica que el aporte del Renacimiento sea no de orden constructivo, como en el románico y el gótico, sino puramente estético. Este fenómeno se explica por la preparación misma del arquitecto de este período, quien, en razón de su cultura, no podía limitarse a reconstruir un modelo ya existente, sino que aspiraba a distinguirse imponiendo a su obra el sello de su personalidad.
Características: • • • • •
Se preocupan por la perfección y el equilibrio. Se vuelve a originar las columnas y las pilastras. Se construyen arcos de medio punto. Se crean cúpulas, estas cúpulas son decoradas por casetones. Las bóvedas de cañón que están creadas con casetón.
Escultura renacentista
Aunque es presumible que la escultura renacentista se iniciará anteriormente que la arquitectura, comprende aproximadamente el mismo periodo, finales del SIGLO XIV hasta principio del siglo XVI. Sus pilares son los mismos que en la arquitectura, búsqueda en el arte clásico de la antigüedad, influencia del humanismo, que recuerda, era el movimiento filosófico de la época, que dejaba a un lado la imagen suprema de dios y por último fusión de elementos naturales. La escultura del renacimiento aparece con claridad en Florencia, que en aquel momento era el mayor centro cultural de arte de toda Italia y asunto vez un fuerte referente para Europa La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera. El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores. La madera fue utilizada mayormente en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaban muy arraigado. La terracota fue empleada como material más pobre y por lo tanto más económico A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad. Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o en cera para su posterior fundición. La talla en madera, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol Las características principales que se pueden observar en la escultura renacentista son: • • • • • •
Se interesa por las proporciones. Busca una nueva visión: La belleza que hay en el cuerpo desnudo. Surge un nuevo interés: representar pasiones ocultas. Le da un nuevo valor al cuerpo humano. Le da un nuevo valor a la escultura ecuestre. Se vuelve a crear temas mitológicos y profanos.
Pintura Renacentista A diferencia de otras formas artísticas, como por ejemplo la arquitectura, la pintura en el Renacimiento tuvo el problema de carecer de modelos antiguos preservados para emular. Había esculturas y restos de templos grecorromanos, pero no demasiadas creaciones pictóricas para que los creativos renacentistas tomaran inspiración. Sin embargo esto lograron superarlo usando como fuentes a los autores clásicos en sus descripciones de las pinturas creadas en los tiempos antiguos. La pintura en el Renacimiento tenía como meta recuperar las formas estilísticas griegas y romanas, dejando de lado los adelantos logrados en la Edad Media. Si en el gótico lo predominante eran las formas de frágil, sofisticada y tenue apariencia, en el Renacimiento se buscó conjugar el vigor de las masas, el ritmo y la simetría en las formas, así como la producción de obras a la vez sólidas y sencillas. En las creaciones plásticas de este tiempo la masa domina a la línea. Podría advertirse en el fondo de la pintura renacentista en su conjunto, una reacción por parte de la espiritualidad latina, apasionada y llena de vida, en contra del frío sentimiento, esquemático y perfeccionista, de los artistas nórdicos. Por otra parte, la pintura renacentista defiende la autonomía del individuo y estimula el interés por el hombre y la naturaleza en todos sus fenómenos. Con la llegada del Renacimiento, la pintura en Occidente alcanzó cotas de excelencia que no han vuelto a repetirse. En las creaciones de los artistas de este tiempo se ven reflejados los cambios producidos en la visión del mundo por el desarrollo de las ciencias naturales y los más importantes descubrimientos, los problemas religiosos de aquel entonces y las más angustiantes agitaciones sociales y políticas. En la pintura renacentista se combinan la realidad y la fantasía, lo profano y lo sacro, el escepticismo más científico y el más profundo éxtasis contemplativo. Antes del renacimiento la técnica utilizada para pintar era la pintura al temple, que consistía en utilizar pigmentos de color mezclados con yema de huevo generando una mezcla fina, resistente, no muy homogénea y de rápido secado. La técnica de pintura al óleo le fue atribuida inicialmente al maestro Jan Van Eyck, pero la pintura al óleo ya se utilizaba en la edad media sobre superficies de piedra o metal. SGlo hasta el renacimiento se utilizó para la pintura sobre lienzo, llegando a ser admirablemente trabajada por los flamencos. Sus características principales son: • • • •
Se crean obras tridimensionales, es decir, volumen, color y luz. Tiene una visión lineal y aérea. La técnica más usada es la pintura al óleo. Se suelen representar temas humanos, mitológicos y religioso.
Arte Manierista. El manierismo se trata de un estilo desarrollado en la Europa de la segunda mitad del siglo XVI, entre el clasicismo renacentista y la fuerza expresiva del Barroco, que formalmente supone el agotamiento del lenguaje estético del Renacimiento. Se corresponde con una profunda crisis espiritual del hombre europeo, que se deja notar en la Reforma Protestante y en el inicio de una auténtica época de violencia, con guerras, destrucciones, que van a cuestionar el mundo ideal soñado por el optimismo renacentista. El origen del estilo es italiano, veneciano y romano más concretamente, pero pronto se difunde por el resto de Europa, destacando en España y Europa Central. El manierismo es un movimiento que se caracteriza porque las formas artísticas renuncian al equilibrio ponderado del clasicismo y adoptan una tensión dramática, liberación del culto a la belleza clásica y a sus componentes básicos, tales como la serenidad, el equilibrio y la claridad. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. El Manierismo en la arquitectura La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura renacentista que se extiende entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la arquitectura barroca. El término maniera, usado en el siglo XV para indicar el estilo de cada artista fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes como el orden, medida, estilo y maniera, refiriéndose especialmente a las obras de Miguel Ángel. También fue utilizado de manera peyorativa ósea es decir que transmite una connotación negativa de desprecio o poco respeto para definir el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco. El manierismo rechazó el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno. En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno, se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica. Entre sus características destacan:
-La arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, con lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista. -La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva. -La pérdida o debilitación de las coordenadas axiales, las que ordenan el edificio según un eje de simetría.
El Manierismo en la Escultura El hallazgo en Roma fue en 1506, del grupo escultórico helenístico del laocoonte que significo un cambio en la escultura del momento. El mismo Miguel Angel, influido por la obra, dio un giro a su producción artística, dotando a sus esculturas de monumentalidad y de idealismo dramático, característica que siguió también la escultura manierista ya sea las formas ornamentales, sinuosas, que buscan el desequilibrio y la tensión, liberándose del culto de la belleza clásica y se desenvuelve en un espacio de angustia, descompone el espacio racional clásico y se desequilibra, zonas muy vacías junto a las zonas muy llenas, composición irregular, sin ejes de simetría, también provoca una reacción anticlasica, la belleza, armonía y unidad que se sustituyen por inestabilidad y ruptura. Características: -Monumentalidad -Idealismo dramático -Formas ornamentales y sinuosas -Las formas buscan el desequilibrio y la tensión -Liberación del culto de la belleza clásica
El Manierismo en la Pintura Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones, las proporciones anatómicas se alteran a su voluntad. El alargamiento de las figuras es constante. Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. Las figuras están constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco. Características: -Reacción anticlásica: en lugar de belleza, armonía y unidad, hay ‘tensión, desequilibrio, inestabilidad y ruptura.
-Figuras estilizadas, de cánones alargados, con exagerados escorzos, dando sensación de inestabilidad. -Formas curvas y ondulantes que cubren el plano, negando la profundidad del espacio. -Rica gama cromática, dando a la obra un aspecto más decorativo que plástico. -Paleta de tonalidades frías, que no siempre se corresponden con el color real de los objetos que se representan.
Arte Barroco El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso. El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.
Origen del Arte Barroco Causa político religiosa Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura. También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas. Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco. Causas sociales y psicológicas El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco. En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral.
Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular. Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claroscuritos violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo, el tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y sombras Características del arte barroco
• •
• • • •
•
•
• •
Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época. Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva. Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. Los edificios solían construirse con materiales pobres, pero resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.
La escultura barroca
En el arte barroco los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia, la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.
La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa, esa importancia se da al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de arte representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas representaciones se da gran importancia a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Su principal material para escultura será la madera policromada y además se caracterizarán por un gran realismo, aunque los principales clientes de los artistas serán las Iglesias y es por eso por lo que predominarán los temas religiosos.
La pintura barroca Los artistas del barroco plasman la realidad tal y como la ven, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón. En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo. •
El tenebroso que consiste en el choque violento de la luz contra la sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda en primer plano.
•
El eclecticismo que se trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.
La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en cuanto a las figuras mostradas y por la intensa diferencia claroscuro. Recurrirá a la intensidad de los colores y al uso de las sombras y luces que genera una distinción potente en los espacios, a las figuras complejas y hasta caóticas, a la intensa expresión de las
miradas. La pintura tomó un papel importante y homogéneo que se fue desplazando a diferentes países y con esta extensión se dio lugar a la manifestación de dos ideas contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos al barroco cortesano, teatral, lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco burgués que en sus obras manifestaría una vida normal y real.
La arquitectura barroca
En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo que era un lugar del sermón y la eucaristía. El arte barroco desarrollará un estilo claramente recargado y detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. La característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas curvas que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la utilización de todo el espacio disponible con elementos como la curva y la contra curva, además de las increíbles decoraciones escultóricas que no dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa las fachadas toman el papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas columnas y cornisas. De forma que en esta etapa la arquitectura se podría considerar un estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este periodo la arquitectura destaca por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus plantas ovaladas.
Arte Neoclásico Es una corriente artística y estética que nace en el siglo XVIII, un movimiento que impacta Europa, este estilo de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos de arte. Se podría decir que el arte neoclásico es un movimiento social, moral, filosófico e intelectual que está unido y enlazado a ideales ilustrados. Esta clase de arte se podía observar en todo el mundo, pero este estilo de arte se asentó en Francia, principalmente en Paris, reemplazando a Roma como la nueva capital artística.
Arquitectura Neoclásica. Como antecedentes la irrupción del arte neoclásico en España provine del exterior más que por una necesidad interna de renovación. El desarrollo del barroco quedó interrumpido al sustituir en el trono de España a la dinastía de los Habsburgo por la de los Borbones, con Felipe V. El joven rey, que venía de Francia, se instaló en la corte española con un grupo de artistas franceses e italianos y con ellos entraron las corrientes artísticas extranjeras. Las Academias desempeñaron un papel fundamental en la difusión de los principios del arte clásico ya que eran las encargadas de formar a los artistas. En España se funda la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica. Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean, aunque desde puntos de vista distintos.
Características:
• •
•
Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana. Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas. Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
• •
Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo. Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
Con este nuevo desarrollo se crean nuevas ideas y movimientos entre ellos destacamos la crítica que defiende la funcionalidad que tienen dichas construcciones y además defiende también la necesidad de construir un edificio que no solo sirva para decorar el entorno, sino que además sea constructivo y con un oficio practico y fundamental. Todas estas nuevas ideas crean una nueva imagen e idea de la arquitectura, es decir, la arquitectura de verdad es aquella que se construye con sentido común. Sin embargo, durante el periodo neoclásico aparecieron unos nuevos arquitectos denominados como utópicos, innovadores e idealistas que pasaron a representar las construcciones basándose en las formas geométricas. Estos grupos traen como consecuencia una tercera clasificación de arquitectura llamada “arquitectura pintoresca” en el siglo XVIII. Tuvo una gran importancia debido a que hace un cambio de época, lo que significa que también hay un cambio en las formas de vida, en el arte, en la literatura, y se ven avances en las ciencias. La época anterior al neoclasicismo fue el Barroco, una etapa en donde se refleja un sentimiento de tristeza, fatalidad y dramatismo. El neoclasicismo viene a cambiar ese sentimiento a uno realista, el hombre rechaza todo aquello que sea impuesto y solo admite lo que le llega por medio de su razón, y por esto es que también se le llama el siglo de las luces Esa es la importancia de la arquitectura neoclásica, toma lo clásico, lo sencillo pero hermoso, y lo pasa a una etapa nueva, en la actualidad es inspiración creando así nuevas artes, una manera nueva de escribir, de pensar, haciendo a la razón más importante que los sentimientos, de tal manera que esta era la que llevaba a la verdad, rompiendo con el drama y cantidad de detalles que llevaba el barroco.
Escultura Neoclásica La escultura neoclásica se incluye dentro de una corriente de la filosofía y estética de una influyente difusión que se desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y la América. Como reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición grecoromana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo de moralización. Este cambio estuvo apoyado en dos partes principales: en primer lugar los ideales de la ilustración, que surgían del racionalismo, combatiendo las supersticiones y dogmas religiosos, y enfatizaban el desarrollo personal y el progreso social con una fuerte ética, y en segundo lugar, un interés científico creciente en la antigüedad clásica que surgió entre la comunidad académica en todo el siglo XVIII, estimulando las excavaciones arqueológicas, la formación de importantes colecciones públicas y privadas y la publicación de estudios eruditos sobre el arte y la cultura antigua. La edición de varios relatos detallados e ilustrados de las expediciones realizadas por Robert Wood, John Bouverie, James Stuart, Robert Adam, Giovanni Battista Borra y James Dawkins, y en especial el tratado de Bernard de Montfaucon, L'Antiquité expliquee et representee en figures (7 volúmenes , París, 1719-1724), profusamente ilustrado y con textos paralelos en lenguas modernas y no sólo en latín, como era costumbre académica, y el conde de Caylus, Recueil d'Antiquité (7 volúmenes, París, 1752-1767), el primero en intentar agrupar las obras según criterios de estilo, y abordando también las antigüedades celtas, egipcias y etruscas. Todo esto contribuyó a la educación pública y la ampliación de su visión del pasado, estimulando una nueva pasión por todo lo que fuese antiguo La escultura neoclásica se trabajaba, principalmente con varios materiales, pero el más destacado siempre fue el mármol blanco, no eran demasiado llamativas ya que querían darle un aire de esculturas con gran antigüedad y por ello lo que destacó de la escultura neoclásica fue la sencillez y la tranquila belleza que tenían sus obras. Los temas más destacados de la escultura en estos siglos fueron el desnudo y el retrato que tomó un importante lugar en la escultura neoclásica. La escultura del Neoclásico se distingue por: • • • • •
El empleo del mármol blanco. Los temas son de la antigüedad clásica, sobretodo mitológico. Toma como ejemplo las obras grecorromanas. Se interesa por la belleza ideal, las actitudes reposadas, la severidad y pureza del arte antiguo. Esculpen desnudos alejados de erotismo, retratos individualizados, retratos ecuestres, sepulcros, relieves unidos a monumentos conmemorativos o edificios públicos.
•
El avance de la escultura urbana, que sirve de referente obligado en los ordenamientos viarios. Las formas más frecuentes son los arcos triunfales y las columnas conmemorativas.
Se talla con una técnica excelente, su superficie se pule mucho. En las esculturas exentas hay un punto de vista preferente, en los relieves no hay interés por la profundidad, se suelen desarrollar a modo de friso. Se prefieren las imágenes en reposo, serenas, pero no rígidas, por eso recurren al viejo principio del contraposto clásico. Las composiciones se someten a los principios de equilibrio y simetría. La luz que incide sobre las figuras de forma difusa, clara y no muy fuerte, para que se potencie la sensación de reposo y suavidad. Van sin policromar. Son figurativas, de fuerte idealismo. La figura humana es el tema fundamental, especialmente el desnudo, dentro del contexto de la mitología o del retrato idealizado. También se desarrolla la escultura funeraria. Su atractivo no se perdió, y la historia, la literatura y la mitología antigua se convirtió en la fuente principal de inspiración para los artistas, al mismo tiempo que se evaluaron de nuevo otras culturas y estilos como el gótico y las antiguas tradiciones populares del norte de Europa, causando que los principios neoclásicos coexistieran con los de romanticismo más tarde. El movimiento también tuvo connotaciones políticas, ya que la fuente de inspiración neoclásica fue la cultura griega y su democracia, y la romana con su república, con los valores asociados de honor, deber, heroísmo y el patriotismo. Como consecuencia, el estilo neoclásico fue adoptado por el gobierno revolucionario francés, asumiendo los nombres sucesivos de estilo directorio, estilo convención y más tarde, bajo Napoleón, estilo imperio, que influyeron también en Rusia. En los Estados Unidos, en el tumultuoso proceso de lograr su propia independencia e inspirados por el modelo de la Roma republicana, el neoclasicismo se convirtió en un modelo y fue conocido como el estilo federal.
Pintura Neoclásica La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante. Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante: alegorías e historias que transmitían valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo. Bajo Napoleón Bonaparte, se llegó a una clara intención propagandista. Las fuentes que inspiraban las obras eran Homero, la historia de Roma Antigua en especial Tito Livio, y poemas de Petrarca. En muchos casos, las escenas no representaban el momento álgido de la historia, sino el momento anterior o posterior. En otros casos se incluían representaciones religiosas y la expresión de sentimientos Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido. Ello da como resultado una estética distante del espectador, reforzado por la luz clara y fría que bañaba las escenas, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro. Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo. En contraste con las pinturas barrocas y rococó, las neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador Generalmente se pintó al óleo sobre lienzo, pero también hubo frescos. Los cuadros respetan, en general, el carácter ortogonal del lienzo. El estilo buscaba la sencillez también en la composición. Cada cuadro se refería a un solo tema principal, sin temas secundarios superfluos que pudieran distraer. No son cuadros de gran profundidad, sino con una construcción frontal que recuerda a los frisos y bajorrelieves clásicos. El marco suelen ser arquitecturas arcaizantes, y no paisajes, y si la escena ocurría en un interior, a veces se dejaba este segundo plano en la penumbra para que nada distrajera de la escena que se desarrolla en primer término. En este marco se pintaban, en primer plano, un número limitado de figuras humanas que componían la escena, aislados por lo general los unos de los otros. Estos personajes que ocupaban el primer plano estaban representados con una anatomía ideal, perfectas musculaturas sin defectos que recordaban a las estatuas
clásicas como el Apolo de Belvedere. Normalmente se dibujaba siguiendo el “método de la cuadrícula”: los personajes se dibujaban desnudos en una hoja de papel cuadriculado y luego se trasladaban así al cuadro. Allí podían reproducirse desnudos si eran figuras masculinas: era el desnudo heroico clásico, si bien ocultos los genitales por algún elemento accesorio como colocado por azar. Si eran mujeres, no se representaban desnudas. Estas figuras ideales, estatuarias, también podían ser revestidas al modo de actores de teatro con ropajes majestuosos, que recordaran por su solemnidad y riqueza a las vestimentas clásicas. Las posturas que adoptaban los personajes eran contenidas, no importaba cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar la escena, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor deformará sus rasgos. En cuanto a los objetos que se incluían en las escenas, se buscaba una recreación casi arqueológica de la antigüedad, reproduciendo en el lienzo aquellos objetos descubiertos por los arqueólogos en las excavaciones.
Segunda parte: Álbum Arte renacentista Arquitectura
Cúpula de Santa María del Fiore País: Italia Tipo: cúpula Estilo: Renacimiento italiano Materiales: ladrillo, piedra y mármol Anchura: 54.80 metros (diámetro exterior) Altura 116.50 metros (máxima)
El palacio Rucellai Direcciรณn: Italia Inicio de la construcciรณn: 1446 Inauguraciรณn: 1451 Estilo arquitectรณnico: Arquitectura del Renacimiento Funciรณn: Palacio Arquitectos: Leon Battista Alberti, Bernardo Rossellino
Palacio Pitti
Dirección: Italia Inicio de la construcción: 1446 Número de plantas: tres pisos Estilo arquitectónico: Arquitectura del Renacimiento Estilo: Renacimiento Arquitectos: Filippo Brunelleschi, Giorgio Vasari
Hospital de los inocentes Direcciรณn: Italia Inicio de la construcciรณn: 1419 Inauguraciรณn: 1445} Estilo: renacimiento Arquitecto: Filippo Brunelleschi
Ubicación: Ágreda, España Orden: Clero secular Estilo arquitectónico: Renacimiento, Tardogótico Construcción: Siglo XVI
La iglesia de Santa MarĂa del Pueblo, construida por Baccio Pontelli y M. del Caprina e inspirada en la obra de Brunelleschi y de Alberti. UbicaciĂłn: Roma Siglo: XV
El escorial
Provincia: Madrid Arquitecto: Juan Bautista de Toledo Estilo: Renacentista AĂąo: 1563
Direcci贸n: Italia Inauguraci贸n: 1510 Estilo arquitect贸nico: Arquitectura del Renacimiento Inicio de la construcci贸n: 1506 Arquitectos: Baldassarre Peruzzi, Giuliano da Sangallo
Escultura renacentista
San Marcos Artista: Donatello Ubicaciรณn: Iglesia de Orsanmichele
San Jorge Técnica: Mármol Año: 1416-1417 Ubicación: museo Bargello Artista: Donatello
David de bronce
Artista: Donatello Ubicación: Palacio Bargello Creación: circa 1440 Material: Bronce Dimensiones: 158 cm Períodos: Renacimiento italiano, Primer renacimiento
El Gattamelata, Padua
Artista: Donatello Direcciรณn: Piazza del Santo, Italia Provincia: Provincia de Padua
Relieve del Festín de Herodes del Baptisterio de Siena
Artista: Donatello Período: Primer renacimiento Fecha de creación: 1427
Relieves de la CantorĂa de Florencia
Artista: Donatello Fecha: 1433-1439 Material: MĂĄrmol
Portada de San Petronio de Bolonia
Artista: Jacopo della Quercia Año: 1425 Ubicación: Basílica de San Petronio de la ciudad italiana de Bolonia
Tondo de la Madonna con el NiĂąo
Material: terracota esmaltada y madera, AĂąo: 1440 Artista: luca della robbia
Pintura renacentista Mona lisa
Arista: Leonardo Da Vinci Técnica: Óleo sobre lienzo de lino. Ubicación: museo del Louvre, Paris. Año: 1503-06
"El Expolio" Cuadro al Ăłleo que se encuentra actualmente en la Catedral de Toledo, pintado entre 1577y 1579. Se trata de una obra compleja impregnada de simbolismo cristiano, considerada una de las obras cĂşlmenes de El Greco.
"La Verónica" Esta obra junto a "La Santa Faz", muestran una de las reliquias cristianas más importantes el paño de la Verónica, pintada en 1580, por El Greco.
"Adรกn y Eva" Obra de grandes dimensiones actualmente en el Museo del Prado, pintada en 1504, por Alberto Durero.
"Venus de Urbino" Tela al รณleo pintada en 1538, por Tiziano, considerado uno de los mayores impulsores del arte renacentista.
"La creaciรณn de Adรกn" Trozo de fresco pintado Miguel ร ngel (1512) sobre yeso, en el techo de la Capilla Sixtina en el Vaticano. Lugar donde se encuentran las obras de pintura y escultura, mรกs reconocidas del Renacimiento.
"Madonna Sixtina" Obra al รณleo de tema religioso. Autor: Rafael Sanzio, pintada por encargo del Papa Julio II en 1512.
"La Transfiguraciรณn de Cristo" Esta es la segunda de las 2 obras con la misma temรกtica que pintรณ Giovanni Bellini. Realizada en 1480.
Arte Manierista Arquitectura
Iglesia del Gesù Arquitecto(s) Jacopo Vignol y Giacomo della Porta Uso: Iglesia Fecha: 1568-1584 Estilo: Fachada de Giacomo della Porta precursor del barroco Estilo: Arquitectura del Barroco, Estilo manierista Ubicación: situada en la plaza del Gesù en Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús, conocida como los jesuitas, una orden de la Iglesia católica.
La Rotonda (Villa Capra, Vicenza) Autor: Andrea Palladio Fecha: 1567-69 Ubicación: Ciudad de Vicenza en Italia.
Villa Caprarola para la Familia Farnesio Arquitectos: -Jacopo Vignola -Antonio da Sangallo -Joven Baldassarre Peruzzi Ubicaciรณn: Caprarola Viterbo, Italia Estilo: Arquitectura del Renacimiento, manierista
Iglesia del Redentor
Autor: Andrea Palladio Fecha: siglo XVI Ubicaciรณn: situado en la isla de la Giudecca, en Venecia.
Escultura
El Rapto de Proserpina Artista: Gian Lorenzo Bernini Ubicación: Galería Borghese Material: Mármol Género: Arte cinético Fecha: 1621–1622 Períodos: Barroco, Manierismo
Perseo con la cabeza de medusa Artista: Benvenuto Cellini Ubicación: Piazza della Signoria, 2r, 50122 Firenze FI, Italia Género: Arte cinético Período: Manierismo Creación: 1545-1554 Técnica: Cera perdida
Salero de Francisco l de Francia Artista: Benvenuto Cellini Género: Arte cinético Período: Manierismo Fecha: 1543
Samson Slaying a Philistine Artista: Juan de Bolonia Fecha de creación: 1562–1562 Períodos: Renacimiento, Manierismo
Pintura
Adoraciรณn de los Reyes Autor: El Greco Fecha: 1565 Ubicaciรณn: Museo Benaki, Grecia Dimensiones: 40 x 45 cm. Estilo: Manierismo Material: Pintura al temple
Autorretrato con su esposa Autor: Hans Von Aachen Fecha: 1596 Ubicaciรณn: Museo de Historia del arte en Viena, Grecia Estilo: Manierismo Material: ร leo sobre lienzo
Anunciación
Autor: El Greco Fecha: 1570-76 Ubicación: Museo de Santa Cruz (Toledo) Dimensiones: 117 x 98 cm. Estilo: Manierismo Material: Óleo sobre lienzo
Autorretrato en espejo convexo
Autor: Parmigianino (El) Fecha: 1524. Ubicación: Museo de Historia del arte en Viena, Austria Estilo: Manierismo Material: Óleo sobre tabla
Arte Barroco Arquitectura:
Staci de Santa Teresa Domingo de Andrade
El monasterio de San Salvador, fundado por San Rosendo, en el aĂąo 936, es el principal monumento de la villa gallega de Cela nova en la provincia de Orense; en la actualidad, y siendo de propiedad pĂşblica desde la desamortizaciĂłn del siglo XIX sirve como Ayuntamiento e Instituto.
La Plaza de San Pedro y sus imponentes columnas con 140 estatuas de santos son obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) que estaba junto a Francesco Borromini uno de los arquitectos más destacados de la época barroca. También construyó la fuente izquierda en gran parte siguiendo el diseño de la fuente anterior de Carlo Maderno (a la derecha) para crear una simetría. En el centro de la plaza se encuentra un antiguo obelisco egipcio que fue erigido en su sitio actual en 1586 por Domenico Fontana.
Diseñado por uno de los principales arquitectos barrocos Francesco Borromini (1599-1667), la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (también conocida como la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes) es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura barroca. Esta iglesia católica se construyó entre 1638 y 1646, cuando se consagró, mientras que la fachada se completó en la década de 1670 por el sobrino de Borromini; Bernardo.
Palacio de Arajez
Granja de San Indenfonso
Ayuntamiento de Toledo, EspaĂąa.
El monasterio de Nuestra Señora de la Asunción, con nombre oficial, Real Monasterio de La Cartuja, situado en la ciudad española de Granada, comunidad autónoma de Andalucía. Albergó a una comunidad de monjes cartujos desde su fundación en el siglo XVI hasta la exclaustración del año 1835. Aunque mezcla diversos estilos, representa una de las cumbres de la arquitectura barroca española.
Fachada del Obradora, obra de Fernando de Casas Novoa
La iglesia de la Pasión es un templo católico de estilo barroco churrigueresco,1 su construcción se inició en 1577, fue la primera iglesia penitencial de Valladolid. Actualmente es una sala de exposiciones ubicada en el centro de Valladolid.2 Originalmente fue una iglesia construida para ser la sede de la Cofradía Penitencial de la Sagrada Pasión de Cristo.3 La iglesia fue cerrada al culto religioso en el siglo XIX.4 Fue declarada Bien de Interés Cultural el 10 d
Escultura Apolo y Dafne
Éxtasis de Santa Teresa
tortura
Cristo yacente
María y Jesús
Federico Guillermo I de Brandemburgo
Federico Guillermo I de Brandemburgo reproducciรณn segunda
custodia de la Iglesia de San Ignacio de BogotĂĄ, La Lechuga (1700-1707, JosĂŠ de Galaz),
PINTURA
Martirio de San Bartolome
é.
Sagrada Familia del Pajarito. Es un cuadro tenebrista y de gran realismo y de una cotidianidad muy cercana al pueblo. Su composiciĂłn se basa en lĂneas diagonales.
Inmaculada Concepción. Es una pintura colorista con una escena idealizada donde la Virgen tiene una mirada de éxtasis místico.
AdoraciĂłn de la Sagrada Forma. El cuadro representa una Misa en un templo mostrado con gran profundidad. En ella aparece el propio monarca. Otra gran obra de Claudio Coello es El Triunfo de San AgustĂn.
el pintor de cรกmara de Felipe IV.
San Jerรณnimo leyendo una carta (Museo del Prado, Madrid)
San José carpintero (Museo del Louvre, París)
Arte Neoclásico Arquitectura:
Puerta de Brandeburgo. Lugar: Berlín, Alemania Altura arquitectónica: 26 m Arquitectos: Carl Gotthard Langhans, Johann Gottfried Schadow
Fachada de la Catedral de Pamplona. Lugar: Pamplona, EspaĂąa Fecha: 1784-1805
Templo de la Virtud Antigua, Stowe, Buckinghamshire, de William Kent Fecha: 1669-1749 Iniciado por Lord Cobham
Altes Museum de BerlĂn Lugar: Berlin Alemania Arquitecto: Karl Friedrich Schinkel Fecha: 1830
Fachada oeste del Petit Trianon, Versalles Lugar: Versalles, Francia. Arquitecto: Ange-Jaques Gabriel Siglo XIX
Gran Teatro de Burdeos Lugar: Francia Fecha: 17 abril de 1780 Arquitecto: VÃctor Louis
Panteón de París Lugar: Francia Fecha:1790 Arquitecto: Jaques-Germain
Palacio de Justicia de Lyon Lugar: Francia Fecha: 1835-1847 Arquitecto: Louis-Pierre Baltard
Escultura
Antonio Canova Perseo con la cabeza de Medusa Mรกrmol
Artista: Antonio Canova TamaĂąo: 1.55 m x 1.68 m Tema: Cupido
Las Tres Gracias Artista: Antonio Canova Tamaño: 17 cm x 97 cm x 57 cm Tema: Cárites Material: Mármol, roca
Jasón Artista: Albert Thorvaldsen Año: 1803 Material: Mármol
Ganímedes y el águila Artista: Albert Thorvaldsen Año: 1817 Material: Mármol
Ninfa atacada por un escorpiĂłn Artista: Lorenzo Bartolini AĂąo: 1845
Mercurio atando sus sandalias Artista: François Rude Aùo: 1834
Cleopatra Artista: Wiliam Wetmore Story AĂąo: 1858-69
Pintura
Juramentos de los Horacios Artistas: Jacques-Louis David, Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson Tamaño:3.26 m x 4.2 m Género: Pintura de historia Material: Pintura al aceite Año: 1784
La muerte de Marat Artista: Jacques-Louis David Tamaño: 1.62 m x 1.28 m Tema: Jean-Paul Marat Autor: Jacques-Louis David Año: 1793
La coronación de Napoleón Artista: Jacques-Louis David Tamaño: 6.21 m x 9.79 m Tema: Napoleón Bonaparte, Josefina de Beauharnais, Pío VII, Crown of Napoleon Fecha de creación: 21 de diciembre de 1805–noviembre de 1807
La muerte de S贸crates Artista: Jacques-Louis David Ubicaci贸n: Museo Metropolitano de Arte Fecha de creaci贸n: 1787 Tema: S贸crates
La bañista de Valpinçon Artista: Jean-Auguste-Dominique Ingres Género: Retrato Fecha de creación: 1808
La gran odalisca Artista: Jean-Auguste-Dominique Ingres Material: Pintura al aceite GĂŠnero: Retrato Fecha: 1814
Madame RĂŠcamier Artista: Jacques-Louis David TamaĂąo: 1.74 m x 2.24 m Material: Pintura al aceite Fecha: 1800
Belisario Artista: Jacques-Louis David Tamaño: 2.88 m x 3.12 m Material: Pintura al aceite Género: Pintura de historia Año: 1781
Tercera Parte: Recursos Arte renacentista: • • •
https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-renacentista/ https://historiaybiografias.com/arquitectura_renacimiento/ http://www.todocuadros.com/estilos-arte/renacimiento/
Arte Manierista: • • •
http://www.arteespana.com/manierismo.htm https://arteenelvalle.wikispaces.com/file/view/manierismo.pdf http://es.calameo.com/books/000046066db3d4d3d0cfa
Arte Barroco: • •
https://elbarroquista.com/2016/03/19/7-obras-maestras-de-georges-de-la-tour/ http://entretenimiento.facilisimo.com/blogs/salir-y-viajes/grandes-esculturas-delbarroco_887731.html
Arte Neoclásico: Arquitectura: • • •
https://tiposdearte.com/arte-neoclasico-que-es/ http://elneoclasicismode.blogspot.com/2013/05/importancia-delneoclasicismo.html http://www.arteespana.com/arquitecturaneoclasica.htm
Escultura: • • •
http://luz-historia-arte.blogspot.com/2014/04/ecultura-neoclasica.html http://www.arteespana.com/esculturaneoclasica.htm http://masdearte.com
Pinturas: • • •
Google Arts & Culture https://www.uv.es http://www.arteespana.com
Conclusión
Al analizar todo el contenido comprendemos la importancia de los elementos del arte tratados, en todo lo que nos rodea y en nuestra carrera, realizando que el estudio de estos no es solo para artistas y que es fuera de la comprensión de un individuo que no está especializado. Con los conocimientos adquiridos se asimila que estos temas están sumergidos en todo y que con ellos podemos lograr cosas maravillosas aparte de nuestros conocimientos básicos y nuestra astucia a la hora de realizarlos, dejando en evidencia la importancia de la historia del arte en el ámbito del diseño industrial
Bibliografía
•
https://www.uv.es/~mahiques/marat.htm
•
Google Culture https://www.google.com/culturalinstitute/beta/asset/KwHkqyZxc2i04A Wikimedia Commons http://2.bp.blogspot.com/nLRKKSiTF6k/TlfDGx7LQHI/AAAAAAAAADo/3lnakvBkpD0/s1600/brandem burgo1.jpg https://elbarroquista.com/2016/03/19/7-obras-maestras-de-georges-de-latour/ http://entretenimiento.facilisimo.com/blogs/salir-y-viajes/grandes-esculturasdel-barroco_887731.html
• •
• •
Rubrica
Alumnos: Miriam Elizabeth Martínez Rivas MR170778 Gerardo Balmore Mejía Zelaya MZ170135 Mónica Elizabeth Morán Conrado MC170510 Lennin Wilfredo Ticas Ruiz TR171778
No. Elementos a evaluar
No cumple las Malo expectativas 3-4
Bueno Regular
Excelente 7-8
5-6
9-10
CONTENIDO (TEXTO) 40%
1
Contenidos y temas completos, estructura solicitada, unidad, 0.0 información certera y apoyada en fuentes confiables y bibliografía.
0.8
1.2 1.6 2.0 2.4 2.8 3.2 3.6
4.0
0.6
0.9 1.2 1.5 1.8 2.1 2.4 2.7
3.0
CONTENIDO (IMÁGENES) 30%
2
Contenidos y temas completos, número exacto de imágenes 0.0 solicitado, información, completa certera y apoyada en fuentes confiables, bibliografía.
FUENTES 20% 3
4
Fuentes completas, 0.0 búsqueda exhaustiva de buenos recursos en línea. PRESENTACIÓN Y CREATIVIDAD 10% Limpieza y buena presentación, ortografía y redacción, 0.0 seguimiento de indicaciones en la presentación del documento: medidas y otros, buena calidad de las imágenes. Total:
Observaciones:
0.4
0.6 0.8 1.0 1.2 1.4 1.6 1.8
2.0
0.2
0.3 0.4 0.5 0.6 0.7 0.8 0.9
1.0