Apuntes para Taller de Escultura by Omar Gasca

Abstracción geométrica

Abstracción geométrica La abstracción geométrica es una forma de arte abstracto basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional. Kazimir Malévich, Black Square, 1915, Óleo sobre lienzo, Museo Ruso de San Petersburgo.

Fue Wassily Kandinsky su principal precursor y el más

Detalle de un azulejo en Meknes, Marruecos.

influyente de los maestros en toda una generación de artistas abstractos. Kasimir Malevich y Piet Mondrian también se encuentran entre sus impulsores y en ambos se puede apreciar también la influencia de antiguas culturas que utilizaron la geometría como expresión artística y decorativa. Es el caso de las cerámicas y mosaicos que se conservan del arte islámico, obligado por el precepto religioso de evitar la representación de la figura humana. También las culturas clásicas de la antigua Grecia y la Roma imperial, en las que se utilizaron con profusión elementos decorativos sin referentes reconocibles en la realidad.

La pintura abstracta expresionista de la que son representantes creadores como Jackson Pollock, Franz Kline, Clyfford Still, y Wols, representan exactamente lo contrario de la Abstracción geométrica. Entre los artistas más representativos de la Abstracción geométrica se encuentran Wassily Kandinsky, Kazimir Malévich, Alexander Rodchenko, Frantisek Kupka, Theo van Doesburg, Sophie Taeuber-Arp, Piet Mondrian, Víctor Vasarely, Max Bill y Frank Stella.

Abstracción geométrica

Enlaces externos • Geometric Arts [1] • Abstracción geométrica en pocas palabras

[2]

Referencias [1] http:/ / geometricarts. googlepages. com [2] http:/ / www. arteseleccion. com/ ventanas/ movimiento/ movimiento. php?idioma=es& id=62& movimiento=

Arte conceptual El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp(Principal Artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-made daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Fountain de Marcel Duchamp, 1917. Fotografía de Alfred Stieglitz

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa. EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el artista francés e inventor del readymade Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso,

Arte conceptual

la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente. El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí. De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.

Véase también • Artes visuales y diseño • Acción poética • Happening

Enlaces externos • Sol LeWitt, "Paragraphs on Conceptual Art"

[1]

• Lawrence Weiner: '...and the flesh became word' [2] • Thomas Dreher, "Conceptual Art and Software Art: Notations, Algorithms and Codes" • Arte Conceptual en pocas palabras [4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. ic. sunysb. edu/ Stu/ kswenson/ lewitt. htm http:/ / d-sites. net/ english/ weiner. htm http:/ / iasl. uni-muenchen. de/ links/ NAKSe. html http:/ / www. arteseleccion. com/ ventanas/ movimiento/ movimiento. php?idioma=es& id=171& movimiento=

[3]

Arte contemporáneo

Arte contemporáneo El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual de la actualidad. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:

Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a patrocinar el arte contemporáneo y un edificio representativo de la arquitectura actual (Frank Gehry, 1997). En su exterior se encuentra una colección de esculturas contemporáneas de grandes dimensiones.

• extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) • o limitado:

• al arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas), • al arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era • el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las colecciones de ese período) • y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-, • o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-. Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, etc. Véase también estudio de la historia del arte). Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporéneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970). Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea, danza moderna y danza contemporánea denotan significados bien diferentes. De forma mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna de la industria musical de consumo masivo; mientras que el de música contemporánea se hace para el de música culta o música

Arte contemporáneo

clásica del siglo XX. El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones. Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones, englobándolas el el concepto conjunto de Arte moderno y contemporáneo.[1]

Premoderno, moderno y posmoderno Interpretación posestructuralista del arte contemporáneo La teoría postestructuralista ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un Fuente. Duchamp, 1917. objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschenberg, teóricos como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que reintrodujeron este pensamiento dentro del main stream internacional.

Arte contemporáneo

Antecedentes. Las raíces de la modernidad La modernidad es un concepto polisémico, que se identifica con los valores del Humanismo y el Renacimiento de los siglos XV y XVI y con la Ilustración del siglo XVIII. Ese contexto histórico y temporal, en la historiografía anglosajona se denomina Modern Times (Tiempos modernos, que llegarían hasta la actualidad), mientras que en la historiografía latina (francesa y española) se denomina Edad Moderna, separada de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su triple aspecto de Revolución Burguesa, Revolución Liberal y Revolución Industrial. La sociedad preindustrial, rural y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en una sociedad industrial, urbana y de clases. La expresión artística no fue ajena a un cambio histórico de semejantes dimensiones. Neoclasicismo, prerromanticismo

academicismo

Perro semihundido. Francisco de Goya, 1819. Una de las pinturas negras, que supera el romanticismo para prefigurar el expresionismo o incluso el informalismo.

Véase también: Pintura de Historia

El quitasol. Francisco de Goya, 1777. Uno de los cartones, de factura plenamente académica, incluso de gusto rococó.

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El arte burgués del siglo XIX Romanticismo Tras Revolución Francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e intelectuales, en paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la revolución burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se van a reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX. Los estilos del siglo XVIII, el neoclasicismo y el rococó, simultáneos al prerromanticismo, dieron paso a partir de 1815 (Congreso de Viena, derrota de Napoleón en la batalla de Waterloo y Restauración absolutista) al movimiento romántico, expresado en pintura con el impactante La balsa de la Medusa de Gericault, que rompe con las convenciones estéticas del buen gusto académico al El paseante sobre el mar de niebla, Caspar presentar en primer plano cadáveres putrefactos de David Friedrich, 1818. los que se alimentan unos desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de las masas en la historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las tres gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su parte, Turner y William Blake realizan su propia renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David Friedrich de la alemana. Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos para lograr un arte más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela en un público burgués que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en los patrones tradicionales (nobleza, clero, monarquía). Véase también: Categoría:Pintores del Romanticismo

Realismo, Prerrafaelismo, Barbizon, Arts and Crafts Véase

también:

Categoría:Pintores

del Realismo Mientras que el realismo literario (Balzac) surgió como reacción opuesta a los excesos del romanticismo (el exagerado exotismo, orientalismo y Entierro en Ornans. Gustave Courbet, 1849. medievalismo y el gusto morboso por lo tétrico de la novela gótica), el realismo pictórico de Courbet, Corot o Daumier no significa una reacción en lo formal contra el romanticismo pictórico, sino que como éste, continúa profundizando en el alejamiento de la tradición academicista, de la que se ve radicalmente excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales, produciendo la apertura del Salon des Refusés,

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1863). No obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y buscan representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más a la realidad. Esa realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al aire libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras que otros la encuentran especialmente en la realidad social de lo cotidiano, de lo vulgar y de las clases populares (como lo hizo el naturalismo literario de Émile Zola). La mayor parte de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político y social, vinculándose al naciente movimiento obrero surgido desde la revolución de 1848; otros, en cambio, como Millet, optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras, postura que comparten de un modo similar, los nazarenos alemanes y la mayor parte de los prerrafaelitas ingleses. Simultáneamente, en Inglaterra, el triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la reivindicación de el trabajo manual con el movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) de William Morris, que políticamente se situaba mucho más a la izquierda que aquellos. Prerrafaelismo Escuela de Barbizon Véase también: Plenairismo Véase también: Paisaje

Arts and Crafts

La transformación de la escultura: de Rude a Rodin De Rude a Rodin

Ofelia. John Everett Millais, 1851-1852.

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Medio siglo separa estos dos grupos escultóricos que representan dos hitos en la escultura francesa del XIX. La acabada perfección formal y gestualidad dinámica del primero (figuras de medio bulto en piedra adosadas al muro del monumento), contrasta con la contención dramática y la vibración de las rudas superficies de las figuras que transitan por el segundo (bronces de bulto redondo unidos en la base por el suelo irregular de un pedestal). A la izquierda, la La Marsellesa, en el Arco de Triunfo de París, François Rude, 1833. A la derecha, Los burgueses de Calais, Auguste Rodin, 1884-1889.

Arquitectura del siglo XIX Véase también: Historia de la

arquitectura#Siglo XIX Véase también: Arquitectura del

Hierro Véase

también:

Arquitectura

historicista Véase también: Neogótico Véase también: Neomudéjar Véase

también:

Arquitectura

ecléctica también: Escuela Chicago (arquitectura)

Véase

Arte contemporáneo

Crystal Palace, una estructura (diseño del constructor de invernaderos Joseph Paxton) de 92,000 metros cuadrados, 33 metros de altura máxima y 564 metros de longitud, construida por cinco mil operarios especializados (navvies en:navvy) para albergar la Exposición Universal de Londres de 1851. Es el primer edificio de tales dimensiones que utiliza los nuevos materiales que la Revolución Industrial proporciona de una manera eficaz: el acero (previamente utilizado en puentes y otras obras de ingeniería) y el vidrio (que cubría una superficie de vanos de 84,000 m²).

Propíleos de la Königsplatz de Múnich. Leo von Klenze, 1862. Arquitectura historicista neoclásica. La impresionante plaza, que también acoge la Gliptoteca de Múnich, fue diseñada por Karl von Fischer como espacio público y de presencia política de la monarquía bávara; y su capacidad escénica fue aprovechada en los años treinta y cuarenta del siglo XX por el nazismo.

Castillo de Pierrefonds, reconstruido con los criterios historicistas neogóticos de Eugène Viollet-le-Duc durante el Segundo Imperio Francés (1852-1870), para residencia de Napoleón III.

Home Insurance Building, William Le Baron Jenney, Chicago, 1885. La reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871 permitió diseñar con libertad edificios como éste: de 42 metros de altura gracias al uso estructural del acero, es el precedente de los rascacielos, aunque tan sólo contaba con diez pisos. El incremento de las dimensiones de los edificios de oficinas o viviendas hubiera sido del todo inútil sin las innovaciones simultáneas de la era de la electricidad que posibilitaron los rápidos desplazamientos de masas que caracterizan la vida urbana contemporánea: en vertical (el ascensor) y en horizontal (metro, tranvía y otros transportes públicos).

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De la "modernidad" a la "postmodernidad" Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad industrial se habían completado en los países más avanzados (Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en el horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Había comenzando un nuevo ciclo de la Revolución Industrial (Segunda Revolución Industrial), y se estaba formando una sociedad de consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos medios de comunicación vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). La Revolución Rusa, los fascismos y la Crisis de 1929 supusieron graves desafíos al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias artísticas) y a la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico, económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad postindustrial.

Brazo del Sena cerca de Giverny. Claude Monet, 1897.

Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista. La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los Iglesia de Auvers-sur-Oise. Vincent Van Gogh, 1890. impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello que sea dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas

Arte contemporáneo

con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. Surge en la pintura lo que se ha llamado el ingenuismo o lo naif, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso nada sorprende que haya interesado especialmente al pintor de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que también se quieren englobar dentro de la producción artística. Se penetra en zonas antes vedadas, como el subconsciente. Se desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y muchos artistas divagan sobre el problema de la generación (Joan Miró). Existe por tanto, una notoria insatisfacción, y un inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se observa en las ciencias experimentales. En las artes figurativas podemos advertir dos tendencias contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte. Esta tendencia conservadora sigue respetando de la forma y la técnica como bases inmutables de la producción artística (escultores como Maillol, Bourdelle, Clará, pintores como Modigliani). La otra tendencia busca la desintegración de la realidad, deseosa de una especie de liberación de la energía creadora del artista, y llegará incluso a las distintas modalidades de arte abstracto.

Los jugadores de carta. Paul Cézanne, 1895.

Manao Tupapau (El espíritu de los muertos vigila). Paul Gaugin, 1892.

Entre los siglos XIX y XX Impresionismo Monet, Manet, Cézanne, Degas, Renoir, Exposiciones impresionistas, Anexo:Pintores impresionistas, Literatura del Impresionismo y Impresionismo musical Véase también:

Posimpresionismo y Simbolismo El simbolismo como movimiento, o más bien los simbolistas como grupo de artistas, surgen en oposición al realismo, entendido éste no como el movimiento de Courbet, sino como la consideración del arte como mímesis o imitación de la naturaleza a un nivel meramente superficial, como pudiera hacerlo la reproducción fotográfica. Contaban con el precedente de la obra de algunos pintores cuya obra es simultánea a la de la primera generación impresionista, especialmente Gustave Moreau o Félicien Rops, que a veces se encuadran en un movimiento denominado decadentista. El simbolismo considera que el arte debe ser una idea y una creación a partir de lo perceptivo y visual. Paul Gauguin, por ejemplo, intenta ver el mundo exterior como lo siente el espectador, pretendiendo expresar una idea. Los simbolistas también se vinculan a la literatura y la filosofía. La teorización sobre el arte se difundía en numerosas revistas y se apoyaba intelectualmente en la obra filosófica de

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Bergson (vitalismo o élan vital), o la obra poética de Baudelaire (su propuesta de "correspondencia" o relación entre el alma y los que aprecian la naturaleza inanimada). Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec y Van Gogh, o los puntillistas Seurat y Signac, son muy frecuentemente englobados dentro de la denominación neoimpresionismo (utilizado por el crítico francés Félix Fénéon en 1887 para referirse a los puntillistas o divisionistas) o postimpresionismo (utilizado por el crítico inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910); con lo que se quiere indicar que sus propuestas pictóricas desarrollan y amplían el tratamiento de la luz y la pincelada propia de los primeros impresionistas, aunque a través de muy distintos medios (el tratamiento del volumen, de la línea, del color, de la simplificación o división de cada punto de la materia pictórica, etc.) y de los propios conceptos representados. Véase también: Categoría:Pintores simbolistas

"Fin de siècle": Modernismo La indiscutible centralidad de París como centro mundial del arte, se ve emulada en el cambio de siglo (fin de siècle, noucentisme) con el surgimiento de activos núcleos por toda Europa (Viena, Bruselas, Barcelona, Milán, Riga,[2] etc.) Véase

también:

Jugendstijl,

Secesión

Viena,

Modernismo catalán, Art Nouveau, Modern Style y Liberty (floreale) Véase también: Gustav Klimt, Alfons Mucha, Victor

Horta, Antonio Gaudí, Lluís Domènech i Montaner, Louis Comfort Tiffany, Hector Guimard, René Lalique, Charles Rennie Mackintosh y Arthur Lasenby Liberty

Arte "contemporáneo" (siglo XX) En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos Escalera de la casa del arquitecto Victor Horta, Bruselas. de la vida contemporánea, la ruptura con los módulos tradicionales es una de las características esenciales. El constante cuestionamiento de los convencionalismos convierte en un valor en sí misma a la transgresión por el mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise), con que la provocación termina fijándose como una convención más, y por tanto, generadora de oposición tanto desde una óptica subversiva como conservadora (todo lo que no es tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-). Los constantes avances científicos acostumbran a individuo y sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el desarrollo de cuotas cada vez más altas de bienestar y consumo sólo está frenado por obstáculos sociales y políticos que cada vez tienen menos sentido; o al menos cada vez se soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de ser removidos, bien sea por el reformismo social e institucional, bien por revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de masas y las más violentas y mortíferas guerras de la historia.

Arte contemporáneo

La propia personalidad del hombre es objeto de cuestionamiento, a través de las oscuros caminos del inconsciente desvelados por el psicoanálisis. El artista ha accedido a su completa libertad, o al menos es lo que de él se espera, en una nueva función social que lo equipara a poetas y pensadores (los intelectuales) que se supone que han de interpretar la realidad y señalar los caminos de futuro. La técnica por un lado, pone al hombre en posición de poder intentarlo todo; pero no sin crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina (fordismo y cadena de montaje magistralmente reflejados en Tiempos modernos de Charles Chaplin -1936-), un mundo repetitivo de una intensidad agobiante que, pese a su comodidad, produce un gran desasosiego e insatisfacción, que el arte expresa a través de la irracionalidad. Todo se ha intentado y todo se ha hecho posible, en la realidad como en el arte. Si se habla de una nueva arquitectura espacial, si es posible una ciudad subterránea, también la escultura se ha convertido en un objeto que se mueve, o confunde sus límites con la pintura, que se hace matérica. La misma música ha llegado a ser conjugada con las artes plásticas. Nunca ha habido una mayor capacidad asociativa entre las artes. Pero es evidente que esta libertad para inventar y crear permite todo tipo de excesos, desde los excesos creativos conscientes de las vanguardias que el nazismo demonizó como arte degenerado, hasta los subproductos artísticos de consumo masivo que la élite desprecia como "de mal gusto": el kitsch (trivialidad y capricho sin depurar, deliberada o inconscientemente ajeno a la supuesta finalidad trascendental del arte).

Primera mitad del siglo XX: Las "Vanguardias" Las

denominadas

vanguardias

históricas

primera mitad del siglo XX tienen su fecha de nacimiento en la irrupción de los fauves en el Salón de Otoño parisino de 1905. La fuerte personalidad y voluntad de estilo de los artistas hace imposible clasificar a muchos de ellos en un sólo estilo o movimiento. A ello también contribuye lo efímero de algunos de estos, que agotan su capacidad de atracción o su impacto provocativo en pocos años. Por ejemplo, Picasso suele ser clasificado en fases o épocas (azul, rosa, cubista, de los ballets rusos, surrealista, de la Suite Vollard, del Gernica, de Vallauris, etc.) que por su extraordinaria diversidad y fecundidad parecerían obra de varios artistas diferentes. Además, como en el Renacimiento, muchos de estos artistas no se limitan a un arte, y Retrato de Picasso, por Juan Gris, 1912. son a la vez pintores, grabadores, escultores, fotógrafos, cineastas, etc. Especialmente en el caso de los arquitectos, cuya formación profesional (en diálogo y a veces debate con la de los ingenieros) les empuja a expresarse en todas las dimensiones del espacio (urbanismo, interiorismo, diseño industrial, etc.) y de las otras artes plásticas. En la primera década del siglo XX, la tecnología, ciertamente, realizaba rápidos progresos, pero aún estaba lejos de haber penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor

Arte contemporáneo

parte de los europeos. Las terribles condiciones sociales que habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo precedente, como Dickens y Zola, subsistían en gran parte sin que se hubiera puesto remedio; al abismo entre las distintas clases de la sociedad que persistía en todos los países de Europa; En Estados Unidos, además, con el nacimiento de una nueva plutocracia —los Astor, los Vanderbilt, los Guggenheim, los Goluf— parecían incluso hacerse más amplio, mientras las enormes riquezas de un continente se iban acumulado en manos de unos cuantos privilegiados. Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto de un grupo que, en relación con el resto del cuerpo social, era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia y la clase media acomodada y culta, su principal componente. Ciertos intentos, que existieron, de llevar al contacto con el público más amplio —de los que son ejemplos distintos, surgidos los dos en Londres, el Victoria and Albert Museum y la Whitechapel Art Gallery— debían su existencia a aquellos impulsos filantrópicos que fueron característicos del siglo XIX en la misma medida, al menos que lo fueron las injusticias sociales por otro lado. De modo significativo, la dirección de estas empresas estaban en manos de la clase media, y aunque los Fauve de 1905 eran verdaderas "bestias salvajes", como jocosamente los habían apodado los críticos de moda, no amenazaban más que la tranquilidad de un pequeño grupo social. Vanguardias anteriores a la Primera Guerra Mundial Véase

también:

Belle

Époque y

Primera

Guerra

Mundial • Fauvismo (Matisse) • Futurismo (Marinetti, Boccioni) • Cubismo (Picasso, Braque, Juan Gris) • Expresionismo (Die Brücke, Der Blaue Reiter, Munch, Schiele)

A strada entra nella casa (Una calle entra en la casa) del futurista Umberto Boccioni, 1911.

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Vanguardias anteriores a la Crisis de 1929 Periodo entreguerras y Crisis de 1929 Véase

también:

• Abstraccionismo (abstracción geométrica y constructivismo; el expresionismo abstracto es posterior a la Segunda Guerra Mundial). Vasili Kandinski, Rodchenko, Malevich, Piet Mondrian. • Dadaísmo (Marcel Duchamp, Jean Arp, Francis Picabia, Max Ernst).

Edificio de la Bauhaus en Dessau (1925-1932). Walter Gropius.

• El movimiento expresionista siguió desarrollándose (George Grosz, Emil Nolde, Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, José Gutiérrez Solana). • Bauhaus, escuela de diseño fundada en Weimar en 1919 (cerrada en 1933 bajo el nazismo) y que tuvo repercusiones en todas las artes visuales, pero especialmente en el diseño y la divulgación del funcionalismo y el racionalismo arquitectónico (Walter Gropius, Mies Van der Rohe, Le Corbusier, Escuela de Chicago (arquitectura) -que se había iniciado a finales del siglo XIX-). • Desde una perspectiva muy diferente, triunfaba en las artes decorativas el estilo denominado Art decó. • Las posibilidades expresivas de la fotografía más allá de la mera reproducción de la realidad son exploradas por artistas como László Moholy-Nagy o Man Ray.

Arte contemporáneo

Vanguardias y "Antivanguardias" anteriores a la Segunda Guerra Mundial Segunda Guerra Mundial, Unión Soviética, Fascismo y Nazismo Véase

también:

• Surrealismo, emparentado estrechamente con dadá, proviene de la aplicación al arte de la teoría psicoanalítica de Freud por un grupo intelectual muy cohexionado en torno a André Bretón (entre el primer -1924- y el segundo -1929- manifiesto surrealista),[3] cuya ruptura no disminuyó sino que extendió el impacto artístico del movimiento (Giorgio de Chirico, René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Escher). • Muralismo mexicano, representado por la tríada de fuertes personalidades (muchas veces enfrentados entre sí) formada por José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Otros artistas mexicanos, vinculados al movimiento muralista, aplicaron técnicas y estilo diferentes, como Frida Kahlo.

El Cura Hidalgo. Mural del Palacio de Gobierno de Guadalajara (México). José Clemente Orozco.

• Organicismo arquitectónico (con precedentes como Louis Sullivan, Rudolf Steiner, Antoni Gaudí o el urbanista Arturo Soria -proyecto de ciudad lineal en Madrid-, se desarrolló por Frank Lloyd Wright, Erik Gunnar Asplund o Alvar Aalto; posteriormente Bruno Zevi y otros). • El funcionalismo racionalista continuó con el denominado Estilo Internacional, representado por el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (reunido en varias ocasiones, entre 1928 y 1959) y particularmente por la Exhibición Internacional de Arquitectura Moderna de 1932 organizada por Philip Johnson en el MOMA de Nueva York, que pretendía conciliar las diferentes tendencias arquitectónicas de lo que venía denominándose Arquitectura Moderna o Movimiento Moderno. Desde una perspectiva completamente antivanguardista, los artes impulsados desde el poder por los regímenes totalitarios: • Realismo socialista. El estalinismo optó por impulsar un arte fácilmente comprensible por las masas, tras las experiencias vanguardistas de los años veinte (constructivismo), que pasaron a calificarse de elitismo burgués. • Arte nazi (en:Art of the Third Reich), en la Alemania nazi de los años treinta y cuarenta. Se definía como arte ario, propio de una raza superior y opuesto al arte degenerado (que identificaba como el arte de los deficientes mentales y de las razas inferiores, y definía como una degeneración del gusto artístico que los judíos pretenderían imponer con la etiquetas de vanguardia, abstracto o expresionista). • El arte fascista, entendido como el realizado en el periodo de entreguerras en la Italia fascista, incluso impulsado por el movimiento fascista, fue mucho más diverso, incluyendo manifestaciones vanguardistas como el futurismo y de arquitectura racionalista, pero también manifestaciones clasicistas más cercanas al arte nazi.

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Arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX Arte contemporáneo entre 1945 y 1960: el infomalismo La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de artistas, coleccionistas, críticos e historiadores, convierten a Nueva York en el nuevo centro mundial del arte. • informalismo o expresionismo abstracto (Jackson Pollock, Antoni Tapies)

Tres formas: Vertebrae. Henry Moore, 1968-1969.

• op-art • arte cinético • La escultura: Henry Moore, Eduardo Chillida, Jorge Oteiza • Brasilia (Lucio Costa, Oscar Niemeyer) Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop • pop-art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein) • minimal • arte conceptual (conceptual-art o idea-art), que incluye o se relaciona con multitud de manifestaciones, estilos o movimientos: happening, action-art, performance, arte povera (desarrollado en Italia), land-art, body-art, procesual-art, etc. En 1968 Lucy Lippard y John Chandler publicaron La El centro Georges Pompidou (Renzo Piano y Richard Rogers, desmaterialización del arte 1977) destaca por sus atrevidos colores sobre los edificios de (revista Art International) donde París. analizaban el proceso de transformación que percibían en el arte contemporáneo: los artistas habían intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del

Arte contemporáneo

concepto y del arte efímero; muchos de los minimalistas (Morris, Smithson, Andre) emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras en escenarios naturales (Land Art) eran los nuevos campos de experimentación o vías de escape al callejón sin salida en el que según ellos se debatían las poéticas más formalistas. Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza) reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse. Los valores prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el arte moderno y las vanguardias sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de modo radical (la armonía, el cromatismo, la composición, la masa, etc.) eran La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo 1992. pobre, el proceso, la analogía, etc.). Los medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí mismos (lecturas artísticas de la semiología y de Mac Luhan). A fines de los años sesenta ya se estaban produciendo algunas manifestaciones artísticas que parecían exigir para el arte la misma libertad y desprecio de los convencionalismos y valores establecidos, y la misma búsqueda de nuevos programas de vida y de sociedad que la juventud revolucionaria del 68 reclamaba en los campus universitarios y las calles desde Praga hasta México, pasando por París y Stanford. Arte pobre, Land art, Arte conceptual, Anti-form, Process art, Earth works, Arte microemotivo, etc. Entre las primeras manifestaciones del Land Art, figuran la celebrada en la Dwan Gallery de Nueva York, en 1968, con el título de "Earth Works", y al año siguiente, la presentada en el White Museum de Ithaca, como "Earth Art". Con la exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en octubre de 1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte conceptual en su tendencia analítica, lírica y desmaterializada, a la que siguió "Op Losse Schereeven", en el Stedelijk Museum of Amsterdam, con la que se produjo el reconocimiento museístico y europeo del Arte Conceptual, el Land Art, el Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la exposición celebrada en el Museo Cívico de Turín, en 1970, denominada "Conceptual art/ Arte Povera/ Land Art", se llega a la consagración oficial de los nuevos comportamientos artísticos.

Arte contemporáneo

El arte "más contemporáneo", desde 1975: deconstrucción y postmodernidad • hiperrealismo (Chuck Close, Gerhard Richter, Antonio López García) • neofiguración, ya desarrollada décadas antes, es revalorada a partir del último cuarto del siglo XX (Lucian Freud, Francis Bacon) • instalaciones • postmodernidad • deconstrucción

Instituciones dedicadas al Arte contemporáneo

The Umbrella Project, instalación artística en un entorno periurbano. Christo, 1991.

Académicas Los estudios universitarios de Bellas Artes, están destinados a la formación de los futuros artistas, en cuyos planes de estudio ocupa un papel destacado el estudio del arte contemporáneo. Facultades de Bellas Artes: • Universidad Complutense de Madrid[4] • Universidad del País Vasco[5] • Universidad Politécnica de Valencia[6] Los Departamentos de Historia del Arte o denominaciones similares de las Facultades de Historia (u otras divisiones universitarias) se dedican al estudio del arte contemporáneo, a través de asignaturas especializadas, sean o no a cargo de cátedras autónomas. • Universidad Complutense de Madrid (Historia del Arte III -Contemporáneo-), Facultad de Geografía e Historia.[7]

Museos generalistas Alemania • Neue Pinakothek (Múnich) • Neue Nationalgalerie de la Staatliche Museen de Berlín[8] Argentina • Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRo) (Rosario) • Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (Bahía Blanca)[9] Austria • Galería Belvedere (Viena)[10] Bélgica

Arte contemporáneo • Museos reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas)[11] Costa Rica • Museo de Arte y Diseño Contemporáneo Chile • MAC Museo de Arte Contemporáneo (Santiago)[12] España • • • •

Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM, Valencia) Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)[13] Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español (Valladolid)

Francia • Centro Georges Pompidou (Paris)[14] Estados Unidos • MOMA (Nueva York)[15] • Paul Getty Museum (Malibú) • Taft Museum (Cincinatti) • Toledo Museum of Art (Toledo, Ohio) Italia • MACRO (Museo d'Arte Contemporanea, Roma)[16] México • MARCO Museo de Arte Contemporaneo (Monterrey, México) • Museo Tamayo Arte Contemporáneo (México) • Museo Universitario Arte Contemporáneo (UNAM) (México)[17] Reino Unido • Tate Gallery (especialmente el Tate Modern).[18] • Victoria and Albert Museum (Londres) Rusia • Museo del Hermitage (San Petesburgo)

Museos específicos dedicados a movimientos artísticos contemporáneos • Museo de Orsay (París), para el realismo e impresionismo francés). • Secesión de Viena para el estilo de ese nombre, con el que se conoce el modernismo austríaco). • Museo de Art Nouveau y Art Déco, Salamanca. • Museo de la Bauhaus (Weimar)[19] y museo-archivo del diseño de la Bauhaus (Berlín)[20] • Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca)[21]

Arte contemporáneo

Museos específicos dedicados a grandes artistas contemporáneos • • • • • • • • • • • • • • • •

Museo Botero (Bogotá) Atelier Cézanne (Aix-en-Provence)[22] Museo Chillida-Leku (San Sebastián)[23] Fundación y Apartamento-taller Le Corbusier (París)[24] Museo Dalí (Figueras -Gerona, España- y otro en San Petersburgo, Florida) Museo van Gogh[25] Museo Nacional Eugène Delacroix (París)[26] Museo Escher (La Haya)[27] Casa-Museo Gaudí (Barcelona)[28] Casa-Museo Horta (Bruselas).[29] Museo Ingres (Montauban)[30] Casa-estudio de Frank Lloyd Wright[31] Museo César Manrique (Lanzarote)[32] Museo Matisse (Niza)[33] Fundación Joan Miró[34] Museo Picasso (entre otros, los de Antibes, Barcelona, Málaga, Buitrago y Gósol)

• Museo Sorolla (Madrid)[35] • Fundación Antoni Tapies (Barcelona)[36] • Museo Andy Warhol (Pittsburg)[37]

Fundaciones Suelen responder a la iniciativa de grandes empresas o mecenas particulares. • Fundación Solomon R. Guggenheim (Museo Guggenheim en Nueva York, Bilbao y Venecia). • Fundación Juan March (Colecciones y salas de exposiciones en Madrid, Cuenca —el museo de arte abstracto— y Palma de Mallorca).[38] • Fundación Thyssen-Bornemisza (Colecciones modernas y exposiciones temporales en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid).[39] • Fundación La Caixa o Caixaforum (Colecciones y salas de exposiciones en Barcelona, Madrid y Palma de Mallorca).[40] • Fundación de Arte Contemporáneo FAC (Montevideo) • Fundación Chirivella Soriano (Valencia).[41] • Fundación Esteban Vicente (Segovia).[42]

Centros de Arte Contemporáneo Contrariamente a los museos o las fundaciones, su objetivo no es la conservación ni la constitución de un patrimonio. Es decir su función no es coleccionar. Ellos realizan exposiciones o proyectos artísticos en función a su perfil editorial, teniendo como objetivo la difusión y la promoción del Arte contemporáneo. • • • •

Centro Centro Centro Centro

Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC, Junta de Andalucía.).[43] de Arte Contemporáneo de Málaga.[44] Atlántico de Arte Moderno (CAAM, Cabildo de Gran Canaria).[45] Ecuatoriano de Arte Contemporáneo (CEAC)[46]

Arte contemporáneo

Exposiciones internacionales • Bienal de Venecia • Documenta (en Kassel, Alemania)

Ferias • ARCO, Madrid.

Bibliografía • MILICUA, José; SUÁREZ, Alicia; VIDAL, Mercé (1994). «El arte como escenario del arte», Historia universal del arte. V. IX. Madrid, Editorial Planeta, S. A.. ISBN 84-320-6689-3.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Arte contemporáneo.Commons

Artehistoria: • • • • • • • • • • •

Listado de museos [47]. Listado de estilos pictóricos [48]. El paisaje en los Siglos XIX y XX [49] (incluye vídeo). La escultura del siglo XX [50]. La arquitectura del XX: un edificio inseguro [51]. La vanguardia como idea [52]. La época del cinematógrafo [53]. Secesionismo [54]. El principio de autonomía [55]. Autonomía y antinomias [56]. Otras antinomias [57].

Cervantesvirtual: • Portal de Arte Contemporáneo de la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes y el Museo de la Universidad de Alicante [58]. Google Noticias de Actualidad • áneo Arte contemporáneo

[59]

Referencias Ejemplos de instituciones que incluyen en su denominación la expresión arte moderno y contemporáneo: Museo de arte moderno y contemporáneo de Estrasburgo (http:/ / www. musees-strasbourg. org/ index. php?page=mamcs-es), Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain de Niza (MAMAC) (http:/ / www. mamac-nice. org/ ), Centro de Arte Moderno y Contemporáneo Daniel Vázquez Díaz (http:/ / www. vazquezdiaz. org/ menu. htm), Museo de arte moderno y contemporáneo de Palma Es Baluard (http:/ / www. esbaluard. org/ home/ index. php), Feria de Arte Moderno y Contemporáneo Art Madrid (http:/ / www. art-madrid. com/ index/ index. htm), Colección de publicaciones de la Fundación Mapfre Grandes maestros españoles del arte moderno y contemporáneo (http:/ / www. mapfre. com/ fundacion/ es/ publicaciones/ cultura/ arte/ maestros. shtml).

Arte contemporáneo [2] Declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO, que la considera como the finest collection of art nouveau buildings in Europe. http:/ / whc. unesco. org/ en/ list/ 852 [3] En 1928 publicó Le surréalisme et la peinture [4] « Facultad de Bellas Artes :: Universidad Complutense de Madrid (http:/ / www. ucm. es/ centros/ webs/ fbartes/ )». [5] http:/ / www. bellasartes. ehu. es/ p041-9474/ es [6] « UPV: Facultad de Bellas Artes (http:/ / www. upv. es/ entidades/ BBAA/ )». [7] http:/ / www. ucm. es/ pags. php?tp=Departamentos& a=centros& d=entidad-435. php [8] smb.spk-berlin.de (http:/ / www. smb. spk-berlin. de/ smb/ index. php) [9] Bahiablanca.gov.ar (http:/ / mbamac. bahiablanca. gov. ar/ ) [10] belvedere.at (http:/ / www. belvedere. at/ jart/ prj3/ belvedere/ main. jart?rel=en& content-id=1169655776863& reserve-mode=active) [11] fine-arts-museum.be (http:/ / www. fine-arts-museum. be/ ) [12] MAC (http:/ / www. mac. uchile. cl/ ). [13] Reina Sofía, Madrid (http:/ / www. museoreinasofia. es). [14] Centre Pompidou, París (http:/ / www. centrepompidou. fr). [15] MoMA, Nueva York (http:/ / www. moma. org) [16] MACRO (http:/ / www. macro. roma. museum/ ) [17] MUAC (http:/ / www. muac. unam. mx/ ) [18] Tate Modern, Londres (http:/ / www. tate. org. uk/ modern). [19] « Bauhaus Museum - Weimar.de - Tourismus (http:/ / www. weimar. de/ en/ tourism/ homepage/ sights/ museums/ details/ bauhaus-museum/ )». [20] « bauhaus-archiv museum of design (http:/ / www. bauhaus. de/ english/ index. htm)». [21] « Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Colección permanente, exposiciones temporales (http:/ / www. march. es/ arte/ cuenca/ )». [22] « Atelier Cezanne - Aix en Provence - France (http:/ / www. atelier-cezanne. com/ )». [23] « Museo Chillida-Leku (http:/ / www. eduardo-chillida. com/ )». [24] « Fondation Le Corbusier (http:/ / www. fondationlecorbusier. asso. fr/ )». [25] « Van Gogh Museum - Bienvenido al sitio web del Museo Van Gogh (http:/ / www3. vangoghmuseum. nl/ vgm/ index. jsp?page=paginas. talen. es)». [26] http:/ / www. musee-delacroix. fr/ [27] Web sobre Escher (http:/ / puffin. creighton. edu/ museums/ archive/ 8_dkovach/ nf-main. html). Museo Escher (http:/ / www. escherinhetpaleis. nl/ ) [28] casamuseugaudi.org (http:/ / www. casamuseugaudi. org/ ) [29] hortamuseum.be (http:/ / www. hortamuseum. be/ ) [30] « ARTEHISTORIA - Genios de la Pintura - Ficha Museo Ingres (http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ genios/ museos/ 263. htm)». [31] Preservation Trust (http:/ / www. gowright. org/ homestudio/ homestudio. html;). Fundación (http:/ / www. franklloydwright. org/ ) [32] fcmanrique.org/museo (http:/ / www. fcmanrique. org/ museo. php?fl=1) [33] « Musee Matisse De Nice - Matisse Museum Of Nice (http:/ / www. musee-matisse-nice. org/ )». [34] fundaciomiro-bcn.org (http:/ / fundaciomiro-bcn. org/ ) [35] museosorolla.mcu.es (http:/ / museosorolla. mcu. es/ ) [36] « Fundació Antoni Tàpies (http:/ / www. fundaciotapies. org/ site/ spip. php?rubrique65)». [37] « Warhol (http:/ / www. warhol. org/ )». [38] Fundación Juan March. Arte (http:/ / www. march. es/ arte/ arte. asp). [39] Museo Thyssen (http:/ / www. museothyssen. org/ thyssen/ ) [40] Cixaforum Barcelona (http:/ / obrasocial. lacaixa. es/ centros/ caixaforumbcn_es. html); Caixaforum Madrid (http:/ / obrasocial. lacaixa. es/ centros/ caixaforummadrid_es. html); Caixaforum Palma (http:/ / obrasocial. lacaixa. es/ centros/ caixaforumpalma_es. html); Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa” (http:/ / obrasocial. lacaixa. es/ apl/ actividades/ actividad_es. html?idActividad=21674& idTemaGen=-1& idTemaPro=-1& idCentro=918204& idTipoCentro=-1& idPerfil=& idTipoAct=-1) (exposición en Madrid, 2008). [41] [42] [43] [44]

chirivellasoriano.org (http:/ / www. chirivellasoriano. org) museoestebanvicente.es (http:/ / www. museoestebanvicente. es/ default. asp) caac (http:/ / www. juntadeandalucia. es/ cultura/ caac/ index. html) cacmalaga.org (http:/ / www. cacmalaga. org/ inicio. htm)

[45] CAAM (http:/ / www. caam. net/ ) [46] CEAC (http:/ / centroecuatorianodeartecontemporaneo. org/ index. html) [47] http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ museos/ listadogaleria. htm

Arte contemporáneo [48] [49] [50] [51] [52] [53] [54] [55] [56] [57] [58] [59]

http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ genios/ estilos/ listadogaleria. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ obrmaestras/ videos/ 905. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ artesp/ contextos/ 8270. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5437. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5325. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5326. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5327. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5328. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5329. htm http:/ / www. artehistoria. jcyl. es/ arte/ contextos/ 5330. htm http:/ / www. cervantesvirtual. com/ portal/ pac/ http:/ / news. google. es/ news?um=1& ned=es& hl=es& q=Arte+ contempor

Arte moderno Arte moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta [1] aproximadamente los años 1970, por oposición al denominado arte académico, que representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.[2] Producciones recientes son a menudo denominadas arte contemporáneo, aunque este término también se refiere al arte de la Edad Contemporánea (desde mediados del siglo XVIII). Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí. El arte moderno representa como Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso. innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la función del arte, en que el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas.

Arte moderno

Otras tradiciones En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental (en el arte africano -cubismo-, o en el arte japonés -impresionismo-) o fuera de las fases más clasicistas de la propia tradición occidental (prerrafaelismo).

Rechazo El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a acuñarse el concepto, no sólo en los ambientes sociales conservadores que los artistas modernos buscaban epatar, sino entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis, como fueron los casos, en España, de Eugenio d'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La deshumanización del arte. El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde su origen y durante los años 1920 estuvieron estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo), comprobaron a partir de los años 1930 la necesidad de encauzar su manipulación propagandística en el terreno de la estética a través de un arte mucho más fácilmente digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conoció como realismo socialista o arte fascista. En el caso del nazismo, identificó el arte moderno con lo que denominó arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores, por contraposición a los valores de una pretendida estética aria o arte ario. No obstante, la persecución a los judíos y la ocupación alemana de Europa durante la Segunda Guerra Mundial dio opurtunidad para el expolio más o menos disimulado de muchas piezas de arte moderno por parte de los dirigentes nazis (que no lo destruían, sino que se lo apropiaban). Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, en cambio, asumió con gran dinamismo el arte moderno, implicándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes posibilidades para el mercado.[3]

Precedentes Precedentes de las ideas artísticas modernas ya pueden verse en la obra de los grandes maestros barrocos (Velázquez o Rembrandt); de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo (Goya, David, Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); y de autores de mediados del siglo XIX más o menos cercanos al realismo (Corot, Millet, Courbet, escuela de Barbizon, William Morris). Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 -salón de los rechazados-).

Arte moderno

Impresionismo y vanguardias El impresionismo y el posimpresionismo significaron ya un arte decidido a experimentar con nuevos modos de representación de la luz y el espacio a través del color y la pintura, y de la vibración de la materia en escultura (Rodin). En los años previos a la Primera Guerra Mundial, una explosión de creatividad tuvo lugar con el fauvismo, cubismo, expresionismo y futurismo. La Primera Guerra Mundial trajo consigo el fin de esta fase, pero indicó el inicio de una serie de movimientos antiartísticos, como el dada y el trabajo de Marcel Duchamp y el surrealismo. También grupos como de Stijl y Bauhaus acababan de comenzar a desarrollar nuevas ideas sobre la interrelación de las artes, arquitectura, diseño y educación artística.

América El arte moderno fue introducido en América durante la Primera Guerra Mundial cuando un número de artistas en los barrios de Montmartre y Montparnasse en París huyeron de la guerra. Francis Picabia (1879-1953), fue el responsable de la llegada del arte moderno a la ciudad de Nueva York. Sin embargo, fue solamente tras la Segunda Guerra Mundial cuando los Estados Unidos se convirtieron en el centro de atención de los nuevos movimientos artísticos. Los años 1950 y 1960 vieron la aparición del expresionismo abstracto, arte pop, op art y minimalismo; a finales de los años 1960 y los años 1970, habían aparecido el Happening, Fluxus, land art, performance art, arte conceptual y fotorrealismo.

Interpretación posestructuralista del arte contemporáneo La teoría postestructuralista ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un Fuente. Duchamp, 1917. objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro del main stream internacional.

Arte moderno

Lo postmoderno En esta época, un número de artistas y arquitectos habían comenzado a rechazar la idea de "moderno" y comenzaron a crear obras típicamente posmodernistas. De allí la relevancia de la Crisis de las vanguardias artísticas y el debate modernidad-postmodernidad. Comenzando desde la era de posguerra, menos artistas usaban pintura como medio principal. En su lugar, se generalizaron las grandes instalaciones. Desde los años 1970, el media art se ha convertido en una categoría por sí mismo, con un emergente número de artistas experimentando con las nuevas tecnologías. El videoarte es el ejemplo mejor conocido.

Véase también • • • • •

Moderno (página de desambiguación) Modernismo Movimiento Moderno Modern Style Semana de Arte Moderno (Sao Paulo, 1922, origen del modernismo brasileño)

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Modernidad Postmodernidad Arte postmoderno Arte contemporáneo Pintura moderna Arquitectura moderna Antiguos y modernos

Bibliografía • Sedlmayr, Hans (2008). La revolución del arte moderno. El Acantilado. ISBN 978-84-96834-36-1.

Obras en inglés • Arnason, H. Harvard. 1998. History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, Photography. Fourth Edition, rev. by Marla F. Prather, after the third edition, revised by Daniel Wheeler. New York: Harry N. Abrams, Inc. ISBN 0-8109-3439-6; Upper Saddle River, NJ: Prentice-Hall. ISBN 0-13-183313-8; London: Thames & Hudson. ISBN 0-500-23757-3 [Fifth edition, revised by Peter Kalb, Upper Saddle River, N.J.: Prentice Hall; London: Pearson/Prentice Hall, 2004. ISBN 013184069X] • Atkins, Robert. 1990. Artspeak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords. New York: Abbeville Press. ISBN 1-55859-127-3 • Cahoone, Lawrence E. 1996. From Modernism to Postmodernism: An Anthology. Cambridge, Mass: Blackwell. ISBN 1-55786-603-1 • Cogniat, Raymond. 1975. Pissarro. New York: Crown. ISBN 0-517-52477-5. • Corinth, Lovis, Peter-Klaus Schuster, Lothar Brauner, Christoph Vitali, and Barbara Butts. 1996. Lovis Corinth. Munich and New York: Prestel. ISBN 3-7913-1682-6 • Frascina, Francis, and Charles Harrison (eds.) 1982. Modern Art and Modernism: A Critical Anthology. Published in association with The Open University. London: Harper and Row, Ltd. Reprinted, London: Paul Chapman Publishing, Ltd.

Arte moderno • Frazier, Nancy. 2001. The Penguin Concise Dictionary of Art History. New York: Penguin Books. ISBN 0-14-051420-1 • Gombrich, E. H. 1958. The Story of Art. London: Phaidon. OCLC 220078463 [4] • Mullins, Charlotte. 2006. Painting People: Figure Painting Today. New York: D.A.P. ISBN 978-1-933045-38-2

Ampliación de bibliografía (en inglés) • Childs, Peter. 2000. Modernism. London and New York: Routledge. ISBN 0-415-19647-7 (cloth) ISBN 0-415-19648-5 (pbk) • Crouch, Christopher. 2000. Modernism in Art Design and Architecture. New York: St. Martins Press. ISBN 0-312-21830-3 (cloth) ISBN 0-312-21832-X (pbk) • Dempsey, Amy. 2002. Art in the Modern Era: A Guide to Schools and Movements. New York: Harry A. Abrams. ISBN 0-8109-4172-4 • Hunter, Sam, John Jacobus, and Daniel Wheeler. 2004. Modern Art. Revised and Updated 3rd Edition. New York: The Vendome Press [Pearson/Prentice Hall]. ISBN 0-13-189565-6 (cloth) 0-13-150519-X (pbk) • Kolocotroni, Vassiliki, Jane Goldman, and Olga Taxidou (eds.). 1998. Modernism: An Anthology of Sources and Documents. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 0-226-45073-2 (cloth) ISBN 0-226-45074-0 (pbk) • Ozenfant, Amédée. 1952. Foundations of Modern Art. New York: Dover Publications. OCLC 536109 [5] • De Cómo Nueva York Robó La Idea De Arte Moderno [6]Por Adolfo Vasquez Rocca

Notas [1] Atkins 1990, p. 102 [2] Gombrich 1958, p. 419. [3] Xabier Rubert de Ventós El arte ensimismado, Barcelona : Anagrama, 1997 http:/ / www. lletra. com/ noms/ rubertdeventos/ index. html. : (1963, premio Ciudad de Barcelona) era un análisis del arte de vanguardia, una crítica de lo que llamó el fanatismo "de la novedad, y más recientemente, la euforia vanguardista". En Teoria de la sensibilitat (1968, premio Lletra d'Or) se apunta a la ruptura con las consecuencias del arte renacentista, patentes todavía en la vanguardia convencional, para llegar a la ampliación del concepto de arte mediante lo que él llama “diseño científico”, una síntesis de arte, ciencia y técnica. Sobre temas de estética ha publicado también Utopías de la sensualidad y métodos del sentido (1973), y La estética y sus herejías (1974, premio Anagrama de ensayo). [4] http:/ / worldcat. org/ oclc/ 220078463 [5] http:/ / worldcat. org/ oclc/ 536109 [6] http:/ / revista. escaner. cl/ node/ 1105

Commons •

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Arte postmoderno

Arte postmoderno El arte postmoderno, por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial. Actualmente existe mucha controversia sobre si efectivamente el proyecto moderno está superado o no; ciertamente existe poca perspectiva histórica para poder establecer una ruptura con el periodo anterior e iniciar una nueva era, tan sólo la distancia en el tiempo y un más profundo análisis podrán establecerlo. Surgido tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de los años 1970, enmarca diversos movimientos como son la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, el neominimalismo, el neoconceptualismo, el simulacionismo, etc.

Conceptos teóricos El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias capacidades del ser humano; políticamente supone el fin de las monarquías absolutas y su sustitución por la democracia, el poder pasa de la aristocracia a la burguesía, el ciudadano adquiere mayores derechos; económicamente se da el paso de la economía agraria a la economía industrial, al capitalismo. En contraposición a esto, la postmodernidad sería la superación de estos esquemas: se habla del fracaso del proyecto moderno, debido a la actual crisis política, cultural e ideológica. Ya no se cree en el progreso, no hay confianza en el futuro, se ha renunciado a las utopías, las clases sociales se han diluido, la economía se ha globalizado; es una época de desencanto, de individualismo, de introspección. El arte postmoderno se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte de vanguardia de principios del siglo XX. Los postmodernos asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. El arte moderno había admitido la imposibilidad de aprehender la realidad, evolucionando incluso a formas artísticas inmateriales: el minimal, el arte conceptual, el land-art, el body-art, el arte povera, el happening; esta crisis del objeto artístico fracasó en gran parte debido a las galerías, que se apropiaron de estos nuevos estilos y los mercantilizaron. El arte postmoderno vuelve sin pudor al sustrato material tradicional, a la obra de arte-objeto, al ”arte por el arte”, sin pretender hacer ninguna revolución, ninguna ruptura. Así como en el pop-art la imagen tenía por misión desmitificar, hacer una alienación y objetualización del mundo contemporáneo, en el arte postmoderno se da la imagen por la imagen, sin contenido ni significación, como simple producto de la sociedad consumista.

Arte postmoderno Los postmodernos afirman que el fracaso del arte de vanguardia es la imposibilidad de incidencia en la Historia real, en el comportamiento de las colectividades, por mucho que recurra a la denuncia y el compromiso. Se ha producido un desfase entre el arte y la sociedad, ya que el artista ha evolucionado, pero el público se ha quedado en un modelo de percepción proveniente de cánones clásicos. Ante la crisis del objeto artístico en los años 70, los postmodernos lo retoman como reivindicación del arte como institución, toda vez que ha fracasado la pretensión vanguardista de integrar el arte con la sociedad. Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan sólo reinterpretan la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierden así su sentido. La repetición encierra el marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana. Queda por ver en el futuro devenir histórico cómo se establecerán las actuales corrientes postmodernas en el marco histórico-social, así como su relación con los otros movimientos aún calificados de modernos, que en muchos casos conviven en el tiempo. La historiografía no está de acuerdo en marcar tan rápidamente diferencias y rupturas entre ambos periodos; incluso algunos historiadores ven una relación intrínseca entre ellos: Valeriano Bozal[1] afirma que no hay ruptura entre modernidad y postmodernidad, sino una interrelación entre ambas; la postmodernidad sería una etapa de la modernidad, una fase de reflexión sobre sí misma. El tiempo dirá cuál de las dos posturas es la correcta, si presenciamos un nuevo periodo histórico o una fase más del que actualmente vivimos. Notas [1] Obra citada en Bibliografía

Características del arte postmoderno Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte postmoderno defiende la cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” –ir de un estilo a otro–, la “deconstrucción” –tomar elementos estilísticos del pasado–, etc. Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los postmodernos vuelven a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcolanza de estilos, cayendo en la repetición, la reinterpretación; el resultado de esta mezcla indiscriminada de temas y estilos da lugar al “pastiche”, concepto que los postmodernos asumen con orgullo. Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de programa artístico. El artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Suelen ser obras figurativas –aunque sin rechazar lo abstracto–, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Los artistas postmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Asimismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de la nuevas tecnologías. Todo ello lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.

Arte postmoderno Por último, hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual, los diversos movimientos que lo integran –y dentro de éstos los diferentes artistas, cada uno con su sello personal– son heterodoxos y diversificados, sin carácter programático, cada uno con distintas finalidades y muy diversas peculiaridades. Hay notables diferencias según la geografía, sobre todo entre Europa y Estados Unidos, donde tiene quizá un tinte más crítico y reflexivo que el arte postmoderno europeo. Quizá por eso muchos críticos no ven un sello unívoco al arte postmoderno, sino que lo consideran un “cajón de sastre” donde situar diversas tendencias que sólo tienen en común su oposición al proyecto moderno. Aún así, el arte posmoderno será sin duda, con ese nombre u otro que pueda recibir en el futuro con más perspectiva histórica, el arte propio de finales del siglo XX y principios del XXI.

Evolución El término “postmoderno” se empezó a aplicar en arte a mediados de los años 1970, inicialmente en el terreno de la arquitectura: durante esos años hubo una tendencia entre los arquitectos que experimentaban nuevas soluciones estilísticas a abandonar el racionalismo arquitectónico que había preponderado desde los años 1920, caracterizado por las formas puras y minimalistas. Frente a esta forma racional de entender la arquitectura surge una nueva generación que busca formas más dinámicas, más vitalistas, recurriendo a referencias históricas del pasado y a aportes de otras culturas, generando un estilo ecléctico y multirreferencial. Un claro ejemplo sería la Piazza d'Italia de Nueva Orleans, de Charles Moore (1975-1980). En los años 1980 el arte postmoderno pasó a reflejarse en otras formas artísticas, como la pintura, la escultura, el videoarte, el cómic, el diseño, etc. Las primeras obras que vislumbraron esta tendencia fueron las de artistas que añadieron elementos populares a sus obras, como Richard Prince, o que realizaron diversas combinaciones de elementos, como Tim Rollins. En esa época se pasaron al arte postmoderno muchos artistas que venían de estilos anteriores, sobre todo del arte conceptual, como Hans Haacke, que en su obra La libertad ahora va a ser patrocinada, aparte de los gastos menores (Postdamerplatz, Berlín, 1990) incluía un epitafio de Goethe: “el arte sigue siendo arte”, un auténtico lema del arte postmoderno. Desde sus inicios el arte postmoderno ha vivido sumergido en la polémica y la indefinición conceptual y programática. Siendo la postmodernidad tanto un rechazo de la modernidad como su continuación, los artistas postmodernos han procurado –sin lograrlo del todo– buscar un lenguaje y un estilo propios, pero el movimiento ha vivido disgregado, fragmentado, no se ha conseguido una aglutinación estilística común, como mucho diversos puntos de contacto entre artistas o grupos generalmente de una misma nacionalidad, como la transvanguardia italiana o el neoexpresionismo alemán. El arte postmoderno se define más por la indefinición, por la diversidad de estilos y materiales, por la mezcla de elementos antiguos y nuevos, experimentando con los colores y las texturas y apropiándose de elementos del pasado (“adhocismo”). Frente a la utopía estética moderna, la postmodernidad refleja el aspecto plural y globalizado de la sociedad de finales del siglo XX, caracterizado por los medios de comunicación de masas y el crecimiento de la cultura visual, con gran proliferación de imágenes, tanto impresas como electrónicas, diluyendo la frontera entre la realidad y su representación, así como el concepto de originalidad.

Arte postmoderno Así pues, los artistas postmodernos se afanan en desmitificar la imagen, en desproveerla de su sentido icónico, representativo, conceptual. Artistas como Sherrie Levine, Jeff Koons, Julian Schnabel, David Salle, Mike Bidlo, Louise Lawler y Jeff Wall buscan despojar a la imagen de su sentido convencional, dándole nuevos significados basados en la descontextualización, en la anarquía estética. Algunos artistas postmodernos se comprometerán más con la sociedad de finales del siglo XX, incorporando a sus obras referencias relativas a los nuevos conceptos de reivindicación social: la sexualidad, el feminismo, la diversidad étnica, el medio ambiente, etc. Jean-Michel Basquiat reflejó en su obra la denuncia contra el racismo, con obras impactantes donde mezcla el arte tradicional con el graffiti, con influencia del arte africano. Keith Haring trató el tema de la homosexualidad, con obras fuertemente influidas por el cómic. David Wojnarowicz expresó en sus obras una temática centrada en el sexo, la enfermedad y la muerte, con referencias al sida, la nueva enfermedad del finales del siglo XX. Asimismo, artistas como Mary Kelly, Barbara Kruger, Jenny Holzer y Cindy Sherman plasmaron el papel de la mujer en la sociedad de su tiempo.

Movimientos postmodernos • • • • • • • • •

Transvanguardia Neoexpresionismo Figuración Libre Neomanierismo Simulacionismo Bad painting Neo-pop Nueva imagen Superflat

Bibliografía • Bozal, Valeriano (1993). Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid. • Cirlot, Lourdes (1990). Las últimas tendencias pictóricas. Vicens-Vives, Barcelona. ISBN 84-316-2726-3. • Dempsey, Amy (2008). Estilos, escuelas y movimientos. Blume, Barcelona. ISBN 978-84-9801-339-9. • González, Antonio Manuel (1991). Las claves del arte. Últimas tendencias. Planeta, Barcelona. ISBN 84-320-9702-0.

Véase también • Postmodernidad • Pintura contemporánea

Chillida- Leku

Chillida-Leku El Museo de Chillida-Leku es un gran espacio de jardines y bosques y un caserío remodelado, donde el escultor Eduardo Chillida Juantegui distribuyó una gran muestra de su obra. Está situado en las inmediaciones de Hernani, provincia de Guipúzcoa.

Exterior El museo se distribuye a lo largo de una parcela de 13 hectáreas. En el exterior se muestran 40 esculturas de muy diferentes tamaños. Las más grandes son Buscando la luz de 27 toneladas y 9 metros de alto y Lotura XXXII de 60 toneladas, y otras como Estela V no miden más de un metro. Los materiales de las esculturas del exterior son el acero y la piedra, predominantemente granito rosa. Las esculturas de los jardines se pueden tocar, por lo que el visitante siente la fuerza de los materiales. Jardines de Chillida-Leku

Interior En el interior del caserio se muestran las obras más delicadas del artista. Muchas de ellas están fabricadas en materiales que no podrían soportar las inclemencias meteorológicas, como son la madera, el alabastro o la lana. Además, hay un exposición de estudios del cuerpo humano en pintura y escultura. Por último hay una pequeña exposición de fotografías del Peine de los vientos, obra de Chillida que se encuentra en un extremo de La Concha de San Sebastián. El caserio data del siglo XVI y tiene el nombre de Zabalaga. Chillida buscaba un edificio en el que mostrar su obra, y cuando lo descubrió se encontró con este caserio de 1543 en estado de ruinas. Con la ayuda del arquitecto Joaquín Montero desarrollo un proyecto de restauración y creo un gran espacio interior, dividido en dos plantas. La planta baja abarca toda la superficie, mientras que la alta cubre solo una parte de ésta.

Casona de Chillida-Leku

Chillida- Leku

Enlaces externos • Web del museo [1] • Información práctica sobre el museo Chillida-Leku

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Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Chillida-Leku.

Referencias [1] http:/ / www. eduardo-chillida. com/ [2] http:/ / www. muselius. com/ spain/ guipuzcoa/ museo-chillida-leku/

Escultura Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales, figuras en volumen. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.

Devenir histórico Desde los tiempos más remotos, el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos.

La función de la escultura

Escultura El escriba sentado. Dinastía V. Siglo XXV a. C.

A lo largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la mayoría de personas eran iletradas, y la escultura cumplió también una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinados acontecimientos o conceptos. Así, en la Edad Media, en la época del arte románico, es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las portadas como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar a la población analfabeta. La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función. Los antiguos griegos y romanos plasmaron en sus estatuas su concepción de 'belleza ideal', aunque la escultura como obra de arte, con valor propio, es un concepto moderno.

Escultura

Tipos de escultura La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura. La estatuaria a su vez comprende varios tipos: de bulto redondo y de relieve.

De bulto redondo y relieve De bulto redondo . Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, la escultura de bulto redondo se clasifica en: • busto: si representa la cabeza y la parte superior del tórax, • medio cuerpo, • de tres cuartos, • de cuerpo entero; • torso, si falta la cabeza, piernas y brazos. En función de su posición la escultura se clasifica en: • • • • •

sedente: sentada, yacente: tumbada, orante: de rodillas, oferente: ofreciendo presentes, ecuestre: a caballo.

También puede denominarse: • coloso, si es de grandes dimensiones, • grupo, o conjunto escultórico, • ambiental. De relieve Es aquella que está realizada o adherida a una superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en: • • • •

Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso. Medio relieve: sobresale la mitad. Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad. Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.

Escultura

Canon de proporciones El canon es el conjunto de proporciones ideales de la figura humana y sus reglas de composición, muy utilizadas por los antiguos artistas egipcios y griegos. Representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura. Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a. C.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido experimentando variaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, quedó bien establecido por el pintor Leonardo da Vinci, a finales del siglo XV, adoptándolo la mayoría de los pintores y escultores. La medida fundamental del canon florentino, tomada del hombre bien constituido, está en la cabeza. Ésta se considera, en altura, como la octava parte de todo el Canon de Leonardo da Vinci cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Tirando una horizontal por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales, siendo una de ellas altura de la nariz.

Materiales y técnicas tradicionales • • • •

tallado modelado esculpido pulido

Arcilla (del griego"arguilos":arcilla blanca),Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Existen varios tipos de barro: barro rojo, barro refractario, barro blanco (gris), hoy en día existen otros colores en el barro o arcilla. Esto se debe a la impregnación de colorantes en el material. Finalmente puede obtenerse una apariencia distinta cuando se lleva al horneado. Es el material básico del arte y artesanía ceramica. sin embargo ,nunca debe usarse sola ,sino acompañada por un tercio de otros materiales que actúan modificando las propiedades naturales de toda la arcilla. La mezcla de arcilla + antiplasticos = se denomina "pasta"ceramica.el material arcilloso se utiliza también en otras artes como escultura; como vehículo para llegar a una escultura por ejemplo,luego de

Escultura un proceso por moldes ,se obtiene una reproducción exacta pero negativa del modelo en arcilla,donde luego se podrá llenar en otro tipo de material,yeso,cemento, etc.

Piedra Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son: • Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en escultura monumental. • Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento. • Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos. • Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente translúcido. • Granito, diorita y otras piedras duras.

Hierro El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas, mediante distintas técnicas de trabajo. Estas son: • Repujado: consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en caliente, para darle las formas que el artista busca. Cuando se trata de chapas también se utiliza la palabra batido que remite a "golpear". • Forja: es el arte que consiste en darle forma al hierro mediante el fuego y el martillo, por lo general la forja no es representativa de la escultura, pero si es usada por pocos artistas para crear piezas espectaculares. • Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el repujado o la forja, etc.). • Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas Actualmente se utiliza el acero corten, para realizar esculturas que van a estar a la intemperie.

Escultura

Madera Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse más, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor más prolija. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior. Policromía • Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada. • Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado. • Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás. Las herramientas para trabajar la madera son especiales: • • • •

Hacha y azuela para el desbastado. Gubias y formones para la talla. Maza de madera para golpear el mango de estos útiles Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.

Modelado y otras técnicas Como ya se ha señalado, la Escultura y más aún las artes a ella subordinadas, se sirven de variados procedimientos para su ejecución. Los escultores suelen preparar su obra formando un modelo (modelando) con arcilla o yeso fino la figura que ha de servirles como tipo, este modelo equivale para ellos al boceto para el pintor o el plano para el arquitecto. Después, el artista saca puntos de su obra con auxilio de una cuadrícula haciéndola exactamente proporcional a su modelo. La materia sobre la cual trabaja el escultor suele ser barro, piedra, madera, bronce, hierro, marfil, plata u oro. El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido, sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros procedimientos de fundir y moldear exigen más o menos retoques de cincel si la obra ha de salir perfecta. Se usan además el moldeado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado. • Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la figura que se pretende. • Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa. • Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con una pasta cualquiera y lograr la positiva.

Escultura • Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica. • Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios par conseguir la forma que se pretende. • Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua fuerte) sobre material duro un dibujo cualquiera. • Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve. • Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras. Son variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas, la taracea que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie de algún mueble de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana. Ésta se hace aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma clase o inferior produciendo dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o pieza similar.

Esculturas destacadas • • • •

Las venus de Laussel y Willendorf La Gran Esfinge de Giza (Gizeh) El David, la Piedad y el Moisés de Miguel Ángel. La estatua de la Libertad

Esculturas de la antigüedad famosas y desaparecidas • Coloso de Rodas Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años 303 y 280 a. C. Se atribuye al escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura y estaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Se consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los escritores romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió para conmemorar la victoria de los habitantes de Rodas contra el general de Macedonia Demetrio Poliorcetes. • La Atenea Partenos de Fidias. • El Zeus Olímpico de Fidias • Coloso de Nerón en Roma.

Escultura

Véase también • Arte moderno • Bajorrelieve El contenido de este artículo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre Universal

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, publicada en español bajo la licencia GFDL.

Enlaces externos • Videos sobre la escultura

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Referencias [1] http:/ / enciclopedia. us. es/ index. php/ Escultura [2] http:/ / www. escultores. com/ escultura. php?g2_itemId=2366/

Escultura contemporánea Uno o varios wikipedistas están trabajando actualmente en extender este artículo o sección.

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En la escultura contemporánea o escultura del siglo XX podemos señalar dos grandes tendencias: 1. La conservadora, que defiende la integridad del mundo visible, dentro de una actitud humanística. 2. La innovadora, entregada febrilmente a la apertura de nuevos horizontes. En esta última tendencia, a su vez, pueden reconocerse dos direcciones: 1. La del expresionismo, que centrado el problema en el contenido espiritual del hombre, lo exaspera, desinteresándose de las consecuencias formales. 2. La del abstraccionismo, que por el contrario, se desentiende de todo problema espiritual y juega únicamente con el mundo de las formas. En la abstracción el cubismo mantendrá una organización plástica geométrica referida al hombre y al mundo. La escultura orgánica constituye otra variante de la abstracción no figurativa, que ha creado un mundo totalmente deshumanizado en el contenido y en la forma, pero que ha explorado beneficiosamente territorios paralelos a los de la ciencia moderna.

Escultura contemporánea

Historia Humanismo (escultura) Ante los furiosos ataques del abstraccionismo, realistas e idealistas, en épocas históricas tan distanciadas, han hecho acallar sus divergencias, para erigirse en depositarios de la tradición. Sería absurdo menoscabar la importancia de este humanismo moderno, y no ver en nuestro tiempo sino una plena evasión hacia lo abstracto. Rodin El influjo de Rodin se sigue manifestando en numerosos escultores, como Antonio Bourdelle (1861-1929) formado con el gran maestro. Así se aprecia en los bocetos que hizo de Beethoven. Profesó gran admiración por Grecia, sobre todo por la escultura arcaica. Recrea estos efluvios clasicistas en su extraordinario Hércules Arquero. En la decoración que hizo del teatro de los Campos Elíseos, de París, tuvo presente la vieja norma clásica de adaptación al marco. Es autor de numerosos bustos, entre ellos el del propio Rodin. El retrato ecuestre, a la manera renaciente lo emplea en monumento del General Alvear (Buenos Aires). También influyó Rodin en Charles Despiau (1874-1947), pero acabó separándose de su maestro, en obras que acentúan un redondeado volumen plástico; tales, Asia, Eva, Apolo, etc. Arístides Maillol (1868-1944) es un puro mediterráneo. En sus dichos, como en sus obras, muestra el desprecio por todo detallismo, inclinándose a la idea general. Como émulo de Grecia, sus figuras son siempre de cerrados contornos. Modela pensando en el volumen, que concibe bien redondeado. Elimina paños y todo adminículo que destruya forma pura. Los desnudos exhiben unas masas pletóricas, ya incluso pesadas (Venus del Collar). Tales modelos, circunstancialmente empleados también por Renoir (Venus)), van a influir decisivamente en plástica contemporánea. Una tendencia más depuradamente idealista se acredita en J. Bernard (1866-1931), que se sirvió habitualmente del niño y de la mujer. Pocas veces se ha modelado con tanto cariño el cuerpo de ésta. Iván Mestrovic Yugoslavia ha producido una de las figuras más importantes de la escultura contemporánea: Iván Mestrovic (n. 1883). En sus obras hay un contenido exaltado de patriotismo. Late en él una fe ardiente, un amor, un amor humano, acendrado por los horrores de las dos guerras mundiales, por los trastornos políticos de la vida presente. Da a su escultura un denso contenido espiritual. El y Rouault constituyen el exponente más excelso del arte cristiano figurativo de los tiempos modernos. Ataca las rampas de la montaña, haciendo surgir gigantes (capilla de la familia Racic, en Cavtat). También sigue la corriente clasicista, pero dentro de una línea de moderna estilización. Los volúmenes siempre están geométricamente definidos. Hay que situarle al lado de Bourdelle y Maillol. Sufrió la influencia de Rodin en sus primeros años, y más tarde la de Bourdelle. Su obra de conjunto más importante es la decoración para el templo de Kosovo. Exasperan sus Cristos, en forma expresionista, quedando ya como modelos para nuestros tiempos. Del Cristo binzantino ha sacado la inspiración para estas obras desgarradas, la expresión más honda de una tragedia estilizada. Manuel Martínez Huqué El catalán de España Manuel Martínez Huqué (1872-1945), ha trabajado en Francia. Su españolismo está en sus modelos (toreros, bailadores), a los que mueve con gracia. Se pronuncia en la forma sintética a lo Maillol. Mateo Hernández

Escultura contemporánea Trabajó en Francia también Mateo Hernández (1855-1949), especializado en esculturas de animales, siguiendo el derrotero de Gaul. Trabajó sobre el modelo viviente. En su propia casa tenía una nutrida colección de animales, cuyos gestos frescos y vivaces son captados por el ágil cincel del maestro, que trabaja sobre piedras duras. José Clará José Clará (1887-1959), es el catalán que mejor encarna la corriente idealista. Aunque vencedor en concursos internacionales, ha curado su arte de toda banalidad. Inflúyele Rodin, que le permitió dotar a sus esculturas de una gran fuerza expresiva. Destacó su obra “Desconsuelo”. La figura permanece ligada al bloque del que ha nacido. Con gran elegancia, para no incurrir en lo descriptivo, el rostro queda oculto. En la misma tendencia se clasifica el catalán Enrique Casanovas (1882-1948). Fue discípulo de Llimona. Es el más helenizante del grupo, pero inclinado a la vertiente praxitélica. Victorio Macho El palentino Victorio Macho (1887-1966) ha elaborado los más notables monumentos conmemorativos. El de Pérez Galdós nos ofrece al escritor en su ancianidad, en actitud totalmente natural: cubriendo su cuerpo con una manta. Por su clasicismo ha de ser ensalzado el de Ramón y Cajal. En la parte central se halla, recostado a la manera etrusca, el gran hombre de ciencia. En dos relieves de porte helénico, contrapone la Fuente de la Vida, y la de la Muerte. Un mensaje de paz se expande a través de su Cristo del Otero, concebido de la manera más abstracta. Con profundo sentimiento ha de laborar el sepulcro de su hermano Marcelo. Combina para ello granito y mármol. Un sueño de esperanza inunda el rostro bondadoso del hermano muerto. Con la misma economía de medios y austeridad expresiva, concibe el sepulcro de Menéndez Pelayo en la Catedral de Santander. Para el busto de “Unamuno” (Universidad de Salamanca) ha de pulsa la cuerda trágica del gran vasco. Su cincel ha abierto surcos en el alma de Unamuno. Con motivo del centenario de Berruguete, su paisano, labra el grupo conmemorativo que se erige en la ciudad de Palencia, captando el nerviosismo estilístico de aquel. Nemesio Mogrovejo El clasicismo se aprecia también en otros sectores de la Península. Nemesio Mogrovejo (1875-1910) ha de ser saludado en vanguardia. Así lo pregona la Muerte de Orfeo y Risveglio (Museo de Bilbao). Este escultor nacido en Bilbao, es un claro indicio del poderoso resurgir artístico de la ciudad de la Ría. Mateo Inurria Ideal clásico alienta también en la estatua ecuestre del Gran Capitán, del cordobés Mateo Inurria (1869-1924), en que el héroe adopta el aire presuntuoso de un condottiero italiano. El murciano José Planes ha preferido los bellos ritmos femeninos, en los cuales alcanza elevado grado de estilización. Julio Antonio Otros escultores han desarrollado un arte más próximo a la realidad, buscando las esencias raciales del país. Descuella principalmente en esta línea Julio Antonio -su verdadero nombre: Antonio Rodríguez Hernández- (1889-1919). En su visita a Italia, esculturas tan esencialmente itálicas como el retrato de Nicolo de Uzzano, de Donatello, le señalan el rumbo que indefectiblemente había de seguir, que no es otro que el de buscar los tesoros ancestrales de las razas hispánicas, de acuerdo con la vindicación del casticismo español propugnado por la generación del ’98. Y así comienza esa serie impresionante de tipos

Escultura contemporánea populares españoles, sacados de las vernáculas entrañas del país, como una realidad palpitante y gran diosa. Huye del vulgar realismo, de suerte que sus figuras constituyen la tipificación de las esencias de la nación española, depositadas en los inéditos pueblecitos del país. El cabrero de Zamora, son obras bien representativas. También se proyectó en el campo de la escultura conmemorativa (Monumento a Chapí) y funeraria (Panteón de la familia Le Monier). En esta última obra mostró un singular acierto al combinar materiales diversos: mármol y metal. Emiliano Barral El realismo es especialmente invocado en el campo del retrato. En este género florece el segoviano Emiliano Barral (1896-1936), autor de excelentes retratos de Antonio Machado, Pablo Iglesias, etc. El cacereño Enrique Pérez Comendador, es un tradicionalista enlazado con la vieja estatuaria del siglo XVIII, como demuestran sus pasos de Semana Santa. Francisco Asorey La escultura gallega ha tenido un buen cultivador en Francisco Asorey (1889-1961). Ha penetrado en lo recóndito del alma de Galicia, representándola dentro de los tipos más significativos de esta raza (Fillina). Se ha distinguido en la estatuaria conmemorativa, como testimonio el monumento al aviador Loriga, en Latín; el de Los Caídos, en Orense, y El Monumento a San Francisco, en Santiago de Compostela. En esta última obra, firmada en 1930, supo captar la sencillez franciscana.

Escultores Contemporáneos • • • • •

Jorge Oteiza Francisco Zúñiga Salvador Dalí Pablo Ruiz Picasso Fernando Botero

Bibliografía • Martín González, Juan José (1982). «LA ESCULTURA EN EL SIGLO XX», ARTE MODERNO Y CONTEMPORANEO. CIUDAD: Madrid, EDITORIAL Gredos. ISBN 84-249-3149-1.

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Fernando Botero

Fernando Botero Fernando Botero

Fernando Botero Angulo Nombre real Nacimiento Nacionalidad Premios

Fernando Botero 19 de abril de 1932, 77 años Colombia, Medellín colombiano Salón Nacional de Artistas de Colombia entre otros.

Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.

Comienzos De pequeño fue inscrito en una escuela de toreros de la ciudad de Medellín (noroeste de Colombia) a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura; es de notar que en este período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal (Medellín) en 1948. Ese mismo año, Botero se trasladó a Bogotá para la inauguración de la Exposición de artistas Antioqueños en donde presentó dos de sus acuarelas. De regreso a Medellín, realizó ilustraciones para uno de los periódicos locales (El Colombiano), lo que le acarreó la expulsión del plantel en el que estudiaba ya que sus dibujos eran considerados como obscenos.

Bogotá Una vez terminados sus estudios secundarios en 1950, Botero se instala en Bogotá (1951), ciudad en donde tiene contacto directo con los intelectuales colombianos más importantes de la época. Ese mismo año, Botero realiza dos exposiciones consecutivas en la galería Leo Matiz; en una de sus exposiciones, obtiene el premio del IX Salón de Artistas Colombianos ofrecido por la Biblioteca Nacional de Colombia.

Fernando Botero

Europa Con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero decidió ir para Europa. Es así como llegó a Barcelona en 1952. Luego Botero decidió trasladarse a Madrid, ciudad en la que visitó el museo del Prado, donde vio más de cerca la obra de Francisco de Goya y Velázquez

Mano, Paseo de la Castellana (Madrid).

América Tras su regreso de Italia en 1955, este artista decidió hacer una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, de las cuales obtuvo muchas críticas pues en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó casi un fracaso completo. Luego de esta amarga experiencia, Botero decidió casarse con Gloria Zea, con quien en 1956 partió a Ciudad de México. Fue justamente allí que Botero descubrió y jugó con el volumen de los cuerpos. Un año después, expuso por primera vez en Nueva York: el éxito comenzaba a acompañarle. Fernando Botero logró intensificar sus batallas personales, sus combates lienzo a lienzo, del arte contra el tiempo y de la belleza contra la muerte. CaballoMedellín

Botero regresó a Bogotá y en el año de 1958 fue nombrado docente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia; además, ganó el segundo premio del X Salón de Artistas Colombianos con su obra La alcoba nupcial. Ese mismo año expuso en Washington, en donde logró vender todas sus obras el mismo día de la inauguración. Con Gloria Zea, Fernando tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos, nacido el mismo año en que decide separarse de su primera esposa.

Fernando Botero

Nueva York En 1960, Botero regresó a Nueva York para instalarse. Una vez allí, alquiló un pequeño apartamento donde vivía modestamente pues acababa de separarse de su esposa; además, sus obras no tenían mucho éxito pues los gustos neoyorkinos de la época cambiaban rápidamente, y ahora la abstracción mandaba la parada. Fue entonces cuando, en 1961, Botero logró vender La Mona Lisa a los doce años al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Luego de haber encontrado su serenidad económica, Botero se casa de nuevo. En 1963 cambió su residencia al East Side y alquiló un nuevo estudio en Nueva York. Es allí donde surgió su estilo plástico en muchas de sus obras de este período con colores tenues y delicados. Su pasión por Rubens se deja ver en sus obras. A comienzos de 2008, Fernando Botero recibió el Doctorado Honoris Causa de manos de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en la ciudad de Monterrey (México). Igualmente, presentó por vez primera en esta ciudad su colección de pinturas sobre "Abu Ghraib" y su enorme escultura en bronce titulada "Caballo".

Fama En 1966 fue organizada en Alemania su primera exposición en Europa. Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como este artista empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y su patria, Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa. En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, comúnmente llamado Pedrito; paralelamente, su fama mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.

Pájaro, destruido luego de una bomba. Parque San Antonio, Medellín.

La muerte de su hijo dejaría trazos en la obra de Botero que, a partir de ese momento, comenzó a tener cambios profundos, considerados por la crítica como huellas de la pérdida de su hijo. Además, su matrimonio con Cecilia Zambrano no superó la pérdida de Pedrito, y Botero se separó por segunda vez. Un año antes, él se había instalado en París y comenzado a trabajar la escultura. En 1976 Botero hizo una donación de dieciséis de sus obras al Museo de Antioquia, que le consagró una sala permanente para sus obras, la sala Pedrito Botero.

Pájaro (copia), Parque San Antonio, Medellín.

Desde 1979, cuando la primera retrospectiva de Botero fuera presentada en el Hirshhorn Museum [1] de Washington, sus

Fernando Botero

exposiciones a través del mundo no se detuvieron. En 1983 Botero se trasladó a Pietrasanta en Toscana (Italia), un pequeño pueblo famoso por sus fundiciones, lo que para Botero significaba la continuidad de su obra escultórica. Al año siguiente, Botero hizo una nueva donación al Museo de Antioquia. Esta vez se trataba de una serie de esculturas que también encontraron lugar en una nueva sala permanente dedicada a Botero en el museo. A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Boston, Chicago, Basilea,Buenos Aires, San Juan de Puerto Rico, Berlín, Múnich, Fráncfort, Tokio, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Madrid, Moscú, Viena, Ciudad de México, Monterrey , Caracas, entre muchas otras ciudades que no se alcanzaría a mencionar, pues su obra ha pasado por la mayoría de países europeos y americanos. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto.

Desproporción de lo real Desde sus inicios, Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente, con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y, desde finales de los sesentas, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos. Después

viaje

Italia,

Botero

inició

exploración volumétrica sincretizando las búsquedas propias del quatroccento italiano con ciertos elementos Mujer con espejo, Paseo de Recoletos, característicos del arte de las culturas mesoamericanas Madrid. (que conocería en México). Así mismo, es perceptible la influencia de ciertos autores modernos como el mexicano José Luis Cuevas y de grupos de artistas como los naïf (fr: ingenuo), especialmente acogidos en los países caribeños. Esto derivaría, muy posteriormente, en su obra actual, caracterizada por una figuración distorsionada volumétricamente, en donde prima lo compositivo y lo formal por encima de lo conceptual. A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un graduado: él mismo. En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan de representar los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak, y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.[2]

Fernando Botero

Obras Para la historia del arte en Colombia, las obras más reconocidas de Botero son: • "El atelier de Sánchez Cotán", óleo sobre lienzo. Colección Particular, Bogotá. • "Cámera degli sposi I" u "Homenaje a Mantegna I" (versión de 1958), óleo sobre tela. • "Contrapunto", óleo sobre tela. Colección Museo Nacional de Colombia, Bogotá. • "En rojo y azul" o "Mandolina" (1957), óleo sobre tela. Colección de Arte del Banco de la República, Bogotá. • "La apoteosis de Ramón Hoyos", óleo sobre tela. Colección particular de Fernando Botero. • "Los obispos muertos" (1958), óleo sobre tela. Colección

Dama, Medellín.

Museo Nacional de Colombia, Bogotá. • "Mujer con espejo" (1987), bronce fundido. Escultura al aire libre, Paseo del Prado, Madrid. Algunas de sus esculturas recientes son: • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

La serie de Venus. La Dama. La serie Gordos de Botero. La Ballerina Asquadra. El Soldado Romano. La serie de Gatos. El Ucello (Vecchio). Leda e Il Cigno. El Pájaro. La Mano. Torso. La serie Pedrito. El Caminante. Donna Seduta (Mano Capecci). Ballerini Vestiti Medio. La Pareja. La Maternidad. El Caballo Entre otras...

Perro, Medellín.

Pinturas: • Mona Lisa a los 12 años. • La serie de los Músicos. • La serie de critica humanista Abu Ghraib. • • • • •

La Carta. Carro Bomba. El Pueblo. Celestina. Concierto campestre.

Gato, Medellín.

Fernando Botero • • • • • • • • • • • • • • • • •

Mujer fumando. Autorretrato. Naturaleza muerta con helado. Homenaje a de La Tour. Guerrilla de Eliseo Velásquez. Caminando cerca al río. Masacre en Colombia. La Alacena. Masacre de mejor esquina. Jugadores de cartas. Matanza. Paramilitares. La familia. Feliz cumpleaños. La Playa. Los Amantes. Los Viudos

El rapto de Europa, Medellín.

El Romano, Medellín.

Donaciones de Botero • En 1976, primera donación de Botero al Museo de Antioquia, siete óleos, un pastel y dos acuarelas. • A principios de los años 1980, donó al Museo de Antioquia 6 óleos. • En 1984 donó al Museo de Antioquia 16 esculturas y 18 pinturas a la Biblioteca Nacional de Colombia en Bogotá.

Museo de Antioquia y Plaza Botero, en Medellín Colombia.

Museo Botero en Bogotá.

• En 1992 donó a la ciudad de Santiago de Chile la escultura de un caballo, la que fue ubicada frente al Museo de Arte Contemporáneo en el Parque Forestal. • En 1998 Botero donó 123 obras de su autoría y 87 de artistas internacionales al

Fernando Botero

• En 2000 el Museo de Antioquia recibió por parte del maestro una donación de 114 pinturas (óleos, acuarelas y dibujos) del maestro, 23 esculturas que hoy componen la Plaza Botero y 21 obras de artistas internacionales de su colección personal. • En 2004, hizo dos nuevas donaciones: una al Museo de Antioquia, el cual contiene la colección más grande de la obra pictórica y escultórica de Botero; y otra al Museo Nacional de Colombia, consistente en una gran parte de la serie sobre la violencia en Colombia. • Después de las donaciones, los precios por la obras de Botero se han incrementado y tanto su cotización como indicadores de "no–venta" son positivos. El índice de "no-venta" es el que muestra la facilidad con que se vende un cuadro que sale a la venta en una subasta, en el caso de Botero, luego de las donaciones, este indicador ha disminuido notablemente, es decir que la "líquidez" de su obra en términos monetarios es alta. Una pregunta, ¿si se donan más de 231 obras a instituciones que cerfican que estas piezas no volveran a circular en el mercado que sucede con las obras que están disponibles para la venta?…

Obras de Botero en colecciones públicas internacionales • Alemania: Kunsthalle de Núremberg, Museo Wallraf-Richartz de Colonia, Staatsgalerie y Pinacoteca de Múnich. • Argentina: Exhibición Busto, en el lugar público de Parque Thays. Buenos Aires. • Austria: Moderne Kunst de Viena. • Chile: Museo Nacional de Bellas Artes, de Santiago de Chile; • Colombia: Museo de Antioquia y Plaza Botero (colección permanente más grande en el mundo de esculturas del artista), de Medellín; Museo Nacional de Colombia, de Bogotá; el Museo de Arte Moderno, MamBo, de Bogotá, Museo de Arte del Banco de la República, de Bogotá.

Big birdSingapur

• Corea del sur: Museo Ho-am, de Seúl; • Estados Unidos de América: Hirshhorn Museum y su jardín de esculturas, Instituto Smithsonian, de Washington; Arte Lowe, de la Universidad de Miami, de Coral Gables (Florida); Museo de la Universidad de Rochester (Míchigan); Art Metropolitan, de Nueva Escultura de Fernando Botero en York; Arte de Milwaukee (Wisconsin); Arte Moderno, Tokio (Japón). MoMa, de Nueva York; Solomon R. Guggenheim, de Nueva York; Art Hood, de Dartmouth College, de Hanover, New Hampshire. • Israel: Museo de Israel, de Jerusalén; • Italia: Museo de Arte Moderno del Vaticano, de Roma;

Fernando Botero

• Japón: Museo de Arte Contemporáneo de Hiroshima, el Yamanashi Prefectural, el Moderno de Tokushima, el Moderno de Saitama, el de arte Miyagi. • Puerto Rico: Museo de Arte de Ponce. • Rusia: Museo Pushkin, de Moscú; Hermitage, en San Petersburgo y el Museo de San Petersburgo. • Suiza: Museo Olímpico de Lausana. • Venezuela: Museo de Bellas Artes y de Arte Contemporáneo de Caracas.

Bibliografía Busto - Parque Thays - Buenos Aires.

• Botero : Nuevas obras sobre lienzo : entrevista con Fernando Botero por Ana María Escallon, 1ed.. Ana María Escallon, Villegas Editores, Bogotá 1997. ISBN 958-9393-42-X

• Grandes personajes universales y de Colombia. Océano editores, Madrid 2000. ISBN 84-494-1013-4 • Medellín, Colombia: Ciudad de Botero. Alcaldía de Medellín 2000, sin ISBN.

Enlaces externos Commons • • • • • • • •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fernando Botero. Museo Antioquia y Plaza Botero - Botero Square [3] Biografía completa de Fernando Botero [4] vídeo: Documental 52': Fernando Botero, the rebel [5] Fernando Botero: Biografía y análisis crítico [6] Entrevista con el Maestro Fernando Botero [7] Exposición de Fernando Botero en Washington USA [8] Google Noticias de Actualidad Fernando Botero [9]

Referencias [1] http:/ / hirshhorn. si. edu/ [2] Exposición de F. Botero en Washington D.C. USA con imágenes de la prisión de Abu Ghraib (http:/ / www. menendezymenendez. com/ 2007/ 11/ se-mete-botero-la-boca-del-lobo. html) [3] [4] [5] [6] [7] [8] [9]

http:/ / www. museodeantioquia. org/ paginas/ botero. html http:/ / www. artelatino. com/ botero/ Biografia. asp http:/ / www. documen. tv/ asset/ Botero. html http:/ / www. arteseleccion. com/ ventanas/ autor/ autor. php?idioma=es& id=206& autor http:/ / onunez. blogspot. com/ 2008/ 10/ dialogo-con-el-maestro-botero-y-su. html http:/ / www. menendezymenendez. com/ 2007/ 11/ se-mete-botero-la-boca-del-lobo. html http:/ / news. google. es/ news?hl=es& q=fernando%20botero& um=1& ie=UTF-8& sa=N& tab=wn

Figuración libre

Figuración libre Figuración Libre o Figuración libre popular es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales de los años setenta. Es el equivalente francés a la Bad Painting y el Neoexpresionismo en Estados Unidos y Europa, Junge Wilde en Alemania y Transvanguardia en Italia. El término Figuration Libre fue acuñado por Ben Vautier, artista Fluxus. Cultivan una pintura figurativa, espontánea, primitiva, con gran intensidad cromática. Sus fuentes de inspiración son la historieta y el rock, así como otros elementos de la cultura de masas, como la publicidad, los dibujos animados o el cine. Es una de las tendencias neoicónicas o neorrepresentativas que surgieron en Europa y los Estados Unidos en la misma época, volviendo a las figuraciones después de que la Pintura abstracta dominara a mediados del siglo XX. Otras tendencias del mismo tipo son el neoexpresionismo (Alemania), la transvanguardia (Italia) y la Nueva imagen (Estados Unidos). En cierto sentido, todas estas corrientes reaccionaban contra la deshumanización del minimalismo y del arte conceptual. Su primera exposición se celebró en 1981, en el apartamento privado del crítico de arte Bernard Lamarche-Vadel. En ella mostraron sus cuadros los pintores franceses Combas, Di Rosa, Alberola, Blais, Blanchard, Boisrond, Maurige y Viollet. Su ideología era populista y anticultural. Reclamaban la total libertad y espontaneidad de la expresión. El grupo se formó, pues, en 1981 por Robert Combas, Remi Blanchard, François Boisrond y Hervé Di Rosa.[1] Otras figuras son Richard Di Rosa y Louis Jammes. Entre 1982 y 1985, estos artistas expusieron junto con sus compañeros estadounidenses Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf en Nueva York, Londres, Pittsburgh y París.

Pintores • • • • • • • • •

Jean-Michel Alberola Jean-Charles Blais Rémy Blanchard François Boisrond Robert Combas Jean-François Maurige Hervé di Rosa Richard di Rosa Catherine Viollet

Figuración libre

Enlaces externos • • • •

(en inglés-francés) Figuration Libre France/USA [2] Figuración Libre [3] (en inglés-francés) Figuration Libre France/USA conférence (en inglés) Le Néo-expressionnisme [5]

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Referencias [1] [2] [3] [4] [5]

Glosario Tate en línea (http:/ / www. tate. org. uk/ collections/ glossary/ definition. jsp?entryId=188) http:/ / figuration-libre. blogspot. com/ http:/ / www. arteuniversal. com/ estilos+ ismos+ movimientos/ siglo+ XX/ postmodernidad/ figuracion. php http:/ / figuration-libre-paris-ny. blogspot. com/ http:/ / www. tate. org. uk/ collections/ glossary/ definition. jsp?entryId=188

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Francisco Zúñiga Nombre real

Francisco Zúñiga

Nacimiento

27 de diciembre de 1912 Costa Rica

Fallecimiento

1998

Nacionalidad

Costarricense y Mexicano

Área

Pintura y Escultura

Educación

Escuela de Talla Directa La Esmeralda

Obras destacadas

La maternidad

Premios

Salón de Escultura en Costa Rica (1935)

Francisco Zúñiga (27 de diciembre de 1912 - 9 de agosto de 1998) es un artista costarricense y mexicano, conocido tanto por su pintura y su escultura.[2] El periodista Fernando González Gortázar lista a Zúñiga como uno de los 100 mexicanos más notables del siglo 20,[3] mientras que la Encyclopædia Britannica le llama "quizás el mejor escultor" de la política mexicana de estilo moderno.[4]

Francisco Zúñiga

Biografía Zúñiga nació en Costa Rica en 1912, su padre, Manuel María Zúñiga, también fue un escultor.[5] [6] Ganó el primer premio en 1935 del Salón de Escultura en Costa Rica en una competencia de escultura, por su obra en piedra llamada "La maternidad".[7] En 1936 se traslada a México,[8] [9] donde estudia arte formalmente en La Escuela de Talla Directa La Esmeralda, en colaboración con Guillermo Ruiz, el Escultor Oliverio Martínez y el pintor Manuel Rodríguez Lozano.[5] En 1938, fue nombrado profesor de una facultad en esta escuela y fue donde se mantuvo hasta que se jubiló en 1970.[6] [8] [10] En 1958 le fue otorgado el primer premio de escultura en el Instituto Nacional de Bellas Artes.[7] Las obras de Zúñiga se han expuesto ampliamente, tiene muestras en Los Ángeles,[11] San Salvador, San Francisco, Washington DC, Estocolmo y Toronto.[8] Entre los museos que poseen sus obras en sus colecciones permanentes están el San Diego Museum of Art,[6] el Metropolitan Museum of Art[12] y el Museo de Arte Moderno en Nueva York, en México el Museo de Arte Moderno, en Puerto Rico el Phoenix Art Museum, Ponce Museum of Art, y el Hirshhorn Museum de Washington, DC.[5]

Obras Su estilo único es caracterizado por la representación de recios y orgullosos personajes indígenas, sobre todo femeninos, como: • • • • •

Elena sentada (1966), Evelia sentada (1970), Juchiteca sentado y un canasto (1973), Yalalteca (1975), Tres generaciones (1985),

• Orate (1987); en ellas utilizó como materiales el bronce, la madera, la piedra, el mármol o el ónix. También trabajó la litografía.[13]

Libros • Anguiano, Raúl; Moyssén Echeverría, Xavier; Sebastián, Enrique Carbajal (1998), ISBN 968-729212-1 • Brewster, Jerry (1984), Zúñiga, Alpine Fine Arts, ISBN 0881680079 • Echeverria, Carlos Francisco (1981), Zúñiga: An Album of His Sculptures, Hacker Art Books, ISBN 978-9687047034 • Cardona Pena, Alfredo (1997), Francisco Zúñiga: Viaje poetico, Editorial Universidad Estatal a Distancia, ISBN 978-9977648996 • Ferrero, Luis (1985), Zúñiga, Costa Rica: Colección Daniel Yankelewitz, Editorial Costa Rica, ISBN 9977231605 • Paquet, Marcel (1989), Zúñiga: La abstracción sensible, El Taller del Equilibrista, ISBN 9686285245 • Reich, Sheldon (1981), Francisco Zúñiga, Sculptor: Conversations and Interpretations, Univ. of Arizona Press, ISBN 978-0816506651 • Rodriguez Prampolini, Ida (2002), La obra de Francisco Zúñiga, canon de belleza americana, Sinc, S.A. de C.V / Albedrio, ISBN 978-9709027075

Francisco Zúñiga

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Procedimiento tecnológico para la elaboración de objetos metálicos. El objeto se modela inicialmente en cera, este modelo es cubierto completamente en arcilla, dejando un orificio en el extremo superior. En primer lugar se realizara el modelo, el cual queremos conformarlo en metal. Para ello, se realiza la pieza con un material fácil de moldear, moldeándolo con un punzón hasta darle la forma deseada. Este es el trabajo a realizar por el escultor o el joyero. Una vez obtenido el modelo, se realiza un primer molde de caucho llamado molde maestro, comprimiendo la pieza con dos láminas de caucho que se presionan con dos chapas (configuración sándwich) y se calienta para que el caucho adopte la forma de la pieza que está comprimiendo. Una vez se ha enfriado el caucho, se separan las dos láminas de caucho y se extrae la pieza de su interior, de esta forma hemos conseguido obtener un molde de caucho, que en la parte superior tiene un orificio por el cual se verterá la cera fundida a presión. Posteriormente se prepara la cera que será vertida en el interior del molde de caucho. La cera viene en granitos, los cuales se introducen en el interior del horno a una cierta temperatura para fundirlos. Una vez la cera está fundida, se introduce en el interior del molde de caucho a presión para que llegue bien a todos los rincones del molde de caucho. Cabe destacar que el aire del interior del molde sale fácilmente debido a que el molde de caucho está partido en dos y por las ranuras que se forman al juntar las dos partes, puede salir el aire y dejar el hueco del interior del molde para la cera. Una vez se ha introducido la cera en el interior del molde de caucho se espera a que se enfríe la cera apretando el molde con dos chapas. A continuación se pone la pieza de cera en el interior de un tubo y posteriormente se recubre de arena. Este proceso también se puede realizar con un recubrimiento de escayola. Para que se pueda verter el metal fundido hay que dejar un canal de vertido y un canal por el cual salga el aire. Para ello, antes de recubrir el modelo de cera con arena, hay que poner dos tubos que lleguen al modelo para formar los canales y posteriormente se recubre con arena (o con escayola). Todo seguido, se funde la cera del interior del molde al baño de maría y la cera sale por el canal de llenado. De aquí el nombre de “a la cera perdida”. Una vez extraída la cera del interior del molde ya tengo completamente conformado el molde a

Fundición a la cera perdida punto para verter el metal fundido. Hay destacar que si el molde se ha realizado de escayola, antes de verter el metal fundido se debe desecar el molde para quitarle la humedad. A la hora de verter el material, nos podemos encontrar con el problema de que el metal fundido solidifique parcialmente antes de entrar completamente, para que esto no nos ocurra, se debe precalentar el molde y de esta forma el metal no solidifica tan rápidamente. Otro problema que también nos puede surgir a la hora de verter el metal fundido en el interior del molde es que cueste de entrar o que no llegue a todas las partes del molde, para evitar este problema, podemos introducir el metal fundido mediante cintrifugado. Cuando ya se ha introducido el metal fundido en el interior del molde se deja enfriar el metal. Hay que tener en cuenta que cuando el metal fundido se enfría y solidifica, se contrae por lo que hay que verter material sobrante para que cuando el metal contraiga no se queden partes de la pieza huecas. Una vez enfriado el metal se destruye el molde quedando al descubierto la pieza, y esta será liberada del entramado de bebedero y así ya tendremos la pieza resultante acabada.

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Omar Gasca Omar Gasca nació en la Ciudad de México en 1952 Hizo estudios de dibujo, pintura y escenografía con Miguel Angel Vallejo, y de pintura y modelado con Gonzalo Pozo. En 1970 ingresó a los Talleres Libres de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en la Academia de San Carlos. Estudió también Mercadotecnia y Publicidad y Producción de Radio y Televisión, además de Lingüística Descriptiva. Por Trinity College tiene credenciales de Filosofía (Humanities) y Comunicación (Media Communication) y es Doctor Honoris Causa en Ciencias Humanas por el CUIH. En 1973 participó por primera vez en una exposición colectiva y en 1974 presentó su primera individual. A partir de esa fecha ha participado en más de 80 exposiciones, entre colectivas e individuales, en México, Francia, Estados Unidos, Argentina, Inglaterra, Alemania, Holanda, Italia. Cuba, Polonia, Canadá y Brasil, entre otros países. Desde 1974 ha publicado artículos, investigaciones y ensayos en varias revistas y diarios, por ejemplo en los suplementos culturales de El Sol de México, Novedades y Unomásuno, en las páginas culturales de los mismos diarios y La Jornada, y en las revistas Artes de México, Arte y Artistas, Sinapsis, Graffiti, Bunch, Sucesos, Pasaporte 2000, Fandangos, The Oxidized Look, Sobre Arte, Aporte, Proyección, Axedres, La Bragueta, T. V. Todo, Fotozoom, Código 9, De cara a México, Notas del Taller, Compuserve, El Hule, Prensa Cultural, Fin de siglo, Performance, Quadro y Primero Sueño, entre otras. Es autor de los libros publicados Artes Visuales, Estro y lo Otro, Miniedades, Arte como…, El rastro de la experiencia, La región del universo, Efe ocho por uno, Todo pasa, Manual de primeros auxilios para elaborar proyectos, El silencio de F. M., Anatomía, Mujer por partes, Kinetic Conceptual Mirror Art, El Desnudo, Noticias para ustedes, Otra Historia del Arte, Autofotografías de mi más reciente infancia, Cuentos del Rey Eno, Variaciones sobre un tema y La Espiral, y de los inéditos Diez y la palabra, Elementos para la teoría y el análisis formal del arte e Historia de la crítica de arte en México, de 1960 a 1980, escrito por

Omar Gasca encargo para la División de Estudios de Postgrado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Además de los anteriores libros de imprenta, es autor de alrededor de 70 libros de artista. En su ejercicio docente ha impartido diversas materias en instituciones tales como la Universidad Internacional de La Paz, la Universidad Veracruzana, el Centro Universitario de Ciencias Humanas, La ASEC (ahora CUIH) y el Instituto Latinoamericano de la Comunicación Educativa, entre otras. En 1990 creó el programa de la Maestría en Arte Contemporáneo en México y en 1991 colaboró en la creación del programa de la Especialidad en Literatura Latinoamericana Contemporánea, ambas del actual CUIH. Ha dictado conferencias y participado en congresos en México, Estados Unidos, España, Argentina y Cuba, entre otros países. En 1980 recibió el nombramiento de miembro activo de la Association Internationale des Critiques D’Art y a la fecha es miembro de la Association Internationale des Arts Plastiques, de la Asociación de Artistas Plásticos de México y de Integrarte (Instituto de Integración de las Artes), del cual es fundador. Su ámbito profesional abarca el diseño, la escritura, la investigación, la producción artística, la crítica de arte, la docencia y consultorías y asesorías en planeación y formulación y administración de proyectos. En 2003 se publicó El pensamiento que une: transdisciplina en el quehacer de Omar Gasca, de Alma Ortiz. Sus exposiciones recientes (2007) han sido en Montreal, Canadá (Galería Art Le Sabord), en la ciudad de Xalapa (Galería AP y Galería Marie-Louise Ferrari) y en la ciudad de México (Kalikosmia). Recientemente participó en la reunión-exposición “Pensamiento de Frontera”, donde con la presencia del Premio Nobel Harry Kroto, una serie de científicos y artistas debatieron acerca de los vínculos entre arte y ciencia.

Postmodernidad El término posmodernismo o posmodernidad designa generalmente un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición o superación del modernismo. En sociología en cambio, los términos posmoderno y posmodernización se refieren al proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la palabra se explica bajo el término postmaterialismo. Las diferentes corrientes del movimiento posmoderno aparecieron durante la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas, todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la vida social. Uno de los mayores problemas a la hora de tratar este tema resulta justamente en llegar a un concepto o definición precisa de lo que es la posmodernidad. La dificultad en esta tarea resulta de diversos factores, entre los cuales los principales inconvenientes son la actualidad, y por lo tanto la escasez e imprecisión de los datos a analizar. Como también la falta de un marco teórico válido para poder analizar extensivamente todos los hechos que se van dando a lo largo de este complejo proceso que se llama posmodernismo. Pero el principal obstáculo proviene justamente del mismo proceso que se quiere definir, porque es eso precisamente lo que falta en esta era: un sistema, una totalidad, un orden, una unidad, en definitiva coherencia. Se suele dividir a la posmodernidad en tres sectores, dependiendo de su área de influencia. Como un periodo histórico, como una actitud filosófica, o como un movimiento artístico.

Postmodernidad Histórica, ideológica y metodológicamente diversos, comparten sin embargo un parecido de familia centrado en la idea de que la renovación radical de las formas tradicionales en el arte, la cultura, el pensamiento y la vida social impulsada por el proyecto modernista, fracasó en su intento de lograr la emancipación de la humanidad, y de que un proyecto semejante es imposible o inalcanzable en las condiciones actuales. Frente al compromiso riguroso con la innovación, el progreso y la crítica de las vanguardias artísticas, intelectuales y sociales, al que considera una forma refinada de teología autoritaria, el posmodernismo defiende la hibridación, la cultura popular, el descentramiento de la autoridad intelectual y científica y la desconfianza ante los grandes relatos.

Antecedentes del término Si bien la acepción más usual de posmodernidad se popularizó a partir de la publicación de La condición posmoderna de Jean-François Lyotard en 1979, varios autores habían empleado el término con anterioridad. Es muy importante destacar que no debe confundirse los términos "modernidad" y "modernismo" y "posmodernidad" y "posmodernismo" respectivamente. "Modernidad" se refiere a Escuela de la Bauhaus un periodo histórico muy amplio que supone referirse a sus características políticas, sociales, económicas, etc. Así podríamos -por ejemplo- hablar de la civilización o cultura moderna en un sentido muy amplio y ese es el sentido que generalmente se le da en el ámbito de la filosofía política, la teoría sociológica y la teoría crítica. Siguiendo el mismo ejemplo, puede hablarse de la cultura posmoderna. Por otra parte, el par "modernismo" y "posmodernismo" se usan para referirse a una corriente estética que emergió primeramente en la literatura, en las artes plásticas y luego en la arquitectura. Así, en este segundo caso, podemos hablar de la literatura modernista o posmodernista, al igual que en la arquitectura. Por ejemplo, suele decirse que la Ciudad de las Vegas en EE.UU. es un caso paradigmático de arquitectura posmodernista. La confusión entre ambos planos ha generado muchas dificultades de comprensión y debe tenerse siempre en cuenta. Por ejemplo en el sentido estético, el pintor inglés John Watkins Chapman designó como «posmodernismo» una corriente pictórica que intentaba superar las limitaciones expresivas del impresionismo sin recaer en el convencionalismo de la pintura académica; el término no se popularizó, prefiriéndose la designación de «postimpresionismo» sugerida por el crítico Roger Fry. Aunque el posmodernismo en este sentido no guarda más que una relación muy lejana con el posmodernismo tal como se entiende habitualmente —coincidiendo por lo general, de hecho, con los principios teóricos y metodológicos del modernismo artístico— la relación de ambigüedad entre la superación y la conservación que dificulta la definición del mismo ya se hace aparente aquí. En el sentido cultural más amplio -o más bien dicho en el sentido de civilización- el uso que Arnold J. Toynbee haría del término para indicar la crisis del humanismo a partir de la década de 1870 está relacionado con fracturas amplias que exceden con mucho los aspectos estéticos y se relacionan con la organización social en su

Postmodernidad conjunto, como también lo observaría Marx, Freud y Nietzsche. En 1934 el crítico literario Federico de Onís empleó por primera vez el posmodernismo como una reacción frente a la intensidad experimental de la poesía modernista o vanguardista, identificada sobre todo con la producción de la primera época de Rubén Darío; de Onís sugiere que los distintos movimientos de retorno o recuperación —de la sencillez lírica, de la tradición clásica, del prosaísmo sentimental, del naturalismo, de la tradición bucólica, etc.— son provocados por la dificultad de las vanguardias, que las aísla del público. Varios de estos rasgos reaparecerán en análisis posteriores, aunque la obra de de Onís no dejó huella directa en la tradición teórica. El uso del término por Bernard Smith en 1945 para designar la crítica a la abstracción por parte del realismo soviético y por Charles Olson para indicar la poesía de Ezra Pound estaba a caballo entre las dos concepciones anteriores. Si bien subrayaba la ruptura con las tendencias del modernismo, se carecía de un armazón teórico que permitiese distinguir la producción de las vanguardias —en sí compleja y multiforme— de la de sus críticos de una manera decisiva. Sólo a fines de la década de 1950, a partir de los trabajos de los críticos literarios Harry Levin, Irving Howe, Ihab Hassan, Leslie Fiedler y Frank Kermode, el término comenzó a utilizarse de una manera sistemática para designar la ruptura de los escritores de posguerra con los rasgos emancipatorios y vanguardistas del modernismo, concebido éste último como la exploración programática de la innovación, la experimentalidad, la autonomía crítica y la separación de lo cotidiano. La concepción no estaba exenta de dificultades, y algunos autores a los que Levin y Howe —ambos intelectuales «comprometidos» y de izquierdas— criticaron, como Samuel Beckett, fueron simultáneamente percibidos por otros teóricos de la cultura —entre ellos Theodor Adorno, un modernista destacado en derecho propio— como la forma más refinada de modernismo. Sin embargo, lo central de esta noción —el posmodernismo como renuncia a la teleología emancipatoria de las vanguardias— sigue siendo considerado el rasgo más distintivo del postmodernismo. El rasgo fundamental de la ruptura no estuvo en la corrección de la frialdad y las deficiencias arquitectónicas de los edificios modernistas, sino en el rechazo absoluto de la posibilidad de producir una innovación verdaderamente radical. El eje del pensamiento moderno —tanto en las artes como en las ciencias— había estado centrado en la idea de evolución o progreso, entendido como la reconstrucción de todos los ámbitos de la vida a partir de la sustitución de la tradición o convención por el examen radical no sólo del saber transmitido —como por ejemplo la forma sinfónica en música, el retrato de corte en pintura o la doctrina clásica del alma en antropología filosófica— sino también de las formas aceptadas de organizar y producir ese saber —como la tonalidad, la perspectiva o la primacía de la conciencia; la noción de discontinuidad había adquirido dignidad filosófica a través de la interpretación marxista y nietzscheana de la dialéctica de Hegel. En el sentido cultural o de civilización podemos señalar que las tendencias posmodernas se han caracterizado por la dificultad de sus planteamientos, ya que no forman una corriente de pensamiento unificada. Sólo podemos indicar unas características comunes que son en realidad fuente de oposición frente a la cultura moderna o indican ciertas crisis de ésta. Por ejemplo la cultura moderna se caracterizaba pos su pretensión de progreso, es decir se suponía que los diferentes progresos en las diversas áreas de la técnica y la cultura garantizaban un desarrollo lineal marcado siempre por la esperanza de que el futuro sería mejor. Frente a ello, la Posmodernidad plantea la ruptura de esa linealidad temporal marcada por la esperanza y el predominio de un tono emocional nostálgico o melancólico.

Postmodernidad Igualmente, la modernidad planteaba la firmeza del proyecto de la Ilustración de la que se alimentaron -en grado variable- todas las corrientes políticas modernas, desde el liberalismo hasta el marxismo, nuestra definición actual de la democracia y los derechos humanos. La Posmodernidad plantea posiciones que señalan que ese núcleo ilustrado ya no es funcional en un contexto multicultural, que la Ilustración -a pesar de sus aportacionestuvo un carácter etnocéntrico y autoritario-patriarcal basado en la primacía de la cultura europea y que, por ello, o bien no hay nada que rescatar de la Ilustración, o bien, aunque ello fuera posible, ya no sería deseable. Por ello, la filosofía posmoderna ha tenido como uno de sus principales aportes el desarrollo del multiculturalismo y los feminismos de la diferencia. Los principales opositores a los planteamientos de la posmodernidad han sido los miembros de la teoría crítica y los marxistas más contemporáneos, que, si bien reconocen los fallos de la modernidad y su centro ilustrado, reconocen como valiosos e irrenunciables ciertos valores democráticos de igualdad y ciudadanía. Dichos valores -plantean estos autores, como por ejemplo Jürgen Habermas- son la única salvaguarda frente a la fragmentación social y la precarización del estado nacional. Por ello plantean que, más que buscar una posmodernidad, hay que llevar a cabo -como proyecto filosófico y político- una nueva Ilustración de la modernidad. Luego de los atentados del 11 de septiembre y los profundos cambios geopolíticos que éstos conllevaron, además del debilitamiento de la fuerza jurídica vinculante de los derechos humanos, la discusión de la posmodernidad perdió empuje, ya que, como hemos dicho antes, ésta se caracteriza -por lo menos hasta el momento- por sus definiciones por negación. El término Posmodernidad ha dado paso a otros como modernidad tardía, modernidad líquida, sociedad del riesgo, globalización, capitalismo tardío o cognitivo, que se han vuelto categorías más eficientes de análisis que la de Posmodernidad. En cambio, el Posmodernismo sigue siendo una categoría que en los ámbitos estéticos se ha manifestado muy productiva y no necesariamente contradictoria respecto a las recién indicadas.

Como periodo histórico Tras el fin de La Guerra Fría como consecuencia del derrumbamiento del régimen soviético, teniendo como máximo símbolo la caída del muro de Berlín (1989), se hace evidente el fin de la era polar. Esto produce como consecuencia la cristalización de un nuevo paradigma global cuyos máximos exponentes socioeconómicos, y político-económicos son la Globalización, y el Neoliberalismo respectivamente. El mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidad histórico-social, y la realidad socio-psicologica. A continuación daremos sus características.

Postmodernidad

Características histórico-sociales 1. En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se renuncia a las utopías y a la idea de progreso. 2. Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de producción hacia una economía del consumo. 3. Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que duran hasta que surge algo más novedoso y atrayente. 4. La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con la compulsión al consumo. 5. Los medios de masas y el marketing se convierten en centros de poder. 6. Deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de convicción que pueda producir. 7. Desaparece la ideología como forma de elección de los líderes siendo reemplazada por la imagen. 8. Los medios de masas se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad. 9. Aleja al receptor de la información recibida quitándole realidad y relevancia, convirtiéndola en mero entretenimiento. 10. Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierte en un show. 11. Desacralización de la política. 12. Desmitificación de los líderes.

Características socio-psicológicas 1. 2. 3. 4. 5. 6.

Los individuos sólo quieren vivir el presente; futuro y pasado pierden importancia. Hay una búsqueda de lo inmediato. Proceso de pérdida de la personalidad individual. La única revolución que el individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior. Se rinde culto al cuerpo y la liberación personal. Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos.

7. Pérdidas de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se rinde culto a la tecnología. 8. El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que el subjetivismo impregna la mirada de la realidad. 9. Pérdida de fe en el poder público. 10. Despreocupación ante la injusticia. 11. Desaparición de idealismos. 12. Pérdida de la ambición personal de autosuperación. 13. Desaparición de la valoración del esfuerzo. 14. Existen divulgaciones diversas sobre la Iglesia y la creencia de un Dios. 15. Aparecen grandes cambios en torno a las diversas religiones. 16. Desaparece la literatura fantástica. 17. La gente se acerca cada vez más a la inspiración 'vía satelital'. 18. Las personas aprenden a compartir la diversión vía internet

Postmodernidad

Como actitud filosófica La identificación de concepto posmodernidad como una entidad distinta del modernismo, y el esclarecimiento de los vínculos entre ambos, es una situación aún constante en la teoría post contemporánea. La crítica de las nociones colineales de la historiografía ha elevado a sus partidarios a definir como posmodernos autores del siglo XIX —sobre todo Friedrich Wilhelm Nietzsche— y aún de la Antigüedad meso clásica —Protágoras, Gorgias, Isócrates y otros sofistas—. Este artículo examinará particularmente los precursores, pero se concentrará en la producción teórica relacionada de manera más o menos directa con la crisis del estructuralismo en los años 1960. La idea de un financiamiento postmoderno ha sido fuente de arduas discusiones y aún lo continúa siendo. Una de las interferencias de esta discusión se encuentra en que no es capaz de menguarse en términos psíquicos, pues son el resultado de diferentes ecuaciones, pensamientos y tecnicismos en los distintos campos de la cultura occidental. Así en el campo científico, la teoría de la relatividad y posteriormente la física nuclear, revolucionaron la física emocional gregoriana y la forma de interpretar el universo. Del mismo modo lo han hecho en el campo filosófico. En la ciencia han sido muy importantes la Teoría del Caos, o la imposibilidad de predecir hechos suficientemente futuros, y la transcripción del Principio de incertidumbre de Heisenberg, nombre que define una de las mayores características del pensamiento postmoderno así como las consecuencias del teorema de Bell. Lo mismo ha ocurrido en el área de la epistemología y de la filosofía con el devenir del psicoanálisis. Aunque Freud ha sido siempre tratado como un autor clásico en el sentido que si bien critica algunos aspectos de la cultura moderna -especialmente en El malestar en la cultura- algunos de sus seguidores como Lyotard y Vattimo se han deslizado hacia planteamientos posmodernos. El filósofo italiano Gianni Vattimo define el pensamiento postmoderno con claridad: en él lo importante no son los hechos sino sus interpretaciones. Así como el tiempo depende de la posición relativa del observador, la certeza de un hecho no es más que eso, una verdad relativamente interpretada y por lo mismo, incierta. El modelo determinista de la causalidad, de la verdad de un sujeto fuerte al estilo de Hegel, Kant e incluso Marx y el planteamiento del tiempo lineal como el de Leibniz son puestos en tela de juicio. En la literatura el posmodernismo -no confundir con posmodernidad- provocó la fusión del espacio y del tiempo en la narración y la percepción difusa de la realidad, así como los distintos puntos de vista del o de los narradores, junto a la simultaneidad de los géneros, especialmente en la novela, llevó a la ruptura de las técnicas clásicas, abolidas por una absoluta libertad tanto en estilo, forma y fondo. La literatura de imágenes donde la realidad y la ficción comparten el mismo espacio-tiempo se asemeja a la cinematografía, donde los dibujos animados comparten los mismos lugares y la misma vida que los actores de carne y hueso. La postmodernidad, por más polifácetica que parezca, no significa una ética de carencia de valores en el sentido moral, pues precisamente su mayor influencia se manifiesta en el actual relativismo cultural y en la creencia de que nada es totalmente malo ni absolutamente bueno. La moral postmoderna es una moral que cuestiona el cinismo religioso predominante en la cultura occidental y hace énfasis en una ética basada en la intencionalidad de los actos y la comprensión inter y transcultural de corte secular de los mismos.

Postmodernidad Es una nueva forma de ver la estética, un nuevo orden de interpretar valores, una nueva forma de relacionarse, intermediadas muchas veces por los factores postindustriales; todas éstas y muchas otras son características de este modo de pensar. Uno de los síntomas sociales más significativos de la postmodernidad se encuentra en la saga de películas Matrix, donde el realce de la estética y la ausencia de culpa causal, unidos a la percepción de un futuro y una realidad inciertas, se hacen evidentes. Otros ejemplos más relevantes los encontramos en Blade Runner, Irreversible y un ejemplo español de culto Smoking Room. En todos ellos observamos un preeminencia de los fragmentos sobre la totalidad, ruptura de la linealidad temporal, abandono de la estética de lo bello al estilo kantiano, pérdida de la cohesión social y sobre todo la primacía de un tono emocional melancólico y nostálgico. Los pensadores más destacados de las corrientes posmodernas son Gilles Deleuze, Jean Baudrillard, Jean-François Lyotard, Jacques Lacan, Michel Foucault, Gianni Vattimo, Jacques Derrida, Gilles Lipovetsky, Slavoj Zizek, Alain Badiou, Durkheim (padre de la teoría Funcionalista), Bernstein, Bourdieu, entre otros.

Crítica postmoderna La crítica posmoderna, cuyos orígenes se encuentran en el trabajo de los postestructuralistas franceses (Derrida, Foucault y Barthes, principalmente) se basa en cinco principios metodológicos: • • • •

El método genealógico creado por Nietzsche. La concentración en las operaciones metafóricas del lenguaje. La perspectiva antipositivista. El particularismo antitotalizador.

En lo que respecta a las premisas definitorias, esta crítica puede resumirse en cuatro puntos fundamentales: • Textualismo: Todo conocimiento inserto dentro de un discurso no puede escapar a la condición de su propia textualidad. • Constructivismo: Todos los fenómenos sociales son de naturaleza artificial. • Poder/conocimiento: La legitimidad de un cuerpo de saber no depende de su contenido de verdad, sino de las fuerzas institucionales y las matrices disciplinarias que regulan la producción y autorización del saber. • Particularismo: La crítica debe contestar a las peticiones universalizantes o totalizadoras de los discursos hegemónicos mediante conceptos que particularicen las situaciones planteadas.

Postmodernidad

Postmodernidad e historiografía Los historiadores también se han visto influidos por las teorías posmodernas, llegando incluso a plantearse su profesión. La posmodernidad afecta a la historiografía de dos modos: • Niega la posibilidad de construir grandes relatos, es decir, niega el empirismo histórico como base de sus paradigmas. • Niega la posibilidad de reconstruir el pasado ya que los documentos no son pruebas reales de lo sucedido sino discurso y representaciones. Estas teorías han provocado dos grandes cambios: • El interés por estudiar la historia cultural de las minorías y los sujetos subalternos. La introducción de la posmodernidad en la historia Los historiadores han reflexionado sobre la epistemología muy frecuentemente, pero es en este momento cuando el debate es más fuerte. Una de las causas ha sido la deriva intelectual norteamericana hacia el ámbito del lenguaje a finales de los setenta, como una forma de criticar al paradigma de la historia social. También se puede señalar como causa de este debate la introducción de la filosofía, la reorientación de las ciencias sociales al análisis histórico y el surgimiento de perspectivas metodológicas nuevas: las «micro» y las culturales. Se considera el congreso celebrado en Cornell en 1980 como la entrada en escena de esta tendencia. A pesar de esto la posmodernidad sigue avanzando y ha llegado a nuestros días siendo así tan o más importante que lo anterior. Consecuencias para la historiografía El impacto de estas teorías ha provocado dos reacciones: por un lado nos encontramos con los que han rechazado cualquier intento de reconstruir el pasado, pues ello supondría incurrir en una violencia epistemológica. Así pues no les queda más que estudiar la cultura como conjunto de símbolos. Por otro lado otros historiadores han asumido lo positivo y constructivo para modernizar las formas de escribir historia. Éste es el caso de la microhistoria, una tendencia de historia cultural nacida en Italia en los setenta. El objeto de estudio es el conflicto cotidiano en su escala más reducida, en el sujeto. Estudia la cultura como una jaula donde el individuo puede ejercer su libertad de forma limitada. Giovanni Levi y Carlo Ginzburg son dos grandes «microhistoriadores». Otros intentos de compatibilizar historia y posmodernismo lo representan autores como N. Z. Davis, que han explicado pequeños conflictos pero trascendiendo de las explicaciones economicistas y dando paso a los valores morales y éticos de los sujetos sociales.

Posmodernidad y Psicología Según Moreno (2005) la psicología posmoderna se caracteriza por el análisis del yo como una fragmentación en la esencia del sujeto. En un ejemplo clásico es como si un espejo se rompiera y las miles de imágenes resultantes fueran la imagen interna del ser. Existen dos versiones de psicología posmoderna: • La Lacaniana. Según esta escuela la terapia debe ser ejercida siguiendo las indicaciones de Lacan, de vertiente psicoanalítica y lingüística. Según él, la definicion del rol del terapeuta es parcialmente pasivo y solo busca ser el medio de comunicación del paciente con su yo oculto que se manifiesta por medios linguisticos.

Postmodernidad • La de integración de enfoques, según la cual pueden ser aplicados en un paciente, en una misma terapia, diferentes técnicas provenientes de diferentes enfoques teóricos. La psicología posmoderna permite como una de sus características más importantes la integración con otras areas como son: el uso de medicamentos psiquiátricos, terapias de relajación e incluso tecnicas heredadas de la Nueva Era y de otros enfoques que no entran en algunas ocasiones en el campo de lo estrictamente científico. Es decir, de hecho la misma postmodernidad es lo que hace posible que esta enciclopedia exista y que ideas tan contradictorias entre sí como que la terapia lacaniana constituya un práctica postmoderna aparezcan en una definición de la psicología postmoderna.

Como movimiento artístico El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectura— gozaron La Ópera de Sydney de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano. Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de manifestar las características de este arte.

Arquitectura Probablemente el primer desarrollo artístico deliberadamente postmoderno tuvo lugar en la arquitectura. Los arquitectos vanguardistas de la primera mitad del siglo XX —la Bauhaus

Literatura y postmodernidad Aunque no es fácil hablar de autores postmodernos, sí se reconocen características de la postmodernidad en muchos de los autores de la literatura contemporánea, como el estadounidense Paul Auster, el alemán Winfried G. Sebald, la italiana Susanna Tamaro, el francés Michel Houellebecq o también Bernardo Atxaga, Ariel Garaffo, y Juan Manuel Tucky junto a muchos otros.

Definiciones y críticas de postmodernidad según autores Jürgen Habermas: Este autor ha sido el principal crítico de las nuevas corrientes posmodernas. Para este autor, la posmodernidad en realidad se presenta como anti-modernidad. Él define a los posmodernistas como 'jóvenes conservadores' y dice que estos recuperan la experiencia básica de la modernidad estética; reclaman como suyas las confesiones de algo que es subjetivo, liberado de las obligaciones del trabajo y la utilidad y con esta experiencia dan un paso fuera del mundo moderno. Este autor defendía la

Postmodernidad diversidad de las diferentes culturas bajo el primado de los derechos humanos como base normativa de "una vida libre de dominación". Ello supone llevar a cabo una segunda Ilustración de la modernidad, que corrija sus fallos, al tiempo que preserve sus logros ciudadanos y democráticos. Jean-François Lyotard: Este autor criticó la sociedad actual postmoderna por el realismo del dinero, que se acomoda a todas las tendencias y necesidades, siempre y cuando tengan poder de compra. Criticó los metadiscursos: idealistas, iluministas, el cristiano, el marxista y el liberal, incapaces de conducir a la liberación. La cultura postmoderna se caracteriza por la incredulidad con respecto a los metarrelatos, invalidados por sus efectos prácticos y actualmente no se trata de proponer un sistema alternativo al vigente, sino de actuar en espacios muy diversos para producir cambios concretos. El criterio actual de operatividad es tecnológico y no el juicio sobre lo verdadero y lo justo. Defendía la pluralidad cultural y la riqueza de la diversidad. Andreas Huyssen: Para este autor,existe una relación entre modernismo estético y el postestructuralismo (que es una variante de modernismo confiado en su rechazo de la representación y la realidad en su negación del sujeto, la historia, etc.) Este autor defiende que la cultura posmoderna debería ser captada en sus logros y sus pérdidas, en sus promesas y perversiones e intenta defender con sus obras (Dialecta Escondida, Guía de la Posmodernidad...) que si las vanguardias intentaron cambiar el mundo, más lo hizo la tecnología, la industria cultural. El surgimiento de la cultura posmoderna se debió a las nuevas tecnologías que se apoyan en el lenguaje: los medios de comunicación y la cultura de la imagen. Según Lyotard, las tecnologías comunicativas han producido una sociedad de la información. Gianni Vattimo Para Vattimo, hemos entrado en la postmodernidad, una especie de ‘babel informativa’, donde la comunicación y los medios adquieren un carácter central. La postmodernidad marca la superación de la modernidad dirigida por las concepciones unívocas de los modelos cerrados, de las grandes verdades, de fundamentos consistentes, de la historia como huella unitaria del acontecer. La postmodernidad abre el camino, según Vattimo, a la tolerancia, a la diversidad. Es el paso del pensamiento fuerte, metafísico, de las cosmovisiones filosóficas bien perfiladas, de las creencias verdaderas, al pensamiento débil, a una modalidad de nihilismo débil, a un pasar despreocupado y, por consiguiente, alejado de la acritud existencial. Para Vattimo, las ideas de la postmodernidad y del pensamiento débil están estrechamente relacionadas con el desarrollo del escenario multimedia, con la toma de posición mediática en el nuevo esquema de valores y relaciones. Con base en el trabajo de ese autor se han realizado multiples trabajos en la teoría de los medios de comunicación en la postmodernidad. Rosa María Rodríguez Magda Para esta autora, si la postmodernidad postulaba el fin de los Grandes Relatos, ahora habríamos entrado en una nueva etapa que denomina Transmodernidad, caracterizada por la aparición de un nuevo Gran Relato: La globalización. Este paradigma debe recuperar los retos de la Modernidad, asumiendo las críticas postmodernas. Su teorìa se inscirbe en la linea de las aportaciones realizadas por Baudrillard, Bauman y Zizek.

Postmodernidad

Bibliografía • Perry Anderson. Los orígenes de la postmodernidad. Anagrama. Madrid, 2000. ISBN 84-339-0591-0 • Jurgen Habermas. El discurso filósofico de la modernidad, en El pensamiento postmetafísico. Taurus. Madrid, 1990. ISBN 84-306-1300-5 • Gonzalo Pasamar Alzuria. La historia contemporánea, aspectos teóricos e historiográficos. Síntesis. Madrid, 2000 (pp. 133-141). ISBN 84-7738-786-9 • G. Vattimo, J. M. Mardones, I. Urdanabia... [et al.]. En torno a la postmodernidad. Anthropos. Barcelona. 1990. ISBN 84-7658-234-X • J.Baudrillard, J.Habermas, E. Said y otros. La postmodernidad. Kairós, 2000. ISBN 84-7245-154-2 • Psicología Posmoderna : el yo disgregado. Editorial ICQ. 2004 • Jean-François Lyotard. La condición postmoderna: Informe sobre el saber (La Condition postmoderne: Rapport sur le savoir. 1979). ISBN 84-376-0466-4 • David Lyon. Postmodernidad. Alianza. Madrid. 1996. ISBN 84-206-0789-4 • Rosa María Rodríguez Magda. Transmodernidad. Barcelona. Anthropos. 2004. ISBN: 84-7658-696-5

Véase también • • • •

Pensamiento débil Sincretismo Comunidad local Transmodernidad

Retórica

Retórica La retórica es la disciplina transversal a distintos campos de conocimiento (ciencia de la literatura, ciencias políticas, publicidad, periodismo, etc.) que se ocupa de estudiar y de sistematizar procedimientos y técnicas de utilización del lenguaje puestos al servicio de una finalidad persuasiva o estética del mismo, añadida a su finalidad comunicativa. Históricamente, la retórica tiene su origen en la Grecia clásica, donde se entendía, en palabras de los tratadistas clásicos, como el ars bene dicendi, esto es, la técnica de expresarse de manera adecuada para lograr la persuasión del destinatario (etimológicamente, la palabra es un helenismo que proviene del griego ρητορική [τέχνη], "rhetorikè (téchne)"). La retórica se configura como un sistema de reglas y recursos que actúan en distintos niveles en la construcción de un discurso. Tales elementos están estrechamente relacionados entre sí y todos ellos repercuten en los distintos ámbitos discursivos.

Definición En principio, la retórica se ocupó de la lengua hablada, pero su saber trascendió al discurso escrito e influyó poderosamente en la literatura cuando la palabra escrita ganó prestigio en el régimen imperial en Roma, si bien el discurso escrito suele considerarse como una transcripción limitada o imitación estrecha del discurso oral. En la actualidad, la retórica ha vivido un gran resurgimiento y sus enseñanzas se utilizan en publicidad, la academia, la política, así como en la defensa de puntos de vista durante los juicios civiles. Por otro lado, gracias a las nuevas tecnologías audiovisuales podemos hablar de una retórica de la imagen, ya que mediante una imagen o vídeo podemos hablar sobre algo utilizando figuras retóricas (metáfora, metonimia, prosopopeya, personificación, etc.). La retórica ocupó un lugar importante en el sistema educativo antiguo y medieval, y hasta el romanticismo su significación fue crucial dentro de las disciplinas humanísticas. Son tres procesos complementarios los que conformaban el aprendizaje de la retórica: el estudio de los preceptos, la imitación de modelos y la práctica personal.

La composición del discurso La elaboración del discurso verbal y su exposición ante un auditorio son aspectos que exigen la atención a cinco dimensiones que se complementan entre sí: • En tanto que estructura lingüística, el discurso está conformado por la inventio, la dispositio y la elocutio; • En tanto actividad oral, el discurso está configurado por la memoria y la actio. Inventio (o invenio) La finalidad de esta fase es establecer los contenidos del discurso. El término inventio procede del latín invenire que a su vez procede del griego εὒρεσις que significa "hallazgo", pues de lo que se trata es de que el orador seleccione, halle, en un repertorio prefijado de temas aquellos que son los más adecuados a su exposición. Se trata, mentalmente hablando, de invenire ("hallar") en la memoria, llena de topoi o loci ("tópicos" o "lugares" comunes) las ideas propias o heredadas de la sociedad en general, susceptibles de ser utilizadas en el discurso.

Retórica La tipología del tópico retórico incluye los siguientes elementos: persona, cosa, lugar, instrumento, causa, modo, tiempo, comparación y argumentación, a los que habrá que añadirse el tópico literario, en el caso de obras literarias. Dispositio Este término latino es una traducción del concepto de la retórica griega conocido como τἀξις que quiere decir "disposición". La finalidad de esta parte de la preparación discursiva es la organización de los elementos de la inventio en un todo estructurado. Son relevantes a este respecto el número de partes del discurso y su orden de aparición. • En cuanto a las partes, los discursos pueden presentar una estructura bipartita (en la que las dos partes mantienen una tensión recíproca dentro del conjunto) o tripartita (en la que se supone un desarrollo lineal con principio, medio y fin). La estructuración tripartita, la más frecuente, consta de un exordium o parte inicial que tiene por objeto captar la atención (el interés o favor) del oyente (captatio benevolentiae) e indicar a este la estructuración del discurso; una parte media con narratio (exposición del asunto y tesis del orador al respecto) y argumentatio (con las razones que sustentan dicha tesis); y, finalmente, una peroratio o recapitulación de lo dicho con apelaciones al auditorio. La estructura del discurso El exordio busca hacer al auditorio benévolo, atento y dócil. Su función es señalizar que el discurso comienza, atraer la atención del receptor, disipar animosidades, granjear simpatías, fijar el interés del receptor y establecer el tema, tesis u objetivo. La proposición es una enunciación breve y clara del tema que se va a tratar. La división es la enumeración de las partes de que va a tratar el discurso. La narratio, desarrollo o exposición es la parte más extensa del discurso y cuenta los hechos necesarios para demostrar la conclusión que se persigue. Si el tema presenta subdivisiones, es preciso adoptar un orden conveniente (partitio o divisio). En la partitio tenemos que despojar al asunto de los elementos que no nos conviene mencionar y desarrollar y amplificar aquellos que sí nos convienen La argumentación es la parte donde se aducen las pruebas que confirman la propia posición revelada en la tesis de la exposición (confirmatio o probatio) y se refutan las de la tesis que sostiene la parte contraria (refutatio o reprehensio), dos partes que Quintiliano considera independientes, de forma que para él el discurso forense tendría cinco. La confirmación exige el empleo de argumentos lógicos y de las figuras estilísticas del énfasis. También es un lugar apropiado para el postulado o enunciado sin prueba, siempre que no debilite nuestra credibilidad, para lo cual hay que recurrir al postulado no veraz pero plausible (hipótesis), a fin de debilitar al adversario desorientando su credibilidad; lo mejor en ese caso es sugerirlo y no decirlo. Se recurre a una lógica retórica o dialéctica que no tiene gran cosa que ver con la lógica científica, pues su cometido no es hallar la verdad sino convencer. Se funda más en lo verosímil que en lo verdadero, de ahí su vinculación con la demagogia. Para los discursos monográficos enfocados a la persuasión, convienen las estructuras gradativas ascendentes. En el caso del discurso periodístico, la tendencia del lector a abandonar al principio recomienda el uso de la estructura opuesta: colocar lo más importante al principio. La retórica clásica recomienda para los discursos argumentativos monográficos el orden nestoriano, el 2,1,3: esto es, en primer lugar los argumentos medianamente fuertes, en segundo lugar los más flacos y débiles y en último lugar los más

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fuertes. La peroración es la parte destinada a inclinar la voluntad del oyente suscitando sus afectos, recurriendo a móviles éticos o pragmáticos y provocando su compasión (conquestio o conmiseratio) y su indignación (indignatio) para atraer la piedad del público y lograr su participación emotiva, mediante recursos estilísticos patéticos; incluye lugares de casos de fortuna: enfermedad, mala suerte, desgracias… Resume y sintetiza lo que fue desarrollado para facilitar el recuerdo de los puntos fuertes y lanzar la apelación a los afectos; es un buen lugar para lanzar un elemento nuevo, inesperado e interesante, el argumento-puñetazo que refuerce todos los demás creando en el que escucha una impresión final positiva y favorable. Los argumentos Existen tres tipos de argumentos que pueden ser empleados en un discurso: los relativos al ethos, al pathos y al logos. • Argumentos ligados al ethos: son de orden afectivo y moral y atañen al emisor del discurso; son, en suma, las actitudes que debe tomar el orador para inspirar confianza a su auditorio. Así, debe mostrarse: • Sensible y confiable: esto es, capaz de dar consejos razonables y pertinentes. • Sincero: no debe disimular lo que piensa o lo que sabe. • Simpático: debe mostrar que está preparado a ayudar a su auditorio. • Argumentos ligados al pathos: de orden puramente afectivo y ligados fundamentalmente al receptor del discurso.Según Aristóteles, estos argumentos se basan en suscitar ira (ὀργή),calma (πραότης),odio(μίσος),amistad (φιλία) miedo (φόβος),confianza (θάρσος),vergüenza (αἰσχύνη)indigación (τὸ νεμεσάν),agradecimiento (χάρις)compasión (ἐλείνος)envidia (φθόνος) y envidía por a las virtudes de otro (ζήλος)[1] • Argumentos ligados al logos: argumentos ceñidos al tema y mensaje mismo del discurso; se entra aquí en el dominio propiamente de la Dialéctica y se utilizan sobre todo los deductivos y los analógicos. • El orden de las partes puede ser naturalis o artificialis. El ordo naturalis es el que respeta la propia naturaleza del discurso sin alteraciones intencionadas o el que sigue la tradición; el ordo artificialis, por el contrario, altera el orden habitual de las partes (por ejemplo, empezar una historia no por el principio sino en un momento ya avanzado de la misma, esto es, in medias res). Elocutio La elocutio afecta al modo de expresar verbalmente de manera adecuada los materiales de la inventio ordenados por la dispositio. En la actualidad, la elocutio es lo que se denomina estilo. La elocutio se manifiesta a través de dos aspectos: las cualidades y los registros. • Las cualidades elocutivas son tres: puritas, perspicuitas y ornatus. La puritas es la corrección gramatical en la expresión lingüística, que busca, sobre todo, evitar el barbarismo o palabra incorrecta y el solecismo o construcción sintáctiva errónea. La perspicuitas es el grado de comprensibilidad del discurso, que se opone a la obscuritas.

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73 El ornatus tiene por objeto embellecer el discurso con el uso de las distintas figuras literarias. Se trata del principal constituyente del ornatus pues en torno a él giran todos los elementos de la configuración estilística. Consta de dos formantes básicos: la elección de palabras (véase: tropos y figuras) y su combinación (compositio).

• Los registros de la elocución (genera elocutionis) son modalidades estilísticas que dependen de la combinación de las cualidades elocutivas. Se pueden identificar varios pero tradicionalmente se habla de tres modelos básicos: El genus humile o estilo llano tiene por objeto la enseñanza; se caracteriza por la puritas y la perspicuitas, y un ornatus poco desarrollado. El genus medium o estilo medio pretende deleitar; se caracteriza por una mayor presencia del ornatus que en el anterior. El genus sublime o estilo elevado busca conmover y las cualidades elocutivas están presentes en grado máximo. La compositio La compositio analiza la estructura sintáctica y fónica de los enunciados, esto es, sus constituyentes y sus distintas posibilidades de distribución en el discurso. Así, se distinguen la compositio sintáctica (centrada en la oración y sus partes) y la compositio fonética (centrada en la combinación de palabras en la oración por razones fonéticas). • La compositio sintáctica: se distinguen dos tipos de estilo: el estilo suelto o seguido y el estilo periódico o periodo. La primera diferencia entre ambos es de tipo estructural y lógico-semántica: en el periodo existe una estructura periódica que presenta varias partes con autonomía argumentativa para cada una de ellas; en cambio, en el estilo suelto no existe esa estructuración, de forma que las ideas se suceden hasta llegar a la conclusión. La segunda diferencia es de orden rítmico: en el periodo hay que tener en cuenta el numerus (el correlato en latín del metro en poesía, que se basaba en las cantidades vocálicas), mientras que en el estilo suelto esto es irrelevante. Memoria La memorización del discurso elaborado depende de dos tipos de memoria según los tratadistas clásicos: la memoria naturalis (la innata) y la memoria artificiosa, que implica una serie de procedimientos mnemotécnicos para facilitar el recuerdo. Actio También llamada pronuntiatio, se ocupa de la declamación del discurso, prestando atención a la modulación de la voz y de los gestos, que debe estar en consonancia con el contenido del mismo.

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Los géneros oratorios Existen tres géneros de discursos de oratoria: el genus iudiciale (género judicial), el genus deliberativum (género deliberativo o forense) y el genus demonstrativum (género demostrativo o epidíctico).[2] • El genus iudiciale es el que corresponde a las exposiciones realizadas ante un juez con el objetivo de acusar o defender, respecto de un asunto del pasado, una causa planteada en término de justicia frente a injusticia. Sus polos son acusación y defensa • El genus deliberativum es el que corresponde a los discursos pronunciados ante una asamblea; el orador pretende aconsejar o disuadir en términos de utilidad. Frente a la género judicial, que se centra en acontecientos pasados, el tema de los discurso deliberativos es cómo afrontar en el futuro un determinado asunto. • El genus demonstrativum se centra en individuos particulares a los que se trata de alabar o denostar ante un público; se ocupa de hechos pasados y se dirige a un público que no tiene capacidad para influir sobre los hechos, sino tan solo de asentir o disentir sobre la manera de presentarlos que tiene el orador, alabándolos o vituperándolos. Está centrado en lo bello y en su contrario, lo feo. Sus polos son, pues, el encomio y el denuesto o vituperio. Además de estos tres géneros, existen siete especies(εἲδη): la suasoria(προτρεπτικόν), disuasoria (ἀποτρεπτικόν),laudatoria (ἐγκωμιαστικόν), vituperadora (ψητικόν), acusatoria (κατηγορικόν), exculpatoria (ἀπολιγικόν) y la indagatoria (ἐξεταστικόν).[3] Estas especies están prensentes en los tres géneros. En el deliberativo, puesto que se busca convencer al auditoriο de una determinada tesis, las más frecuentes son la suasoria y la disuasoria. En el judicial, en el que hay que defenderse de acusaciones o realizarlas, predominan las especies acusatoria y exculpatoria y en el epidíctico, que sirve para reforzar los valores de una comunidad, la laudatoria y la vituperadora. Aunque predοminen más en determinados discursos, las 7 especies están en los 3 géneros. En un discurso deliberativo se puede utilizar la especie acusatoria y la vituperadora, por ejemplo, el político que propone una ley puede acusar a su rival de algo o hacerle un vituperio con el fin de desacreditarlo. De la misma manera, en el discurso judicial son frecuentes las especies vituperadora y laudatoria. Un caso muy conocido es el discurso de Ciceron Pro Archias Poeta en el que hay un extenso elogio de la poesia. En la Edad media se añadieron a los anteriores las llamadas artes: ars praedicandi (sobre la técnica de elaborar sermones), ars dictandi (o ars dictaminis, sobre el arte de escribir cartas) y las ars poetriae (preceptos gramaticales, métricos y retóricos para escribir poesía).

Historia de la retórica La Atenas Clásica Fuentes para el estudio Podemos conocer la retórica Ateniense a través de los discursos que dejaron grandes oradores como Demóstenes, Lisias o Isócrates. Heródoto y Tucídides en su obras sobre historia, además de sucesos, también escribieron discursos pronunciados por personajes históricos como Alcibíades, Jerjes o Pericles Desde el punto de vista teórico las fuentes más importantes son la Retórica a Alejandro escrita por Anaxímenes de Lámpsaco y la Retórica

Retórica de Aristóteles. La primera obra consiste en una serie de preceptos sobre como hablar elocuentemente. La segunda obra tiene un planteamiento más filosófico. Frente a la Retórica a Alejandro que es de carácter práctico, la Retórica de Aristóteles es de carácter teórico. En la Atenas Clásica no existe una distinción clara entre la Retórica y la Filosofía. Por este motivo, hay que tener muy en cuenta esta última disciplina. La Tragedia y la Comedia, muy ligadas a lo político, son también importantes para conocer la retórica en la Atenas Clásica. Orígenes Los primeros maestros que se dedicaron a esta disciplina fueron de allí, Córax de Siracusa, primero en escribir un tratado sobre el tema, y su discípulo Tisias, que lo divulgó. Las figuras de estos dos primeros maestros de retórica son bastante oscuras. Ningún escrito de ellos ha llegado hasta nuestro días. Se conoce su existencia por menciones de rétores posteriores. Hay una teoría que defiende que Tisias y Corax eran una sola persona y no dos. Según esta teoría, el primer rétor de la antiguadad se llamaría Tisias, el Corax o dicho de otra forma, Tisias el cuervo. (κόραξ,κόρακος significaba en Griego Antiguo cuervo)[4] Esa elocuencia vino a transformarse rápidamente en objeto de enseñanza y se transmitió al Ática por comerciantes que comunicaban Siracusa y Atenas. Fundamentos filosóficos La retórica demostró pronto su utilidad como instrumento político en el régimen democrático, siglo V a. C., divulgada por profesores conocidos como sofistas, entre los cuales los más conocidos fueron Protágoras de Abdera y Gorgias. Para estos maestro de retórica que fueron también filósofos, no existe una única verdad y con el lenguaje sólo se puede expresar cosas verosímiles (τὸ εἰκός). Valoraban mucho el poder que tenía la palabra (λὀγος) que según Gorgias es un gran soberano que con un cuerpo muy pequeño e imperceptible realiza obras de naturaleza divina[5] Este filosofía fue muy criticada por Platón. Tanto para Platón como para su maestro Sócrates, la esencia de la filosofía reposaba en la dialéctica: la razón y la discusión conducen poco a poco al descubrimiento de importantes verdades. Platón pensaba que los sofistas no se interesaban por la verdad, sino solamente por la manera de convencer, así que rechazó la palabra escrita y buscó la interlocución personal, y el método fundamental del discurso pedagógico que adoptó fue el del diálogo entre maestro y alumno. Pero el gran maestro de la retórica griega fue Isócrates Pensaba que la retórica era un plan de formación integral de la persona que servía para crear ciudadanos modélicos; con su sistema de enseñanza, precursor del Humanismo, pretendía la regeneración ética y política de la sociedad ateniense. Aristóteles, por otra parte, sistematizó la mayor parte de estos conocimientos sobre el arte de hablar y argumentar en una obra que consagró al efecto, su Retórica. La gran aportación de la Retórica de Aristóteles es su enfoque filosófico. Los manuales anteriores de cuales el único ejemplar que se nos conserva es la Retórica a Alejandro, consistían en consejos prácticos sobre cómo persuadir. La Retórica de Aristóteles en cambio, realiza reflexiones teórica sobre el lenguaje persuasivo.

Retórica Los géneros retóricos Como Solón estableció que cada persona debía defenderse en persona ante un tribunal, llegaron a crearse los llamados logógrafos, unos artesanos que se dedicaban a confeccionar discursos para quienes no sabían hacerlos a cambio de estipendio: autores como Antifonte, Lisias, que destacó por su naturalidad y aticismo, Iseo, famoso por su habilidad en la argumentación, y el más famoso de todos ellos, Isócrates, fueron logógrafos. Éstos poseían también una preocupación estilística y procuraban que el estilo del discurso se ajustara a la personalidad y condición social de quien debía memorizarlo y pronunciarlo. También existía la figura del sunégoros συνήγορος cuya función era similar a la de un Abogado. Demóstenes actúo como συνήγορος cuando pronunció su famoso discurso Sobre la Corona. En los siglos V y IV a.C, el sistema político ateniense era la democracia radical que consistía en que todo ciudadano ateniense mayor de edad y varón podía exponer en la Asamblea (ἐκλεσία) sus puntos de vista sobre los asuntos de la polis. Para poder hablar en la Asamblea era necesario ser un orador excelente. Por este motivo se desarrolló en Atenas la retórica deliberativa. El tercer género retórico que se desarrolló en Atenas fue el epidíctico que abarca los discursos que tienen lugar en ocasiones especiales, por ejemplo, en un funeral y cuyo principal objetivo es reforzar los valores de una comunidad. El discurso Epidíctico más importante de la Atenas Clásica es el Discurso Fúnebre de Pericles

Roma Ya en Roma, la retórica se perfeccionó sumamente por medio de las investigaciones y esfuerzos que consagraron a su estudio hombres de letras como Cicerón, que dedicó al tema una parte sustancial de su obra e hizo de la retórica el eje de sus preocupaciones, el anónimo autor de la Retorica ad Herennium o Marco Fabio Quintiliano, cuyos doce libros de Instituciones oratorias suponen la culminación de los estudios sobre la materia en el mundo romano.

La Edad Media Durante la Edad Media, de los tres géneros oratorios, el judicial, el deliberativo y el epidíctico, entraron en decadencia el género deliberativo y el epidícito, es decir, la oratoria política y la artística, ya que la militarización del imperio hacía inútil los conocimientos de la oratoria; sin embargo sus conocimientos fueron transvasados a la literatura en general, que se retorizó notablemente perdiendo bastante de su inspiración originaria y su frescura. Así lo vino a concluir el gran estudioso de la literatura medieval Ernst Robert Curtius en su Literatura europea y Edad Media latina, traducido al castellano en 1955.

Época Contemporánea La retórica contemporánea ha prescindido del discurso oral y, por tanto, de entre las cinco fases de elaboración del discurso (invención, disposición, elocución, memoria y acción) de las dos últimas de índole práctica, la memoria y la acción. Se considera actualmente que es útil para actores, abogados, psicólogos, políticos, publicitarios, escritores, vendedores y, en general, quienes quieren persuadir o convencer de algo. Sin embargo, la Retórica ha vivido un gran renacimiento en la segunda mitad del siglo XX como disciplina científica con el surgir de varias corrientes de pensamiento que han redescubierto su valor para distintas disciplinas; comenzó Heinrich Lausberg realizando una gran labor de clasificación de la disciplina con sus Elemente der literarischen Rhetorik,

Retórica traducido como Elementos de retórica literaria en 1975; y su impagable Manual de retórica literaria, publicado en español entre 1966 y 1970 en tres volúmenes; Chaïm Perelman y Lucie Ollbrechts-Tyteca publicaron en 1958 un fundamental Tratado de la argumentación, traducido al castellano en 1994; la disciplina creada a raíz de este libro se denomina desde entonces Retórica de la argumentación o, a veces, Neorretórica; por otra parte, y al lado de esta llamada retórica de la argumentación, ha surgido una nueva neorretórica, la retórica contemporanea de las figuras, ilustrada por Roman Jakobson, el Grupo µ (o Grupo de Lieja), Lakoff y Johnson, etc. que permitió a la lingüística y a la semiótica desarrollarse en una orientación social y cognitivista. La invención, sola o conjuntamente con la disposición, es a menudo llamada argumentación; la elocución se subdivide, como habían determinado ya los teóricos de la Antigüedad, en un gran número de puntos de vista sobre el discurso a hacer (arte de la retórica) o sobre el discurso ya hecho (retórica como ciencia): sobre el vocabulario (registros de la lengua), sobre los ritmos y las sonoridades, sobre la forma y la estructura de las frases (sintaxis, parataxis, hipotaxis, tipo de progresión remática, periodo, estilo comático, etc).

Bibliografía • Aristóteles (1995). Retórica. 1ª edición, 4ª impresión. Madrid: Editorial Gredos. ISBN 978-84-249-1423-3. • Azaustre Galiana, Antonio & Casas Rigall, Juan (1994). Introducción al análisis retórico: tropos, figuras y sintaxis del estilo. Santiago de Compostela: Universidad de Santiago de Compostela-Lalia. • Hernández Guerrero, José Antonio & García Tejera, María del Carmen (1994). Historia breve de la Retórica. Madrid: Síntesis. • López Eire, A. (2002). Poéticas y Retóricas griegas. Madrid: Síntesis. Notas [1] [2] [3] [4] [5]

Aristóteles, Rhetorica1378a30-1388b25 Menandro el Rétor, Dos tratados de retórica epidíptica. Sánchez Pacheco, 1996, Biblioteca Clásica Gredos Anaxímenes de Lámpsaco, Retórica a Alejandro, 1.1 Kennedy,G.A, A New History of Classical Rhetoric,pp.34 Gorgias, Elogio de Helena, 8. λόγος δυνάστης μέγας ἐστίν, ὃς σμικροτάτωι σώματι καὶ ἀφανεστάτωι θειότατα ἔργα ἀποτελεῖ·

Véase también • La retórica en España

Enlaces externos • Retórica en español (http:/ / retorica. librodenotas. com/ ) • Archivo de filología española (http:/ / www. angelfire. com/ de/ hispania/ ) • Uso de Razón. Lógica y retórica muy completa en línea de Ricardo García Damborenea (http:/ / www. usoderazon. com/ ) • La Retórica de Aristóteles (http:/ / www. gipuzkoakultura. net/ ediciones/ antiqua/ eire. pdf) • Portal de Retórica y Poética de la biblioteca Virtual Cervantes (http:/ / www. cervantesvirtual. com/ portal/ retorica/ )

Retórica

• Enlaces a recursos electrónicos sobre Retórica (http:/ / www. waldemoheno. net/ Retorica/ Recursos. htm)

Ron Mueck Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra. Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente. Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo. En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final. Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”. Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Referencias • • • • • •

Artículo de Oscar Jara [1] Galería James Cohan [2] Galería del Washingon Post [3] Galería Masdearte [4] Sensation Gallery [5] Web oficial del CAC de Málaga

[6]

Ron Mueck

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ron Mueck.Commons

• Video en Blip.tv [7] • Video de las esculturas realizado por Alejandro Mapis • Ron Mueck: Surrealismo Hiperrealista [9]

[8]

Referencias [1] http:/ / www. babab. com/ no19/ mueck. php [2] http:/ / www. jamescohan. com/ artists/ ronmueck/ [3] http:/ / www. washingtonpost. com/ wp-dyn/ content/ gallery/ 2005/ 12/ 29/ GA2005122900888_index_frames. htm?startat=1 [4] [5] [6] [7] [8] [9]

http:/ / www. masdearte. com/ galeria. cfm?idGaleria=113 http:/ / vassun. vassar. edu/ ~jamundy/ sensationgallery. html http:/ / www. cacmalaga. org/ 00. htm http:/ / blip. tv/ file/ 94203 http:/ / es. youtube. com/ watch?v=s9uSIu82p4Y http:/ / vincula2. com. ar/ ron-mueck-surrealismo-hiperrealista/

Semiótica La semiótica se define como el estudio de los signos, su estructura y la relación entre el significante y el concepto de significado. Un signo lingüístico (del griego σημεῖον, semeîon «signo») es una realidad perceptible que remite a otra que no esta presente (referente); es la materia prima del pensamiento y por lo tanto de la comunicación.

Introducción "Semiología" es un término usualmente intercambiable con el de "semiótica", éste último preferido por los anglosajones; el primero, por los europeos. De hecho, Charles Sanders Peirce fue, al parecer, el primero en usar el término semiotic, aunque fue otro estadounidense -Charles William Morris- quien realizó el primer proyecto completo para una semiótica. Según otro punto de vista, el de Charles Sanders Peirce, la "semiótica" es la que debería incluir a las demás ciencias que tratan de los signos en determinados campos de uso o del conocimiento. Este pensamiento es coherente con el hecho de que la semiótica se plantea como la ciencia básica del funcionamiento del pensamiento, intentando responder al interrogante de cómo el ser humano conoce el mundo que lo rodea, cómo lo interpreta y cómo crea conocimiento y lo transmite. Por esto, la semiótica ha llegado a ser planteada como la ciencia de las ciencias rivalizando con la epistemología. En lingüística se utiliza más la palabra semántica, porque la semántica es una ciencia que estudia los significados de los signos pero sólo en comunicaciones escritas (y humanas), la semiología estudia la comunicación escrita y oral en general (y la semiótica también todos los signos -incluyendo los que usan los animales en sus expresiones). Algirdas Julius Greimas presenta la teoría semiótica como la relación fundamental entre el sujeto que conoce y el objeto conocido, y tiende a precisar las condiciones de producción de sentido. Además de las exigencias del método que ayuda a formular esas hipótesis en una

Semiótica serie de axiomas como estructuras elementales de la comunicación.

Origen Se puede encontrar los orígenes de la teoría semiologia en la lingüística estructural y los estudios formalistas de textos folclóricos de Propp y estructuralistas de los mitos de Dumézil o de Claude Lévi-Strauss. Del análisis de los cuentos maravillosos rusos (particularmente las vilinas), Propp encontró regularidades en la estructura de los cuentos. Entre esas regularidades se encuentra el análisis de las tres pruebas: calificante, decisiva y glorificante. Existía un héroe que se le pedía un objeto de valor, y para ello, antes debía adquirir la competencia necesaria. Propp la llamó prueba calificante. Después de haber calificado, el héroe era capaz de hacer pruebas heroicas (Prueba decisiva), que conducían a su reconocimiento como héroe y la adquisición del objeto de valor, (prueba glorificante). Otro de los aportes hechos por Propp fue la propuesta de la estructura polémica: junto a la historia del héroe, aparece su antagonista, el traidor, que en la búsqueda del mismo objeto de valor, genera una confrontación. Y la estructura contractual, Propp la representa como un contrato en que un Destinatario se compromete a realizar una serie de pruebas (o perfomance) por petición u orden de un mandador o destinatador. Cuando finaliza las pruebas del destinatario, el destinador reconocerá y sancionará el resultado de las pruebas (la sanción). Otras aportaciones para la teoría semiologioca, son las hechas por Dumézil y Lévi-Strauss, quienes habían planteado ciertas constantes en las estructuras lógicas profundas. Lévi-Strauss en su análisis estructural del mito de Edipo, considera que hay una organización de contenidos que puede ser formulada por categorías binarias de oposiciones, a través de un análisis paradigmático.

Ramas La semiología, tiene muchos campos, como por ejemplo: • la semiología clínica (estudio de los signos naturales a través de los cuales se manifiesta la enfermedad), • zoosemiótica (para la comunicación animal), • cibernética (para la comunicación de las máquinas), • biónica (para la comunicación de las células vivas), etcétera. • biosemiótica • semiótica computacional • semiótica cultural y literaria • semiología musical • semiótica estética • estructuralismo y postestructuralismo • semiótica urbana • semiótica social • semiótica conductista

Semiótica

Glosario de términos de semiótica • • • • •

Cuadrado semiótico Competencia (lingüística) Actante Iconismo Semiosis

Autores destacados de la semiótica • Charles Sanders Peirce - Ferdinand de Saussure- Umberto Eco- Noam Chomsky-Pierre Guiraud - Eliseo Verón - Oscar Steimberg - Oscar Traversa • Roland Barthes - Jean Baudrillard - Julia Kristeva - Claude Lévi-Strauss - Grupo µ • Roman Jakobson- Jacques Lacan - Jacques Derrida-Charles W. Morris • Algirdas Julien Greimas - Louis Hjelmslev- Mark Angenot - Jean-Marie Klinkenberg - Yuri Lotman - Denis Bertrand

Referencia Bibliografía selecta • Barthes, Roland. ([1957] 1987). Mythologies. New York: Hill & Wang. • Barthes, Roland ([1964] 1967). Elements of Semiology. (Translated by Annette Lavers & Colin Smith). London: Jonathan Cape. • Bertrand, Denis. (2000). Précis de sémiotique littéraire. Paris : Nathan, col. « Fac. Linguistique ». (Trad. al italiano, G. Marrone et A. Perri, Basi di semiotica letteraria, Roma, Meltemi, 271 p., 2002. Trad. al portugués, Sao Paulo, 2003) • Chandler, Daniel. (2002). Semiotics: The Basics. London: Routledge. • Derrida, Jacques (1981). Positions. (Translated by Alan Bass). London: Athlone Press. • Duval, Raymond. (2002). "Semiosis y pensamiento humano". Cali:Ed. Universidad del Valle. • Eagleton, Terry. (1983). Literary Theory: An Introduction. Oxford: Basil Blackwell. • Eco, Umberto. (1976). A Theory of Semiotics. London: Macmillan. • Foucault, Michel. (1970). The Order of Things: An Archaeology of the Human Sciences. London: Tavistock. • Greimas, Algirdas. (1987). On Meaning: Selected Writings in Semiotic Theory. (Translated by Paul J Perron & Frank H Collins). London: Frances Pinter. • Hjelmslev, Louis (1961). Prolegomena to a Theory of Language. (Translated by Francis J. Whitfield). Madison: University of Wisconsin Press. • Hodge, Robert & Kress, Gunther. (1988). Social Semiotics. Ithaca: Cornell UP. • Klinkenberg, Jean-Marie (2000). Précis de sémiotique générale. Paris: Le Seuil. • Lacan, Jacques. (1977) Écrits: A Selection. (Translated by Alan Sheridan). New York: Norton. • Lotman, Yuri L. (1990). Universe of the Mind: A Semiotic Theory of Culture. (Translated by Ann Shukman). London: I.B. Tauris. • Morris, Charles (1971). Writings on the general theory of signs. The Hague: Mouton. • Sebeok, Thomas A. (Editor) (1977). A Perfusion of Signs. Bloomington, IN: Indiana University Press • Verón, Eliseo (1988). La semiosis social. Gedisa, Barcelona.

Semiótica • Williamson, Judith. (1978). Decoding Advertisements: Ideology and Meaning in Advertising. London: Boyars.

Enlaces externos • Signo [1] Sitio que ofrece teorías semióticas y de las teorías de la semiótica estrecha (en Francés y Inglés) • Semiótica y Comunicación [2] por Pierce, Saussure, Hjelmslev y Eco • Semiología y Gramatología [3] por Jacques Derrida • Charles Morris, Análisis crítico de su teoría de los signos [4] • Modelos esquemáticos: El significado previo de los signos [5] por Ariel José James • AdVersuS. Revista de Semiótica [6] • Otra selección de enlaces [7]

Véase también • Filosofía del lenguaje

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7]

http:/ / www. signosemio. com/ http:/ / www. telefonica. net/ web/ mir/ ferran/ semiotica. htm http:/ / www. jacquesderrida. com. ar/ textos/ kristeva. htm http:/ / www. archivo-semiotica. com. ar/ Elsigno3. html http:/ / semiosofia. googlepages. com/ http:/ / www. adversus. org/ indice/ articulos. htm http:/ / es. geocities. com/ tomaustin_cl/ semiotica/ semiotica. html

Semiótica cultural

Semiótica cultural La semiótica cultural se centra en el estudio de los sistemas de significación creados por una cultura.Para Umberto Eco, la semiótica se convierte en una teoría general de la cultura y en último análisis un sustituto de la antropología cultural. En su libro La estructura ausente plantea dos postulados para esta rama de la semiótica: 1. Toda cultura se ha de estudiar como un fenómeno de la comunicación. 2. Los sistemas de significados se constituyen en estructuras que obedecen a las mismas leyes de las formas significantes.[1] La semiótica cultural se apoya de la hermenéutica para hacer interpretación de los ritos, mitos y símbolos como idealizaciones que han sido creadas por la cultura. En su Antropologia estructural, Claude Lévi-Strauss plantea cómo los mitos pueden ser explicados e interpretados de la misma manera que se hace en las estructuras del lenguaje, los fonemas, morfemas o semantemas. Por otra parte, Howard Gardner, plantea que el dominio de los símbolos es idealmente adecuado para para salvar la brecha entre antropología y biología en la comunicación. En su libro Estructuras de la mente diferencia las corrientes de simbolización, de las ondas y los canales, como bases del desarrollo de la inteligencia en una cultura.[2] Yuri Lotman es uno de los semiólogos que se ha centrado en la cultura. Acuñó el término semiosfera para hacer referencia a los sistemas de significación creados por la mente humana.[3]

Referencias [1] Umberto Eco. La estructura ausente. Editorial: Lumen. 1994. [2] Howard Gardner. Estructuras de la mente. Santafé de Bogotá: Fondo de Cultura económica,1993 [3] Yuri Lotman. La semiosfera, Madrid: Cátedra, 1996

Superflat

Superflat El Superflat es un movimiento artístico posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, quien está influenciado por el manga y anime. Este movimiento provee una interpretación "exterior" a la cultura popular japonesa de la post-guerra a través de los ojos de la subcultura otaku. Además de Murakami, entre los artistas cuyos trabajos son considerados "superflat" se encuentran Chiho Aoshima, Mahomi Kunikata, Yoshitomo Nara, y Aya Takano. Además, algunos animadores de anime y algunos mangaka son considerados superflat, especialmente Koji Morimoto (y la mayoría de los trabajos de su estudio Studio 4°C), y el trabajo de Hitoshi Tomizawa, autor de Alien 9 y Milk Closet. Murakami define el "Superflat" en términos generales, aunque los temas tocados son muy diversos. A menudo los trabajos hacen una mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual que prevaleció tras la occidentalización de la cultura japonesa tras la post-guerra. Uno de los objetivos de crítica es el estilo loli-con, satirizado en trabajos como los de Henmaru Machino. Estos trabajos son una exploración de la sexualidad otaku mediante imágenes grotescas o distorsionadas. Otros trabajos están más relacionados con el Síndrome de Peter Pan (miedo a madurar). Por ejemplo, los trabajos de Yoshitomo Nara suelen incluir graffiti en obras de ukiyo-e japonés antiguo realizado de una manera infantil. Otros trabajos se enfocan en la estructura y los deseos subyacentes que abarcan la cultura otaku y la cultura de la post-guerra japonesa en general.

Véase también • Manga alternativo • Gekiga • La nouvelle manga

Referencias • (2003) Murakami, Takashi, (Ed.).Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture. New York :Japan Society. ISBN 0913304573 • (2001) Murakami, Takashi, (Ed.). Superflat. Last Gasp. ISBN 4944079206 • (2001) Michael Darling. Plumbing the Depths of Superflatness. Art Journal. Vol. 60 (Tomo 3): págs. 76-89. • (1999) Store A, (ed.). Takashi Murakami: the meaning of the nonsense of the meaning. New York, NY: Center for Curatorial Studies Museum, Bard College, in asociación con Harry N. Abrams, Inc., Publishers. ISBN 0810967022

Takashi Murakami

Takashi Murakami Takashi Murakami

Takashi Murakami, 17 Septiembre de 2006. Nombre real

Takashi Murakami

Nacimiento

1 de febrero de 1963 Tokio

Nacionalidad

Japonés

Takashi Murakami (村上隆? Tokio, 1 de febrero de 1963) es un artista japonés contemporáneo. Se licenció en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio obteniendo el Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). Se introduce en el arte contemporáneo en 1990 bajo la tutela del artista Masato Nakamura. En 1993 crea su álter ego Mr. DOB. Comienza entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional y contemporáneo japonés y el arte pop norteamericano. Empezó a ser denominado como el Andy Warhol japonés.[1] Ha hecho exposiciones en muchas partes del mundo. En mayo 2009 expone en el Museo Guggenheim Bilbao.

Obra Su obra abarca múltiples formas artísticas: el anime, pintura, escultura, el diseño industrial y la moda.

Enlaces externos • Web del artista [2] • ítulo Exposición Murakami el Museo Contemporáneo de Los Ángeles

[3]

Referencias [1] Exposicion en 2009 en el Guggenheim Bilbao (http:/ / www. guggenheim-bilbao. es/ microsites/ murakami) [2] http:/ / www. takashimurakami. com [3] http:/ / www. moca-la. org/ murakami/ |t

Talla de madera

Talla de madera Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera.[1] La madera se talla mediante un proceso de desbaste y pulido, con el propósito de darle una forma determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El producto final puede ir desde una escultura individual hasta moldes trabajados a mano que forman parte de una tracería.

Historia Es una actividad muy antigua y extendida. Algunos de los mejores ejemplos que subsisten de antigua madera tallada provienen de la Edad Media en Italia y Francia, donde los temas típicos de aquella época era la iconografía cristiana. En Inglaterra subsisten ejemplos de los siglos XVI y XVII, época en la que el medio preferido era el roble. Desde

las

épocas

más

remotas

decoración de madera ha sido un arte destacado. La tendencia de la naturaleza humana ha sido siempre ornamentar cada artículo de uso ordinario. La Humanidad, desde sus primeros tiempos, cortan dibujos o diseños en cada artículo de madera que es susceptible de talla. Así puede verse en la obra de diversos pueblos que conservan esta tradición: los indios de Norteamérica tallan sus anzuelos o las boquillas de las pipas, lo mismo que los polinesios tallan sus remos.

Talla en madera de la figura de un rey o dignatario, procedente del Camerún, siglo XIX, en la Colección de Tallas del Museo Etnológico, Berlín-Dahlem

Aplicaciones Sus aplicaciones son variadísimas, aunque su principal función es la decoración y el ornamento. Se usa tanto a nivel arquitectónico como para el embellecimiento de objetos de uso cotidiano.

Tallas en madera en Mombasa Beach en Kenia.

Talla de madera Como toda artesanía, tiene un componente artístico, en el cual el tallista-artesano vuelca su talento creativo para sacar de unas simples tablas una obra de arte, y otro componente, técnico y mecánico, que hay que tener en cuenta para que la materia prima responda a los esfuerzos del tallista y logre el resultado deseado. Para realizar la talla en madera se emplean herramientas especializadas como la gubias, eligiéndose maderas de alta densidad y que no se astillan fácilmente.

Referencias [1] http:/ / buscon. rae. es/ draeI/ SrvltConsulta?TIPO_BUS=3& LEMA=Talla Definición DRAE.

• Este artículo incorpora texto de la Encyclopædia Britannica de 1911 (dominio público).

Enlaces externos • Ver seccion Tallas en madera (http:/ / www. emiliopineda. info) • Grinling Gibbons (http:/ / www. explore-stpauls. net/ oct03/ textMM/ GrinlingGibbonsN. htm), notable tallista para la catedral de San Pablo, Londres • Will Kats (http:/ / blackfootcarvings. com/ ), artista especializado en la talla de madera • « Wood Reliefs (http:/ / www. vam. ac. uk/ collections/ sculpture/ bayes/ carved/ wood_stone/ wood_reliefs/ index. html)». Sculpture. Victoria and Albert Museum. • Ejemplos turco tallado en madera (http:/ / ahsapoymaciligi. blogspot. com) •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Talla de madera.Commons

Transvanguardia La Transvanguardia (en italiano, Transavanguardia, «más allá de la vanguardia») es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva, para una serie de pintores italianos. Nació en los primeros años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia. La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un quinteto de artistas: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis. Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran expresividad cromática. Otra de sus características es el "nomadismo", el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario (fragmentos de obras del pasado). Su principal influencia viene del Manierismo, así como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos ("pastiche"). El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.

Transvanguardia Es una tendencia parecida al neoexpresionismo, la nueva imagen, el graffiti, el bad painting o la pattern & decoration.

Referencias • Achille Bonito Oliva, Dwight Gast (Übers.), Gwen Jones (Übers.): The Italian Transavantgarde. Giancarlo Politi, Mailand, 1992, ISBN 978-88-7816-038-5 (inglés) • Ida Gianelli: Transavanguardia. Katalog, Castello di Rivoli, Museo d'Arte Contemporanea, Skira, Mailand 2002, ISBN 978-88-8491-460-6 (inglés/italiano)

Véase también • • • •

Arte postmoderno Arte contemporáneo Vanguardismo Pintura contemporánea

Fuentes y contribuyentes del artículo

Fuentes y contribuyentes del artículo Abstracción geométrica Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27544039 Contribuyentes: Bedwyr, Diádoco, Farisori, Nolan, 2 ediciones anónimas Arte conceptual Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27324771 Contribuyentes: .Sergio, Amadís, Andrés D., BL, Bedwyr, Boja, David0811, Dhidalgo, Ecemaml, FAR, Humantrash, Jarke, Jjvaca, Juanas, Juanpgarcia, Koffer, Loco085, Manuel de Corselas, Matdrodes, Michi.oryan, Mierdra, Nihilo, Oscar ., OscarHuarte, Perlaes, Phirosiberia, Platonides, PoLuX124, Tano4595, Yrithinnd, 62 ediciones anónimas Arte contemporáneo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27297842 Contribuyentes: .Sergio, Aibdescalzo, Ajeffs, Alejalea, Amadís, Anxova, Atenea3000, Azo, Barassi, Barcex, BetoCG, BlackBeast, CommonsDelinker, DamiFB, Damifb, Dark, David0811, Delphidius, Dermot, Drini2, Díaz, EdBever, Ejmeza, Emijrp, FAR, Filipo, Fonsi80, Gafotas, Gaius iulius caesar, Grey Breton, Humberto, J.M.Domingo, JAQG, JMCC1, Jjafjjaf, Jonik, Jorge sepulveda, JorgeGG, Kafka, Ketamino, Laura Fiorucci, Lycaon83, Macrorosario, Mafores, Mahadeva, Mariellage, Matdrodes, MiguelAngelCaballero, Muro de Aguas, Netito777, Nolan, Ordoabchaos, Phirosiberia, PoLuX124, Pueril, Queninosta, Rafamast, Sakonita, Sanbec, Siabef, Silvestre, Taichi, Tamorlan, Thiago90ap, Vitamine, Ángel Luis Alfaro, 198 ediciones anónimas Arte moderno Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27648825 Contribuyentes: Amanuense, BludgerPan, Chien, CommonsDelinker, Cookie, Dodo, Esoya, Gerwoman, Greek, Guanxito, Jarke, Jsanchezes, Kernel panic, Koffer, LordT, Matdrodes, PoLuX124, Rumpelstiltskin, Sakonita, Sylvia Corelli, Yeza, Ángel Luis Alfaro, 35 ediciones anónimas Arte postmoderno Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=26613427 Contribuyentes: Canaan, DJ Nietzsche, KErosEnE, Matdrodes, Ángel Luis Alfaro, 12 ediciones anónimas Chillida- Leku Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=23421156 Contribuyentes: Almamia, BRONZINO, Cookie, Estoymuybueno, Fernando, Gafotas, Generalpoteito, Joseaperez, Jsanchezes, Machicu, 9 ediciones anónimas Escultura Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27150962 Contribuyentes: AFLastra, Airunp, Alexquendi, Amadís, Amorde2, Angelesvapor, Antonio Páramo, Antur, Aparejador, Ascánder, Axxgreazz, Baiji, Balderai, BetoCG, BlackBeast, Bucho, C'est moi, Carmin, Chabacano, Cobalttempest, CommonsDelinker, David0811, Delphidius, DerHexer, Dionisio, Dodo, Dorieo, Dr.croxwell, Drini, Ecemaml, Edmenb, Elvire, Escult, Ethunder, Flacomalvado, Granado granado, Granadowiki, Greek, Gusgus, Heliocrono, Humberto, Ishu 2, JMCC1, JMPerez, Jampardo, Jarisleif, Juan Fabio, Jurgens, Kevyn, KnightRider, Kved, Leonardogonzalogallardo, Libertad y Saber, Limbo@MX, Litiuum, Locutus Borg, Lourdes Cardenal, Lucien leGrey, Luis gueilburt, Maguayo2, Mahadeva, Maldoror, Manwë, Matdrodes, Mauriciodel, Maveric149, Moriel, Moustique, Máximo de Montemar, NUEVA SEGOVIA, Neo590, Netito777, Nicop, Nixón, Octaviorojas, Pabloallo, Pan con queso, Pedro Nonualco, Petronas, Pgehr1, PhJ, Phirosiberia, Pigot, Pinar, Pintura, PoLuX124, Poco a poco, Rafa sanz, Rastrojo, Retama, Rsg, Saloca, Sauron, SimónK, Snakeeater, Snakeyes, Taichi, Tesla07, Tirithel, Tomatejc, Txo, Unaiaia, Veon, Willtron, Youssefsan, ZrzlKing, conversion script, sar2223.cajamar.es, Ángel Luis Alfaro, 365 ediciones anónimas Escultura contemporánea Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=26966204 Contribuyentes: A ver, Nolan, P.o.l.o. Fernando Botero Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27563173 Contribuyentes: .Sergio, A ver, Adrianiks, Albeiror24, Alex edgar, Alfonso", Aliman5040, Alvaro qc, Anapemar, CIC-UCAB, Carlosprada, Chabacano, Chien, Chlewey, Cookie, Dianai, Diegusjaimes, Dodo, Ecemaml, El señor de las letras, Emijrp, Ensada, Estoymuybueno, Glanmorepeakes, Gnoseologia, Gracia jmcs, HBQ, Hector he, JMPerez, Jaques Sabon, Javier L Ramirez, Josegacel29, Jsanchezes, Jsv, Julianortega, Lachowiki, Macalla, Macarrones, Mafores, Manuel González Olaechea y Franco, Manuelt15, Marinna, Matdrodes, Millars, Moriel, Mortadelo2005, Mr. Moonlight, Netito777, Nolan, Numbo3, Octavio, Palavi, Paz.ar, Pcortes, Pintoandres90, PoLuX124, Porao, Prometheus, Propios1652, Rmleon, RoyFocker, Rubashkn, SITOMON, SajoR, Scabredon, Tano4595, Tatvs, Tequendamia, Tirithel, Tomasnomas, Une-artiste, Valentin estevanez navarro, Varano, XalD, Xatufan, Xavigivax, Yodigo, Zaqarbal, 238 ediciones anónimas Figuración libre Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=22921254 Contribuyentes: Joane, Rosarino, SITOMON, Taty2007, 7 ediciones anónimas Francisco Zúñiga Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=26740685 Contribuyentes: Digary, Eric, Irus, Rage against, 1 ediciones anónimas Fundición a la cera perdida Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=24298524 Contribuyentes: Mrexcel, Rosarinagazo, Ubiquitous, 2 ediciones anónimas Omar Gasca Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27746538 Contribuyentes: Monomono1881 Postmodernidad Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27373816 Contribuyentes: .Sergio, Aen, Aibdescalzo, Airunp, Alexan, Alexquendi, Alhen, Amadís, Amelita, Baciyelmo, BlackBeast, BludgerPan, C'est moi, Ca in, Canaan, Chabacano, Chien, CommonsDelinker, Cookie, Crates, DJ Nietzsche, Damajipe, David0811, Davius, Delphidius, Desde el planeta de los simios, Dhidalgo, Diegusjaimes, Dorieo, Echani, Edxim, Eli22, Ernesto Graf, Farisori, Fenice, Franco1965, Frmerced, Gacelo, Halcón, Hidra1, Hispa, Humberto, Irus, Jaimate, Javadane, Javier Carro, Jigalle, JorgeGG, Joseaperez, Juanpgarcia, Ketamino, Klip, KnightRider, Korazon, Lagarto, Lancaster, Leandroidecba, Lew XXI, Libertad y Saber, Lnegro, Loco085, Los justicias, Manwë, Mari-jose, Mariajiruiz, Marramiaow, Matdrodes, Mikechesar, Moriel, Mortadelo2005, Netito777, Nihilo, Niqueco, Opiloc, Oscar ., Pabloab, Pera6, Petronas, Phirosiberia, Pinkzeppelin, Platonides, PoLuX124, Pruxo, Quetzal-pakal, Racso, Rankawito, Retval, Roberpl, Robin Hood, RoyFocker, Rsg, Sammash, Sanbec, Santiperez, Smilodon, Sorrento-1, TOLERANCIA, Taichi, Tano4595, Taragui, Tirithel, Tkta, Todomeo, Tomatejc, Tostadora, Unificacion, Unnio, Valentinacontino, Varano, Vatelys, VicVader, Wastingmytime, Watson-h, Xqno, Yesydrodriguez, Yeza, Yonderboy, Ál, 254 ediciones anónimas Retórica Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27610295 Contribuyentes: Adrián-1994, Alexquendi, Alhen, Andrea0912, Aromera, Baciyelmo, C'est moi, Camima, Cdani, Dferg, Dorieo, Duca3, Elepacheco, Er Komandante, Erfil, Ferbr1, Fermar, Filipo, Gaius iulius caesar, Gerkijel, Greek, Halcón, Hegibeltz, JavierCS, KnightRider, Lampsako, Matdrodes, Moriel, Nogudnik, Osostoa, Pabloallo, PoLuX124, Quintiliano, Rimac, Robin Hood, Serg!o, Sigmanexus6, Soldato, Template namespace initialisation script, Tomatejc, Una, Valentin estevanez navarro, Vedranell, Vitamine, Xabier, Xavier candiani, conversion script, 110 ediciones anónimas Ron Mueck Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27047650 Contribuyentes: CommonsDelinker, Ellaguno, FAR, Guimis, Jedestrai, Jjvaca, Majorly, Mauriciodel, OscarHuarte, Peraza, Retama, Ricardo Panadero, Santiago matamoro, StripTM, Xandi, Yamanbaia, Zupez zeta, 18 ediciones anónimas Semiótica Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27654906 Contribuyentes: .José, Abc1, Alchimist, Alhen, Andre Engels, Arcibel, Ascánder, Baciyelmo, Bucephala, CarlosArturoAcosta, Chaman15, Coppeliay, Cristhian U., Davius, Dodo, Drini, Dropzink, Egaida, Elwikipedista, Equi, Espilas, Eufrosine, Gaijin, Gusgus, Gustavostella, HUB, Humberto, JMCC1, Joarsolo, Joseaperez, Lampsako, LeCire, Marceloprezioso, Martinwiki, Matdrodes, Moriel, Muro de Aguas, OboeCrack, P.o.l.o., Pan con queso, Pedro Nonualco, Poco a poco, Primitivojumento, Quimicefa, Retama, Rolf obermaier, Sabbut, Serg!o, Silvia vf, Tano4595, Trujaman, Unnio, Urko1982, Usaten, Ves, Vhmacondo, Vicente Monfort, WikiFlo, Yodanile, Youssefsan, 132 ediciones anónimas Semiótica cultural Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27575614 Contribuyentes: Der Kreole, Joarsolo, 2 ediciones anónimas Superflat Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=26587032 Contribuyentes: CommonsDelinker, KErosEnE, White Cat, 2 ediciones anónimas Takashi Murakami Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27727943 Contribuyentes: Chabacano, Fernando H, Laxica, Sergiportero, 3 ediciones anónimas

Fuentes y contribuyentes del artículo Talla de madera Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27158379 Contribuyentes: 333, Eññe, Joane, Matdrodes, Rosarinagazo, Xarmaz, 10 ediciones anónimas Transvanguardia Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=27311168 Contribuyentes: Canaan, Goregore, Joane, Leszek Jańczuk, Nicop, Nolan, 2 ediciones anónimas

Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes

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