SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO

Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com

Director General | Eduardo J. López Morton · emorton@mortonsubastas.com

Director de Operaciones | Manuel González · mgonzalez@mortonsubastas.com

Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN

Antigüedades | Antonio López Morton · almorton@mortonsubastas.com

Arte Moderno y Contemporáneo | Sofía Duarte · sduarte@mortonsubastas.com

Obra Gráfica | Diana Álvarez · dalvarez@mortonsubastas.com

Joyería y Relojes | Alejandra Rojas · arojas@mortonsubastas.com

Libros Antiguos y Contemporáneos | Rodrigo Agüero · raguero@mortonsubastas.com

Vinos de Colección y Uso Diario | Jessica Cázares · jcazares@mortonsubastas.com

Oportunidades | Rafael Perusquía · rperusquia@mortonsubastas.com

Herencias y Colecciones | Javier López Morton · jlmorton@mortonsubastas.com Monterrey | Daniella Palafox · dpalafox@mortonsubastas.com

Guadalajara | Stephanie Torres · atorres@mortonsubastas.com

París | Carlos Millán · cmillan@mortonsubastas.com

INFORMES

encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

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Especialista Ana Paula López

Especialista María Fernanda Serrano

subasta de arte latinoamericano

Salón Candiles del Club Naval Norte Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

JUEVES 17 DE NOVIEMBRE DE 2022, 5:00 P.M.

EXPOSICIÓN

Sábado 12 y domingo 13 de noviembre, de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. Lunes 14, martes 15 y miércoles 16 de noviembre, de 9:30 a.m. a 6:00 p.m. Nos complace invitarle al cocktail, el martes 15 de noviembre a partir de las 5:00 p.m.

ASESORÍA

PORTADILLA Lote 45

Ma.

(55)

PORTADA Lote 89

CONTRAPORTADA Lote 59

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco

Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted

Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

a

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo. Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Ma. Fernanda Serrano | mserrano@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6894

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío

El camino del arte en América Latina comenzó su recorrido a principios del siglo XVI con el impacto del periodo colonial y las influencias de estilos europeos; posteriormente, en el siglo XIX la curiosidad por una búsqueda de una identidad propia invadió la conciencia colectiva. Más tarde, los cambios políticos y sociales causados por las guerras crearon la construcción de un término lingüístico para simplificar la nueva y libre producción visual del centro y norte del continente americano: Arte Latinoamericano.

Durante las últimas décadas la producción artística de esta región ha sido un reflejo de la identidad cultural. Muchos creadores se han posicionado entre los mejores a nivel internacional y la cobertura de su arte se atribuye, en parte, a los resultados de ventas gracias a su presencia en exposiciones, bienales, ferias y subastas, pues a pesar de sufrir una emergencia sanitaria, la obra latinoamericana no ha tenido intención de limitarse. Por el contrario, ha seguido evolucionando con un impacto positivo entre los coleccionistas.

Ahora, es turno de que Morton Subastas contribuya al fortalecimiento de este mercado, a través de la segunda edición de la Subasta de Arte Latinoamericano de 2022, en la cual se ofrecerán 180 lotes con el objetivo de diversificar las opciones de arte moderno y contemporáneo de la mano de importantes artistas que han dominado el medio artístico latino.

Destaca de forma especial “Arcano III”, una pieza de los años 90 del pintor y escritor mexicano Gunther Gerzso, realizada con una extraordinaria limpieza geométrica que recuerda a los templos prehispánicos en un sentido místico y mágico. De igual forma sobresale una magnífica representación teatral de Virginia Fábregas, pintada por el padre del modernismo mexicano: Saturnino Herrán.

En este catálogo también encontrará una sección con seis pinturas del muralista Francisco Eppens, un autorretrato del escritor, filósofo y vulcanólogo Gerardo Murillo “Dr. Atl”, un óleo de Francisco Corzas ejecutadó en Roma en 1973, así como paisajes de David Alfaro Siqueiros, Joaquín Clausell y José María Velasco.

Otros extraordinarios artistas que componen esta subasta son los venezolanos Jesús Rafael Soto y Darío Pérez Flores, el chileno Edwin Rojas y del Perú Alfredo Alcalde García y Fernando de Szyszlo. De México destacan los trabajos de Jorge González Camarena, Mathias Goeritz, Rodolfo Nieto, Ricardo Martínez, Ángel Zárraga, Rodolfo Morales, Luis Nishizawa, Julio Galán, Rafael Coronel, Manuel Felguérez y Juan Soriano, entre otros.

Las especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo con mucho gusto le brindarán asesoría y acompañamiento durante el proceso de compra. Del mismo modo, lo invitamos a no perder la oportunidad de visitar la exposición previa de esta maravillosa subasta.

Morton Subastas

1

KAZUYA SAKAI (Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U.)

Matsushima 12, de la serie Genroku II

Firmada, con gago in y fechada 88 al frente. Firmada al reverso Mixta sobre papel 55 x 75 cm

Fue educado en Japón donde aprendió técnicas caligráficas tradicionales que marcaron la etapa informalista que desarrolló en su obra en los años 50. Estudió literatura y filosofía en la Waseda University de Tokio. Regresó a Argentina en 1951 y un año después realizó su primera exposición individual en la galería La Cueva. Vivió en Nueva York entre 1962 y 1965 conoció a John Cage e Isamu Noguchi para luego instalarse en México, donde colaboró en la creación del Salón Independiente y fue secretario de redacción y diseñador de la revista “Plural”, la cual era dirigida por Octavio Paz.

A principios de los años ochenta comenzó a pintar la serie “Genroku”, que se exhibió en 1987 en el Museo de Arte Moderno y en 1989 en la Galería Juan Martín.

Esta serie consistió en un grupo de obras pintadas en acrílico, acuarela y gouache sobre papel, inspiradas en el siglo XVII japonés. En ese entonces, una clase social opulenta y refinada inventó un estilo de vida y de arte descriptivo de una sociedad volátil y mundana. Sakai encontró inspiración en este periodo, así como en “Mitsushima” (Isla de pinos), pintada en 1620 por Tawaraya Sotatsu. Su fascinación se inició en la interpretación conceptual del movimiento del agua y la espuma, elementos que están presentes como señales en la materia colorida de su pintura. Encontró en otra pintura de Sotatsu la simplificación de las formas, adelantándose a su época y correspondiendo en cierto modo a un estilo del siglo XX.

Estudioso de la literatura japonesa, el haiku y la filosofía zen, Kazuya Sakai reconoció las afinidades entre la tradición en la que se formó y la modernidad que le interesaba.

Fuentes consultadas: MEDINA, Cuauhtémoc et al. La era de la discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968 - 1997. México. Universidad Nacional Autónoma de México - Editorial Turner-México. 2006, pág. 138 y EDER, Rita. Kazuya Sakai. Línea de fuga. Argentina. Centro Cultural Recoleta. 2004, pp. 34 y 35.

2

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995)

Ciudad de México, 31 de Diciembre

Firmado y fechado 87 Óleo sobre tela 150 x 120.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano. Procedencia: Galería de Arte Mexicano.

Exhibido en: “México, una visión de su paisaje”, muestra presentada en el Museo de Historia Mexicana en Monterrey, Nuevo León en 1995, en “México eterno: arte y permanencia”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, del 1° de diciembre de 1999 al 1° de diciembre de 2000, y en “Cordelia Urueta. Carácter y color”, muestra presentada en el Museo Mural Diego Rivera en la Ciudad de México, del 20 de octubre de 2017 al 21 de enero de 2018.

Con etiquetas de Galería de Arte Mexicano, Galería GAM S.A. de C.V., dos del Museo del Palacio de Bellas Artes, del Museo Mural Diego Rivera, del Museo de Historia Mexicana y del Centro Nacional Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble (CENCROPAM).

Nació en el seno de una singular familia de intelectuales, artistas, diplomáticos y cineastas. Fue alentada por Gerardo Murillo “Dr. Atl” a exponer por primera vez en el Salón de la Plástica Mexicana. Viajó a Nueva York debido a un problema de vista, ahí fue presentada con Alma Reed, fundadora de la galería Delphic Studios. Después de hacer un trabajo figurativo normado por la Escuela Nacional de Pintura, se volvió abstracta al interesarse en la obra de Georges Braque y de Pablo Picasso.

Su obra es una constante búsqueda reflexiva sobre su propia identidad y condición, frente al mundo que la circunda. A lo largo de su trayectoria escapó de los convencionalismos sociales y también de las polarizaciones típicas de su generación, que dividían a los artistas entre los comprometidos con causas sociales y los comprometidos con el arte. Si bien su trayectoria se distingue por los logros formales y estéticos de su pintura, es notoria dentro de sus temáticas la presencia de elementos críticos que revelan a una mujer inteligente que supo estar en el mundo alternando dos facultades en apariencia extremas, que suelen acompañar al proceso creativo: la atención acuciosa y la distancia.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202, sitio oficial del Museo Mural Diego Rivera www.museomuraldiegorivera.inba.gob.mx y sitio oficial de La Esmeralda www.esmeralda.edu.mx

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

3

CARLOS GARCÍA-NORIEGA BUENO

(Ciudad de México, 1983 - )

Resiliencia dos, 2019

Sin firma Escultura en acero con pintura electrostática 90 x 183 x 45 cm

Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, julio de 2022.

Procedencia: adquirida directamente al artista Presenta mínimos detalles de conservación.

Su formación académica se dio en la RMIT University en Melbourne Australia, donde estudió la Licenciatura y Maestría en Arquitectura. Su trabajo escultórico está basado en la exploración de las formas y proporciones, desapegándose de la funcionalidad de la arquitectura y logrando articular sus vivencias e ideas.

Actualmente su obra forma parte de colecciones privadas importantes, ha sido presentada en ferias de arte como Zona Maco, Affordable Art Fair, Salón Acme y en galerías destacadas como la Galería de Arte Mexicano y Ñu, así como una pieza monumental instalada en el espacio público Cantabria en Ciudad Juárez, Chihuahua.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cgnb.mx $260,000.00-$400,000.00 M.N.

4

TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN (Ciudad de México, 1926 - Ciudad de México, 2016)

Manto Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 1 / 24 29 x 30 x 30 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). Elaborada por TANE como parte del proyecto Arte / Objeto. Publicado en: sitio oficial de TANE www.tane.mx

Presenta mínimos detalles de conservación.

Teodoro González de León pasó parte de su infancia en el barrio de San Ángel en la Ciudad de México, donde su familia vio construir a Diego Rivera y Frida Kahlo su casa. Fue por esa misma época que empezó a interesarse por las artes plásticas, actividad que lo acompañaría el resto de su vida.

Con una habilidad innata para la creación artística, se graduó en Arquitectura por la Universidad Nacional Autónoma de México. Paralela a su labor arquitectónica, dedicó parte de su tiempo a la pintura y escultura por lo que su capacidad de abstracción y la búsqueda de un estilo entre el pasado y lo contemporáneo se convirtieran en rasgos determinantes en su trabajo como arquitecto.

Se unió al taller de Le Corbusier a los 21 años, luego de recibir una beca por parte del gobierno de Francia, siendo el único mexicano que trabajó con el arquitecto suizo. A su regreso a México trabajó de manera ininterrumpida en el campo del urbanismo y después en el de los grandes edificios públicos y privados. Su estilo arquitectónico fue fuertemente influenciado por esta experiencia. Partió del funcionalismo y adoptó elementos del pasado prehispánico, usando el hormigón cincelado como su material característico, por el cual también es considerado dentro de la corriente brutalista.

Entre sus obras más importantes se encuentran el Colegio de México, la fachada del Auditorio Nacional, el Museo Rufino Tamayo y el Edificio de Infonavit, los cuales realizó en conjunto con Abraham Zabludovsky así como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y la Sala Mexicana del Museo Británico en Londres, entre muchos otros.

Fuentes consultadas: VASCONCELOS, Nora. “Teodoro González de León también fue pintor”. México. Obras por Expansión, sección Arquitectura, 20 de septiembre de 2016, sitio oficial de Arquitectural Digest Magazine www.admagazine.com y sitio oficial del Colegio Nacional www.colnal.mx $160,000.00-$250,000.00 M.N.

5

PEDRO CORONEL (Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado y fechado París 65 al reverso Óleo sobre tela 35 x 27 cm

Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022. Presenta craqueladuras.

Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. Residió en París y Roma por casi dos años. A su regreso a México presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en donde parte de esta serie estuvo expuesta y en la cual los críticos pudieron admirar ese cambio personal donde la obra muestra un olvido por las texturas, el uso de planos lisos, una vivencia fuerte del color que fluye sin ataduras ni intenciones anecdóticas, una pintura mucho más espacial, sin perspectivas ni engaños superficiales. Tras haberse desarrollado como un gran colorista en años anteriores, realizó obras que sin marcar periodos se dividieron en dos maneras de expresión; la de los planos lisos yuxtapuestos que construyen imágenes ideales y la de los planos de texturas ásperas que añadían sensualidad a las formas. Esto, en combinación con los temas humanistas en su producción como la frecuente insinuación a la muerte, así como el mundo de los astros, decantó en las obras que realizó a finales de los sesenta en Italia, compuestas por planos multicolores ya sin preocupación por las texturas, lisos y formas claras y recortadas. A medida que transcurrieron sus etapas creativas, se afirmó como pintor de una realidad cósmica, encontrando en ella lo simbólico de la naturaleza. Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Pedro Coronel. El espíritu del color. México. Gobierno del estado de Veracruz, Instituto Veracruzano de Cultura, 2012, pág. 3 y en CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185.

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado y fechado 57 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 45 x 60 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, julio de 2022.

Rodolfo Nieto siempre fue artista con alma rebelde, así que aunque no quiso realizar una formación academicista, siguió con gran fervor el trabajo de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori, así como de su mentor Juan Soriano. Su paso por Europa influyó fuertemente en su obra, en especial en su paleta de colores y formas abstractas. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras.

“Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío”. Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva.” México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010.

ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - )

Yunque II, de la serie Tema y variación de Yunque I, 2016

Sin firma

Talla directa en madera y roca volcánica en base de metal, pieza única 49 x 33 x 14 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Escultor por formación, experiencia y convicción autodidacta, en 2006 se inició en la talla directa en piedra. Algunas de sus influencias escultóricas más importantes han sido artistas como Eduardo Chillida, Henry Moore, Constantin Brancusi y Hans Arp; el arte prehispánico también ha sido un referente significativo en su enfoque artístico y exploración estética. Su búsqueda en la escultura se inclina hacia el balance de las formas, los contornos y los contenidos internos de cada una de las obras. En 2013 participó en la exposición colectiva “Geometrismo escultórico mexicano”, al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia; y en 2014 presentó la muestra individual “La mirada de las piedras” en el Museo Fernando García Ponce (MACAY) en Mérida.

La lectura de poesía, filosofía y su interés en la música contemporánea de vanguardia han sido los maestros de Chemor, ya que nunca trabajó con algún escultor en un taller de piedra, todo el trabajo técnico lo ha aprendido por sí mismo y lo ha creado con sus propias manos, ningún cantero o ayudante hace su trabajo. Antonio encuentra el placer, el gozo y lo que está buscando y no sabía que encontraría, en su taller. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 7, 8 y 19.

8 MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018)

Ritmo de antaño

Firmado y fechado 85 al reverso Pastel y acrílico sobre tela 120 x 85 cm

Con certificado digital de autenticidad de Dominique Landau, hija de la artista, septiembre de 2022 y constancia de propiedad de Leticia Tarragó, agosto de 2022.

Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación.

A la edad de 12 años, su familia huyó de Rumania ante la persecución provocada por las fuerzas fascistas en ascenso. Después de un extenso viaje por Europa y Estados Unidos se instaló en Brasil. Allí, su gran interés por la vida artística e intelectual le dio oportunidad de conocer a destacados pintores como Emiliano Di Cavalcanti, Antonio Días y Joao Camara. Tímida pero decidida, empezó a pintar.

Sus primeras obras fueron figurativas, pero pronto entendió que ese no era su estilo, así que se volcó al expresionismo. Fue influida por su tío Marcel Janco, uno de los fundadores del dadaísmo y por Osvaldo Goeldi, con quien realizó numerosas obras usando diversas técnicas gráficas.

Después de naturalizarse brasileña se mudó a México, donde ayudó a introducir una nueva técnica de grabado en metal utilizando ácidos impresa desde la superficie, llamada “Metal Relief” y tuvo su primera exposición individual en 1963.

Ejecutó murales para la Universidad Veracruzana en los años setenta y se presentó en varias exposiciones individuales en la Galería Pecanins de la Ciudad de México, entre 1967 y 1972. Participó en el XI Salón Esso de Artistas Jóvenes de América Latina celebrado en 1964 en el Museo de Arte Moderno de México y en el primer Salón Independiente de 1968.

Fuente consultada: sitio oficial de Jewish Latin America www.jewishlatinamerica. wordpress.com

$170,000.00-$220,000.00 M.N.

9

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - )

El negro 2081

Firmada y fechada 1996 al reverso Mixta, resina acrílica y negro de humo sobre tela 193 x 123 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

Inició sus estudios artísticos en 1956 con el muralista José Hernández Delgadillo. Posteriormente, estudió cerámica con José Castaño e historia del arte en el Instituto de Cultura Superior. En 1972 ingresa a la École nationale supérieure des Beaux-Arts en París. Su trabajo ha sido expuesto de manera individual y colectiva en espacios como Casa de Francia, Centro de la Juventud Arte y Cultura FUTURAMA, Centro Cultural Jaime Torres Bodet, Galería Pecanins, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Centre d'Art Contemporain Raymond Farbos, entre muchos otros.

Beatriz Zamora ha producido más de 3,500 pinturas con el mismo título; la artista trabaja a partir de minerales y tierras naturales para “arribar al negro”. El negro de Zamora genera un no-horizonte, cualidad atípica en el mundo pictórico. Su obra enfatiza sobre aquello que no vemos, la materia negra, lo inconmensurable y espera que los materiales generen en el espectador una respuesta introspectiva. “El Negro no es sino el resultado de una extensa búsqueda interna, espiritual y física, pero si no la entendemos tergiversamos conceptos e ideas y en ello radica el problema de la humanidad, porque trabajamos con conceptos que se le ha dado al Negro fuera de lo legítimo y original. Somos hijos del universo y si lo entendemos seremos otra clase de seres humanos: sanos, alegres, libres, fuertes, poderosos, invencibles y perfectos como El Negro, y entenderemos nuestro verdadero origen”. Beatriz Zamora. Fuentes consultadas: SANTOSCOY, Paola. “Decir densidad mineral”, México. Museo experimental el Eco, 2019 y sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com $150,000.00-$220,000.00 M.N.

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Caja magiscópica

Firmada y fechada 2003

Escultura en acero y cristal tallado con base de metal 28 x 21 x 21 cm medidas de la escultura

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. “Tengo el propósito de crear estructuras de líneas fuertes para capturar y albergar un mundo de visiones y poesías. Mis Magiscopios tienen cualidades de instrumentos ópticos: al mismo tiempo fantásticos como caleidoscopios y científicos como telescopios. Algunos distorsionan, otros afinan, pero siempre dan una nueva visión. Como su nombre genérico lo indica, ellos son instrumentos para ver mágicamente para ver la magia y poesía que existe alrededor de nosotros todos los días pero que nuestros ojos indiferentes no quieren ver ”. Feliciano Béjar.

Fuente consultada: FERNÁNDEZ VALLEJO, Rossana. “Entre la indignación y la indignidad en el tratamiento mental; en Memoria de Feliciano Béjar”. México. Comisión de Ciudadanos por los Derechos Humanos, 2008. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018)

Ritmo eléctrico

Firmado y fechado 1985 al reverso Pastel, acrílico y carboncillo sobre tela sobre madera 113 x 78 cm

Con certificado digital de autenticidad de Dominique Landau, hija de la artista, septiembre de 2022 y constancia de propiedad de Leticia Tarragó, agosto de 2022.

Presenta detalles de conservación.

Myra Landau llegó a México en un momento de consolidación del arte abstracto. Su producción desde mediados de los años sesenta y hasta finales de los setenta se caracterizó por el uso de rectángulos concéntricos dibujados a mano alzada y colores planos en pastel aplicados a linos sin preparación previa. Esta geometría lírica estaba inspirada en el abstraccionismo popular y aborigen. A estas obras las llamó “Ritmos”, a las que era frecuente referirse con metáforas musicales y entre ellas dejó entrever la influencia del Op Art y el geometrismo brasileño, así como su interés por lograr una obra de esencia expresiva más que formalista.

consultada: sitio oficial del Museo Universitario de Arte Contemporáneo www.muac.unam.mx

12

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia, ca. 1976

Sin firma

Escultura en acero y cristal tallado 78 x 35 x 20.5 cm

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Feliciano Béjar fue un artista autodidacta que incursionó en varias disciplinas como el dibujo, el grabado y la pintura, hasta hallar su verdadera vocación en la escultura, principalmente en el reciclado de materiales de desecho.

Empezó a experimentar con los materiales que encontraba a su paso a los 15 años, la misma época en la que conoció a José Clemente Orozco, quien estaba realizando un mural en una biblioteca de Jiquilpan. De él aprendió que el arte “debía estar al servicio de la sociedad”.

No obstante, se dedicó primero a recorrer el mundo realizando varios oficios: fue vendedor de telas, afanador, lavaplatos y elevadorista hasta que estando en Nueva York, el pintor Arthur Ewart lo alentó para que se dedicara a la pintura. Regresó a México en 1947 y al año siguiente realizó su primera exposición individual con 18 cuadros en la Ward Eggleston Gallery de Nueva York.

Los años posteriores viajó a Europa y en 1956 vivió en París, donde además de pintar trabajó como extra de cine y locutor de radio. En este periodo, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Estos se escaparon de sus lienzos para convertirse en esculturas, las cuales después fueron bautizadas como “magiscopios” por Jorge Hernández Campos.

En 1966 estas creaciones llegaron al Palacio de Bellas Artes, lo que constituyó una apertura a toda una generación de esculturas vanguardistas, la ruptura de moldes tradicionales. Feliciano Béjar impuso una nueva forma de entender el arte como un juego.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

13

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) El lecho

Firmado y fechado 18 Acrílico sobre tela 100 x 150 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Asistió a La Esmeralda, ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Su trayectoria está dividida en dos vertientes: la escultura y pintura. En ambas recurre al cuerpo femenino, elementos naturales en distintos modos de abstracción.

Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante, la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta y en cierta forma una rama de su trabajo tridimensional, pero a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, sus dos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura.

Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9 y DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19. $120,000.00-$160,000.00 M.N.

14

SYLVIA ORDOÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

Plátanos, naranjas y cielo Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 130 x 120 cm

Estudió diseño en Arte A. C. y grabado en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona. Desde 1977 inició una larga carrera de exposiciones individuales. Asimismo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, llevadas a cabo tanto en México como el extranjero. En 1978 obtuvo el primer lugar en el V Congreso Pictórico en Monterrey y el quinto lugar en la Bienal de Pintores Jóvenes, en Ciudad de México. Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado se encuentran “Parallel Project” en Nueva York en 1990, “La mujer en México”, en la National Academy of Design en Nueva York y “Diálogos del arte mexicano”, en el Instituto Cultural Mexicano en Washington D.C. en 1993.

“Sus frutas, primero rigurosamente proporcionadas y ordenadas voladoras, luego, y descontextualizadas más tarde para modificar sus escalas y aspirar a un lenguaje más complejo, son sensaciones vitales donde la suculencia y la exuberancia arbitraria expresan un placer que se ahondará con los años. Del mero apetito pictórico, de la forma por la forma, el color por el color, abrirá paso hacia la infinidad connotativa. Así, la misma saturación espacial de sus paisajes pueblerinos, se manifiesta de nuevo con otros objetos y otras proporciones. Nada de lo que pinta es ‘cierto’ más que en la medida que las figuras son reconocibles, más su orden de confrontaciones es un estímulo para imaginar lo que representan”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com $150,000.00-$300,000.00 M.N.

15

LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Sin título

Firmada

Escultura en bronce en base de bronce 135 x 40 x 40 cm medidas con base

Con certificado de autenticidad de la Fundición Artística León Romero firmado por el artista, junio de 2021.

Agradecemos al Maestro Luis Zárate por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Presenta detalles de conservación.

“El imaginario de Luis Zárate se despliega marcado por una libre diversidad en la que el paisaje que encabeza notas emerge como ejemplo de su contexto. Ajeno a modas, inserto en la modernidad del siglo XX en cruce con su propia iconología, esa que aflora entre las brumas del pasado y se cruza con sus pasos día a día, Luis Zárate desata un amplio imaginario sin que ninguno de sus cuadros abandone su marca, el sello personal. Y acorde con tal diversidad, acciona distintas puestas de la materia y el color, así como múltiples instrumentos muchas a veces inventados por él […] Así surgen las antropomorfias; en muchos bastidores de Zárate todo se aglutina, concentra y desborda para desencadenar, sobre la organización de sus núcleos visuales, la simbólica reminiscencia de un pensamiento cuyo sustrato late en el entorno circundante”. Lelia Dibren.

Fuente consultada: DRIBEN, Lelia. Luis Zárate. Las oscilaciones del imaginario. México. Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 1999, pp. 17 y 18. $300,000.00-$600,000.00 M.N.

MARÍA DOLORES CASTELLANOS

(Boston, Massachusetts, 1958 - )

Marcador de niveles Firmada con monograma y fechada 1999 al frente. Firmada y fechada Guatemala 199 al reverso Mixta sobre tela 138 x 131 cm

El quehacer artístico de María Dolores Castellanos parte de su admiración y preocupación por la fragilidad de la condición humana. Su formación es autodidacta en cerámica y escultura y estudió pintura con los Maestros Manolo Gallardo, Roberto Cabrera, Roberto González Goyri y Elmar Rojas, todos destacados pintores guatemaltecos. También cuenta con estudios en Restauración en la Escuela de Artes Aplicadas a la Restauración de Madrid.

Ha realizado más de 15 exposiciones individuales en importantes galerías y recintos culturales de Latinoamérica y participado en más de cincuenta muestras colectivas en Guatemala, México, Estados Unidos, Japón y Holanda.

Actualmente parte de su obra se encuentra resguardada en colecciones internacionales como la del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana, en las Oficinas Bienales Toyamura en Japón y la Fundación Paiz en Guatemala.

www.mariadolorescastellanos.com

CONCHITA KUNY MENA (Crystal City, Texas, E.E. U.U., 1944 - San Salvador, El Salvador, 2020)

Tus ropas se han gastado

Firmada al frente. Firmada y fechada 2013 al reverso Óleo sobre tela 100 x 150 cm

Con certificado de autenticidad de la artista. A mediados de 1946, Conchita Kuny Mena llegó a San Salvador junto con su familia después de terminar la Segunda Guerra Mundial. Desde temprana edad tuvo una fuerte inclinación hacia las expresiones artísticas como la pintura, influenciada también por su madre, quien pintaba y dibujaba. En 1965 después de viajar a Europa, regresó a El Salvador e ingresó a la Academia de Dibujo y Pintura de Valero Lecha, quien es considerado el padre de la pintura en dicho país.

Su lenguaje se distingue por la percepción de la forma. Su estilo conduce a mundos de simbolismo irónico. Las temáticas en sus pinturas reflejan escenas surrealistas en las que se conjugan una cantidad de motivos y atributos extraídos del complejo mundo de mestizaje cultural en el que se ha desarrollado la artista: sus orígenes familiares europeos de larga tradición histórica, inmersos en una sociedad que subsiste entre lo rural y lo urbano. Su simbolismo se refleja en todos los preceptos utilizados por su lenguaje: los colores contendrán un significado profundo, objetos como bolsas transmitirán el sentimiento de rechazo y vacío, los aguacates significarán la indiferencia hacia lo cotidiano, las muñecas, reminiscencias al pasado.

BAHAMOND

YAMPIER SARDINA (La Habana, Cuba, 1979 -

Objets 2 Firmado y fechado IX 07 Óleo sobre tela 100 x 120 cm

Publicado en: ALDAMA, José Ignacio, et al. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, pág. 34, catalogado 7. Presenta detalles de conservación.

Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas “20 de Octubre” y en la Academia Nacional de Artes Plásticas “San Alejandro”. Su trabajo ha sido atribuido al género de naturalezas muertas, que de cierta manera limita el dominio de otras temáticas como el dibujo o pintura, técnicas a las que recurre y manifiesta un notable dominio.

En su obra el espectador puede identificar que no se tratan de bodegones o imágenes barrocas debido a que los objetos representados pertenecen a los códigos o lenguajes cotidianos del siglo XXI, incluso podrían atreverse a definirlos como naturalezas muertas contemporáneas o still-living painting, que sí poseen elementos formales de las vanitas con un toque hiperrealista y lumínico.

Esta serie se encuentra más cerca del género del paisaje urbano, donde por medio de la pintura el artista propicia la apreciación casi fotográfica de un espacio exterior.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. ALDAMA Fine Art, 2009.

19

ELENA CLIMENT

(Ciudad de México, 1955 - )

Ropero colonial con objetos Firmado y fechado 95

Óleo sobre tela sobre madera 24.5 x 35.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano.

Procedencia: Galería de Arte Mexicano.

Exhibido en: “Elena Climent: Ventanas de la memoria”, muestra presentada en el National Hispanic Cultural Center en Albuquerque, Nuevo México, Estados Unidos del 17 de noviembre de 2001 al 7 de abril de 2002.

Con etiquetas de National Hispanic Cultural Center, Galería GAM S.A. de C.V. y Galería Rahn.

“Se hace evidente que el interés de la artista, tanto en las superficies grandes como en las pequeñas, es dejar constancia y celebrar la gracia para ordenar los más sencillos y frecuentes satisfactores cotidianos que posee la gente en la vecindad, en la tiendita, en el puestecito de mercado o de banqueta: jaulas, macetas, veladoras, bolsitas de golosinas, bolsitas de juguetes, botellas de cerveza, refrescos o tequila, frutas y verduras, arreglos de muchas cositas en estantes, altares, mesas, paredes [...] detallado prontuario hecho de manera sistemática, con afecto sincero por cierta propensión estética muy extendida y muy compartida entre los de abajo en México”. Raquel Tibol.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.elenacliment.mx

20

JUAN CARLOS DEL VALLE

(Ciudad de México, 1975 - )

Helado de chocolate

Firmado y fechado México 26-VIII-2015 al reverso Óleo sobre tela 25 x 20 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Otras obras de esta serie están exhibidas al público en “Festín de sabores. Banquete mexicano”, magna muestra de aniversario del Museo Nacional de Arte (MUNAL) en la Ciudad de México, hasta febrero de 2023.

“Interesado en la reinvención de géneros y lenguajes tradicionales, Juan Carlos del Valle ha desarrollado una propuesta retratística que vincula la expresividad del realismo decimonónico español con mitologías contemporáneas. Trabajadas a partir de modelos directos en sesiones breves para evitar cambios notorios de la luz natural, sus obras, ya sean autorretratos, retratos o naturalezas muertas, se distinguen por el vigor de las pinceladas de fuerte carga matérica”. Blanca González Rosas. Fuente consultada: LEÓN-PORTILLA, Miguel et al. Los mexicanos: 2500 años de retrato. México. Fundación BBVA. 2017, pág. 457. $90,000.00-$120,000.00 M.N.

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XAVIER ESQUEDA (Ciudad de México, 1943 - ) Bodegón

Firmado y fechado 78 Óleo sobre tela 80 x 60 cm

Publicado en: SÁINZ, Luis Ignacio et al. Xavier Esqueda. Un homenaje. México. UAM-CONACULTA-FONCA. 2001, pp. 98 y 166. Xavier Esqueda es un artista multidisciplinario que se vale de la pintura, el dibujo, la escultura y el arte objeto para contar al espectador una realidad que se confunde con el sueño. Su trabajo no pretende que lo real se deslinde de lo imaginario.

Comenzó a pintar cuando era niño y siguió haciéndolo por su cuenta sin asistir a ningún tipo de escuela profesional, formándose de manera autodidacta hasta presentar su primera exposición en 1965 en la Galería Antonio Souza.

Su obra ha sido expuesta en los principales espacios culturales y artísticos de México como el Palacio de Bellas Artes, la Torre Ejecutiva Pemex, el Museo de Arte Moderno, la Galería del Auditorio Nacional, el Museo de Arte Carrillo Gil y el Museo de San Carlos. Obtuvo el premio de adquisición en la afamada “Exposición solar” en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México en 1968. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Banco de México www.museobancodemexico.com $70,000.00-$100,000.00 M.N.

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ELENA CLIMENT

(Ciudad de México, 1955 - )

Altar de muertos Firmado y fechado 92 Óleo sobre tela sobre madera 60.5 x 80.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano.

Procedencia: Galería de Arte Mexicano.

Exhibido en: “Espíritu”, muestra presentada en el California Center for the Arts en San Diego, California del 16 de septiembre de 1991 al 14 de enero de 1992.

Con etiquetas de California Center for the Arts, Museum of Contemporary Art San Diego y Galería GAM S.A. de C.V.

A los 16 años decidió convertirse en artista, sin embargo no acudió a ninguna escuela de artes, en parte porque su padre, el artista español Enrique Climent no aprobaba la educación formal. Tuvo su primera exhibición en 1972 en la Ciudad de México. En los años ochenta comenzó a pintar escenas basadas en fotografías de ventanas, puertas y balcones que encontraba caminando por la ciudad. Poco después se mudó a Nueva York, donde continuó usando sus viejas fotografías para realizar obras en las que exploraba los paisajes urbanos de México, así como distinciones entre espacios interiores y exteriores.

A través de la representación de objetos y escenas cotidianas, logra dar al espectador un vistazo hacia la vida de los mexicanos. Fuente consultada: sitio oficial de la galería Mary-Anne Martin www.mamfa.com

EDUARDO OLBÉS (Filipinas, 1951 - )

Elotito

Firmada con monograma

Escultura tallada en mármol de carrara con incrustaciones de jaspe rojo 12 x 4 x 4.5 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Otras obras de esta colección están exhibidas al público en “Festín de sabores. Banquete mexicano”, magna muestra de aniversario del Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México, hasta febrero de 2023.

Eduardo Olbés llegó a México a los 24 años tras concluir estudios en las universidades de Haverford y Goddard College en Estados Unidos, donde aprendió talla directa de la mano de Peter Ruddick, quien fue discípulo de Henry Moore. Se estableció en Tepoztlán donde fundó el taller “La Iguana de Oriente”, enseñó escultura en la Escuela de Diseño y Artesanía y estudió técnicas en madera, piedra y metal con Arturo Ramos. La obra del chileno Raúl Valdivieso lo inspiró a abrirse camino en la escultura años antes y tenía las bases técnicas del ebanista Mario Viel, de quien también fue aprendiz en su país de origen; pero el encuentro con México fue decisivo para el lenguaje de su producción: la enrome variedad de piedras y maderas nativas así como la posibilidad de trabajar libremente.

Su serie “Narco: Ecuaciones Económicas Perversas” fue exhibida en el Museo Universitario del Chopo, en el Museo de Memoria y Tolerancia en la Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial del proyecto Arte para transformar Cuitzeo del Consejo Consultivo del Agua, A.C. www.aguas.org.mx $70,000.00-$100,000.00 M.N.

EDUARDO OLBÉS (Filipinas, 1951 - )

Nube Quetzalcóatl

Firmada con monograma

Escultura en obsidiana tallada y pulida con grado espejo 44.5 x 25.5 x 4.5 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Su obra está basada en las tradiciones estéticas que remontan a su origen asiático, pero sus estudios sobre las expresiones de otras culturas dan fundamento a un diálogo en el que a menudo hay un elemento de humor en la contextualización del pasado en la actualidad.

Los materiales juegan un papel fundamental en su producción, resaltando no solo sus cualidades estéticas sino también sus implicaciones culturales e históricas.

Francisco Eppens Helguera

Francisco Eppens Helguera fue un destacado integrante de la segunda generación de muralistas. Desde muy pequeño mostró habilidad para el dibujo. Llegó a la Ciudad de México a los nueve años junto con su madre, donde acudió a diversos talleres de carpintería, fundición y herrería. Unos años después asistió brevemente a la Academia de San Carlos, donde tuvo como profesores a Enrique Ugarte e Ignacio Asúnsolo.

En su primer empleo elaboró dibujos publicitarios para empresas como Ericsson, Cervecería Modelo, Cementos Tolteca y Goodrich Euzkadi y más tarde colaboró como ilustrador y diseñador para la revista “Lux” del Sindicato Mexicano de Electricistas y la revista “Más Caminos. Viabilidad, automovilismo, transporte, turismo”, en las que trabajó incansablemente para dejar una vasta obra afincada en las raíces y los símbolos de las antiguas culturas indígenas y populares de nuestro país. Laboró simultáneamente en proyectos publicitarios y en el diseño de escenografías para películas de “El indio” Fernández y Santiago “Chano” Urueta, y entre 1935 y 1951 diseñó estampillas postales y timbres fiscales, por el cual recibió numerosos reconocimientos.

En 1968 el presidente Gustavo Díaz Ordaz encargó a Francisco Eppens el diseño del Escudo Nacional. A partir del resultado, se homologó y reglamentó su utilización. Además realizó varios murales por encargo en edificios de la administración pública e instituciones privadas a lo largo de la República Mexicana; más de 28 conjuntos muralísticos y monumentales realizados en una vasta diversidad de técnicas; óleo, fresco, piroxilina, mosaico de vidrio, destacando los realizados en Ciudad Universitaria.

Diversos acontecimientos que rodearon a la Revolución, así como su acercamiento a intelectuales de la época, hicieron de él un joven preocupado en sintetizar los ideales de la Escuela Mexicana de Pintura, proponiendo una iconografía nacionalista, identitaria, revolucionaria y de la modernidad mexicana, misma que caracterizó mucha de su producción plástica. En sus obras conviven las formas tradicionales y las vanguardistas, encaminadas a mostrar una línea del tiempo ideal para México: un pasado glorioso, un presente de esfuerzo y un futuro prometedor.

La obra de caballete de Francisco Eppens se puede dividir en tres etapas de acuerdo con su temática y dibujo. No obstante, sus creaciones tienen elementos comunes como la monumentalidad, cercanas también a la línea del cartel publicitario y el diseño. Desde sus primeras pinturas se hace notar el conocimiento y curiosidad del artista por las vanguardias europeas. En su segunda y tercera etapa destaca el toque nacionalista y el uso de la reinterpretación de las culturas prehispánicas en las que se aprecia la síntesis de las proporciones y el geometrismo.

“La grandeza pictórica de Francisco Eppens puede ser resumida en la capacidad que tuvo para introducir la esencia de México en un grano de maíz. Unos cuantos elementos sustraídos del simbolismo prehispánico fueron suficientes para representar la cosmovisión de una nación que defiende su derecho a la grandiosidad a partir de la lucha permanente de los contrarios”. Beatriz Pagés.

Fuentes consultadas: LÓPEZ OROZCO Leticia et al. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pp. 19, 30, 31, 67, 73 – 81, 90 – 95 y 361 – 371 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx

El pintor planeando su obra a escala, ca. 1973

"Un cuadro de caballete es el instrumento solista, el mural es toda la orquesta completa que puede ser visto por todo el público".

Eppens frente a su mural de la Facultad de Medicna de Ciudad Universitaria

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TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - )

Las tejedoras cantando Firmada Escultura en bronce en base de bronce II / III 82 x 100 x 50 cm medidas con base

Agradecemos al Maestro Tiburcio Ortiz por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Su acercamiento e interés hacia las artes plásticas se manifestó desde que era un niño, pues construía sus propios muñecos y copiaba las estampas revolucionarias del maestro Alberto Beltrán. Años más tarde, en la Ciudad de México, ingresó al ejército y al taller de la misma institución donde hacía prótesis para manos u ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos, recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos.

“Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana (varonil, femenil) capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno”. Luis Ignacio Sáinz. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et al. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, pág. 50. $450,000.00-$600,000.00

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971) La reina Xóchitl Firmado Óleo sobre tela 100 x 125 cm

Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Con copia de recibo de compra, noviembre de 1991. Publicada en: sitio oficial de Calendarios Landin www.calendarioslandin.com.mx Presenta ligeros detalles de conservación.

La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, sumándole a su poética la representación del indio, el campesino, el obrero, la familia y las mujeres con vestidos típicos como el de las tehuanas, las chinas poblanas y los correspondientes al estado de Jalisco y Ciudad de México, caracterizados por el uso de faldas bordadas, rebozos y sombreros. Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Calendario www.mucal.mx $800,000.00-$1,000,000.00 M.N.

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FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Mujer meditando Firmada y fechada 1967

Escultura en bronce 2 / 5 en base de madera 24 x 27 x 24 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A.C. firmado por el artista, febrero de 1981.

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 319, catalogada 534.

La base presenta detalles de conservación.

Francisco Zúñiga inició su formación artística en el taller de su padre, el escultor Manuel María Zúñiga, donde tallaba figuras religiosas en madera. Posteriormente, estudiando el movimiento artístico mexicano, descubrió el arte prehispánico y se cuestionó sobre su importancia en el desarrollo del arte latinoamericano contemporáneo. Así, ansioso de ampliar sus conocimientos, organizó su primera exposición individual para poder viajar a México en 1936. Cuando llegó trabajó en el taller del maestro Manuel Rodríguez Lozano y más tarde formó parte del equipo del escultor Oliverio Martínez durante la elaboración de las esculturas del Monumento a la Revolución Mexicana. Cincuenta años después de su llegada a nuestro país, se nacionalizó mexicano.

Su multidisciplinaria actividad incluye una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda. Además, fue acreedor a diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de las Artes de parte del gobierno mexicano.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 442.

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Perfil

Firmado y fechado 97 Óleo sobre tela 45 x 40 cm

Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, julio de 2004.

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-97014.

Ricardo Martínez creó su mundo propio utilizando fantasías que habitaban en su mente y que cobraron realidad en los grandes lienzos coloridos que conforman su obra.

Fue un artista solitario y silencioso. Se inspiró en la literatura, la música, la contemplación, la naturaleza y el cuerpo humano para hacer de su pintura una antología poética de color y formas.

Con su estilo personal y autodidacta, capturó universos donde coexisten la bondad y la violencia, el amor maternal y una sensual mirada desbordante, la luz y la oscuridad.

Son sus obras un espejo del paisaje humano, de una realidad soñada, de un abismo existencial siempre en movimiento. Perduró la predilección por los símbolos, la recurrencia a una iconografía sintética y la reducción y hondos contrastes en la paleta cromática. Contrario a Rufino Tamayo, quien usó la luz como recurso principal para su producción, Ricardo Martínez fue un pintor de la sombra, heredando sin duda la visión de Tamayo pero creando un estilo propio.

“Es sutil geometría sin la frialdad metálica, sin la semejanza o la uniformidad, más o menos general, de lo geométrico. No es menos intolerante Ricardo Martínez en su orgánica y ardiente construcción. Yo siento que me expreso por ellas: yo siento que ellas me manifiestan. Lo que cantan estos monolitos, con lo intrínseco de la pintura, es un poema mitológico y un poema de nuestros días”. Luis Cardoza y Aragón, 1981. Fuentes consultadas: GARCÍA CEPEDA, María Cristina et al. Ricardo Martínez. Desde el interior. México. Instituto Nacional de Bellas Artes-Museo del Palacio de Bellas Artes, 2018, pp. 6-8 y SÁNCHEZ, Héctor Antonio. “Ausencia y presencia: la obra de Ricardo Martínez”. México. Revista Casa del tiempo, Universidad Autónoma Metropolitana, Número 57, pp. 47-48. $650,000.00-$800,000.00 M.N.

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Hombre con flamas surrealista

Firmado y fechado 1941

Óleo sobre tela 90 x 70 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre de 2022. Presenta restauración y ligeros detalles de conservación.

Desde temprana edad mostró un interés en la pintura y la música. En 1933 entró a la Escuela Nocturna de Arte para Trabajadores número 1, ahí estudió grabado con Francisco Díaz de León y dibujo con Santos Balmori, quien lo invitaría después a trabajar como asistente en los murales que pintó en Morelia, Michoacán.

Viajó a la Ciudad de México donde tuvo un encuentro con Diego Rivera, quien lo recomendó con Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano donde tuvo su primera exposición. En este tiempo conoció a Rufino Tamayo, Federico Cantú, Max Ernst y Henry Moore, entre muchos otros.

Esto lo impulsó a buscar con su obra una manera de expresar su visión de lo nacional a través de elementos vanguardistas que le daban más libertad de creación.

Su espíritu creativo le permitió superar la rebeldía característica de la juventud y adoptar una clara posición revolucionaria como lo fue el surrealismo. Se llamó a sí mismo surrealista apolítico, pues tenía elementos que hicieron de su trabajo algo literal pero nada opresivamente simbólico.

Eminente nacionalista, la obra de Guillermo Meza trasciende por su contenido universal, su pensamiento y mensaje humano de aceptación positiva al sufrimiento y su búsqueda constante de la paz. Fuentes consultadas: “Guillermo Meza, pintor surrealista”. México. México Desconocido, sección Arte y Artesanías, 28 de julio de 2010, “Murió el pintor Guillermo Meza”. México. La Jornada, 3 de octubre de 1997 y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

M.N.

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OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993) Retrato de Marta Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm

Con dedicatoria “para Marta de tu amiga”.

Procedencia: Sotheby's Nueva York, 24 de noviembre de 1992. Presenta desprendimiento de la capa pictórica y craqueladuras. Vivió con sus padres en Berlín durante su infancia, en el contexto de movimientos bélicos. En 1925 llegó a México con su familia, comenzó sus estudios artísticos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, donde tuvo como profesores a Emilio Amero y Carlos Mérida, conoció a Diego Rivera, Frida Kahlo y a Rufino Tamayo.

En 1935 contrajo matrimonio con José Chávez Morado posteriormente se establecieron en la capital de Guanajuato, a la que donaron su casa como museo, así como una considerable cantidad de arte prehispánico, colonial y popular. En 1936 vivieron en Jalapa donde Chávez Morado pintó un mural y fue que ella comenzó a pintar en pequeños formatos.

Su primera muestra fue en 1945 en la Galería de Arte Mexicano, desde entonces tuvo varias exposiciones en el Salón de la Plástica Mexicana y en la Galería Lourdes Chumacero.

Su obra es considerada como parte de la Escuela Mexicana de Pintura y transitó en varias etapas: iniciando en lo que ella llamó “la ironía cursi”, continuó con bodegones, naturalezas muertas y retratos, después realizó obras costumbristas, imágenes de la tradición de La Muerte Niña, peregrinaciones o aspectos relacionados con elementos religiosos. En su etapa final abundaron los paisajes, jardines o vistas exteriores de estilo impresionista y otros más abstractos.

“Pintora de misterios naturales. Su obra: un intenso reverberar de luz sobre montañas y jardines. Un conjunto de visiones puras, abstractas: la Naturaleza”. Carlos Pellicer. Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, pp. 4 - 10.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

“Sus obras tienen reflexión, dibujo preciso, color y textura ricos… representan un valor de la pintura mexicana por su ponderación, su perfecta técnica y su señera fantasía”. Justino Fernández.

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Retrato tríptico de la Dra. Rosa Luz Alegría Firmado al frente. Firmado y fechado 1979 al reverso Óleo sobre tela 105 x 120 cm

Con certificado de autenticidad del Ing. Marcel González Camarena Barre de Saint Leu, hijo del artista, marzo de 2017. Publicado en:

- ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et al. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pág. 96.

- GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et al. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, pág. 134.

La semana de Bellas Artes. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, Dirección de Literatura, número 134, 25 de junio de 1980, portada.

Jorge González Camarena. El pintor de los colores mexicanos. México. SABER VER, Número 14, junio-julio 1998, pág. 9, catalogado 12.

- “Arte&artes. Revista Mexicana de Cultura”. México. Operadora México Viva S.A. de C.V., año 2, número 7, marzo-mayo 2000, pág. 89.

- “Arte&artes. Revista Mexicana de Cultura”. México. Operadora México Viva S.A. de C.V., año V, número 17, invierno-primavera 2003, pág. 60.

- “Revista. La pluma del ganso”. México. La pluma del ganso, año 12, número 50, marzo-mayo 2008, contraportada.

Exhibido en: “Jorge González Camarena. Antología”, homenaje luctuoso presentado en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1996.

Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes y de la Oficina de Registro de Obra del Instituto Nacional del Bellas Artes.

Presenta detalles de conservación.

Muy acorde a los ideales del arte de la primera mitad del siglo XX, Jorge González Camarena creía que la obra mural era el medio plástico idóneo para comunicarse con el pueblo. No obstante, realizó una vasta colección de obras de caballete, en donde de alguna manera siguió los lineamientos del realismo social que existía en sus murales, pero su preocupación estética no lo llevó a repetir el discurso formal establecido por sus predecesores. Creó un lenguaje plástico diferente basado en sus propias ideas poéticas y filosóficas. Su pintura es abundante en simbolismos y de gran riqueza cromática. Su expresión estaba basada en estructuras pétreas de composición cerrada que le dio a su obra un carácter masivo, que combinada con transparencias ofrecía una impresión más equilibrada.

Abordó con su pintura una gran variedad de motivos; entre ellos el paso del tiempo, las concepciones del bien y del mal, las construcciones arquitectónicas como medio expresivo, la Revolución, la música, la identidad mexicana y las culturas precolombinas, sin olvidar la ejecución de retratos de amigos y personajes relevantes del medio cultural y político mexicano.

Tal es el caso de Rosa Luz Alegría, escritora, física y política mexicana que se desempeñó como secretaria de Turismo durante la presidencia de José López Portillo, convirtiéndose en la primera mujer en ocupar la titularidad de una secretaría de Estado. Un sexenio antes, durante el gobierno de Luis Echeverría trabajó para el sector educativo, fundando el Centro para el Estudio de Medios y Procedimientos de la Educación, el primer canal de televisión educativa de Latinoamérica en Monterrey y numerosos proyectos que posteriormente se convirtieron en dependencias autónomas del Poder Ejecutivo.

Fuentes consultadas: ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et al. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pp. 74-80 y Jorge González Camarena. El pintor de los colores mexicanos. México. SABER VER, Número 14, junio-julio 1998, pág. 13.

$2,200,000.00-$3,500,000.00 M.N.

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GERARDO MURILLO “DR. ATL” (Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Autorretrato

Firmado y fechado México VI- 58

Óleo sobre madera 69.5 x 59.5 cm

Procedencia: colección privada; adquirido en: Morton Subastas, Ciudad de México, “Primera Subasta de Arte Contemporáneo”, lote 59, 6 de junio de 1990; colección Rodríguez Caramazana.

Con etiqueta de Galería Rodríguez Caramazana.

Presenta detalles de conservación.

Gerardo Murillo Cornado fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un inalcanzable amante de la naturaleza.

En su natal Guadalajara nació su amor al arte, bajo la tutela de Félix Bernardelli se inició como artista. Su inquietud por conocer las vanguardias europeas lo llevó al viejo continente en 1897, ya que el gobierno de Porfirio Díaz le otorgó una beca, con la cual estudió filosofía y derecho penal y empezó a apoyar causas obreras, dejando la pintura como una actividad ocasional.

A su regreso a México impartió clases en la Academia de San Carlos, pero tuvo discrepancias con la administración, las cuales desembocaron en una huelga estudiantil en 1911.

Con la Revolución Mexicana a punto de estallar, Dr. Atl estaba ya involucrado en movimientos intelectuales que proponían luchas sociales. Al término, se refugió en las faldas del Popocatépetl, donde se dedicó a estudiar y pintar a los volcanes y empezó a hacer excursiones cortas, a las que lo acompañaba Clausell.

Realizó su segundo viaje a Europa y en el trayecto a Francia, el barco fue azotado por una tormenta, momento en el cual decidió apodarse “Atl” que significa agua en náhuatl. Ya en París, su amigo Leopoldo Lugones le dijo: “solo Atl está muy feo”, bautizándolo entonces como “Dr. Atl”. Durante su estancia en la ciudad colaboró en la revista “L'Action d'Art” y realizó diversas exposiciones.

Tras enterarse de los conflictos políticos y sociales que azotaban México, regresó en 1914 y se integró a una ardua labor con Venustiano Carranza. Fue aprehendido tiempo después, pero escapó y vivió algún tiempo entre las calles, para después instalarse en el Convento de la Merced. En este período, conoció a María del Carmen Mondragón, hija del general Manuel Mondragón, de quien se enamoró y bautizó como “Nahui Olin”, en náhuatl “cuatro movimientos”.

Empero de su personal estilo paisajista, la creación de la figura humana fue la más moderna. Su interés por este género fue escaso, sin embargo los pocos que realizó fueron en su mayoría retratos de su amada Nahui Olin y autorretratos, en los cuales se puede apreciar el gusto por marcar la mirada y el ceño con el fin de estampar los rasgos que destacan la personalidad. Los autorretratos fueron un registro de su aspecto ya que realizó pinturas y dibujos desde su juventud hasta la edad avanzada. Gustaba representarse solo, o con la misma altivez de sus entrañables volcanes y valles. Sus obras pictóricas destacan sobre otras cosas por la técnica, ya que la mayor parte de su trabajo fue realizado con tinta, lápiz, pastel, óleo, témpera y pasteles grasos que él mismo creó y bautizó como “Atl colors”.

Fuentes consultadas: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25 y MANRIQUE, Jorge Alberto et al. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pp. 27-56. $4,800,000.00-$6,000,000.00 M.N.

SATURNINO

HERRÁN

Tomó clases de dibujo en 1895 en el colegio de San Francisco, en su natal Aguascalientes, donde uno de sus maestros se dio cuenta de su talento innato. Al cursar la preparatoria conoció a quienes serían parte de los grandes intelectuales de México a principios de siglo, Alberto J. Pani, Pedro de Alba, Enrique Fernández Ledesma y el que sería su gran amigo, el poeta Ramón López Velarde.

Al morir su padre en 1903, se trasladó con su madre a la Ciudad de México. Ahí trabajó en los Almacenes de Telégrafos Generales y comenzó a asistir a la Academia de San Carlos por la noche donde pronto destacó y consiguió una ayuda otorgada por la Academia, lo que le permitió dedicarse de tiempo completo a sus estudios de pintura. Entre los maestros de la época se encontraban Germán Gedovius quien lo introdujo a la pintura, Leandro Izaguirre de quien aprendió sobre iconografía y el catalán Antonio Fabrés que lo instruyó en dibujo y fue una gran influencia en sus tendencias modernas. Entre sus condiscípulos se encontraban Diego Rivera y José Clemente Orozco.

La calidad con la que realizaba sus obras le valió una beca para estudiar en Europa, la cual por motivos personales tuvo que rechazar, sin embargo, leyó y estudió sobre los cambios que se estaban generando en el campo intelectual. Esto se vio reflejado en las similitudes de su obra con el pintor británico Frank Brangwyn y los españoles Joaquín Sorolla e Ignacio Zuloaga.

Cuando Dr. Atl regresó de Europa, compartió sus vivencias con los estudiantes de San Carlos; les habló apasionadamente de los inmensos murales renacentistas y los frescos de la Capilla Sixtina, reforzando ideas que Antonio Fabrés ya tenía sobre un arte propio, pero además, le inyectó un sentido de carácter nacional y monumental.

Saturnino Herrán y sus contemporáneos asimilaron la visión de Gerardo Murillo y en 1906, el artista en ciernes junto con Jorge Enciso, Joaquín Clausell y Diego Rivera participaron en una exposición organizada por la revista “Savia Moderna”, donde se evidenció cierto nacionalismo e interés por las raíces prehispánicas.

Un año después, colaboró en la Inspección de Monumentos Arqueológicos con el arqueólogo Leopoldo Batres en Teotihuacán. Su trabajo consistió en el registro de la obra mural que se iba descubriendo. A partir de 1912 su obra comenzó a ser más prolífica, incorporada sin lugar a dudas por los ideales modernistas de la época. Aunado a su producción de caballete, se dedicó a ilustrar portadas de libros y revistas.

Murió a temprana edad en 1918, dejando inconcluso el tríptico “Nuestros dioses”, proyecto impulsado por Alfredo Ramos Martínez para el friso que decoraría el Teatro Nacional.

SATURNINO HERRÁN

(Aguascalientes, 1887 - Ciudad de México, 1918)

La Mujer X, Retrato de Virginia Fábregas, 1917 Firmado

Óleo sobre tela 178 x 106 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Saturnino Herrán A.C. 2022. Publicado en: GARRIDO, Luis. Saturnino Herrán. México. Fondo de Cultura Económica. 1971, catalogado 105 y en MUÑOZ, Víctor et al. Saturnino Herrán. Melodía de la existencia. Corpus mayor. México. INBA - Secretaría de Cultura - Fundación Cultural Saturnino Herrán. 2018.

La necesidad de trabajar de sol a sol se favoreció con la costumbre de Saturnino Herrán de continuar pintando o dibujando delante de los amigos que llegaban al taller con motivo de las tertulias. Algunos aceptaron posar para sus dibujos del friso “Nuestros Dioses”. De otros realizó retratos, tal es el caso de esta imponente representación de uno de los pilares del teatro en México, Virginia Fábregas, interpretando el papel de “La Mujer X”.

“La Mujer X” es el título de una obra de teatro escrita por el francés Alexandre Brisson, estrenada en el teatro de la Porte-Saint-Martin en París en 1908.

La compañía teatral de Virginia Fábregas la representó al menos desde 1910. La temporada teatral de mayo de 1917 tuvo una significación especial, puesto que Saturnino Herrán asistió a ver la obra. Este retrato era un cartel de la puesta en escena. Xavier Villaurrutia mencionó en un artículo sobre Virginia Fábregas que “el público que acudía a su teatro podía ver, en el vestíbulo, dos grandes carteles pintados por Saturnino Herrán. Uno de ellos era un afiche de ‘La cena de las burlas’ [...] el otro, naturalmente, de ‘La mujer X’”.

Existe un poema con el mismo nombre escrito por Enrique Fernández Ledesma en 1919, incluido en el libro “Con la sed en los labios”, que apareció bajo el sello editorial de México Moderno, con una introducción de Ramón López Velarde. La obra de teatro fue adaptada tres veces al cine; en 1920, del director Frank Lloyd, en 1937 de Sam Wood, y en 1966, de David Lowell Rich, con la actuación de Lana Turner. También existe una versión mexicana dirigida por Julián Soler protagonizada por Libertad Lamarque, de 1955.

VIRGINIA FÁBREGAS

(Yautepec, Morelos, 1871 - Ciudad de México, 1950)

Virginia Fábregas es conocida por algunos como la Sarah Bernhardt mexicana y como “la diva del teatro”. Habiendo pasado gran parte de su infancia en Campeche después de la muerte de su padre, se mudó a la Ciudad de México, donde se graduó como maestra en la Escuela Normal, se inscribió en la Academia Nacional de Bellas Artes y trabajó como ayudante en la Escuela de Sordos, siempre interesada en el teatro.

Tuvo la oportunidad de ver en escena a Sarah Bernhardt en “La dama de las Camelias”, hecho que la marcó para siempre. Debutó como actriz a los 16 años en el Teatro Arbeu de la Ciudad de México. Pese a la negativa de su familia continuó haciendo teatro. Se presentó en el Teatro Principal y luego en una función a beneficencia en la Casa Amiga de la Obrera, frente a Carmen Romero Rubio, esposa del presidente Porfirio Díaz. A partir de ahí empezó a profesionalizarse en la compañía de Leopoldo Burón. Para 1984 ya era primera actriz de la compañía Alba-Fábregas y posteriormente se asoció con su esposo Francisco Cardona para formar una compañía y arrendaron el Teatro Hidalgo, un recinto popular ubicado en lo que hoy es la calle Regina en el Centro Histórico. En 1906 la compañía fue propietaria del Teatro Renacimiento, inaugurado pocos años antes y al que más tarde nombraron Virginia Fábregas.

Fue reconocida por el gobierno francés con las Palmas Académicas, mencionada al nivel de las mejores actrices europeas y llevando su teatro al resto de Latinoamérica y España.

A su muerte en 1950 por orden del entonces presidente Miguel Alemán Valdés, sus restos fueron depositados en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores en la Ciudad de México, compartiendo espacio con los personajes más destacados de la vida intelectual del país.

Fuentes consultadas:

“Saturnino Herrán. El instante subjetivo”. México. Museo del Palacio de Bellas Artes-INBA-CONACULTA-Gobierno del Estado de Aguascalientes, 2010. pp. 59-63.

- Sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

- VICENTE DE AGUINAGA, Luis. “Vida y milagros de la mujer X”. México. La santa crítica, 9 de agosto de 2021.

- “Virginia Fábregas, la diva del teatro en México”. México. Cartelera de teatro, sección Biografía, 20 de octubre de 2020.

$8,000,000.00-$10,000,000.00 M.N.

40

FRANCISCO CORZAS (Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Centurión

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de firma TANE A / P 29 x 33 x 15.5 cm

Publicado en: sitio oficial de TANE www.tane.com.mx

Presenta detalles de conservación.

“Alguna vez definido como un pintor de carácter, a veces hosco y otras un tanto violento, Francisco Corzas pertenece al panteón de los artistas que como Julio Ruelas, crearon el anatema de la incomprensión y la condena de una sociedad de maneras harto burguesas. Poseía un talento Innegable, mismo que sin mayor discusión, o justificación alguna ‒porque me parece que no la necesita‒, se vio frustrado por uno de aquellos excesos mundano s de la vida moderna”. Luis Martín Lozano.

Propiedad de Morton Préstamos

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL (Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Sin título Firmado Acrílico sobre tela 102 x 148 cm

Con constancia de autenticidad de Juan Rafael Coronel, noviembre de 2021.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Rafael Coronel fue un artista reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años.

Al madurar su estilo, Rafael Coronel comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo. Citando al crítico literario Salvador Elizondo: “Coronel forma una síntesis misteriosa entre la apariencia y la realidad”.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019)

Niño anciano

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 8 / 24 en base de madera 39 x 14 x 10 cm medidas totales con base

Publicada en: “Arte / Objeto Sculpture from the Tane Silversmiths Collection”. E.E. U.U. The Smithsonian Institution, 1984, Catalogada 14 y en CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo del Palacio de Bellas Artes, 2011. pp. 350 y 351.

La base presenta detalles de conservación. “Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica”. Josephine Siller.

Propiedad de Morton Préstamos $200,000.00-$350,000.00 M.N.

Reverso

Anverso

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Concertando Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm

Con constancia de autenticidad del artista, septiembre de 2022. Publicado en: MORA, Manuel R. Alfredo Alcalde. La ética de un pintor. México. Fundación Sebastian. 2021, pág. 148. Inició sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, donde tuvo de maestro a Víctor Humareda considerado uno de los pintores expresionista más importante en Perú. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y platicas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Tokio, Suiza y Francia; además, en el año 2000 fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año. Fuentes consultadas: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

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BRIDGET TICHENOR (París, Francia, 1917 - Ciudad de México, 1990) Sin título Firmado con monograma Óleo sobre masonite 23 x 12 cm

Agradecemos a José Valtierra, curador de la exposición "Bridget Tichenor" presentada en el Museo de la Ciudad de México en 2012, por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2022.

Con etiqueta de Galería Antonio Souza. Bridget Bate Tichenor fue parte del grupo de artistas extranjeras que llegaron de México después de la Segunda Guerra Mundial junto con Remedios Varo, Alice Rahon y Leonora Carrington. Su arte remite al personaje que ella misma construyó, adornado con una cantidad de anécdotas provenientes de las casas reales de Europa, de las pasarelas de casas de moda y una visión fantástica del mundo en el que vivió. Su universo pictórico es intensamente personal, incluso ontológico, compuesto de seres fantásticos, a veces enmascarados, con los ojos desorbitados, confrontados con un mundo que no les pertenecía. No quiso que su obra fuera etiquetada como surrealista, a pesar de admirar las obras de colegas suyos como René Magritte y Salvador Dalí. Según sus palabras, su obra fue influenciada por la mitología mesoamericana, las religiones ocultas y la alquimia, aunada a sus propias experiencias místicas.

Fuente consultada: SCHUESSLER, Michael K. “Bridget Bate Tichenor: la epifanía en la pintura”. México. Nexos, sección Cultura y vida cotidiana, 17 de junio de 2017.

$90,000.00-$140,000.00 M.N.

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BRIDGET TICHENOR (París, Francia, 1917 - Ciudad de México, 1990) Sin título Firmado con monograma Óleo sobre masonite 30 x 50 cm

Agradecemos a José Valtierra, curador de la exposición "Bridget Tichenor" presentada en el Museo de la Ciudad de México en 2012, por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2022. Con etiqueta de Galería Antonio Souza.

La obra de Bridget Bate Tichenor es producto de una sublimación estética de su propia experiencia en este mundo, la que inició entre la sociedad más refinada de París. Fue hija del corresponsal norteamericano Frederick Blantfort Bate y Sara Gertrude Arkwright Bate Lombardi, quienes se conocieron en el Hospital Americano de París, donde su madre trabajaba como enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Su primo fue Edward James, con quien también entabló una fuerte amistad, devoción que realmente floreció cuando la pintora ya se había instalado en la Colonia Roma de la Ciudad de México y Edward James en Xilitla, donde él y su compañero Plutarco Gastélum soñaban con una ciudad fantástica por imposible, levantada en medio de la selva huasteca que luego bautizarían como “Las Pozas”. Fue ahí, en 1947, que Tichenor experimentó una epifanía que le cambiaría la vida para siempre y que la encaminaría a los lienzos, única herramienta adecuada para narrar sus visiones.

Mostró su talento artístico a temprana edad, cuando vivía en Savoia, Roma. En esta época fue alumna de Giorgio de Chirico cuyas composiciones se consideran precursoras del surrealismo. A la edad de 16 años se mudó a París con su madre, donde fue modelo para Coco Chanel y para el fotógrafo Man Ray, ambos amigos de su madre, y estudió pintura con la argentina Leonor Fini.

Hacia el final de la década de los treinta se había mudado a Nueva York, donde se vio obligada a contraer matrimonio con el poeta Hugh Joseph Chisholm, por mera convención social y presionada por su madre y con quien tuvo a su único hijo, Jeremy. En 1943 se inscribió en el Arts Student League. Ahí conoció al pintor Paul Cadmus, quien le enseñó una antigua técnica pictórica basada en una receta para tempera basada en fórmulas italianas que databan del renacimiento. No obstante, la artista inventó su propia mezcla de yeso bruñido sobre masonite al que le agregaba encima una veladura, pintando con un pincel muy delicado que le ayudaba a lograr los detalles casi microscópicos que ostentan la mayoría de sus cuadros.

Después de haber visitado nuestro país a principios de los cincuenta, fue invitada por sus amigos Diego Rivera, Luis Barragán y Mathias Goeritz a la Ciudad de México.

En 1958 participó en el Primer Salón de Plástica Femenina en la Galería Excélsior. Dos años más tarde adquirió el rancho “Contembo” en Michoacán, donde prácticamente se recluyó para pintar obsesivamente, acompañada únicamente por sus trabajadores y una colección de perros, loros, iguanas, gatos y chivos, entre muchos otros animales, que servirían como modelos para algunas de sus creaciones fantásticas. Ahí también se inspiró en el paisaje volcánico del estado.

Fuente consultada: SCHUESSLER, Michael K. “Bridget Bate Tichenor: la epifanía en la pintura”. México. Nexos, sección Cultura y vida cotidiana, 17 de junio de 2017.

JULIO GALÁN

(Múzquiz, Coahuila, 1959 - Zacatecas, 2006) Sin título

Firmado y fechado 86 Óleo sobre tela 119 x 200 cm

Procedencia: adquirido en Christie's, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 177, 21 de noviembre de 2015; Galería Barbara Farber, Amsterdam, Países Bajos. Presenta ligeros detalles de conservación. Julio Galán residió en Monterrey desde los diez años de edad. De ahí partió para Nueva York en 1984, ya en 1985 su obra había atraído la atención de importantes galeristas de esta ciudad y poco después despertó interés en Francia, Holanda e Italia. Retornó a México en 1990 trayendo el amplio reconocimiento internacional que su obra había conquistado en Norteamérica y Europa por el valor y la dimensión universal de su expresión. Considerado uno de los más destacados representantes de la plástica mexicana contemporánea, creó una obra polémica y contradictoria que destaca por su carga simbólica y sus imágenes perturbadoras.

Existía en él una verdadera compulsión de crear un arte original que se liberara de toda posible influencia de pintores contemporáneos. La aceptación internacional que logró coloca de nuevo al arte mexicano en el terreno de lo universal. Su arte se desenvuelve como en una perpetua ceremonia o un baile de disfraces, donde su personaje protagónico (él mismo) aparece constantemente travestido, enmascarado, oculto entre borrones, afeites, inscripciones, hendiduras.

Como consecuencia de los movimientos contestatarios de los años sesenta, se produjo una revolución en la plástica mexicana de la década siguiente. La apertura para hablar de la sexualidad se centró en la representación del cuerpo.

La desbordante imaginación de Julio Galán se probó exitosamente en el tema de la autoobservación, pero también supo mezclar la iconografía religiosa con la de las revistas eróticas, uniendo emblemas identitarios de “lo mexicano” con el mundo de ensueños de los niños y las niñas, la violencia pulsional de una juventud interminable y dolorosa, combinando formas clásicas con juguetes infantiles.

Desde los cuadros que recrean los sueños de la infancia hasta los que recogen los encarnizados juegos del presente, su mundo se sostiene y se afirma en una sensualidad que se muestra de manera directa o bien se guarda tras elaboradas metáforas, y donde la ironía se encarga a menudo de mantener las emociones a su debida distancia. En ese recorrido otra lucha de opuestos se desliza como trama paralela, la que enfrenta lo sagrado con lo profano.

Este año, el Museo Tamayo le rindió homenaje en una exposición antológica llamada “Un conejo partido a la mitad. Julio Galán”.

Fuente consultada: PITOL, Sergio et al. Julio Galán. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1993. $750,000.00-$900,000.00

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

En el estudio del pintor Firmado y fechado Roma 73 Óleo sobre tela 168 x 194.5 cm

Exhibido en: “Juan García Ponce. Trazos y encuentros”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, del 17 de agosto al 23 de octubre de 2005. Publicado en: LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001.

Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Melancolía podría ser la palabra que definiría a Francisco Corzas, integrante de la generación de La Ruptura, la marca colectiva de un camino distinto al de los muralistas mexicanos.

Fue un pintor con una presencia plástica indomable, certero en su visión sobre el fin que persigue la pintura misma: crear un mundo poblado de seres propios. Siempre consciente del valor de las grandes figuras en la historia del arte, lo mismo Rembrandt y Caravaggio, que Goya y José Clemente Orozco, Francisco Corzas fue un artífice que comprendió los profundos cambios estilísticos que introducía su generación a mediados del siglo XX, en México. Por todo ello, a pesar de su temprana desaparición y los caminos que emprendió como un ser humano ‒vulnerable ante el destino‒, Corzas está siendo, cada vez más, reevaluado como artista, con aprecio y objetividad, por parte de la crítica y los historiadores de arte.

A finales de la década de los cincuenta viajó a Roma en compañía de Humberto Kubli y asistó a clases de pintura al fresco con el Maestro Ciotti en la Academia de San Giacomo.

En su estancia participó en la exposición colectiva en Palazzo Venezia y obtuvo una medalla de plata. A su regreso a México, colaboró en el Primer Salón Nacional de Pintura en el Palacio de Bellas Artes.

En los sesenta participó en exposiciones de distintos países: Estados Unidos, India, México, Israel, Francia, Austria, Brasil, Canadá y Bélgica. Entre 1972 y 1973 exhibió individualmente en el Palacio de Bellas Artes. Esta muestra se tituló “Retrospectiva (1962-1972)”. En esa misma época viajó a Europa y realizó dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”; en Roma creó la serie de diez litografías “Los profetas” en el taller de gráfica Caprini, y en Milán elaboró la serie “Umbrío por la pena” en el taller litográfico de Giorgio Upiglio. En esta última ciudad expuso en la Galería Trentadue. En México, la Secretaría de Educación Pública editó el libro “Francisco Corzas” de Berta Taracena.

El universo corsiano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época. Él clasificaba su pintura como impresionista y reconocía como a sus artistas más admirados a Goya, Rembrandt, Velázquez y Caravaggio. Usaba una paleta de colores limitada y lograba con ello crear espacios envolventes y misteriosos en sus temas preferidos: los desnudos, los profetas, el pintor y su modelo y los trashumantes. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

La mujer del caballo Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo y mixta sobre madera 120 x 160 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes. Estéticamente se caracteriza por la combinación de los elementos en contraste, las líneas delicadamente marcadas en las figuras humanas, refinamiento estilístico y la aspereza de la superficie, dando así una tensión dramática a cada obra.

Las figuras de Roberto Cortázar parecen estar aprisionadas, literalmente atrapadas dentro del espacio ignorando o a veces, respondiendo directamente a la mirada del espectador. La energía que exudan es cruda, constante y vibrante; se siente primordial y seductiva. Fuente consultada: M. GOMEZ, Edward. “Roberto Cortázar: explorador de la conciencia humana, pintor del alma”, 2000. $280,000.00-$350,000.00 M.N.

RAFAEL CORONEL (Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Sin título Firmado Óleo sobre tela 50 x 70 cm

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022. “Para Rafael Coronel el hombre no es ese bibelot existencial del éxito y la armonía, sino la gente tangible, el que se quiebra y algunas veces no se levanta. Gusta de enseñarnos nuestro yo fracasado a través del interior de sus personajes, confrontándonos con sus estados anímicos más que con la simple representación de éstos; el individuo retratado es un accidente, ya que el motor de la obra está en abrir el interior del espectador; no someterlo, sino evidenciarlo, no lo exhibe, lo confronta consigo mismo, desarraiga a los personajes de su entorno lógico, de 1978 a 1988, Coronel entra a un mundo de viejos, de danzantes, al desnudo; pero ve esto desde el punto de vista de un explorador, de los exploradores del siglo XIX que vinieron a México. Coronel es, sobre todo pintor. Un pintor que no teme, busca donde considera necesario; su estética lo puede llevar a lugares extraños dentro de su devenir.” Juan Coronel Rivera. Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et al. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, pp. 323-325. $250,000.00-$460,000.00 M.N.

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JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - )

Sin título

Firmadas y fechadas México 2001

a) Cubo, Quarter face Escultura en bronce PA / 2 49 x 49 x 38 cm

b) Cubo, Eye #11 Escultura en bronce 2 / 4 49 x 49 x 39 cm

c) Cubo, Blowing a kiss Escultura en bronce PA / 2 49 x 49 x 40 cm

d) Cubo, Chest # 6 Escultura en bronce 3 / 4 49 x 49 x 59 cm

e) Cubo, Pleno Escultura en bronce 3 / 4 49 x 49 x 44 cm

f) Cubo, Pleno Escultura en bronce PA / 1 49 x 49 x 43 cm

Medidas totales variables.

Piezas: 6

Cada una con sello de Fundición Artística Galindo, fechado 24 - 4 - 2013.

Cada una con copia de documento de autenticidad de EVOKE Contemporary, diciembre de 2012. Agradecemos al Maestro Javier Marín y a Terreno Baldío por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022.

Publicadas en: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

Presentan mínimos detalles de conservación.

Javier Marín es un reconocido artista plástico mexicano que cuenta una larga y afamada trayectoria internacional. Su obra gira en torno al ser humano, especialmente enfocado al cuerpo, el cual presenta vulnerable y descompuesto, pero a la vez digno y orgulloso, fortalecido e imponente, con pieles marcadas por la propia existencia de la vida. La forma en que Javier Marín concibe su obra es significativa, con contexto, donde transgrede los materiales para crear obras con estilo personal. Ha realizado proyectos y muestras en espacios públicos, ha expuesto de manera individual en más de noventa ocasiones y ha participado en más de doscientas muestras colectivas en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa. Actualmente, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N.

ROMERO BRITTO

(Recife, Brasil, 1963 - )

Mother of all, de la serie Diamond Dust Firmado al frente. Firmado y fechado 2014 al reverso Impresión intervenida con acrílico y glitter 102 x 75 cm

Romero Britto es un pintor, escultor y diseñador reconocido mundialmente por sus piezas multicolores, estilo proveniente del arte pop y elementos cubistas. Sus obras se encuentran expuestas en galerías, museos, aeropuertos y plazas de diversos países de Europa, América y Asia. Además de trabajar con empresas internacionales como Absolut Vodka, Gran Marnier y Pepsi Cola realizando diseños para campañas publicitarias, Romero Britto es un activista en pro de las fundaciones que creen que el arte puede ser demasiado importante para no compartirlo. Con el tiempo ha logrado convertirse en un notable personaje del medio artístico del siglo XXI. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.britto.com

Propiedad de Morton Préstamos

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz Firmada

Escultura en bronce con base de mármol 24 x 13 x 9 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero de 2018. En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral y escenarios que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Son distintivos los murales de Santiago Carbonell, ubicados en el edificio de la Suprema Corte de Justicia, en corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com $65,000.00-$80,000.00 M.N.

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NAHÚM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - )

Mariposa, mariposa

Firmada y fechada 76 Mixta sobre papel 63.5 x 49 cm

Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano. Agradecemos al Maestro Nahúm B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Procedencia: Galería de Arte Mexicano.

Con dos etiquetas de Galería GAM S.A. de C.V. y de Independent Curators Incorporated.

Creció rodeado de un ambiente profundamente religioso, el esquema católico infundado por su familia ha formado una parte fundamental en su vida creativa, además de generarle una especie de refugio para una accidentada vida familiar, enfermedades y crisis nerviosas que lo atormentaron desde temprana edad.

A los doce años se trasladó junto con sus hermanos a la Ciudad de México, donde se matriculó en la Escuela Nacional de Maestros.

Ejerció este oficio, heredado de su padre, durante veinte años con mucha dedicación. Fue ahí donde tuvo su primer acercamiento con el autorretrato, el género pictórico al que más ha recurrido a lo largo de su carrera.

Es reconocido por sus pinturas elaboradas en las décadas de los 80 y 90. Se inspira de un momento de crítica social frente a las diversas convulsiones económicas, políticas y sociales. Sus pinturas se caracterizan por un tono de familiaridad en cuanto a formas y símbolos reconocibles de la cultura nacional, estableciendo bajo este lenguaje sus propias demandas y crítica. Sus obras son revolucionarias para el contexto mexicano y la sociedad; aunque fue educado en la abstracción, se le conoce más bien por sus obras figurativas autobiográficas.

Fuentes consultadas: SOLÍS SALAZAR, Sofía Guadalupe. De indio y española, mestizo. La pintura de Nahum B. Zenil: identidad nacional e identidad sexual. España. Universidad Autónoma de Barcelona. 2013, pp. 5-13 y “El arte es el camino de mi libertad: Nahum B. Zenil”. México. La Razón, Sección Cultura, 9 de septiembre de 2018.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

NAHÚM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - )

Cristo cargando la cruz Firmada y fechada 82 Tinta, acuarela y algodón sobre cartón y papel 62 x 46 cm

Agradecemos al Maestro Nahúm B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Con etiqueta de la Fundación Parra Gironella.

“La presencia constante del pintor como autor y personaje central de un mundo prisión, un apando doméstico donde se alucina el juego entre la mayor soledad y la mayor compañía, serían la clave para referirlo forzosamente a la influencia directa de Frida Kahlo. Esta evidente afinidad de sensibilidades es sólo rasgo familiar artístico que Zenil explota con fuerzas, motivos y connotaciones diferentes”. Luis Carlos Emerich.

Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s. Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, pág. 152. $100,000.00-$180,000.00 M.N.

55

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título Firmado y fechado 07 al reverso Óleo sobre tela 210 x 170 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal “revisitación” de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano.

En 2008, Gustavo Aceves fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China y en 2010 develó el mural

“Nombres propios”, en el Museo Memoria y Tolerancia, de la Ciudad de México. En julio de 2011, Gustavo Aceves asistió al Vaticano, como el único pintor latinoamericano convocado al evento en el que 60 artistas de distintas nacionalidades con el jefe de la Iglesia católica, entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt.

Desde principios de esta década vive y trabaja en Pietrasanta, Italia. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. “Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia”. México. Periódico La Jornada, 17 de mayo de 2014 y “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador.

Propiedad de Morton Préstamos $200,000.00-$350,000.00 M.N.

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Crucifixión

Firmado y fechado 1963 al frente y en bastidor Óleo sobre tela 116 x 152 cm

Con etiqueta del Museo Nacional de Arte Moderno, oficina de Registro de Obra. Presenta detalles de conservación.

Después de los años cincuenta, el temperamento de Raúl Anguiano dominaba el dibujo, lo que sería sin duda un cimiento sólido; sin embargo, se exigió más valentía en la elección de su paleta cromática, así como en la calidad de las texturas. Reforzó su mirada de gran retratista que lograba la identificación, a través de la sencillez expresiva y luminosa, con su pueblo, sus costumbres y vivencias. Fue en esta época que realizó numerosas obras que retrataban fiestas paganas y carnavales, develando su espíritu dramático, así como celebraciones litúrgicas. El tratamiento de estos temas fue solucionado mediante pinceladas espesas y fondos contrastantes que entornaban las expiaciones religiosas. Esto reforzó la ideología ecléctica y antisectaria del artista, además de la capacidad de adaptación e identificación con su país, variopinto y contradictorio.

Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano. 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, pág. 36.

57

CARMEN PARRA (Ciudad de México, 1944 - )

Ángel

Firmado y fechado 2022

Óleo sobre tela 100 x 63 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella. Con etiqueta de Fundación Parra Gironella. Su padre era el reconocido arquitecto Manuel Parra, quien con frecuencia compartía con ella sus actividades. Gracias a él conoció a Diego Rivera, Juan O’Gorman, “El Indio” Fernández y Chucho Reyes entre otros importantes intelectuales de la época. Estuvo casada con el artista Alberto Gironella, en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones y era reconocido como uno de los grandes representantes de la generación de La Ruptura. En alguna ocasión, cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen Parra en una reunión del grupo, le propuso y

persuadió a que presentara su trabajo, idea que concluyó en una exposición en el Museo de Arte Moderno, la cual la impulsó a que comenzara su gran repertorio de exhibiciones individuales en importantes instituciones culturales y galerías de arte. Parte de la construcción de su estilo artístico proviene de la gran pasión de su padre por el arte colonial, admiración que la llevó a visitar frecuentemente conventos e iglesias. Sus estudios por el Centro Histórico de la ciudad la condujeron a ser una amante del estilo pictórico y arquitectónico de la Catedral Metropolitana, donde conoció a Jaime Ortiz, quien se encontraba restaurando el inmueble y quien le abría las capillas en secreto para que ella entrara a dibujar.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre de 1996, año 2, No. 23, pp. 14-21 y sitio oficial de Colección Milenio Arte www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

58

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Retablo

Sin firma Óleo sobre tela sobre MDF, políptico

a) Mano de Dios 69 x 54 cm

b) Cruz de Caravaca 79 x 59 cm

c) Eva en el paraíso 68 x 53.5 cm d) Cristo 69 x 53.3 cm e) San Sebastián 79 x 59 cm

f) La Muerte 69 x 54 cm

g) San Cipriano 67 x 53.5 cm

h) San Juan 69 x 54 cm

i) San Miguel 68 x 53.5 cm

j) Nuestra Señora del Carmen 68.5 x 53.5 cm

k) La divina infantita 58 x 110 cm

Los incisos corresponden al orden en el que se presenta la obra, de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo.

Piezas: 11

Los marcos son parte de la obra. Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella.

Cada uno con etiqueta de El Aire Centro de Arte.

“A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografíaaltares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio.

Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza.

Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro de Arte A.C., 2015, pág. 65.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 46 x 38 cm

Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

El marco de esta obra está intervenido por el artista, con las leyendas “Ave Maria” y una dedicatoria al Conde René Philipon, quien fuera mecenas del Maestro Zárraga.

Ángel Zárraga ingresó a la Academia de San Carlos en 1903, donde desarrolló formalmente sus habilidades artísticas, mismas que fueron reconocidas al publicarse sus dibujos en la Revista Moderna.

En esta institución perfeccionó sus aptitudes para la pintura y gracias al impulso de su maestro Julio Ruelas se embarcó con destino a Europa. Ahí estudió en la Real Academia de Bruselas y obtuvo una beca con la cual se trasladó a España para estudiar con Joaquín Sorolla. En 1907 regresó a México para montar su primera exposición individual y al año siguiente viajó a Venecia, Florencia, Múnich y París para participar en diversas exposiciones colectivas. En 1913 presentó varias obras en el Salón de Otoño de París.

Durante las dos primeras décadas del siglo XX, la obra del pintor osciló constantemente entre esta experimentación vanguardista y el realismo formal; entre lo religioso y lo mundano; entre el color y la forma. Fueron años de búsqueda y cuestionamiento que se vincularon con su devoción por las artes y su fe cristiana las cuales, al finalizar la Primera Guerra Mundial, lo llevaron a abandonar el cubismo en aras de un “retorno al orden”, fenómeno que se presentó en el ámbito cultural en todo el continente europeo como parte de una reconstrucción social. Para un artista como Zárraga, el cubismo significó una oportunidad de experimentación con las formas y la perspectiva que marcó su producción sustancialmente, al brindarle una nueva manera de concebir la efigie humana. Fue un aficionado a los deportes, particularmente al futbol, lo cual lo llevó a realizar murales en diversos centros cívicos en Francia. Por otro lado, los temas religiosos lo convirtieron en uno de los fresquistas más solicitados y mejor pagados por los templos franceses.

Entre 1921 y 1926 decoró el castillo de Vertcoeur cuyo propietario fue el conde Philipon, el mayor coleccionista de Zárraga en Europa. A pesar de haber visitado en varias ocasiones México siguió establecido en Europa hasta que el 2 de junio de 1940 fue bombardeada la ciudad de París. Ante el riesgo que suponía esta situación para su seguridad y la de su familia, decidió regresar a México, fue ayudado por la Secretaría de Relaciones Exteriores. En 1941 se instaló definitivamente en una finca en la Ciudad de México, inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura de nuestro país.

Su obra goza de amplio reconocimiento como la de uno de los más relevantes pintores de la plástica mexicana. En Durango, su ciudad natal, hay un museo que lleva su nombre.

Fuentes consultadas: NOVELO, María Luisa et al. Zárraga. México. Américo Arte Editores, Grupo Financiero Bital, 1997, pág. 26, ECHEGARAY, Miguel Ángel et al. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 9-40 y GARAY, Claudia et al. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 19-21.

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JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Padre de los indios Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm

Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Publicado en: sitio oficial de Calendarios Landin www.calendarioslandin.com.mx Presenta restauración.

Jesús Helguera es considerado como el pintor más representativo del arte calendárico en México. Emigró a España junto con su familia a los 7 años. Ahí recibió su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. Regresó a México en 1938 tras el estallido de la Guerra Civil Española y encontró trabajo en la revista “Sucesos para todos”. Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional, conociendo a fondo las tradiciones y costumbres mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de “La leyenda de los volcanes” en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México.

Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24. $400,000.00-$500,000.00 M.N.

61

JAIME SADURNÍ (Veracruz, México)

La tormenta Sin firma Óleo sobre tela 153 x 199 cm Presenta restauración. Al igual que Eduardo Cataño, Jesús Helguera, Luis Améndolla y José Bribiesca, Jaime Sadurní formó parte de los reconocidos artistas de calendario. En su obra acostumbraba plasmar su origen veracruzano, en especial en sus mujeres, las cuales representaba con una belleza idealizada, exaltando la feminidad con sensualidad. También pintó uno que otro tema histórico y realizó ilustraciones publicitarias para empresas privadas, siendo el encargado de diseñar la etiqueta original para el calendario de Tequila José Cuervo en 1964, el cual lo hizo acreedor a ser el artista exclusivo de la Casa Cuervo. Fuente consultada: WHALEY, Jaime. “Los prestigiosos cromos de Cronos”. México. La Jornada, 19 de mayo de 2000. $230,000.00-$350,000.00 M.N.

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Sin título, ilustraciones para Las calles de México, ca. 1944

Firmadas

Tinta sobre papel

35 x 22 cm medidas totales aproximadas de cada una Piezas: 16

Estas son las tintas que José Bardasano realizó para ilustrar el libro: GONZÁLEZ

OBREGÓN, Luis. Las calles de México. México. Ediciones Botas. 1944.

Corresponden a las ilustraciones mostradas en las páginas siguientes de los tomos:

Tomo I: 31, 51, 68, 109, 117, 128 y 149.

Tomo II: 35, 53, 65, 81, 89, 97, 105, 159 y 173.

Procedencia: pertenecieron a la colección de Gabriel Botas.

“Las calles de México” es un libro publicado por primera vez en 1922 que contiene crónicas sobre las diversas calles del centro histórico de la Ciudad de México, tal y como Luis González Obregón las conoció y recorrió a principios del siglo XX.

Cronista incansable, nos cuenta relatos míticos, históricos o de sapiencia popular que dieron nombre, santo y seña a las calles del ahora Centro Histórico. Dentro de los tomos se encuentran narradas historias como la de “La calle del Puente de Alvarado”, que narra la célebre historia de la Noche Triste de Hernán Cortés, “La Llorona”, la leyenda de la Virgen del Perdón en la catedral de México y la historia de la Casa de los Azulejos, entre otros.

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

JESÚS HELGUERA

Óleo sobre tela 196 x 160 cm

Con copia de factura de compra, noviembre de 1991. Presenta restauración.

Jesús Helguera fue un destacado pintor y cartelista chihuahuense conocido por su trabajo con la empresa Galas de México, pues sus imágenes se volvieron tan populares que no había hogar, taller, despacho, restaurante o ferretería que no tuviese en su pared un calendario diseñado por él.

El cine fue una influencia constante para Helguera, y uno de sus temas más exitosos, pues a través de sus pinturas, convertidas algunas de

ellas en calendarios, la gente podía conservar fija la imagen de una escena que había visto en el cine. Así, mediante pinceladas sueltas y colores contrastantes, realizó cuadros llenos de vitalidad en los que fluyen la iconografía y expresividad teatral mexicana, haciéndonos soñar en la época de oro del cine mexicano donde Fernando Soler era el ejemplo de jefe de familia, Jorge Negrete dedicaba serenatas y Pedro Infante cortejaba damas.

Para la mayor parte de su trabajo, utilizó la ayuda de modelos naturales y fotografías, no obstante, siempre los modificó de una manera idealizada, ejecutando a los personajes de acuerdo a su propio gusto y formación para poder representar una sublime historia de la cultura popular mexicana.

Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio oficial del Museo del Calendario www.mucal.mx

$1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N.

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971) El Insurgente Firmado

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Pareja a caballo

Firmado Óleo sobre tela 108 x 90.5 cm

Con copia de factura de compra, noviembre de 1991. Virtuoso del color, dibujante excelso e impecable pintor, José Bardasano creó un arte entre guerras, donde sus carteles se utilizaron como instrumentos revolucionarios y de propaganda. La crítica lo recuerda como el artista que supo imprimir el carácter más bélico y heroico en un cartel. Su inconfundible estilo realista, se adecuó bien a las circunstancias agresivas de la época, no obstante no todos sus temas retrataron su tiempo, ya que utilizó escenas provenientes de ciertos pasajes históricos para expresar aquel sentido crítico, el cual aumentó cuando comenzó a viajar. Fue en su cumpleaños número 25, cuando obtuvo la beca Conde de Cartagena, la cual le permitió ir por primera vez a Francia, Bélgica, Inglaterra y Holanda. Estos tiempos fueron clave para ampliar su bagaje cultural y la conformación de su concepto pictórico. Fue un artista que pintó hasta el último momento, pues la pintura, aparte de entrañar su vía de expresión, fue para él, fundamentalmente una función fisiológica, era su vida misma.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es $300,000.00-$400,000.00 M.N.

65

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ (Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) El nido Firmada y fechada 4 /12 / 99

Acuarela sobre papel 34 x 23.5 cm

Procedencia: perteneció a la colección de Gabriela Eppens. Nacido en Monterrey, Nuevo León, Alfredo Ramos Martínez llegó a la Ciudad de México a la edad de catorce años. Obtuvo una beca para estudiar en la Academia de Bellas Artes donde paso ocho años; sin embargo, nunca se acomodó a la constante adulación de la estética europea ni a la burocracia institucional, por lo que optó por una libertad artística, yendo a pintar al aíre libre, lo que lo hizo observar con atención los fenómenos cotidianos en el espacio abierto del paisaje. En 1891, pintó por encargo la carta-menú de la cena de honor que Porfirio Diaz había organizado en honor a la madre de W. Randolph Hearst, magnate periodístico norteamericano. Estas cartas, cada una individual, causaron tan fuerte impresión, que la señora Hearst pidió conocer al joven pintor y de inmediato le ofreció una beca para vivir y estudiar en París. Este viaje le abrió las puertas para conocer las vanguardias que tanto había estudiado. Rápidamente se acopló al ambiente bohemio parisino y entabló amistad con Amado Nervo y Rubén Darío.

Las interacciones que tuvo el pintor con los poetas, fueron muy simbióticas, enriquecieron sus creaciones artísticas, la cual llegó a ser casi modernista. Llena de ninfas danzando a través de campos de flores, procesiones de hadas ofreciendo ramos y mujeres sensuales, saltan de lo real a lo fantástico y de lo filosófico a lo erótico. De haber estado en París, Gran Bretaña, México y luego Los Ángeles California, Alfredo Ramos Martínez, recreó en una narrativa basada en arquetipos mitológicos mexicanos.

Fuente consultada: sitio oficial de Alfredo Ramos Martínez Research Project www.alfredoramosmartinez.com $42,000.00-$60,000.00 M.N.

66

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ (Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Recuerdos

Firmada 2 veces y fechada 1900

Acuarela sobre papel 35.5 x 25 cm

Procedencia: perteneció a la colección de Gabriela Eppens.

A lo largo de su laureada carrera creó un “nuevo arte mexicano” procedente del México de sus recuerdos, el cual estuvo enriquecido por su comprensión de un pasado cultural en Europa y un espacio nuevo cuando migró a Los Ángeles. Moderno y modernista fue el mundo que rodeó su obra, fue un artista que llevó la historia del arte mexicano hacia un espacio universal. Dibujante incesante, que estuviese donde estuviese, regresaba a casa para trasformar sus esbozos en acuarelas, óleos o pasteles. Como ese Coyoacán del siglo XVI con sus iglesias, y tianguis de frutas y flores, que para él perduraría hasta hoy día, viéndolo así en estas obras primerizas.

El uso del pastel fue una de sus técnicas predilectas, con la cual realizó la mayor parte de su producción, siendo uno de los pocos artistas de la apoca que logró trabajarlo con gran maestría, toda ella con excelentes detalles, gran equilibrio, composición, gran colorido y amplio manejo de tonalidades, texturas y claroscuros, creando así magnificas piezas llenas de belleza y emociones

Fuentes consultadas: GARCÍA, Pilar et al. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, pp. 55 - 56 y sitio oficial de Alfredo Ramos Martínez Research Project www.alfredoramosmartinez.com $42,000.00-$60,000.00 M.N.

67

ENRIQUE CLIMENT

(Valencia, España, 1897 - México, 1980)

Sin título

Firmado Óleo y arena sobre tela 108.5 x 59 cm

Agradecemos a Pilar Climent, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

La producción artística de Enrique Climent fue muy diversa, y parte de su esencia fue construida en México. Apasionado de su oficio, en su pintura hacían frontera con las naturalezas muertas, los lugares imaginarios, los derroteros de la pintura abstracta europea, paisajes con casas como castillos españoles con una atmósfera de ruinas antiguas, omitiendo por partes el color y oscilando entre el humor, la distancia y el olvido. También experimentó con el grabado, la técnica de Teñido batik y como pasatiempo ejercía dibujos y caricaturas los cuales nunca mostraba, pero lo que más trabajó fue la obra de caballete, la cual se distingue por gruesas texturas, mezclas de óleos, tierra y arena; obras que se alejan un poco de la abstracción que llegó a pintar al principio de su carrera, trabajos mucho más íntimos que los muralistas mexicanos, sin discursos tan politizados.

A pesar de que no formó parte del grupo de los grandes creadores de la época, al ser él un artista un poco marginado, su obra es actualmente considerada como una aportación importante y destacada para la estética moderna del siglo XX en México.

Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 268 y sitio oficial del artista: www.enriquecliment.mx

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

68

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Lirios

Firmada y fechada 1899 Acuarela sobre papel 62.5 x 46 cm

Procedencia: perteneció a la colección de Gabriela Eppens.

Alfredo Ramos Martínez fue un afamado pintor de formación académica, discípulo de Félix Parra y Santiago Rebull, entre otros. Constantemente gustaba pintar retratos y paisajes naturalistas. A lo largo de los años, llevó a cabo novedosos proyectos dentro del campo de la educación artística y como muchos otros de sus contemporáneos viajó a Europa para seguir sus estudios, influenciado principalmente por los movimientos vanguardistas.

Alfredo Ramos Martínez logró un espléndido dominio técnico. Por el carácter decorativo que supo trabajar con los temas de flores, tuvo innumerables cuadros de rosas y hortensias realizados en pastel, acuarela y óleo, estuvo supeditada al gusto del público. En ocasiones, la combinación de flores en botón, abiertas, deshojadas y otras caídas podría aludir a los cuadros de vanitas, es decir a la antigua metáfora del ciclo de vida, siendo Francia y Países Bajos grandes representantes de este género. Según Rubén Darío: “Las pinturas de Jean-François Millet y Claude Monet de alguna manera lo dirigieron a esos paisajes de labradores, de molinos, flores y paisajes marino”. Fuentes consultadas: GARCÍA, Pilar et al. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, pp. 55 - 56 y sitio oficial de Alfredo Ramos Martínez Research Project www.alfredoramosmartinez.com

69

ENRIQUE CLIMENT

(Valencia, España, 1897 - México, 1980) Florero Firmado

Óleo sobre tela sobre madera 85 x 59 cm

Agradecemos a Pilar Climent, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Presenta detalles de conservación.

Originario de Valencia, España, Enrique Climent realizó sus estudios en la Academia de San Fernando de Valencia y en la Academia de San Carlos de Madrid, donde se graduó con honores. A partir de entonces, se integró en la vanguardia española de los años 20 y 30, periodo en el cual obtuvo múltiples reconocimientos.

Durante el exilio español, emigró a México en 1939 y desde su llegada consiguió importantes reconocimientos artísticos de destacados críticos e intelectuales. Su carácter y su estilo intimista lo distanciaron naturalmente de las corrientes estridentes del muralismo de esa época que privilegiaban las necesidades del momento. No obstante, quienes se acercaron a él fueron algunos jóvenes pintores que más adelante se les conocería como parte de la generación de La Ruptura.

Su trabajo ha sido descrito como “atemporal” y “universal” con una vena nostálgica originada, quizá, en su condición de exiliado. Al pasar los años, se alejó poco a poco de las galerías y se refugió en su estudio, donde continuó pintando hasta su muerte.

Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 268 y sitio oficial del artista: www.enriquecliment.mx

$190,000.00-$250,000.00 M.N.

70

ALFREDO ZALCE (Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Árbol

Firmado y fechado 1993 Repujado en lámina de bronce 200 x 90 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Presenta mínimos detalles de conservación en la parte inferior.

Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde tuvo como profesores a Germán Gedovius, Leandro Izaguirre y Sóstenes Ortega. También fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1930 fundó la Escuela de Pintura y Escultura en Taxco, Guerrero y en 1944 realizó obras por encargo especial de la Secretaría de Educación Pública, época en la que fue nombrado profesor de la afamada escuela La Esmeralda. Cinco años más tarde, se trasladó a Michoacán para fundar un taller de Artes Plásticas en Uruapan, período en la que también fue elegido Director de la Escuela Popular de Bellas Artes de Morelia y fundó la Escuela de Pintura y Artesanías de Morelia, instalando en esa ciudad su residencia y taller personal.

En 1993, el Museo de Arte Contemporáneo de Michoacán añadió el nombre de Alfredo Zalce, en honor al trabajo de este artista michoacano, es así, que en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras.

Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et al. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, pp. 38-40 y 62.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

71

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Pájaro

Firmada y fechada 95

Escultura en bronce con baño de plata .925 5 / 24 45 x 22 x 14 cm

Con copia de certificado de autenticidad del artista, noviembre de 1996.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2022.

Existe una versión de esta obra en bronce en gran formato, publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO-CONACULTA-INBA, 2000, pág. 160; una versión monumental en: MORENO VILLAREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Los sueños Moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pág. 185 y en el sitio oficial del artista www.juansoriano.net

Presenta detalles de conservación por la naturaleza de la técnica.

Juan Soriano nació en Guadalajara donde vivió hasta su adolescencia, pero fue en la Ciudad de México donde inició su crecimiento artístico, teniendo contacto con la esfera literaria, cultural y bohemia de la época: Luis Barragán, María Izquierdo, José Chávez Morado, Olga Costa y Rufino Tamayo, por mencionar algunos.

Parte de su carrera permaneció alejado de la escuela nacionalista mexicana y los cánones de la modernidad, fue un artista de alta sensibilidad extendida en su colorida obra plástica, trabajando la pintura y la escultura con gran maestría.

Durante los años 2000 tuvo una gran actividad internacional, exponiendo de manera individual y colectiva, destacando la muestra de diez esculturas monumentales en la Plaza de la Constitución de la Ciudad de México para celebrar sus 80 años de vida y la exposición escultórica en la Real Casa de Correos sede de la Presidencia de la Comunidad de Madrid, la cual se tituló “Libre en el Espacio”; de esta muestra se realizó la itinerancia en las ciudades de Budapeste y Berlín. Y por último la exposición colectiva de las esculturas en plata de México de Tane Orfebres, la cual se presentó en Dallas, Texas, en el Meadows Museum y en Southern Methodist University.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 5-17 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

RENÉ PORTOCARRERO

(La Habana, Cuba, 1912 - La Habana, Cuba, 1985) Sin título

Firmada y fechada 78

Tinta y témpera sobre papel 65 x 50 cm

Con documento de inscripción de la Fundación Arte Cubano, marzo de 2002 y certificado de exportación del Registro Nacional de Bienes Culturales de la República de Cuba, septiembre de 2022.

Presenta detalles de conservación.

Su formación como pintor fue esencialmente autodidacta. En 1934 organizó su primera exposición individual en el Lyceum en La Habana. enseñó dibujo en la Cárcel de La Habana, donde posteriormente pintó un mural religioso. Sus dibujos fueron publicados en las revistas “Verbum”, “Espuela de plata” y “Orígenes”. Hacia 1942 comenzó a trabajar en series que tuvieron un gran peso en su estilo personal: “Interiores del cerro”, “Festines” y “Figuras para una mitología contemporánea”, y más tarde desarrolló paisajes campesinos interpretados con un sofisticado lenguaje naif, el cual lo impulsó en la escena de la pintura moderna y lo llevó a exponer en la Julian Levy Gallery y en el MoMA de Nueva York. Fue uno de los pintores de mayor trascendencia en el panorama de la pintura cubana moderna. Incursionó en los retratos femeninos tomando como inspiración el naturalismo clásico, pero con el tiempo ocurrió en su trabajo una transformación sorprendente, tal como los otros integrantes de la corriente denominada “Primera vanguardia pictórica”, surgida en Cuba en los años cuarenta, etapa en la que artistas como Mariano Rodríguez, Eduardo Abela y Amelia Peláez fueron trazando una ruta propia hacia nuevos paradigmas en su lenguaje artístico. Desarrolló la figura femenina en diversas series como las que emergieron en los años sesenta y setenta; mujeres con sombreros, rostros coronados por flores que las hacía devenir símbolos de la primavera. Fuentes consultadas: ORAMAS, Ada. “Color de Cuba en Portocarrero”. Cuba. Revista Cubahora, sección Cultura, 24 de febrero de 2012 y sitio oficial de Fundación Arte Cubano www.fundacionartecubano.org

73

ANTONIO BERNI

(Rosario, Argentina, 1905 - Buenos Aires, Argentina, 1981)

Juanito cazando pajaritos, de la serie Juanito Laguna, 1961 Firmado

Xilocollage sobre lona sin número de tiraje 174 x 128 cm

Un ejemplar de este Xilocollage con diferente tiraje, pertenece a la colección de la Organización Castagnino + Macro.

Artista comprometido, político y controversial, Antonio Berni es considerado uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX. Siempre atento a las tendencias contemporáneas, pero sin perder la fuerza de su arte enraizado en la realidad social y política, experimentó con diferentes técnicas, soportes y materiales que respondían a las experimentaciones artísticas del momento que aprovechaba para relatar la realidad directamente y sin embellecimientos. La serie “Juanito Laguna” es un ejemplo de esta mirada inquieta y analista, donde se basa en un personaje arquetípico que representa la realidad Argentina y Latinoamericana. Esta serie fue enviada junto a diez collages y cinco dibujos a la XXXI Bienal de Venecia, donde este personaje simbólico fue el protagonista de la puesta Argentina, llevándose el Gran Premio de Grabado.

La primera imagen conocida de Juanito Laguna fue creada en 1956 por el artista en una pintura compuesta de desechos que se relacionaban con el suburbio y los sectores marginales por los que Berni inclinó su preocupación estético - ideológica, para defender a las clases desposeídas. En su pieza aparece un niño delgado que carga un baldecito y una cacerola, símbolos del juego y de las necesidades.

Esta pieza fue la antesala del nuevo lenguaje artístico que desarrolló en los años 60 mediante sus pinturas - collage, posteriormente la idea la mudó al lenguaje gráfico, creando xilocollages a través de la incorporación de objetos sobre la plancha de madera, logrando emplastes de texturas de importante volumen que reforzaban los conceptos trabajados en años anteriores.

Juanito encarna la denuncia de un contexto que parece no incluirlo, inserto en un cúmulo de iconografías que lo enmarcan y demuestra una realidad contrastante entre la periferia y centralidad.

Fuentes consultadas: RABOSSI, Cecilia, “Antonio Berni cuenta la historia de Juanito Laguna”, en Antonio Berni a 40 años del Premio de la XXXI Bienal de Venecia 1962-2002, cat. exp., Buenos Aires, Centro Cultural Recoleta, 2002, pág. 11 y sitio oficial de Castagnio + Macro www.castagninomacro.org $160,000.00-$260,000.00 M.N.

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JUAN CRUZ REYES

(Ciudad de México, 1910 - Ciudad de México, 1991) Sirena

Firmada y fechada 1980

Escultura en bronce en base de mármol 41 x 28 x 18.7 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Fernando Cruz, hijo del artista. Fue un escultor y docente mexicano, egresado de la Academia de San Carlos y perteneciente al entonces Instituto de Investigaciones Etnográficas de la UNAM. En 1940, trabajó como maestro con Francisco Zúñiga en la Escuela de Escultura y Talla Directa. También, colaboró con Guillermo Ruiz en diversas obras para el estado de Michoacán, comisionadas por Lázaro Cárdenas, como el monumento a José María Morelos en la isla de Janitzio y la escultura consagrada a Gertrudis Bocanegra en Pátzcuaro. Actualmente es considerado uno de los escultores mexicanos más representativos del siglo XX.

Fuente consultada: sitio de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx $75,000.00-$90,000.00 M.N.

75

GUNTHER GERZSO (Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Sin título Firmada y fechada 38 Mixta sobre papel 46 x 40 cm

Con dedicatoria al actor Rolf Engelhardt. Agradecemos al Sr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre de 2022. Mientras artistas como Joaquín Torres-García, Roberto Matta y Wifredo Lam transformaron la cultura latinoamericana abriéndola a influencias europeas modernas, Gunther Gerzso ganó cierta fama como escenógrafo. En los años 30 diseñó escenarios y vestuarios para puestas en escena modernizadas de Shakespeare y Molière. En 1935 fue contratado por Celveland Playhouse, uno de los principales teatros regionales en Estados Unidos. Llegó a la compañía de teatro primero como estudiante, pronto obtuvo reconocimiento por su habilidad al realizar diseños, los cuales fueron utilizados en numerosas producciones.

Estos trabajos, sin un entrenamiento formal, ayudaron a madurar su estilo, tienen fuertes reminiscencias a la obra de Pablo Picasso y Henri Matisse. Su labor en el Cleveland Playhouse fue importante en la maduración de su estilo y le dio las bases para transicionar a su regreso a México al abstraccionismo puro.

Fuente consultada: RIVAS GODOY, Dulce María. Gunther Gerzso. Los diagramas luminosos de un creador multifacético. México. Instituto Cultural de Aguascalientes. 2009, pp. 6-11. $130,000.00-$250,000.00 M.N.

76

ARNOLD BELKIN (Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Hombre y mujer Firmado y fechado 59 al frente. Firmado y fechado 1959 al reverso Óleo sobre tela 60 x 80 cm

Presenta detalles de conservación. Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022. Habiendo estudiado en la Vancouver School of Art y en la Banff School of Fine Arts en Canadá, Arnold Belkin se trasladó a México a los 18 años, país donde estructuró formalmente su carrera artística. El interés que tuvo por el arte mexicano comenzó cuando descubrió la pintura de Diego Rivera a través de la revista “Time”, decidiendo entonces estudiar arte en La Esmeralda, lugar en el que compartió estudios con Agustín Lazo y Carlos Orozco Romero; paralelamente participó en el Taller de Ensayo de Materiales y Plásticos del profesor José L. Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional y fungió como ayudante de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales para la Aduana de Santo Domingo y para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Precisamente, bajo estas grandes influencias artísticas fue que Arnold Belkin empezó a pintar sus propios murales y el medio comenzó a conocerlo como “el hijo canadiense del muralismo mexicano” por su gran talento. Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Para disfrutar el infinito. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, México, 1998, pp. 13 - 17.

DAVID ALFARO SIQUEIROS (Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Sin título

Firmada Fotografía intervenida sobre cartoncillo 32 x 26.5 cm

Procedencia: perteneció a la colección del Lic. Gustavo Díaz Ordaz. Presenta ligeros detalles de conservación. David Alfaro Siqueiros siempre fue un hombre atento a los acontecimientos del mundo que lo rodeaba. Participó en las batallas de la Guerra Civil Española al lado de los republicanos, donde se ganó el apodo de “Coronelazo” por su aguerrida entrega en los combates. A su regreso a México en 1939, trabajó sin cesar en su pintura de caballete y murales, los cuales se albergan en importantes museos, universidades y edificios públicos y privados. Fue un artista de alma viajera, recorrió Latinoamérica y Estados Unidos, en donde estableció un taller experimental y en el que tuvo como alumno a Jackson Pollock. Su rica personalidad artística hizo que como ningún otro, ejecutara obras dignas de ser patrimonio nacional. Fue un hombre de convicciones fuertes, tanto en lo político, hecho que lo hizo ser encarcelado en tres ocasiones, como en lo artístico. Hasta sus últimos días fue defensor de un arte completamente nacional.

Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. Textos de David Alfaro Siqueiros. México. Fondo de Cultura Económica, 1998, pág. 167 y sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx

DAVID ALFARO SIQUEIROS (Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Paisaje Firmado

Desde 1946 el género paisajístico comenzó a ser un tema recurrente en la producción de David Alfaro Siqueiros. Sus viajes alrededor del mundo, así como el exilio que tuvo que vivir entre las sierras chiapanecas y su posterior huida a Sudamérica influyeron en la versatilidad de sus piezas con características geográficas, como barrancas, cumbres, pedregales, lagunas, selvas y cañones, sino que sirvieron en la exploración de perspectivas, composición y textura. Parte de esta producción fue producto de una famosa sesión fotográfica al aire libre planeada por Siqueiros y llevada a cabo en conjunto entre 1940 y 1946 con el fotógrafo colombiano Leo Matiz.

Las obras que realizó en la década de los 50 denotan la modernidad que va de la mano con la tecnología y el progreso del que fue testigo el sexenio presidencial de Miguel Alemán. El muralista siguió el paso de las transformaciones de la planeación urbana, pintó pronunciadas vistas aéreas de paisajes que poco a poco se modificaban para dar paso al desarrollo urbano. Estas obras fueron resueltas en un espectáculo de formas geométricas en volumen captadas desde el aire, soluciones que consideró aplicar para el arte de su tiempo. Consideraba interesante tomar elementos partiendo siempre de un realismo, pero evitando las imitaciones y sin una intención descriptiva. En este cuerpo de obras pintó formas inesperadas logradas con su método de “accidentes controlados”, que nació en el “Siqueiros Experimental Workshop” de Nueva York en 1936 y que se caracterizaba por convertir el soporte de la obra en una arena abstracta sobre la cual se lanza al azar pintura desde las latas de piroxilina. Combina también sus ejercicios esculto-pictóricos aplicando empastes gruesos y retomando enseñanzas de sus grandes maestros y contemporáneos, como la maestría para pintar una atmósfera de José María Velasco y las perspectivas curvilíneas de Dr. Atl, así como la teoría de Luis G. Serrano acerca de la representación esférica de la naturaleza. Fuente consultada: MARÍN, Manuel et al. Siqueiros paisajista. México. Museo de Arte Carrillo Gil, Museum of Latin American Art, 2010, pp. 29-31.

VLADY (Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

El héroe

Firmado al frente. Firmado y fechado 1948 al reverso México Óleo sobre tela 157.5 x 130 cm

Publicado en: TARACENA, Bertha. Vlady. México. Universidad Nacional Autónoma de México - Dirección General de Publicaciones. 1974, pág. 63, catalogado 7.

Presenta detalles de conservación y desprendimientos de capa pictórica. Nació durante el periodo bélico en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Luiba Rasákova, provenía de una familia judía. Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Recién llegado a México, Vlady tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera y el arte revolucionario, experiencia que marcó de manera determinante en su estadía y su vida. Mantuvo contacto con André Breton, Wifredo Lam y otros maestros muralistas como Diego Rivera.

Entre las piezas de gran formato realizadas por Vlady destaca el fresco pintado en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada encargado por el expresidente de México, Luis Echeverría Álvarez en 1971, el cual realizó en un periodo de diez años y es considerado uno de los sitios emblemáticos del muralismo mexicano. Además en la colección de la Casa Museo León Trotsky se encuentran las piezas “El instante” y “Magiografía bolchevique”, de la Colección del Museo de Arte Moderno es distintivo el fresco “Viena”.

Artista de personalidad inquieta e impulsiva, la obra de Vlady fluctúa entre el realismo figurativo y la semiabstracción, donde el color, la forma y el movimiento recrean ambientaciones barrocas. En su obra, el tema-imagen se manifiesta por medio de la agilidad del trazo, el sentido del humor y la maestría en la ejecución.

Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135. $300,000.00-$500,000.00 M.N.

80

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Carnaval con flores Sin firma

Acrílico sobre tela 200 x 143 cm

Con certificado de autenticidad de Gabriel Nishizawa, agosto de 2022.

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Con dos etiquetas del Taller Museo Nishizawa.

Presenta mínimos detalles de conservación.

Las obras del Maestro Nishizawa llevan una mezcla cultural innegable, hijo de padre japonés y madre mexicana, plasmó siempre en su quehacer artístico una mezcla de identidades, desde las técnicas utilizadas hasta los temas que plantea en su pintura. Además del paisaje, el maestro tenía un interés particular por la cultura en sus diferentes expresiones, realizó expediciones para visitar diferentes comunidades y convivir con ellos y sus tradiciones, creando un repertorio de escenas que pasaban

por su filtro artístico para darles un halo de magia y misticismo. Elementos como la tierra, la máscara y el cuerpo en movimiento fueron utilizados para contarnos acerca de su experiencia ante los rituales y momentos que presenciaba.

“Luis Nishizawa fue muy versátil en las temáticas y técnicas de sus trabajos. En sus óleos, cerámicas, murales, acuarelas y aún piñatas de diferentes diablos, lo que se representa es México con todo su esplendor e iconografía, con todos sus miedos y glorias […] La gente del México profundo halla manifestación en sus lienzos. Se refleja el espíritu indígena y se muestra como lo que es, alma de la nación e historia que nos constituye y dota de significados. Dentro de las representaciones femeninas que realizó, se muestran algunos desnudos que se colocan en un lugar-no lugar, acompañados por elementos que, más que aportar a la composición, aportan a la narrativa. Este juego nos hace entender que lo importante en la pieza es el cuerpo”. Fernando Pérez. Fuente consultada: PÉREZ, Fernando. “Luis Nishizawa”. México. Revista Horizontal, sección De Reojo, 17 de septiembre de 2014. $970,000.00-$1,200,000.00 M.N.

81

ÁNGELA GURRÍA (Ciudad de México, 1929 - ) Jaguares, 2020 Firmadas

Esculturas talladas en cantera 3 / 4 20 x 44 x 7.5 cm cada una Piezas: 2

Con certificado de autenticidad de la artista, agosto de 2020.

Ángela Gurría es un referente de la escultura nacional y contemporánea, estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, ha sido docente de escultura en la Universidad Iberoamericana, fue la primera mujer aceptada en la Academia Nacional de las Artes y colaboró con los escultores Mathias Goeritz, Geles Cabrera y Juan Luis Díaz.

Entre sus piezas representativas se encuentran los bustos de personajes como Benito Juárez, Rufino Tamayo y Jorge Carpizo. Realizó “Río Papaloapan” que se ubica en el vestíbulo del Museo de Arte Moderno, así como la escultura “Espiral caracol” en el Fraccionamiento el Bosque, ambos en la Ciudad de México.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en el Polyforum Cultural Siqueiros, en el Salón de la Plástica Mexicana, en la Galería Juan Martín, en el Palacio de Bellas Artes y en el Museo Tamayo.

“Ángela Gurría es la gran escultora de México. Su trayectoria, su producción artística, su calidad estética, su diversidad de contenidos, sus cualidades plásticas, su fuerza crítica y su acercamiento a la grandeza son un referente en la historia de la plástica mexicana”. Gabriela Iraztorza Zatarain. Fuente consultada: IRASTORZA DE ZATARAIN, Gabriela. Ángela Gurría. La gran escultora de México. México. Arte Hoy Galería, 2013. pp. 8, 98 y 99. $380,000.00-$500,000.00 M.N.

82

RODOLFO NIETO (Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Cabras V, 1971 Sin firma Óleo y collage de papel sobre masonite 122 x 94 cm

Exhibido en: “ Homenaje a Rodolfo Nieto”, muestra presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO de febrero a mayo de 1995.

Con etiquetas del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO y de Galería Arvil. Propiedad de Morton Préstamos $600,000.00-$1,000,000.00 M.N.

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmados y fechados 2007

Óleo sobre tela, díptico 251 x 299 cm cada panel 251 x 598 cm medidas totales del díptico

Con certificado de autenticidad de Art Forum firmado por Eva Beloglovsky, septiembre de 2014. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

$2,800,000.00-$5,000,000.00 M.N.

84

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

Jaula de conejos Firmado y fechado 1957 al frente. Firmado y fechado 9 nov 1957 dos veces al reverso Óleo sobre tela 91 x 125 cm

Presenta ligeros detalles de conservación. “Amo la pintura más que a mí mismo. Es un sentimiento que se parece a la fe religiosa o a la ideología mesiánica y que permite que haya razones para vivir que no sean subjetivas. Uno no pinta para vender a un negociante. Uno pinta porque hay un imperativo categórico que viene de lejos y va más lejos aún”. Vlady. Fuente consultada: RENS, Jean Guy, Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121- 135. $160,000.00-$220,000.00

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Sin firma

Escultura en bronce 209 x 126 x 64 cm

Con certificado de autenticidad de Art Forum firmado por Eva Beloglovsky, septiembre de 2014.

Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Presenta detalles de conservación.

Desde muy joven manifestó sus inquietudes artísticas. Su padre, que era comerciante y campesino, fue un apasionado de la literatura y, además, tocaba el violín en una banda de jazz. Así, el pintor creció en un ambiente ligado a las expresiones de la cultura de una manera natural. En 1964 montó su primera exposición individual y desde entonces realizó más de sesenta muestras en los principales museos y galerías de México y diferentes ciudades de Estados Unidos, Europa y Latinoamérica.

Un hecho singular dentro de su trayectoria como artista plástico aconteció cuando, siendo muy joven, el famoso actor estadounidense Vincent Price adquirió todas las obras que conformaban su primera exposición individual, llamándolo así “un Picasso mexicano”.

“Cargadas de movimiento y de ritmo, de erotismo y potencia, las esculturas de Byron Gálvez nos hacen recordar la función sagrada del arte en tercera dimensión y él constituyó un milagro del bronce […] Su producción en tercera dimensión es una suerte de traslación de sus personajes pictóricos y, por consiguiente, de aquellos que se mueven y habitan y actúan dentro de su obra gráfica […] La escultura es una disciplina que dominó y en la cual logró una originalidad incomparable, en ella encontró un tipo diferente de ideas, de soluciones formales, de procesos constructivos”. Eva Beloglovsky.

Fuentes consultadas: “Byron Gálvez, de la Academia a la Eternidad”. México. Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, 2014 y sitio oficial del artista www.byrongalvez.com $700,000.00-$900,000.00 M.N.

86

RODOLFO NIETO (Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Paisaje petrolero, 1974 Firmado

Óleo sobre tela 96 x 129 cm

Con etiqueta de Galería Estela Shapiro y de Robert Noortmann Gallery. Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada ciudad luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963.

Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el “Manual de Zoología Fantástica” de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa.

Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana. Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor.

Murió a los 49 años de edad, dejando trunca su fructífera carrera.

Actualmente su obra es considerada de gran importancia para la historia del arte mexicano del siglo XX y figura en importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y diversos países de Europa.

“Lo interesante de él era la búsqueda, la inquietud y la falta de satisfacción que sentía con lo que hizo, que es un síntoma de indudable talento. Era un hombre inteligente, un pájaro raro”. Octavio Paz.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx $1,200,000.00-$2,500,000.00 M.N.

87

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Paisaje

Firmado y fechado 83 Óleo y arena sobre cartón 16 x 22 cm

Con certificados de Galería López Quiroga, uno fechado diciembre de 1993 y otro fechado abril de 1994. Con recibo de compra de Galería López Quiroga, diciembre de 1993.

Agradecemos al Sr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre de 2022.

Con etiqueta de Galería López Quiroga.

“Lo que primero le atrae a Gerzso es el color, un color limpio, muy refinado, rico en resonancias que cantan con luz. A Gerzso le apasionó una imagen de la realidad con estilo diferente de sus coetáneos. Su planteamiento fue tan radical que su resultado es totalmente de otra índole. La pintura en sí misma es su propio contenido. Un arte de relaciones y proporciones puras basado en ritmos dinámicos. No deseó representar ningún antecedente directo de la pintura, del mundo de la experiencia objetiva. Sino pintar estructuras mentales, sonoras de reflejos recíprocos, ejerciendo influjo sobre el sentimiento y la inteligencia, comunicando una vivencia hecha visible, hecha real”. Luis Cardoza y Aragón.

Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Gunther Gerzso. México. UNAM, 1972, pág. 9. $500,000.00-$600,000.00 M.N.

Firmada

Mixta sobre tela sobre madera, doble vista 61.5 x 75 cm

Con dedicatoria firmada y fechada 1994 al reverso Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Manuel Felguérez fue un artista implacable y analítico, un pintor libre y un escultor rígido que tras su fuerza reveladora creó su propio estilo.

Estudió en la Academia de San Carlos, en La Esmeralda y en la Académie Colarossi en París. Formó parte de la generación de La Ruptura, junto a otros importantes artistas como Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Lilia Carrillo, quienes destacaron por componer obras fundamentalmente abstractas, renovando por completo el lenguaje artístico en México.

En sus obras experimentó con las formas, la materia y el color. Cada una es una aventura, siempre ordenada, analítica y abstracta. Si bien la tecnología fue un compromiso artístico para Manuel Felguérez, con su uso, aumentó su producción plástica y realizó diversos proyectos que poco a poco fueron recibidos con elogios. En 1975 por las obras de “El espacio múltiple” obtuvo la beca Guggenheim, uno de los subsidios de arte más importantes a nivel internacional. Ese mismo año, fue galardonado con el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, una de las exposiciones de arte moderno más importantes de Latinoamérica. Es considerado el pintor más intelectual de su generación, sus obras se pueden encontrar en museos e importantes colecciones mexicanas y extranjeras.

Fuentes consultadas: GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31 y MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 259.

$480,000.00-$600,000.00 M.N.

MANUEL FELGUÉREZ (Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Sin título

Anverso

Reverso

GUNTHER GERZSO

Gunther Gerzso fue un artista de diversos mundos. Nacido y criado en México, se educó en Suiza, donde vivió un tío que era historiador de arte y coleccionista. En este tiempo se relacionó personalmente con Paul Klee y descubrió el abstraccionismo de Kandinsky, así como la prosa espiritual de Herman Hesse, quien era vecino de su tío.

Posteriormente vivió en Cleveland, Ohio, al inicio de su carrera profesional; estas experiencias le dieron un panorama sumamente amplio del arte. Discreto, meticuloso, organizado, responsable, con agudo sentido del humor, Gunther Gerzso no mostró orientación pictórica pero sí formación familiar en el tema de la apreciación del arte y del coleccionismo.

Antes de dedicarse a la pintura, Gunther Gerzso se desempeñó como escenógrafo en la industria cinematográfica de México durante la llamada Época de oro, con directores de la talla de Luis Buñuel, Alejandro Galindo, Roberto Gavaldón y Emilio El Indio Fernández. También colaboró en el ámbito teatral nacional, al realizar escenografías para montajes en el Teatro Orientación y otros importantes foros.

En 1950, Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, donde expuso periódicamente. Esta primera exhibición obtuvo opiniones divididas por parte de la crítica, quien calificó en un inicio su arte como “carente de mexicanidad”.

En 1978 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el rubro de Bellas Artes. Cuatro años más tarde, la Sociedad Mexicana de Ingenieros y Arquitectos le encargó una escultura en plata, por la cual recibió el premio nacional al "Arquitecto e Ingeniero más connotado del año" otorgado por dicha asociación. En ese mismo período, la galería Mary-Anne Martin Fine Art de Nueva York realizó la primera exposición de Gerzso en los Estados Unidos. Casi al mismo tiempo, la Galería de Arte Mexicano realizó una exposición conjunta de 25 obras de Gerzso en el Foire Internationale d'Art Contemporain en París, uno de los eventos de arte contemporáneo más importantes a nivel internacional. En 1994 obtuvo la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico que otorga la Cineteca Nacional. La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas lo reconoció con el premio Ariel de Oro en 2000 por su trayectoria en el séptimo arte.

Fuente consultada: DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España, Santa Barbara Museum of Art, CONACULTA, 2003, pág. 304.

GUNTHER

Gunther Gerzso, fotografía de Gilda Roel

89

GUNTHER GERZSO (Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Arcano III

Firmado y fechado 90 al frente. Firmado y fechado II - 90 al reverso Óleo sobre tela 140 x 112.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, octubre de 1994. Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre de 2022. Publicado en: EDER, Rita. Gunther Gerzso. El esplendor de la muralla. México. Consejo Nacional para la Cultura y las ArtesEdiciones Era. 1994, pág. 149, catalogado 111.

Con etiquetas de Galería López Quiroga y de Galería de Arte Mexicano. Perteneció a la generación de creadores que le abrieron paso a la abstracción en el arte nacional. Su obra es distinguida por un constructivismo derivado del cubismo; posee limpieza geométrica y volumetría que recuerda a los templos prehispánicos en un sentido místico, exaltando componentes mágicos.

Exploró sobre el pasado de México, no en un sentido de búsqueda de identidad colectiva, sino personal. Creó una abstracción enraizada en la arquitectura, comprometiéndose con el espíritu nuevo de lo internacional y con las posibilidades emocionales y poéticas que conformaban a la abstracción.

Tenía una fascinación especial por las tradiciones mexicanas y el arte precolombino, no obstante, abrazó ideas modernas como el psicoanálisis. Asimismo, se acercó al grupo de artistas exiliados en México afines al surrealismo, integrado por Remedios Varo, Leonora Carrington, Kati Horna y Wolfgang Paalen.

Un momento clave en su carrera ocurrió durante un viaje a Yucatán, donde visitó Uxmal y Chichen Itzá, lo cual reforzó su convicción de realizar un arte genuinamente relacionado con México. Su amistad con Miguel Covarrubias y Wolfgang Paalen contribuyó a afianzar sus ideas sobre la calidad estética de las piezas arqueológicas halladas en nuestro territorio.

El mundo indígena se volvió clave, entonces, en el estilo de corte arquitectónico y abstraccionista que desarrolló, caracterizado por una superposición de fragmentos cuadrangulares asimétricos: volúmenes acomodados de forma excesivamente ordenada que evocan los basamentos prehispánicos como si fueran vistos desde arriba.

Perteneció a una generación de creadores que abrieron el paso a la abstracción en nuestro país como un género de propuestas plásticas y poéticas que por sí mismas se sostienen más allá de cualquier referencia literaria o histórica.

Fuentes consultadas: DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España, Santa Barbara Museum of Art, CONACULTA, 2003, pág. 304

RIVAS GODOY, Dulce María. Gunther Gerzso. Los diagramas luminosos de un creador multifacético. México. Instituto Cultural de Aguascalientes. 2009, pp. 6-11."Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo". México. Nación Multicultural UNAM, 2001 y "Gunther Gerzso, figura clave del arte mexicano". México. Milenio, sección Cultura, 21 de abril de 2020. $13,100,000.00-$15,000,000.00 M.N.

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FERNANDO DE SZYSZLO (Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017) No. 5, de la serie Runa Macii Firmado

Acrílico sobre tela 100 x 80 cm

Con copia de recibo de compra de Galería Juan Martín. Con etiqueta de Galería Juan Martín. Presenta detalles de conservación.

Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural “Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estudió, estilizó y poco a poco fortaleció. De regresó a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, rescatando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60, su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70, su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de diversos países de América y Europa. Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la PUCP y en las Universidad Cornell y Yale. Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, pág. 49, sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Mensaje

Sin firma Lámina perforada 70 x 70.5 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre de 2021.

En 1958 un acontecimiento lamentable hundió a Mathias Goeritz en una desoladora depresión: la muerte de su esposa Marianne Gast. Aunque el matrimonio se había separado tiempo antes, al saber que ella enfermó y fue operada de un tumor cerebral, pasó los últimos meses a su lado. Este hecho tan doloroso lo llevó a crear una serie de obras en las que enfatizaba la tristeza; afortunadamente ayudaron a desahogar sus sentimientos, una catarsis que cobró forma en la serie “Mensajes”.

El retorno hacia el mundo interior lo hizo producir, en un continuo afán de salvarse como artista, unas creaciones compuestas con clavos y otras con hojalata, cuyo significado basaba en textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento. El artista los definió como “clouages”. La mayoría eran constelaciones rítmicas logradas a través de clavos superpuestos o perforaciones en hojas de metal. Con el uso de esa técnica, el artista lograba una gran variedad de expresiones, pero debe entenderse que el diseño abstracto sólo es la palabra en el verso bíblico; si al principio designó estos trabajos como “Paños de sudor”, retiró esta denominación por parecerle demasiado efectista y los llamó simplemente “Mensajes”.

En esta época, proclamaba ideas en pro de un arte espiritual, universal y metafísico. Los “Mensajes” podrían considerarse, entonces, decoraciones simbólicas que a juicio del artista, infunden un halo de espiritualidad a través del resplandor dorado en su interacción con la luz.

Con obras como los “Mensajes”, cargadas de una función espiritual, pretendía hacer una extensa una crítica hacia la arquitectura moderna a la que atribuía un empobrecimiento de la experiencia en razón de la funcionalidad. Propuso entonces lo que denominó arquitectura emocional. Emoción que se convierte en asombro del espectador que reacciona ante el resplandor dorado o ante la monumentalidad de obras públicas como las torres de Satélite.

La primera vez que exhibió esos trabajos dentro de una exposición retrospectiva en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México en 1959, provocó extrañeza entre el público apenas acostumbrado a sus propuestas anteriores. La Carstairs Gallery de Nueva York, repitió esa exposición en marzo de 1960, acontecimiento que fue ampliamente discutido dentro de los círculos artísticos de esa ciudad. En ese marco, Goeritz escribió e imprimió una protesta contra el MoMA, se instaló frente al museo y distribuyó ese material. Esta fue su primera rebeldía pública contra el relativismo destructivo del arte contemporáneo y el primer llamamiento en pro de un arte espiritual y metafísico. Proponía una postura religiosa como única salida a aquella revolución artística. Al tomar partido contra el nihilismo de Marcel Duchamp y contra el ateísmo de los artistas modernos, señaló cuál sería su camino en el futuro.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, No. 80, marzo - abril de 2006, pp. 4-27, KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, pág. 137 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

$2,500,000.00-$3,500,000.00 M.N.

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EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012) Mariposa

Firmada y fechada 1999

Escultura en aluminio laqueado 51 x 55 x 55 cm

Con certificado de autenticidad de Casa Negret.Buitrago firmado por el artista, diciembre de 2018.

Procedencia: adquirida en Casa Negret.Buitrago, Bogotá Colombia

Exhibida en: “Homenaje Edgar Negret”, muestra presentada en Galería LGM en Bogotá, Colombia, del 14 de febrero al 18 de marzo de 2013. Presenta mínimos detalles de conservación.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali, Colombia, donde elaboró figuras convencionales, influenciado por el arte religioso de las iglesias en su ciudad natal. Se encontró posteriormente con el artista vasco Jorge Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna. Entre 1944 y 1948 trabajó una serie de yesos que anticiparon su inventiva; cabezas de personajes como Walt Whitman y Gabriela Mistral, las cuales obtuvieron reconocimiento a nivel internacional.

Continuó con su formación en el Clay Club Sculpture Center de Nueva York, donde experimentó con el ensamblaje de láminas metálicas y alambres, materiales que se convirtieron en parte de su identidad como artista. En la década de los 50 se instaló en Europa, donde conoció a Antoni Gaudí y después se mudó a Nueva York, donde ejecutó la serie “Aparatos mágicos”, que constaba de piezas geométricas, coloridas y elaboradas en aluminio. Estas fueron presentadas en la Bienal de São Paulo de 1957. En la 34° Bienal de Venecia recibió el Premio Internacional de Escultura David E. Bright. Con su obra buscaba reflejar el mundo contemporáneo de la invención científica, la estética de la máquina y la geometría abstracta. Se sentía atraído por formas mecánicas de origen industrial, que él mismo denominó “símbolos de nuestra era”. Ruedas, tuercas, tornillos o láminas curvadas que conjugaba armónicamente con formas y colores entre los que sobresalen el rojo, azul y negro.

Sus obras se encuentran en colecciones como la del MoMA de Nueva York, el Museo Stedelijk de Ámsterdam y el Museo de Arte Moderno de Bogotá, entre otras.

Fuentes consultadas: “Edgar Negret, el escultor que quería ser santo”. España. El País, sección Cultura, 11 de octubre de 2016 y sitio oficial de la Red Cultural del Banco de la República en Colombia www.enciclopedia.banrepcultural.org

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JESÚS RAFAEL SOTO

(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005)

Multiple S, ca. 1993

Sellado con firma del artista al reverso Ensamble de metal sobre placa de plexiglás con tinta serigráfica 31 / 100 42 × 42 ×12 cm

Publicado en: sitio oficial del artista www.jesús-soto.com

Presenta ligeros detalles de conservación.

Jesús Rafael Soto fue un pintor y escultor exponente del arte Cinético y el Op Art. Recibió su formación académica en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas. Desde temprana edad se interesó por el arte geométrico y el constructivismo.

En 1950, mientras fungía como Director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo e intrigado por las obras de Malévich y Mondrian, recibió una beca y se mudó a París, animado por su amigo, el pintor venezolano Alejandro Otero. Pronto expuso en el Salón de Réalités Nouvelles, donde conoció a Yris Clert, Vasarely e Yves Klein, entre otros.

En 1953 exploró la tridimensionalidad al superponer dos placas de plexiglás pintadas que parecen animarse con el movimiento del espectador. Siguiendo este mismo procedimiento, realizó en 1957 sus primeras obras, intituladas “Vibration”, constituidas de marañas de hilos de metal y de materiales que conseguía en la calle, colocados sobre una superficie estriada en blanco y negro, creando así el efecto “moiré”. Soto fue radicalizando y sistematizando la utilización de esta trama como soporte, superpuso elementos diversos que aparecen y desaparecen de acuerdo al movimiento del espectador, dejando entrever un espacio “intersticial”: la vibración, el vaivén de lo invisible y lo visible.

En 1967 realiza sus primeros “Penetrables”, obras entonces compuestas de varillas de metal o de filamentos de nylon suspendidos en el espacio. Ahí produjo sus primeras pinturas, basadas en la repetición y progresión de elementos simples, cuya distribución es determinada por un sistema que recuerda a la música.

El Museo de Arte Moderno Jesús Soto abrió en 1973. De los 70 a los 90 exhibió su trabajo en diversos espacios reconocidos internacionalmente, como el MoMA y el Guggenheim en Nueva York, así como en el Centre Pompidou en París.

consultada: sitio oficial del artista www.jesus-soto.com

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CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2019) Stitge Firmada

Litografía 74 / 75 100 x 24.8 cm medidas totales

Impresa por Ediciones Polígrafa, Barcelona, España.

Practicó la disciplina del investigador y del experimentador, porque los “soportes” que ha logrado estructurar son fuente de sorpresas y de imponderables reacciones. “Pongo en juego trampas de luz acordes con el comportamiento del color. En mis obras nada está hecho al azar, todo está previsto, programado y codificado. La libertad y lo afectivo sólo cuentan a la hora de elegir y combinar colores, tarea a la que impongo una única restricción: ser eficaz en lo que quiero decir. Es una integración de lo racional y lo afectivo. Yo no me inspiro: reflexiono”.

Carlos Cruz-Diez es uno de los artistas actuales más importantes de Latinoamérica; ha dedicado su obra al elemento primordial para la vista: el color. A través de cada una de sus piezas busca generar transformación y mutación con cada paso del espectador, lo va invitando a reflexionar sobre conceptos como la realidad y la percepción. Aunque estos conceptos suelen vincularlo con el cinetismo es importante detallar que el tema central para él es el color y la relación de un espectador activo el cual será sometido a los límites de su sentido de la vista, situándolo en un ambiente coloreado que lo invita a reflexionar sobre una pregunta tan básica como ¿Qué veo cuando veo? Carlos Cruz-Diez, antes de entrar a la Academia de Artes Plásticas, ya estaba maravillado por el mundo del color, las proyecciones de luz sobre los planos de diferentes tonos que lo envolvían en el mundo.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

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ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN”

(Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Torus isotópico

Firmada y fechada 2005

Escultura en fierro con esmalte acrílico 68.5 x 60 x 40 cm

Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 2013.

Presenta detalles de conservación.

Existe una versión monumental de esta obra realizada en 2002, se encuentra dentro del fraccionamiento Bosque Real Country Club, Estado de México, además de gráficas e ilustraciones digitales.

“La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier.

Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pág. 42. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

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JESÚS MAYAGOITIA

(Ciudad de México, 1948 - )

Conoide 20, 2020

Firmada Escultura en bronce 1 / 5 60.7 x 26 x 36 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: VILLA, Enrique y SÁINZ, Luis Ignacio. Conoides. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy Galería. 2021, pp. 54 y 55. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y ha realizado labores como docente en la misma institución. La obra de Jesús Mayagoitia se encuentra indudablemente marcada por la geometría; un purista de la línea, sus trazos se escapan del plano para materializarse en el vacío, dando color a la ausencia, proporcionando forma y figura al espacio. A lo largo de su trayectoria desarrolló diferentes etapas, la primera es conocida como “Escultura modular” que comprende su producción de 1977 a 2000. En estas piezas, el secreto de su técnica está en la soldadura, que permite la convivencia de diversos módulos, a veces de distintos tamaños, en un equilibrio geométrico de proporciones exactas. Ha presentado su obra en más de 100 exposiciones colectivas y 30 individuales. Ha recibido importantes reconocimientos en México y en el extranjero, fue el primer mexicano en ganar The Henry Moore Grand Prize por su escultura “Espacio vertical” en 1987. Su obra forma parte de relevantes colecciones entre las que destacan las del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY) y el museo al aire libre Utsukushi-ga-Hara en Japón. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 6, 17 y 68.

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DARÍO PÉREZ FLORES

(Valera, Venezuela, 1936 - )

Dynamique chromatique no. 570

Firmado y fechado 2016 al reverso del tercer panel

Acrílico y óleo sobre tela sobre madera 124 x 112 cm medidas totales aproximadas

Piezas: 3

Presentan detalles de conservación.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, Venezuela, donde empezó a realizar esculturas abstractas de metal reutilizado. En los 50 estudió Literatura en la Universidad de Caracas, pero se las arregló para tener acceso al taller de metales por las noches y los fines de semana. Gracias a una beca se mudó a Francia, donde estudió Bellas Artes en la Universidad de Vincennes. En colaboración con un artesano italiano, creó una serie de esculturas geométricas hechas de plexiglás, las cuales fueron exhibidas en Suiza, en 1972, mismo año en el que participó en una muestra en la embajada venezolana en Francia con Carlos Cruz-Diez.

Durante los años 80 el artista comenzó a agregar colores a sus pinturas secuenciales. Estos trabajos crearon una vibración óptica sutil que atrae al espectador hacia su centro, estimulado por una emoción visual y misteriosa. Debido al uso de verticales contra un fondo lineal, las pinturas de Pérez Flores han sido mencionadas junto con obras de Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam y Carlos Cruz-Diez dentro del arte Cinético.

La serie de trabajos diagonales creados en los años 90 demostró los aspectos particulares de la teoría de color del artista, especialmente la función

color como medio sutil en la realización del fenómeno del espacio ligado al dinamismo cinético del trabajo.

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FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Estructura temporal 4 Firmada y fechada 12 al reverso Mixta y resina sobre papel sobre madera 38 x 174.5 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pág. 31, catalogado 3.

Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie “Estructuras infinitas”, conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, en el Centro Cultural Universitario, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, pág. 12.

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CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - )

Milpa

Firmada al frente. Fechada 2009 julio al reverso Encáustica sobre madera 81 x 81 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos.

“La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal. Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

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RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Torres

Firmado y fechado 70 Óleo sobre tela 65.5 x 45.5 cm

Procedencia: adquirido directamente al artista. Comenzó sus estudios en la Escuela Libre de Pintura de Guadalajara, posteriormente se trasladó a la Ciudad de México donde comenzó a impartir clases de dibujo, siendo este el inicio de una larga trayectoria docente. Entre los años 40 y 50 viajó a Nueva York y visitó algunos países de Europa, no obstante, sus paseos por los estados de la República Mexicana fueron los que denotaron sus temáticas, las cuales ejecutaba mediante pintura de caballete y mural, así como el dibujo, la obra gráfica y la escultura. En sus obras, continuamente gustaba transmitir un ambiente intimista y sereno en el cual definía cada detalle, pero a la vez, dejaba espacios que invitasen al espectador a agregar imaginariamente lo faltante.

Entre sus hazañas artísticas destaca su participación en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y la fundación del Taller de la Gráfica Popular junto con Alfredo Zalce, Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins y Fernando Castro Pacheco. La excelente calidad de su trabajo, realizado a lo largo de más de 78 años, lo colocó como unos de los pintores más sobresalientes del arte mexicano del siglo XX. Fuente consultada: CASILLAS, Beatriz Eugenia. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 78.

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Gaia

Firmada al frente y al reverso Óleo sobre tela 88 x 124 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales.

Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no sólo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia.

Él mismo describe la etapa que vive actualmente su obra con una frase del pintor francés Maurice Denis: “El arte ya no es una experiencia puramente visual que podamos registrar simplemente, ni tampoco una fotografía de la naturaleza, ni siquiera una fotografía especialmente sofisticada. No, el arte es una obra de nuestro intelecto, una obra que solo ha sido desencadena por la naturaleza. Más que trabajar a través de los ojos, centramos nuestro estudio, como dijo Gauguin, en el centro silencioso de la mente. Esto es lo que se proponía Baudelaire, pues de esta manera la imaginación se convierte de nuevo en la reina de nuestras fuerzas y liberamos a nuestra sensibilidad”. $120,000.00-$180,000.00

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Sin título Firmado y fechado 62 Óleo sobre tela 126 x 90 cm

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. La obra de Luis Nishizawa no se reduce a una corriente estética y, como él mismo señaló, sus inicios se remontan a la Escuela Mexicana de Pintura, donde obtuvo un estilo realista de contenido social muy marcado, del que poco a poco se fue separando. Pasó por varias etapas: expresionismo, gestualismo, hasta llegar al abstraccionismo y de vuelta a la figuración. Dentro de estos estilos utilizó diversas técnicas pictóricas, tanto en el caballete como en mural.

Fuente consultada: VILLA GUERRERO, Guadalupe. “El arte de Luis Nishizawa”. México. Revista Bicentenario, Instituto Mora, 2007, pp. 72 y 78. $350,000.00-$450,000.00 M.N.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Puerta, 2005

Firmada

Escultura en bronce 1 / 6 68.5 x 31 x 8 cm

Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2010.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022.

Sergio Hernández inició su práctica artística en la pintura, pero no fue hasta tiempos recientes que la escultura empezó a tener una fuerte carga en su quehacer plástico. En algunas entrevistas estipula que comenzó en 2003 en el Taller de Fundición de José Luis Ponce en Madrid, posteriormente siguió su práctica hasta la Ciudad de México, donde actualmente ha realizado su mayor producción en fundición.

Ha recurrido a la cerámica y al bronce, para transformar el material, en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos, en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema que han salido de sus cuadros de insectos y fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades.

“No trabajo siguiendo un concepto estructurado. He dejado que me hablen los objetos y me dejo llevar hacia donde ellos quieren dirigirse. Cada elemento me proporciona un pretexto diferente para crear una historia. Las esculturas se emparentan entre sí porque he usado los mismos objetos de manera reiterativa en su composición, pero cada pieza posee un carácter propio y distinto a las demás. Son como pequeñas construcciones arquitectónicas en las que voy sobreponiendo los objetos que me gustan. Lo importante es el equilibrio en su estructura”. Sergio Hernández.

Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pág. 25 y GÓMEZ HARO, Germaine. Encuentro Fortuito: la escultura de Sergio Hernández. México. Revista de la Universidad, enero 2006, pág. 99. $420,000.00-$600,000.00 M.N.

104

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - )

El negro # 2219

Firmada y fechada 199 al reverso Mixta, resina acrílica y negro de humo sobre tela 120 x 100 cm

Presenta detalles de conservación.

Su trabajo busca un efecto introspectivo, el cual empuja la relación con el cosmos con el fin de probar que cada ser humano es hijo del universo. A lo largo de su carrera, ha sido acreedora a diversos premios y reconocimientos nacionales e internacionales, siendo la primera mujer en ganar el premio Nacional de Bellas Artes en 1979. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana, del International Association of Artists, de la UNESCO, así como de la Sociedad Mexicana de Artistas Plásticos SOMAAP, y forma parte de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC) con sede en París, Francia.

“Búsqueda y absoluto son dos palabras que (en su limitación) son inevitables cuando uno se coloca frente a la obra de Beatriz Zamora.

Ella es de esa clase de artistas para los cuales la obra no es válida en si misma sino sólo como medio para alcanzar algo mucho mas amplio, que está del otro lado de la obra, pero que es sólo accesible por ella.

Ese más allá indefinible, que tiene que ver con la naturaleza, con el hombre, con la unidad de las gentes y las cosas, con la vida, con la muerte, Beatriz Zamora trata de penetrarlo y hacerlo accesible a nosotros a través de unas piezas negras trabajadas con sus manos (hace tiempo que ha abandonado los pinceles); la desproporción se nos aparece monstruosa: sólo una fe iniciada puede darle fuerza para acometer la empresa y para suponerla posible. Carbón, carbón de piedra, grafito, pirita: unos cuantos materiales son los únicos posibles para quien sólo trabaja el negro. Materiales que por su naturaleza exigen del artista un esfuerzo particular, un trato largo y difícil para ir encontrando sus razones, sus modos, sus comportamientos. Una hermandad con el material que está en la línea lógica del trabajo de Beatriz Zamora. A través de ciertos planteamientos o tratamientos básicos ha sido capaz de extraer una inmensa cantidad de posibilidades según las diversas maneras en que el material se comporta”. Jorge Alberto Manrique, septiembre de 1987. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com $75,000.00-$100,000.00 M.N.

105

SERGIO HERNÁNDEZ (Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Muro

Firmado y fechado 81 al frente. Firmado dos veces y fechado 1981 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los ochenta y noventa, aspecto que coloca a Sergio Hernández en la vanguardia artística global. Su estilo también ha viajado entre lo naif y lo expresionista con ecos prehispánicos, una mezcla que solo él, como oaxaqueño de sangre podría ejercer.

“Mi trabajo artesanal me ha permitido vivir de la artesanía de pintar, aunque tengo una calidad, eso no se le quita. Pero la real aventura es donde no existe posibilidad alguna de tener la referencia artesanal que siempre se tiene en la pintura […] Mi deseo siempre ha sido abordar nuevas formas que se alejen del trabajo manual, de lo tradicional”.

consultada: MACMASTERS Merry. Sergio Hernández resume 30 años de quehacer estético en su primer libro. México, Periódico La Jornada, jueves 19 de marzo de 2009.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Polillas

Firmado y fechado 2000 al frente y al reverso Mixta sobre papel sobre tela 80 x 190 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022. Presenta detalles de conservación y desprendimiento de papel.

Sergio Hernández nació en el pueblo de Santa María Xochixtlapilco en la ciudad de Huajuapan de León, parte de la Mixteca Oaxaqueña, una región llena de antiguas cosmogonías mesoamericanas, tradiciones y raíces históricas, las cuales han conformado la expresión visual de toda su obra de la cual emanan los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. Son esas historias, las que hacen de Sergio Hernández un pintor de la fiesta del mundo.

$630,000.00-$800,000.00 M.N.

“Nací en el pueblo de Huajuapan de Léon en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México […] Yo he vivido en casas con jardines de aguacates, en Oaxaca, con macetas, en la Ciudad de México. Un lienzo es un jardín. Los insectos copulan en un papel de china. En realidad, no existe una frontera entre los materiales y las formas que se aparecen. Que se evocan y se ausentan. Como los insectos en un jardín”.

Sergio Hernández.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa y HERNÁNDEZ RAMÍREZ, Roberto. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-34 y 323 - 325.

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) 49

Firmado y fechado TO-1966, 2 de junio al reverso Óleo sobre tela 115 x 89 cm

Con constancia de autenticidad de Andrés Blaisten, julio de 2017.

“La labor alquímica se anuncia ya en la superficie, donde todo se transmuta y vira hacia un orden diferente; pero Nieto no se queda en eso, la pugna es honda y se proyecta lejos, destila y purga y cuaja materias más sutiles: aquí se osa la alegría en el centro mismo del pavor, se afirma el privilegio humano de la risa contra la nada. Por eso el frecuente lujo en esta pintura, el coraje de caerle encima con todo el color gritando en plena batalla, entre relámpagos que enlazan y destruyen y transforman, entre signos de oscuras mutaciones”. Julio Cortázar. Fuente consultada: CORTÁZAR, Julio. “Rodolfo Nieto por Julio Cortázar”, en Rodolfo Nieto. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, 1984. $900,000.00-$1,500,000.00 M.N.

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ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013)

Personaje en lo latente Firmado y fechado 93 Óleo y pigmentos sobre tela 120 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Talento Mexicano, agosto de 1997.

Presenta detalles de conservación.

Estudió en el Centro de Iniciación Artística en la ciudad de Oaxaca y al poco tiempo fue integrante de la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Francisco Toledo, Rufino Tamayo y el trabajo de Rodolfo Nieto. Posteriormente se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca, donde se encontró con el maestro Shinzaburo Takeda.

En 1985 presentó su primera exposición individual en la Galería Sol y Luna, en la cual la Fundación Rockefeller adquirió tres de sus obras. Más tarde

fue seleccionado para un programa de intercambio cultural de la Embajada de Estados Unidos, lo que le permitió viajar por el país norteamericano y establecer contacto con galerías. Conoció también la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus mayores influencias. A pesar de reforzar su educación artística fuera del país, su obra siempre tuvo raíces en la cultura zapoteca. Con el tiempo su trabajo obtuvo reconocimiento internacional, lo que le ayudó a inaugurar el Centro Escultórico La Telaraña, primer espacio escultórico en el estado de Oaxaca que durante años ha mantenido la labor de becar a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio de 2016.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

ALEJANDRO SANTIAGO

Sin título

Firmado y fechado 99 al frente. Firmado y fechado 26/06/99 al reverso Óleo, pigmentos y arena sobre tela 120 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

“La expresión sublime y el compromiso social de mi padre caracterizaron su quehacer pictórico y escultural, teniendo a la textura como vínculo para hablar principalmente de las mujeres y la migración, plasmando la poesía en sus vidas [...] Forjó un estilo singular, de corte más expresionista, combinando la fuerza del color y el dibujo de trazos espontáneos donde las pinturas, dibujos, esculturas y obras gráficas fusionaron elementos del arte moderno con las tradiciones prehispánicas”. Lucio Santiago.

Fuente consultada: “Óleos de Alejandro Santiago proponen visibilizar a mujeres”. México. Notimex, sección Cultura, 22 de diciembre de 2016. $250,000.00-$400,000.00

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013)

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Sin firma Mixta, pigmentos y cera sobre papel hecho a mano sobre tela 59 x 118 cm

Con etiqueta de Arte Contemporáneo.

Presenta detalles de conservación.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. A los 16 años Sergio Hernández decidió independizarse y se mudó a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos y posteriormente, a La Esmeralda. Luego pasó un año en París conociendo las vanguardias europeas y a su regresó México, tomó un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de Oaxaca. Con el tiempo, se convirtió en un multifacético pintor y escultor que ha logrado colocar su trabajo en importantes acervos de instituciones y museos públicos y privados nacionales e internacionales como: el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el San Antonio Museum of Art en Texas, el Museum Würth Künzelau en Alemania, el Centro Cultural de México en París, Francia y el Labirinto delle Masone en Parma, Italia.

“Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […] Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya”. Teresa del Conde. Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26-33 y 323 y sitio oficial del artista sergiohernandez.com

SERGIO HERNÁNDEZ (Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sueño

Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo y arena sobre tela 100 x 180 cm

Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Sergio Hernández es un multifacético artista oaxaqueño que ha producido un destacado conjunto de obras con diversas técnicas y materiales como óleos, tintas, gouaches, acuarelas y grabados. El carácter antropomórfico de sus obras es una complacencia tanto artística como literaria. Representa emociones y debilidades humanas con un aspecto animal que, a su vez, nos retorna a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana.

Por otro lado, la pintura de Sergio Hernández surge como una exploración constante del color a través variaciones brillantes y fuertes con un solo tono o matiz. Cuadros monocromáticos en los que sobresalen los rojos, azules, amarillos y verdes, pigmentos casi puros por su intensidad. Ejemplo de ello fueron las piezas que exhibió en “Los ardientes”, una muestra realizada por el Ministerio de Cultura en 2015, en la cual presentó varios trabajos en los que predominaron el color rojo, símbolo prehispánico de la vida y de la muerte. Así mismo, ha trabajado un sinfín de pinturas con tonos verdes, pigmento con historia, que remota a muchos siglos atrás, usado por el antiguo Egipto como símbolo de regeneración, por los romanos para pintar mosaicos, frescos y vitrales, y empleado también por los monjes medievales para colorear los manuscritos.

No obstante, a pesar de su conocimiento en colorimetría y experiencia plástica, su obra está siempre vinculada con su lugar de nacimiento y a las vivencias que ponderaron su vida. Fuentes

CONDE, Teresa y HERNÁNDEZ RAMÍREZ, Roberto. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-34 y 323325 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx

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SERGIO HERNÁNDEZ (Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Eva Firmada y fechada 2013 Escultura en bronce P / A 59.5 x 55 x 14 cm

Presenta mínimos detalles de conservación Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. El trabajo escultórico de Sergio Hernández posee cualidades visuales que provocan la sensación de inmediatez, la aspereza en lugar de acabados finos y lisos pueden aparentar poca planeación junto con los materiales tradicionales como paja y arena, recuerdan el arte primitivo e incluso infantil, sin embargo, el proceso para sus obras es muy desarrollado y planeado. Desde 1978, ha recibido diversos reconocimientos por su destacada carrera. Su incansable actividad artística lo ha llevado a realizar numerosas exposiciones en museos y centros culturales de México, Colombia, Cuba, Italia, España, Francia, Bélgica, Países Bajos, Portugal, Suiza y Estados Unidos. En 2014 obtuvo el premio René Portocarrero, otorgado por la Unión de Escritores y Artista en La Habana, Cuba y entre 2015 y 2016 itineró su exposición “Blanco Plomo” en Oaxaca, Parama y Bogotá. Entre sus múltiples distinciones y premios se encuentran la Mención Honorífica obtenida en la III Bienal Iberoamericana, la Beca Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte durante el periodo 1994-1997 y la Cruz de Oficial de la Orden de Isabel la Católica otorgada por la Embajada de España en la Ciudad de México. Fuentes

DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26-30 y sitio oficial del artista sergiohernandez.com

Anverso

Reverso

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 – Oaxaca, Oaxaca, 2001)

Sin título, 1974

Firmado Óleo sobre lino 90 x 60 cm

Con certificado de autenticidad de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, noviembre de 2019.

Presenta ligeras craqueladuras.

Ingresó en 1949 a la Academia de San Carlos, donde se interesó en la historia de la arquitectura europea y colonial. Su cuerpo de obra está influido por artistas mexicanos como Abraham Ángel y Manuel Rodríguez Lozano y autores como Marc Chagall, Amedeo Modigliani y Giorgio De Chirico. Estas referencias fueron unidas al arte popular que lo vio crecer; así armó su corpus pictórico en donde lo posible y lo imposible se confunden.

Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico, promoviendo su obra con constancia y convicción, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. Fue eficazmente promovida por la galería de Estela Shapiro gracias a la recomendación de la escultora Geles Cabrera. En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca, fue conocido en su comunidad como “El señor de los sueños”.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca, tierra de arte. Venecia. Mondadori Electra, 2003, pág. 52 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 378. $1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N.

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 – Oaxaca, Oaxaca, 2001)

General Díaz

Sin firma Óleo, collage de textiles, papeles y aplicaciones de hilo y listones sobre papel con marco de madera 49 x 40 cm

El marco es parte de la obra. Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales, julio de 2021. Presenta ligeros detalles de conservación.

Cuando era niño, Rodolfo Morales era algo solitario y observaba todo lo que lo rodeaba. Siendo hijo de una maestra de escuela que montaba obras de teatro y de un carpintero, fabricaba toda clase de objetos lúdicos, los cuales derivaron en collages. Con estas primeras obras, creó un nuevo lenguaje. Esto, sumado al bagaje cultural del arte popular oaxaqueño que tanto amó desde pequeño, fue perfeccionando su estilo y realizando varias obras con diferentes elementos hasta crear casi una artesanía, como testimonio de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 378.

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 – Oaxaca, Oaxaca, 2001)

Vértigo nupcial Firmado cuatro veces Óleo sobre tela 80 cm de diámetro

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales, septiembre de 2022. Con dos etiquetas de Galería Estela Shapiro, una de ellas no visible por el marco.

“La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo

Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro de los sueños”. México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio de 2006. $1,600,000.00-$2,500,000.00 M.N.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Grupo

Firmada y fechada 1974

Escultura en bronce 2 / 5 en base de mármol 30 x 30.5 x 15 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de la Fundación Zúñiga Laborde A.C. firmado por el artista, febrero de 1981.

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 385, catalogada 652.

Inició su carrera a corta edad, realizando sus primeras esculturas con yeso, posteriormente trabajó en piedra y manejó el vaciado en bronce. “Maternidad” fue la primera escultura por la cual se dio a conocer en el medio y adquirió el primer premio del Salón de Escultura en Costa Rica; como consecuencia de este trabajo comenzó a ser reconocido y expuso ampliamente en Estados Unidos y México, país en el cual residió durante 62 años.

Sus esculturas están marcadas por una cierta influencia europea, en especial de Donatello, además de conjugarse con los rasgos más tradicionales de la obra de Auguste Rodin, Henri Matisse y Alberto Giacometti. Con el tiempo construyó un estilo propio caracterizado por el uso de temas femeninos e indígenas, en los cuales explotó la belleza del mestizaje apoyado en los arquetipos del cuerpo de la mujer mexicana, pues para él la mujer representaba abundancia y fertilidad, de ahí que sus volumetrías fuesen siempre tan contundentes.

Fuentes consultadas: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Francisco Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980, pp. 9-11 y CONTRERAS MARTRET, Nuri Karina.

Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 702.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Dos mujeres vestidas

Firmada y fechada 1972

Sepia y crayón sobre papel 40 x 65 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A.C. firmado por el artista, febrero de 1981. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Franciso Zúñiga. Catálogo razonado. Volumen IV: Dibujos 1971-1989. México. Albedrío-Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2006, pág. 403, catalogada 1869.

Presenta oxidación en el papel.

“Francisco Zúñiga honró y dignificó la figura indígena, sobre todo aquella de la mujer, donde se revela su condición humana por medio de elementos regionales e internacionales, precolombinos y contemporáneos”. Karina Contreras Martret.

Fuente consultada: CONTRERAS MARTRET, Nuri Karina. La Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 700.

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Desnudo

Firmado y fechado 1999 al frente y al reverso Temple sobre tela sobre madera 80 x 120 cm

Con certificado de autenticidad de Gabriel Nishizawa, agosto de 2022.

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Con dos etiquetas del Taller Museo Nishizawa.

Nishizawa recurrió a numerosas temáticas, especialmente tuvo gran interés en las naturalezas muertas, el paisaje y el retrato. En ellas demostró amplio conocimiento, dominio y una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. En su obra son reconocibles elementos orientales provenientes de su familia paterna y de los viajes que realizó a Japón.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

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VÍCTOR HUGO CASTAÑEDA (La Palma, Michoacán, 1947 - ) Retrato

Firmada y fechada 1997 Escultura en mármol, pieza única 46 x 57 x 33 cm

Agradecemos al Maestro Víctor Hugo Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Procedencia: perteneció a la colección de la escritora Laura Fernández MacGregor Maza.

Presenta ligeros detalles de conservación.

“Acceder al mundo escultórico, es como entrar al espíritu de la materia. La vista nos advierte la dimensión del volumen, nos ap roxima al tamiz de la superficie, pero ya en su conjunto nos muestra a la mirada todo un juego de sorprendentes descubrimientos. Así sucede cada vez que nos enfrentamos a la obra escultórica de Víctor Hugo Castañeda”. René Nájerax Corvera.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.vhcastaneda.com

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FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

El abrazo

Firmada y fechada 1980

Escultura en bronce 3 / 6 en base de madera 28 x 28 x 22 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A.C. firmado por el artista, diciembre de 1982.

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 510, catalogada 883.

El interés por la desnudez, pretexto formal implícito a la escultura, se mantuvo a lo largo de su obra y en los años sesenta tuvo gran respuesta por parte de los coleccionistas al punto que incluso modificó su producción en general. En cuanto a los materiales, experimentó, pero se mantuvo fiel a los que lo convencían. El bronce era un material práctico que lo satisfacía. Remite a un pasado remoto, y los medios para llegar a él eran variados.

Cuando las figuras de Zúñiga no son silenciosas o dramáticas, son sensuales o gozosas. Pero si una figura logra transmitir un dejo de melancolía casi indiferente, produce inquietud. Una inquietud profunda y espiritual que viene del pasado.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923 - 1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pp. 36, 37 y 40.

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FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Desnudo de espalda Firmada y fechada 1971 Sanguina sobre papel 36 x 57 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A.C. firmado por el artista, febrero de 1981. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo razonado. Volumen IV: Dibujos 1971-1989. México. Albedrío-Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2006, pág. 378, catalogada 1760.

Francisco Zúñiga transitó por varias etapas creativas, una de las más significativas en su trayectoria fue cuando abordó el cuerpo femenino, sus desnudos y la mujer indígena, de este modo se conformó su narrativa original. En este sentido le fueron solicitadas de modo oficial esculturas a gran escala así como monumentos públicos y obras para colecciones de museos en México y en el extranjero.

“Como modo de representación, elige representar a la figura humana y encuentra el sentido de su quehacer al asumir que una escultura fuera de la representación del hombre, carece de sentido. Oscila, sin embargo, entre arquetipo y retrato conservando a lo largo de su recorrido plástico esa ambigüedad como modus operandi […] Elige pues, apasionadamente, volver la mirada al pasado y observar su alrededor con una mirada más o menos fresca y espontánea posible”. Ariel Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923 - 1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pp. 27 - 35.

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Venus

Firmada

Escultura en bronce 1 V en base de mármol 58 x 20 x 17 cm medidas de la escultura 102 x 50 x 31 cm medidas totales con base

El viaje que Pedro Coronel realizó a Europa le dio la oportunidad de entrar en contacto con grandes artistas que enriquecieron su futura creación, entre éstos se encuentra el rumano Constantin Brancusi. En aquella época asistió a su taller y observó su búsqueda de la forma y su predilección por la escultura africana y precolombina.

Hay que subrayar que Pedro Coronel procedente de México, traía consigo inquietudes arraigadas en su pasado histórico y, también, en la búsqueda de un lenguaje acorde a la modernidad que se desarrollaba en aquel momento, es por ello que en sus esculturas es notable la esencia casi prehispánica con las estructuras moderas europeas, especialmente en el cuerpo femenino. En “Autobiografía discontinua”, comentó que se encontraba sobre todo comprometido con la escultura, pero también con una producción pictórica vasta. Fuente consultada: GONZÁLEZ MATUTE, Laura et al. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Gobierno del estado de Zacatecas, CONACULTA, 2005, pp. 19, 23 y 24. $220,000.00-$350,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1932 - Ciudad de México, 2019) Estudio Firmado

Lápiz de grafito y color sobre papel 50 x 36 cm

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022. La obra de Rafael Coronel está repleta de elementos fantásticos y místicos. Uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago según lo entendemos en la cultura occidental; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o quizá al mismo Merlín. La narrativa que crea este personaje casi sagrado nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et al. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, pág. 445. $65,000.00-$120,000.00 M.N.

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GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Retrato

Firmado y fechado 1942 Óleo sobre papel 65 x 50 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre de 2022.

“La obra pictórica del artista destaca por sus habilidades estéticas que revelan trazos firmes en el dibujo, solidez en el manejo del color y una visión formal diferente, la cual más que subconsciente o inconsciente es surrealista. Trata la vida indígena revestida de elementos simbólicos con recuerdos de la infancia en un ambiente romántico, evocativo y muchas veces trágico”. Rebeca Monroy Nasr. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 418.

$38,000.00-$50,000.00 M.N.

ROBERTO MONTENEGRO

Retrato de niño

Firmado y fechado 53 Óleo sobre tela 66 x 51 cm

Presenta detalles de conservación.

Una de las temáticas principales en las que incursionó Roberto Montenegro fue el retrato, dejando varios personajes plasmados a lo largo de su carrera. Su pincelada y formas son inconfundibles, pero donde el proceso de concebir la pintura es lo más destacable, como lo enunció Justino Fernández: “De los retratos […] en ellos no sólo el buen dibujo y la composición interesan, sino la interpretación psicológica de los modelos”.

El entendimiento de la persona sería esencial para lograr dejar testimonio de quien era el retratado para así poder leerlo y entenderlo aún con el paso del tiempo.

Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, pág. 23 $220,000.00-$350,000.00 M.N.

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niña de amarillo con viola, de la serie Niños Mexicanos Firmado Óleo sobre tela 55 x 45 cm

Con certificado de autenticidad de The Wolfryd Collection firmado por Blanca Montoya, sobrina del artista, marzo de 2022. Agradecemos a Blanca Montoya por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Sin embargo, ya habiendo tenido el aprendizaje academicista necesario, decidió emprender su propio camino como artista autodidacta, viajando a Europa y Estados Unidos.

A lo largo de su carrera fue bien aceptado por la crítica, mereciendo con justicia la atención de Jorge Juan Crespo de la Serna y Xavier Villaurrutia. Expuso en diversas galerías mexicanas de gran renombre, entre ellas la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón.

“Montoya fue sin duda el pensador más profundo que ha dado la pintura mexicana; el que ha llegado más lejos, a penetrar los misterios que rodean a la vida y a la muerte. No lo ha escrito en prosa ni en verso, no ha teorizado sobre una filosofía elevada, lo ha pintado y eso, le hace ser un pintor inconmensurable”. Leonardo Martínez Lanz.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 372 y en RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 27-31.

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GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niña con rebozo, de la serie Niños Mexicanos Firmado Óleo sobre tela 55 x 45 cm

Agradecemos a Blanca Montoya por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura, Gustavo Montoya fue un artista que experimentó con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a su inspiración. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. En general, su carrera artística estuvo dividida en vertientes siendo uno el periodo academicista en la que realizó bodegones, retratos, naturalezas muertas. Otra etapa fue neorrealista y posteriormente tuvo uno período en la que ejecuto la afamada serie de “Niños Mexicanos”, la cual vinculó con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural.

Dicha serie fue presentada en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la Exposición Retrato Mexicano en 1961 y en la Exposición Maestros de la Pintura Mexicana en 1976.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12. $280,000.00-$400,000.00 M.N.

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JUAN SORIANO (Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Paloma

Firmada y fechada 2002

Escultura en bronce P / A 40 x 36 x 23 cm

Presenta mínimos detalles en la pátina.

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Existen otras versiones en formato similar de esta obra, la primera fundición data de ca. 1955 y hay otra fechada en 1989.

En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Juan Soriano. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación.

“Las obras escultóricas de Juan Soriano, no podían escapar a las peculiaridades de un pintor que hace escultura; tanto en sus p equeñas cerámicas como en sus trabajos monumentales en bronce. El artista en cuestión es un escultor que siente, piensa y crea en pintor; sus grandiosas esculturas le dan tema y materia para explayarse en una fina gama de textura y de coloraciones que dan el toque y el sentido final a su tarea.

El arte de Soriano, interesante en grado sumo en nuestro medio, por lo sui generis, llega ya a una maestría consumada no solo por lo que al oficio se relaciona sino, y esto es lo importante, por el aliento creativo que lleva en sí y por la dosis de inefable lirismo de que está lleno. Soriano, por su talento, por su finura espiritual, por su don divino, es una voz de poesía en el campo de las artes plásticas d e México”. Carlos Mérida febrero de 1962.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net $190,000.00-$250,000.00 M.N.

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RICARDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Pelea de perros Firmado y fechado 2005 80 x 100 cm

Óleo sobre tela Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-05024.

Ricardo Martínez es considerado como uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural mexicana. Fue un artista que logró articular en su obra una maestría técnica y una profunda imaginería plástica, que ha sido ampliamente reconocida por el gremio a nivel internacional. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. A pesar de haber viajado a Europa y estudiado la obra de los viejos y modernos maestros, Ricardo Martínez nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo.

Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal. Fuentes consultadas: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255. $2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

131

OLGA COSTA (Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993)

Nacimiento de la Paz Firmada y fechada 51 Óleo sobre tela 60 x 50 cm

Presenta oxidación y detalles de conservación.

“‛La pintura es un trabajo solitario’, señalaba Olga Costa, y de la soledad brotaron retratos, paisajes y bodegones cuya intensidad cromática nos revela lo hermoso de las cosas simples, confirmando, como decía Walt Whitman, que se puede hacer bella poesía sobre pequeñas cosas”. María Cristina García Cepeda, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, al inaugurar “Olga Costa. Apuntes de Naturaleza 1913 - 2013” en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Fuente consultada: “Olga Costa trabajó con fervor en la conformación del imaginario de la mexicanidad”. México. CONACULTA, comunicado No. 1312/2013, 22 de agosto de 2013. $150,000.00-$250,000.00 M.N.

132

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 86 Óleo sobre tela 125.5 x 70 cm

Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 1998.

José Chávez Morado fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con su esposa Olga Costa, Juan O’Gorman, Alfredo Zalce y Raúl Anguiano. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular.

Desde el punto de vista formal, la obra de Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la inclusión de productos artesanales.

Su carrera se fortaleció en su labor como empleado del Estado, creando campos de acción cultural muy fructíferos, contribuyendo en la promoción cultural y educativa. Su arte siempre tuvo un enfoque preocupado por compartir temas nacionalistas con una gran madurez creativa y con una carga emocional con temas que simbolizarían su visión folclórica e histórica de México. “Me ha tocado vivir una gran época, ardua y convulsa dura como el odio, pero así mismo creativa y luminosa como la mañana […] He sido y seré un pintor que desea dialogar con su pueblo […] El arte fue mi vocación, servir es mi devoción”. José Chávez Morado. Fuentes consultadas: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, pp. 55 - 57 y TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, pág. 43. $420,000.00-$560,000.00 M.N.

ROBERTO MONTENEGRO

La barranca de Oblatos Firmado Óleo sobre tela 27 x 32 cm

Pintor, grabador y muralista cuya influencia en la vida cultural del México del siglo XX es innegable. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México donde sus maestros fueron los grandes academicistas del siglo XIX, José María Velasco, José Salomé Piña y Santiago Rebull, Roberto Montenegro se había formado en las enseñanzas clásicas y académicas, sin embargo, al ser un estudiante destacable logró ganar una beca para estudiar en Europa, durante esos años tuvo contacto con las vanguardias europeas, recibiendo influencia de artistas como Paul Cézanne y Paul Gauguin que se vería reflejada en su pincelada, temáticas y transformando su imaginario. Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, p. 23. $150,000.00-$200,000.00 M.N.

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

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ALFREDO ZALCE (Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Sin título

Firmado y fechado 63 Duco sobre madera 41 x 124 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Notable dibujante y pintor, a finales de los años veinte, ya como alumno de la Escuela de Bellas Artes sobresalió por su talento, causando admiración entre sus maestros y condiscípulos. Su dibujo era libre y limpio; con reminiscencias que saltaban de Dominiques Ingres a Pablo Picasso. Fernando Gamboa se refirió a su realismo como “una dimensión de silenciosa poesía”.

“En la obra salida del taller moreliano prepondera la búsqueda del placer; placer de la forma, de los colores, de la transfiguración de lo observado, de la materia, de la técnica, de la síntesis en el plano; placer de tomar viejos apuntes del natural y convertirlos en pinturas de estudio; placer de reunir cosas muy simples y muy vistas para conceptualizar la composición, sin confiar en la profundidad de las alegorías […] todo esto presentado como algo distante, más pensado que visto, filtrado en una larga gramática de despojamientos, aprendida de una vez para siempre en los años 20, cuando Diego Rivera a la cabeza se traducía en sensibilidad y modos mexicanos”. Raquel Tibol, 1981. Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et al. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, pág. 102 y Alfredo Zalce. Exposición retrospectiva 1930-1980. Tributo a 50 años de su labor artística. Catálogo de exposición. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 1981, pp. 2-3.

JOAQUÍN CLAUSELL (San Francisco de Campeche, 1866Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Sin título

Sin firma Óleo sobre tela 90 x 134.5 cm

Con ensayo documental de María Amparo Clausell. Procedencia: perteneció a la colección del Lic. Gustavo Díaz Ordaz.

Con etiqueta de la colección del Lic. Gustavo Díaz Ordaz, enero de 1966.

Como artista fue autodidacta, pues nunca pasó por una escuela de arte. En sus obras destaca la sensibilidad, intuición, exaltado amor y profunda comprensión de la naturaleza mexicana. Fue en Europa alrededor del año 1896, cuando conoció a Claude Monet y al magnético mundo parisino impresionista, cuyas técnicas y colorido representarían un hito en su trayectoria artística siendo el único pintor mexicano que dedicó el total de su obra a este movimiento; pintor de las reverberaciones de la luz, de las transparencias del aire, del rico olor de su vegetación, de las rocas, del agua. Joaquín Clausell ocupa un lugar destacado en la pintura mexicana del siglo XX. Es “nuestro pintor impresionista por excelencia”, su manera de capturar pequeñas escenas de paisaje y volverlas una realidad completa no ha sido superada.

La obra y la vida de Clausell reflejan las circunstancias que le tocaron vivir, los lugares por los que pasó, sus inquietudes y temperamento. Vivió una época difícil de nuestra historia, llena de contradicciones sociales y políticas, desde su formación como abogado y político durante el porfirismo, en el que desempeñó un papel importante como firme opositor al régimen existente, a su inicio en la pintura a principios de siglo. El desarrollo del movimiento armado de la revolución, etapa en la cual abandonó la pintura y, por último, el período de consolidación del país, así como el regreso a su actividad artística, de 1921 a su muerte.

Hablar de la pintura de paisaje en México sería inabarcable por la vasta producción de increíbles artistas en su historia, siendo necesario reconocer la obra del Maestro José María Velasco, Dr. Atl y de su amigo, el impresionista Joaquín Clausell, cuya producción del pintor puede entenderse en tres etapas, las dos primeras son obras en caballete, que abarcan temáticas de marinas, grandes olas y agitadas corrientes marítimas así como caudalosos ríos, praderas y valles; lienzos del cuerpo femenino, desnudos con alto grado de erotismo y sexualidad y debido a que fue un hombre religioso, también realizó, aunque en menor cantidad lienzos acerca de Jesucristo en la Cruz o en el Calvario.

“Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente, a los sentidos del espectador. Y si todos son un deleite para la vista, de algunos es justo decir que podemos respirarlos como una emanación; o bien tocarlos, por la magnífica calidad de su materia, y aun oír en ellos el silencio de sus lagos y canales, o el rumor de sus bosques, o la precipitada fuga del oleaje en sus marinas, o el hervor siempre rítmico de sus caídas de agua.” Xavier Villaurutia.

Fuentes consultadas: GARCÍA PONCE, Juan. Joaquín Clausell. Óleos y Murales. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana. 1973, pág. 11, TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et al. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte. 1995, pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. Introducción al estudio de su obra. México. UNAM. 1992, pp. 7 y 29. $4,800,000.00-$6,000,000.00 M.N.

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JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Ciudad de México, 1912)

Río y ladera, Tlaxcala

Firmado

Óleo sobre papel sobre madera 31.2 x 43.9 cm

Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, julio de 2019. Estudió dibujo en la Academia de San Carlos, fue discípulo de Santiago Rebull, Pelegrín Clavé, Manuel Carpio y Eugenio Landesio, tomó clases de anatomía en el Palacio de Minería, así como de botánica y zoología.

En 1888 fue comisionado por el Gobierno de México para ser el jefe de la delegación que asistió a la Exposición Universal de París, Francia, época en la que se conmemoró el centenario de la Revolución Francesa.

A lo largo de su carrera, también ejerció la docencia, especialmente dando clases de Perspectiva, no obstante a causa de un ataque al corazón tuvo que abandonar aquella profesión. A partir de 1905 pintaba exclusivamente en su casa de la Ciudad de México, donde murió.

El valor principal de su obra radica en la captación sutil y minuciosa de la luz y el aire, en la representación fiel del aspecto exterior de la materia y en la captación de la estructura básica y el mensaje poético de la naturaleza. Durante sus múltiples excursiones conoció nuevos paisajes, ciudades, pueblos e infinidad de especies vegetales que fueron parte de su inspiración plástica. Rescató el encanto peculiar de la geografía que pudo ver a su paso; pintó varios cuadros, tanto por gusto y estudio, como por encargo. En estos cuadros se aprecia la vibración de la luz y como su tratamiento con el pincel se convirtió en majestuosos paisajes. No obstante, desenvolvió su pintura también en la inmensidad de las espectaculares masas montañosas del Valle de México y Oaxaca. Parte de este afán por los paisajes y por apresar lo significativo, que ejecuto innumerables apuntes y bosquejos previos a la elaboración de sus pinturas, los cuales no tienen ni un estilo naturalista, ni realista, ni impresionista, sino peculiar, propio y exclusivo.

“Velasco excursionó por los alrededores de la Ciudad de México, y más tarde por sitios más lejanos, siempre tomando apuntes, adiestrando la vista y la mano, como parte de un proceso de formación, que pronto habría de rendir óptimos resultados. El trazo de los dibujos de su primera época es firme, acusa una sensibilidad dispuesta para captar la belleza del paisaje […]”. Xavier Moyssén

Fuentes consultadas: ALTAMIRANO PIOLLE, Ma. Elena et al. Homenaje Nacional, José María Velasco. Tomo II. México. Turner Libros S.A., Museo Nacional de Arte, 1993, pp. 320-321.

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962)

Marina al atardecer, ca. 1940 Firmado Óleo sobre tela 35.5 x 45.5 cm

Con constancia de Legado Cultural Guillermo Gómez Mayorga, firmado por Ernesto Gómez Mayorga, mayo de 2015. Presenta mínimos detalles de conservación en las orillas.

Guillermo Gómez Mayorga estudió en la Academia de San Carlos, donde fue un destacado alumno. Tuvo de maestro de perspectiva a Tomás Cordero, de dibujo a Leandro Izaguirre y de color a Germán Gedovius, de hecho, fue el propio director Alfredo Ramos Martínez, quien lo distinguió y recomendó en otros medios del arte en México.

Durante sus estudios logró viajar a Francia e Italia, con el fin de pulir su técnica. Durante aquella época pinto varios cuadros con temáticas marinas y de costa, logrando exhibirlos en algunas galerías y muestras en Turín.

Fue un destacado pintor del mar, género que ejecutó con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica, siendo estas las características que mas llamaron la atención de los críticos y coleccionistas.

Inclusive el mismo Jorge González Camarena, comentó que: “Mayorga era un estupendo pintor de marinas”. El autor del libro “José María Velasco y sus contemporáneos” Javier Pérez de Salazar y Solana, dijo que: “el pintor oriundo de puebla fue un extraordinario creador de célebres marinas que constituyen joyas de arte pictórico”. Y Hugo Cervantes hizo referencia a la obra de artista como: “[…] Las sensaciones transmitidas por sus paisajes se deben a su conocimiento grafológico, su amor por la naturaleza y su aprendizaje en la cumbre de las vanguardias artísticas de la época”.

AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 30-37 y 101-107.

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JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935)

Atardecer en la rivera Firmado

Óleo sobre cartón 17 x 23 cm

Con carta de opinión de Patricia Clausell, nieta del artista, agosto de 2022. Joaquín Clausell fue un hombre inquieto con un carácter rebelde y problemático, tanto que fue expulsado de su estado natal por el propio gobernador por causar disturbios políticos; así llegó a la Ciudad de México, donde comenzó sus estudios para ser abogado, no obstante parte de su tiempo lo dedicó a realizar caricaturas políticas para los periódicos “El Universal”, “El Monitor Republicano”, “Diario el Hogar” y “El Demócrata”, para el cual escribió un artículo periodístico que estuvo cerca de mandarlo a la cárcel, pero huyó antes del juicio, viajando a Nueva York y luego a París.

Estando en la ciudad de las luces, visitó exposiciones de arte, topándose con el estilo impresionista y las obras de Monet, Renoir y los paisajes de Courbet, de quienes aprendió la técnica “plein air”, que le permitió captar la luz y mezclar tonalidades en un mismo paisaje. En 1896 regresó a México y por insistencia de sus amigos Gerardo Murillo “Dr. Atl” y Diego Rivera, fue que decidió dedicarse a la pintura y abandonar la abogacía. Con el tiempo comenzó a participar en exposiciones colectivas y trabajar temas provenientes de la naturaleza, es decir: valles, montañas, bosques, praderas, costas, cascadas, acantilados y marinas. En 1921, logró mostrar su obra en Nueva York, recibiendo grandes elogios por parte de la crítica. Más adelante fue miembro y fundador del Círculo Artístico de México, además de abogado defensor de los pocos afortunados.

A pesar de que no fue un impresionista ortodoxo, retrató la naturaleza mexicana con gran dedicación. Juan O'Gorman se refirió a él como un pintor de grandes dotes con obras llenas de precisión y colorido.

Fuentes consultadas: TOVAR, Rafael, et al. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte, 1995, pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. México. UNAM, 1992, pp. 12-15 y 31-35.

RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1938 - ) Cráter

Firmado y fechado 2006

Acrílico sobre tela 80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de César Martínez Rioja, julio de 2022. Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Raymundo Martínez es un paisajista cuyo principal interés han sido los volcanes y los valles de México. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajistas del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística.

“La fuerza de expresión de sus pinturas es rotunda, sobre todo en sus paisajes, los hay desde un punto de vista muy tradicional, diríase que con los principios de José María Velasco, hasta aquéllos en los que su propia imaginación hace acto de presencia. Consigue dejar en el ánimo del espectador la sensación de lo telúrico, por el manejo de las formas de la naturaleza, por la luz y los colores empleados en cada caso”. Xavier Moyssén.

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GERARDO MURILLO “DR. ATL” (Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Paisaje, ca. 1963

Firmado Atl colors sobre madera 41 x 52 cm

Procedencia: perteneció a la colección del Lic. Gustavo Díaz Ordaz. Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Con etiqueta de la colección del Lic. Gustavo Díaz Ordaz, enero de 1966 y de Galería Central de Arte Moderno Misrachi. Presenta desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación.

La vena política de Dr. Atl estuvo presente en todos los aspectos de su vida, menos en sus pinturas. Desmenuzó los volcanes, el cielo y los paisajes que los rodeaban, pasando horas explorando parajes. Descrito también como botánico, yerbero, astrólogo y hechicero por su alumno y amigo Diego Rivera, dedicó gran parte de su vida a rendirle tributo a la naturaleza nacional, incluso cuando le amputaron la pierna derecha y no pudo escalar más. Siempre se las arregló para sobrevolar México y capturar los paisajes desde las alturas en busca de las mejores postales.

1949 fue un año difícil, pues sufrió la amputación de la pierna derecha, lo que le impidió continuar con sus estudios de vulcanología. Aquel incidente, lo impulsó a crear el “aeropaisaje”, una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creo espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera.

Sus paisajes fueron toda una revelación para el arte mexicano, pues los detalles por los cuales se caracterizaron estaban lejos de inscribirse en las preocupaciones nacionalistas de la época.

Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes usados bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizadas durante sus múltiples viajes. Fue un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia estética forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumento histórico.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84 - 87. $2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

141 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Descanso, 1975

Firmado Óleo sobre tela 135 x 263.5 cm

Certificado por Bianca Dall'Occa de Corzas, viuda del artista, al reverso de la obra. Exhibido en: “Mexico, passion and myth”, muestra presentada en el Charlottenborg Exhibition Hall en Copenague, Dinamarca, del 4 de septiembre al 4 de octubre de 1992. Con etiqueta del Charlottenborg Exhibition Hall. Presenta ligeros detalles de conservación.

$2,800,000.00-$4,000,000.00 M.N.

Francisco Corzas, gran dibujante, no le agradaba dibujar sobre la tela líneas de apoyo para la pintura. Gustaba de trazar directamente con el pincel, atacando al lienzo desde el principio, como si este gesto audaz le permitiera dominar de inmediato el reto de la tela desnuda. Por esto, al lienzo en blanco lo llamaba “la guillotina”. Esta técnica, que ejecutaba magistralmente, le permitió una espontaneidad que enriqueció de manera muy positiva sus producciones.

La figuración corciana tiene un fuerte antecedente en la estética de Italia, pero no sólo en la antigua, sino también en la moderna. Sin embargo, no toda su búsqueda provino de la plástica, pues en la década de los cincuentas el cine italiano tenía asombrado a todo el mundo y que sus directores, quienes impusieron el neorrealismo, dominaban por completo la escena.

Esto explica un periodo corto en su pintura, en el cual ocupó el blanco y negro primordialmente, lo que hizo que sus composiciones resultaran muy dramáticas. En esas obras es patente su preocupación por simular una dinámica de movimiento, semejante a la utilizada en la estética neorrealista cinematográfica.

Fuentes consultadas: PÁRAMO, Roberto, et al. Francisco Corzas. México. Universidad Autónoma Metropolitana. 1985, pág. 45 y CORONEL RIVERA, Juan et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero BITAL. 2001, pág. 39.

142

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título Firmado Óleo sobre madera 47 x 67 cm

Sofía Bassi estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México, fue alumna de José Bardasano y realizó estudios de arte en Venecia y Roma. A pesar de que la vida de Sofía fue un subibaja, su carrera artística siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad, pues en 1968 ingresó a la cárcel de Acapulco por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años.

Durante esta difícil etapa, continuó ejerciendo la pintura realizando su primer mural en la pared de la prisión con la colaboración de sus amigos José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas. Pasado el tiempo y ya siendo una mujer libre, formó parte del Comité de Derechos Humanos en Nueva York y sus obras viajaron a diversas exposiciones en importantes galerías e instituciones culturales de París, Estocolmo, Tel Aviv, Bruselas, la Ciudad de México y Estados Unidos.

“Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de lo s sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras de cierto espacio, que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí misma”. Salvador Elizondo. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. pág. 142 y ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

143

LARISSA BARRERA

(Ciudad de México, 1971 - )

¿Acaso ya estoy sin árboles, que según dicen ya no están?

Firmado y fechado 2019 Carboncillo sobre papel 122 x 150 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicado en: CASTILLO, Erik et al. Larissa Barrera. El enigmático color del silencio. México. Aldama Fine Art- Secretaría de Relaciones Exteriores - Instituto Matías Romero - Museo de la Cancillería. 2022, pág. 48, catalogado 13.

Exhibido en: “Larissa Barrera. El enigmático ser del paisaje”, muestra individual presentada en el Museo de la Cancillería de la Ciudad de México del 21 de abril al 3 de junio de 2022.

Fascinada desde niña por el arte clásico, siempre soñó con la posibilidad de convertirse en artista. Mostró a temprana edad facilidad para el dibujo y posteriormente estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

En 2008 presentó su primera exposición individual “Retratos”, para luego preparar una exhibición de paisajes, después de haber viajado a Europa para estudiar a sus pintores más admirados: J.M. William Turner y Jules Bastien-Lepage. Inspirada por ellos, tituló esta muestra como “Tiempo sin tiempo” a la que cada año le sumó nuevas creaciones y presentó en diversos recintos culturales en la Ciudad y el Estado de México.

Larissa Barrera se dedica desde hace más de veinte años al quehacer artístico, siendo sumamente disciplinada e invirtiendo la mayor cantidad de su tiempo en perfeccionar su técnica. Domina el dibujo al carbón con maestría, lo que la ha llevado a crear centenares de obras en papel. En 2017 fue seleccionada en la primera edición de la Bienal Nacional de Pintura Luis Nishizawa, y su obra forma parte de distinguidas colecciones de pintura como la Colección Milenio Arte y el Museo Kaluz. Fuente consultada: CASTILLO, Erik et al. Larissa Barrera. El enigmático color del silencio. México. Aldama Fine Art- Secretaría de Relaciones Exteriores - Instituto Matías Romero - Museo de la Cancillería. 2022, pp. 19-22. $220,000.00-$280,000.00

144

LORENA CAMARENA OSORNO (Ciudad de México, 1974 - ) Eco

Firmado y fechado 2019 Acrílico sobre lino 94.5 x 160.5 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art, noviembre de 2020. Publicado en: NERI FAJARDO, Sonia. Lorena Camarena. Invernadero de sombras. México. Aldama Fine Art, 2019, pág. 25, catalogado 5.

Exhibido en: “Lorena Camarena. Invernadero de sombras”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, de noviembre a diciembre de 2019.

Después de haber vivido muchos años en Estados Unidos y Uruguay, Lorena Camarena regresó a México y estudió durante dos años la Licenciatura en Psicología. Posteriormente practicó las bases del dibujo con el escultor tapatío Ignacio Garibay y en 1996 ingresó a la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara.

A lo largo de su carrera ha colaborado como investigadora en la Secretaría de Cultura de Jalisco y en el Museo Nacional de San Carlos. Además, cuenta con más de 16 exposiciones individuales y 33 colectivas en diversos estados de la República Mexicana y en el extranjero. “Sus obras se desarrollan no solo en varios planos o estratos de colores y formas superpuestos, sino en varios tiempos. A través de borraduras, diluciones de fondo y desmaterialización de formas Camarena construye una especie de ‘mise en abyme’ donde suceden pasado y presente simultáneamente: lienzos como antiguos palimpsestos”. María Rivera, fragmento del texto de sala de la exposición “Luz fósil”.

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MARÍA SADA

(Monterrey, Nuevo Léon, 1954 - )

Australis Incognita

Firmado y con monograma al frente en el primer panel. Fechados 2020 al reverso Óleo sobre madera con tela de cañamo, díptico 121 x 121 cm medidas de cada panel 121 x 242 cm medidas totales

Piezas: 2

Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 2022. Publicado en: sitio oficial de la artista www.mariasada.com

María Sada pertenece a una generación de artistas mexicanas que innovó la forma de entender el paisajismo, utilizando un lenguaje contemporáneo. Al inicio de su carrera realizó trabajos autobiográficos, centrándose en la figura humana, pero desde 1993 ha concentrado su atención en el mundo natural y el riesgo en el que se encuentra. Durante 30 años combinó su trabajo artístico con la restauración de la pintura de caballete, por lo que tiene un interés especial en los materiales y técnicas de representación. Su obra ha sido expuesta en diversas galerías y museos nacionales, así como en España, Estados Unidos y Bélgica. Es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. “Entre la filigrana de la naturaleza tropical y la austeridad tenaz de las plantas del desierto se teje el paisaje de México. Es un entorno que nos reta, muchas veces nos define, siempre nos asombra […] María Sada pertenece a esa generación reciente de creadores mexicanos que están buscando de nuevo con la mirada y creando en sus obras las imágenes del México de ahora.

Ha visto como nadie estos paisajes porque ha introducido un espíritu contemplativo en muy diversas formas de naturaleza agreste. Su trazo sabe combinar inusualmente el detalle fino y la impresión masiva, la nervadura y la sombra. Ella confirma aquella reiterada opinión de los viajeros europeos de otros siglos que encontraban en el paisaje de México sorpresiva poesía”. Alberto Ruy Sánchez.

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Transición de Rain series Firmado y fechado IV 015 Óleo sobre tela 91.5 x 122 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Posterior a su formación académica, se trasladó a Nueva York donde estudió el género del paisaje. Desde sus primeros años de estudio logró participar en diversas exposiciones colectivas en Cuba y laboró en la ejecución de algunos proyectos, destacando la realización de murales al lado de Arturo Montoto, de quien fue discípulo. Actualmente, su obra se conforma por varios temas, entre ellos las naturalezas muertas y la serie “Rain”, trabajo que comenzó en 2013. Estas obras se caracterizan por representar la lluvia como un sinónimo de intimidad, da la impresión de verla detrás de un cristal, dando así la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta; en palabras del autor: “pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento”.

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RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - )

Refugio espiritual Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, sus estudios en arte los realizó en la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro, en Cuba. En 1985 presentó su primera exposición individual y desde entonces ha realizado más de 60 entre Cuba, México, Estados Unidos y Costa Rica. Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami.

El tema principal en su trabajo son los paisajes tropicales donde se incluyen elementos como huevos a la deriva, frutas, escaleras, sombrillas que cuelgan en las nubes y otros elementos surrealistas. Con este lenguaje plástico, René Martín trata de promover la conservación de la naturaleza con gran sentido del humor, utilizando metáforas y simbologías. $90,000.00-$150,000.00 M.N.

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ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - )

Bambúes del sureste Firmado

Acrílico sobre tela 217.5 x 150 cm

Con certificado de autenticidad de Interart, septiembre de 2019.

Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y craqueladuras en los cantos.

“El pintor Armando Zesatti se declara autodidacta. Lo es hasta cierto punto si se toma en cuenta que si bien no asistió a las academias de arte, pero si se benefició del entrenamiento técnico que le proporcionaron diversos maestros. A eso se ha sumado una tenacidad a toda prueba que redunda en un impecable manejo del oficio que practica. Según sus propias palabras, ha querido ver la pintura ‘como una forma de vida’ y a ello dedica sus empeños. Su pintura tiene la capacidad de crear una realidad donde antes no existía sino una tela vacía, y en parte tiene que ver también con el encuadre fotográfico, pues al igual que otros artistas actuales él se ha valido de la fotografía para armar sus composiciones. En etapas anteriores exploró el paisaje desértico, ahora es la exaltación del verdor el tema que propone.

Zesatti dijo: ‘Me tranquiliza bastante el verde… No toda la vida es bella, pero pintar los verdes es terapéutico… Cuando el cielo es gris, pinto, pero me tardo más… No podría pintar temas deprimentes’.

El verde no es un color primario, pero entonces ¿cómo es que en estos cuadros sí resulta serlo? La respuesta podría ser la siguiente: porque no lo vemos como lo que es en su aspecto, digámosle, material. La sensación es simplemente ‘verde’, un verde más obscuro contra otro que se corresponde aproximadamente con el color del pasto inglés. Estoy hablando de sensaciones […] Sus cuadros son como ventanas, hay zonas más brillantes que otras, porque sólo así, mediante el empleo de luces y sombras puede lograrse la sensación de volumen, de profundidad, de planos que el pintor ha elegido como motivos de representación.

Armando Zesatti quiere dar la impresión de realidades que ha visto y vivido. No necesariamente en México, su país de origen, aunque también allí. Varios de estos cuadros fueron pintados en Miami, otros en Veracruz (los cocos, sobre todo), el manglar proviene de un jardín botánico por el cual discurre un riachuelo. Su actitud es, pues, la de veneración ante lo que mira y vive, sea donde sea. En cierto modo es un pintor ecologista a pesar de no habérselo propuesto en forma consciente”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. “Zesatti. Ilusionismo y realidad”. México, 2001, sitio oficial del artista www.zesatti.com $950,000.00-$1,200,000.00 M.N.

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Stayin Alive (Mantenerse vivo), de la serie COVID

Firmada y fechada 2022

Mixta, acrílico, tinta tipográfica, pigmento comprimido sobre placa de acrílico 176 x 118 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Gironella Parra firmado por el artista.

Con etiqueta de Fundación Parra Gironella.

Entre los temas que circulan su obra, destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, las mujeres, la muerte y la violencia.

En los últimos dos años ha conducido su corpus al tema de la pandemia y sus reflexiones. Así mismo, una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como a José Alfredo Jiménez, a Sor Juana Inés de la Cruz, así como a las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, al poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza y a la obra “Pedro Páramo” de Juan Rulfo.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com $160,000.00-$250,000.00 M.N.

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MAGALI LARA (Ciudad de México, 1956 - ) Sin título Firmado y fechado 95 Acrílico sobre tela 130 x 160 cm

Agradecemos a la Maestra Magali Lara por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Presenta ligeros detalles de conservación.

Condecorada en el 2019 con la Medalla al Mérito en las Artes por el Congreso de la Ciudad de México, es una artista visual, gestora y maestra que ha trabajado desde los años setenta con obra relacionada al cuerpo y las emociones a manera de ensayos visuales a través de temas como la identidad, lo femenino, la otredad y la conexión entre el adentro y el afuera.

Magali Lara entró a la Escuela Nacional de Artes Plásticas en 1976, en un momento de efervescencia experimental con la aparición de los grupos con quienes colaboró en diferentes eventos y publicaciones; se integró al Grupo Março hasta 1983. Coordinó, junto con Sebastian la exposición “Nuevas Tendencias” en el Museo de Arte Moderno en 1978, que fue la primera exposición en ese recinto que incluía video, performance e instalación. Realizó la curaduría de varias exposiciones de libros de artista presentadas en ciudades como São Paulo y San Diego (en colaboración con Guillermo Gómez Peña); en 1981 participó junto con Carlos Aguirre como representantes de México en el Primer Coloquio de Arte Latinoamericano.

En el año 2000, Luis Hidalgo comenzó a trabajar con ella para realizar animaciones, interesados en construir narraciones complejas con la ayuda de la música, edición y montaje. En 2008 se unió al Museo de Mujeres Artistas (MUMA), que busca mostrar la producción de artistas de diversas generaciones además de organizar exposiciones individuales o revisiones históricas de artistas mexicanas, y de construir una biblioteca sobre feminismo. En 2011 colaboró con Javier Torres Maldonado en la ópera “Un posible día”, presentada por el grupo Ensamble 2E2M, en París y en 2012 presentó “Animaciones” en el Museo Amparo. De 2013 a 2016 fue miembro del programa educativo Soma y del consejo de la Casa del Lago.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Reloj astrológico Firmada

Escultura en madera con hoja de oro con mecanismo de reloj 56 x 39 x 13 cm

Estudió la carrera en Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, donde conoció a Mathias Goeritz, figura fundamental en los inicios de su vida profesional ya que lo alentó para dedicarse al arte. Con el tiempo, pulió su manera de dibujar y comenzó a inclinarse al surrealismo, volviéndose parte del grupo de Leonora Carrington y Alice Rahon. Conforme evolucionaba su arte, se volvió excéntrico y rechazaba el arte social y político, se convirtió en un admirador de lo inútil, frívolo y caprichoso. La ironía y el exceso se volvieron los sentidos fundamentales en su obra, así como los elementos principales del Art Nouveau y el Op Art, sin dejar atrás la influencia de sus estudios como arquitecto. “Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg.

consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pág. 319.

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

AIDEE DE LEÓN

(Ciudad de México, 1979 - )

La transformación de la materia no. 4, 2016 Firmado en el canto y al reverso Óleo y acrílico sobre tela 100 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: NERI FAJARDO, Sofía. Aidee de León. Pintura (2016-2022). México. Aldama Fine Art - Secretaría de Cultura. 2022, pág. 26, catalogado 4.

Es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, realizó el Máster en Producción Artística e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Su formación ha sido constante en instancias en México y en el extranjero, asistiendo a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, realizando una Residencia de Producción e Investigación en Kanazawa, Japón en 2012 y una estancia de Producción en Pintura, Fundación Rodríguez Amat en el Centro de Arte Contemporáneo en Barcelona. Ha recibido numerosos premios y distinciones: Mención Honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven en 2004, ha sido becaria del FONCA en dos ocasiones, el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana por parte de la Tertulia Ilustrada de Madrid en 2014 y recibió la Medalla de Plata Gabino Barrera. Su obra está incluida en el Museo de Arte Alfredo Zalce, en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y en el Archivo del Programa Bancomer MACG Arte Actual.

consultada: sitio oficial de la artista www.aideedeleon.com

EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Stayin Alive, (Mantenerse vivo), de la serie COVID

Firmada y fechada 2022

Escultura en bronce 200 x 126 x 102 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Gironella Parra firmado por el artista. La formación humanístico-artística de Emiliano Gironella Parra, aunque autodidacta, estuvo influenciada por maestros significativos; en primera instancia sus padres Carmen Parra y Alberto Gironella, así como su abuelo, el arquitecto Manuel Parra. En segundo lugar, los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, como Octavio Paz, Luis Buñuel, Manuel Álvarez Bravo y Graciela Iturbide. Bajo su aprendizaje, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, hasta que su práctica artística decantó en la pintura, el grabado, la escultura y las tallas directas en madera.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019)

La casa de Alcibiades

Firmado y fechado 2006

Acrílico sobre papel sobre MDF 102 x 80 cm

Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1953 obtuvo una beca para estudiar en Madrid y más tarde viaja a Salzburgo, donde estudió con Oscar Kokoschka. Fue un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Vivió rodeado de objetos japoneses, porcelanas chinas y esculturas Art Nouveau que lo envolvían en una atmósfera inspiradora que desembocaba en sus

obras. Sus obras también estaban llenas de humor negro y satírico, se encontraban poetas muertos, mujeres en proceso de muerte y jóvenes que escapan de su alma.

En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. En 1988 se inauguró el Museo José García Ocejo en Córdoba, Veracruz, su ciudad natal. Su temática hace gala de la imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos, ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso.

Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

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HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Meditaciones sobre el espacio a partir de una línea No IV, 2019

Sin firma

Óleo y acrílico sobre tela 80 x 65 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero de 2020. Estudió Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos, Nuevo León, posteriormente recibió una beca del FONCA y fue premiado en la Bienal de Pintura del Museo Rufino Tamayo. A partir de entonces, Hugo Lugo ha sido reconocido en varios encuentros de artes nacionales e internacionales. A lo largo de su carrera ha expuesto en diversos foros culturales de México y el extranjero, además ha sido acreedor de diferentes premios y menciones, destacan el Premio de adquisición en la IV Bienal Regional de Arte Joven, la Mención Honorífica en la XIX Reseña de la Plástica de Nuevo León y el Premio Adquisición de la XIV Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2008. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

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LUIS SELEM

(Cuernavaca, Morelos, 1975 - )

La llave Firmado y fechado 2022 Óleo sobre tela 110 x 90 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo de 2022. Realizó estudios en Arquitectura, sin embargo se especializó en Artes Plásticas. Su obra presenta una composición tradicional, la figura humana aparece fragmentada o acompañada de objetos, especialmente de pies y zapatos, donde el sujeto retratado no los usa, sino que son ornamentación de la imagen. Además, el papel periódico en el que los objetos están representados y/o envueltos puede interpretarse como una alegoría del consumo y la moda, interpelando a objetos cuya base frágil y vulnerable como el papel resultan insostenibles o inservibles por sí mismos: zapatos, botellas de vino, gafas de sol que transitan entre lo escultórico como objetos decorativos, o pictóricos, para su apreciación.

Su obra ha sido exhibida en el Museo Fundación Santiago Carbonell, en Agora Gallery en Nueva York, galería Oscar Román y Galería Alfredo Ginocchio, entre otros.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luisselem.com $120,000.00-$200,000.00 M.N.

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RAFAEL CAUDURO

(Ciudad de México, 1950 - )

El piso hace a la barredora Firmado y fechado 81 Óleo, arena y cartón sobre tela 120 x 60 cm

Agradecemos al Maestro Rafael Cauduro por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi.

Es un reconocido pintor y muralista cuya obra se caracteriza por estar cargada con ilusionismo y jugar con la realidad y el tiempo. Su gama de técnicas y materiales es amplia, con ellas logra realidades a través de ilusiones ópticas que parecen tener el poder de diluir entes y ciudad en un todo.

Estudió Arquitectura y Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana por insistencia de su padre. Al morir este, decidió no continuar ejerciendo su carrera, lo cual sentía como obligación, y dedicarse de lleno a la pintura. Su primera exhibición individual la realizó en La Casa del Lago, lo cual consideró como el cumplimiento de un sueño, pues en su infancia su padre lo llevó a muchas exposiciones y consideraba a ese lugar sagrado.

A principio de los años ochenta comenzó a exhibir su obra en la Galería de Arte Misrachi, posteriormente se presentó en otras galerías y museos tanto en México como en Estados Unidos.

A mediados de la década permaneció un tiempo en Nueva York y presentó una exposición individual en la Alex Rosenberg Gallery. Posteriormente realizó su primera exhibición retrospectiva en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en 1991 en el Museo de Arte Moderno, ambos en la Ciudad de México, consolidándose como uno de los artistas más prolíficos de la época.

“En toda mi obra existe la mentira o la ilusión, productos del manipuleo que hago del tiempo en mis cuadros. Con respecto a los materiales que empleo en mis obras siempre los seguiré mezclando, para ofrecer una mitad real y otra que es una ilusión. Me interesa tener una actitud crítica en cuanto a la realidad, por eso no acepto tanto el título de ‘realismo’ dentro de mi obra. Creo que siempre he estado del otro lado de la trampa, del lado de la ilusión”. Rafael Cauduro. Fuente consultada: sitio oficial de Galería Inverarte www.inverarte.com $420,000.00-$600,000.00 M.N.

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JORGE MARÍN (Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Siempre, 2021 Firmada

Escultura en bronce en base de metal 168 x 115 x 70 cm medidas totales con base

Esta obra consiste de tres piezas que se ensamblan en una base de metal.

Con certificado de autenticidad del artista.

De carrera multifacética con herencia artística, Jorge Marín es un sobresaliente escultor que ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo. Su temática se caracteriza por ser mitológica, totalmente apreciable en sus figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso presentándose como una alusión a la acción del vuelo. El bronce le es idóneo para que las manos y los pies de estos personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Además, el hecho de trabajar con diversos formatos le ayuda a que los personajes se hagan más o menos imponentes, generando con ello un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico.

“El bronce es un metal mestizo, producto de la aleación de cobre y estaño. No es gratuito que Jorge Marín lo tome, lo trabaje como metal de nuestra raza, de nuestro país. Al bronce, Marín le da alas: Alas de angel. Sus ángeles de bronce no escapan a la tradición religiosa. Aparecen ángeles en todas las creencias. Y hombres, casi siempre jóvenes, unas veces viejos, en un alado paisaje angélico. La creación de Jorge Marín obedece no a lo divino, sino humano, ‘demasiado humano’”.

Carlos Fuentes.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx $850,000.00-$1,000,000.00 M.N.

159 EDWIN ROJAS (Valparaíso, Chile, 1957 - )

El desayuno Firmado y fechado 2008 Óleo sobre tela 124 x 154 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, enero de 2008. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Punta Arenas y obtuvo una especialización en Grabado en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar y un Master en Artes Visuales en la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso y en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1999 recibió una beca para asistir al Centre International D’Etudes Pedagogiques de París. Ha realizado exposiciones individuales en Chile, El Salvador, Corea, México y Argentina y participado en más de 30 colectivas. Algunas de sus obras se encuentran resguardadas en importantes instituciones culturales como el Museo Ralli en Chile, La Llorona Gallery en Chicago, el Instituto de Cultura Puertorriqueña y el Centro Cultural Fátima en Monterrey. Fuente consultada: sitio oficial de la Enciclopedia Cubana www.ecured.cu $130,000.00-$180,000.00

160

ARMANDO ROMERO

(Ciudad de México, México 1964 - ) Café Sunshine, de la serie De los cafés, 2006 Firmado

Óleo y mixta sobre tela 161 x 140 cm

Con certificado de autenticidad de Naturaleza Mexicana Galería de Arte firmado por el artista, julio de 2008.

Desde que estudió en La Esmeralda en la década de los ochenta ya fusionaba dichos elementos con su pintura y además jugaba con las combinaciones cromáticas, algo que le ponía los pelos de punta a Raúl Anguiano, y hasta a José Luis Cuevas. Tiempo después halló a un mentor que comprendió y guió su estilo: Juan Soriano.

Para Armando Romero, lo que realmente importa en su actividad creativa es la composición. En sus trabajos aparecen personajes de obras de arte reconocidas o extraídos del mundo de la publicidad y representados como imágenes icónicas, de manea lúdica, a partir de trazos espontáneos, borraduras y raspaduras. En sus intervenciones

plásticas, recrea la obra original para extender los límites de su expresividad. La referencia a la cultura clásica y los grandes maestros no se trata de inspiración, sino de la cita. “Pedir prestado”, es crear un vínculo entre el presente y el pasado. Desacraliza los códigos para ponerlos en el mismo plano de lo que fue y lo que ahora es y organiza un mundo ecléctico que desafía al espectador. “Estaban las caricaturas por un lado y Picasso y Rembrandt por el otro; mi madre era estudiosa del arte y le encantaba empaparnos de ello, y mi padre es escultor (el Maestro Armando Amaya); además, de repente entraban a la casa Francisco Zúñiga, Alfredo Zalce o Raúl Anguiano. Hago citas, parodias y tomo imágenes no pictóricas: sticker, cartel, graffiti, foto. Busco conjuntar épocas: puedo tomar de Rembrandt o convertir tres figurillas de arte popular en Kiss, pintándoles la cara”. Armando Romero. Fuente consultada: BARTRA, Bruno. “Rompe Romero estigmas del arte”. México. Diario El Mañana, 7 de Mayo de 2009 y “Obra plástica de Armando Romero”. México. Revista Inventio, La génesis de la Cultura Universitaria en Morelos. 2016, vol. 12, núm. 28. $230,000.00-$350,000.00 M.N.

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LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Eyes of love

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 164 x 130 cm

Procedencia: adquirida directamente al artista. Exhibida en Vitry-sur-Seine, Francia, en 1981.

Con etiqueta de Thomas Monahan Fine Art. Presenta ligeros detalles de conservación.

Luis Zárate siempre tuvo claro que quería dedicarse a la pintura, sin embargo, al concluir el bachillerato estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió incursionar en el dibujo y la pintura de forma autodidacta.

Durante este proceso tuvo como influencias artísticas los trabajos de Rufino Tamayo, Francisco Toledo y Rodolfo Nieto.

En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca. En 1974 se inscribió en un concurso de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. En este periodo estableció contacto con Juan Soriano, y sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en Francia se extendió por 14 años, realizando estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17. En 1986 decidió volver a Oaxaca.

A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones en España, Alemania, Bulgaria, Noruega, Francia, Italia, Mónaco, Singapur, Estados Unidos, México, Perú y Puerto Rico. En Europa ha sido acreedor a numerosos premios e importantes museos y galerías cuenta con obras suya en sus acervos.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233 - 236.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

162

RIVELINO MORENO

(San José de Gracia, Jalisco, 1973 - )

Conversaciones interiores II

Firmada y fechada 07

Cerámica a la alta temperatura 41 x 33 x 19.5 cm

Con certificado de autenticidad de Múltiple Arte Contemporáneo firmado por el artista, septiembre de 2008. Presenta ligeros desprendimientos de material en la base.

José Rivelino Moreno es un destacado dibujante, pintor y escultor jalisciense activo profesionalmente desde los años 90 y ha desarrollado una propuesta artística que se distingue por la exploración en los géneros del relieve y la intervención escultórica en el Espacio Urbano.

La escultura de Rivelino se caracteriza por una poética que oscila entre lo reconocible, lo extraño y lo misterioso. Está dividida en dos estilos, una es la de figuras antropomorfas de expresión hierática y la otra de objetos geométricos. Mantiene la importancia del relieve a través de volúmenes adheridos o bien, intervenciones grabadas en sus superficies.

Además de su actividad artística, se ha interesado en proyectos de arte público y gestión cultural, destacando en 2009 el proyecto “Nuestros Silencios”, el cual se presentó en Portugal, España, Rusia, Italia, Alemania, Francia, Bélgica, Reino Unido y México, muestra que fue el parteaguas para que obtuviera presencia internacional. Actualmente su repertorio abarca más de 60 muestras colectivas y 35 individuales en galerías y museos de México y el extranjero.

163

CARLOS MARÍN (Uruapan, Michoacán, 1959)

Metamorfosis

Firmado y fechado 012

Relieve de cerámica a la alta temperatura con óxidos en soporte de metal 118 x 265 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. Es egresado de la carrera de Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Pertenece a una familia dedicada al arte durante tres generaciones, experimentó en el mundo del arte toda su vida, sin embargo, se enfocó en la producción escultórica a partir de 1995. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales y sus obras forman parte de colecciones privadas en México y el extranjero. Trabaja su propuesta artística alrededor del cuerpo humano, en un mundo donde lo conceptual prevalece. Explora lo contemporáneo llevando a cabo las más estrictas de las tradiciones artísticas; el dibujo y la escultura. Incorpora un lenguaje del siglo XXI con un sentido académico de manera humorística y profunda.

Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.carlosmarinescultor.com

164

ROBERTO FABELO (Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título Firmada y fechada 09 Mixta sobre placas de cerámica sobre MDF 80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2009 y certificado de exportación del Registro Nacional de Bienes Culturales de la República de Cuba, septiembre de 2022. Es uno de los artistas más reconocidos de la esfera contemporánea cubana. Mostró sus habilidades artísticas y pasión para el dibujo desde niño, luego realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana, ha sido Profesor y miembro del jurado de importantes concursos nacionales e internacionales de artes plásticas. Por su destacada trayectoria artística el estado cubano le ha concedido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier.

La necesidad colectiva de revolucionar el intelecto en la Cuba de los años 80, conminó a Roberto Fabelo a concebir una obra más analítica y controversial, de acercamiento a la realidad circundante y a los problemas que atañen al hombre. Con peculiar sensibilidad, Fabelo explorador de mundos imaginarios y recreador de atmósferas y ambientes descubre potencialidades, incorpora nuevos valores, se expande en creatividad y asume un imaginario popular desbordante de un humanismo sin retórica.

www.fabelostudio.com

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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título

Firmado y fechado París 02 al reverso Óleo sobre tela 320 x 220 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

“Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América

Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”.

Propiedad de Morton Préstamos $250,000.00-$350,000.00 M.N.

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) La estación Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre tela 125 x 164 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial del artista www.josecastrolenero.com Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg.

Las imágenes que José Castro Leñero utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad.

Actualmente, José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos.

Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Time Light

Firmado al frente. Firmado 2 veces y fechado NYC March 2010 al reverso Óleo sobre tela 120 x 170 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, abril de 2010. Realizó sus estudios en la Escuela Elemental 20 de Octubre y en la Academia de San Alejandro en La Habana, Cuba. Obtuvo la beca otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes con su proyecto de investigación: “El Rito, El Mito y El Futuro Inmediato”. La Galería Ginocchio lo ha presentado en diversas e importantes ferias internacionales de arte en Latinoamérica y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones en importantes museos en Cuba, México y Estados Unidos. “En las confluencias urbanas de Ofill, en sus países, los personajes existen en colectivo o se dirigen, apresurados, a la colectividad dadora de sentido. Los individuos se reafirman por sus sombras, el ancho de sus caras, la estatura y la velocidad”. Emilio Ichikawa. Fuente consultada: ICHIKAWA, Emilio. “Ofill Echevarría: la teología del arte.” Cuba. Revista Encuentro, 31 de octubre de 2008.

168 OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Prado

Firmado y fechado 2010 / NYC / USA y referenciado “Ofill Industrial” al reverso Óleo sobre tela 121 x 172 cm

Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, septiembre de 2011. “Me gusta pensar que la idea principal de cualquier obra de arte proviene de un momento de lucidez, lo que ellos llaman inspiración, del propio artista. Creo que el arte es una extensión de quién lo produce. También creo que hoy el artista necesita conocer ciertos aspectos de la historia del arte para poder interactuar en el mundo del arte […] Como parte de una investigación basada en fotografía, estoy interesado en explorar temas sociales y antropológicos a través de la pintura, como técnica tradicional, así como a través de técnicas multimedia. La obra de arte, en conjunto, invita a la audiencia a reflexionar rodeada de un concepto ambiental que pretende representar el reino de las imágenes que experimentamos a diario”. Ofill Echevarría.

Fuentes consultadas: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio de 2017.

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ROGER MANTEGANI

(Córdoba, Argentina, 1957 - )

Figura con sombrero gris Firmado y fechado 2008

Óleo sobre tela 50 x 40 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2008. Su formación académica fue en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, de allí egresó con el título de Maestro de Artes Plásticas. En 1981 viajó a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela y Estados Unidos.

Roger Mantegani ha creado una obra que alude a tradiciones pictóricas, pues en su obra es posible captar esa facilidad con que su imaginación se mueve entre los grandes maestros del Renacimiento y los pintores del Barroco Europeo, encontrando sutiles comentarios acerca del siglo XX desde el post-impresionismo hasta la abstracción.

“En su imaginería los objetos forman parte de un repertorio visual teatral, conectado íntimamente, con lo onírico. La figura humana es como una brisa de aire que recorre estas emociones dormidas que acaricia directamente lo espiritual para dar paso a lo mundano. Es por todo esto que la realidad es silenciosa y atemporal en el registro de toda su obra”. Alfredo Ginocchio.

170

EIVAR MOYA (Valledupar, Cesar, Colombia, 1970 - ) Bodegón contemporáneo Firmada y fechada 2019 Mixta sobre tela 110 x 140 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad del Atlántico en Barranquilla, Colombia. Su trabajo tiene la influencia de Luis Caballero y Juan Cárdenas, dos grandes pintores colombianos. Ha expuesto en diversas galerías y espacios en Italia, Inglaterra, Escocia, Colombia y México.

Sus pinturas son un reflejo de las emociones y vivencias del ser humano. Virtuoso del dibujo, sobresalen las atmósferas y el diálogo que éstas hacen con los cuerpos.

“Para mí, el verdadero motor de mi trabajo es el ser humano porque me permite, a través de la fuerza, la línea y el gesto, representar un inmenso abanico de posibilidades, como el erotismo, la calma, la violencia, el odio y muchas otras cosas, es como ser un gran actor, que puede interpretar todos los roles que se dan o surgen en la vida, por eso, el ser humano es quien mueve mi trabajo. Todo lo que se puede colocar alrededor es anecdótico, es solo algo que acompaña la continuidad del mismo ser”. Eivar Moya.

171

VÍCTOR HUGO CASTAÑEDA (La Palma, Michoacán, 1947 - ) Sin título

Firmada y fechada 2000

Escultura en bronce IV / VII 101 x 58 x 70 cm medidas de la escultura Incluye base de madera.

Agradecemos al Maestro Víctor Hugo Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Procedencia: perteneció a la colección de la escritora Laura Fernández MacGregor Maza. $90,000.00-$150,000.00 M.N.

172

BENITO CERNA (Trujillo, Perú, 1960 - )

Modelo XII

Firmado y fechado septiembre 12 - 2012 al reverso Óleo sobre tela 80 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre de 2012. De formación autodidacta, su práctica artística comenzó cuando participó en diversos proyectos de restauración en el templo de Trujillo, Perú. Toma como tema principal la figura femenina, combinando recursos clásicos y elementos contemporáneos. Ha participado en diversas exposiciones tanto colectivas como individuales en galerías e instituciones de Perú, México, Colombia, Panamá y Estados Unidos.

Actualmente su obra forma parte de colecciones como las de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iambenito.com $90,000.00-$150,000.00 M.N.

173

VÍCTOR HUGO CASTAÑEDA (La Palma, Michoacán, 1947 - ) Sin título

Firmada y fechada 2008

Escultura en mármol, pieza única 68 x 33 x 30 cm

Agradecemos al Maestro Víctor Hugo Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022.

Procedencia: perteneció a la colección de la escritora Laura Fernández MacGregor Maza.

Se mudó a la Ciudad de México a temprana edad, siempre estando involucrado con el arte ya que proviene de una familia de escultores y ebanistas. Mientras cursaba los estudios de Ingeniero Mecánico Electricista en el Instituto Politécnico Nacional, decidió cambiar el rumbo de su carrera profesional, al haber participado en el movimiento del 68. Un año más tarde comenzó a trabajar con maestros de renombre internacional e inició sus estudios en La Esmeralda.

En sus esculturas representa la belleza de la mujer en su máxima expresión, sin importar si es una figura clásica, de complexión voluminosa o de tema religioso.

Con gran éxito ha expuesto en México y en el extranjero y actualmente su trabajo se aprecia en importantes galerías y hoteles del mundo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.vhcastaneda.com $95,000.00-$150,000.00 M.N.

174

GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título

Firmado y fechado 64 Lápiz de grafito sobre papel 97 x 66 cm

Agradecemos a Mauricio Bidault, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022.

En 1917 llegó a la Ciudad de México, becado por el gobierno de su estado natal para estudiar en la Academia de San Carlos donde fue alumno de Leandro Izaguirre, Carlos Lazo y Saturnino Herrán. En 1922, viajó a Río de Janeiro como ayudante de Roberto Montenegro, a quien habían comisionado la decoración del Pabellón de México en Brasil. A su regreso, el ministro de educación José Vasconcelos lo nombró director artístico del Pabellón de Cerámica de la Facultad de Ciencias Químicas.

Opuesto a la formación impresionista que se impartía en las Escuelas de Pintura al Aire Libre, rechazó la dirección que Alfredo Ramos Martínez le había ofrecido de una de ellas. En lugar de eso, Fernández Ledesma,

sus hermanos y Guillermo Ruiz concibieron la creación de la Escuela de Escultura y Talla Directa; que buscaba abolir la idea del arte por el arte, impulsar el arte popular e impartir la enseñanza a obreros y niños. Paralelamente creó un taller de grabado con el cual impulsó el desarrollo de la gráfica en México.

En 1929, fue comisionado para viajar a España y llevar una exposición de las Escuelas de Pintura al Aire Libre y de los Centros Populares a la Feria de Sevilla. Fue miembro fundador de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en 1934 y jefe de la oficina editorial de la Secretaría de Educación Pública al año siguiente. En 1940 colaboró con Miguel Covarrubias en la realización de la exposición “20 siglos de arte mexicano” que se presentó en Nueva York. En 1969, obtuvo la beca de la Guggenheim Foundation y en 1975 recibió en Aguascalientes la medalla José Guadalupe Posada. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 396 y MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita et al. La Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 260.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

175

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - )

Una madre con sus hijos, 1979

Firmada

Escultura en bronce 101 x 69 x 35 cm

Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, junio de 2022. “La obra de Carol Miller es notoriamente femenina, al igual que la de muchas artistas tiende a la anécdota, nos trata de contar una historia completa en cada escultura o toda una forma filosófica de pensamiento y no un concepto, además de tratar los volúmenes que las componen con suavidad, esto aunado a los distintos materiales que trabaja, que producen en cada caso un resultado diferente”. Horacio Castrejón Galván.

Fuente consultada: CASTREJÓN GALVÁN, Horacio. “En la casa de Anáhuac. Carol Miller”. $120,000.00-$200,000.00 M.N.

176

CAROL MILLER (Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Simba Firmada Escultura en bronce 40 x 90 x 31 cm

Con certificado de autenticidad de la artista, diciembre de 1993. En el certificado se especifica que el tiraje de la obra es P/A II. Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Presenta mínimos detalles de conservación.

“Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar l a historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción”. Carol Miller.

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - )

Volcanes con bruma de verano Firmado y fechado 022 al frente. Firmado y fechado 2022 al reverso Óleo sobre lino 50 x 80 cm

Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 2022.

Jorge Obregón cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla “Gabino Barreda” al Mérito Universitario. Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha llevado a cabo 4 residencias artísticas en España y Estados Unidos y desarrollado proyectos de paisaje in-situ en España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la embajada de México en Tokio, para realizar un proyecto del volcán Fuji. Ha presentado más de 22 exposiciones individuales y participado en más de 70 colectivas. Desde 1991 ha sido acreedor de varios premios y distinciones.

“Jorge Obregón concibe la pintura y el dibujo de vistas naturales a la manera de una práctica de conocimiento que integra arte y vida. Cada uno de los proyectos o series de paisaje que el artista ha producido en distintas locaciones en Europa, América y Asia, representa una experiencia de planeación logística, viaje de traslado, alojamiento, trabajo de campo y recorrido de inmediaciones (pintura al aire libre), registro y documentación, publicaciones […] Además del relato de sus propios pensamientos durante las sesiones de pintura y dibujo in situ, o de la impresión que busca transmitir en toda su obra de paisajismo, el propio Jorge Obregón ha mencionado en múltiples ocasiones su identificación con el legado del pintor mexicano moderno Gerardo Murillo, Dr. Atl, en cuya particular concepción hay dos núcleos filosóficos que me interesa consignar aquí: la montaña ígnea es proyección y espejo del yo profundo del sujeto libre en estado de autoconocimiento, y la representación de paisajes litosféricos y atmosféricos es una renuncia crítica, en plena Época Industrial Avanzada, a la devastación generada por la huella antropocénica. Jorge Obregón es un autor inscrito en esta genealogía espiritual”. Erik Castillo.

Registro fotográfico del proceso del artista

178

MARIO ALMELA (Ciudad de México, 1940 - 2017) Popocatépetl desde Ayapango, ca. 1995 Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio y RUIZ MARTÍNEZ, María Guadalupe. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, pág. 13, catalogado 18. Exhibido en: “Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México”, muestra individual presentada en la galería Aldama Fine Art, en la Ciudad de México de octubre a noviembre de 2008.

Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura.

A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Experimentado alpinista, ha pintado nuestros volcanes desde todos sus rincones. En su madurez como artista, siempre ha trabajado tras la perfección en su técnica y acompañado de su eterna obsesión por la luz. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art. 2008, pág. 4.

179

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012)

Los tres hermanos Firmado y fechado 2002 Óleo sobre madera 79 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, hija del artista, agosto de 2022. Aunque no nació en el campo, sino en la Ciudad de México, pronto estableció contacto con los valles, montañas, volcanes y lagos que sus ojos veían cuando su abuelo le hablaba de los caminos que su oficio de arriero lo obligaba a emprender. Los guardó en la mente para recuperarlos con el paso del tiempo.

Ingresó a la Academia de San Carlos en 1941. Fue discípulo de José Chávez Morado, Alfredo Zalce, Julio Castellanos y Carlos Alvarado Lang. En 1964 Dr. Atl le encomendó la tarea de realizar los paneles para las salas Teotihuacana, Otomí y Pame del Museo Nacional de Antropología e Historia. La obra de Nicolás Moreno se encuentra entre el patrimonio cultural de la UNAM y en numerosas colecciones privadas de países como Estados Unidos, Francia, España y, por supuesto, México.

“Un cuadro de Nicolás Moreno es suma y resumen de cuanto paisaje insinúa y dice: un poco de dolor alegre y otro poco la alegría dolorosa. Junto a esa roca descarnada, áspera, cacariza y dura, la flor, madre de la sonrisa. Sonrisas de la tierra árida, del desierto, de la soledad, de la muerte”. Andrés Henestrosa.

consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 384.

180

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título Firmado Óleo sobre tela 60 x 80.5 cm

Presenta detalles de conservación y oxidación en las orillas. La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, quien tuvo una mayor producción de cuadros marinos que Joaquín Clausell. Con gran maestría, ejecutó el mar tranquilo y tempestuosos, costas rocosas, playas, atardeceres y amaneceres, todas ellas con diversas tonalidades monocromáticas que al integrarse crean una atmosfera tradicional, paradisiaca y fresca. Fue un artista con una relación obsesiva con la naturaleza, tenía un gusto por vivirla y sentirla a través de su pintura, retratando en distintas ocasiones el acantilado de La Quebrada en Acapulco, así como las regiones de Campeche, Nayarit y Jalisco hasta las costas francesas e italianas.

“Los temas marítimos a finales del siglo XIX convirtieron al mar en un elemento independiente […] Se dice que Mayorga realizó un poco más de 100 marinas de gran calidad artística, situándolo así entre los especializados en el estilo”. Hugo Cervantes.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101-107.

ACEVES, GUSTAVO 55, 165

ALCALDE GARCÍA, ALFREDO 43

ALFARO SIQUEIROS, DAVID 77, 78

ALMELA, MARIO 178

ANGUIANO, RAÚL 56, 100

B

BARDASANO, JOSÉ 62, 64

BARRERA, LARISSA 143

BASSI, SOFÍA 142

BÉJAR, FELICIANO 10, 12

BELKIN, ARNOLD 76

BRITTO, ROMERO 51

C

CAMARENA OSORNO, LORENA 144

CARBONELL, SANTIAGO 52

CASTAÑEDA, VÍCTOR HUGO 120, 171, 173

CASTELLANOS, MARÍA DOLORES 16

CASTRO LEÑERO, JOSÉ 166

CAUDURO, RAFAEL 157

CERNA, BENITO 172

CHÁVEZ MORADO, JOSÉ 132

CHEMOR, ANTONIO 7

CHICO, JULIO 101

CLAUSELL, JOAQUÍN 135, 138

CLIMENT, ELENA 19, 22

CLIMENT, ENRIQUE 67, 69

CORONEL, PEDRO 5, 123

CORONEL, RAFAEL 41, 42, 49, 124

CORTÁZAR, ROBERTO 48

CORZAS, FRANCISCO 40, 47, 141

COSTA, OLGA 37, 131

CRUZ REYEZ, JUAN 74

D DE LEÓN, AYDEE 152 DE SZYSZLO, FERNANDO 90

DEL VALLE, JUAN CARLOS 20 DR. ATL 38, 140 E

ECHEVARRÍA, OFILL 167, 168

EPPENS, FRANCISCO 25, 26, 27, 28, 29, 30

ESQUEDA, XAVIER 21

F

FABELO, ROBERTO 164

FELGUÉREZ, MANUEL 88

FERNÁNDEZ LEDESMA, GABRIEL 174 FRIEDEBERG, PEDRO 151

G

GALÁN, JULIO 46

GÁLVEZ, BYRON 83, 85

GARCÍA OCEJO, JOSÉ 154

GARCÍA-NORIEGA BUENO, CARLOS 3

GERZSO, GUNTHER 75, 87, 89

GIRONELLA PARRA, EMILIANO 149, 153 GOERITZ, MATHIAS 91

GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO 137, 180

GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE 37 GONZÁLEZ DE LEÓN, TEODORO 4

GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE 13 GURRÍA, ÁNGELA 81

H

HELGUERA, JESÚS 32, 60, 63

HERNÁNDEZ, SERGIO 103, 105, 106, 111, 112, 113 HERRÁN, SATURNINO 39

K

KUNY MENA, CONCHITA 17

L

LANDAU, MYRA 8, 11 LARA, MAGALI 150 LUGO, HUGO 155

M

MANTEGANI, ROGER 169 MARÍN, CARLOS 163 MARÍN, JAVIER 50 MARÍN, JORGE 158 MARTÍN, RENÉ 147

MARTÍNEZ, RAYMUNDO 139 MARTÍNEZ, RICARDO 34, 130 MAYAGOITIA, JESÚS 96 MEZA, GUILLERMO 35, 125 MILLER, CAROL 175, 176

MONTENEGRO, ROBERTO 126, 133 MONTOYA, GUSTAVO 127, 128 MORALES, RODOLFO 114, 115, 116 MORENO, NICOLÁS 179 MORENO, RIVELINO 162 MOYA, EIVAR 170

N

NEGRET, EDGAR 92 NIETO, RODOLFO 6, 82, 86, 107, 110 NISHIZAWA, LUIS 80, 102, 119

O

OBREGÓN, JORGE 177

OLBÉS, EDUARDO 23, 24 ORDOÑEZ, SYLVIA 14 ORTIZ, TIBURCIO 31

P

PACHECO, FERNANDO 98 PARRA, CARMEN 57, 48 PELLICER, CARLOS 99 PÉREZ FLORES, DARÍO 97 PORTOCARRERO, RENÉ 72

R

RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO 65, 66, 68 ROJAS, EDWIN 159 ROMERO, ARMANDO 160

S

SADA, MARÍA 145 SADURNÍ, JAIME 61

SAKAI, KAZUYA 1 SANTIAGO, ALEJANDRO 108, 109 SARDINA, YAMPIER 18, 146 SEBASTIAN 95

SELEM, LUIS 156

SORIANO, JUAN 71, 129 SOTO, JESÚS RAFAEL 93

T

TICHENOR, BRIDGET 44, 45

U

URUETA, CORDELIA 2

V

VELASCO, JOSÉ MARÍA 136 VLADY 79, 84

Z

ZALCE, ALFREDO 70, 134 ZAMORA, BEATRIZ 9, 104 ZÁRATE, LUIS 15, 161 ZÁRRAGA, ÁNGEL 59 ZENIL, NAHÚM B. 53, 54 ZESATTI, ARMANDO 148 ZÚÑIGA, FRANCISCO 33, 117, 118, 121, 122

MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA?

Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO ME REGISTRO A UNA SUBASTA?

El registro puede ser de las siguientes maneras:

A) Para participar en vivo:

Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia:

Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS

Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140)

Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com

En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas?

Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA

Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas:

1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5. Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO

1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $50,000 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2. Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000 M.N.

EN LÍNEA

1. En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2. En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23%.

EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE

1. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2. El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3. Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4. Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5. Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6. Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7. Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8. Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9. En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

17. El adquirente tendrá un plazo máximo de 4 días hábiles a partir de la fecha de la subasta en que se le adjudicó el artículo para pagar en su totalidad y recogerlo en el domicilio de Morton en el cual se haya realizado la subasta y en el horario que se le indique. El quinto día después de la subasta se utilizará para transportar las piezas a Avenida Constituyentes 910, colonia Lomas Altas, C.P. 11950, Miguel Hidalgo, Ciudad de México, por lo cual este día no habrá entrega de mercancía. A partir del sexto día después de la subasta comenzará a correr un periodo de gracia consistente en 10 días hábiles en el cual no se cobrará el almacenaje de los lotes. A partir del décimo primer día, si el adquirente no ha recogido sus artículos, estará obligado a pagar $100.00 más I.V.A. diarios por concepto de almacenaje.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO?

Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS?

Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA?

1. La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

• El precio de venta o de martillo del lote subastado.

• Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

• En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

• En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

2. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3. Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

OFERTAS PRESENCIALES

Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A. sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,000.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,160.00 M.N.

3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito bancario o American Express, se incrementará el 6.6% por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA

7. Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN

8. El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9. Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI NO

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON)

NOMBRE Y FIRMA

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes.

Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

Ciudad de México. a

del añode

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS OFERTA POR TELÉFONO

SI SINO NO

NOMBRE COMPLETO CALLE No. C.P. E-MAIL

COLONIA ALCALDÍA / MUNICIPIO TELÉFONO IDENTIFICACIÓN

NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

CELULAR

FECHA DE VENCIMIENTO

DESCRIPCIÓN

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

$

.00 M.N. .00 M.N.

.00 M.N. .00 M.N.

.00 M.N. .00 M.N. .00 M.N. .00 M.N.

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia , hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA:

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD:

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta.

b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton.

c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

Subastas en Monte Athos: $50,000 M.N.

Subastas en Cerro de Mayka: $5,000 M.N.

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%).

Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY)

OF RECEPTION

SIGNATURE

MEXICO CITY

ABSENTEE BID FORM

AUCTION TITLE PALETTE NUMBER

DATE

ONE MORE BID AUTHORIZE

TELEPHONE BIDS

SI SINO NO

FULL NAME ADRESS ZIP CODE E-MAIL MOBILETELEPHONE ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE LOT NUMBER

EXPIRING DATE

DESCRIPTION

TOP LIMIT BID (Mexican Pesos)

$ $

$ $

$ $ $ $

.00 M.N. .00 M.N.

.00 M.N. .00 M.N.

.00 M.N. .00 M.N. .00 M.N. .00 M.N.

ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY:

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it.

b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held.

c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP

Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP.

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.