Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

Lote 59

Lote 226

Lote 58

Lote 46

.. .. ..

CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

Director General

Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Directora Comercial Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Gerente de Consignación

Eduardo López Morton

emorton@mortonsubastas.com

Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Gerente de Adelantos

Andrés López Morton

amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Pilar Alfonso

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Antonio Villa

Oportunidades Adrianna Navarro

Herencias y Colecciones Javier López Morton

Monterrey

Samuel Campillo

París

Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Pilar Alfonso

Especialistas

Constanza Infante Sofía Duarte

Catalogadoras

Odette Paz María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Mariel Ortega

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $19.00 (diecinueve pesos M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días).

Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Pilar Alfonso | palfonso@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6881

mortonsubastas.com

Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 30 d e n o v i e m b r e d e l 2017, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el martes 28 de noviembre a partir de las 7:00 p.m. EXPOSICIÓN Domingo 26 de noviembre de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Lunes 27 a miércoles 29 de noviembre de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Mariel Ortega Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 mortega@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Pilar Alfonso Tel. (55) 5283 3140 ext. 6881 • palfonso@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 60 PORTADA: Lote 61 CONTRAPORTADA: Lote 62

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

mortonsubastas.com

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton Subastas podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton Subastas hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton Subastas haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton Subastas para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton Subastas por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. • El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. • El transporte es por cuenta del comprador. • Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre. • tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar. • Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición. • De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte. • Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. • Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente. • Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta. • Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Lunes 4 de diciembre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Martes 5 de diciembre de 9:30 a.m. a 4:30 p.m.

Miércoles 6 de diciembre de 9:30 a.m. a 4:30 p.m.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito o débito, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton Subastas presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de crédito o débito, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Lote 70

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 247

Lote 84 101 Lote

Lote 93

Subasta de Arte Latinoamericano

Morton trae para usted la segunda Subasta de Arte Latinoamericano del 2017. En esta ocasión reunimos 260 obras de algunos de los maestros modernos y contemporáneos latinoamericanos más importantes; aquellos que han dado forma al panorama artístico de México y otras regiones latinoamericanas tales como Perú, Cuba, Colombia, Argentina, Guatemala, Brasil, Venezuela y Uruguay. Destaca una rica selección de obras de mujeres artistas del siglo XX: el espléndido óleo de Leonora Carrington que da portada a este catálogo, con los elementos simbolistas y alquímicos que caracterizaron la vida y obra de esta creadora inglesa quien hizo de México su segunda patria, al igual que su colega y cómplice Remedios Varo, de quien incluimos el fino dibujo preparatorio para la pintura “Fenómeno”. De la internacionalmente célebre Frida Kahlo, contamos con la pintura “Sueño de adiós”, también conocida como “Naturaleza muerta con cempasúchil”, un óleo de mediados de la década de los veinte, en el que la joven pintora ya sentaba las bases de su emblemático estilo, por medio de un bodegón en el que expresaba su dolor ante los problemas que afectaban su salud física y emocional. De igual modo sobresale “Idilio” de María Izquierdo, una pintura de 1946 habitada por caballos, un arquetipo característico de esta época de su producción. También encontrará una sección de obras que pertenecieron a la colección de la reconocida galerista, coleccionista y promotora de arte Reyna Henaine, creadora de un espacio físico y virtual basado en Nueva York, a través del cual promovió la apreciación y adquisición de obras de grandes maestros de la plástica norteamericana y principalmente de América Latina. Con el propósito de aportar ayuda a Venezuela durante la peor crisis humanitaria de su historia, contamos en esta subasta con la presencia de un grupo de artistas latinoamericanos –venezolanos, en su mayoría– que han desarrollado parte de su trayectoria en Francia. A través de “Venezuela te necesita”, una asociación sin fines de lucro, varios artistas han decidido retribuir a la nación venezolana lo que les ha brindado; obras de Wilmer Herrison, Carlos Cruz-Diez, Carlos Medina, Milton Becerra y del costarricense Carlos Poveda conforman esta sección. Tantas zonas geográficas, fenómenos socioeconómicos y prácticas culturales coexisten en la región denominada América Latina; tantas y tan diversas manifestaciones artísticas se desprenden de esta compleja entidad, que no es extraño que atraiga a algunos de los coleccionistas más apasionados del mundo. Lo invitamos a conocer estas, y todas las demás historias que se encuentran detrás de cada una de las obras que conforman la subasta, en la exposición previa. Acérquese a los especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo para recibir asesoría personalizada respecto a las obras o al proceso de compra en subasta. El arte latinoamericano es tan apasionante como diverso, y estamos seguros de que encontrará en esta subasta la obra que se convertirá en parte de su patrimonio material y espiritual. Morton Subastas

Lote 15

Colección Reyna Henaine

Reyna Henaine fue galerista, coleccionista y promotora de arte latinoamericano durante más de tres décadas. Incursionó en el mundo del arte por primera vez en la década de los ochenta mediante la venta de obra gráfica. Algunos años después se asoció con la galerista Bertha Schwarsctein y juntas fundaron su primera galería: Grupo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. Manejaron obra de artistas de la talla de Raúl Anguiano, Gilberto Aceves Navarro, Juan Soriano, Jazzamoart y Kazuya Sakai, entre otros. En 1997, Reyna se mudó a Nueva York y creó Henaine Fine Art, un espacio físico y virtual a través del cual promovió a artistas norteamericanos y de América Latina, incluyendo al artista y diseñador Pedro Friedeberg. Además de los artistas aquí incluidos, la colección Reyna Henaine contiene obra de otros importantes maestros de la plástica como Roberto Matta, Francisco Toledo, Luis Filcer, Felipe Castañeda y Mario Martín del Campo. Cada una de estas piezas representa y celebra una larga trayectoria enfocada a la apreciación y la promoción del arte.

Reyna Henaine con Jazzamoart

Reyna Henaine con Raúl Anguiano

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Sin título Firmado y fechado 79 Acrílico sobre papel 74 x 54.5 cm En 1974 recibió de manos del presidente Luis Echeverría el Premio Nacional de Artes, máxima distinción que otorga el gobierno de México a través del Consejo de la Academia de Artes, el Seminario de Cultura, el INBA y la Sociedad de Arquitectos a quienes destacan en la creación, investigación o promoción artística. Por este motivo el maestro Chávez Morado manifestó públicamente: "Me ha tocado vivir una gran época, ardua y convulsa, dura como el

odio; pero asimismo creativa y luminosa como la mañana. En esos dramáticos desgarramientos pude haber perdido mi pequeña luz interior; pude haberme convertido en hombre cero, como tantos que aplasta la máquina masificadora de la sociedad en la que he vivido, de no haber surgido antes el movimiento muralista [...] En arte no debemos llegar a definiciones tajantes que nos den un claroscuro condenatorio. Convivamos, laboremos y no nos discriminemos. Este propósito no debe tomarse como si fuese indefinido en mi obra. He sido y seré un pintor que desea dialogar con su pueblo […] El arte fue mi vocación, servir es mi devoción". Fuente consultada: TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. UNAM, 1980, Pág. 155.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,530-$13,160 22

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Magnolias IV Firmado y fechado 96 Óleo sobre tela 101.5 x 76 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Comenzó sus estudios en la Escuela Libre de Pintura de Guadalajara, posteriormente se trasladó a la Ciudad de México donde comenzó a impartir clases de dibujo, siendo este el inicio de una larga trayectoria docente. Entre los años 40 y 50 viajó a Nueva York y visitó algunos países de Europa, no obstante, sus paseos por los estados de la República Mexicana fueron los 24

que denotaron sus temáticas, las cuales ejecutaba mediante pintura de caballete y mural, así como el dibujo, la obra gráfica y la escultura. En sus obras, continuamente gustaba transmitir un ambiente intimista y sereno en el cual definía cada detalle, pero a la vez, dejaba espacios que invitasen al espectador a agregar imaginariamente lo faltante. Entre sus hazañas artísticas destaca su participación en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y la fundación del Taller de la Gráfica Popular junto con Alfredo Zalce, Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins y Fernando Castro Pacheco. La excelente calidad de su trabajo, realizado a lo largo de más de 78 años, lo colocó como unos de los pintores más sobresalientes del arte mexicano del siglo XX.

Fuente consultada: CASILLAS, Beatriz Eugenia. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 78.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,580-$15,790

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Naturaleza muerta con serpiente Firmada y fechada 79 Mixta sobre tela 99 x 81 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Con etiquetas de Galería Juan Martín, Grupo de Arte Contemporáneo y Galería Tonalli. Juan Soriano fue un artista independiente de la Academia, aprendió por sí mismo el oficio de pintor, sin embargo sus múltiples viajes al extranjero, el trabajo de sus colegas y la cultura mexicana fueron sus principales motivaciones e influencias. A mediados de los años 70 se trasladó a vivir a París, época en la que estableció amistad con

Julio Cortázar y Valerio Adami, además de toparse con Pedro Coronel y Alberto Gironella, quienes se encontraban viviendo en esa ciudad. Fueron años sumamente productivos tanto social como artísticamente, el vivir entre México y Francia con gran libertad hizo que su obra lo resintiera, siendo testigo de su apego a la modernidad occidental y la unión que hizo con su ideal del color y las formas mexicanas. Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más. Fuentes consultadas: AVENDAÑO, Octavio et ál. Juan Soriano 1920 - 2006. México. Museo de Arte Moderno, Secretaría de Cultura, 2016, pp. 5 - 20 y PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 40.

$500,000.00-$800,000.00 M.N. USD $26,320-$42,110 25

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Madre e hija Firmado G. Meza Óleo sobre tela 61 x 50.7 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, noviembre del 2017. Desde joven Guillermo Meza mostró dotes para el dibujo y la pintura, los cuales pudo comenzar a desarrollar cuando colaboró con el Maestro Santos Balmori en Morelia, Michoacán, dando clases a niños refugiados españoles. Poco tiempo después comenzó a ser aprendiz de Diego Rivera, quien lo recomendó con la prestigiosa galerista Inés Amor, quien a su vez reconoció el excepcional talento de Meza para la pintura. En 1940 logró exponer en la Muestra Surrealista, desde entonces y hasta los años 60, la Galería de Arte Mexicano vendió y difundió su obra. A lo largo de su carrera mostró su habilidad en el trazo, en las composiciones y en la aplicación del color. Entre sus técnicas preferidas destacó el dibujo, no obstante pintó también con pastel, gouache y óleo y experimentó con los procesos gráficos. En vida, colaboró en exposiciones colectivas, realizó exhibiciones individuales y participó en ferias y bienales en México y el extranjero. Actualmente los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, San Francisco y Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia, entre otros, preservan obra suya en sus acervos. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 416.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,210-$6,320 26

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Rocas Firmado Óleo sobre masonite 45.5 x 62 cm Con etiqueta de Grupo Arte Contemporáneo. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Luis Nishizawa nació en la Hacienda de San Mateo en Ixtacalco, un pueblo que hoy forma parte del municipio de Cuautitlán Izcalli, donde vivió los primeros 7 años de su vida. Allí convivió con la naturaleza y aprendió a observarla y respetarla, admiración que influyó en que el paisaje se convirtiera posteriormente en uno de los temas más concurrentes en su pintura. Dentro de este género, recreó la vista panorámica de los valles y volcanes mexicanos, de los cuales capturaba poquísimos elementos y los transformaba en puntos focales a través del color y la luminosidad. Las influencias principales para sus paisajes atmosféricos provinieron de la tradición pictórica de José María Velasco, Francisco Goitia y Dr. Atl. Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 468.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470 27

LUIS ARGUDÍN

(Ciudad de México, 1955 - )

Mecanismo del cielo Firmado y fechado 91 al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 90.5 cm Estudió en Inglaterra la Licenciatura en Artes Visuales en Hornsey College of Art de 1974 a 1979 y la Maestría en Estética y Teoría del Arte de 1979 a 1980 en la Universidad de Essex. Es maestro de la Escuela Nacional de Artes Plásticas desde 1988, donde imparte Teoría del Arte. "Mi intención es ceder a la tentación de la decoración, llenar el espacio. ¿Con qué? Pues con pintura. Quiero recuperar la conciencia de que la pintura es decoración, esto es, el uso consciente de los espacios visuales en la obra pictórica. El modernismo y todo lo que viene posteriormente es una infección, es arte ideológico. Yo quiero pintar más allá de las ideologías: pintar con lo que hay enfrente, decidir con criterios puramente pictóricos y del manejo del espacio, y no conforme a las ideas". Luis Argudín. Fuentes consultadas: ARGUDÍN, Luis y NAVARRETE, Sylvia. "Afinidades electivas. Las monomanías de Luis Argudín". México. Revista Replicante, 13 de junio de 2012 y sitio oficial del artista www.luisargudin.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,160-$4,210 28

GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - )

Los bañistas huyendo de la lluvia Firmado y fechado México 85 al reverso Óleo sobre tela 85 x 100 cm Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes y Grupo Arte Contemporáneo. Inició sus estudios en La Esmeralda en 1950 y al poco tiempo comenzó a trabajar al lado de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales. En 1964 colaboró como maestro en el Instituto de Intercambio Cultural Mexicano Norteamericano en Los Ángeles y luego en la Academia de San Carlos. Con el tiempo, su profesionalismo plástico se fortaleció y su alto perfil como artista lo colocó como uno de los más destacados del arte mexicano de finales del siglo XX y principios del XXI. Es un artista de convicciones firmes e ideología liberal, disciplinado, serio, hiperactivo y reflexivo. Su obra se caracteriza por contener esencias neofigurativas y recursos del informalismo, además de presentar juegos cromáticos, planos con toques de luces, trazos vigorosos y ágiles que refuerzan los efectos volumétricos. Conjuntamente a su pintura de caballete, Aceves Navarro ha realizado esculturas efímeras y monumentales, diseños de escenografías, iluminación y vestuarios para obras teatrales y obra mural, entre los que destaca "Canto triste por Biafra", el cual es parte del acervo del Museo de Arte Moderno y es considerado una pieza clave para el desarrollo de la etapa de La Ruptura. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 68 y sitio oficial del Museo Claudio Jiménez Vizcarra www.museocjv.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,160-$4,210 29

GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - )

Adán y Eva I Firmado y fechado 06 07 87 México al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con etiqueta de Grupo Arte Contemporáneo. Su repertorio artístico es muy extenso, sus pinturas y dibujos son consideradas obras de gran calidad. Todas ellas derivan de su amplio conocimiento de la historia del arte y de su afán por buscar nuevas propuestas que refresquen las características de su trabajo. Aunque realizó murales, su objetivo rompía con los estereotipos tradicionales del muralismo, por lo que se le considera uno de los máximos exponentes de la generación de La Ruptura. "Creo que dibujar es un don; a mí siempre me gustó. Es una tarea endemoniadamente difícil, porque dibujar no es repetir lo que uno ve. Dibujar es otra cosa, es alimentar las formas con lo que uno tiene; es cómo ve uno, qué es lo que ve, qué le genera, qué formas le da, y esas formas que obtiene uno de su experiencia diaria y de los sueños y de todas las cosas, es lo que intenta reflejar con un lapicito y un papelito, como decía José Clemente Orozco". Gilberto Aceves Navarro. Ha participado en más de 250 muestras en México y el extranjero, destacando la exposición retrospectiva realizada en 2009 en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México; además de colaborar en un sinfín de ferias y bienales a nivel internacional. Fuente consultada. REYES, Rosario. "Sigo lúcido, afirma Gilberto Aceves Navarro". México. El Financiero, sección Cultura, 1 de julio del 2014.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 30

MAXIMINO JAVIER

(Santa Fe la Mar, Valle Nacional, Oaxaca, 1948 - )

La muerte vencida Firmado y fechado 1994 Óleo sobre tela 160 x 145.5 cm Desde pequeño Maximino Javier le ayudaba a su padre en el campo a limpiar tabaco, arroz y maíz. En aquella época no se les exigía a los niños ir a la escuela, pero gracias a una beca que obtuvo pudo independizarse y dedicarse de lleno a la pintura. Con gran dedicación, logró formar parte la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo, donde conoció a Francisco Toledo quien le compró su primera obra. Posteriormente emigró a la Ciudad de México para trazar su propio camino, a pesar de las consignas de que allá sería todo más difícil, pronto consiguió a un patrocinador para realizar una

exposición, en la cual todos sus cuadros fueron vendidos, lo que marcó el inicio de una trayectoria de grandes éxitos. Por consiguiente realizó muchas más exposiciones en galerías de gran importancia en México, Buenos Aires, Puerto Rico, Washington, Nueva York, París, Róterdam y Madrid. En el transcurso de su carrera ha experimentado con diversas texturas y colores a través del óleo, las acuarelas y tintas, además es un especialista en los procesos de la obra gráfica, la cual ha ejercido con frecuencia en los talleres de Guacha Bato Ediciones, Pilar Bordes y Gráfica Soruco, entre otros. Hoy en día, Maximino Javier es considerado como uno de los máximos exponentes de la pintura oaxaqueña.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2007, año 12, No. 35-42.

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,790-$26,320 31

MAXIMINO JAVIER

(Santa Fe la Mar, Valle Nacional, Oaxaca, 1948 - )

La fiesta Firmado y fechado 1977 Óleo sobre tela 160 x 280 cm Con etiquetas de DIMART y Galería Arte Contemporáneo. Para Maximino Javier las vivencias de su infancia, que ha guardado a lo largo de su vida como un rico recuerdo, han sido la base de su trabajo. Los temas de sus obras son afines a las historias y acontecimientos de su pueblo, los cuales representa mediante atrevidos colores y figuras imaginativas que sin duda muestran una atmósfera campirana. "En su obra no se advierten poses ni pretensiones ocultas, por el contrario, su voz es franca y auténtica; se expresa con una profunda sinceridad y sentimiento. La comunicación es directa, no hay en ella ningún truco o artificio expresivo. Su narrativa se expresa mediante un dibujo que está acostumbrado a transcribir historias, fantasías y cuentos. Pero los suyos son cuentos reales, cuentos vividos por él mismo en los campos de tabaco, en su exuberante selva donde era fácil escuchar el lenguaje de las cabras, de las gallinas y de las vacas, tambíen entender al viento y sentir el importante papel del sol y de la luna en esa gran fiesta que día a día celebra la naturaleza". Lupina Lara. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2007, año 12, No. 87, pp. 40-41.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $31,580-$42,110

JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Visitación al taller de Matisse Firmado y fechado 1986-87 México D.F. al reverso Óleo sobre tela 140.5 x 170 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Su formación artística se forjó en la Academia de San Carlos, no obstante su estilo se definió poco después con su acercamiento a la música, adquiriendo el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Desde sus inicios como pintor, su discurso estético tuvo una fuerte impronta matérica, influencia de Antoni Tàpies, Antonio Saura, Rafael Canogar y Jean Dubuffet. Sus temas principales están íntimamente vinculados a su amor por el jazz, no obstante también ha trabajado el tema del futbol, de la tauromaquia y realizado obras inspiradas en pinturas de reconocidos maestros en la historia del arte, entre ellos Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rembrandt, Goya, Van Gogh y Matisse, entre otros; a esta serie de pinturas la titula "Cuadros robados del museo". "El deseo de dominio sobre los materiales y la búsqueda de la perfección técnica y expresiva fueron tanto impulso de los pintores renacentistas como lo son hoy de los maestros de nuestro tiempo. De ahí que, en esencia, en espíritu, el ejercicio plástico es el mismo: son parientes, son coincidentes los de antes y los de ahora". Jazzamoart. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,580-$14,740 34

JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Visitación de las beboperas al cuarto de Van Gogh Firmado y fechado 90 al frente y al reverso Óleo sobre tela 180 x 200 cm Con etiqueta de Museo del Palacio de Bellas Artes. Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Por su amor al estilo musical jazzístico, es común que Jazzamoart agregue elementos icónicos de la imaginería del jazz, como el saxofón, el cual casi siempre pinta de color amarillo brillante, con líneas enérgicas y garabateadas, además los personajes que suele pintar están relacionados al Bebop, un estilo musical jazzístico. Su trabajo sobre la música ha acompañado en el escenario a los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense y ha sido publicado en varios libros y discos. Los años 90 fueron sumamente productivos para Jazzamoart, participando en un sinfín de exposiciones en el extranjero, además de una exposición en el Museo de Arte Moderno y en el Museo Nacional de la Estampa, también con el apoyo de la familia Martel, instaló un taller en París, el cual le dio un reconocimiento a escala internacional. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16-17, 303-307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$300,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,790-$18,420 35

KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001)

De la serie Genroku #5 - 90 Firmado y fechado Dallas 1987 al reverso Acrílico sobre tela 96 x 119 cm Con leyenda: repintado 1990 Con etiqueta de Grupo Arte Contemporáneo. Nacido en Argentina y de ascendencia japonesa, estudió Literatura y Filosofía en la Universidad Waseda de Tokio, Japón. Presentó su primera muestra individual en 1952, en la Galería La Cueva en Buenos Aires. En 1957 se integró al grupo Siete pintores abstractos. Ya siendo un artista consagrado en Argentina, Kazuya Sakai decidió dejar atrás Buenos Aires y, luego de una breve estancia en Nueva York, se instaló en México hasta 1977. Durante estos años en México se produjeron los cambios más significativos de su obra, alejándose gradualmente de los trazos libres del informalismo, dando lugar a una etapa de figuras geométricas angulosas y bandas contrastadas de color. Su siguiente traslado fue a Dallas, Texas, donde vivió y trabajó hasta su muerte en 2001. Genroku fue una serie de pinturas al acrílico pintadas entre 1985 y 1987 inspiradas en el siglo XVII japonés. Fuente consultada: sito de la Galería Vasari www.galeriavasari.com.ar

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,740-$18,420 37

KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001)

De la serie Genroku #7 Firmado y fechado 85 al reverso Acrílico sobre tela 101 x 76 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Genroku es el nombre que recibe un periodo de la historia cultural de Japón, caracterizado por el florecimiento de la cultura popular. Transcurrió entre los años 1688 y 1703, dentro del Periodo Edo, correspondiente al inicio de la Edad Moderna en aquel país, y durante el Shogunato Tokugawa. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 38

KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001)

De la serie Mulligam Firmada y fechada 67 al reverso Mixta sobre tela 120.5 x 100 cm Con etiquetas de Galería Juan Martín y Grupo de Arte Contemporáneo.

"Mis padres querían que fuese japonés y, evidentemente, lo soy. Pero puedo decir que me siento y me identifico como argentino y latinoamericano. Esa ambivalencia, esa carencia de pertenencia, es constante". Kazuya Sakai. $280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,740-$18,420 39

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Verticalización eufórica Firmado y fechado 2006 Acrílico y tinta sobre cartulina ilustración sobre tabla 81 x 100.5 cm Con certificado de autenticidad de Henaine Fine Art firmado por el artista, octubre del 2017.

"Pedro Friedeberg se burla de los cánones y del orden establecido creando nuevos sistemas comunicativos, otra semiología en donde las crisis de la locura, las perversiones, las afrentas y lo anacrónico son nuevas posibilidades para hacer una nueva resurrección. Es un artista en donde la incorrección simplemente no existe. Todo es perfecto. Con sus reglas, compases, colores, espacios y volumerías, plasma lo que él visualizó en los sueños, en el ensoñar, en la desesperación de la vida diaria y aburrida, en la nostalgia y en la melancolía, concibe esperanza y parte de cosas, hechos mundanos a los que engrandece por muchas razones. A Pedro se le ligó y se le sigue relacionando con el surrealismo. Aunque participe de ese estilo o movimiento espiritual, que echa mano del automatismo psíquico, del dictado inconsciente de la razón, el de los cadáveres exquisitos y las caligrafías sin control, él va más lejos aún…". Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 72.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,790-$21,050 40

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Coloquio ecológico Firmado y fechado 2010 Acrílico sobre cartulina ilustración sobre tabla 94 x 114.3 cm medidas totales considerando el marco El marco es parte de la obra Con certificado de autenticidad de Henaine Fine Art firmado por el artista, octubre del 2017. Hijo de padres judíos refugiados en Italia, llegó a México en 1940. Desde niño se dedicaba al dibujo y muy pronto definió su gusto por lo manierista. En 1956 se inscribió a la carrera en Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, donde conoció a Mathias Goeritz, figura fundamental en los inicios de su vida profesional. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 412.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,790-$21,050

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Guajolote Firmado Óleo sobre tela 64.7 x 50.2 cm Con etiqueta de Grupo Arte Contemporáneo. Nació el 13 de julio de 1936 en la ciudad de Oaxaca, desde muy pequeño mostró su interés por la pintura, ya dibujaba a los cinco o seis años. Tras la muerte de su padre, se mudó con su familia a la Ciudad de México e ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas hacia 1954. Posteriormente se instaló en París gracias a una beca, ahí convivió con Francisco Toledo, Octavio Paz, Jorge Luis Borges y Julio Cortázar, entre otros. Su paso por Europa influyó en su obra, la gama de colores cambió a colores grises y apagados. El hombre y el animal se fusionan creando personajes memorables. Rodolfo Nieto, al igual que otros grandes pintores mexicanos como Rufino Tamayo y Francisco Toledo, creó un estilo y lenguaje artístico propios fusionando sus raíces con las corrientes internacionales. Fuente consultada: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420

Fin de la colección Reyna Henaine 42

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Encantador de serpiente Firmada y fechada 13-VII-76 Mixta sobre piel de cerdo 86 x 68 cm Procedencia: Colección Jan Richards, quien fuera ayudante de Rodolfo Nieto. $600,000.00-$700,000.00 M.N. USD $31,580-$36,840

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título, ca. 1962 Firmada Tinta sobre papel 62.5 x 47 cm Con dedicatoria.

"Hay mucho de violento en tanta elegancia y mucho de elegante en tanta violencia: paradoja extrema de un arte donde tesis y antítesis son radicales porque tienden a una síntesis extrema, a la flecha que clavará su diamante estremecido en una realidad más rica. De este lado, contempladores, todo nos espera: no hay más que merecerlo". Julio Cortázar. Fuente consultada: CORTÁZAR, Julio. "Rodolfo Nieto por Julio Cortázar", en Rodolfo Nieto. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, 1984.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,260 44

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Yegua oscura, 2011 Firmada Xilografía 13 / 15 119 x 211 cm Con sello de agua de taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana. Publicada en: sitio de La Siempre Habana obra gráfica contemporánea www.lasiemprehabana.com $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,790-$7,900

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Sin título Firmado y fechado 12 al reverso Óleo sobre tela 50 x 90 cm Amante de la música, magnífico grabador y gran dibujante, Sergio Hernández es un artista oaxaqueño considerado uno de los más prolíficos de nuestros tiempos. El carácter antropomórfico de las obras de Sergio Hernández, es una complacencia tanto artística como literaria. Representa emociones y debilidades humanas con un aspecto animal, que a su vez, nos retorna a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana. No obstante, a pesar de sus conocimientos y experiencia artística internacional, su obra está vinculada con su lugar de nacimiento y con las vivencias que ponderaron su vida. "Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […] Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya". Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa y HERNÁNDEZ RAMÍREZ, Roberto. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 31-33.

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,790-$26,320

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Popol Vuh Firmado al frente. Firmado y fechado 2012 al reverso Óleo y arena sobre lino 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Como muchos otros artistas mexicanos apegados a sus raíces, Sergio Hernández también fue influenciado por el legado artístico e histórico del Popol Vuh, el libro sagrado de los mayas. En aquel libro encontró la rica herencia de los mitos del pueblo maya-quiché y las representaciones artísticas de los tlacuilos, lo que lo influenció a realizar dibujos, grabados y pinturas respecto al tema, siendo estos trabajos un amplio ejercicio de reflexión sobre las historias y una ardua traducción del diálogo pictórico mesoamericano. Fuentes consultadas: AGUILAR ORIHUELA, Alonso. "Expone Sergio Hernández su interpretación del Popol Vuh". México. Milenio, sección Cultura, 23 de febrero del 2014.

$450,000.00-$700,000.00 M.N. USD $23,680-$36,840 47

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado en una tira de papel Collage de textiles, papeles y aplicaciones de hilo sobre papel con marco de hojalata repujado 44 x 60 cm El marco presenta ligeros detalles de conservación. Fue hijo de un carpintero y una maestra de escuela que montaba obras de teatro, fue un joven tímido, modesto y amante de su tierra, un pueblerino inteligente y sabio con dotes artísticos. Llegó a la Ciudad de México en 1948 para ingresar a la Academia de San Carlos y estudiar arte; no obstante, después de la gran aceptación de sus primeras exposiciones, tuvo la oportunidad de viajar por distintos países del mundo, visitando museos y tomando cursos. A pesar de su experiencia en el extranjero, México fue lo que marcó su inclinación hacia la libertad de temas y técnicas, aún con las ideas ortodoxas de la época, pues entre la Ciudad de México y Oaxaca encontró un medio para expresar su estilo como un testimonial de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos. En 1992 el pintor estableció la Fundación Cultural Rodolfo Morales A.C., institución al rescate del Patrimonio Arquitectónico y Cultural de los Valles Centrales de Oaxaca, además de organizar, con el apoyo del CONACULTA, el Festival Rodolfo Morales, el cual reúne a galerías de Oaxaca para compartir expresiones artísticas y culturales. Fuente consultada: "Rodolfo Morales, el Señor de los Sueños". México. Secretaría de Cultura, 17 de junio del 2004, www.gob.mx/cultura

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,420-$4,210 48

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado en una tira de papel Collage de textiles, aplicaciones de hilo y papel metálico sobre papel con marco de hojalata repujado 44 x 60 cm Cuando era niño, Rodolfo Morales era algo solitario y observaba todo lo que lo rodeaba. Teniendo una herencia familiar bastante pedagógica por parte de su madre, Morales fabricaba toda clase de objetos lúdicos, los cuales un buen día derivaron en collages. Con estas primeras obras, creó un nuevo leguaje. Esto, sumado al bagaje cultural del arte popular que tanto amó desde pequeño, el artista oaxaqueño maduró el estilo y realizó varias obras con diferentes elementos hasta crear casi una artesanía como testimonio de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos. "Uno no sabe cuándo se va a terminar el camino, por eso es importante llenarlo de color, de texturas, de una magia y una mitología propia, porque eso es lo único que nos llevamos, la satisfacción de haber construido un reino, un mundo propio, que a cada vistazo con la luz de la mañana o en esas noches de soledad, nos devuelva una sonrisa, porque está hecho de lo mismo que nosotros". Rodolfo Morales. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378 y "Rodolfo Morales, el Señor de los Sueños". México. Secretaría de Cultura, 17 de junio del 2004, www.gob.mx/cultura

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,420-$4,210 49

SHINZABURO TAKEDA (Seto, Japón, 1935 - )

Sin título Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 100 x 99.7 cm Nació en la ciudad Seto, una pequeña ciudad al norte de la Prefectura de Aichi en Japón. Se graduó en la Universidad Nacional de Bellas Artes de Tokio en 1957. En 1963 se trasladó a México donde trabajó como artista gráfico y pintor en el Museo Nacional de las Culturas en México D.F. hasta 1977. Recorrió casi todo el territorio nacional visitando diferentes grupos indígenas. Fascinado con la cultura, comenzó a pintar festivales y prácticas cotidianas de los pueblos. En 1978 decidió establecerse en Oaxaca convirtiéndose en profesor de arte en la Escuela de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Su obra ha sido exhibida en Japón, México y Estados Unidos. En 2008 se creó la primera Bienal Shinzaburo Takeda, que a la fecha lleva cinco emisiones. En 2012 recibió la medalla imperial de la “Orden del Tesoro Sagrado de Japón” en el Palacio Imperial de Tokio, de manos del emperador Akihito. Fuentes consultadas: sitio de la Bienal Shinzaburo Takeda www.bienaltakeda.com/takeda.html y "Celebra Shinzaburo Takeda sus 82 años con ópera prima documental" en el sitio de la UABJO www.uabjo.mx

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160

DESIDERIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN

(Tlacatecpac de San Bernardino Contla, Tlaxcala, 1922 - Tlaxcala de Xicohténcatl, 2007)

Catrines de Panotla Firmado y fechado Tlaxcala 1968 al frente y al reverso Óleo sobre tela 76 x 70 cm Las investigaciones plásticas e históricas fueron una característica del trabajo de este gran pintor. Ejemplo de ello es el constante y disciplinado estudio de sus raíces, que lo hizo un docto conocedor de la historia y la cultura de su estado natal, lo cual lo llevó a ser un destacado catedrático y conferencista. Además de ejercer como muralista, Xochitiotzin practicó la arquitectura, la investigación, la restauración y la pintura de caballete. En casi todos ellos, destacó temas de la historia de México, así como las tradiciones y festividades de la cultura tlaxcalteca y pueblos aledaños. El carnaval es la celebración más importante de Panotla, Tlaxcala. Conlleva un periodo de preparación de tres meses y se realiza durante tres domingos consecutivos, iniciando el fin de semana anterior al miércoles de ceniza. Llegan a participar 900 personas y el tercer domingo o día de remate reúne alrededor de quince mil espectadores. Fuente consultada: DONIZ, Rafael. "Desiderio Hernández Xochitiotzin, pintor de la historia de Tlaxcala". México. México Desconocido, sección Cultura.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160

JOSÉ GARCÍA NAREZO

(Madrid, España, 1922 - Ciudad de México, 1994)

Las comediantes Firmado y fechado Sábado 16 de Octubre de 1943 al reverso Óleo sobre madera 69 x 80 cm Sordomudo de nacimiento, hijo de madre mexicana y del crítico de arte Gabriel García Maroto, García Narezo fue un destacado pintor español naturalizado mexicano. Llegó a México en 1928 como refugiado de la Guerra Civil española. Estudió en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Tlalpan y cuatro años más tarde regresó a España para estudiar en la Escuela Hogar Imagen, la cual había fundado su padre en Madrid. Su obra se encaminó en una constante evolución hasta llegar al surrealismo. Con el tiempo se fue dando a conocer tanto en México como en diversos países de Latinoamérica y Estados Unidos.

"En su momento fue uno de los grandes artistas, ya que acerca de su obra escribieron, Xavier Villaurrutia, Luis Cardoza y Aragón, así como María Izquierdo. No hubo un crítico de la época que no realizara notas realmente alabando su obra". Juan Coronel Rivera. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ, Leticia. "Redescubren a García Narezo en el museo Diego Rivera". México. Milenio, sección Cultura, 30 de noviembre de 2015 y "El Paraninfo acoge la exposición 'Después de la alambrada. El arte español en el exilio'". España. Universidad de Zaragoza, 27 de enero del 2013, www.unizar.es

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210 52

SHINZABURO TAKEDA (Seto, Japรณn, 1935 - )

Carnaval en Pinotepa de Don Luis Firmado y fechado 88 ร leo sobre tela 88.5 x 88.5 cm $40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160 53

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - )

Atrapado, de la serie Sueños Firmado Acrílico sobre tela 155.6 x 109.8 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no solo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha obtenido reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. "Son mis propios sueños, así quería expresarme y plasmar este nuevo movimiento de mi obra […] Me evoca a cuando el hombre empieza a soñar y a materializar esos sueños construyendo el mundo que conocemos y que abarca todo el quehacer humano". Julio Chico. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$7,900 54

LUIS LÓPEZ LOZA

(Ciudad de México, 1939 - )

Sin título Firmado y fechado N.V. 67 Óleo sobre tela 130 x 100 Presenta desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación. Es un reconocido pintor mexicano perteneciente a la generación de La Ruptura. Estudió en La Esmeralda, en el Centro Superior de Artes Aplicadas en México y en Pratt Graphic Center de Nueva York. Es un pintor sobresaliente con un gran compromiso ideológico que está en la constante búsqueda por abrir caminos para la pintura y la escultura. Es un gran buscador del color, con una paleta sumamente refinada que mezcla tonos para generar luminosidad en ciertas zonas. Además es un experimentador de estilos, cursando de lo figurativo a lo abstracto, jugando con figuras geométricas y elementos de la naturaleza. Ha sido acreedor a la Mención Honorífica por la Casa de las Américas en La Habana, Cuba y al Premio Nacional de Ciencias y Artes por el Gobierno Federal de México. A lo largo de su carrera ha presentado un sinfín de exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Japón, España, Holanda, Colombia y Ecuador. Fuente consultada: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 374.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680

LUIS LÓPEZ LOZA

(Ciudad de México, 1939 - )

Formas insorias Firmado Óleo sobre tela 97 x 131 cm Con etiqueta de la Galería de Arte Mexicano.

"En su pintura las imágenes siempre están en movimiento, figuras activas a través de parámetros vanguardistas, pero sin olvidar sus raíces logra una simbiosis en medio de una revelación de espacios. Un novedoso vocabulario de formas que descansan en el empleo del color que pinta y despinta en planos contrastantes y un negro que desempeña una función marcadora". Margarita Martínez Lambarry.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 374.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

El día de muertos Firmado y fechado 63 Óleo sobre tela 132.5 x 94 cm

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,670-$31,580

TOSHIO IEZUMI

(Ashikaga, Tochigi, Japón, 1954 - )

M.150702, 2015 Firmada y fechada 150702 en la base Escultura en vidrio plano y medio espejo, pegado, tallado y pulido, pieza única 59.7 x 16 x 16 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: HAGINO, Miho. Espejos de Tierra. Kunio Iezumi y Toshio Iezumi. México. Arte Hoy Galería, 2016, Pág. 44. Aprendió a trabajar el vidrio en el Tokyo Glass Art Institute. Además de trabajar como artista, ha enseñado el arte en vidrio en la Universidad de Kurashiki de Ciencias y Artes en Okayama, Japón. Cuenta con más de treinta exposiciones individuales en Japón, Estados Unidos y Australia, así como numerosas muestras colectivas en países como China, Francia, Alemania, Italia, España y México. Su obra forma parte de importantes colecciones y museos en Japón como The National Museum of Modern Art en Tokio y el Hokkaido Museum of Modern Art en Sapporo y en Estados Unidos en el Corning Museum of Glass y el Museum of Art and Design en Nueva York, así como en el Boston Museum of Fine Arts. Toshio Iezumi ha sido reconocido con más de 13 importantes premios a lo largo de su carrera, sobresalen el segundo lugar en la 19th Fugaku Biennale del Shizuoka Prefectural Museum of Art en 2008 y el Silver Prize de la International Exhibition of Glass Kanazawa en Ishikawa y el Staff Choice Prize en Sculpture by the Sea en Bondi, Sydney, Australia. Es un gran admirador de la obra de Constantin Brancusi y de Donald Judd, artistas que le han planteado cuestionamientos que lo han llevado a profundizar en el desarrollo teórico y técnico de su propia escultura. Ha desarrollado dos técnicas innovadoras para trabajar el vidrio que le han permitido hacer esculturas de tamaños y formas que antes hubieran parecido imposibles en este material. Sus obras retan la mirada del espectador con sus formas abstractas, la refracción de la luz, su apariencia desvanecida y sus formatos sólidos y translúcidos, lo invitan a contemplarlas como si detuvieran el tiempo. Fuente consultada: HAGINO, Miho. Espejos de Tierra. Kunio Iezumi y Toshio Iezumi. México. Arte Hoy Galería, 2016, pp. 12 y 13.

$130,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,840-$8,420

ÁGUEDA LOZANO

(Cuauhtémoc, Chihuahua, 1944 - )

Sin título Firmado y fechado 04 Acrílico sobre tela 170 x 180 cm Presenta una ligera marca en la parte inferior.

"En la obra de Águeda Lozano la perfección del acabado y la armonía alcanzada eluden la rigidez del modelo, involucrándose más bien con la operación de un dominio singular: el de la creación en libertad que, sin dejar de pensar y sentir, trasciende los motivos evidentes. La estructura narrativa está abierta, no remite a ningún planteamiento en particular. Fuerza y suavidad funcionan como límites del corpus compositivo, entre tales extremos se desplaza 'la mano' e interviene 'la mente', en aras de resolver una urgencia expresiva: la de la artista, quien también oscila en el espacio de maniobra que establecen dichos polos. Su propia personalidad se aviene a la perfección, embona, con su obra: de un modo, precisa e implacable; de otra manera, tersa y fluida. "Es la única artista de nacionalidad alguna que tiene una obra pública en vida en París, 'Tierra de México en tierra de Francia' (2006), en el barrio XVI. Tras más de 40 años de residir en París, el Senado de la República Francesa le otorgó su más alta condecoración, 'médaille de la Haute Assemblée', por sus contribuciones a la cultura gala en 2013. La severidad del trazo, el combate a lo superfluo, triunfan al ser apreciados como rasgos sustantivos del quehacer de la artista". Luis Ignacio Sáinz. $250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,160-$15,790

KUNIO IEZUMI

(Ashikaga, Tochigi, Japón, 1951 - )

Sin título Fechado 2014 Polvo de piedra y pigmento sobre papel amate 120 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: HAGINO, Miho. Espejos de tierra. Kunio Iezumi y Toshio Iezumi. México. Arte Hoy Galería, 2016, pp. 25 y 26. Estudió dibujo en París, Francia; posteriormente en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, España. Desde 1993 vive y trabaja en Tepoztlán, Morelos, donde ha encontrado un paisaje solitario y cercano a la naturaleza para el desarrollo de su obra. Exhibe su trabajo alternadamente en Estados Unidos, Japón y México. Su obra forma parte de importantes colecciones en México, Japón y Singapur. Sus pinturas se caracterizan por el uso de colores saturados provenientes directamente de pigmentos naturales que recopila en México o que trae de Japón e impregna en papel amate, con lo que logra evocar rasgos de la naturaleza desde la abstracción de sus formas. En palabras de Hirotaka Nakano: "Sus obras convocan una cierta percepción de movimiento, un movimiento de largo plazo pero potente; un

dinamismo 'mineral' que está activo debajo de la superficie aparentemente estable. "Cuando cierro mis ojos y siento el olor de la tierra mexicana, sin duda oigo la voz del silencio, realidad del alma. Pienso que hay esperanza, aunque esté cubierta de oscuridad y tristeza. De esa manera quiero pintar; quiero expresar la voz del silencio por medio de mis ojos". Kunio Iezumi. Fuente consultada: Kunio Iezumi. México. Arte Hoy Galería, 2014.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 60

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Figura Sin firma Pastel sobre papel 50 x 69.5 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. En los años sesenta Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional para tomar un camino personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. A finales de esta década residió en París y Roma. A su regreso a México presentó la exhibición "Año Uno Luna" en el Museo de Arte Moderno. En la obra expuesta, se olvidaba de las texturas, los planos eran lisos, la vivencia del color fluía sin ataduras formales, ni intenciones anecdóticas, era una pintura espacial, sin recurrir a perspectivas y engaños superficiales; triunfaba lo medular de este artista mexicano: el color. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Gobierno del estado de Zacatecas, Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, Pág. 49.

$70,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,680-$4,210 61

ENRIQUE CARBAJAL "SEBASTIAN" (Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Faraónica Firmada y fechada 1995 Escultura en hierro con esmalte acrílico 224 x 55 x 45 cm Publicada en: sitio oficial del artista, sección catálogo de obra www.sebastianmexico.com y en TAJONAR, Héctor. Sebastian escultor. México. Fundación Sebastian, Turner, 2009, catalogada 490. Presenta ligeros detalles de conservación. Enrique Carbajal, mejor conocido como "Sebastian", es uno de los escultores mexicanos más importantes de su generación. Desde mediados de la década de los 60 inició el desarrollo de su lenguaje escultórico apoyando su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. La obra de Sebastian se generó al tiempo en que se originaban tendencias artísticas tales como el cinetismo, el minimalismo, el op-art y el pop art. Aunque su vocación principal consiste en ser escultor de grandes dimensiones, su producción también abarca pequeños y medianos formatos, así como diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, arte público, joyería, diseño de vestuario teatral, escenografías y espectáculos multimedia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.sebastianmexico.com

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,530-$13,160

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Ventana de rue St Simon Firmado y fechado París 1967 al reverso Óleo sobre tela 80 x 79.5 cm medidas del lienzo 113 x 113 cm medidas de la obra montada como rombo, tal como el artista la concibió Con dedicatoria. Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, junio del 2017. Lily Rivera: "Su pintura se caracteriza por los tonos vivos. ¿Cuál es la función del color en sus cuadros?"

Pedro Coronel: "El importante papel del color es palpable en la gente del pueblo. El color les atrae porque nuestra gente es tan maravillosa que ha vivido desde siempre dentro de ese mundo mágico del color, de la naturaleza, del clima. Y todas sus representaciones artesanales así lo demuestran. La forma misma está definida por el color, que la supera, la domina. Mi pintura es una poesía plástica, regida por el color, que no es sino la esencia de la pasión". Fuente consultada: RIVERA, Lily. "Pedro Coronel: Pinto porque no quiero ser un asesino". México. Semanario Cultural de Novedades, 27 de febrero de 1983.

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $63,160-$105,260

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título, ca. 1970 Sin firma Tinta sobre papel 8.2 x 8.2 cm a 5.2 x 4.5 cm medidas variables por cada dibujo 40 x 111 x 5 cm medidas totales con marco Piezas: 6, enmarcadas juntas. Cada una con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016.

"El arte en general, y naturalmente también la arquitectura, es un reflejo del estado espiritual del hombre en su tiempo". Mathias Goeritz. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título, ca. 1970 Sin firma Tinta sobre papel 9 x 6.4 cm a 4.1 x 4.3 cm medidas variables por cada dibujo 40 x 111 x 5 cm medidas totales con marco Piezas: 6, enmarcadas juntas. Cada una con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 64

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Mensaje, 1970 Firmada al reverso Hoja de oro sobre madera 38 x 63 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner. Con etiqueta de Pablo Goebel Fine Arts. "Mensajes" es el nombre de una serie de obras que Mathias Goeritz realizó a partir de 1959. Se trata de una serie de cuadros no pintados, sino revestidos con hojas de oro. Algunos son sencillamente monocromáticos, mientras que en otros, la hoja de oro era perforada. En esta época, Goeritz proclamaba ideas en pro de un arte espiritual, universal y metafísico. Los "Mensajes" podrían considerarse, entonces, decoraciones simbólicas que a juicio del artista, infunden un halo de espiritualdad a través del resplandor dorado en su interacción con la luz. Con obras como los "Mensajes", cargadas de una función espiritual, Goeritz pretendía hacer una extensa crítica hacia la arquitectura moderna a la que atribuía un empobrecimiento de la experiencia en razón de la funcionalidad. Propuso entonces lo que denominó arquitectura emocional. Emoción que se convierte en asombro del espectador que reacciona ante el resplandor dorado o ante la monumentalidad de obras públicas como las torres de Satélite. "Es un hecho que el hombre no sólo está hecho para racionalizar. El hombre también está hecho para creer. Cuando el hombre cree, es capaz de hacer un trabajo más importante. "¡Necesitamos fe! ¡Necesitamos amor! ¡Necesitamos a DIOS! ¡DIOS significa vida! ¡Necesitamos las leyes definitivas y los mandamientos de DIOS! ¡Necesitamos catedrales y pirámides! ¡Necesitamos arte más grande, más significativo! No necesitamos otra autodestrucción fácil". Mathias Goeritz, 1960 (Fragmento del manifiesto Please stop!).

Fuente consultada: GOERITZ, Mathias. Manifiesto "Please stop!", 1960.

$1,100,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $57,900-$105,260

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El Negro 2930 Firmado y fechado 2000 al reverso Carburo de silicio, resina acrílica y negro de humo sobre tela 300 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, agosto del 2017. Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de silicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. "En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche". Eduardo Rubio. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra "El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida", presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,050-$26,320 68

JESÚS MAYAGOITIA

(Ciudad de México, 1948 - )

Triada espacial II, 92 Sin firma Escultura en acero pintado 96 x 70 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: Catálogo de escultura de gran formato. México. Arte Hoy Galería, septiembre del 2014, Pág. 62 y ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy Galería, septiembre del 2014, Pág. 65. La base presenta ligeros detalles de conservación. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la ENAP y ha realizado labores como docente en la misma institución. La obra de Jesús Mayagoitia se encuentra indudablemente marcada por la geometría; un purista de la línea, sus trazos se escapan del plano para materializarse en el vacío, dando color a la ausencia, proporcionando forma y figura al espacio. A lo largo de su trayectoria desarrolló diferentes etapas, la primera es conocida como "Escultura modular" que comprende su producción de 1977 a 2000. En estas piezas, el secreto de su técnica está en la soldadura, que permite la convivencia de diversos módulos, a veces de distintos tamaños, en un equilibrio geométrico de proporciones exactas. Ha presentado su obra en más de 100 exposiciones colectivas y 30 individuales. Ha recibido importantes reconocimientos en México y en el extranjero, fue el primer mexicano en ganar The Henry Moore Grand Prize por su escultura "Espacio vertical" en 1987. Su obra forma parte de relevantes colecciones entre las que destacan las del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY) y el museo al aire libre Utsukushi-ga-Hara en Japón. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 6, 17 y 68.

$160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,420-$13,160

ÁGUEDA LOZANO

(Cuauhtémoc, Chihuahua, 1944 - )

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 120 x 120.5 cm

"Alguien me preguntó a dónde iban esas líneas, a lo que contesté ‘van’, porque el paisaje nuestro es muy abierto, son áreas inmensas. El estado de Chihuahua es muy grande. Uno puede recorrer kilómetros y kilómetros, y nada más ve esas sierras, los cerros azules les decimos allá, y luego ese horizonte que se va perdiendo, con esa luz tan violenta, tan recortada. Parece que la sierra está cortada con la navaja". Águeda Lozano, 2010. Desde el pasado 16 de octubre, la muestra individual de esculturas monumentales "Expansión. El acero como la seda" se presenta en la explanada del Palacio de Bellas Artes y permanecerá hasta el 26 de noviembre. Fuente consultada: MAC MASTERS, Merry. "Águeda Lozano: una obra sin alma no sirve, aunque esté bien hecha". México. La Jornada, sección Cultura, 13 de mayo del 2010.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680 71

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Don Maximiliano serio, Homenaje a Max Ernst Firmado y fechado 1944 Lápiz sobre papel 28.5 x 21.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, noviembre de 1994. Agradecemos al Dr. Salomón Grimberg por la revisión de esta obra, octubre del 2017. Con etiqueta de Galería López Quiroga. A finales de los años 30 y principios de los 40 llegaron a México algunos artistas e intelectuales a raíz de los distintos conflictos en Europa. Entre ellos estaba André Breton, quien durante su estancia dejó influencia del surrealismo. En este grupo de artistas también estaba Leonora Carrington y Remedios Varo, quienes eran amigas 72

de Gunther Gerzso. A pesar de que el sentido del arte surrealista entró en el lenguaje plástico de Gerzso por sus amistades, él encontró un estilo bastante personal, realizando cuadros con un gran valor artístico e interesantes claves iconográficas. Estas piezas, realizadas entre 1942 y 1946, son indudables testimonios de una época importante de su vida, no obstante es importante señalar que a la larga encontró en el cubismo todas las posibles trasformaciones que su imaginación requería, sin renunciar a la realidad como lo requería el surrealismo. Por ello, las piezas de esta etapa son celosamente resguardadas, ya que Gerzso creó piezas que son testigos de movimientos y estilos importantes durante la primera mitad del siglo XX.

Fuente consultada: EDER, Rita. Gunther Gerszo. El esplendor de la muralla. México. CONACULTA, Galería Colección Arte Mexicano, 1994, pp. 22-23.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,260

ENRIQUE CARBAJAL "SEBASTIAN" (Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Chac mool compacto Firmada y fechada 1986 Escultura en hierro con esmalte acrílico 72 x 122 x 80 cm Publicada en: sitio oficial del artista, sección catálogo de obra www.sebastianmexico.com catalogada 247 y en TAJONAR, Héctor. Sebastian escultor. México. Fundación Sebastian, Turner, 2009, catalogada 247.

"Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza. [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable". Sebastian. Fuente consultada: DELGADO, Alix. "Sebastian, escultor. Entrevista".

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,160-$15,790

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Otra versión de la Serpiente del Eco, ca. 1970 Sin firma Escultura en metal pintado 55.8 x 144 x 21 cm medida sin base Incluye base de mármol negro. Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner. El 7 de septiembre de 1953 el Museo Experimental El Eco abrió sus puertas. Para la ocasión, Goeritz creó la Serpiente del Eco que fue colocada en el patio principal del recinto; una escultura monumental de lámina soldada y ensamblada, compuesta por una sencilla línea negra que se quiebra en distintos puntos. Durante la inauguración, la compañía de danza Walter Hicks representó una coreografía orquestada por Luis Buñuel, donde los danzantes bailaban simbólicamente con la Serpiente. Desde ese año y hasta 1964, la famosa y monumental escultura —de ocho metros de largo y tres metros de alto— permaneció en el patio del edificio. Años después, cuando el Museo cumplió 53 años de existencia y uno de que fuera reabierto, una réplica de la Serpiente del Eco volvió a ser exhibida al público. "No me interesan los dogmas artísticos ni los ‘ismos’ cuando estoy trabajando como pintor o escultor. Para los unos soy un ‘abstraccionista’ o un ‘surrealista’, mientras en los ojos de otros soy un ‘expresionista’ de tendencia más bien realista, por algunas obras de carácter más figurativo que he estado haciendo. Solamente muy poca gente ve que estoy realizando mis obras con espíritu independiente, y buena fe, intentando guardar mi libertad de expresión absoluta, como hombre y como pintor o escultor". Mathias Goeritz. Fuente consultada: "El retorno de la serpiente. 10 momentos de Mathias Goeritz". México. Revista Código, 17 de diciembre del 2014.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $78,950-$105,260

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Proyecto para una pintura Firmado y fechado 1956 Gouache sobre papel 19 x 25 cm Predominante en la segunda etapa del siglo XX, Carlos Mérida fue un artista guatemalteco naturalizado mexicano que incursionó en la pintura y la escultura. Poco después de su llegada a México en 1919, siguió los pasos del muralismo mexicano con un gran sentido nacionalista, etapa que maduró casi hasta los años 50 con la llamada integración plástica. En 1927 viajó por segunda vez a París, estancia que le generó influencias artísticas por el contacto que tuvo con Picasso, Miró y Kandinsky. Así fue como su obra comenzó a utilizar aún más la perspectiva geométrica y abstracta, pero bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de las culturas prehispánicas que jamás abandonó, así como los temas de la danza y la música, los cuales estuvieron ligados desde época temprana. Fuentes consultadas: CUSSI, Paula et ál. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9 agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27 y ORTIZ CASTAÑEDA, Alejandro. "¿Cuánto se conoce a Carlos Mérida?". México. La Jornada. Sección Cultura, 19 de diciembre del 2014.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,260-$9,470 76

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Sin título Firmado dos veces y fechado 1954 Gouache sobre papel 24 x 18.5 cm

"En el alma de Carlos Mérida habitaba un músico en potencia [lo cual explica] el profundo sentido de ritmo que habita su obra y que se refleja en el manejo y equilibrio de las formas, en las correspondencias de las líneas, su cadencia, su movimiento". Eduardo Espinosa Campos. $100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,260-$9,470

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965)

El cuenta estrellas, 1945 Sin firma Escultura en piedra volcánica 46 x 38 x 37 cm Publicada en: NELKEN, Margarita. Ignacio Asúnsolo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, portada y Pág. 62. Incluye un ejemplar. Comenzó sus estudios de arte con el maestro Pellegrini, posteriormente ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, teniendo de maestros a José María Velasco, Arnulfo Domínguez Bello, Leandro Izaguirre y Enrique Guerra. Fue miembro de la Unión de Alumnos Pintores y Escultores. Viajó varias veces a Europa y vivió en Madrid y París. A su regreso a México se hizo cargo de la cátedra de escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo I. México. CONACULTA, 1997, pp. 68 y 69.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

El coloquio Firmado y fechado 1947 Óleo sobre cartón 37.5 x 43 cm Carlos Mérida fue inquieto por naturaleza, un artista viajero que gustaba cambiar de ambiente. Amaba merodear y conocer otras culturas, así como experimentar y buscar en la naturaleza su inspiración, siendo esta una inquietud que se reflejaba en cada una de sus obras. Probó varios géneros y técnicas incluyendo la pintura de caballete y mural, la obra gráfica y diseños para escenografías de teatro y ballet. Realizó obra documental dispersa en un gran número de obras sobre motivos de danza e indumentaria regional mexicana, en especial aventurado a tratar temas de la cultura prehispánica. "Tengo la ambición de hacer pintura poética, porque creo que no hay arte sin poesía". Carlos Mérida. Fuente consultada: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y Papel de México S.A de C.V, colección CPM, 1981, pp. 22 y 23.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,050-$31,580 79

ADOLFO RIESTRA

(Tepic, Nayarit, 1944 - Ciudad de México, 1989)

Androide II Firmada y fechada 84 Escultura en barro cocido, pieza única 142.2 x 41 x 47 cm Con certificado de autenticidad de galería OMR, marzo de 1999. La obra está realizada en dos partes desarmables. Su primer acercamiento al arte fue a los once años en el taller del maestro Dwite Albisson en Guadalajara. De 1962 a 1966 estudió leyes en la Universidad de Guanajuato y a su vez pintura en el taller del maestro Jesús Gallardo. Ejerció su carrera durante varios años, sin embargo su verdadera pasión estaba en el arte. Hacia finales de la década de los sesenta emigró a San Francisco, California y a Nueva York donde permaneció por largo tiempo. El dibujo fue muy importante para él, tanto en el desarrollo de sus obras como para sus esculturas. Colaboró en Potrero Hill Graphics Workshop en San Francisco y realizó obra gráfica en el Taller Kyron de la Ciudad de México. En 1982 comenzó a realizar esculturas, en Metepec aprendió a hacer cerámica a la usanza de los artesanos precolombinos. El arribo de las tendencias postmodernas al país durante la década de 1980 y narrativas como la del nacionalismo cultural comenzaron a menguar, surgiendo un revisionismo hacia la iconografía tradicional mexicana, la crítica Teresa del Conde denominó esta tendencia como nuevos mexicanismos o Neomexicanismo. Dentro de esta misma línea revisionista de la plástica antigua, destacó la obra de Riestra, él tenía un profundo interés por las formas precolombinas y construyó su propuesta a partir de ellas. La estética de su obra volumétrica, que ha sido denominada por la crítica como arcaizante, comparte ese gusto revisionista que definió la época, ya no sólo temáticamente, sino también en la técnica, al ser uno de los pocos artistas mexicanos cuya obra ha sido reconocida por trabajar el barro como medio de expresión. Riestra no buscaba emular el arte de alguna determinada zona prehispánica, más bien era una mixtura de determinadas características de la cerámica antigua que incorporaba a su escultura. Sus monumentales figuras totémicas marcaron un hito en la producción escultórica de las últimas décadas del siglo XX por su originalidad, su perfección técnica y su alto poder de evocación poética. Figuras que logran la compleja síntesis de las formas ancestrales del pasado precolombino y las búsquedas de apropiación, transgresión y deconstrucción de la era postmoderna. Adolfo Riestra fue un artista que vivió y trabajó intensa y pasionalmente, su muerte se dio de manera prematura a los 45 años de edad, cuando se encontraba en el clímax de su carrera artística; curiosamente, al día siguiente de una importante exposición individual en la Galería OMR donde se mostraba una extensa selección de sus esculturas, que provocaron una ovación general entre los profesionales del arte y el público. Su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York y el Lehmbruck Museum en Duisburgo, Alemania. "Adolfo Riestra hizo suya una tradición y la actualizó. En su sencillez y fuerza elemental, sus figuras son comprendidas por el hombre de hoy. La intemporalidad que caracteriza a las esculturas les otorga el aura de lo sagrado. Tiene algo de cotidiano, y al mismo tiempo se diría que son capaces de unirse sin problemas a sus antepasados de la cultura antigua". Erika Billeter. Fuentes consultadas: BILLETER, Erika. Adolfo Riestra. Pasión por la figuración. México. Galería OMR, 1994; TOVAR DE TERESA, Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 146; KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA, 1997, Pág. 213; GÓMEZ HARO, Germaine. "Adolfo Riestra: arcaísmo y modernidad". México. La Jornada Semanal, 13 de abril del 2008 y GONZÁLEZ ELIZALDE, Roberto Jesús. "La escultura huastequista de Jorge Yapur, una propuesta estética neomexicana". México. CENIDIAP, Discurso Visual revista de artes visuales, enero-junio del 2017.

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $63,160-$105,260 81

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Muchachas celebrando un rito mágico Firmado al frente. Firmado y fechado 1966 al reverso Óleo sobre tela 55 x 65 cm Fue un pintor y muralista mexicano de indiscutible carácter nacionalista, notable escultor y decorador, hermano de Guillermo, inventor del televisor a color. Dibujante nato que mostró en cada obra un gentil y fino trato estético. Entre sus investigaciones, destacan las técnicas de los tlacuilos las cuales estudió a través de las pinturas franciscanas de Marcos Cipac de Aquino, conocido por ser el último pintor indígena náhuatl, a quien también se le atribuye la polémica sobre la veracidad del origen divino de la imagen guadalupana. También, exploró sobre el arte prehispánico y popular, así como el estudio sobre el pensamiento mágico y las tradiciones de los antiguos pueblos mexicanos. Es autor de obras de gran importancia en instituciones consideradas patrimonio nacional, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros. Su indiscutible entrega al arte lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos de la segunda generación de muralistas mexicanos, cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México. Fuentes consultadas: FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 86 y LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 39.

$350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $18,420-$26,320 83

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - )

Mimo con Pinocho, 2017 Firmado Óleo sobre tela 90 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Inició sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, donde tuvo de maestro a Víctor Humareda considerado uno de los pintores expresionistas más importante en Perú. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y platicas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Tokio, Suiza y Francia; además, en el año 2000 fue distinguido con la placa "Sol del Cuzco" otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. "Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos". Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,160-$21,050 84

FRANCISCO MORENO CAPDEVILA

(Barcelona, España, 1926 - Ciudad de México, 1995)

Andante solar Firmado al frente. Firmado y fechado 68 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm Con etiqueta de Galería Mer-Kup. Presenta ligeros detalles de conservación. Al llegar a nuestro país a la edad de 13 años como refugiado político, adoptó la nacionalidad mexicana. Su obra abarca pintura, grabado, mural, dibujo y diseño gráfico. Se hizo acreedor a 11 premios y menciones honoríficas, entre las que destacan el Primer Premio de Grabado del Salón Nacional de Grabado, INBA, en 1955, el Primer Premio de Adquisición de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana, INBA, en 1962 y 1967, y la Medalla de Oro de la Tercera Bienal Internacional de Gráfica de Arte de Florencia, Italia, en 1972.

"No soy un productor de arte. Pinto un cuadro cuando necesito hacerlo. Empleo un proceso de trabajo largo y estoy dándole de vueltas a la cabeza. Tengo una forma de trabajar lenta, empleo el tiempo que sea, pero las cosas deben estar bien hechas. Claro que tengo prisa, el tiempo es atosigante, pero no le queda a uno más remedio que dialogar con el cuadro. La manera de decir es el soporte básico de la obra. Si está mal dicho, queda mal dicho. Cuando a uno no le protesta la obra, cuando acabamos de platicar, ahí se deja". Francisco Moreno Capdevila.

Fuente consultada: PONCE, Armando. "Investigación exhaustiva sobre Moreno Capdevila, en el soporte de su gran retrospectiva". México. Proceso, 9 de mayo de 1987.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 85

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - )

El APU, 2017 Firmado Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017.

"Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia". Jorge Villacorta Chávez. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. "Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos". Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,110-$52,630

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

La ola Firmado Óleo sobre tela 76 x 139.2 cm Fuera de cualquier referencia política, Jorge González Camarena enriqueció su arte mediante temas civiles, cotidianos, filosóficos y alegóricos. Estudió en la Academia de San Carlos y al finalizar sus estudios incursionó en el medio de la publicidad como ilustrador de revistas, calendarios y libros; entre aquellos proyectos destaca la imagen de "La Patria, 1959", la cual se encuentra plasmada en la portada de los libros de texto gratuito de nivel primaria.

Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra, y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y el extranjero. "Su valor como pintor queda fuera de toda discusión; comprometió su vida con el arte. Era caballeroso en su trato, sereno y enérgico cuando era menester. Su canto estético transmitió una calidez y fuerza a sus obras y transfiguró su gran bagaje plástico, técnico y cultural a los lienzos, a los muros, al papel, a la piedra". María Teresa Favela Fierro. Fuente consultada: GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge A. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, pp. 13-16.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $47,370-$63,160

MARÍA IZQUIERDO

(San Juan de los Lagos, Jalisco, 1902 - Ciudad de México, 1955)

Idilio Firmado y fechado 46 al frente. Firmado 8-XVIII-46 al reverso Óleo sobre lino 65.5 x 85.5 cm Con documentos del Instituto Nacional de Bellas Artes, Dirección de Artes Plásticas, especificando el préstamo de la obra a la exposición "Homenaje a María Izquierdo", febrero de 1979. Con documentos del Centro Cultural Arte Contemporáneo, especificando el préstamo de la obra a la exposición "María Izquierdo… y sus contemporáneos", marzo de 1988 y mayo del mismo año explicando el cambio de fecha de exposición de junio a noviembre de 1988. Con carta de Casa de Bolsa Cremi, S. A., solicitando publicar la obra en el libro "María Izquierdo", julio de 1989. Publicado en: MONSIVÁIS, Carlos, et ál. María Izquierdo. México. Casa de Bolsa Cremi, S. A., 1986, Pág. 67. Exhibido en: - "María Izquierdo... y sus contemporáneos", muestra presentada en el Centro Cultural Arte Contemporáneo, de noviembre de 1988 a febrero de 1989. - "Homenaje a María Izquierdo", muestra presentada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de febrero a abril de 1979. Con etiqueta de Centro Cultural Arte Contemporáneo. Fue una destacada pintora jalisciense cuya obra tiene un lugar destacado en la historia del arte mexicano. Su obra está nutrida por un importante y productivo periodo artístico en México, mezclada a su vez con la variedad de propuestas plásticas de las vanguardias europeas, conformando así un estilo de pintar inconfundible. Su biografía es un misterio ya que nunca fue tan abierta como otras pintoras, pues prefirió cerrar su vida privada y conservar su perfil artístico como embajadora del arte mexicano en Latinoamérica. No obstante, se sabe que su niñez fue decisiva en sus temas, ya que en algunas pinturas existe un constante sentido festivo, como si fuese un juego de vida. Con el tiempo construyó una iconografía amplia y diversa que derivó en escenas circenses, naturalezas muertas, animales, paisajes, escenas infantiles y retratos femeninos, incluyendo autorretratos. De sus memorias escritas, cuenta sobre las ferias de San Juan de los Lagos en Jalisco, donde había venta de vacas, ovejas y caballos, los cuales se veían pasar constantemente en el pueblo; y cuenta que en alguna ocasión los caballos se desbocaron, andando libres por los puestos del mercado y la pradera, mientras ella, apenas una niña, fue casi atropellada por un veloz caballo. Más allá del acontecimiento, el hecho dejó una huella profunda en la pintora, que habría de recordar en algunas de sus composiciones de los años 40, donde caballos salvajes andan libres por una pradera casi imaginativa. El caballo se convirtió en el arquetipo más emblemático de su obra, recorriendo casi todos los periodos de su producción creativa, apareciendo por primera vez en las escenas circenses de los años 30, influenciada a su vez por el estilo surrealista proveniente del poeta Antonín Artaud, siendo aquí el caballo un fiel compañero de sus equilibristas Lola y Juanita. "No existe otro artista del periodo moderno que iguale la elegancia de sus texturas y la intensidad de su manejo del color, es forma de utilizar el óleo, de acabado pastoso y un tanto áspero, —pero que a la vez se mantiene fresco a pesar del transcurso del tiempo—, es una marca personal que deviene en estilo propio y la distingue de entre todos los demás pintores que México ha dado al mundo". Luis-Martín Lozano. Fuente consultada. LOZANO, Luis-Martín. María Izquierdo. Una verdadera pasión por el color. México. CONACULTA, 2002, pp. 9- 17.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $105,260-$157,900

FRIDA KAHLO

(Ciudad de México, 1907 - Ciudad de México, 1954)

Sueño de adiós (Naturaleza muerta con cempasúchil), ca. 1927 Firmado Óleo sobre tela 33 x 44 cm Con copia facsimilar de carta autógrafa de Diego Rivera. Con ensayo documental del Profesor Luis-Martín Lozano, octubre del 2015. Procedencia: colección privada. Presenta detalles de conservación. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, conocida como Frida Kahlo, nació en Coyoacán en 1907, siendo la tercera hija de cuatro mujeres de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. En su infancia, Frida contrajo poliomielitis, obligándola a permanecer en cama más de medio año, lo que desencadeno el inició de una serie de lesiones tanto físicas como anímicas. Hasta los veinte años, Frida siguió a su madre y a sus hermanas a la iglesia, a las confesiones y frecuentes comuniones, lo que en su momento le ayudó a aliviar su sufrimiento. Cuando tenía 18 años comenzó a tomar clases de dibujo en el taller del editor Fernando Fernández, es de entonces cuando datan sus primeros trabajos con intención artística. Justo en esta época, la vida de Frida dio otro giro, cuando sobrevivió a un fatídico accidente. Esta vez, la convalecencia fue lenta y muy difícil, obligándola a estar inmóvil, tiempo que aprovechó para pintar ávidamente. El sufrimiento físico vino nuevamente acompañado con el emocional, pues su entonces novio Alejandro Gómez Arias, a quien conoció en 1922, no estuvo con ella durante la recuperación del accidente, ya que se había marchado a Europa dejándola sola en el momento más terrible de su vida. En 1927, retomó casi por completo su vocación de pintora y desde el dosel de su cama realizó algunos retratos y naturalezas muertas. En estas piezas tempranas, de carácter autobiográfico, sin duda se aprecia el sentimiento de melancolía y el abandono que Frida atravesaba en aquel momento. Siendo aún muy joven, su obra ya contenía lo que muchos artistas buscaban y no encontraron hasta mucho después; ella, a los 20 años, ya había formado su propio estilo, estableciendo la pintura como el centro de su vida. Lo que pintaba era la representación de sí misma.

Fuentes consultadas: ZAMORA, Martha et ál. El pincel de la angustia. Frida Kahlo. México. St. Martin S. Press, 2007, Pág. 15-18 y LOZANO, Luis-Martín. "Estudio de la obra Sueño de adiós (Naturaleza muerta con flor de Cempasúchil". México. Octubre del 2015. *En caso de querer consultar el ensayo documental, favor de ponerse en contacto con el departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

$3,500,000.00-$4,200,000.00 M.N. USD $180,000-$220,000

Lote 61 / Copyright Estate of Leonora Carrington /ARS 95

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Virginia's fish Firmado Óleo sobre tela 79.5 x 130 cm Con documento de compra de Brewster Gallery, Nueva York. En un mundo de entre sueños y vigilia, de límites indefinidos, donde la vida, la muerte y el pasado se entrelazan, se puede encontrar el significado pictórico y literario de la obra de Leonora Carrington, una afamada artista surrealista cuyo nombre sobresale en la lista de mujeres creadoras más importantes de finales del siglo XX a nivel mundial.

Nació en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra, dentro de una familia acaudalada, siempre conviviendo con las personalidades más importantes de la sociedad inglesa. Fue entonces una vida de lujos y de una implacable educación católica, pero la gran imaginación de Leonora y su humor irónico le causaron su expulsión de algunas escuelas. En su momento, renunció a su entonces posible vocación de monja y concentró su energía en cultivar una rica vida interior por medio del arte. Estudió en la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, institución donde aprendió a dibujar con gran destreza; durante esta época gustaba curiosear en las tiendas de libros usados, descubriendo libros sobre la alquimia, el esoterismo y las prácticas espirituales budistas, temas que serían una fuerte influencia en su trabajo posterior. Fue también en este entonces, que le atrajo el movimiento surrealista, siendo cautivada por la portada de un libro del alemán Max Ernst, conociendo en ella el tipo de pintura que intuitivamente había estado buscando. En 1936, conoció a Max Ernst, con quien vivió un importante romance, sin embargo, a este lo aprisionaron al momento de estallar la guerra; Leonora intervino y logró liberarlo, no obstante, fue nuevamente encarcelado en 1940 y ella debió huir a España temiendo por su propia seguridad como extranjera. En España sufrió un colapso nervioso y fue hospitalizada en contra su voluntad; aquí se le administraron poderosas drogas y esta experiencia de encarcelamiento le causó locura momentánea, pero también una reformación artística, ya que experimentó la poética idea de la demencia y confirmó lo que los surrealistas tanto decían. Ella misma describió que esta vivencia como: "un terremoto mental. Fue como la muerte psíquica, un renacimiento, una experiencia con la cual cambié de forma drástica". A principios de 1943, llegó a la Ciudad de México con Max Ernst, de quien se separaría al poco tiempo y se casaría entonces con el fotógrafo húngaro Emerico Weisz. Con el tiempo, Leonora se integró en el medio cultural de nuestro país y se rodeó de otros artistas surrealistas refugiados, como Remedios Varo, Benjamin Peret y Kati Horna; también entabló amistad con el escritor Edward James. En México, Leonora se alejó del surrealismo ortodoxo y comenzó a adquirir influencias del arte mexicano, en especial de la coexistencia de las creencias del cristianismo con las precolombinas y de su relación de amistad con Remedios Varo, quien la alentó a crear imágenes aún más espirituales y mágicas, pues a Varo le gustaba rodearse de elementos curiosos y jugaba con Leonora a hacer de su cocina un laboratorio de alquimia, elaborando pociones y mezclas. Con frecuencia, las imágenes de Carrington aparecen en estados de ensueño lúcido, proyecciones astrales y capturas de signos de energía, además es constante la presencia de personajes y figuras hibridas, caricaturas fantásticas que contienen principalmente identidad y sexualidad femenina. Su obra envuelve al espectador en un ambiente fantástico, es un trabajo extravagante que invita a la reflexión y al juego, pero sobre todo, al deleite de la imaginación. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 1901-1950. México. Tomo I. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247 y CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-35.

$12,000,000.00-$15,000,000.00 M.N. USD $666,670-$833,330 96

Detalle / Copyright Estate of Leonora Carrington /ARS

REMEDIOS VARO

(Anglès (Gerona), España, 1908 - Ciudad de México, 1963)

Fenómeno Sin firma Lápiz sobre papel mantequilla 67 x 45 cm Agradecemos al Dr. Salomón Grimberg por la revisión de esta obra, octubre del 2017. Esta obra es un dibujo preparatorio para el óleo del mismo nombre, publicado en BLANCO, Alberto. Remedios Varo. Catálogo Razonado. Catalogue Raisonné. México. Ediciones Era, 2008, Cat. 337, Pág. 372.

"Hay otra obra suya en la que, sobre el juego de permutaciones, tan caro a René Magritte, entre lo real y lo supuesto, la literalidad representativa de una imagen y su interpretación metafórica, diríase que se trasluce un cierto ascendiente de las brujas de Anglés. Es el cuadro titulado simplemente 'Fenómeno (1962)', en el que el personaje masculino que sale de una casa –desde la ventana de cuyo porche es atisbado por un atónito rostro femenino entre cortinas– hace mutis por la izquierda convertido en sombra ambulante y puesta en pie, mientras que lo proyectado por ella en el suelo es la propia imagen corpórea y real del personaje que, sin embargo, se adapta como sombra a los peldaños de la escalera. Esta transubstanciación entre lo vivo y su trasunto fantasmal o metafórico, se halla también en algo que se contaba a propósito de las brujas de Anglés. Estas, para desencadenar el pedrisco sobre los campos vecinales orinaban en un hoyo y, cuando estaba lleno, lo golpeaban con una vara de fresno de nueve nudos. Inmediatamente los orines se convertían en una negra nube que no se demoraba en asolar los cultivos con el granizo que llevaba en sus entrañas. Los airados campesinos acechaban el regreso de las brujas y cuando las tenían a su alcance las atacaban con sus aperos, rompiéndoles un hueso con cada golpe. Entonces no tenían ellas más remedio que soltar las varas de fresno y montarse en sus escobas de caña, a caballo de las cuales eran invulnerables. Salvo en un caso: que los campesinos descargasen sus escopetas contra las sombras de aquellas maléficas criaturas, porque entonces les hacían tanto daño como si les diesen de lleno en el cuerpo..." Rafael Santos Torroella. Fuente consultada: SANTOS TORROELLA, Rafael et ál. Remedios Varo. Madrid, Fundación Banco Exterior, noviembre de 1988 - enero de 1989, Pág. 56.

$1,300,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $68,420-$94,740

ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010)

Peras Firmado y fechado 81 Óleo sobre tela 76.5 x 101 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano Presenta restauración y ligeras craqueladuras.

"Para una figuración pictórica tan precisa como connotativamente inasible, Castañeda debió aprender el lenguaje de los renacentistas y/o de los flamencos, siendo fiel a las apariencias, pero en esencia a la capacidad simbólica de la imagen realista, para luego adulterarlas con la ironía con que los surrealistas llevaron al delirio las fuentes del lenguaje onírico. Por eso su realismo conduce rigurosamente a lo insondable, por desconcierto. La película de óleo más sutil, que deja en el cuadro la ilusión de realidad, y el colorido indispensable para hacer verosímil lo natural, nos embarcan en una sobrenaturaleza que, sin embargo, está a la mano como una sospecha inmemorial". Luis Carlos Emerich, 1992. $800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,110-$52,630 100

101

HUGO LAURENCENA

(Buenos Aires, Argentina, 1950 - )

Cuatro destinos Firmado y fechado MX. 2004 Pastel y carboncillo sobre papel japonés sobre lino 84 x 84 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre del 2017. Publicado en: sitio oficial del artista www.laurencena.com Argentino de nacimiento, reside en la Ciudad de México desde el año 2000. Desde pequeño observaba los objetos mientras ensayaba dibujo, pintura y violín. Vivió veinte años en Nueva York, en donde trabajó con Willem de Kooning, continuó su búsqueda estética y alcanzó la conformación de su lenguaje artístico. Ha centrado la mayor parte de su investigación artística en torno a la pintura, el comportamiento de la luz y la descontextualización de los objetos, otorgándoles valor por sí mismos en cuanto a sus capacidades formales. Es un observador incansable de los detalles, estudioso de la fotografía, con un compromiso y constante apuesta al lenguaje pictórico, para él inagotable. El criterio de Laurencena son los objetos magnificados, fuera de escala, que invitan al espectador a descubrir el mundo de las entidades matéricas. Su obra forma parte de las colecciones de importantes museos como: Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo y Museo de Arte Moderno, todos en Buenos Aires; Museo de Arte Moderno en São Paulo, Brasil y MoMA en Nueva York. Así como de colecciones privadas en México, Estados Unidos, Japón, Suiza, Francia, España, Canadá, Italia, Bélgica, Argentina, Uruguay y Brasil. A finales del 2012 presentó "Realismo aumentado", una magna exposición en el Museo Nacional de Arte de México (MUNAL) que permaneció hasta mayo del 2013, esto lo consagró como el primer argentino en exhibir de forma individual en este importante recinto. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.laurencena.com y KERMAN, Ana. "Hugo Laurencena. Un viaje hacia el corazón de las cosas". Argentina. Revista Divinity Polo + Estilo, sección Arte, octubre del 2017.

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,160-$5,260 102

ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011)

Esta es mi mano derecha Firmada y fechada 2001 Mixta sobre tela 40 x 50 cm

"Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo […] Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta. Sus desafueros creativos se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada. "Su infancia es un modelo ejemplar de poder de la vocación, se formó solo, y lo puede probar ante los tribunales, pues aún conserva en sus archivos el primer dibujo que hizo a los tres años en el que se vislumbra ya el resplandor de esa luna errante que ha hecho de Armando Morales uno de los grandes pintores de este siglo moribundo […] Pintaba todo lo que veía, todo lo que recordaba, todo lo que quería, pues desde entonces parecía convencido de que todo lo que sucede en la vida es digno de ser pintado". Gabriel García Márquez. Fuente consultada: GARCÍA MÁRQUEZ, Gabriel. Prólogo del catálogo de la exposición en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en París, 1992.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,050-$31,580 103

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Naturaleza muerta con granadas Firmado Óleo sobre tela 88 x 89.5 cm Procedencia: adquirido en Sotheby's, Nueva York, noviembre de 1980. Incluye catálogo de la subasta. Gustavo Montoya es considerado un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional. Estudió en la escuela Nacional de Bellas Artes donde tomó cursos con Leandro Izaguirre y Germán Gedovius. En 1920, dejó la formación academicista y decidió tomar su propio camino, viajando a Estados Unidos y a algunos países de Europa, donde incluso trabajó y mostró su obra gran éxito. Tras visitar otros países y conocer las obras de arte expuestas en sus museos y galerías, Montoya enriqueció su bagaje artístico y lo unió a su herencia mexicana, creando así un estilo pictórico personal e interesante. Pensaba que la mejor manera de finalizar un cuadro era eliminando los elementos inútiles que frecuentemente eran impedimento para su libre expresión. Tanto la serie de Bodegones como la de Niños Mexicanos fueron representativas de estas ideas y a diferencia de los del siglo XIX, como los de Agustín Arrieta, Montoya optaba por la modernidad, ejecutando bodegones de composiciones limpias, escasas gamas de colores y falsas perspectivas con el fin de apreciar la totalidad de los elementos expuestos. En 1951, la Galería de la Plástica Mexicana exhibió una serie de casi quince bodegones de frutas, verduras, flores y panes de dulce. En estas obras, Montoya compartió la importancia del folclor mexicano, haciendo una sutil referencia a festividades tradicionales. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 45-62 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,840-$10,530 104

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Sin título Firmado y fechado 46 Óleo sobre tela 54 x 39 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 1981. José Chávez Morado fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con su esposa Olga Costa, Juan O'Gorman, Alfredo Zalce y Raúl Anguiano. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular. Su carrera se fortaleció en su labor como empleado del Estado, creando campos de acción cultural muy fructíferos, contribuyendo en la promoción cultural y educativa. Su obra es considerada por muchos como prototípica del realismo, con abundantes antecedentes del arte popular, tanto en lo cromático como en la representación de productos artesanales. Singular, diferente y exquisita es la compleja producción artística del guanajuatense.

"Echó raíces en un piso fecundado, grato a sus sentimientos: el arte popular. Retablos, enseres, vestimentas, leyendas, dichos, juguetes, adornos, mercados, cantares e instrumentos. No armó con ellos apariencias pintorescas, los usó para transparentar idiosincrasia, para rendir una pintura clara, emotiva, fácil de leer, trasminada de tradiciones vivas aún en sectores numerosos". Raquel Tibol.

Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, pp. 33, 68 y 69.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 105

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - )

Sin título Firmado y fechado 71 Óleo sobre tela 40 x 45.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Joy Laville provenía de Canadá, donde vivió de 1947 a 1955 y en 1956 se trasladó a México con objeto de cursar lecciones de pintura en el Instituto Allende de Guanajuato, además de ser animada por el deseo de permanecer en una villa pequeña, pintoresca y de clima cálido y templado. Durante su estancia en San Miguel de Allende coincidió con Roger von Gunten y otros artistas, lo que influenció en la manera en que desarrolló su arte, sintetizando y combinando sus elementos plásticos. Estos elementos fueron pocos y aluden a la figura, prescinden de la mimesis y obedecen por lo común a una paleta clara, luminosa y a la vez de efecto opaco. Sus cuadros, ya sean paisajes o interiores tranquilos, íntimos y si se quiere silenciosos, producen en el espectador sensaciones de paz y alegría. La materia misma de su pintura es tenue y delgada. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 106

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

La serie "Bouquets", que ha desarrollado a la par de los retratos y desnudos, comenzó como un ejercicio en torno al color y la composición mediante una paleta específica, explosiva y contundente. Le ha permitido crear metáforas en torno a la naturaleza, que exacerbada se expande infinitamente por el sustrato; el crecimiento de los elementos es referente de la fuerza brutal de la naturaleza misma. "Soy totalmente urbano, siempre he vivido en el centro de la ciudad, no me gusta ir al bosque, no me gusta acampar, lo más cercano que he estado a la naturaleza ha sido a través del arte; creo que por eso, cuando llego a un museo o galería y veo la capacidad que tiene un artista de traducir una sensación específica a través del uso de color y las imágenes de flores o paisajes me parece muy conmovedor". José Antonio Farrera.

Las cuatro flores amarillas Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 200 x 180 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Cursó la Licenciatura en Arte en La Esmeralda y la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones desde 1992, cuando obtuvo la mención honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal. En 2010 ingresó Fuentes consultadas: CAMPOS, Raúl. "Antonio Farrera, el pintor que se autoincluye en el al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más 'neochingonismo mexicano'". México. Horizontum, finanzas y cultura, 20 de agosto del notables distinciones otorgadas por el CONACULTA a través del 2017 y ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine FONCA. Su obra puede encontrarse en importantes colecciones Art, 2012, Pág. 92. institucionales y privadas, como las del Museo de Arte Moderno, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Museo Pedro Coronel, la $180,000.00-$220,000.00 M.N. Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y Nestlé. USD $9,470-$11,580

107

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Bodegón Firmado y fechado 1992 Acrílico sobre fibracel 65 x 190 cm Exhibido y publicado en la exposición itinerante "Zalce Total" que se presentó entre 1995 y 1996 en los siguientes museos: - Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce. - Museo del Pueblo de Guanajuato. - Museo de Arte Olga Costa - José Chávez Morado. - Museo del Palacio de Bellas Artes, Sala Nacional, Ciudad de México. $400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,050-$26,320 108

Alfredo Zalce fue un importante, escultor, pintor, muralista y grabador mexicano, cuya obra está impregnada de una visión personal sobre el paisaje, las etnias y las costumbres de México. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1944, realizó obras por encargo especial de la Secretaría de Educación Pública, mismo año que fue nombrado profesor de la afamada escuela La Esmeralda. En 1993, el Museo de Arte Contemporáneo añadió el nombre de Alfredo Zalce, en honor al trabajo de este artista michoacano, es así, que en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras. Debido a que nunca fue del interés de Alfredo Zalce el tener fama, toda su vida estuvo alejado de la publicidad, sin embargo hoy en día es uno de los pintores más representativos del arte mexicano del siglo XX. Su obra figura en los acervos de importantes instituciones mexicanas y extranjeras, destacando el Metropolitan Museum of Art y el Museo de La Jolla de California en Estados Unidos, el Museo de Estocolmo en Suecia, el Museo Nacional Sofía en Bulgaria y el Museo de Varsovia en Polonia. Fuentes consultadas: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686 y TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, pp. 38-40 y 62.

109

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Autorretrato con Martha Firmado y fechado 39 Óleo sobre tela 113 x 80 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, noviembre del 2017. Publicado en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 40. Presenta ligeros detalles de conservación. La obra de Juan Soriano tiene una presencia diferente a la de los demás pintores mexicanos de su generación, pues su crecimiento artístico fue autodidacta y se ganó desde muy joven el derecho a ser pintor por su excelente capacidad plástica. El tiempo que estuvo como ayudante en el taller de Chucho Reyes fue suficiente para que el maestro lo impulsara a leer libros, estudiar la historia y lo familiarizara con sus propios conocimientos artísticos. Entre sus primeros trabajos formales, además de las naturalezas muertas, estuvo el retrato, siendo su hermana Martha y sus vecinos sus principales modelos. Para él, su familia fue uno de los detonadores principales de su trabajo, siendo posible que fuese la extravagancia de su hermana Martha lo que lo impulsó a viajar y conocer otros países. Con el tiempo, fue creando su propio lenguaje plástico, siendo su verdadera escuela la curiosidad y el interés por la cultura, viajando a Nueva York, Roma y París. A finales de los años 30, su pintura de caballete abordó diversas temáticas, sin embargo nunca abandonó el retrato y el autorretrato, para los cuales recurría a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental. En esta misma época, Soriano impartió clases de desnudo en La Esmeralda y realizó escenografías y vestuarios para el teatro. Fuente consultada: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pp. 29-32.

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $63,160-$105,260 110

111

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niña con vestido rosa Firmado Óleo sobre tela 57 x 44.5 cm Gustavo Montoya fue un artista mexicano perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura. Se deleitó experimentando con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a la inspiración del artista. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. La serie de "Niños Mexicanos" está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural. Tanto pinturas como esculturas de la serie de "Niños Mexicanos" fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la Exposición Retrato Mexicano en 1961 y en la Exposición Maestros de la Pintura Mexicana en 1976. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,160-$15,790 112

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Mujer dando de comer a los pájaros Firmado y fechado 1995 Acrílico sobre fibracel 100 x 75 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 1995. Los temas que trabajó Alfredo Zalce a lo largo de su vida fueron variados, sin embargo sobresalen las características de la vida indígena y la historia mexicana. Además de practicar el muralismo, el grabado, y la pintura de caballete con firmeza, Zalce también ejecutó con gran maestría la escultura. Su producción es inigualable, tanto por sus vivas composiciones de colores, como por la alteración de elementos para crear un ritmo relevador mediante finas líneas. Su arte es el resumen de una

época, envuelto en un sentido creativo proveniente de los movimientos vanguardistas europeos y de la llamada Escuela Mexicana. "El estilo de algunas obras de Zalce es caracterizado por la manera como aplica la materia, al igual que la temática y la utilización de colores en su paleta de sobrios tostados en combinación con tonos cálidos en naranjas y rosados que contrastan y producen grandes sensaciones. El pintor hace uso de su experiencia plástica para ejecutar uno de sus trucos con el fin de llegar a una armonía perfecta". Ana Delia Pueblita Díaz. Fuente consultada: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420

113

ROSA CASTILLO

(Guachinango, Jalisco, 1910 - Ciudad de México, 1989)

Madre e hija Firmada y fechada II - 5 - 57 Escultura en barro terracota 56 x 23 x 30 cm Exhibido en: - "De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano", muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, de julio del 2005 a abril del 2006. - "From Revolution to Renaissance, Mexican Art from the Aaron Collection", muestra presentada en el Mexic-Arte Museum en Austin, Texas, de abril del 2007 a enero del 2008. - "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. Presenta detalles de conservación. Hermana del escultor Fidencio Castillo, Rosa Castillo fue una escultora jalisciense cuyo trabajo se caracterizó por abordar temáticas indígenas, representaciones de grupos infantiles, el desnudo femenino, la maternidad y el costumbrismo. Rosa fue asistente en el taller de Francisco Zúñiga, donde aprendió a dibujar y conoció a fondo el proceso de la escultura. También fue alumna de Luis Ortiz Monasterio y de José L. Ruiz. Posteriormente ingresó a La Esmerada como asistente de taller y al graduarse comenzó a trabajar en la SEP como profesora de arte, ejerciendo la docencia por casi 20 años. Con su hermano formó diversas generaciones de alumnos en La Esmeralda, donde destacó por ser una profesora que implementaba esfuerzo, creatividad y disciplina en cada escultura. Fuente consultada: sitio del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara www.musa.udg.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$7,900 114

SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

Autorretrato con espejo Firmado y fechado 86 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 110 x 80 cm Sylvia Ordóñez es una artista libre, amante de la espontaneidad y la sencillez, con un imaginario sofisticado, dispuesta a experimentar los caminos que su pintura le va proponiendo. Sus temas, bajo la influencia narrativa de un surrealismo meditado e intelectual, abarcan el paisaje urbano, la naturaleza muerta y los autorretratos. Ricardo Elizondo: "Suspensa en el silencio, y madura, como una de sus frutas, Sylvia Ordóñez detiene unos instantes su mirada imborrable". Sylvia Ordóñez: "¿Miedos? No, no tengo miedos…, aunque alguna enfermedad, quizás…" Ricardo Elizondo: "De cuerpo menudo, con pisada segura y piernas elásticas, la señora Marty vista a unos cuantos metros de distancia se convierte en una adolescente temeraria con temple de guapa". Sylvia Ordóñez: "Nunca pensé en ser pintora, pero cuando encontré la pintura me dije: 'esto es lo que me gusta'".

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2009, No. 100, Pág. 172 y ELIZONDO, ELIZONDO, Ricardo. "De las mieles, la quemada (II)", Arte Actual Mexicano Galería.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,260-$10,530 115

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Autorretrato, ca. 1925 Sin firma Escultura tallada en madera 36 x 19 x 19 cm Exhibida en: "Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones", muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el Instituto Cultural Cabañas en 1996, mencionada en el listado de obra del catálogo con el número 79. Nació en Guadalajara en 1898, fue alumno de Luis de la Torre y Félix Bernardelli. Ya establecido en la Ciudad de México, comenzó su carrera artística como caricaturista e ilustrador en periódicos nacionales. En este medio era conocido como "Karikato". Posteriormente evolucionaría a una etapa muy distinta a lo que se conoce como su obra cumbre. Durante los años 30 trabajó el diseño de vestuarios y escenografías para teatro, posteriormente inició actividades en el Centro Bohemio, grupo integrado por David Alfaro Siqueiros, Amado de la Cueva, Xavier Guerrero y otros. Su formación plástica lo llevó a vivir en diversas ciudades del mundo, haciendo que su carrera caminara lento pero de forma sólida. Logró exponer individualmente en el extranjero y participó en varias bienales. Su obra se dio a conocer cada vez más como una de las representaciones de la nueva plástica mexicana contemporánea. Hoy en día sus cuadros están expuestos en museos, galerías y colecciones privadas. En este autorretrato, tallado en madera, son reconocibles los rasgos distintivos del artista: los ojos saltones, el rostro delgado y la nariz recta. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 7-16.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$7,900 116

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

La familia Firmada y fechada 1924 Óleo y pastel sobre papel 41.3 x 51.2 cm Publicado en: LOZANO, Luis-Martín. Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones. México. CONACULTA, INBA, Secretaría de Cultura del Gobierno de Jalisco, 1996, Pág. 43, catalogado 58. Exhibido en: "Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones", muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el Instituto Cultural Cabañas en 1996. En 1920, Carlos Orozco Romero se casó con María Marín, hermana de Lupe Marín. María sería su musa, modelo principal y su esposa hasta su muerte. En esta obra, titulada La familia, Orozco Romero retrata a María y a su primogénita, pintándose junto a ellas.

"Obra realista de intención; de factura tendente al clasicismo. No el clasicismo académico, derivado de los cánones renacentistas rutinariamente transmitidos, sino el de la aplicación directa y meticulosa de los Primitivos flamencos. Esta obra, que señala la transición entre el Orozco Romero caricaturista, y el pintor embargado por la preocupación de exaltar y de resumir un carácter recóndito, se nos aparece hoy como si en ella hubiera vertido su autor cuanto había aprendido en los museos de Europa". Margarita Nelken. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 35.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420

117

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957)

La fotógrafa, retrato de Lola Álvarez Bravo, ca. 1945 Firmado Óleo sobre lino 59 x 48 cm Procedencia: adquirida en Galería Enrique Guerrero. Colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Americas Heritage Ilc, San Antonio, Texas. Publicado en: PÉREZ DE LARA, Jorge, et ál. De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano. México. INBA, CONACULTA, 2005, Pág. 68. Exhibido en: - "De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano", muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, de julio del 2005 a abril del 2006. - "From Revolution to Renaissance, Mexican Art from the Aaron Collection", muestra presentada en el Mexic-Arte Museum en Austin, Texas, de abril del 2007 a enero del 2008. - "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. Con etiquetas del Museo Nacional de Arte y Christie's. De joven su vida fue un subir y bajar de emociones por cuestiones familiares y económicas, lo que lo impulsó a ser un hombre libre de toda restricción, imaginativo, rebelde e inestable sentimentalmente. Los viajes que logró realizar a Europa y Estados Unidos con ayuda de su hermano, fueron decisivos para su formación artística, logrando establecer relaciones de amistad y trabajo con pintores de diversas nacionalidades, entre ellos Agustín Lazo, pintor mexicano a quien conoció en Montparnasse. Entre sus amistades también destacan los pintores Juan Soriano, Chucho Reyes, Jesús Guerrero Galván, Ricardo Martínez y la fotógrafa Lola Álvarez Bravo. A su regreso a México, instaló su propio taller de pintura, donde produjo una cierta cantidad de obra que participó en algunas exposiciones colectivas. Su primera exhibición individual fue en la Galería de Arte Mexicano, lo que le abrió las puertas para mostrar su obra en museos y galerías del extranjero. Siempre trabajó de manera intensa, casi obsesiva, con el carácter profesional que lo determinó como uno de los pintores más destacados del arte mexicano de la primera mitad del siglo XX.

En los textos publicados en el catálogo de la exposición "De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano", el historiador del arte James Oles hace alusión a esta obra, y la describe de la siguiente manera: "Seguramente, 'El fotógrafo' es un retrato de Lola Álvarez Bravo, amiga cercana de Alfonso Michel. Ella está en el trabajo, detrás de su cámara de caja y tripe, en un espacio ambiguo. Se encuentra de pie junto a una mesa con una carta sin abrir, y enmarcada por una figura alada y una forma oscura, Lola Álvarez Bravo captura un cuerpo que cae a lo lejos, ya sea un accidente o un suicidio. Una forma típica de la pintura de Michel, el combinar formas fracturadas con referencias oscuras a algún evento misterioso". Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 424 y PÉREZ DE LARA, Jorge et ál. De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano. México. INBA, CONACULTA, 2005.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $78,950-$105,260 118

119

ANTONIO BERNI

(Rosario, Argentina, 1905 - Buenos Aires, Argentina, 1981)

Ramona costurera Firmado y fechado 64 Grabado relieve 24 / 25 141 x 54 cm

"Después de los años cincuenta, la expresividad de Berni se libera del ideal armónico, pierde rigor formal y adquiere vitalidad en composiciones de pinceladas rápidas y vibrantes […] alrededor de los años sesenta se acerca a las innovaciones del informalismo y a los artistas del pop art del Instituto Di Tella. Renueva el grabado con la incorporación del collage en las inolvidables series de ‘Juanito Laguna’ y ‘Ramona Montiel’, y en 1962 gana el Primer Premio de Grabado en la Bienal de Venecia". Gabriela Metz. $280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,740-$18,420 120

ANTONIO BERNI

(Rosario, Argentina, 1905 - Buenos Aires, Argentina, 1981)

Juanito y sus amigos Firmado y fechado 60 Óleo sobre tabla 74.5 x 60 cm Con certificado de Galería del Mar / Centro Integral de Arte, firmado por el artista. Su primer viaje con fines artísticos lo realizó en 1925 a Europa, con ayuda de una beca otorgada por Jockey Club. Recorrió España y conoció bien París, donde se relacionó con el llamado "Grupo de París", artistas argentinos y de algunas otras nacionalidades que se encontraban residiendo allí, conociendo entonces al filósofo marxista Henri Lefebvre, quien a su vez le presentó al surrealista Louis Aragón, con quien compartió ideales sobre el arte y la revolución. En los años 30 regresó a Argentina y su obra dio un gran giro, pues se unió a las propuestas del Partido Comunista y ante la crisis política, económica y social vivida en el país, su arte se volcó hacia el realismo crítico. En 1933, participó junto con David Alfaro Siqueiros en la realización del mural "Ejercito plástico", y al siguiente año fundó junto con otros artistas la Mutualidad Popular de Estudiantes y Artistas de Rosario, donde dirigió la escuela y el taller.

Para los años 60, su obra ya formaba parte de importantes muestras de arte, ganando el Gran Premio Internacional de Grabado en la Bienal de Venecia en 1962. A lo largo de esa década fue fiel a su vocación narrativa y crítica, desarrollando la saga de sus dos personajes ya icónicos, Juanito Laguna, un niño de una villa pobre y Ramona Montiel, una prostituta; con ellos dio testimonio de los márgenes de la realidad del país, ejerciendo artísticamente los derechos de la misma sociedad que los excluye. Fue también una época de exploración plástica, experimentando con el grabado, así como los xilo-collages-relieves y ensamblajes con materiales de desecho. Unos días antes de su muerte, en una entrevista Berni dijo: "El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura, es una forma de amor, de transmitir los años en arte". Fuente consultada: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Malba www.malba.org.ar

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $63,160-$105,260 121

BENITO QUINQUELA MARTÍN

(Buenos Aires, Argentina, 1890 - Buenos Aires, Argentina, 1977)

Frente al riachuelo de la Boca Firmado Óleo sobre tela 80 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Graciela Madrid Galería de Arte, diciembre del 2002. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y restauración. Benito Quinquela es para Argentina un filántropo modelo y pintor ejemplar, uno de los más reconocidos artistas cuya obra se cotiza en el mercado internacional. Sus inicios como artista fueron complicados, desde joven tuvo que dejar la escuela para trabajar en una carbonería y como peón de descarga en el puerto de La Boca debido a la situación económica familiar; no obstante, siempre encontraba un momento para dibujar, siendo entonces los barcos y sus trabajadores, las casas humildes, las calles, los galpones y los aserraderos de La Boca parte importante de su lenguaje pictórico. Estudió en el Conservatorio Pezzini-Stiatessi, donde aprendió el impresionismo a la italiana de los Macchiaioli. Poco a poco su trabajo fue avanzando, hasta que en 1916, la revista Fray Mocho le dedicó una nota que hablaba exclusivamente sobre él, y posteriormente fue publicado en otros diarios con respuestas positivas. Más tarde, fue Eduardo Taladrid, secretario de la Academia, quien se convirtió en su amigo y mecenas, realizando con su ayuda una exposición en la galería más prestigiosa del momento: Witcomb. Ese mismo año obtuvo el 3° premio en el Salón Nacional. Posteriormente comenzó a hacer varios viajes al extranjero, conociendo Río de Janeiro, Nueva York, Madrid y París, aprendiendo y entablando grandes amistades. Sin embargo, siempre enamorado de su tierra, Quinquela decidió regresar a su país y ya con prestigio internacional, decidió retribuir al estado y donó un terreno para construir una escuela primaria, un espacio para vivienda y un taller personal. En 1935, abrió en el barrio de La Boca el Museo de Artistas Argentinos, hoy en día conocido como Museo Benito Quinquela Martín. Fuente consultada: "Museo Benito Quinquela Martín" en el sitio oficial de la ciudad de Buenos Aires www.buenosaires.gob.ar

$700,000.00-$800,000.00 M.N. USD $36,840-$42,110

122

123

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965)

Venustiano Carranza Firmada y fechada 60 Escultura en bronce 65 x 16 x 15 cm

"Conviene tener muy presente ese periodo de lucha revolucionaria del artista que lo hizo compartir tan íntimamente los sentimientos y reacciones de su pueblo en la viva entraña de éste, y le permitió el lógico aprovechamiento de modalidades del momento, llegadas de un Viejo Mundo heredero de clasicismos y cánones antiguos y renacentistas, de patetismos y desorbitaciónes de transposiciones místicas, sin extraviarse jamás lejos del acento vernáculo". Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Ignacio Asúnsolo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, Pág. 39.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,370-$3,160

124

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Zapatistas muertos Firmado y fechado 1922 Gouache sobre papel 25 x 21 cm Con un dibujo a lápiz al reverso. Procedencia: adquirido en Sotheby's Nueva York, noviembre del 2012. Colección particular. $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$2,630 125

ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

La silla No. 2 Firmado y fechado 72 Óleo sobre fotografía sobre madera 116.2 x 96 cm Esta obra cuenta con marco original del artista. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Exhibido en: "El entierro de Zapata y otros enterramientos", muestra individual presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en noviembre de 1972 y en "Alberto Gironella. Barón de Beltenebros", primera gran retrospectiva póstuma presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, de noviembre del 2003 a marzo del 2004. Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes, Galería Pecanins e Instituto Nacional de Bellas Artes - oficina de registro de obra, donde se especifica que la obra pertenecía a la colección del artista. En 1972 Alberto Gironella trabajó una serie de pinturas para la exposición "El entierro de Zapata y otros enterramientos", para la cual estudió el libro "Zapata" de John Womack y se inspiró en la obra de El Greco. La muestra se inauguró el 8 de noviembre de 1972 en la Sala Nacional del Palacio de Bellas Artes, el día anterior nació su tercer hijo, a quién nombró Emiliano. Con esta exposición se autoproclamó "enterrador de nuestro tiempo", en varias de las obras retomaba fotografías de Héctor García, Manuel Álvarez Bravo y en el caso de la serie "La silla", tomó como base la icónica fotografía de Agustín Víctor Casasola, mismas que intervino con su pincel y con diversos objetos. Esta instantánea del archivo Casasola conocida como "Villa en la silla presidencial", inmortalizó el encuentro de Emiliano Zapata y Francisco Villa en diciembre de 1914. Según se cuenta, Villa insistió en que fuera Zapata quien ocupara ese lugar, sin embargo, no logró convencerlo y terminó por ocupar él mismo el asiento.

"Yo creo que 'El entierro de Zapata y otros enterramientos' no es desde ningún punto de vista 'un enterramiento' sino una resurrección. Al situar a Zapata en el Palacio de Bellas Artes, que entre otras cosas es una tumba de mármol frío y símbolo negro de lo que fue el Porfiriato, lo hice para demostrar, simbólicamente, que este gran hombre de nuestra revolución aún está vivo y que sus caminos aún son caminos". Alberto Gironella. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ, Antonio. "La silla presidencial". México. Algarabía, 20 de noviembre de 2014 y PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, pp. 185 y 186.

$260,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,680-$18,420

126

127

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965)

General Álvaro Obregón Firmada y fechada 1954 Escultura en bronce 71 x 24 x 21 cm Existe una versión monumental de esta escultura en el parque La Bombilla en la delegación Álvaro Obregón, Ciudad de México. $45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,370-$3,160

128

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Huelguista Firmado y fechado 1933 Gouache sobre papel 16 x 24.5 cm Procedencia: adquirido en Sotheby's Nueva York, noviembre del 2012. Colección particular. $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$2,630

129

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Annual Anatomy Firmado y fechado al reverso 1972 Óleo sobre tela 76.5 x 107.1 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017.

"Belkin fue un humanista del siglo XX, que centró su interés en la condición humana, las emociones, el sufrimiento y el dolor, siempre con la idea de transformar la realidad para vivir en un mundo mejor […] Inmerso en la búsqueda de una voz propia renovó la estética pictórica y le otorgó un nuevo significado al discurso muralístico, su pintura sería el instrumento de su compromiso intelectual y su lucha contra la injusticia, la represión y la desigualdad". Nadia Ugalde Gómez. Fuente consultada: "Arnold Belkin, un artista que centró su interés en la condición humana". México. INBA, No. 883, 4 de julio del 2017 www.inba.gob.mx

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530

130

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Presagios de una guerra #1, Monstruo sin cabeza Firmado y fechado 1961 al frente Firmado y fechado julio 31, 1961 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 130 x 107 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2017. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Estudió en La Esmeralda junto con Agustín Lazo y Carlos Orozco Romero y paralelamente participó en el Taller de Ensayo de Materiales y Plásticos del profesor José L. Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional; además, fue ayudante de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales para la Aduana de Santo Domingo y para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, lo que terminó siendo una fuerte influencia para su trabajo posterior. En la década de los 60, su pintura se inclinó hacia un contexto mucho más social, pasando a formar parte del movimiento Nueva Presencia, integrado por José Luis Cuevas, Francisco Icaza y Rafael

Coronel, entre otros. En esta época, viajó a Europa, donde su obra adquirió un nuevo carácter cromático, además empezó a considerar al hombre como el protagonista de sus obras, colocándolo en armonía con el universo, siempre al centro de las grandes batallas que posteriormente realizaría como una de sus principales temáticas. En 1977 regresó a México y fue invitado a realizar murales para la Universidad Autónoma Metropolitana, en los cuales dejó su influencia artística europea con un discurso dramático sobre la guerra, el exilio y la injusticia nacional. Su trabajo, al igual que él, siempre enérgico, determinante y en contra de las injusticias políticas y sociales, es considerado como uno de los más vanguardistas del siglo XX en México. "Cuando el artista se identifica con el pueblo, que es su público, su obra contendrá los símbolos ideológicos más pertinentes a sus aspiraciones, esperanzas y sueños". Arnold Belkin, 1973. Fuentes consultadas: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et ál. Homenaje a Arnold Belkin. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1998, pp. 14 - 17, y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 131

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Esculto-pintura, 1967 Firmado Acrílico sobre papel 34 x 25.5 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Misrachi, Ciudad de México. Bonhams, Los Ángeles, abril del 2015. Colección particular. Publicado en: Siqueiros. Esculto-pintura. Cuarta etapa del muralismo en México. México. Galeria de Arte Misrachi, 1968, Pág. 9. Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi. Presenta detalles de conservación. Entre 1952 y 1953, Siqueiros realizó el proyecto para los murales en Universidad Nacional Autónoma de México, el cual estuvo compuesto por diversas piezas en las que mezcló la técnica pictórica con la escultórica, naciendo así el término "Esculto-pintura". Durante el proceso de integración plástica, Siqueiros determinó que su método experimental de materiales y perspectiva dinámica sería enriquecido por el constante juego de volúmenes que la escultura permitía al relacionarse con la pintura y la escultura. Fuente consultada: sitio oficial de la Secretaria de Cultura www.cultura.gob.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 132

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Sin título Firmado y fechado 5 - 11 - 60 C.P. al frente. Firmado al reverso Acrílico sobre papel 40 x 31 cm Con dedicatoria a José Luis Ceceña, 24 de septiembre de 1971 al reverso. En 1960 Siqueiros fue nuevamente encarcelado por participar en la organización de las manifestaciones para apoyar la lucha por la depuración sindical que realizaron los dirigentes del sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación. En esta ocasión, estuvo preso durante cuatro años en la cárcel de Lecumberri, conocida popularmente como "El palacio negro", siendo una de las penitenciarías de máxima seguridad hasta 1976. Este boceto fue pintado durante su estancia en prisión, por ello la inscripción "C.P." hace referencia a "Cárcel Preventiva". Durante su encarcelamiento, Siqueiros siguió dibujando y pintando en su celda, utilizando el poco material que se le permitía tener, acuarelas, algunos acrílicos y papel, que en casos solía reciclar por lo que estas piezas no se encuentran perfectamente limpias. Muchas de las obras creadas en Lecumberri fueron luego utilizadas en litografías e ilustraciones de libros. $250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420

133

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

a) La Guerra Civil Española Sin firma Acrílico sobre triplay 27 x 114 cm b) Barandal Colegio Madrid Sin firma Acrílico sobre madera 27 x 43.5 cm c) Identidad y futuro Sin firma Acrílico sobre triplay 106 x 126 cm Piezas: 3 Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2017. Con etiquetas del Palacio de Bellas Artes y Museo Mural Diego Rivera.

"Belkin fue un artista extremadamente disciplinado. Con disciplina aprendió el uso de variados materiales y herramientas; con disciplina abordó muy complejos problemas de composición; con disciplina diversificó su paleta tras una prolongada fijación por los ocres; con disciplina asimiló las teorías de Siqueiros y revisó a los neoclásicos, los románticos, los constructivistas, los futuristas, los cubistas, y los expresionistas; con disciplina fue conquistando su propia e inconfundible originalidad: esas estructuras armadas con perfiles, contornos, torsos, cabezas, pilares... Ellas fueron el soporte para hacer a un lado lo declamatorio en el tratamiento de los grandes problemas del presente. Sus soluciones plásticas por medio de sistemas interrelacionados se volvieron cada vez más audaces y con mayor densidad simbólica. Esto le permitió llegar a la pintura de progresión y al arte social". Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "El laboratorio muralístico de Arnold Belkin". México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $113,160-$18,420 134

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

Sin título Firmada y fechada 1945 Tinta sobre papel 44 x 29 cm Presenta ligeros detalles de conservación. José Clemente Orozco se inició como dibujante y pintor en la academia; sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. Tales trabajos los podemos ver durante la Revolución Mexicana, cuando Orozco se convirtió en uno de los dibujantes más asiduos y puntuales que atestiguó mediante su obra los hechos sucedidos en aquella época. Su obra fue vasta y diversa, pues además de la pintura y el dibujo, experimentó la gráfica sobre temas asociados al movimiento revolucionario, destacando su postura radical e inconformidad por la situación del país. Fuente consultada: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,050-$26,320 135

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

Cabeza de mujer galante Firmado Temple sobre papel 49.5 x 35 cm Publicado en: TIBOL, Raquel. José Clemente Orozco. México. Banco de la República Casa de Moneda, Galería Enrique Guerrero, 1998, portada del libro, y en José Clemente Orozco. Autobiografía. México. Ediciones Era, 1970, Pág. 19. Exhibido en: exposición itinerante "José Clemente Orozco" en el Banco de la República, Casa de Moneda de Bogotá, Colombia, de abril a junio de 1998 y en la Galería Enrique Guerrero en la Ciudad de México, de octubre a diciembre de 1998. Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas y de la Galería Enrique Guerrero. Durante el régimen del presidente Francisco I. Madero, Clemente Orozco comenzó a realizar caricaturas políticas y series de acuarelas que ilustraban la vida de las prostitutas. Fue una época complicada para el artista, de tremendas luchas por aprender su oficio y tener una oportunidad de trabajar, como muchos otros. Fue una etapa de desarrollo existencial, pero a la vez una de las mejores, pues logró capturar ferozmente la Revolución. Entre 1911 y 1916, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones, entre ellas "La Vanguardia" y "El Hijo del Ahuizote", para este último realizó especialmente obras ambientadas por los acontecimientos que afectaron la sociedad media y baja de la capital mexicana. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 30-39 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$900,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $47,370-$78,950 136

137

LUIS ORTIZ MONASTERIO

(Ciudad de México, 1906 - 1990)

Sin título Firmada y fechada 38 Escultura en alabastro 52 x 38 x 28 cm En 1920 tomó clases nocturnas de dibujo en la Academia de San Carlos. Al año siguiente se inscribió como alumno regular a las clases de grabado, dibujo y escultura, donde permaneció hasta 1924. Su maestro de escultura fue Ignacio Asúnsolo, quien le enseñó las bases de dicha expresión artística. De 1925 a 1926 vivió en Los Ángeles, California. Posteriormente, en México desempeñó el cargo de profesor de escultura en la SEP y en la ENAP.

"Luis Ortiz Monasterio muestra su habilidad como escultor sin límite; trabajó con todos los materiales y técnicas: talla directa, modelado, fundición, acero, policromía, cerámica, etc. Su temática no se limitó a lo establecido por el México de reconstrucción que le tocó vivir; él salía al acecho de temas que le fueran interesantes para su escultura, como la mitología, la naturaleza, el amor, los ideales humanos, la danza y hasta los avances tecnológicos de un mundo que se volvía moderno y sofisticado y que a él le tocó reconocer a sus 84 años. Sus obras salieron de un estudio realizado a cabalidad, soportado con infinidad de bocetos que lo llevaron a depurar las ideas originales hasta sus últimas secuencias; de ahí que no encontramos una abundante, pero sí muy destacada calidad artística". Lupina Lara Elizondo. Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA, 1997, pp. 131-132 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 12, No. 87, mayo - junio 2007, Pág. 22.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680 138

JEAN CHARLOT

(París, Francia, 1898 - Hawái, E.E. U.U., 1979)

Temascal II, 1930 Firmado y fechado 30 Óleo sobre tela 92.8 x 73.5 cm Exhibido en: - "De artesanos y arlequines: Forjando una colección de arte mexicano", muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, de julio del 2005 a abril del 2006. - "From Revolution to Renaissance, Mexican Art from the Aaron Collection", muestra presentada en el Mexic-Arte Museum en Austin, Texas, de abril del 2007 a enero del 2008. - "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. Fue pintor, grabador, muralista, maestro y escritor. Participó en los inicios del movimiento muralista mexicano y también en el establecimiento de las bases para una producción gráfica de nuevo tipo en México. Nieto de mexicana, nació en París

y ahí estudió artes plásticas. Combatió en la Primera Guerra Mundial, donde alcanzó el grado de teniente de artillería. En 1921, invitado por la familia Martínez del Campo, parientes suyos, llegó a México. Fue Fernando Leal quien lo vinculó con los entonces pujantes Centros Populares de Pintura y que todavía se llamaban Escuelas de Pintura al Aire Libre. En 1922 Jean Charlot inició en la práctica del grabado en madera y la litografía a Francisco Díaz de León, Gabriel Fernández Ledesma, Fernando Leal, Alva de la Canal, Emilio Amero y otros. Debido a sus conocimientos de la pintura al fresco, Charlot fue incorporado al grupo que pintaba en la Escuela Nacional Preparatoria. Durante los nueve años que residió en este país, hizo investigaciones estéticas en terrenos casi inexplorados. "Sutil, erudito, hábil en la deformación expresiva, impregnaba cada una de sus obras con un sentido cerebral de investigación estética, triunfando a menudo en la solución de los problemas, que a sí mismo se imponía, con sorprendente talento". Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "Jean Charlot (París 1898 - Honolulu 1979)". México. Proceso, sección Cultura, 31 de marzo de 1979.

$320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,840-$21,050 139

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Sin título Firmada Mixta sobre papel 37 x 26 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2017.

"No me cabe duda que él mostró un país nacionalista, lleno de indígenas con una pintura absolutamente revolucionaria, pero en el fondo ésta era profundamente religiosa, basada en una idea de paraíso". José Luis Trueba. Fuente consultada: TALAVERA, Juan Carlos. Redescubre a Diego Rivera; su visión al paraíso. México. Excélsior, sección Cultura, 5 marzo del 2015.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 140

FERNANDO CASTILLO (México, 1895-1940)

La familia, 1935 Firmado Óleo sobre tela 53 x 60 cm Procedencia: adquirido en Sotheby's, Nueva York, junio del 2001. Comenzó trabajando de pastor y arriero. En 1928 tomó cursos de arte dirigidos por Gabriel Fernández Ledesma en San Pablo en la Ciudad de México. A pesar de que su trabajo llegó al Pabellón de México en Sevilla, pocas de sus obras sobreviven en la actualidad. Tuvo una vida difícil trabajando como bolero, zapatero, cargador de muertos en un hospital y empleado en una galería de la Secretaría de Educación. Fuente consultada: "Fernando Castillo, 1895-1940". México www.museoblaisten.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 141

LOLA CUETO

(Ciudad de México, 1897 - Ciudad de México, 1978)

Mercado Con firma bordada Tapiz de seda bordado 122 x 132 cm Procedencia: colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Exhibido en: "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. María Dolores Velázquez Rivas, conocida simplemente como Lola Cueto, fue una pintora, escritora y diseñadora de marionetas, tapices y escenografías para teatro infantil. El apellido Cueto lo tomó de su esposo Germán Cueto, pintor y escultor mexicano con quien tuvo dos hijos, destacando la dramaturga Mireya Cueto. Estudió en La Academia de San Carlos, donde compartió clases con David Alfaro Siqueiros, no obstante sus estudios se interrumpieron al inicio de la Revolución, por lo que 142

siguió su formación de manera autodidacta hasta su ingreso a la Escuela de Pintura al Aire Libre. En 1927, se trasladó con su esposo a París, donde se relacionó fácilmente con otros artistas permitiéndole así un rico desarrollo multicultural. En aquella ciudad fue donde tuvo su primer contacto creativo con las marionetas. A su regreso a México fundó una pequeña compañía de títeres que viajó por varios estados de la República Mexicana. Fue una de las pocas artistas mujeres que destacó en el campo de las artes en aquella época, más aún por sus novedosas técnicas, entre las que destacan los tapices, los cuales se creen fueron bordados a máquina bajo la influencia de los métodos realizados por las mujeres del sureste de México. En 1932, durante la muestra de tapices de Lola Cueto en la Sala de Arte de la Secretaría de Educación Pública, el estridentista Arqueles Vela comentó: "Pinta sus tapices en máquina, a la seda, como un pintor con un pincel, al óleo o al pastel […] Sus tapices están concebidos y tratados como un cuadro y su calidad plástica y esa luminosidad que exhorbita su naturaleza no la obtiene ninguna otra materia y acaso ninguna otra mano si no domina —como la suya— los elementos mecánicos transmisores de su sensibilidad". Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "Lola Velásquez Cueto: artesana y artista". México. Semanario Proceso, sección La Redacción, 17 de febrero de 1979.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530

TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - )

Perro ancestral Firmada y fechada 97 Escultura en bronce III / X 32 x 62 x 22 cm Su acercamiento e interés hacia las artes plásticas se manifestó desde que era un niño, pues construía sus propios muñecos y copiaba las estampas revolucionarias del maestro Alberto Beltrán. Años más tarde, en la Ciudad de México, ingresó al ejército y al taller de la misma institución, donde hacía prótesis para manos y ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos, recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos. "Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana (varonil, femenil) capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno". Luis Ignacio Sáinz. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et ál. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, Pág. 50.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,580-$15,790 143

100

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Madre, 2000 Firmada Escultura en bronce 3 / 9 120 x 62 x 38 cm Con copia del certificado de autenticidad del artista, julio del 2000. Durante la segunda mitad del siglo XX, México se caracterizó por la proliferación de instituciones culturales y la proclamación por parte de los artistas a fomentar el intercambio de las artes plásticas. En especial Chávez Morado fue un artista preocupado por compartir temas nacionalistas. Para él, el arte no debía llegar a definiciones tajantes ni ser condenado en un campo. Fue un pintor y escultor que gustaba dialogar con el pueblo y las tradiciones. A lo largo de 50 años realizó centenares de obras que recaudaron los simbolismos de la mexicanidad, ponderando el mestizaje de diversos grupos sociales. Fuente consultada: SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, pp. 56 y 57.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470

144

101

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Sin título Firmado y fechado 55 Óleo sobre tela 80 x 100 cm Entre 1950 y 1960, la producción de caballete de Chávez Morado fue sumamente amplia, no dejó de participar en exposiciones ni de dar clases. Fueron años de grandes reconocimientos y fama, su obra se encontraba en una etapa madura, ejerciendo la pintura y el dibujo con gran maestría gracias a su ejercicio mural anterior. A mediados de los años 60 se estableció definitivamente en Guanajuato, con su esposa Olga, y retomó proyectos para museos, fue una época en la que simbolizó su visión de la cultura e historia de México. Guanajuato fue el lugar perfecto para que capturara la vitalidad de una sociedad aún con tradiciones vigentes, pintando entonces los mercados, las calles, callejones, iglesias y casas. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, Ediciones la Rana, 2001, pp. 45 y 46.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 145

102

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Señal de origen, Desnudo No. 7 Firmado y fechado 97 al frente y al reverso Temple sobre tela sobre madera 100 x 80 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. Procedencia: perteneció a la colección de Luis Nishizawa. Con dos etiquetas del Museo Taller Nishizawa. Su formación artística comenzó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo como maestro a Rodríguez Luna, José Chávez Morado y Alfredo Zalce. No obstante, también su legado familiar, tanto mexicano como japonés, congeniaron e influenciaron en la formación de su peculiar estilo. Con el tiempo, formó un extenso conocimiento de técnicas pictóricas, experimentando con acuarelas, temples, óleos, encáustica, cerámica y técnicas orientales como la tinta saiboku. Dentro de esta vasta producción, abordó temas de preocupación social, recurriendo a la figura humana, en especial la femenina. El retrato fue un género complicado para él, sin embargo lo representó con gran excelencia, ya que más que atender una problemática social, plasmó la serenidad se sus modelos, mostrando la dignidad indígena sin folclor alguno, simple y natural. Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 470.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,420-$23,680 146

103

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Paisaje de Amecameca Firmado al frente. Firmado y fechado 1984 al reverso Temple sobre madera 81 x 122 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017.

"No cree en el olvido, en la desmemoria, ni pasa del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar de moda. Atento a las voces de la época se ha permitido articular muchas corrientes y creer en un arte sin fronteras". Raquel Tibol. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. Luis Nishizawa. Realismo, expresionismo, abstracción. México.UNAM, 1984. Pág. 18

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,670-$31,580 147

104

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 50 x 70 cm Además de realizar marinas, Gómez Mayorga también realizó imágenes urbanas, en las que destacan torres y cúpulas de iglesias, puentes y riachuelos, callejones, haciendas, mercados y escenas de la vida campirana. Se asume que en algún momento de su carrera viajó a Europa, viviendo en Italia y Francia, ciudades que le dejaron una fuerte influencia clasicista pero con ideas modernas y frescas que se vieron reflejadas a su regreso al país. Entre las características occidentales adoptadas destaca el uso de la luz, las gamas cromáticas y el uso de una pincelada suelta que él modificó para crear impresiones atmosféricas. Fueron pocas las obras que realizó sobre lo urbano y lo cotidiano, a comparación de las marinas, sin embargo por ello son celosamente conservadas pues estas imágenes muestran una singular etapa del artista, que sin duda deja ver el maravilloso tratamiento de los valores estéticos tanto europeos como mexicanos. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 53-61.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 148

105

JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935)

Paisaje y montañas, el Ajusco Firmado Óleo sobre cartón 8.7 x 13.7 cm Con ensayo con opinión de autenticidad de la Mtra. María Amparo Clausell. Fue un hombre inquieto con un carácter rebelde y problemático, tanto que fue expulsado de su estado natal por el propio gobernador por causar disturbios políticos; así llegó a la Ciudad de México, donde comenzó sus estudios para ser abogado, no obstante parte de su tiempo lo dedicó a realizar caricaturas políticas para los periódicos "El Universal", "El Monitor Republicano", "Diario el Hogar" y "El Demócrata", para el cual escribió un artículo periodístico que estuvo cerca de mandarlo a la cárcel, pero huyó antes del juicio, viajando a Nueva York y luego a París. Estando en la ciudad de las luces, visitó exposiciones de arte, topándose con el estilo impresionista y las obras de Monet, Renoir y los paisajes de Courbet, de quienes aprendió la técnica "plein air", que le permitió captar la luz y mezclar tonalidades en un mismo paisaje. En 1896 regresó a México y por insistencia de sus amigos Gerardo Murillo "Dr. Atl" y Diego Rivera, fue que decidió dedicarse a la pintura y abandonar la abogacía. Con el tiempo comenzó a participar en exposiciones colectivas y trabajar temas provenientes de la naturaleza, es decir: valles, montañas, bosques, praderas, costas, cascadas, acantilados y marinas. En 1921, logró mostrar su obra en Nueva York, recibiendo grandes elogios por parte de la crítica. Más adelante fue miembro y fundador del Círculo Artístico de México, además de abogado defensor de los pocos afortunados. A pesar de que no fue un impresionista ortodoxo, retrató la naturaleza mexicana con gran dedicación. Juan O'Gorman se refirió a él como un pintor de grandes dotes impresionistas con obras llenas de precisión y colorido. "Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente a los sentidos del espectador". Xavier Villaurrutia. Fuentes consultadas: TOVAR, Rafael, et ál. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte, 1995, Pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. México. UNAM, 1992, pp. 12-15 y 31-35.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,260-$10,530 149

106

CECIL CRAWFORD O'GORMAN

(Warwickshire, Inglaterra, 1874 - Ciudad de México, 1943)

Xochimilco Firmado Óleo sobre tela 45 x 61 cm Cecil Crawford no fue tan sólo un ingeniero en minas educado Warwickshire y Dublín, fue también un pintor que destacó a su llegada a México en 1895. Desde 1913 radicó en su casa de San Ángel, en donde realizó buena parte de su obra, principalmente retratos, paisajes y escenas bucólicas o naturalezas muertas. En 1915, expuso por primera vez en su propia casa, muestra que repitió en varias ocasiones hasta 1934. En 1919, varias obras de su autoría se expusieron en una muestra itinerante en los Estados Unidos. Cecil siempre fue mucho más inglés que mexicano y riguroso en su profesión como en su pintura, sentir que le heredó a su hijo, el famoso muralista y arquitecto Juan O'Gorman. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 418 y VALLARINO, Roberto et ál. 100 años Juan O'Gorman. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 24.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 150

107

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 80.5 x 120 cm

"Las sensaciones transmitidas por los paisajes de Mayorga se deben a su conocimiento grafológico, su amor por la naturaleza y su aprendizaje en la cumbre de las vanguardias artísticas de la época". Hugo Covantes. $320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,840-$21,050 151

108

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

El sol en las olas Firmado Óleo sobre tela 85 x 170 cm Publicado en: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, Pág. 115. $400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,050-$26,320

152

Guillermo Gómez Mayorga fue un destacado pintor de paisaje, en especial del mar, el cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

153

109

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Valle de México con volcanes Firmado Óleo sobre tela 80 x 120 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2016. Presenta detalles de conservación. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470 154

110

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Sin título Firmado y fechado 73 Acrílico sobre tela 58.5 x 119.5 cm Con documento del artista. Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2017. Raymundo Martínez es un paisajista inclinado a pintar los volcanes y los valles de México. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajes del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística.

"Raymundo, que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia". Ernesto de la Peña. $130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,840-$10,530 155

111

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Volcán de colima, 2017 Firmado Óleo sobre tela 125 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es un destacado pintor michoacano, considerado uno de los más talentosos de su generación y cuyo trabajo es bien conocido entre los especialistas del arte mexicano. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, también se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente, su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo. "Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica". Ernesto Guzmán, 1971. Fuentes consultadas: MONSIVÁIS, Carlos. "Testigos Ausentes. Rodrigo Pimentel". México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995 y sitio oficial del artista www.rodrigopimentel.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,420-$11,580 156

112

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - )

Barranca de Alcalican y el Popocatépetl Firmado y fechado 2017 al frente y al reverso Óleo sobre lino 100 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo mención honorífica por su tesis "Volcanes de México, una experiencia al aire libre". Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha llevado a cabo tres residencias artísticas: en el Centre d'Art i Natura de Farrera en España, en The Vermont Studio Center en Johnson, Vermont, E.E. U.U. y en Montserrat College of Art, con el maestro George Nick, en Beverly, Massachusetts, E.E. U.U. También ha desarrollado proyectos de paisaje in situ con el apoyo de diversas instituciones y el gobierno de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la Embajada de México en Tokio. Su obra se encuentra en importantes colecciones de México, Estados Unidos, Italia, Finlandia y España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 157

113

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - )

El Iztaccíhuatl desde al Altzomomi Firmado y fechado 2000 al frente y al reverso Óleo sobre lino sobre madera 42 x 127 cm Procedencia: perteneció a la colección de Luis Nishizawa.

"Decir volcanes es decir cumbres y alturas, para el pintor esto significa la posibilidad de fundir en la imagen lo apacible de las vistas lejanas y amplias, junto a la naturaleza ígnea y desgarrada de la montaña, creo que entre otras cosas, estas son las esencias sustanciales que maravillosamente se integran en la obra de este pintor. Lo demás es evidente: su júbilo por el andar, su gran calidad de esfuerzo desplegado hacen de él un pintor de futuro brillante y a nosotros, los afortunados espectadores de su obra". Aureliano Sánchez Tejeda. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,260

158

114

WUERO RAMOS

(Ciudad de México, 1979 - )

Cementerio en el olvido Firmado y fechado 2011 al reverso Óleo sobre tela 90 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje de la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 11 y 94, catalogado 44. Incluye un ejemplar. Miguel Ángel "Wuero" Ramos cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP y la Maestría en Pintura en la Academia de San Carlos. Su participación en bienales y certámenes ha sido extensa, sobresalen su selección en la Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera, la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce y en la Bienal de Pintura Pedro Coronel. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. "Nunca he pretendido ser un innovador en el campo del paisaje, pero creo que la novedad de mi trabajo se da en mi aproximación a las transformaciones y cambios constantes de las atmósferas, el ambiente que se siente en el paisaje mismo, las sensaciones del tiempo en que tiene lugar, en la apariencia de la luz. Esto me permite tener una manera muy particular de interpretar y plasmar lo que veo. Para lograrlo he tenido que estudiar permanentemente a importantes pintores de paisaje como José María Velasco, Eugenio Landesio, Dr. Atl, William Turner y John Constable. […] Más que buscar la belleza en los espacios urbanos, he tenido la fortuna de encontrarme con ella y sucumbir ante sus extrañas revelaciones. Después he querido compartir mi gozo ante tal hallazgo mediante mi pintura con la conciencia de que algunos de estos sitios son repudiados o van quedando en el abandono. A pesar de abordar en la mayoría de mis pinturas temas y ambientes que aluden a la desolación, a la fragilidad y hasta la muerte, siempre he tratado de dejar 'una luz tenue' que se muestre como la esperanza de una vida impávida ante este mundo descarnado, una luz que nos recuerde que sobre la muerte alguna vez reinó la vida". Wuero Ramos. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 36 y 39.

$60,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,160-$3,680 159

115

ERNESTO ESTÉVEZ GARCÍA (La Habana, Cuba, 1967 - )

De mañana en la Rivera Firmado y fechado 2015 al frente y al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Desde niño, acompañaba a su padre a los Estudios Fílmicos de las Fuerzas Armadas Revolucionarias, pues era fotógrafo, siendo este su primer acercamiento artístico. Llegó a cursar varias clases de fotografía con fines de investigación científica, no obstante cuando salía con sus compañeros de excursión por pura aventura, fue lo que realmente lo inspiró al final a hacer algunos cambios en sus ideales de vida. Así, cada vez que salía fotografiaba todo, encontrando en aquellas imágenes un trabajo serio. En 1990, ya siendo un fotógrafo profesional, decidió incursionar en la pintura, con la cual ha podido expresar y modificar los elementos, así como quitar y añadir elementos. Él mismo menciona que: "A través de la pintura, no sólo podía contemplar la naturaleza sino revelarla, darla a conocer desde su perspectiva y visión, con el deseo que el espectador pudiera experimentar, también las mismas emociones que él sentía cuando estaba parado frente a un paisaje, era algo que no lograba con la fotografía. Con la pintura tuvo la oportunidad de modificar, de hacer más énfasis en los elementos, manipulando las luces, las brumas y los colores, dándole dramatismo o alegría, según quería". Ernesto Estévez García.

Fuentes consultadas: GRANT, María. "Ernesto Estévez. Lo divino tras la neblina". Cuba. Opus Habana, 28 de Marzo de 2011 y sitio del EcuRed Cuba www.ecured.cu

$390,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,670-$26,320 160

116

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Las aguas al pie de la sierra Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico sobre tela 110 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2017. Carlos Ríos estudió Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico José Antonio Echeverría (ISJAE) en La Habana. Emigró a México en 1994. Ha participado en numerosas ferias de arte en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Actualmente radica y trabaja en Cuernavaca, Morelos.

"Heredero de una tradición paisajista cubana, Carlos Ríos ha demostrado ser uno de los grandes exponentes de la pintura de su generación. Con una minuciosidad técnica nos presenta una reflexión existencialista frente a la naturaleza y sus múltiples acercamientos; desde la contemplación meditativa hasta el temor sublimado. "Siguiendo una distinción clásica, tres son los objetos principales de la reflexión filosófica: el mundo, el hombre, y Dios; pero en la obra de Carlos además encontramos una filosofía de la naturaleza como reflexión que nos acerca al mundo. Su pintura nos invita a adentrarnos a espacios condicionados por una libertad salvaje natural inusitada, en la que sin embargo se presiente la ausencia. "Sus paisajes nos recuerdan la perfección, siempre cambiante en sobrevivencia, de los santuarios entramados de vida y libertad, que poco a poco están siendo destruidos por los hombres. De la auténtica fidelidad de visión naturalista, estos son transformados en imaginarios, en ficciones llenas de belleza y salvación que trascienden todo lo posiblemente humano. En propias palabras de Carlos: 'es el lugar en el que somos uno con el todo, y donde en la más holística de las contemplaciones el alma humana superando lo bello se sublima'". Viridiana Gutiérrez Tejeda. Fuente consultada: GUTIÉRREZ TEJEDA, Viridiana. Texto curatorial para la exposición "Imaginarios" presentada en el Centro Cultural El Nigromante, 2017.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 161

117

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017)

Popocatépetl desde Ayapango, ca. 1995 Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 13, catalogado 18. Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura. A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces recorrió la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas quedaron plasmados en sus lienzos. En su madurez como artista, siempre trabajó tras la perfección en su técnica y acompañado de su eterna obsesión por la luz. "Su obra se hermana con la de Velasco y con la del Dr. Atl por su amor por la pintura de paisaje a la cual los tres consagraron sus vidas; sobre todo por su amor por los volcanes, a cuya interpretación ofrendaron lo más claro de sus desvelos, obteniendo en premio el acceso a la verdad, durante los largos recorridos que debieron emprender hacia su cabal identificación, de la cual surgió esplendente su final enamoramiento. Velasco, Atl y Almela cayeron presos de la fascinación del volcán y en sus llamas y fumarolas se acabaron consumiendo". Luis Ortíz Macedo. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 4 y ORTÍZ MACEDO, Luis. Mario Almela. Luz y sol. México. La Cartuja, 1997, Pág. 47.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,320-$7,900 162

118

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado y fechado 64 Óleo sobre tela 23.5 x 34 cm Roberto Montenegro fue hijo del coronel Ignacio Montenegro y doña María Nervo, tía de Amado Nervo. Estudió en la Academia de San Carlos, fue amigo de Diego Rivera y José Juan Tablada, quien lo introdujo en el arte japonés. Viajero inalcansable hasta sus últimos días, Montenegro pasó la mayor parte de su juventud en Francia, donde consiguió la experiencia vanguardista, no obstante, mucho también le debe a su tierra natal, no sólo por nacionalidad y tradición sino porque en México desarrolló todo su arte. Fue así, que cuando se mostró su exquisito toque para las obras cargadas de imaginación, cuando el surrealismo empezó a desarrollarse en México, a él no le resultó un cambio abrumador o problema, al contrario, lo manejó con gran maestría destacándose sobre otros artistas. En la década de los 60, Montenegro siguió ejerciendo un poco de todo en lo que destacó, continuó como muralista, pintor de caballete, diseñador de vestuarios, escenografías teatrales y cinematográficas. Además de todo lo anterior, fue un gran difusor del arte y la cultura mexicana en el extranjero, ideales que lo llevaron a recibir el Premio Nacional de Artes y ser director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes.

Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 20-26.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,900-$3,680 163

119

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Los comediantes Firmado y fechado 65 al frente. Firmado y fechado 1965 al reverso. Óleo sobre tela 85 x 119.5 cm Antonio Rodríguez Luna fue uno de los pintores que poseía una de las más claras y definidas conciencias de su arte: de lo que su arte suponía como propósito, como responsabilidad, como medio de comunicación entre el artista y el hombre. Su obra oscila entre tres de los más fundamentales "ismos" del primer tercio del siglo: surrealismo, expresionismo y realismo. Todo ello, sucedía en su trabajo de una manera natural, sin sobresaltos y completamente de acuerdo con los objetivos artísticos e ideológicos por los que atravesó. Para Rodríguez Luna, la pintura fue una forma de conocimiento: de estudio del mundo, de sus fenómenos, de sus apariencias, de sus realidades. Una forma de conocimiento poético, es decir, un instrumento para someter a un supremo orden metafórico lo que sus ojos contemplan y su imaginación recrea. No se limitaba, trataba siempre de hacer un análisis apasionado de las expresiones provenientes de los sentimientos, siempre dentro del más exigente rigor estético, por implícita inferencia, eran sus propios horizontes. Fuente consultada: REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1971, Pág. 14.

$130,000.00-$280,000.00 M.N. USD $6,840-$14,740 164

120

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 65 x 53 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Bardasado fue un extraordinario pintor y cartelista español que cultivó su obra de temas costumbristas en dos continentes. Habiendo formalizado sus estudios como pintor en París, Londres y La Haya, se convirtió en director de la revista "No Veas" y creador de ilustraciones con fines propagandísticos durante la Guerra Civil Española. En 1939, casi al término de la guerra, decidió exiliarse a México junto con otros refugiados europeos, donde se identificó con las ideas de los muralistas, sin embargo optó por un camino propio. Fue así que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de encargos oficiales, retratos, paisajes e ilustraciones para libros y calendarios de Galas. En esta obra se puede apreciar la devoción que el madrileño tenía por los usos y costumbres de la sociedad, con personajes pertenecientes a la vida moderna urbana pero con un estilo clásico europeo digno de su formación. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Tomo I, Pág. 106 y sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530 165

121

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Rosas Firmado y fechado 65 al frente. Firmado y fechado 1965 al reverso Óleo sobre tela 102 x 76.5 cm Con etiqueta de Galerias Iturbide La luz y el espacio fueron los valores existentes en los cuadros de Rodríguez Luna, en parte se deben al manejo apropiado del material que utilizó hasta la última de sus posibilidades plásticas. En cada tela es posible percibir el sentido espacial que hay en las estructuras que mantienen los ricos empastes, mismos que dan lugar a volúmenes de sugerentes profundidades pictóricas. 166

"Intento hacer una pintura llena de esa profunda e íntima animación de la rica y sorprendente inquietud de lo que vive. Una pintura dentro de un tono mesurado, en que aquellos elementos que valoran un cuadro —materia, composición, dibujo y color— estén lo más disimulados posible. Humildemente pretendo hacer, en cierta medida, con los medios más parcos y con un oficio cuya pureza se ha de conquistar día a día, una pintura que pueda decir algo de las largas horas de angustia del hombre y del misterio y la gracia de las cosas". Antonio Rodríguez Luna. Fuentes consultadas: ALIX, Josefina. Rodríguez Luna. México. Grupo Financiero BITAL, 1995, Pág. 74 y REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1971, Pág. 14.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470

122

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Pastel XXI Firmado y fechado 24-VIII-2015 al reverso Óleo sobre tela 40 x 30 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017.

"Como maestro, Juan Carlos del Valle sigue un método socrático en el que quiere que sus espectadores encuentren sus pinturas y descubran la verdad sobre la tentación. No predica al estilo convencional, sino que pinta en silencio y espera a que la gente encuentre su obra de arte […] El artista cuestiona al espectador al tiempo que, antagónicamente, destruye nuestro entendimiento de lo que es la comida y lo que en realidad significa […] Nadie que comprenda verdaderamente las imágenes del artista Juan Carlos del Valle volverá a comer igual. Cada bocado está repleto de nuevos significados potenciales para el espectador [...] En parte es profeta, en parte teólogo y en parte reformador político y social. Juan Carlos del Valle es un revolucionario mexicano que guarda silencio, pero que clama por la reforma moral y social del mundo por medio de sus pinturas". Luis-Martín Lozano. Fuente consultada: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, pp. 101-103.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 167

123

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979)

Bodegón con patos Firmado Óleo sobre tela 99.5 x 74 cm Estudió en la Academia de San Fernando en Madrid y en la Academia de Bellas Artes de París. Fue un pintor perteneciente a la Asociación Libre de Artistas, conocido como Grupo ALA, formado en España en 1931 como una asociación que aspiraba a modernizar los ambientes artísticos y literarios españoles. 168

Durante el marco del estallido de la Guerra Civil Española, se exilió junto con muchos otros pintores e intelectuales, llegando entonces primero a Nueva York y luego a México en 1944. Al poco tiempo de haberse establecido en nuestro país, logró exponer en Monterrey Nuevo León en diversas ocasiones, incluso durante su estancia colaboró en varios proyectos artísticos y estableció un taller donde impartió clases de pintura a artistas regios. Actualmente el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga resguarda uno de los acervos más amplios de la obra de Mingorance. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 142 y sitio oficial del Museo Municipal de Málaga museodelpatrimoniomunicipal.malaga.eu

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530

124

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Jamón ibérico Firmado y fechado al reverso 20 - XI - 2007 Óleo sobre tela 100 x 40 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Publicado en: LOZANO, Luis-Martín, et ál. Juan Carlos del Valle. Pintura y dibujo. México. Aldama Fine Art, Cat. 8, Pág. 37. Exhibido en: "Juan Carlos del Valle. Pintura y dibujo", exposición individual presentada en Aldama Fine Art, Ciudad de México, del 14 de mayo al 28 de junio del 2008.

"Con la pintura de Juan Carlos del Valle no hay que dejarse engañar por lo que yo llamaría ‘un festín de lo visual’, es decir, un embeleso por la perfección aparente de los objetos que pinta y dibuja. En todo caso, esta sería la menor de sus virtudes, ya que advierto en sus composiciones de ‘formas muertas y formas vivas’ –otra manera de llamar a las naturalezas muertas–, un sentido edificante, de sumo enaltecedor para el arte de la pintura, ya que revela una firme posición ética sobre su oficio. Es una postura que está muy por encima de las cualidades matéricas con la que concibe sus asuntos y con la que el pintor aspira a capturar la representación de lo intangible; logrando que la técnica no sólo sea un artificio del buen pintar, sino la manifestación de una idea sobre el manejo del tiempo, con el cual busca resolver la incompatibilidad de lo eterno, con el obligado sentir de lo actual". Luis-Martín Lozano, 2008. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín, et ál. Juan Carlos del Valle. Pintura y dibujo. México. Aldama Fine Art, pp. 16-17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 169

125

JUAN O'GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Naturaleza muerta Firmado Óleo sobre tela 50 x 40 cm Publicado en: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 202. Con etiqueta del Museo de Historia Mexicana de Monterrey. Presenta ligeras craqueladuras. O'Gorman provenía de una familia acomodada, más no de grandes recursos. Había recibido una educación refinada y un cuidado especial de su padre, ingeniero de minas y pintor aficionado, autor de bellos cuadros que sobresalen por su técnica excelente y su dominio del oficio. Su profesión lo llevó al estudio de la química y a la aplicación de sus conocimientos a su obra personal, lecciones que transmitió a Juan, su hijo mayor, cuando dio muestras de su enorme talento pictórico. Aunque realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, Juan O'Gorman-pintor desarrolló una copiosa producción plástica; hablaba de Diego Rivera y Antonio Ruiz como los maestros que lo iniciaron en el oficio de pintor. Es fácil comprender la influencia que ejerció Diego Rivera en un joven de temperamento rebelde y apasionado; seguramente el círculo de artistas y bohemios de Rivera y Kahlo le permitieron entrar en un ámbito donde se definieron ciertos cabos sueltos de su identidad, contagiado por el entusiasmo y el gusto por el arte popular y el ambiente de la casa azul de Coyoacán.

Fuente consultada: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 84 y 203.

$550,000.00-$650,000.00 M.N. USD $28,950-$34,210

170

171

126

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 80 x 70 cm

$120,000.00-$220,000.00 M.N. USD $6,320-$11,580 172

127

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Monja coronada Firmado Óleo sobre tela 79.2 x 54 cm El desarrollo estético del pintor Benjamín Domínguez constituye uno de los ejemplos de evolución y búsqueda más atractivos dentro del contexto de la plástica mexicana de las recientes tres décadas. Este reconocido artista de los claroscuros y las tonalidades de las texturas y los ropajes, de un colorido que por su exuberancia mucho contrasta con la enceguecedora luminosidad de su desértica ciudad Jiménez donde por primera vez vio la luz. Domínguez fue un pintor de la ensoñación y de la vigilia, de una permanente transmutación de contenidos e imágenes de estas dos inagotables fuentes de la inspiración, de un cargado mundo de mitos y de símbolos en principio asociados sobre todo a la ritualidad y la transgresión a la santidad y a la condena del ser y del existir; tanto las atmósferas, como los personajes de este sublime poeta del pincel estuvieron asociados a la perseverante necesidad de su creador. Fuente consultada: SAAVEDRA, Mario. "El universo plástico de Benjamín Domínguez". México. UAM, revista Casa del Tiempo, No. 74-75, diciembre del 2013-enero del 2014.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 173

128

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Flores de Elena Firmado y fechado 2015 Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Las pinturas de flores de Carmen Parra son un festín de color, una gama compleja de cálidos y fríos, de curvas y líneas, de transparencias y sólidos. Sus floreros tienen una esencia única, juegan a esconderse con el fondo y a confundirse con el dibujo del tapiz o el de los muros. Un mimetismo que quiere ser descubierto. Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 6.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,840-$9,470 174

129

FEDERICO CANTÚ

(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989)

Sin título Firmado y fechado 58 Óleo sobre tela 70 x 44 cm Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad y apoyo en la catalogación de esta obra, octubre del 2017. En 1922 ingresó a la Escuela de Pintura al Aire Libre que dirigía Alfredo Ramos Martínez. De 1924 a 1934, viajó a Europa y Estados Unidos. En París estudió en el taller del escultor José de Creeft, expuso por primera vez en el Exposition Park Museum de Los Ángeles y vivió en Nueva York en donde participó en diversas exposiciones colectivas. Fue representante de la tendencia neoclásica, incorporó en sus obras de temas religiosos a la gente y paisajes del México de su tiempo. En 1946 se publicó la primera monografía de su obra, en 1949 realizó su último viaje a Estados Unidos, país donde siempre tuvo una carrera exitosa, a partir de 1951 dedicó la mayor parte de su tiempo a la realización de murales y en 1960 inició la producción de sus relieves y esculturas emblemáticas del IMSS. En 1986 se presentó la exposición homenaje "Federico Cantú. Ciclos y reencuentros" en el Palacio de Bellas Artes. La mayoría de los pintores mexicanos han dedicado parte de su labor creativa a la pintura por encargo, ahí el retrato tiene un valor preponderante y este retrato evocando a Flora o Ceres, la diosa de la agricultura, las cosechas y la fecundidad, no es la excepción. El tema mitológico traído a la mexicanidad por Cantú es una constante. A partir de este motivo, más tarde realizaría la icónica placa de grabado titulada "Ceres". Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 202.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,680-$5,260 175

130

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Ángel Firmada Anilina sobre papel de china 74 x 49 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, julio del 2017. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. José de Jesús Benjamín Buenaventura de los Reyes y Ferreira, mejor conocido como Chucho Reyes fue un destacado pintor y anticuario mexicano cuya obra es conocida por el uso de materiales de la cultura popular mexicana. Fue un joven inquieto que se convirtió en el maestro del color, llamando la atención de artistas internacionales como Marc Chagall y Pablo Picasso; además, se convirtió en el inseparable asesor de Luis Barragán, quien no pintaba un muro sin antes consultarlo. 176

Su obra recibió una importante influencia de José Guadalupe Posada, José Clemente Orozco, y a su vez nutrió la estética de Mathias Goeritz y Luis Barragán. Fue reconocido en México y Europa como gran artista de su época y Carlos Monsiváis definió su obra como "un canto de la felicidad". En 1927, llegó a la Ciudad de México y empezó a comercializar sus antigüedades; pronto, impulsado por sus amigos empezó a pintar, pero fue hasta los 58 años cuando hizo su primera exposición de pintura, motivado por Luis Barragán, Mathias Goeritz y Juan Soriano. En 1942 expuso en Nueva York y tres años después en Londres. Posteriormente, le siguieron exposiciones de gran valor en México, como la que realizó en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, donde exhibió de manera individual. Actualmente, es conocido por la crítica como el "Chagall mexicano" y su trabajo es considerado además de una obra de arte una magnífica fuente de inspiración plástica. Fuente consultada: TALAVERA, Juan Carlos. "Chucho Reyes, rescatan legado". México. Excelsiór, sección Expresiones, 27 de julio del 2014.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210

131

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Arcángel, 1945 Firmado Temple sobre papel de China 73.2 x 46.7 cm Procedencia: colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Exhibido en: "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. Presenta ligeros detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Chucho Reyes se inició en la pintura de manera autodidacta y creo su propio estilo, no obstante nunca dejo de lado los movimientos vanguardistas. Utilizaba materiales delicados,

como el papel china y dedicaba horas enteras en preparar sus tintas. En cada obra plasmaba lo que guardaba en su interior, otorgando a cada uno de sus personajes un dinamismo y espontanea libertad, influencia de los componentes fovistas de Rouault y Matisse. Combinó su amor por el arte como un asiduo coleccionista, siendo un gran conocedor del arte mexicano y europeo. "Chucho reyes supo transmitir a varias generaciones de pintores, escultores y arquitectos, sus nociones estéticas sobre la importancia histórica de la cultura mexicana. A través de sus pinturas, libres y espontaneas, conformo un universo artístico que desconocía fronteras". Margarita Reyes Irigoyén.

Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et ál. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, Pág. 9.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210 177

132

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Astro errante Firmado y fechado 96 Óleo sobre tela 150 x 110 cm Con leyenda al reverso "Santa Prisca Taxco". Presenta ligeros detalles de conservación. Su padre era el reconocido arquitecto Manuel Parra, quien con frecuencia compartía con ella sus actividades. Gracias a él conoció a Diego Rivera, Juan O'Gorman, el "Indio" Fernández y Chucho Reyes entre otros importantes intelectuales de la época. Fue la gran pasión de su padre por el arte colonial lo que la llevó a visitar frecuentemente conventos e iglesias, mismos que se convertirían en fuente de inspiración para su producción artística. Carmen siempre había pintado, pero consideraba que esa era una actividad solitaria y triste, por lo que nunca la tomó muy en serio. Un amigo de su familia que le había comprado un cuadro cuando tenía 11 años fue quien le sugirió dedicarse al arte estando ella de viaje por Europa; tomó su consejo e ingresó a la Academia de Bellas Artes en Roma. A veces visitaba a Juan Soriano, quien era algo así como su tutor. A su regreso a México se inscribió en La Esmeralda. Estuvo casada con Alberto Gironella en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones; cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen le propuso presentarla en el Museo de Arte Moderno y su exposición tuvo mucho éxito. Esta obra está basada en un fragmento de uno de los retablos en el que se representa al Arcángel Miguel en su papel de psicopompo, ubicado en el templo de Santa Prisca de Taxco.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre de 1996, año 2, No. 23, pp. 14-21.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,840-$9,470 178

133

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Virgen de Guadalupe Firmado Óleo y hoja de oro sobre tela 182 x 132 cm El marco es parte de la obra. Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. A partir de 1982, hubo un cambio en su producción, comenzó a tratar temas decididamente "mexicanos" con un sentido tan antropológico como reivindicativo: la migración de la mariposa monarca, la angelología en la pintura barroca mexicana, los hallazgos del Templo Mayor, la riqueza artística de la Catedral de México, el águila real, entre otros. El estilo pictórico que identifica a Carmen Parra es una afortunada síntesis entre la tradición barroca novohispana y la modernidad pictórica. Fuente consultada: RICO, Pablo J. Los Parra-Gironella un collage familiar. México. CONACULTA, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, 2013, Pág. 326.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 179

134

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Enamorada Firmado Óleo sobre tela 149 x 130 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Jesús Helguera es conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México, cuya obra nació del romanticismo, la fantasía, el erotismo y el folclore nacional. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura de historia estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración. Al estallar la Guerra Civil Española, Helguera regresó a México en 1938, donde recorrió gran parte del territorio nacional y conoció las costumbres y tradiciones mexicanas. Encontró rápidamente un trabajó en la revista "Sucesos para todos", posteriormente, trabajó exclusivamente y hasta su muerte con la compañía cigarrera La Moderna y, entre 1954 y 1970, trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México; con ellos sus imágenes se convirtieron tan populares que no había hogar, taller, despacho, restaurante o ferretería que no tuviese en su pared un calendario diseñado por el chihuahuense. La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas. En ocasiones trabajó con modelos naturales, no obstante también llegó a apoyarse en la fotografía, con las cuales el maestro Helguera idealizó a los personajes de acuerdo a su propio gusto y formación académica hasta lograr una escena que a pesar de ser kitsch, representa una sublime historia de unos de los géneros tradicionales de la cultura popular mexicana. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 138, ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$700,000.00-$800,000.00 M.N. USD $36,840-$42,110

180

181

135

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Desnudo de mujer Firmado y fechado 1959 Carboncillo sobre papel 100 x 69.7 cm Agradecemos a Marina y Pablo Anguiano por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2017. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,210-$6,320 182

136

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

María José Firmado y fechado 75 al frente y al reverso Óleo sobre tela 135.4 x 100 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. El género del retrato fue para Raúl Anguiano el trabajo más prolífico y por el cual es considerado de los mejores. A lo largo de su carrera, distinguió estos trabajos por su habilidad con el dibujo, pues trabajaba con sencillez los elementos de las composiciones, trazando sabiamente las líneas hasta crear una copia fiel de la fisonomía de la modelo. La característica de sus retratos radica en que sus interpretaciones, en especial las femeninas, se convierten en homenajes, incursionando hacia un ideal de mujer, fuerte independiente y sensual.

En una entrevista sobre el futuro de obra y el afán por los retratos, Raúl Anguiano respondió: "Después de siete décadas de trabajo, mi obra ha pasado por varios periodos, podríamos decir: ingenuo, figurativo, sólido y riguroso con influencias de los tres grandes, producción con sentido social y crítica durante la época del Taller de la Gráfica Popular, periodo surrealista basado en sueño y en mi imaginación, vuelta al clasicismo con temas de la realidad y centenares de retratos […] Es muy difícil prever el futuro desarrollo de mi obra porque el artista reacciona ante la realidad inmediata, pero creo que basado en el rigor clásico del dibujo, continuaré desarrollando un estilo figurativo".

Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 18.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,790-$21,050 183

137

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Sin título Firmada y fechada 98 Acuarela sobre papel 45 x 60 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2017. En 1934 inició sus estudios profesionales en la Escuela de Pintura y Artes Plásticas de Mérida, Yucatán; en un principio centró su aprendizaje en las técnicas de estampa como la xilografía y la litografía. En 1941 fundó la Escuela Libre de Artes Plásticas en la misma ciudad y en 1943 viajó a la Ciudad de México, donde radicó hasta 1973. En 1963, comisionado por el INBA, viajó a España, Italia, Francia, Inglaterra, Holanda y Bélgica. La producción de Castro Pacheco puede entenderse como una evolución en la que no hay que pensar en un progreso, sino en un sentido de cambio en el que la síntesis sustituye a lo anterior. Lo puro niega una y otra vez las formas experimentales que parecen concluidas en cada cuadro que realizó. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Fernando Castro Pacheco. Color e Imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 140, 143 y 235.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 184

138

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Sin título Firmado y fechado 77 Óleo sobre tela 56 x 80 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2017.

"Castro Pacheco consagró todas las horas de su vida al arte; fue el fin absoluto de su vida que transcurrió entre su significativa labor docente y su personal trabajo creativo. Fue un artista caracterizado por su extrema sensibilidad, por sus cinco sentidos siempre aflorados y ansiosos para conectarse a la menor motivación plástica. "Podemos señalar su pasión por las formas del cuerpo humano, sobre todo las formas femeninas, esos cuerpos monumentales de sentido escultórico los llevó al lienzo y realizó magistrales dibujos; a veces desnudos, semidesnudos o arropados con la sutil elegancia de los vestidos regionales, y la mayor parte de su obra, o prácticamente toda, está imbuida con una leve insinuación de sensualidad". María Luisa Novelo. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 185

139

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Sin título Firmado y fechado 93 Pastel sobre papel 67.5 x 49 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680 186

140

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Eva, muchacha con sombrero rosa Firmado y fechado 95 Óleo sobre tela 144 x 84 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. Publicado en: FERNÁNDEZ FASSNACHT, Enrique et ál. Raúl Anguiano, viaje onírico de una vida. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 39, catalogado 17. Exhibido en: "Raúl Anguiano, viaje onírico de una vida", exposición-homenaje por el centenario del nacimiento del artista presentada en el Centro Cultural Jaime Torres Bodet del IPN, de noviembre a diciembre del 2015. $350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $18,420-$26,320 187

141

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin título Firmado Pastel y carboncillo sobre cartón 76 x 58 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2016. Presenta un doblez. Ha presentado un gran número de exposiciones individuales en galerías e importantes museos en países como Brasil, Italia, Bélgica y Estados Unidos; en México ha exhibido en el museo del Palacio Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno. Sobre su obra han escrito críticos de arte, escritores y periodistas de reconocido prestigio. Asimismo ha recibido importantes condecoraciones y reconocimientos por su labor creativa a nivel internacional. En 1990 se creó el Museo Rafael Coronel que se encuentra en la capital de Zacatecas, su ciudad natal. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470

188

142

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin título Firmado Óleo sobre tela 58.5 x 78.5 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Procedencia: adquirida en Galería de Arte Mexicano. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2015. Un día de 1954, Rafael Coronel, dando brincos de cuatro en cuatro escalones, sin tomar aliento, subió hasta la oficina de Inés Amor, dueña de la Galería Arte Mexicano y sin anunciarse le espetó: "Doña Inés, usted tiene que ayudarme". Ella le preguntó cuál era su oficio: "Pos pintor, soy muy bueno, necesito salirme de mi casa y pintar, pero requiero de cuatrocientos pesos al mes", le respondió. Más de cincuenta años después, el zacatecano es reconocido como uno de los artistas más importantes de México y el mundo. Inés Amor fue la primera en confiar en el talento de Coronel; en sus memorias, publicadas en 1979, lo describió como un joven impetuoso que aseguraba ser el mejor en lo que hacía, capaz de crear al menos 15 cuadros en el mismo número de días.

"Pinta como desaforado, desde las once de la mañana, casi sin darse tiempo para comer y quedándose en vela muchas noches, hasta las cuatro de la madrugada. Dibuja mucho a la vez, la mayoría hermosísimo", escribió Amor. Fuente consultada: "Rafael Coronel, un pintor mexicano del siglo XIX". México. Noticias en Tiempo Real Zacatecas, 27 de septiembre del 2010.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,420-$11,580 189

143

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Capullo Firmado y fechado 71 Óleo sobre tela 100 x 80cm Publicado en: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 133 y en SAAVEDRA, Manola. Corzas. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, PEMEX, 1987, Pág. 59, catalogado 48. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, oficina de registro de obra. Presenta pequeña restauración y ligeras craqueladuras. Estudió en La Esmeralda, sus maestros fueron Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Manuel Rodríguez Lozano, además de María Izquierdo y Juan Soriano. En 1956 viajó a Europa y se instaló en Roma durante tres años; allí asimiló los cursos de la técnica de pintura al fresco en la Academia de San Giacomo y de desnudo en la de Bellas Artes. Esta etapa formativa en Roma, donde se nutrió de los fundamentos de la cultura occidental, fue decisiva en la formulación de los principios plásticos que comenzaría a desarrollar poco tiempo después. Su estancia europea le ofreció la oportunidad de acercarse al arte renacentista, manierista, barroco, romántico y vanguardista. En esa misma capital ganó la medalla de plata en el Premio Internacional Vía Margutta en 1958, lo que le permitió darse a conocer a nivel internacional. Realizó una exposición individual en la galería Trentadue en Milán y participó en varias colectivas. Su reconocimiento le mereció en 1973 realizar dos óleos para el Vaticano: "Profeta" y "Plegaria". A su regreso a México en 1962, le fue otorgada la Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana y realizó una exposición en la Galería Misrachi. Obtuvo la beca Des Art del gobierno francés y residió en París un año. A lo largo de su vida Francisco Corzas participó en exposiciones en varias ciudades del mundo, entre las que destacan: Roma, Florencia, Venecia, Belgrado, Praga, Bruselas, Viena, Nueva Delhi, Bombay, Osaka, Nueva York, San Antonio, Los Ángeles, Montreal, Bogotá, Buenos Aires, Río de Janeiro y Santiago de Chile. La trayectoria itinerante de Francisco Corzas es una de las causas por la cual muchas de sus obras se hallan en el extranjero, algunas en museos y otras más pertenecientes a colecciones privadas. "Sobrio y atrevido, fino y sensual, apegándose a la modelo y al mismo tiempo descomponiendo y ajustando formas según intensas sensaciones y las exigencias de cada composición, Corzas reitera el tema del desnudo convirtiéndolo en uno de sus ejercicios preferidos. En muchos da rienda suelta a ensayos de técnica pictórica, recreándolos como manchas de formidable poder sugestivo, como es el caso de la obra 'Capullo' de 1971 y por eso, estas pinturas se cuentan entre las más bellas y espontáneas". Berta Taracena.

Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 30 y "Francisco Corzas: luminoso pero triste". México. Imágenes revista electrónica del Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, www.esteticas.unam.mx/revista_imagenes

$700,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $36,840-$52,630 190

191

144

JUAN O'GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Estudio de detalle para el mural "El crédito transforma a México" (Retrato de Dorothy Fitzpatrick Ellaby), ca. 1964 Firmado Lápiz conté sepia y carboncillo sobre papel 46 x 28 cm Tiene la leyenda autógrafa "Retrato de D.F.E. Banco Internacional". Publicado en: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 122. En 1950, la exposición "Realismo y fantasía en la obra de Juan O'Gorman" presentada en el Palacio de Bellas Artes constituyó una valoración de su obra. En esa ocasión se exhibieron, además de su obra de caballete, numerosos dibujos y anteproyectos. A mediados de la década de los cincuenta tuvo una fuerte crisis existencial derivada, entre otras razones, de la muerte de Frida Kahlo, al perder a su amiga y figura idealizada, Juan sintió que había perdido también su juventud. Tres años después de la muerte de Diego Rivera, en 1960, inició la última etapa de su producción mural. Esta fase se caracterizó por la realización de obras de gran aliento y de dimensiones espectaculares, como "El crédito transforma a México" pintado al fresco en el entonces Banco Internacional en la Ciudad de México. En sus setenta y cinco metros cuadrados encontramos la creación de un amplio espacio pictórico en el que se conjugan los principales géneros de la pintura: paisaje, retrato, figura humana y naturaleza muerta. Incluyó el retrato de su hija Bunny en el extremo derecho de la obra; ella porta una cartela con datos alusivos y a sus espaldas se aprecia la figura triplicada del propio pintor. La tehuana que se encuentra cerca de ellos lleva el rostro de Dorothy Fitzpatrick Ellaby.

Fuente consultada: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 119 y 124.

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,160-$5,260 192

145

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin título Firmada Mixta sobre papel 68 x 98 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017.

"Al pintor le atrae lo fantástico y extraño de los atuendos, no cabe duda. Pero además le seduce dar corporeidad a las telas en que envuelve sus figuras. ¡Cómo se deleita pintando el brillo del satín, los pliegues con sus sombras profundas, con qué fidelidad reproduce esas telas lustrosas y corrientes! Pero sobre todo le interesa la expresión de los rostros y los cuerpos. Y éste es otro de los ingredientes de su realismo: lo psicológico. Estos rostros, cada uno de ellos, muestran, con gran conocimiento del alma humana, una gama de expresiones en que falta una sola cosa: la alegría. Y este estado de ánimo, de desolación se hace evidente asimismo en el lenguaje de sus manos y de sus cuerpos encorvados". Fernando Gamboa. Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Rafael Coronel. El rostro anónimo. Acrílicos recientes. México. INBA, Museo de Arte Moderno, 1979.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 193

146

LUIS SAHAGÚN

(Sahuayo, Michoacán, 1900 - Sahuayo, Michoacán, 1978)

Autorretrato época azul Sin firma Óleo sobre tela 90 x 70 cm Inició sus estudios de dibujo y pintura con el maestro José Vizcarra en Guadalajara y los concluyó en la Academia Libre del Desnudo y en el Círculo de Bellas Artes de Roma. Volvió a México en 1932. En 1939 fundó el Círculo de Bellas Artes y organizó una galería. Enseñó pintura y dibujo durante 30 años.

Sahagún dijo de sí mismo: "En la composición me acerco a los barbizonianos, que la definían como aquello que imaginamos, después de haber tomado lo más posible de las cosas exteriores. La composición, como la forma, es intuitiva en su origen y es parte de nosotros". Fuente consultada: ÁLVAREZ, José Rogelio et ál. Enciclopedia de México. Tomo 12. México. Britannica de México, 1993, pp. 7084 y 7085.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530 194

147

ANTONIO FABRÉS

(Barcelona, 1854 - Roma, 1936)

Retrato del joven Diego Rivera, ca. 1903 Firmado Carbón sobre papel 51 x 39.5 cm Con dedicatoria a Diego Rivera. Procedencia: Colección particular, Ciudad de México. Colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Exhibido en: -"De artesanos y arlequines. Forjando una colección de arte mexicano" muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, de julio del 2005 a enero del 2007. - "Diego Rivera. Palabras ilustres, 1886-1957", muestra presentada en el Museo Estudio Diego Rivera en 2007. - "From Revolution to Renaissance, Mexican Art from the Aaron Collection" muestra presentada en el Mexic-Arte Museum, Austin, Texas, de julio del 2007 a enero del 2008. - "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010" muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, San Antonio, Texas, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. Con etiqueta del Museo Estudio Diego Rivera. Antonio Fabrés inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, conocida como la Escuela de la Lonja, posteriormente a través del apoyo de una pensión estatal se trasladó a Roma en 1875, donde comenzó a experimentar con acuarela bajo la influencia

de Mario Fortuny. Durante su estancia en Italia, logró un gran prestigio publicando sus acuarelas e ilustraciones en revistas y libros. Su carrera despegó aún más cuando en 1902 fue llamado por la Academia de San Carlos de la Ciudad de México para dirigir la cátedra de pintura, donde tuvo como discípulos a Diego Rivera, Saturnino Herrán y José Clemente Orozco. Dos años más tarde fue convocado por la presidencia de la República para ser nombrado Inspector General de Bellas Artes, cargo que ostentó cuatro años, realizando entonces la decoración del Palacio Nacional y la Sala de Armas en la residencia de Los Pinos. En 1908 regresó a Roma, dejando en nuestro país una fuerte influencia del realismo europeo, pues su capacidad de realizar complejas composiciones fue un arma decisiva para el origen de las principales características que conformaría la creación de la llamada Escuela Mexicana y del muralismo. Fue un artista con un amplio conocimiento artístico, cuya obra se dio a conocer en diversos países. Parte de su trabajo se encuentra en el Museo Municipal de Bellas Artes de Barcelona, para el cual donó gran parte de su obra antes de morir; además el Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo del Prado en España, así como museos e instituciones importantes en México, Buenos Aires, Berlín, Roma, Berna y Filadelfia cuentan con obra suya en sus acervos.

Fuente consultada: sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,420-$11,580 195

148

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Poeta romagnolo Firmado y fechado 72 Óleo sobre tela 99.8 x 80 cm Publicado en: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 139. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, oficina de registro de obra. Corzas fue un pintor con una presencia plástica indomable, certero en su visión sobre el fin que persigue la pintura misma: crear un mundo poblado de seres propios. Siempre consciente del valor de las grandes figuras en la historia del arte, lo mismo Rembrandt y Caravaggio, que Goya y José Clemente Orozco. Francisco Corzas fue un artífice que comprendió los profundos cambios estilísticos que introducía su generación a mediados del siglo XX en México. Por todo ello, a pesar de su temprana desaparición y los caminos que emprendió como un ser humano —vulnerable ante el destino—, Corzas está siendo, cada vez más reevaluado como artista, con aprecio y objetividad, por parte de la crítica y los historiadores de arte. Entre 1972 y 1973 exhibió individualmente en el Palacio de Bellas Artes. Esta muestra se tituló "Retrospectiva (1962-1972)". En esa misma época viajó a Europa y realizó dos óleos para el Vaticano: "Profeta" y "Plegaria"; en Roma creó la serie de diez litografías "Los profetas" en el taller de gráfica Caprini, y en Milán elaboró la serie "Umbrío por la pena" en el taller litográfico de Giorgio Upiglio. En esta última ciudad expuso en la Galería Trentadue. En México, la Secretaría de Educación Pública editó el libro "Francisco Corzas" de Berta Taracena. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,320-$31,580 196

149

JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - )

El sol también es redondo Firmada y fechada 2 Nov 94 Escultura en barro 83 x 66 x 51 cm Javier Marín es un reconocido artista plástico mexicano que cuenta con una larga y afamada trayectoria internacional. Su obra gira en torno al ser humano, especialmente enfocado al cuerpo, al cual presenta vulnerable y descompuesto, pero a la vez digno y orgulloso, fortalecido e imponente, con pieles marcadas por la propia existencia de la vida. La forma en que Javier Marín concibe su obra es significativa, con contexto, donde transgrede los materiales para crear obras con estilo personal. Ha realizado proyectos y muestras en espacios públicos, ha expuesto de manera individual en más de noventa ocasiones y ha participado en más de doscientas muestras colectivas en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa. Actualmente, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.

"Javier Marín acepta el reto de darle un vuelco a la lengua muerta de la escultura mediante un lenguaje bien equipado para afrontar todas sus especificidades, subrayando el dinamismo de su relación con el mundo. La escultura de Marín, cuya naturaleza el artista parece proverbialmente querer bloquear u obstaculizar con el peso de la materia, la velocidad de las ideas y el carácter impalpable de la emoción, está inervada por su necesidad de avanzar y actuar en la rica complejidad de sus tiempos. El artista, solo, escala hasta llegar a la construcción de una obra que afronta la relación con la técnica en busca de algo diferente a lo cotidiano, para volver a intentar el uso de los mismos materiales: bronce, mármol, arcilla". Achille Bonito Oliva. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $63,160-$94,740

197

150

ROGER MANTEGANI

(Córdoba, Argentina, 1957 - )

Infamia Firmado y fechado 2004 Óleo sobre tela 110 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2004. Su formación académica fue en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, de allí egresó con el título de Maestro de Artes Plásticas. En 1981 viajó a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela, Estados Unidos, entre otros. Roger Mantegani ha creado una obra que alude a tradiciones pictóricas, pues en su obra es posible captar esa facilidad con que su imaginación se mueve entre los grandes maestros del Renacimiento y los pintores del Barroco Europeo, encontrando sutiles comentarios acerca del siglo XX desde el post-impresionismo hasta la abstracción. "En su imaginería los objetos forman parte de un repertorio visual teatral, conectado íntimamente, con lo onírico. La figura humana es como una brisa de aire que recorre estas emociones dormidas que acaricia directamente lo espiritual para dar paso a lo mundano. Es por todo esto que la realidad es silenciosa y atemporal en el registro de toda su obra". Alfredo Ginocchio. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.mantegani.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 198

151

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Concierto Firmado CR ร leo sobre fibracel 42 x 30 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificaciรณn de autenticidad de esta obra, noviembre del 2017. Con dedicatoria al reverso. $70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,680-$5,260 199

152

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin tĂtulo Firmada Mixta sobre papel 99 x 70 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificaciĂłn de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 200

153

ALEJANDRO COLUNGA

(Guadalajara, Jalisco, 1948 - )

Niño jugando con cochecito Firmada Mixta sobre papel 89 x 59.5 cm Agradecemos al Maestro Alejandro Colunga por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2017. Es un artista plástico jalisciense, dibujante, escultor, pintor, arquitecto, ensamblador, amante de todo tipo de combinaciones, y sobre todo mago, muy diestro en extraer del blanco del papel o de la tela las más extrañas y sorprendentes criaturas y creaciones. Como pintor, Colunga inventa seres totalmente únicos y objetos y símbolos singulares; su obra crea en sí misma un mundo, un universo aparte, con su propia población, colores, leyes y ceremonias, sus emociones tan de la apoteosis instantánea.

"Ese carácter prístino, paradisiaco, de lo nuevo es una perpetua añoranza en la obra de Colunga. Como si cada una de sus telas tuviera que lanzarse a la conquista de nuevos seres, bestias, continentes; a inventarlos en ese viaje interior de pincel y carabela, con un enorme miedo a que se nos haya agotado, son las contemporáneas especias". Verónica Volkow. Fuente consultada: ALBERTO, Eliseo et ál. Colunga. México. GM Editores, Espejo de Obsidiana, 2008, pp. 81 y 112-119.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 201

154

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Sin título Firmada y fechada 98 Acuarela sobre papel 59 x 44 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2017. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 202

155

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Figura tocada por la fragilidad de una nube Firmada Escultura en bronce P / A 86 x 52 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2017.

"Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestra que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora. "Voltean las miradas y esconden la vergüenza, apenas descubierta al otro día del 'mordisco de la manzana'. Elevan la mirada en el olvido de la desesperanza. Descansan los ojos en el recuerdo de la tranquilidad recuperada, después del desorden de la noche anterior. Ensombrece la mirada del fatigado o acrecentar nuestra resignación la mirada del hombre curtido por el tiempo. Conviven personajes es un escena que convoca todos los tiempos. Ahí, pues, estamos todos". Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. "En los lienzos de Carbonell". México, mayo del 2007, www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,160-$15,790

203

156

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Sin título Firmada Acuarela sobre papel 57 x 43 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2017. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 204

157

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, 2014 Firmada Escultura en mármol blanco de Carrara, pieza única 31 x 20 x 18 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2014.

"Si hay una anatomía es porque hay una realidad. Me gusta hablar de la mujer y de lo femenino en general. Sus posiciones le otorgan la calidad de una deidad totémica. Digna de rezos, de adoración, de sacralización. Es un homenaje a lo femenino sin lo sexual. A lo femenino tal cual. A lo femenino en el mundo". Santiago Carbonell. $250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,160-$15,790

205

158

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

a) Cabeza de bañista b) Bañista (mujer en el mar) Firmados al frente y al reverso Óleo, resina, grafito y punta de plata sobre madera 40 x 38 cm cada uno Piezas: 2 Ambos con certificado de autenticidad del artista. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 206

159

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Rostro oculto Firmado y fechado Mex. 01 Acrílico, acuarela, sanguina, pastel, lápices de color y conté sobre papel sobre madera, díptico 111 x 113 cm cada uno 222 x 113 cm medidas totales Piezas: 2 Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Estudió Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y Restauración en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del INAH. A lo largo de su carrera, su labor artística ha sido multifacética, lo que le ha permitido abarcar distintas disciplinas y trabajar con diversos materiales, por lo que su obra plástica ha obtenido múltiples reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional. Actualmente, es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo figurativo en México, participando en más de 200 exposiciones colectivas e individualmente su obra ha sido exhibida en los más importantes galerías y museos de Francia, España, Portugal, Turquía, Alemania, Bélgica, Hungría, Rumania, Costa Rica, Panamá, El Salvador, Guatemala, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra, Rusia, Bélgica, China, Dinamarca, Singapur e Indonesia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,790-$26,320

207

160

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Salum II, 2015 Firmada y fechada 78 Escultura en bronce 78 x 86 x 78 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2017. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx De carrera multifacética, ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo, pues lo considera idóneo para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Además, trabaja con diversos formatos, desde la miniatura hasta la escultura monumental, generando un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico. "Tengo la firme convicción de que el arte tiene potencial transformador por lo que considero central la escultura en espacios accesibles a todos". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio, 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $18,420-$26,320 208

161

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Dos figuras dentro de una habitación Firmada y fechada 1998 al frente y al reverso Mixta sobre tabla, el marco es parte de la obra 83 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre del 2017. Siendo aún niño se fue a vivir con su madre a la Ciudad de México. Con sólo 14 años de edad ingresó a La Esmeralda, gracias a su práctica constante y habilidades adquiridas desde temprana edad. Cortázar ha experimentado con los materiales, desarrollando la técnica por la cual hoy es reconocido: pinta con colores vivos, colores de la tierra, sobre una superficie preparada en blanco. En un modo abstracto-expresionista, Cortázar permite también que los resultados de "accidentes" que ocurren durante el proceso de crear el arte formen parte integral de sus pinturas. En ocasiones arroja pinturas desde la ventana de su estudio en el séptimo piso, después las recoge e incorpora las manchas y rasguños que resultan en la superficie de sus obras completas. Estéticamente, la combinación de los elementos en contraste, las líneas delicadamente marcadas en las figuras humanas, refinamiento estilístico y la aspereza de la superficie, dan a las obras de Cortázar una tensión dramática. Las figuras de Cortázar parecen estar aprisionadas, literalmente están atrapadas dentro del espacio de la superficie de la pintura, ignorando o a veces respondiendo directamente a la mirada del espectador. Las neblinas de la ambigüedad en donde residen son tan espesas o tan líquidas como las pinturas del artista. La energía que exudan es cruda, constante y vibrante. Se siente primordial y seductiva. Es difícil ignorar su mirada fija y, en la incertidumbre de su ser, sus miradas y su prisión peculiar nos reconocemos nosotros mismos. "Hasta la década de los ochenta apareció en México el que sin duda es el mejor dibujante de los últimos tiempos y uno de los más conspicuos de toda Latinoamérica. Me refiero a Roberto Cortázar. Lo descubrí en un concurso nacional de dibujo en el que yo fungía como jurado. Me sorprendió su madurez e instauré un premio que llevara mi nombre". José Luis Cuevas. Fuente consultada: M. GOMEZ, Edward. "Roberto Cortázar: explorador de la conciencia humana, pintor del alma", 2000.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,260-$10,530 209

162

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título Sin firma Carboncillo sobre papel 56 x 38 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre del 2017. $50,000.00-$100,000.00 M.N. USD $2,630-$5,260 210

163

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Naufragio, 2007 Sin firma Óleo sobre lino 320 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal "revisitación" de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. En 2008, Gustavo Aceves fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China y en 2010 develó el mural "Nombres propios" en el Museo Memoria y Tolerancia, de la Ciudad de México. En julio de 2011, Gustavo Aceves asistió al Vaticano, con

el jefe de la Iglesia católica, como el único pintor latinoamericano invitado al evento al que 60 artistas de distintas nacionalidades fueron convocados. Entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt. Desde principios de esta década vive y trabaja en Pietrasanta, Italia.

Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. "Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia". México. Periódico La Jornada, 17 de mayo del 2014 y "Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice". México. Diario El Informador.

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $63,160-$94,740 211

164

MILER LAGOS

(Bogotá, Colombia, 1973 - )

Kinryuzan temple at Asakusa, de la serie Cimiento japonés, 2014 Sin firma Escultura en papel apilado y tallado 58 x 59 x 63 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por el artista, octubre del 2014. Miler Lagos nació 25 años después del inicio de la ininterrumpida violencia en Colombia y creció en la deprimida zona sur de Bogotá, circunstancias que han afilado en su arte un humor que tiene tanta mordacidad política como juego filosófico. Usa sus obras como actos de sabotaje contra la percepción adormecida y contra un sistema social en el cual el culto a la apariencia corrompe la vida social y genera violencia. Las alusiones al entorno políticamente volátil en el que el artista vivía, así como a una economía dependiente de la explotación de recursos naturales, pueden ser encontradas en los rastros de la quemadura dejada por la pulidora eléctrica sobre el papel. Originalmente estudió Ingeniería Mecánica y puso un taller que proveía servicios de montajes industriales, ahí comenzó a construir objetos que tenían que ver con su niñez, en su contacto con los materiales se planteaba cómo sobrepasar su realidad obvia. Posteriormente dejó la ingeniería por el arte con una lógica irrefutable: siendo artista en tiempos de crisis en Colombia correría el mismo riesgo que haciéndose ingeniero, con la diferencia de que iba a divertirse mucho más; de este modo estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia. El arte de Miler retrabaja los materiales de tal modo que contradice las propiedades intrínsecamente asociadas a este, está conectado al deseo del artista de provocar en la gente la necesidad de constatar de qué están hechas las cosas que él crea con una estrategia simple, en sus palabras: "Muestro un objeto que está ahí como es lo habitual, pero hago que la persona se sienta sacudida por algún error, que una anomalía la lleve a acercarse, a tocarlo y entonces de repente se encuentra frente a lo que se puede entender como un engaño, pero no lo es: sencillamente es una materia real que interpela los preconceptos sobre el mundo. Casi siempre cuestiono la construcción de realidad que hacemos a partir de la apariencia y de la forma de las cosas y que nos lleva a pasar por alto la constatación de la materialidad del objeto". Esta obra reproduce y parafrasea "El templo de Kinryuzan en Asakusa" (1856) de la sección del invierno de la emblemática serie de estampas "Cien famosas vistas de Edo", obra del importante grabador y paisajista japonés Utagawa Hiroshige del siglo XIX. Lagos escogió estos grabados, originalmente hechos en xilografía, como un modo de establecer una conexión entre el ficticio bloque de madera y uno de los más grandes grabadores. Ha presentado exposiciones en Estados Unidos, Argentina, Canadá, Chile, México, Venezuela, Alemania, Brasil, Reino Unido, Italia y, por supuesto, Colombia. Su obra se encuentra en importantes colecciones como la del Banco de la República de Colombia, Museo de Antioquia, Rubell Family Collection en Miami, Colección Nacional del Instituto de Cultura Puertoriqueña, Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, entre otras. Fuente consultada: HERRERA, Adriana. "Miler Lagos y las simulaciones del arte". México. Revista Poder 360°, 26 de agosto del 2008.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,320-$31,580

212

213

165

ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - )

Torre / cabeza de cíclope, 2007 Sin firma Escultura, talla directa en roca metamórfica de Tepozotlán 30 x 26 x 13 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2016. Publicada en: Escultura de pequeño formato. México. Arte Hoy galería, 2014, Pág. 78 y en ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 14 y 15. Escultor por formación, experiencia y convicción autodidacta, en 2006 se inició en la talla directa en piedra. Algunas de sus influencias escultóricas más importantes han sido artistas como Eduardo Chillida, Henry Moore, Constantin Brancusi y Hans Arp; el arte prehispánico también ha sido un referente significativo en su enfoque artístico y exploración estética. Su búsqueda en la escultura se inclina hacia el balance de las formas, los contornos y los contenidos internos de cada una de las obras. En 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia; y en 2014 presentó la muestra individual "La mirada de las piedras" en el Museo Fernando García Ponce (MACAY) en Mérida. La lectura de poesía, filosofía y su interés en la música contemporánea de vanguardia, han sido los maestros de Chemor, ya que nunca trabajó con algún escultor en un taller de piedra, todo el trabajo técnico lo ha aprendido por sí mismo y lo ha creado con sus propias manos, ningún cantero o ayudante le hace su trabajo. Antonio encuentra el placer, el gozo y lo que está buscando y no sabía que encontraría, en su taller. En su obra encontramos puentes y diálogos artísticos con obras artísticas y culturas. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 7, 8 y 19.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,260

214

166

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Dos figuras habitan obra 26, 2001 Sin firma Óleo, carbón, grafito, pigmento, polímero y cera sobre tabla 119 x 100 cm Con copia del certificado de autenticidad de Praxis Arte Internacional firmado por el artista, marzo del 2004. $130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,840-$10,530 215

167

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - )

Jacques Cousteau Firmado y fechado 1993 Óleo sobre madera, tríptico 202 x 229 cm medidas totales Piezas: 3, unidas al reverso Nació en Brownsville, Texas, creció en México. Después de estudiar pintura al fresco con artesanos tradicionales, Smith recibió educación formal en diferentes escuelas de arte en México y Estados Unidos. Más tarde, se instaló en la Ciudad de México. A menudo se asocia su obra con el surrealismo debido a sus yuxtaposiciones irreales, también se caracteriza por poseer un tipo único de realismo mágico. Crea escenarios ilógicos que están llenos de sorpresas y efectos especiales, plenos de fantásticos seres antropomorfos. Ray Smith considera que un animal es una "entidad de la figura humana". El artista ha tenido más de 50 exhibiciones alrededor del mundo, principalmente en Estados Unidos y México, pero también en Japón, Europa y Sudamérica. En un texto de la Galería Joan Prats de Barcelona escrito por David G. Torres, crítico de arte español, se menciona que para Ray Smith "la

pintura aparece como un medio con el cual especular sobre la imagen y que refiere a las diferentes capas de realidad que se esconden bajo lo real. La pintura le ofrece la posibilidad tanto de penetrar en profundidad en la apariencia de los objetos y las cosas, como el lugar desde el qué realizar una crítica radical hacia la supuesta seguridad que ofrecen. Un desmembramiento de la realidad que reclama una vía distinta para observar el mundo". Fuentes consultadas: "Ray Smith como dios". España. Diario Ideal, 23 de diciembre del 2006 y sitio de Mana Contemporary www.manacontemporary.com

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,790-$26,320

216

168

JULIO GALÁN

(Múzquiz, Coahuila, 1959 - Zacatecas, 2006)

Sin título Firmado y fechado 95 Collage: óleo sobre tela, impresiones vintage sobre papel, flores y hojas secas sobre madera 122 x 86 cm Con certificado de autenticidad de Galería Arte Actual Mexicano, febrero del 2017. Julio Galán echó raíces en Monterrey, donde residió desde los diez años de edad. De ahí partió a Nueva York en 1984, ya en 1985 su obra había atraído la atención de importantes galeristas de esta ciudad y poco después despertó interés en Francia, Holanda e Italia. Retornó a México en 1990 trayendo el amplio reconocimiento internacional que su obra había conquistado en Norteamérica y Europa por el valor y la dimensión universal de su expresión. Considerado uno de los más destacados representantes de la plástica mexicana contemporánea, creó una obra polémica y contradictoria que destaca por su carga simbólica y sus imágenes perturbadoras. Murió víctima de un derrame cerebral a los 47 años de edad. Su obra forma parte de colecciones de arte importantes de Estados Unidos y Europa. Hay cuadros suyos en el Stedelijk Museum en Ámsterdam y en el Museum Boijmans

Van Beuningen en Róterdam. En 1992 fue invitado a exponer con José Luis Cuevas y Vicente Rojo en la Feria Internacional de Sevilla. Existía en Galán una verdadera compulsión de crear un arte original que se liberara de toda posible influencia de pintores contemporáneos. La aceptación internacional que logró, coloca de nuevo al arte mexicano en el terreno de lo universal. Su arte se desenvuelve como en una perpetua ceremonia o un baile de disfraces, donde su personaje protagónico (él mismo) aparece constantemente travestido, enmascarado, oculto entre borrones, afeites, inscripciones, hendiduras. Desde los cuadros que recrean los sueños de la infancia hasta los que recogen los encarnizados juegos del presente, su mundo se sostiene y se afirma en una sensualidad que se muestra de manera directa o bien se guarda tras elaboradas metáforas, y donde la ironía se encarga a menudo de mantener las emociones a su debida distancia. En ese recorrido otra lucha de opuestos se desliza como trama paralela, la que enfrenta lo sagrado con lo profano.

Fuente consultada: PITOL, Sergio et ál. Julio Galán. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1993.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $31,580-$42,110

217

169

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Azar 4 Firmada y fechada 2017 Escultura en MDF y laca con base de cantera 28.50 x 28.5 x 18.5 cm medida de la escultura, 45 x 28.5 x 18.5 cm medidas considerando la base Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 71, catalogada 23. Cursó la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM. Su inclinación por el dibujo y la pintura se hizo evidente desde entonces y a partir de 1986 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Las obras reunidas con el título "Estructuras infinitas" sin estar basadas en lo visible, remiten a morfologías evocadoras de la naturaleza. Formaciones curvas y rectas se mueven sobre la madera o el metal, bajo un sistema organizado de engranajes y conexiones, semejan rizomas botánicos, modelos atómicos o arborescencias provocadas por reacciones electromagnéticas. Esta constante de ritmos y alteraciones encierra la paradoja del orden como generador del caos y su ciclo inverso. La armonía inconclusa de sus creaciones lleva a reflexionar sobre la fragilidad del equilibrio de un sistema sujeto a la mutación, en donde el acaso es capaz de desencadenar un proceso de cambios progresivo e irreversible. "Azar 4" es una de las esculturas que Fernando Pacheco trabajó en MDF, piezas cuya dificultad técnica se aprecia de manera más evidente que en otras al ver las capas y generatrices que dieron lugar al volumen general, propiedades que el artista aprovecha para enriquecer de tramas visuales las paredes internas de los calados. En estas piezas, los módulos que son punto de partida se engrosan y se someten a una suerte de zoom in virtual, lo que genera nuevas formas. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 6, 9 y 15.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,320-$7,900 218

170

GABRIEL OROZCO

(Jalapa, Veracruz, 1962 - )

Dot Ball 1992 / 2006 Firmada al reverso Impresión digital 38 / 40 66 x 91.4 cm área impresa Esta pieza forma parte de: "Merce Cunningham Dance Company, New York Photo Portfolio 2006", el cual incluía ocho trabajos de artistas contemporáneos: Darren Almond, Robert Gober, Richard Hamilton, Christian Marclay, Bruce Nauman, Ernesto Neto, Terry Winters y Gabriel Orozco. La edición consta de 40 sets que fueron producidos por Carolina Nitsch. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, al finalizar decidió viajar a España para explorar el arte por sus propios medios. En 1986 llegó a Madrid y entró al Círculo de Bellas Artes en donde conoció una amplia gama de artistas de la posguerra y estableció estrechas amistades. Sus piezas fueron resultado de estas relaciones, de la exploración de la calle y de su negación por el sedentarismo. Hoy en día Gabriel Orozco es el artista mexicano más cotizado en el mercado internacional del arte contemporáneo. Su obra ha sido motivo de un sinfín de exposiciones individuales en importantes recintos como el MoMA y The Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, en el Museo Reina Sofía en Madrid, Hirshhorn Museum en Washington y en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, entre otros. Es representado por la Marian Goodman Gallery de Nueva York, la Galería Kurimanzutto de la Ciudad de México y la Galerie Chantal Crousel de París. Fuente consultada: TORRES, Jonathán. "Gabriel Orozco: crea arte sin esperar nada a cambio". México. Forbes, 2016.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790

219

171

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Mano de Baphonet, 1965 Firmada Escultura en madera tallada, pieza única 87 x 43 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre del 2017. Presenta ligeros detalles de conservación El interés de Friedeberg en diseñar muebles empezó en sus ratos de ocio en la escuela. Su primera silla-mano estaba labrada en caoba, a partir de una maqueta de plastilina. La idea emergió quizá, entre sueños, o mientras el artista mecía algo en su mano, aunque el refinado manierismo de los dedos no permite distinguir su género y resulta muy poco humana. Friedeberg pensaba inicialmente que estas manos serían esculturas únicas, y no piezas de mobiliario producidas masivamente, pero resultó que todo el mundo las quiso, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas. En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista. Las sillas-mano hechas a mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el "buen gusto" del diseño moderno y funcionalista. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 139-156.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 220

172

DR. LAKRA (Ciudad de México, 1972 - ) Fräulein 3, 2002

Firmada Tinta sobre página de revista antigua 34.7 x 26.3 cm Con etiqueta de Galería Kurimanzutto. Hijo del famoso artista mexicano Francisco Toledo y de la poetisa y antropóloga Elisa Ramírez Castañeda, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es un destacado artista tanto en el contexto del arte contemporáneo como en el arte del tatuaje. Su obra se caracteriza por crear imágenes irreverentes y bastante provocativas, que transgreden las normas academicistas. Interviene con sus dibujos, estampillas, pósters, revistas y postales. La mayoría de las mujeres que aparecen en su obra son de épocas pasadas, generalmente de la década de los 50, generando en estas piezas un congruente erotismo mezclado con lo popular y el humor negro. Ha experimentado con los tabúes y fetiches provenientes de sus intereses por la antropología y etnografía. Dr. Lakra ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México, Reino Unido, Filipinas, Estados Unidos, Japón, Dinamarca, España y Francia. Fuente consultada: "Dr. Lakra", micrositio de la exposición presentada de mayo a septiembre del 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,530-$13,160 221

173

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Estructura azul Firmada al frente. Firmada y fechada 2016 al reverso Mixta sobre tela sobre fibracel 173 cm de diámetro Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 35, catalogada 5. "En obras como 'Estructura azul' el autor vuelve a la superficie plana y al pigmento de colores, con diagramas modulares con tonos siempre cálidos y de naturaleza táctil, donde la técnica mixta de los acrílicos, el gesso y sus barridos y lijados superficiales logran calidades de profundidad al espacio; acoge las retículas en su continua redondez, pero sin limitarlas: tiempo y espacio presentes nuevamente. "La percepción del tiempo como abstracción de infinitud puede ser una de las versiones de lo expresado en formas artísticas por Fernando Pacheco. No hay sobrante en la organización compositiva, y sí hay apertura en el esbozo de las formas, que permanecen sugestivas, inconclusas, tal vez para completarse en aquello que no se ve, en lo que se prolonga más allá del soporte, cuando lo temporal de la creación artística individual alcanza su ilusión de infinitud en el momento en que se transforma en idea concretada, en obra artística". Sofía Neri Fajardo. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 18.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,320-$8,420

222

174

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

a) La continuidad de los aconteceres IV 75 cm de diámetro b) La continuidad de los aconteceres IX 34 cm de diámetro Firmados y fechados 2017 al reverso Óleo, acrílico y hoja de oro sobre tela Piezas: 2 Ambos con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero del 2017. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Ha desarrollado su obra en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación. Desde 1996 su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Sus premios incluyen la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. La pintura de Hugo Lugo está marcada por el protagonismo que le da a cada personaje y el significado que le otorga a los objetos. En sus palabras: "Me gusta pensar en mi trabajo como un juego serio entre los puntos de cruce del dibujo, la pintura y la fotografía". Fuente consultada: sitio oficial del artista www.hugolugo.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 223

175

JAVIER PELÁEZ

(Ciudad de México, 1976 - )

Levantando sombras Firmado y fechado 2002 Óleo sobre lino 50 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre del 2017. Estudió Arquitectura en la Universidad La Salle. Actualmente realiza una residencia de producción en Casa NaNo, un espacio cultural en Tokio dedicado a introducir a jóvenes artistas mexicanos a la cultura y a la escena artística japonesa contemporánea.

"Javier Peláez se dio a conocer en México como un precursor de la pintura realista. Ejecutados a partir de fotografías tomadas por él mismo, sus óleos de manos, pies, ojos y retratos, no son, a pesar de lo que pudiera parecer, ejercicios de fotorrealismo. Peláez está más interesado en interpretar sus fotos que en meramente reproducirlas, ampliarlas o plasmarlas en otros medios". Edward Gómez M., "Objetos y metáforas", 2008. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javierpelaez.net

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210 224

176

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Sin título, de Rain series Firmado y fechado IV 015 Óleo sobre tela 91 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. "Rain series" es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo, brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor: "pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento".

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 225

177

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Moon beams - A couple Firmado en vinil al frente. Firmado y fechado NYC 2013 al reverso Óleo sobre tela 163 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2013. Se graduó de la legendaria Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde su primera exposición individual en La Habana en 1991, ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales de La Habana, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. "Como parte de una investigación con respecto a la fotografía, estoy interesado en explorar temas de contenido social y antropológico, mediante la pintura tradicional y las técnicas multimedia. La obra, en conjunto, invita al espectador a reflexionar, rodeado de un concepto espacial creado con el fin de representar el universo visual que nos circunda". Ofill Echevarría. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillechevarria.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470 226

178

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

Sin título Firmado y fechado 2006 Óleo sobre tela 69 x 93.5 cm Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Su pintura comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las imágenes que José Castro Leñero utiliza adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Actualmente, José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,160-$5,260 227

179

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Astro organismo proto hiper euclidiano, 2016 Firmada Escultura en bronce 6 / 6 35 x 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2016. $100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,260-$10,530

228

180

PEDRO VARELA

(Niterói, Brasil, 1981 - )

Sin título Firmado y fechado 2012 al reverso Acrílico sobre lino 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Fue becario del programa de iniciación científica del Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico de Brasil con la investigación "La pintura de los años 80 en Brasil y sus desdoblamientos", orientado por los profesores Angela Ancora da Luz, Júlio Sekiguichi y Lourdes Barreto. Ha presentado numerosas muestras individuales en París, Río de Janeiro, São Paulo, Ciudad de México, Catar, Montevideo, Buenos Aires, Miami, Valparaíso, entre otras importantes ciudades. Ha participado en más de un centenar de exposiciones colectivas en países como su natal Brasil, Francia, Hungría, Uruguay, Estados Unidos, México, Reino Unido, Suiza, Catar, Portugal, España y Suecia. Su obra se encuentra en importantes colecciones, como la del MAR Museu de Arte do Rio, colección Montblanc México y Sprint Nextel Art Collection, entre otras. A través de sus pinturas e instalaciones Varela hace referencia a distintas corrientes artísticas que influyeron en la creación de las mismas: partiendo de la iconografía producida por los artistas viajeros del periodo colonial, las naturalezas muertas barrocas y modernas, hasta llegar a la geometría del concretismo y neo concretismo. Varela busca la aproximación entre la naturaleza barroca, considerada como caótica y la geometría neo concretista la cual refiere a las tendencias del arte moderno latinoamericano. Estas corrientes, a pesar de sus diferencias y opuestos, no se anulan ni predominan entre ellas, sino que crean una dialéctica tropical. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrovarela.com.br

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 229

181

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Estrella de doce picos Firmada y fechada 2014 Escultura en madera policromada y plateada, pieza única 35 x 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Presenta ligeros detalles de conservación.

"Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530 230

182

FRANCISCO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1954 - )

Superficies intervenidas, 1985 Sin firma Óleo y arena sobre tela 100 x 120 cm Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección privada. Con etiqueta de Galería Gabriela Orozco. Su obra pictórica ha ido del collage y la composición de elementos constructivos, hacia una purificación geometrista bidimensional. Apoyado en los valores de espacio apenas significado por franjas a manera de vestigios constructivos y un colorido austero donde el sujeto resulta ser el mero equilibrio formal, su tendencia a una minimalización geometrista modular, a manera de tableros donde las diferencias de tonos de trazos rectos azarosos sugieren superposiciones de dos o tres planos o más, parece confrontar el anhelo de una idealidad pictórica autónoma, pero adulterada por manchas y chorreados tenues, como si la mano humana lo impidiera a todo trance.

"La obra de Francisco Castro Leñero se trata de una obra compleja y difícil en todas sus manifestaciones, pero que hace de la complejidad y la dificultad un resultado cuyo nombre obligado es la facilidad. Lo que ocurre es que enfrentamos una visión o, lo que es lo mismo, una interpretación de la realidad en la que no es posible separar la realidad de la realidad de la pintura". Juan García Ponce. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos et ál. Nueva plástica mexicana. México. Grupo Jumex, 1997, Pág. 33.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,840-$9,470

231

183

ALDO CHAPARRO (Lima, Perú, 1965 - )

Sin título, 1996 Firmada Escultura en madera 63 cm de diámetro Con copia de certificado de autenticidad del artista. Pertenece a las primeras esculturas de madera hechas por Aldo Chaparro en Nuevo León, México. Aldo Chaparro llegó a Monterrey en 1991, acompañado de su amigo Moico Yaker, quien estaba invitado a participar en la exposición inaugural del Museo de Arte Contemporáneo. En esa época, Monterrey comenzó a impulsar su mercado de arte con ayuda de un pequeño grupo de coleccionistas y Aldo empezó a conocer bien aquel nuevo mercado latino cuando el de Nueva York comenzó a flaquear. Entonces, el trabajo que realizaba Aldo era mediante madera tallada, un material que había estado utilizando sus últimos años de estudios en la universidad. Hacía representaciones de objetos influenciados en las pinturas de Vanitas, porque el objetivo de esas obras era recordar que todo en la vida era vanidad. Así, con aquellas ideas, las obras de su primera etapa fueron bien aceptadas en los círculos artísticos de Monterrey, logrando exponer en museos y vender a través de galerías. Tiempo después, junto con Vanesa Fernández y Mario García Torres, formó un colectivo llamado "La Mesa", el cual era básicamente su estudio. En este lugar se detonaron varios proyectos similares a los que venía trabajando, en general se trataban de soluciones de diseño y arquitectura. No obstante, los contenidos de su trabajo no han cambiado mucho desde sus inicios, con el tiempo, Aldo estructuró su obra como algo bastante personal, manteniendo un fuerte pensamiento de que toda obra suya debe tener un proceso, una idea, un material y una resolución. Actualmente, la obra de Aldo Chaparro forma parte de importantes colecciones a nivel internacional como: Fundación/Colección Jumex, Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, The Helga de Alvear Foundation en España, Simon de Pury en Londres, Douglas Baxter's Collection en Nueva York, Collection Guler Sabanci en Estambul, Turquía y Pierre Huber Collection en Suiza, entre otras. Fuente consultada: LEÓN DE LA BARRA, Pablo. "Una conversación entre Aldo Chaparro y Pablo León". Revista Atlántica, No. 53, www.aldochaparro.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 232

184

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - )

Volcán encendido 4 Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce con base de mármol 6 / 6 47.5 x 37 x 37 cm medidas totales con base Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, noviembre del 2017. Su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y al terminar la Guerra Civil española y ante el riesgo que implicaba estar en España, se vieron obligados a viajar a México en busca de refugio y nuevas oportunidades, viviendo en nuestro país desde 1949. En 1950, Vicente Rojo ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual, han sido una aportación esencial para la cultura en México. Fue cofundador de Ediciones Era, una editorial mexicana creada en 1960 y de la cual fue director artístico hasta el año 2000. Durante todos esos años, su presencia en la empresa fue fundamental para la realización de proyectos editoriales y diversos diseños de portadas de libros, entre los que destacan: "Cien años de soledad" de Gabriel García Márquez, "Aura" de Carlos Fuentes y "Días de guardar" de Carlos Monsiváis, entre otros. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo - abril de 2002, Pág. 10-15 y DEL CONDE, Teresa et ál. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,210-$6,320 233

185

HIROYUKI OKUMURA

(Kanagawa, Japón, 1963 - )

Sonido del bosque, 2015 Sin firma Escultura en basalto 66 x 47 x 14 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Vive y trabaja en la ciudad de Xalapa, Veracruz desde 1989. En esta ciudad decidió desarrollar su carrera por la inspiración que encuentra en el arte prehispánico mexicano. Trabaja escultura en piedra; el mármol y la cantera son sus materiales predilectos.

"Su propuesta artística se basa en la intuición y se desarrolló a partir de una concepción espiritual de la naturaleza que la significa como lugares que resguardan presencias divinas. Respeta profundamente a las piedras y para intervenirlas establece una relación de 'coproducción' con ellas, con sus formas, con sus vetas, con sus texturas y con sus colores. Por lo mismo, en todas sus piezas se mantiene una estrecha cercanía con las estéticas sintoístas del arte japonés que se fusionan con otras de evocación primitiva y arcaica". Blanca González Rosas. Fuente consultada: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca. Hiroyuki Okumura. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 30 y 31.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 234

186

OLGA DE AMARAL

(Bogotá, Colombia, 1932 - )

Adherencia natural Firmado y fechado 1973 en una etiqueta cosida al reverso Tejido de lana y crin de caballo 140 x 87 cm Agradecemos a Casa Amaral por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Publicado en: CARBONELL, Galaor. Olga de Amaral. Desarrollo del lenguaje. Bogotá. Universidad de los Andes, Litografía Arco, 1979, Pág. 98, ilustrado en blanco y negro. Olga de Amaral es una artista plástica colombiana cuya obra se caracteriza por la incorporación de diversos pigmentos, fibras, yeso y metales preciosos para crear textiles bidimensionales. Impulsada por la cultura de su tierra natal, entrelaza la arquitectura, los paisajes y las historias del arte prehispánico y colonial en su obra; y a partir de capas orgánicas, crea complejas interacciones de tejidos que forman superficies rugosas, irregulares y porosas, dando lugar a

extraordinarias encarnaciones de luz y sombra. Su trabajo juega un rol importante en la transformación de los textiles tradicionales. En 1965, fundó el departamento de textiles en la Universidad de los Andes en Bogotá. En 1973 se le concedió una beca Guggenheim y en 2005 fue nombrada "Visionary Artist", un premio otorgado por the Museum of Art & Design de Nueva York. A través de su larga carrera ha expuesto en instituciones de todo el mundo y su obra se encuentra en las colecciones de más de cuarenta museos, como los Museos de Arte Moderno de París, Kioto y Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Young de San Francisco, el Museo Bellerive en Zúrich, el Museo de Bellas Artes de Houston y en la National Gallery de Washington. Actualmente vive y trabaja en Bogotá, Colombia.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.olgadeamaral.com

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,740-$18,420 235

236

Sección de Arte en Beneficio de Venezuela Hablar de Venezuela nos suscita nostalgia, no sólo para los que de allí venimos, sino también a todo aquel que conoce lo que está pasando. Muchos se han solidarizado y Francia ha sido uno de esos grandes solidarios —lugar donde nace “Venezuela te necesita"—, su respaldo ha sido primordial en la consolidación de esta asociación. “Venezuela te necesita” no es una frase en vano, con ella se quiso ilustrar la gravedad del drama venezolano, con urgencia y en voz clara y fuerte. La asociación “Venezuela te necesita” actúa bajo los principios de solidaridad y justicia, al tiempo que toma como base valores como la bondad, el respeto y el rigor. Es una asociación sin ánimos de lucro, cuya finalidad es la de aportar ayuda humanitaria a Venezuela durante la peor crisis de su historia, así como también fomentar los valores humanitarios y de cooperación en la diáspora venezolana. Nuestra misión es la de mejorar la calidad de vida de los venezolanos aportando recursos materiales, pero también intelectuales. La crisis humanitaria venezolana se refleja en números. Suzanna Tkalec, directora humanitaria de Caritas Internationalis, reveló tasas alarmantes: el 54% de los niños tienen algún nivel de deficiencia nutricional. Entre los niños de menos de 5 años, la desnutrición aguda moderada es del 8% y la desnutrición aguda severa es del 3%; solo el 38% de los medicamentos esenciales (lista OMS) existen en Venezuela. Los casos de diabetes han aumentado en 95% y la hipertensión en 92% en 2017 debido a la escasez de medicamentos. El índice de mortalidad postnatal se ha triplicado en 2017 y 114,000 personas con VIH/SIDA no tienen acceso a medicamentos. Queremos expresar agradecimiento a Morton Subastas, en especial a su oficina en Francia, y a México por su solidaridad. También, nuestra admiración y agradecimiento a cada uno de los maestros que hacen parte de esta muestra. Gracias por su genialidad que no se limita a la expresión de su arte, sino por sentirse comprometidos con su terruño. Con ustedes, la nación venezolana se ha expandido en el mundo, nuestras glorias nos siguen perteneciendo, pero también la voluntad de construir juntos un futuro venturoso.

187

WILMER HERRISON

(Maracaibo, Zulia, Venezuela, 1978 - )

Fusion optique tissage #2 Fechado Bois-Colombes [Francia] 2017 al reverso Acrílico sobre lino 80 x 80 cm Exhibido en: "Fusion optique", muestra individual presentada en Opéra Marigny, París de mayo a octubre del 2017. Actualmente está establecido en París. Su juventud estuvo impregnada de los colores de su ciudad natal y de la fuerza de una naturaleza exuberante. Del lago de Maracaibo, su pintura extrae los tonos y los reflejos, y es en esta ciudad, capaz de mezclar la arquitectura colonial y la creación contemporánea, que él ha recorrido todos los dominios del arte de la creación, desarrollando así su vocación de artista plástico. Fue influenciado tempranamente por los artistas cinéticos venezolanos: Jesús Rafael Soto, Lía Bermúdez y Carlos Cruz-Diez. A la edad de 23 años, decidió partir a Francia donde inició sus estudios en la École du Louvre. Allí, estudió las técnicas utilizadas en los frescos antiguos, así como la pintura de los primitivos italianos y de los flamencos, desarrollando un interés particular hacia la pintura barroca, el Impresionismo y la creación contemporánea. En 2010, obtuvo reconocimiento en su país natal, exponiendo en dos importantes museos nacionales: el Museo de Barquisimeto y el Museo de Arte 238

Moderno de Mérida Juan Astorga Anta. Ese mismo año conoció en Venecia al diseñador italiano Piero Massaro, quien inspirado por sus pinturas, creó una colección de lentes llamada "Colezzione WH". Wilmer Herrison ha desarrollado una técnica en base a líneas y color, produciendo "fusiones ópticas", organizada de acuerdo a puntos y transformando la composición con la relación entre ángulos y distancia. Esta técnica se basa en la yuxtaposición de toques de color sin mezclar que forman ilusiones ópticas con efecto de profundidad, como si se tratara de una estructura multidimensional. La pintura se refiere sólo a sí misma, procede de una realidad oculta que deriva de las experiencias del artista durante su infancia, adolescencia y edad adulta, de este modo refleja un pasado, una memoria, una cultura y una identidad que forjan el espíritu de su trabajo. En su aventura personal, la convivencia con las culturas de la India y Europa han nutrido y fortalecido su lenguaje, sin alterar su esencia. Trabajadas con espátula, usando gestos cortos y extendidos, son composiciones cuidadosamente tejidas por su mano, que requieren un dominio y disciplina internos.

Fuente consultada: XURIGUERA, Gérard. "Wilmer Herrison. Fusion optique", en sitio oficial del artista www.wilmerherrison.com

$115,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,000-$8,000

188

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - )

Sábado, de la serie Semana Firmada y fechada 13 al reverso Litografía 15 / 75 60 x 60 cm Sus inicios se remontan al Movimiento Cinético de los años 50 y 60. Ha definido sus investigaciones y propuestas como "Arte del Movimiento y Espacio Reales". Cruz-Diez ha realizado ocho investigaciones en torno al color, cada una de las cuales pone de manifiesto distintos comportamientos del mismo. En sus obras demuestra que el color, al interactuar con el observador, se convierte en una realidad autónoma y evolutiva, capaz de invadir el espacio sin anécdotas, desprovisto de símbolos, sin tiempo ni ayuda de la forma y aún, sin ayuda del soporte. Esta obra pertenece a “Couleur Additive”, una investigación que se fundamenta en la irradiación del color, es decir, en la evidencia de que cuando dos planos de color se tocan, aparece una línea virtual más oscura en la zona de toque. Mediante el aislamiento de este fenómeno óptico, Cruz-Diez obtiene los llamados “módulos de acontecimiento cromático” responsables, en parte, de la continua transformación del color. Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes como las del MoMA en Nueva York, la Tate en Londres, Musée d'Art Moderne de la Ville de París y Centre Pompidou de París. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cruz-diez.com

$115,000.00-$190,000 M.N. USD $6,000-$10,000

239

189

CARLOS MEDINA

(Barquisimeto, Venezuela, 1953 - )

Superficie blanca CVII, de la serie Guadalajara, 2012 Sin firma PVC rolado y pintura acrílica sobre MDF, pieza única 50 x 50 y 15 cm Con certificado de autenticidad del artista, Caracas, noviembre del 2017. Estudió en la Escuela de Artes Visuales de Caracas, celebró el final de sus estudios académicos en 1975 con una exposición individual de esculturas de hierro y piedra llamada "Abstracciones geométricas espaciales" presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Ese mismo año obtuvo el Premio de Escultura en el IV Salón Nacional de Jóvenes Artistas organizado por el Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. En 1977 viajó a Italia y se instaló en Carrara con becas concedidas sucesivamente por el gobierno italiano y la Fundación para la Cultura y las Artes FUNDARTE, Caracas. Esta etapa representó la exploración de nuevos materiales, la práctica de técnicas superiores de tallado, torneado y también el estudio de nuevas conceptualizaciones sobre el trabajo tridimensional. Trabajó en el taller de Carlo Andrei, en la industria Gonari Marmi y realizó varios cursos en la Academia de Bellas Artes de Carrara. Durante este periodo participó en exposiciones, simposios y eventos en varios países europeos. Medina volvió a Venezuela en 1984 y retomó la escultura en hierro y acero, orientado hacia la producción monumental. Investigador asiduo de técnicas y materiales se convirtió en una referencia de la escultura geométrica. En las décadas siguientes desarrolló más de veinte obras monumentales como el icónico "Fragmento de la lluvia para Caracas", un proyecto que data de 1989 y finalmente se realizó en 2014, como un regalo a esta ciudad. Siempre centrado en la abstracción geométrica, pasó de las preocupaciones volumétricas a las espaciales. Su obra se ha consolidado en la interpretación esencial e imperceptible de la naturaleza, la física y las formas, conceptos principales y en plena evolución dentro de su obra. A lo largo de su trayectoria artística, ha presentado numerosas exposiciones individuales y ha sido invitado a importantes simposios, bienales, ferias y exposiciones colectivas en América, Asia y Europa. Actualmente vive y trabaja en Caracas y París. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.carlosmedina.net

$115,000.00-$190,000.00 M.N. USD $6,000.00-$10,000.00 240

190

MILTON BECERRA

(Táchira, Venezuela, 1951 - )

Irradiación de la energía romboidal 3D Firmada y fechada París 2012 Escultura: acrílico sobre madera, fibras de nylon rojo, azul, verde y blanco y cuarzo 56 x 56 x 58 cm, medidas variables Con certificado de autenticidad de Atelier Milton Becerra, París, noviembre del 2017. Es egresado de la Escuela de Artes Cristóbal Rojas de Caracas. Fue asistente colaborador en los talleres de Jesús Rafael Soto y de Carlos Cruz-Diez, con quienes trabajó entre 1974 y 1980. Es uno de los artistas plásticos venezolanos más relevantes de la escena artística contemporánea. Su trabajo se inserta no sólo en las coordenadas del arte universal, sino también en los nuevos lenguajes planteados por las vanguardias artísticas, como el arte cinético, el óptico, el minimalismo, el land art y las instalaciones. Viajero incansable, Becerra divide su tiempo entre París, Venezuela y Miami. Preocupado por la naturaleza y por el enorme legado de los pueblos indígenas venezolanos, en su primera exposición individual fue capaz de fusionar la tradición de las culturas primitivas venezolanas con la modernidad de las tendencias artísticas de la época. Milton Becerra no discrimina los aspectos estéticos, por el contrario los hace convivir en un todo, siendo capaz de hacer trascender en armonía los recursos artísticos y visuales de las culturas primitivas con el abstraccionismo geométrico y la tradición cinética tan importante en ese país en aquella época. Tres años más tarde Milton Becerra presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas su obra "Módulos Programados", para luego tender sus inquietudes hacia la intervención del paisaje y el empleo de la fotografía. En década de los ochenta fue invitado a la XI Bienal de París presentada en el Museo de Arte Moderno de París, Milton Becerra no sólo se estableció en esta ciudad, sino que además desarrolló una nueva perspectiva de su arte, basada en su investigación y percepción por las costumbres yanomamis. Fue entonces cuando dio un giro a sus tramas y tejidos impregnados de modernidad e inició la elaboración de sus notorias instalaciones en sitio específico, obras que hasta el momento distinguen el trabajo de este artista tachirense en cualquier lugar del mundo: la mezcla de la fibra y de los tejidos con otros elementos orgánicos como las rocas. Ha sido acreedor a numerosos reconocimientos entre los que destacan el Premio Omar Carreño en Arte conceptual del Colegio de Arquitectos de Venezuela en 2014, el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) a la Proyección Internacional en 2008, el Primer Premio de Arte Efímerode la II Bienal de Guayana Museo Jesús Soto en 1989 y el Premio de Adquisición O Klinikverwartung, Bad Rappenau, Alemania en 1989. Cuenta con obras monumentales en países como Alemania, España, Costa Rica, Francia, Venezuela y Brasil. Fuentes consultadas: AVENA NAVARRO, Patricia. “Milton Becerra. Arqueología de lo visible-invisible”. Argentina. Arte al Día, abril del 2011 y sitio de la Milton Becerra Foundation www.milton-becerra.org

$230,000.00-$380,000.00 M.N. USD $12,000.00-$20,000.00 241

191

CARLOS POVEDA

(San José, Costa Rica, 1940 - )

Tepuyes Firmado y fechado 1987 al reverso Óleo y arena sobre tela 91.5 x 122 cm Con certificado de autenticidad del artista. De formación autodidacta, a temprana edad inició su participación en exposiciones, dándose a conocer en los círculos artísticos más activos de América. En 1962 fue descubierto por el Grupo 8 que lo invitó a participar en algunas de sus exposiciones y lo presentó al crítico de arte José Gómez Sicre, quien lo apoyó en darse a conocer en los Estados Unidos. En 1964 participó con el Grupo 8 en la exposición "Modern Artists of Costa Rica" en la Unión Panamericana en Washington D. C. Esta exposición le abrió las puertas a una carrera artística internacional que lo ha llevado a vivir fuera de Costa Rica desde entonces, primero en Estados Unidos, luego en Venezuela y finalmente en Francia, donde actualmente vive y trabaja, aunque nunca ha olvidado sus raíces. La obra de Poveda se ha caracterizado por una constante innovación y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Inició su carrera con el dibujo en blanco y negro, centrado en la figura humana que se fue estilizado a trazos de aves en vuelo y nubes. En 1967 presentó una muestra individual en la Galería Mexicana de Arte, numerosos intelectuales de nuestro país, entre ellos Margarita Nelken, José Luis Cuevas y Alfonso de Neuvillate, se dieron cita en la inauguración. Desde 1975 su obra se fue materializando con soportes en madera, cartón, yeso y el uso de resina, plásticos y metales en temas de vegetación y paisajes. Entre 1985 y 1990 realizó esculturas de pared y pinturas con paisajes como temática central. En 1987 los Museos del Banco Central de Costa Rica expusieron la muestra "Paisajes silentes". En el trasfondo de toda esta renovación y cambio constante en su obra está el interés por la experimentación con gran diversidad de materiales y por los resultados obtenidos en sus texturas. Como lo indica Poveda: "la investigación es parte intrínseca de mi trabajo artístico y esto, sin duda, me causa gran placer". En 1965 recibió la Mención Honorífica en la VIII Bienal de São Paulo y en 1966 el Premio de Pintura Aquileo J. Echeverría. En 2013 le otorgó la Medalla al Mérito el Senado de la República de Francia, en reconocimiento a su labor artística en ese país. Ese mismo año, el Museo de Arte Costarricense le otorgó el Premio Teodorico Quirós Alvarado en reconocimiento a su labor artística que ha sido tan revolucionaria en la plástica latinoamericana y en 2014 dicha institución presentó la muestra retrospectiva "Carlos Poveda: de dónde vengo y adónde estoy", un homenaje a su laureada trayectoria. Fuente consultada: GUARDIA YGLESIAS, María Enriqueta et ál. Carlos Poveda: de dónde vengo y adónde estoy. Costa Rica. Museo de Arte Costarricense, 2015, Pág. 58.

$150,000.00-$230,000.00 M.N. USD $8,000.00-$12,000.00 242

192

CARLOS MEDINA

(Barquisimeto, Venezuela, 1953 - )

Superficie blanca LXXXV, de la serie Guadalajara, 2012 Sin firma PVC rolado y pintura acrílica sobre MDF, pieza única 60.5 x 60.5 x 3 cm Con certificado de autenticidad del artista, Caracas, noviembre del 2017.

"Mi búsqueda ha estado orientada a prescindir de todo elemento que distraiga la pureza de las formas y conceptos, aligerando pesos, volúmenes y soportes; resolviendo de una manera muy simple a través de una investigación sobre formas y nuevos materiales he encontrado nuevos lenguajes en la intervención de superficies y espacios. De esta manera propongo que la escultura vaya más allá; interviniendo el muro, los techos y espacios no convencionales, los cuales difícilmente podrían ser ocupados con obras tradicionales. Este nuevo concepto plástico no tiene límites y puede ser tan puro y simple como la luz, atravesando el todo, en ocasiones haciendo manifiestas o deteniéndolas en el tiempo, realidades invisibles o poco perceptibles como la lluvia, el polvo cósmico o un rayo de luz". Carlos Medina. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.carlosmedina.net

$115,000.00-$190,000.00 M.N. USD$6,000.00-$10,000.00

Fin de la sección de Arte en Beneficio de Venezuela 243

193

MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, No 11, ca. 2008 Sin firma Acrílico sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Rangel Faz A.C., 2017. Mario Rangel Faz inició sus estudios de arte en la ENAP. Fue integrante del grupo SUMA y co-fundador del colectivo "Atte. La Dirección". A partir de 1978 comenzó a exponer con regularidad en innumerables muestras individuales y colectivas, tanto en México como en el extranjero. Parte de su personalidad y por lo tanto característica de su obra, es que le daba la bienvenida a todo, no descalificaba ninguna expresión artística, tuvo la capacidad de ser maestro de varias generaciones y entender cada corriente. Rangel Faz rechazaba el reflejo de la realidad de una forma verosímil y creía posible crear mediante el trabajo artístico un mundo paralelo a la naturaleza.

"La retícula de su última serie de pinturas recuerda el arte racional de Klee. 'Horizonte y columnas', como la tituló, le impuso un esfuerzo físico, mental y emocional extraordinario al que se entregó como siempre lo hacía. En ese sentido, fue un místico del quehacer creativo pues prefirió, literalmente, quemarse antes que oxidarse". Magali Tercero. Fuente consultada: ROJO, Vicente et ál. Mario Rangel Faz: Coordenadas. México. Museo Universitario Arte Contemporáneo. 2010, pp. 9 y 61.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,680-$4,740 244

194

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado y fechado 1973 al reverso Plumín sobre papel 30.5 x 45 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2016. Presenta mínimos detalles de oxidación en las orillas del papel. $45,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,370-$3,680 245

195

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Negro Firmado y fechado 1967 al reverso Óleo sobre tela 120 x 120 cm medidas del lienzo 170 x 170 cm medidas de la obra montada como rombo, tal como el artista la concibió Con dedicatoria "Para Ana Tereza" al reverso. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano y fragmento de etiqueta del Museo de Monterrey. Estudió pintura y escultura en La Esmeralda, donde posteriormente fue maestro. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, que influyeron en gran medida a su proceso artístico. Su primera exposición individual fue en 1954, más tarde exhibió en países como Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. Sus obras han sido expuestas en México, Francia, Japón, Estados Unidos, Italia, Brasil y Bélgica; obtuvo los premios Nacional de Pintura y el José Clemente Orozco de la I Bienal Interamericana de México en 1959. En 1983 se inauguró el museo que lleva su nombre, con la donación de su colección de arte universal, ubicado en el Ex-Colegio de San Luis Gonzaga de la ciudad de Zacatecas.

"Su obra nos invita a transitar por un mundo de color, textura, primitivismo y conceptos filosóficos ancestrales, que nos renuevan el desasosiego por descubrir las incógnitas del origen del ser, de las pasiones eróticas, de los furores bélicos y de nuestro ineludible camino hacia la muerte". Laura González Matute. Fuente consultada: GONZÁLEZ MATUTE, Laura. "La obra de Pedro Coronel". México. Discurso Visual, abril del 2005.

$1,300,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $68,420-$105,260 246

196

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título, ca. 1975 Firmado al reverso Óleo sobre tela 100 x 70 cm Con la leyenda en la parte posterior "Mujer Pesadilla". Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, junio del 2017.

"Pasión: palabra clave en el universo de Coronel. En su pintura reina la pasión. Frente al arte de propaganda y al arte abstracto, Coronel nos muestra que la verdadera fuente de la poesía y la pintura está en el corazón. Pasión se llama la fuerza que lucha contra la pesadez mineral de las grandes figuras que invaden algunas de sus telas; pasión lo que arde en sus colores hasta no ser sino un resplandeciente trozo de materia desollada, en un cielo deshabitado; y el lento movimiento de sus azules y rojos es pasión magnífica y suntuosa. Todas las reservas y las dudas del espectador desaparecen ante este candor poderoso. ¿Es necesario añadir que muy pronto Pedro Coronel será uno de nuestros grandes pintores?". Octavio Paz para la muestra en la Galería Proteo, 1954. $1,500,000.00-$2,200,000.00 M.N. USD $78,950-$122,220 247

197

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Paisaje Firmado y fechado 75 Óleo sobre tela 90 x 160 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo grandes maestros, tales como Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez, quienes ejercieron una importante influencia en el artista. Su primera etapa artística se inclinó al expresionismo abstracto con una fuerte influencia de los colores de Rufino Tamayo y Kandinsky, así como de las composiciones de Balmori y Wifredo Lam. En estas obras resalta el dominio plástico y su capacidad inusual en el manejo de los volúmenes y colores fríos, los cuales estimulan la imaginación del espectador, deleitando la vista y el espíritu. En vida, presentó más de 60 exposiciones individuales en Estados Unidos y América Latina, además de muchas otras colectivas. Su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$200,000.00-$400,000.00 M.N. USD $10,530-$21,050 248

198

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, 1985 Sin firma Óleo sobre tela 170 x 170 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Con copia del certificado de autenticidad de Art Forum, junio del 2010.

"En sus óleos se vive una celebración de la vida: las figuras bailan y viven en una constante fiesta, a veces erótica, otras más inocente […] Sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones estimulan la imaginación, deleitan nuestra vista y elevan nuestro espíritu". Eva Beloglovksy. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,050-$31,580 249

199

ANTONIO CASTELLANOS (Ciudad de México, 1946 - )

El manto de la noche, 2010 Firmada Escultura en bronce 3 / 7 39 x 65 x 32 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Su acercamiento con el arte comenzó en el taller de Federico Canessi, posteriormente estudió un año en La Esmeralda bajo la dirección de Luis Robledo, no obstante a pesar de estudiar las características academicistas, su desarrollo en la escultura ha sido autodidacta. Sus primeras obras las realizó a los diecisiete años. Su línea es de carácter tradicional y ha realizado numerosos monumentos. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del Siglo XX. Tomo I. México. CONACULTA, 1997, Pág. 155.

$90,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,740-$5,260 250

200 BYRON GÁLVEZ (Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 60.5 x 51 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 251

201

VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Sin título Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 193 cm En dialecto zapoteca, "Chacá" significa "pájaro carpintero". Cuando Víctor nació, su madre anunció que había nacido un cha'ca al ver que se trataba de un varón. Esa historia quedó grabada en el artista quien decidió retomar la anécdota para conformar su nombre. La esencia de la tierra oaxaqueña surge en toda la obra de Cha'ca, así como los momentos cotidianos, las festividades, las tradiciones y cultura juchiteca. Su obra ha sido expuesta individualmente en diversas galerías mexicanas. En 1990, participó en la exposición itinerante "Almas y colores de Oaxaca" realizada en Estados Unidos.

"La idea de la poesía se anuncia en todas sus obras, expresada sobre todo a base de colores —cada hebra trazada es un color, dice —, los entrelaza y le dan pretexto para construir sueños amables que no se relacionan con las pesadillas". Beatriz Espejo. Fuentes consultadas: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, pp. 17-21 y "Víctor Cha'ca presenta: Los dominios del nahual". Oaxaca. El Imparcial, sección Cultura, 30 de diciembre del 2014.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,680 252

202

VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Sin título Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 175 cm

"Cha'ca se identificó, desde temprano, profundamente con las señales de la mexicanidad y eso le permite, paradójicamente, ser más libre, buscar con más avidez. Nada imita. Se mantiene fiel a sus visiones esotéricas. Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico. Si copia, copia sus inquietudes personales. Reconstruye". Beatriz Espejo. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 21.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160 253

254

203

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Las tías de chahuites Firmado 3 veces y fechado 2017 al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Su creatividad proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte.

"Nací en el pueblo de Huajuapan de Léon en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México". Sergio Hernández. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$1,600,000.00-$2,200,000.00 M.N. USD $84,210-$122,220

255

256

204

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Mujeres con tren, 1990 Firmado Óleo sobre tela 104 x 180 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Cultural Rodolfo Morales A.C., marzo del 2003.

"Nadie como Rodolfo Morales puede ser considerado tan pintor de la alegría de vivir, ni tan escrupulosamente mexicano a fuerza de no poder ser sino eso necesariamente; feliz pintor mexicano. Feliz porque sus cuadros demuestran, de manera casi mágica, la relación alegre que se establece entre autor y obra cuando no existe ningún desquiciamiento, ninguna traba, nada que no sea el enfrentamiento del artista con su mundo fantástico y desbordado de libertad. Mexicano porque lo es y porque nadie como él deja de manifiesto más claramente esa mexicanidad eternamente buscada y nunca hallada. "El manejo meticuloso del pincel construye un mundo, una realidad paralela y de algún modo mitológica. Las figuras, sus mujeres aladas, las arquitecturas de desbordada perspectiva, el color nebuloso, la nitidez de las escenas, simbolismos de lo cotidiano, erigidos casi en tótems pictóricos, etéreos lugares de esa otra realidad. "En sus cuadros la atmósfera creada es muy importante, es decir, no ya lo pintado, sino la impresión de lo pintado, que en Morales significa placer por la propia pintura. Como se demuestra en sus telas, y collages, lo gozoso de la imagen conmina al espectador a seguir mirando. Rodolfo Morales pone en sus cuadros lo que él es, un estado de ánimo, la red que se construye entre sus recuerdos y su interpretación sentimental de la pintura". Josu Iturbe, 1992.

Fuente consultada: "Rodolfo Morales. Maestro oaxaqueño”. México. Secretaría de Cultura http://cultura.hidalgo.gob.mx

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD$105,260-$157,900

257

205

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado al frente. Firmado y fechado 67 al reverso Óleo sobre tela 70 x 90 m Presenta restauración. $800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,110-$52,630 258

206

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Ángel Firmado Óleo sobre tela 81 x 35 cm Con etiqueta de Arte de Oaxaca. $550,000.00-$650,000.00 M.N. USD $28,950-$34,210

259

207

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 47 x 41 cm

"La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo. Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo". Andrés Oppenheimer. Fuente consultada: "Rodolfo Morales, Maestro de los sueños". México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio del 2006.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,050-$26,320 260

208

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado y fechado TO-1966-49, 2 de junio al reverso Óleo sobre tela 115 x 89 cm Con constancia de autenticidad de Andrés Blaisten, julio del 2017.

"La labor alquímica se anuncia ya en la superficie, donde todo se transmuta y vira hacia un orden diferente; pero Nieto no se queda en eso, la pugna es honda y se proyecta lejos, destila y purga y cuaja materias más sutiles: aquí se osa la alegría en el centro mismo del pavor, se afirma el privilegio humano de la risa contra la nada. Por eso el frecuente lujo en esta pintura, el coraje de caerle encima con todo el color gritando en plena batalla, entre relámpagos que enlazan y destruyen y transforman, entre signos de oscuras mutaciones". Julio Cortázar. Fuente consultada: CORTÁZAR, Julio. "Rodolfo Nieto por Julio Cortázar", en Rodolfo Nieto. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, 1984.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $78,950-$105,260 261

209

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

Extrañas concepciones de Toledo Firmado Lápices de color sobre papel 26.5 x 21 cm Publicado en: DE NEUVILLATE, Alfonso. "El arte de transformar lo intransformable". México. El Heraldo, miércoles 9 de diciembre de 1970. Reconocido mundialmente por su trabajo y personalidad, Toledo es considerado uno de los mayores artistas mexicanos del siglo XXI. Es un artista multidisciplinario, promotor cultural y luchador social a favor de los indígenas y del medio ambiente. Experto en pintar, dibujar, esculpir y grabar, impone con frecuencia su interpretación no racional de la realidad. Por medio de Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. Habiendo experimentado las vanguardias artísticas, su obra comenzó a tener su propio estilo y aunque se le llegó a asociar con la Generación de la Ruptura, él siempre estableció su carácter autónomo. Entre los temas constantes en su obra están las figuras fantásticas, humanas y animales, el sexo, los insectos, el estudio de la escatología y las tradiciones y cultura oaxaqueñas. Su obra actúa y plantea aspectos plásticos, en ella propone texturas mediante sombreados con colores que generen una experimentación sensorial. En 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y en 2005 le fue otorgado el Premio Nobel Alternativo de la fundación sueca Right Livelihood Award por su labor en defensa del patrimonio cultural. Ha participado en numerosas exposiciones a nivel mundial y su obra forma parte de los acervos de los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Filadelfia, Nueva York y París, así como de la Tate Gallery de Londres y la Kunstnaneshus de Oslo, entre otros. Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp.13-16 y sitio oficial del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,840-$10,530 262

210

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Acróbatas Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo y arena sobre lino 80 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. $600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $31,580-$42,110 263

211

SHINZABURO TAKEDA (Seto, Japón, 1935 - )

Sin título Firmado y fechado 1974 Óleo sobre tela 67 x 88 cm En su obra plástica no hay tiempos ni épocas, es una particularidad del arte plástico oaxaqueño que se expresa en el mundo animal y las mujeres. Las mujeres gordas que capta Takeda las dibuja como ellas son, con sus huipiles y sus rasgos, son mujeres muy admiradas por él, todo este mundo que refleja en sus obras es un mundo enormemente admirado por él, todo esto le fascina a Takeda, viajar por Oaxaca a pesar de sus ochenta años le sigue interesando mucho. Fuente consultada: MOLINA, Rafael. "Shinzaburo Takeda: el mundo oaxaqueño visto de manera extraordinaria". México. Revista escenarios, 6 de octubre del 2015.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$2,630

264

212

SHINZABURO TAKEDA (Seto, Japón, 1935 - )

Sin título Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 100 x 100 cm $40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160

265

213

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Familia taciturna, 2014 Sin firma Óleo y arena sobre tela Políptico de cuatro lienzos enmarcados juntos. 140 x 45 cm, medidas totales Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Exhibido en: "Takeda y su arte en México" en el Museo Taro Okamoto, Kawasaki, Japón en abril del 2015. Publicado en: MATUS MANZO, Manuel et ál. Gozona. Nueva obra pictórica oaxaqueña. México. Latin American Art Gallery PROMO-ARTE, Carteles Editores, 2014, Pág. 6. Inició su aprendizaje artístico en el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tehuantepec y más tarde cursó la carrera de Arquitectura en la Universidad Autónoma Benito Juárez, mientras que por las tardes acudía a la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca. A menudo, Rolando Rojas trabaja con cuadros de grandes formatos; se despliega frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, en las que logra transmitir la voz del pintor. Así, en el lienzo se consuma con extrema sencillez y sin desgastadas e inusuales pretensiones, una ceremonia, un ritual de vida. Es un artista que busca generar una poesía más que sólo un efecto visual, guiado por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color. Desde hace más de 30 años, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México y en ciudades en el extranjero como California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 14, No. 101, septiembre de 2009, pp. 29-32.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 266

214

LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951 - )

Muerteada Sin firma Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Luis siempre tuvo claro que quería dedicarse a la pintura; sin embargo, al concluir el bachillerato estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió dedicarse al dibujo y la pintura de forma autodidacta. En este proceso de formación no podemos dejar de lado las referencias artísticas que obtuvo de las obras de Tamayo, Toledo y Nieto. En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo, en Oaxaca. En esa época conoció al pintor José Zúñiga, quien apoyó su carrera y lo llevó a la Ciudad de México y empezó a exhibir su obra en la Galería Chapultepec. En 1974 se inscribió en un concurso de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. Ese año se dedicó a conocer museos y galerías. Estableció contacto con Juan Soriano, sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en París se extendió por 14 años. Realizó estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17. Ha participado en exposiciones en España, Alemania, Bulgaria, Noruega, Francia, Italia, Mónaco, Singapur, Estados Unidos, México, Perú y Puerto Rico. En Europa fue acreedor a numerosos premios. En esos años, la pintura de Zárate presentaba ricos ensambles figurativos, los cuales hacían referencia a las leyendas, mitos y fantasías de la cultura zapoteca. En 1986 decidió volver a Oaxaca. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233-236.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530 267

215

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013)

Sin título Firmada y fechada 013 al frente y al reverso Óleo y collage sobre tela 180 x 150.2 cm Referido "Oaxaca México" al reverso. Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Rufino Tamayo, Francisco Toledo y el trabajo de Rodolfo Nieto. Más tarde se inscribió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca en donde conoció al maestro Shinzaburo Takeda. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de Estados Unidos y Europa, donde conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias. A pesar de haber reforzado su formación artística fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. Con el tiempo fue consiguiendo fama internacional, lo que le ayudó a inaugurar el primer espacio escultórico en Oaxaca, llamado Centro Escultórico La Telaraña, donde becó a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio. Expuso individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica. Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60 y "Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago". México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio del 2016.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,050-$31,600

268

216

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Cargamento de Marías Firmado al frente. Fechado 07/02/1998 al reverso Óleo sobre tela 100 x 150.5 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, noviembre del 2017.

"Rolando Rojas, pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal". Fuente consultada: sitio oficial del artista http://rolandorojaspintor.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,480-$13,160 269

217

ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - )

Spot, 2014 Firmada Escultura en acero Cor-ten 75 x 75 x 75 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Publicada en: sitio oficial del artista www.ernestohume.com con el título "Caja". Inició sus estudios en la Academia de San Carlos, interesado por la vanguardia minimalista de la escuela de Mathias Goeritz. En 1985 obtuvo mención honorífica por parte del INBA en el Salón Nacional Trienal de Escultura; en 1995 recibió la beca Mex-AM Fellowship Award del Vermont Studio Center y en 2007 obtuvo el primer lugar en la Primera Bienal Internacional de la ciudad de León. Sus obras forman parte del acervo de instituciones como el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno y el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, así como el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y el Museo Antropológico de La Paz, Baja California. En su propuesta, su interés radica en la dualidad y la relación entre la ciencia y el arte. Ha realizado obra de carácter público y urbano, en su trabajo de gran escala ha explorado la capacidad de integración de la obra plástica al espacio arquitectónico, sus esculturas se caracterizan por un efecto logrado de movimiento o transformación constante. El metal ha sido el principal material de su trabajo. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ernesto Hume. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 4-7 y 11.

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,420-$10,530 270

218

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - )

Sin título Firmado y fechado 69 dos veces Óleo sobre tela 130 x 150 cm La intención del artista es que la obra pueda ser girada horizontalmente 180° para generar dos composiciones diferentes. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Con documento del Instituto Nacional de Bellas Artes, Museo del Palacio de Bellas Artes, especificando el préstamo de la obra a la exposición "Yo el pintor", mayo de 1990. Exhibido en: "Yo el pintor" muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, del 29 de junio al 12 de agosto de 1990 y en el Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara en 1991. "Arévalo parece ir más allá, a las pinturas prehispánicas hermosamente bellas, en las que el misterio aún no se llama surrealismo". Texto de la exposición "Javier Arévalo, obra reciente", Galería López Quiroga, 1990. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 100.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,320-$10,530

271

219

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Paisaje dividido, 1986 Mixta sobre tela 140 x 300 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección privada. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Departamento de Registro y control de obra. $280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,740-$18,420 272

Miguel Castro Leñero estudió en La Esmeralda, la cual abandonó a los dos años de haber ingresado para entrar al taller de grabado del Centro de Investigaciones y Experimentación Gráfica. Su primera exposición individual fue realizada en el Museo de Arte Carrillo Gil en 1982 y cuatro años después el Museo de Arte Moderno organizó la exposición individual "Paisaje dividido". En esta época, fue galardonado con el premio de adquisición de la Primera Bienal de Pintura Rufino Tamayo en Oaxaca y el primer premio de adquisición en el II Encuentro de Arte Joven en Aguascalientes. Actualmente, Miguel Castro Leñero es uno de los principales exponentes del arte contemporáneo mexicano. Su obra ha sido expuesta en destacados museos y galerías mexicanas, y se encuentra en importantes colecciones privadas de México, Cuba, Brasil, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, España, Alemania, Bélgica, Polonia, Francia, Inglaterra, Italia, Suiza y Corea del Sur. Fuentes consultadas: GARCÍA SANDOVAL, Laura. "Entrevista al pintor mexicano Miguel Castro Leñero". BlouinArtinfo, 26 de septiembre del 2013 y sitio del Museo de Arte Carrillo Gill www.museodeartecarrillogil.com

273

220

ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - )

Taus, 2015 Sin firma Escultura, talla directa en mármol gris 50 x 45 x 18 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Estudió Artes Visuales en la ENAP, donde fue un alumno destacado del escultor Kiyoto Ota. Participó y pasó a la segunda ronda de selección en la Trienal de Escultura de Osaka, Japón en 1998. En 2006 tuvo lugar su primera muestra individual en el Museo Federico Silva de San Luis Potosí. A principios de 2012 presentó una muestra individual en el Museo Fernando García Ponce-MACAY. En junio del 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia, así como en "Paradigmas. Una década de escultura" en el Museo Federico Silva. En marzo del 2016 participó en la exposición "E-8 escultura contemporánea, México" en el Museo Manuel Felguérez en Zacatecas, junto con: Yvonne Domenge, Pablo Kubli, Ernesto Álvarez, Ernesto Hume, Pedro Martínez, Luz Zaga y María José de la Macorra. Arno captura de su entorno más inmediato, que es la Ciudad de México, los objetos del diseño industrial, las formas arquitectónicas, el caos de los elementos urbanos y los vestigios de la naturaleza. Complementa sus referentes tangibles con los intelectuales que toma de la física y la astronomía, derivados de su anhelo por entender la realidad. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Arno Avilés. Escultura reciente. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 10 y 11.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 274

221

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Habitante desconocido Firmado y fechado 89 Óleo sobre tela 100 x 100 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Con certificado de autenticidad de DIMART, mayo de 1990.

"La pintura me motiva mucho y me ayudó a construirme personalmente. Es un lenguaje extremadamente rico, complejo y difícil. Implica mucha disciplina, cierto rigor, me obligó a trabajar mucho; parte de mi juventud la dediqué íntegramente a pintar, en ese sentido mantuve una disciplina muy fuerte. He tenido la suerte de tener una línea, trabajar 30 años sobre algo". Miguel Castro Leñero. Fuente consultada: GARCÍA SANDOVAL, Laura. "Entrevista al pintor mexicano, Miguel Castro Leñero". Blouin ArtInfo http://mx.blouinartinfo.com 26 de septiembre del 2013.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,260 275

222

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Elefante del nuevo mundo, 2017 Firmada Escultura en piedra de recinto P.E. 20 x 22.5 x 15 cm Con certificado de autenticiad del artista, septiembre del 2017. Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,110-$2,630 276

223

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Elefante ornitorrinco, 2017 Firmada Escultura en piedra de recinto P.E. 19.5 x 14 x 15.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2017. Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2017. $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,110-$2,630 277

224

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Memoria Firmada Mixta sobre papel 47.5 x 32 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Exhibida en: "Ignacio Iturria. Obra en papel", exposición presentada en el Museo Regional de Guanajuato, Alhóndiga de Granaditas en el marco del 37 Festival Internacional Cervantino, octubre a noviembre del 2009 y en "Horizontes imaginarios. Dibujo, fotografía y gráfica en la colección de Miguel Ángel Muñoz", presentada en el Centro Cultural de España de junio a julio del 2017. Nacido en Uruguay de ascendencia vasca, en la década de 1970 se fue a Cadaqués, España en busca de inspiración para su obra, donde permaneció 10 años. Durante la segunda mitad del siglo XX, su obra ha destacado pues el artista ha desarrollado su estilo maduro, con un fuerte y personal vocabulario de colores terrosos y unos personajes de ensueño y fantasía, cargados de historia y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. A lo largo de su carrera ha expuesto en diversos lugares de América Central y del Sur, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel. "Ignacio Iturria. Obra en papel". México. Museo Regional de Guanajuato, 2009 y SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio de 2014.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,160-$4,740 278

225

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Sin título Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 61.5 x 71 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

"A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños". Ignacio Iturria. Fuentes consultadas: SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420 279

226

ANA MERCEDES HOYOS

(Bogotá, Colombia, 1942 - Bogotá, Colombia, 2014)

Sin título Firmado y fechado 04 al reverso Carboncillo sobre tela 100 x 200.5 cm $300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,790-$21,050 280

Ana Mercedes Hoyos estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes y en la Universidad Nacional de Bogotá. Su carrera como artista la empezó con un segundo lugar en el Primer Salón de Arte Joven en 1968, lo que la llevó a realizar diversas muestras en ciudades como la Habana y Caracas. Desde los años ochenta pasó un tiempo considerable en Nueva York, ahí el Metropolitan Museum of Art constituyó una rica fuente de información histórica del arte. Se dedicó a analizar y crear variaciones de naturalezas muertas emblemáticas de grandes maestros de diversos periodos de la historia de la pintura occidental. A partir de 1987 comenzó una serie de obras figurativas que revelaban una actitud reflexiva hacia la importancia de la herencia africana en Colombia y Latinoamérica. El proceso estético de Ana Mercedes Hoyos encontró su personalidad propia cuando la artista fijó su atención en ciertos aspectos de la realidad cultural colombiana. Su aproximación a esa cultura autóctona fue semejante a la que hizo frente a las estéticas del arte occidental. Estudió las formas y buscó la lógica constructiva de

las imágenes que observaba en las visitas, con valor antropológico, que hacía a los palenques y a las fiestas de San Basilio. En obras como la que aquí presentamos, la artista creó atmósferas que nos permiten percibir el ritmo musical de raíces africanas que inunda los espacios. Gigantescos moños, los vestidos blancos o multicolores, nos hacen sentir dentro de la fiesta participando del desfile. Estamos formados atrás de las graciosas y delicadas señoritas, Ana Mercedes nos hace participar de la fiesta del Parque de San Basilio, sólo por hoy somos parte de la procesión. "El dibujo de Ana Mercedes convierte lo que podría parecer simple antropología, o crítica o síntesis, en un caleidoscopio de armonías estéticas con la capacidad de establecer el punto de vista y que sitúan su obra en la más auténtica modernidad". Fernando Toledo Zamora. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Marín et ál. Ana Mercedes Hoyos. Retrospectiva. México. CONACULTA, INBA, Museo de Arte Moderno, MARCO, 2005, pp. 33, 38 y 56.

281

227

ANA MERCEDES HOYOS

(Bogotá, Colombia, 1942 - Bogotá, Colombia, 2014)

Autorretrato con Dominga Firmada y fechada 92 Mixta sobre papel sobre madera 48 x 45 cm

"Yo defino mi trabajo como una locura rigurosa. A nivel conceptual soy una estudiosa del espacio, la luz y el tiempo, apoyada siempre en mi interés por la historia del arte. Con esos elementos me doy el lujo de ser irreverente. […] Diría que soy una artista adoptada por México. Tuve la fortuna en un comienzo de comunicarme con el país a través de exposiciones, quedan las subastas internacionales en las que los mexicanos acogieron mi trabajo con gran entusiasmo. Este hecho me abrió las puertas con los coleccionistas, los museos y el medio artístico mexicano". Ana Mercedes Hoyos. Fuente consultada: "Soy una artista adoptada por México". Colombia. Revista Semana, sección Cultura, 28 de noviembre del 2004.

$350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $18,420-$26,320 282

228

JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - )

Son tantos los caminos Firmado y fechado 91 Óleo sobre tela 97 x 149.5 cm Desde edad muy temprana le entusiasmaron el dibujo, las historietas y la ilustración, por lo que en su adolescencia ingresó a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, fue un alumno talentoso que destacó dentro de su generación. Posteriormente formó parte de los primeros egresados del recién creado Instituto Superior de Arte ISA de La Habana, de donde se licenció con honores. Fue iniciador de una transformación radical del arte cubano de su tiempo, la cual inició con la conocida muestra "Volumen 1" de la que Bedia formó parte muy activa. Su pasión por las culturas primigenias amerindias se complementó con sus dedicados estudios antropológicos de la cultura afrotrasatlántica, ahondando desde la fe en las religiones y creencias de los cultos de la Regla Congo y la Regla de Ocha, así como de hombres leopardos o Abakuás, entre muchas otras. Sus investigaciones lo han llevado a realizar un cuerpo de obra que versa sobre cómo sobreviven en nuestros días las herencias culturales que nos levantan como ciudadanos de hoy. Gracias a la solidez de este trabajo, caracterizado por la mezcla de relatos fabuladores, que él llama "lecciones alfabetizadoras", de los microuniversos cosmogónicos de las culturas ancestrales y su arraigo en las actuales culturas populares, sus inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, lo que le ha permitido presentar su trabajo en países como Perú, Chile, Haití, República Dominicana, Puerto Rico, Zambia, Botsuana, Kenia y Tanzania. Desde 1993 reside en Miami. Su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, así como el MoMa, The Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, the Guggenheim Museum, Tate Modern, Smithsonian Museum, la colección Daros en Zürich, el Museum of Contemporary Art of North Miami, entre otras. Diversos premios, residencias y distinciones lo colocan como uno de los creadores más prestigiosos y relevantes del arte realizado desde las Américas de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.josebedia.com

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,160-$18,420

283

229

ALEXIS LEYVA MACHADO "KCHO"

(Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - ) Remos Firmadas Esculturas en bronce 1 / 8 y 2 / 8 168 x 38 x 16 cm cada una Piezas: 2 Con fotografías de ambas obras firmadas y seriadas por el artista al reverso a manera de certificado. La migración es una constante en la obra de Kcho. Suele asociar su trabajo con el viaje, el éxodo y el exilio. La emigración como drama que describe la historia contemporánea de Cuba. Con una actitud crítica, Kcho nos advierte sobre la precariedad de la existencia y los anhelos de escapar de las privaciones, penurias, carencias y miserias de este destino. "Una persona a la que le ha pasado lo que me pasó a mí con mi trabajo puede vivir donde quiera, en China, en la Antártida, arriba de un pino, donde quiera. Pero vivo en Cuba porque es mi casa y me encanta. Me encanta el olor de mi ciudad, el calor, el aire, me encantan sus lugares. Yo puedo vivir donde quiera, pero me quedo en Cuba porque es mi casa y me gusta. Soy fanático de mi casa". Kcho. Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Franklin. "Kcho: un trozo de algo". Brasil. Agulha revista de cultura, No. 49.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160

284

230

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Árbol genealógico Firmada y fechada 99 Mixta sobre papel 68.5 x 39.5 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Exhibida en: "Ignacio Iturria. Obra en papel", exposición presentada en el Museo Regional de Guanajuato, Alhóndiga de Granaditas en el marco del 37 Festival Internacional Cervantino, octubre a noviembre del 2009. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,320-$9,470

285

231

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Boceto para la escultura Señales Firmada Mixta sobre papel 43.5 x 59 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2017. Se trata de un bosquejo de la obra que formó parte de la Ruta de la Amistad durante los Juegos Olímpicos de 1968. Fue alumna de Germán Cueto, introductor del abstraccionismo dentro de las formas escultóricas en México. Fue la primera mujer en ser aceptada como miembro de la Academia Nacional de las Artes. Cuenta con numerosos galardones, entre los que sobresale el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por la Secretaría de Educación Pública en 2013 y en 2015 fue merecedora de la Medalla Bellas Artes, otorgada por el INBA - CONACULTA, uno de los máximos reconocimientos a la cultura de nuestro país. Fuentes consultadas: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ángela Gurría: La gran escultora de México. México. Arte Hoy galería, 2013, Pág. 78 y sitio de Arte Hoy galería www.artehoy.com.mx

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,580-$2,630

286

232

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Paloma, 2016 Firmada Escultura en acero en base de mármol 1 / 10 31 x 18 x 21.5 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de la artista, octubre del 2016. Presenta ligeros detalles de conservación.

"Ángela Gurría ocupa un lugar muy especial entre los escultores mexicanos, por el nivel de abstracción y simbolismo que alcanzan sus obras. Fue de las pocas artistas, invitada por Mathias Goeritz a participar en la Ruta de la Amistad con su obra 'Señal' en la Estación No. 1 de dicho proyecto. Además, es reconocida por ser la primera mujer aceptada como miembro de la Academia Nacional de las Artes en 1973. Durante el discurso de bienvenida a Ángela Gurría como miembro de la Academia, el Maestro Juan O´Gorman dijo: 'Ella es una artista que tiene fe en sí misma y que vive dentro de las ilusiones románticas en un mundo donde el placer estético, como razón fundamental del arte, está por expirar. Este juicio que hago de ella como artista está enteramente a su favor'". Fuentes consultadas: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ángela Gurría: La gran escultora de México. México. Arte Hoy galería, 2013, Pág. 78 y sitio de Arte Hoy galería www.artehoy.com.mx

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160 287

233

CARLOS VARGAS PONS

(Guadalajara, Jalisco, 1968 - )

Bañista con flor Firmado y fechado 95 Óleo y acrílico sobre tela 254 x 139 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección privada. Estudió pintura y dibujo con los maestros Enrique Ruiz Rojo, José Fors y Davis Birks. Carlos Vargas Pons inició la construcción de su discurso pictórico en los noventa, una década de profundos cuestionamientos de la naturaleza del arte. El hecho de que Vargas Pons recibiera a temprana edad dos primeros premios de adquisición consecutivos (en 1990 y 1991) en el Encuentro Nacional de Arte Joven, seguramente afirmó su opción pictórica que aunaba la expresión personal y la reflexión sobre el mundo del arte en que se insertaba o con el cual proponía una comunicación. Si inicialmente tal opción consistió en ubicar sus afinidades o admiraciones por algunas figuras de la historia del arte occidental, desplegando sus dones pictóricos y sus placeres lúdicos mediante la apropiación o invasión virtual de imágenes entrañadas en su propia formación, el grado de complejidad que ha alcanzado en su ulterior desarrollo confirmó que el juego con imaginarios ajenos para significar el propio derivaría en la generación de estructuras compositivas cuyos referentes terminan hoy por sublimarse en su tratamiento de temas globales de gran actualidad y amenazante futuro. Sus imágenes de bañistas jóvenes presentan deformaciones corporales, debidas a la refracción de la luz natural a través del agua cristalina y agitada de una alberca, estas obras no sólo le permitieron fijar una recurrencia significativa en toda su obra, sino caracterizar su pincelada gruesa, sinuosa y espontánea, así como un colorido vibrante que recuerda a la vez la libertad del fauvismo y la intensidad del expresionismo. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. "Carlos Vargas Pons, el nadador".

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,530-$13,160 288

234

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Desnudo Firmada y fechada 2016 Talla en madera entintada 91 x 123 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Es el hijo de los artistas Alberto Gironella y Carmen Parra. Es internacionalmente reconocido por sus diálogos y escritos sobre la "Artempatía" y su práctica social-artística diversa. Gironella Parra se graduó de la Interlochen Arts Academy en Michigan donde estudió Escultura, Fotografía y Grabado. Desde entonces, ha experimentado con diversas técnicas como el óleo, acuarela, litografía, video, instalación de luz y serigrafía, entre otros. Conceptualmente, Gironella Parra implementa su amplia gama de medios para abordar temas relacionados a la tradición, violencia e injusticia social en México. Para Emiliano Gironella Parra, el arte es una poderosa herramienta para modificar paradigmas e historias preconcebidas; una herramienta clave para cambiar la visión que se tiene en el exterior sobre México e inspirar un cambio radical y educativo dentro del país. Este año presentó "Artempatía / Empathy Art", su primera exhibición individual en Estados Unidos. Realizada en colaboración con The Getty Museum's Pacific Standard, la muestra se presentó en la galería Jason Vass en Los Ángeles. $95,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$7,900 289

235

JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2017)

Sin título Firmada y fechada 1986-87 Tinta y carboncillo sobre papel 94.6 x 70.2 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2013. Presenta ligeros detalles de conservación. Los años 80 fueron de mucha productividad cultural para José Luis Cuevas, pues además de realizar series de dibujos, inició un recorrido por el extranjero realizando diversas exposiciones. Además, la Universidad Autónoma de Sinaloa le concede el grado de Doctor Honoris Causa en atención a su relevante contribución al arte mexicano y a la cultura nacional. En 1987, la casona de Santa Inés es otorgada en comodato al Departamento del Distrito Federal para convertirla en el Museo José Luis Cuevas. Un año más tarde el Museo Solomon R. Guggenheim seleccionó su litografía "El Coloso", para ilustrar la portada del catálogo de la Exposición Arte Contemporáneo y los Juegos Olímpicos, la cual recorrió cien ciudades del mundo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.joseluiscuevas.com.mx

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 290

236

RAMÓN OVIEDO

(Barahona, República Dominicana, 1924 - Santo Domingo, República Dominicana, 2015)

Sin título Firmado Acrílico sobre papel 60.5 x 45 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Con dedicatoria.

"Dotado de una sensibilidad poética, que se alumbra en la contemplación de una abstracción luminosa, cada pequeña sensación de Oviedo, ya sea transformada en pintura o en poema, ha abierto un surco de luz donde resplandecen las vibraciones cromáticas más sutiles, diluyéndose en atmósferas que filtran el fugaz brillo hiriente hasta amasar su sustancia, hasta darle cuerpo como claridad coagulada, impregnante, muy sensual. Un eslabón seguro, además, para entender en su justa medida lo que fue y es el arte caribeño y de parte de América Latina del siglo XX. "[…] Ya desde los años setenta, Oviedo comenzó a dar luces de un manejo del color, que a finales de los noventa y hasta el día de hoy, lo han convertido en un soberbio colorista, aunque reafirmando su progresivo atrevimiento, que, desde hace algunos años, le ha hecho ampliar su gama caribeña de sienas, verdes y negros a tonalidades insólitas de verdes, naranjas, amarillos cuya acidez no ha trabajado, sin embargo, ese toque de cálida sensualidad visual y poética que siempre transmite su pintura". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Cuestiones de arte y artistas del siglo XX. México. Seminario de Cultura Mexicana, 2016, Pág. 124.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,420-$3,160 291

237

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Proyecto para una pintura Firmado y fechado 1962 Gouache sobre papel 29 x 22.5 cm

"Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa esta simplificada a lo mínimo, y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos por ejemplo". Luis Cardoza y Aragón, 1992. Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, Pág. 20.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 292

238

GERMÁN CUETO

(Ciudad de México, 1893 - Ciudad de México, 1975)

Máscara Sin firma Escultura en madera tallada y policromada 41 x 28 x 3 cm Es considerado el renovador de la escultura mexicana del siglo XX. Por órdenes de su padre, ingresó en 1910 a la Escuela de Ciencias Químicas, ahí conoció al escultor Fidencio Nava, posteriormente ingresó en la Academia de Bellas Artes, pero el tipo de enseñanza que ahí se impartía lo decepcionó. En 1922 fue ayudante de Ignacio Asúnsolo en la renovación del edificio de la SEP. Pero no fue sino hasta que se integró al grupo de los Estridentistas, cuando encontró el medio adecuado para realizar el arte de vanguardia que le interesaba. De este periodo destacan máscaras de cartón en colores vivos de personajes y amigos. De 1927 a 1932 vivió en Francia, donde conoció y convivió con artistas como Mondrian, Torres García, Archipenko, Arp y Calder. Es entonces cuando desarrolló su gusto por la diversidad de materiales y el manejo de planos y volúmenes que caracterizan su obra. En Europa participó en exposiciones colectivas en Suiza, España, Holanda y Francia. Germán Cueto fijó su mirada en el arte tradicional mexicano, muy especialmente en las máscaras, que durante décadas fueron motivos centrales de su producción. El artista realizó numerosas máscaras a lo largo de su vida, con distintas formas, materiales y técnicas, a través de un proceso incansable de experimentación y siempre con una perspectiva escultórica vanguardista. Cueto sabía, sin duda, que México es el "País de la Máscara", en donde un rostro oculto posee un poder casi ritual. "Cueto clausura el ámbito de la inhibición e inaugura el gran teatro del mundo a modo de colectiva irrupción de un frenesí liberador. La máscara alivia la tensión contenida, que estalla como una risa desbordada. Su significado último lo encontramos en otro lugar; su sentido es su misterio. Cuando la cara es sólo transfiguración, la máscara es el rostro, el espejo de la interioridad". Teresa Bosch Romeu.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 312, BOSCH ROMEU, Teresa. Germán Cueto, un artista renovador. México. CONACULTA, 1999, Pág. 18 y ESPINOZA, Antonio. "Germán Cueto: escultor vanguardista". México. El Universal, Confabulario, febrero del 2014.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,470-$13,160 293

239

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Boceto Firmado Lápices de color sobre papel 20.5 x 15 cm Publicado en: MOYSSÉN ECHEVERRÍA, Xavier. Diseños de Carlos Mérida. México. Galería Arvil, diciembre de 1981. Exhibido en: "Diseños de Carlos Mérida" muestra presentada en Galería Arvil en la Ciudad de México en diciembre de 1981. Con etiqueta de Galería Arvil. $65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,420-$4,740 294

240

RENÉ PORTOCARRERO

(La Habana, Cuba, 1912 - La Habana, Cuba, 1985)

Sin título Firmada y fechada 83 Mixta sobre papel 76 x 51 cm Agradecemos al especialista del Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana Sr. Roberto Cobas Amate por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2017. Fue un artista de formación autodidacta, iniciándose en la pintura a los 12 años. Su primera exposición individual se realizó en 1934 en el Liceo de La Habana y en 1945 expuso por primera vez en el extranjero, en la galería Julián Levy, de Nueva York. Sus obras se han exhibido en museos de casi todo el mundo, además de una muestra permanente en la Casa de las Américas, en La Habana. En 1963, su serie "Flores y color" en Cuba obtuvo el gran premio de la Bienal de São Paulo, Brasil, y años después, la Bienal de Venecia le dedicó un homenaje como artista invitado. Fue condecorado varias veces por el Gobierno Castrista y formaba parte del Consejo Técnico Asesor del Ministerio de Cultura de Cuba. El Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana le dedicó una amplia exposición retrospectiva en 1967. En 1982 le fue impuesta "El Águila Azteca", máxima condecoración que otorga México a una personalidad extranjera. Fuente consultada: "René Portocarrero, pintor cubano". España. Diario El País, sección Gente, 9 de abril de 1985.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,900-$10,530 295

241

LILIA CARRILLO

(Ciudad de México, 1930 - Ciudad de México, 1974)

Composición en ocres Firmado y fechado 61 Óleo sobre tela sobre masonite. 46 x 55 cm Procedencia: adquirido en Galería Sloane Racota. Exhibido en: "Lilia Carrillo", muestra presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, de septiembre a octubre de 1992. Con etiquetas de: INBA oficina de registro de obras, Museo de Monterrey de la exposición "La Mujer en México", Centro Cultural Arte Contemporáneo, A.C. y Galería MERKUP A.C.

"Lilia Carrillo es esencialmente una pintora lírica. Sus cuadros se colocan de una manera natural dentro de ese grupo de obras cuya esencia poética, siempre más cercana al terreno del canto que al del concepto, escapa a todo intento de interpretación. Frente a la realidad inmediata su pintura tiende en parte a crear una distancia antes que una identificación. Su calidad etérea, delicada, su excepcional sutileza, parecen contradecir antes que apoyar su tratamiento de los materiales, obligándolos a pasar desapercibidos, a perderse en la totalidad sin límites precisos del cuadro". Juan García Ponce. Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. "Nueve pintores mexicanos". México. UNAM, colección Pértiga, 2006, pp. 47-50.

$300,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,790-$18,420 296

242

ALFONSO MENA

(Ciudad de México, 1961 - )

Sin título Sin firma Óleo y encáustica sobre tela 113 x 85 cm Estudió en La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha recibido becas y reconocimientos en México y el extranjero. Entre bienales, ferias, concursos, salones y colectivas, ha participado en más de noventa exposiciones. Su obra forma parte en museos y colecciones privadas en diferentes partes del mundo. Actualmente trabaja y vive entre México y Nueva York.

“Mena busca persuadir al espectador mediante el uso de herramientas lingüísticas y técnicas pictóricas que en plena era digital podrían parecer anacrónicas: la encáustica, el plomo, la resina o el grafito. Su pintura está tapiada de velos que permiten entrever la materia oculta

y una multiplicidad de planos que se entrelazan a partir de sus reflejos. Al igual que Paul Klee, Mena hace visibles las fuerzas invisibles. Su pintura es la manifestación de un principio autónomo e irreductible, la realidad interior, de ahí la fuerza centrífuga de sus imágenes. La abstracción de Mena admite la inclusión de figuras y palabras; la realidad se convierte en una imagen mental, cargada de intención”. Miguel Ángel Rosas. Fuente consultada: ROSAS, Miguel Ángel. “Alfonso Mena. Seducción”. México. Texto de la exposición retrospectiva presentada en el Museo de Arte Moderno, CONACULTA, INBA, 2013.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$7,900 297

243

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - )

Pareja Firmado y fechado 2017 Óleo y tinta sobre tela 60.2 x 50 cm Con certificado de autenticidad del artista. José García Ocejo estudió Arquitectura en la UNAM y en 1953, por medio de una beca académica, viajó a Madrid y Austria. Es un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Vive rodeado de objetos hindúes, japoneses, porcelanas chinas y esculturas estilo Art Nouveau que lo envuelven en una atmósfera inspiradora que se desborda con erotismo y deseos de seducción en su arte. También tiene obra satírica y de humor negro en donde encontramos poetas muertos, mujeres en proceso de muerte y jóvenes que escapan de su alma. Sus cuadros son caprichosos, poéticos, interpretaciones libres y alucinantes. En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. En 1988, se inauguró en Córdoba, Veracruz, su ciudad natal, el Museo José García Ocejo. Sus obras se han expuesto en museos, galerías y pertenecen a colecciones privadas en México y en el mundo.

"García Ocejo es un pintor sui géneris que olvida la existencia de los dictados de la vanguardia, y crea otra: la de las ideas que avanzan hacia lo imaginado". Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,680-$5,260 298

Reverso

Anverso

244

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Caballo, del proyecto Y también son caballos Firmada y fechada 98 Escultura en bronce PA 56 x 47 x 9 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. La versión pictórica de esta pieza se encuentra publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 118. $180,000.00-$280,000.00 M.N. USD $9,470-$14,740

299

245

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Torero Firmada y fechada 2016 Óleo sobre madera tallada 122 x 122 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista.

"Emiliano Gironella Parra, siempre leal a su afición, logra en su trabajo encender la magia de la fiesta brava, el efecto que en su sensibilidad producen el riesgo, el peligro y la belleza. En su pincel se transparenta la tragedia, el vigor, el rito misterioso, su pasión por esa actividad del espíritu sin la cual las bellas artes estarían incompletas". Alí Chumacero. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320

300

246

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Toro Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce P / A III 22.5 x 57 x 24 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2017. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,530-$15,790 301

302

247

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

La patada del caballo Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 140 x 200 cm Publicado en: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier. José Reyes Meza. México. Prisma Editorial S.A. de C.V., 2008, pp. 146 y 147. Presenta ligeros detalles de conservación. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. Estudió en el Instituto Nacional de Antropología e Historia y posteriormente en la Academia de San Carlos. La selección de sus temas provenían de la vida popular en todas sus manifestaciones, en ocasiones rescató el género del bodegón, los retratos y escenas costumbristas, de las cuales tiene como subtema la tauromaquia. Su obra se caracteriza por una llamativa gama cromática, una excelente soltura de la pincelada y una exquisita calidad en el dibujo. De este último tema, la influencia inició con el legendario torero "Chato" Guerra, quien era amigo de su padre, además en sus andanzas se mantuvo cerca del pintor Antonio Navarrete, por lo que por un momento se le ocurrió ser torero, profesión que no ejerció para dedicarse a la pintura. Durante sus múltiples facetas fue un promotor cultural inalcanzable, ejerciendo en medio teatral, realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad, también fue miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo con su nombre. "De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo, razón de ser de los "hobbies", eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros". José Reyes Meza. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál.

La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO - LECANDA, Héctor. "¿Quién es José Reyes Meza?", 3 de mayo de 2009. $380,000.00-$450,000.00 M.N. USD $20,000-$23,680

303

248

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

La touche Firmada y fechada 1926 Tinta sobre papel 26 x 20.5 cm Procedencia: colección Conde René Philipon, Francia. Subasta de la Galería Christophe Joron-Derem, 2014. La obra de Ángel Zárraga, en la década de los años 20 y 30, era muy cotizada en París y se exhibía con frecuencia en diversas galerías de arte del país. El estilo cubista con el que había estado trabajando lo rezagaba y regresó a su fuente original de inspiración, así, comenzó a realizar obras que no estaban en las temáticas comunes de un pintor, siendo el deporte el que dominó su imaginario colectivo y la salvación de esta etapa de crisis. En los años previos a los Juegos Olímpicos de 1924 en París inició su interés por los cuerpos atléticos. Fue fanático del futbol, así que retrató a jugadores de equipos franceses y de otros países, ninguno latinoamericano. Con un lenguaje artístico moderno, estas obras acentuaron su conocimiento anatómico, captando con precisión, fuerza y dinamismo el movimiento de los músculos de los jugadores en plena acción; este desarrollo plástico le dio una pauta artística para llegar al muralismo. Pintó tanto hombres como mujeres futbolistas. La primera esposa de Zárraga, Jannette Ivanoff, fue jugadora del equipo de futbol francés, lo que lo inspiró a pintarla varias veces; la retrató en plena acción en el cuadro "Las futbolistas" y a Angelina Beloff en la obra "Futbolista rubia" sosteniendo un balón. Fuentes consultadas: GARAY, Claudia et ál. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 83 y 84 y RAMÍREZ, Javier. "La pintura latinoamericana y el futbol". México. La Prensa, suplemento La Prensa Literaria, 17 de junio del 2006.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900 304

249

ABEL QUEZADA

(Monterrey, Nuevo León, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 1991)

Boxeador, John L. Sullivan Firmada y fechada 1880 New York City Mixta sobre papel 23.5 x 13.5 cm Procedencia: Alberto Isaac y Julie San Juan. Colección particular. Abel Quezada fue un destacado pintor, ilustrador y caricaturista mexicano cuya obra ha contenido cierta crítica social, política y cultural de finales del siglo XX. Llegando a la Ciudad de México, comenzó su trayectoria realizando sus primeros cómics en la revista "Chamaco Chico", posteriormente publicó varios libros de cuentos autobiográficos y colaboró para el diario "Ovaciones" y publicó a Los Tarzanes y Los Mariachis en la revista "Pinocho". En 1946 viajó a Nueva York, donde permaneció 3 años realizando ilustraciones para anuncios publicitarios. Regreso a México momentáneamente, en este tiempo inventó el personaje el Tapado y trabajó para "Novedades" y "Excélsior". Siempre fue un hombre visionario, simpático, con un buen sentido del humor creativo, que era la síntesis social de las opiniones colectivas. En 1981, se trasladó a vivir a Nueva York, contratado por el semanario The New Yorker. En 1989 se retiró de su actividad periodística y sus últimos cartones fueron publicados en casi todos los periódicos de México. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Ileana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 556.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,260-$7,900

305

250

JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Almas proféticas Firmado y fechado 1903 Tinta sobre papel 19 x 15.5 cm Con constancia de opinión del Lic. Rafael Matos Moctezuma, agosto del 2006. Procedencia: perteneció a la colección Morillo Safa. Exhibida en: "Homenaje a Julio Ruelas", exposición realizada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA, en 1965. Esta pieza fue publicada en la "Revista Moderna de México", Vol. IX, 1907. Julio Ruelas estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y los complementó en el extranjero, ya que su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces. Su primera parada fue en 1891 en Baden, Alemania para estudiar en la Universidad de Karlsruhe, donde obtuvo su mayor influencia artística y después en París aprendió las técnicas del grabado. En diciembre de 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano realizó su segundo largo viaje a París; su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras. La influencia de sus múltiples viajes hizo que su trabajo presentara diversas corrientes artísticas modernistas además de elementos trágicos que consolidan sus visiones fantásticas a causa de sus trastornos. Actualmente es reconocido por su excelente trabajo como ilustrador de estilo simbolista que construyó imágenes metafóricas y subversivas que apelan a la emotividad del espectador. Sus obras figuran en importantes galerías, museos y colecciones privadas de México, Estados Unidos, Holanda y Francia. Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD$3,160-$4,210

306

251

JOSÉ MANUEL SCHMILL (Ciudad de México, 1934 - )

El demoniaco Firmado y fechado 2016 Óleo sobre tela 30 x 40 cm José Manuel Schmill es considerado por el medio artístico como uno de los pintores más radicales que existen en México, un observador insaciable cuya obra despierta emociones contradictorias a causa de su afición por el horror en la pintura, la música, la literatura y el cine. Su formación como pintor inició en el taller de José Antonio Grana y con el español José Bardasano. Posteriormente, se dedicó a aprender de manera autodidacta, libre de toda autoridad, a través de la contemplación de los cuadros de John Singer Sargent, Abram Arkhipov, James Whistler y Max Liebermann. Su obra ha formado parte de diversas exposiciones individuales y colectivas en importantes recintos como la Galería Antonio Souza, el Palacio de Bellas Artes, el Salón de la Plástica Mexicana, el HR Giger Museum, Musée d'Art Moderne de la Ville de ParÍs, Weyhe Gallery en Nueva York, Galería Misrachi y el Instituto Mexicano de Cultura en San Antonio, Texas.

"El instinto de deformar surge de un capricho momentáneo, pero no pesimista, ni anímico, sino muy intelectual; no trato de expresar sensaciones vulgares de amor, odio, pasión, etcétera, sino que, por el simple juego con mis materiales y texturas, surgen figuras grotescas. "[…] Los monstruos surgen de una especulación psicológica divertida y caprichosa, simplemente. "Si reside alguna gloria en no ser comprendido o serlo muy poco, puedo decir sin vanidad que, gracias a estos cuadros, me he hecho acreedor a ella de golpe". Adaptación libre de José Manuel Schmill del escrito "Proyectos de prólogos para 'Las flores del mal' y consejos a los jóvenes escritores" de Charles Baudelaire, fragmento. Fuentes consultadas: NELKEN, Margarita et ál. José Manuel Schmill. México. Producciones Educación Aplicada, 2015.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$7,900

307

252

JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Faunos ahogados Firmada y fechada 901 Tinta sobre papel 6.5 x 27.5 cm Con certificado de autenticidad de DIMART, abril de 1990. Procedencia: Perteneció a la colección Morillo Safa. Publicada en: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, Pág. 122, lámina 125 y MONSIVÁIS, Carlos et ál. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. INBA, MUNAL, 2007, pp. 20 y 21, catalogada 61. Con etiqueta de Dimart y Galería Rafael Matos. Esta pieza fue publicada en la "Revista Moderna", No. 9, año IV, Pág. 142, mayo de 1901 y en la "Revista Moderna de México", junio de 1903, Pág. 187. A principios del siglo X, la "Revista Moderna" se convirtió en la publicación más importante de divulgación científica, notas actuales, literatura y arte. Incluía notas de autores extranjeros junto con obras de artistas plásticos. Fue la primera publicación mexicana con impacto internacional sobre el modernismo hispanoamericano. El principal ilustrador de la "Revista Moderna" fue Julio Ruelas, simbolista mexicano que por su excelente manejo de la línea, llenaba de dibujos, retratos y viñetas las páginas de cada publicación. Sus ilustraciones eran altamente ornamentales, aunque en ocasiones solía agregar frases en español o alemán, todas ellas tocaban temas siniestros, pasionales, melancólicos y a veces hasta sádicos y macabros, como las ilustraciones que realizó para "El cuervo" de Edgar Allan Poe. El cuervo fue un animal concurrente en su obra, casi un emblema, apareciendo en docenas de sus viñetas. Teresa del Conde lo determinó como un "alter ego", al que rindió culto cuando la "Revista Moderna" publicó el poema en agosto de 1900. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos et ál. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. INBA, MUNAL, 2007, pp. 75-83.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,110-$3,160

308

253

FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 Ciudad de México, 1935)

Sin título Firmada F.R. Tinta sobre papel 27.7 x 21.5 cm En 1917 sus padres lo enviaron al Saint Edward's College en Austin, Texas y al año siguiente se trasladó a Chicago, ciudad que causó gran influencia en él, pues estaba repleta de arte, de vanguardia y de movimiento. Durante su estancia, conoció bien los ambientes de los alrededores, donde se juntaban las bandas de jazz y blues, así como los establecimientos prohibidos donde se consumía alcohol y se vivía la vida libre y bohemia. Tras volver a México, en 1922 comenzó un camino enriquecedor y de muchos contrastes: por un lado, colaboró con los estridentistas; por otro, comenzó a acercarse al muralismo. Con una intuición estética tan especial, las composiciones de Revueltas desbordaban genialidad creativa, pues además de realizar pintura de caballete y murales también realizó viñetas en revistas y anuncios publicitarios y experimentó con el diseño de vitrales. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 30, junio de 1997, Pág. 11.

$44,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,440-$3,160 309

254

MARIO PÉREZ

(San Juan, Argentina, 1960 - )

Compromiso Firmado al frente. Fechado 2008 al reverso Óleo sobre tela 46.5 x 37 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre del 2017. Presenta desprendimientos y craqueladuras. Su padre fue pintor de brocha gorda y quería que Mario fuese ingeniero. Pero finalmente prevaleció su verdadera vocación y realizó el Profesorado de Artes Plásticas en la Universidad de San Juan. A partir de 1988 comenzó a exhibir su obra en exposiciones en San Juan, Buenos Aires y otras provincias de Argentina. En 1993 recibió el Primer Premio en el XXXII Salón de Tucumán y Mención Honorífica en el Salón de Arte Sacro, Tandil. En 1996 realizó su primera exposición individual en Nueva York y una importante retrospectiva en el Palais de Glace de Buenos Aires. En el 2000 se realizó una importante muestra que consagró su trayectoria en el Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. En 2003 recibió la beca de The Pollock-Krasner Foundation. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,740-$6,320 310

255

IGNACIO NEFERO

(Tampico, Tamaulipas, 1920 - Ciudad de México, 2005)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 50 x 64 cm Ignacio Nieves Beltrán, es mejor conocido en el medio artístico como Ignacio Nefero, nombre inspirado en un término egipcio que significa "bello o atractivo", sugerido por su amigo Manuel Rodríguez Lozano, quien fuese su amigo y maestro en la Academia de San Carlos. Tiempo después de su formación coincidió nuevamente con Manuel Rodríguez Lozano y otros artistas e intelectuales en la lucha por presentar otra alternativa a la pretensión didáctica y estereotipada del muralismo y la Escuela Mexicana de Pintura. Esta situación ocasionó a que la obra de Nefero no fuese tan valiosa para la sociedad ya que sus contenidos no eran políticos ni sociales; no obstante, tiempo después el arte se replanteó y su trabajo comenzó a adquirir valor y presencia en el medio. Su sensibilidad sobre la reflexión del dolor y la muerte fue su base temática, además de la influencia del estilo renacentista y el dibujo al estilo academicista. En 1951, se le otorgó una beca para estudiar en la École des Beaux-Arts de París, ciudad donde tuvo la oportunidad de realizar una exposición individual en la Galerie Artiel. Posteriormente, viajó por Europa, experiencia que le permitió reforzar su estudio en el dibujo. A su regreso a México, participó en diversas exposiciones colectivas e individuales en importantes galerías y museos de México, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Salón de la Plástica Mexicana, el cual ayudó a fundar junto con otros artistas mexicanos en 1949. Fuente consultada: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 456.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,950-$4,740 311

256

JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Letras capitulares Firmadas y fechadas 901 Tinta sobre papel a) Letra capitular "A", 12.2 x 9 cm b) Letra capitular "C", 15 x 11.5 cm c) Letra capitular "E", 15.3 x 9.3 cm d) Letra capitular "F", 15 x 9.5 cm Piezas: 4, enmarcadas juntas Procedencia: Perteneció a la colección Morillo Safa. Publicadas en: MONSIVÁIS, Carlos et ál. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. INBA, MUNAL, 2007, "A" pp. 61 y 112, catalogada 82, "C" pp. 43 y 112, catalogada 83, "E" Pág. 40, catalogada 84, "F" Pág. 113, catalogada 85 y LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, "E" Pág. 126, lámina 132 y "F" Pág. 126, lámina 133. Estas piezas fueron publicadas en la "Revista Moderna", No. 12 y 13, año IV, pp. 189-203, julio de 1901 y en la "Revista Moderna de México", mayo, junio, julio y agosto de 1903. "Desde que la 'Revista Moderna' empezó a publicar las tintas, viñetas, cul-de-lampe y demás ilustraciones de Julio Ruelas, hubo en todos los círculos artísticos de América un movimiento de simpatía y de aplauso hacia el joven dibujante, que mostraba una inspiración tan nueva, tan poderosa e imprevista. Este movimiento de simpatía se ha convertido en todas partes en una admiración sin reserva, a la cual ha seguido la convicción unánime de que Ruelas es el primer dibujante de la república y probablemente el más inspirado de América. Su numen no es pagano, no halla belleza en la blanca amplitud del arte griego. Es para él este arte, demasiado luminoso y demasiado harmónico". Revista Moderna, Año VI, Núm. 6, 2° quincena de marzo de 1903. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos et ál. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. INBA, MUNAL, 2007, Pág. 59.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,160-$4,210 312

313

257

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Caballos, 1945 Sin firma Temple sobre papel de china 75.2 x 46 cm Procedencia: colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Exhibido en: "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012.

"Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y colas doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas". Inés Amor. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210 314

258

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Gallo, 1945 - 1955 Firmado Temple, anilina y óleo sobre papel de China 74 x 48.7 cm Procedencia: colección de Lance y Erika Aron, San Antonio, Texas. Exhibido en: "Revolution & Renaissance, Mexico & San Antonio, 1910 - 2010", muestra presentada en el Museo Alameda Smithsonian, de noviembre del 2010 a agosto del 2012. $50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,630-$4,210

315

259

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Sin título Firmada y fechada 97 Escultura en bronce 6 / 6 46 x 24 x 7 cm

“La obra de Gerzso representa una búsqueda de lo sublime, originada en la exaltada ambición de explorar las complejas emociones humanas, lo cual vincula al artista y a su obra con México; tiene que ver con la identidad personal y un tema que abarca toda su vida: la redefinición del indigenismo por medio del lenguaje visual de la abstracción. “Gerzso creía en la espontaneidad, pero deliberadamente equilibrada. Si bien su aproximación cuidadosa y racional al crear arte se revela en su estructura arquitectónica y su proceso creativo. Habiendo sido educado en Europa, estaba empapado de la técnica de los maestros de la vieja escuela, en la medida que desarrolló su propia forma de abstracción expresiva, conocimientos que le resultaron fundamentales”. Diana C. Du Point. Fuente consultada: DU POINT, Diana C. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. México. Santa Bárbara Museum of Art, 2003, Pág. 147.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$$7,900 316

260

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Sin título Firmada y fechada 97 Escultura en bronce 6 / 6 60 x 47 x 20 cm

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,740-$$7,900 317

Lote 186 318

ÍNDICE

A ACEVES, GUSTAVO ACEVES NAVARRO, GILBERTO ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALMELA, MARIO ANGUIANO, RAÚL ARÉVALO, JAVIER ARGUDÍN, LUIS ASÚNSOLO, IGNACIO AVILÉS, ARNO B BARDASANO, JOSÉ BECERRA, MILTON BEDIA, JOSÉ BELKIN, ARNOLD BERNI, ANTONIO C CANTÚ, FEDERICO CARBONELL, SANTIAGO CARRILLO, LILIA CARRINGTON, LEONORA CASTAÑEDA, ALFREDO CASTELLANOS, ANTONIO CASTILLO, FERNANDO CASTILLO, ROSA CASTRO LEÑERO, FRANCISCO CASTRO LEÑERO, JOSÉ CASTRO LEÑERO, MIGUEL CASTRO PACHECO, FERNANDO CHA'CA, VÍCTOR CHAPARRO, ALDO CHARLOT, JEAN CHÁVEZ MORADO, JOSÉ CHEMOR, ANTONIO CHICO, JULIO CLAUSELL, JOAQUÍN COLUNGA, ALEJANDRO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORTÁZAR, ROBERTO CORZAS, FRANCISCO CRAWFORD O'GORMAN, CECIL CRUZ-DIEZ, CARLOS CUETO, GERMÁN CUETO, LOLA CUEVAS, JOSÉ LUIS D DE AMARAL, OLGA DEL VALLE, JUAN CARLOS DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN DR. LAKRA E ECHEVERRÍA, OFILL ESTÉVEZ GARCÍA, ERNESTO F FABRÉS, ANTONIO FARRERA, JOSÉ ANTONIO FRIEDEBERG, PEDRO G GALÁN, JULIO GÁLVEZ, BYRON GARCÍA NAREZO, JOSÉ GARCÍA OCEJO, JOSÉ GERZSO, GUNTHER GIRONELLA PARRA, EMILIANO GIRONELLA, ALBERTO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GURRÍA, ÁNGELA H HERRISON, WILMER HELGUERA, JESÚS HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN, DESIDERIO

162, 163 7, 8 55, 57 117 2, 135, 136, 139, 140 218 6 51, 82, 85 220 120 190 228 87, 88, 91 79, 80 129 155, 157 241 61 63 199 97 74 182 178 219, 221, 222, 223 137, 138, 154, 156 201, 202 183 95 1, 67, 100, 101 165 30 105 153 37, 39, 194, 195, 196 141, 142, 145, 151, 152 158, 161, 166 143, 148 106 188 238 98 235 186 122, 124 126, 127 172 177 115 147 69 16, 17, 171, 179, 181 168 197, 198, 200 28 243 46,259,260 234, 245 84 40, 41, 42, 48 104, 107, 108 54, 58 231, 232 187 134 27

HERNÁNDEZ, SERGIO HOYOS, ANA MERCEDES HUME, ERNESTO I IEZUMI, KUNIO IEZUMI, TOSHIO ITURRIA, IGNACIO IZQUIERDO, MARÍA J JAVIER, MAXIMINO K KAHLO, FRIDA L LAGOS, MILER LAURENCENA, HUGO LAVILLE, JOY LEYVA, ALEXIS "KCHO" LÓPEZ LOZA, LUIS LOZANO, ÁGUEDA LUGO, HUGO M MANTEGANI, ROGER MARÍN, JAVIER MARÍN, JORGE MARTÍNEZ, RAYMUNDO MAYAGOITIA, JESÚS MEDINA, CARLOS MENA, ALFONSO MÉRIDA, CARLOS MEZA, GUILLERMO MICHEL, ALFONSO MINGORANCE, JUAN EUGENIO MONTENEGRO, ROBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, ARMANDO MORALES, RODOLFO MORENO CAPDEVILA, FRANCISCO N NEFERO, IGNACIO NIETO, RODOLFO NISHIZAWA, LUIS O O'GORMAN, JUAN OBREGÓN, JORGE OKUMURA, HIROYUKI ORDÓÑEZ, SYLVIA OROZCO, GABRIEL OROZCO, JOSÉ CLEMENTE OROZCO ROMERO, CARLOS ORTIZ, TIBURCIO ORTIZ MONASTERIO, LUIS OVIEDO, RAMÓN P PACHECO, FERNANDO PARRA, CARMEN PELÁEZ, JAVIER PÉREZ, MARIO PIMENTEL, RODRIGO PORTOCARRERO, RENÉ POVEDA, CARLOS Q QUEZADA, ABEL QUINQUELA MARTÍN, BENITO R RAMOS, WUERO RANGEL FAZ, MARIO REVUELTAS, FERMÍN REYES, CHUCHO REYES MEZA, JOSÉ RIESTRA, ADOLFO RÍOS, CARLOS RIVERA, DIEGO RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO ROJAS, ROLANDO

21, 22, 23, 203, 210 225, 226 217 36 34 224, 225, 230 59 9, 10 60 164 64 68 229 31, 32 35, 45 174 150 149 159, 160 109, 110 44 189, 192 242 49, 50, 52, 237, 239 4 78 123 33, 118 66, 72 65 24, 25, 204, 206, 207 56

ROJO, VICENTE RUELAS, JULIO S SAHAGÚN, LUIS SAKAI, KAZUYA SANTIAGO, ALEJANDRO SARDINA, YAMPIER SCHMILL, JOSÉ MANUEL SEBASTIAN SIQUEIROS, DAVID ALFARO SMITH, RAY SORIANO, JUAN T TAKEDA, SHINZABURO TOLEDO, FRANCISCO V VARELA, PEDRO VARGAS PONS, CARLOS VARO, REMEDIOS JAZZAMOART Z ZALCE, ALFREDO ZAMORA, BEATRIZ ZÁRATE, LUIS ZÁRRAGA, ÁNGEL

184 250, 252, 256 146 13, 14, 15 215 176 251 38, 47 89, 90 167 3, 71, 244, 246 26, 29, 211, 212 209 180 233 62 11, 12 70, 73 43 214 248

255 18, 19,20, 205, 208 5, 102, 103 125, 144 112, 113 185 75 170 92, 93 76, 77, 83, 86 99 94 236 169, 173 128, 132, 133 175 254 111 240 191 249 81 114 193 253 130, 131, 257, 258 247 53 116 96 119, 121 213, 216 319

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO ABIERTOS A CONSIGNACIÓN Informes Constanza Infante cinfante@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140 ext. 3384

mortonsubastas.com

Blvd. de los Virreyes 155. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México

DR. LAKRA, Sin título (Kiss me quick), 2007, Tinta y collage sobre litografía vintage, 32.5 x 28.5 cm. Vendido en: $246,400 M.N.

SUBASTA DE ALTA JOYERÍA incluye diamantes, joyería fina y relojes Miércoles 29 de noviembre de 2017, 6:00 p.m.

mortonsubastas.com

Monte Athos 179. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México

SUBASTA DE AUTOS CLÁSICOS DEPORTIVOS Y DE COLECCIÓN DICIEMBRE 2017

HACIENDA DE LOS MORALES

Informes:

Antonio López Morton almorton@mortonsubastas.com Christian Ríos crios@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140 ext. 3420 y 3403

ABIERTOS A CONSIGNACIÓN

mortonsubastas.com Monte Athos 165. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México

SUBASTA DE VINOS DE COLECCIÓN USO DIARIO Y DESTILADOS

MIÉRCOLES 13 DE DICIEMBRE DE 2017, 6:00 P.M.

mortonsubastas.com Informes: Abril Rodríguez | arodriguez@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3172 Monte Athos 179. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México

SUSCRÍBASE A NUESTROS CATÁLOGOS SON UN REFERENTE PARA EL MERCADO DEL ARTE

Arte Moderno y Contemporáneo

Libros y Documentos Antiguos y Contemporáneos

Vinos de Colección y Uso Diario

Diseño del Siglo XX

Antigüedades

Joyería y Relojes

RECIBA APROXIMADAMENTE 30 EJEMPLARES COLECCIONABLES

mortonsubastas.com

Informes: Alain Alba I aalba@mortonsubastas.com I Tel. (55) 5283 3140 ext. 3393 Blvd. de los Virreyes 155, Lomas de Virreyes, 11000, Ciudad de México

N o se hurt a , se here da Consejos y recomendaciones tanto para quien da como para quien recibe en De herencias y herederos, un libro de Luis C. López Morton, en conversaciones con Luis Ignacio Sáinz y arte de Paco Calderón

Disponible a la venta en: Exit La Librería y Amazon Inf o r m es : Te l. 5283 3140

Pl uma y mart il l o es l a división edit orial de

mortonsubastas.com

GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton Subastas, actúa únicamente como consignatario en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton Subastas.

catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton Subastas, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton Subastas indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton Subastas. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton Subastas, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton Subastas, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton Subastas, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara

ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento. 4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito o débito, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso-de-Privacidad-Integral.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton Subastas”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton Subastas. 2. Que el personal de Morton Subastas haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton Subastas en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

FICHA DE REGISTRO NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

FECHA DE VENCIMIENTO

ADJUDICACIÓN

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton Subastas. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton Subastas y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton Subastas y/o a quien sus derechos

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

por esta causa.

REQUISITOS

8. Que Morton Subastas no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. autorizado de Morton Subastas a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton Subastas. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subasta de Arte Latinoamericano: $50,000. 00 M.N. Subastas en Sadi Carnot: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton Subastas, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o débito, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 5 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por

Ciudad de México a

del año

y enviado vía correo electrónico a Morton Subastas hasta cuatro horas antes del inicio de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado bajo de la pieza por la que oferta sea de $5,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

ABSENTEE BID FORM BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton Subastas) premises and/or those described in the catalogues available at Morton Subastas.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton Subastas to make you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton Subastas takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the by Morton Subastas. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton Subastas, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against arise due to disagreement.

REQUIREMENTS Bid if the following requirements are not met: signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton Subastas in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton Subastas. Latin American Art Auction: $50,000. 00 MXP Auctions at Sadi Carnot Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton Subastas prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit or debit card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

is required, sent to Morton Subastas with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150

CALENDARIO DE SUBASTAS Noviembre D

Martes 21

Subasta Especial de Joyería. Salón Sadi Carnot

5:00 p.m.

Miércoles 22

Subasta Especial de Antigüedades de la Colección de Manuel Creixell del Moral

6:00 p.m.

Jueves 23

Subasta de Antigüedades. Incluye el Legado de un Destacado Coleccionista

6:00 p.m.

Martes 28

Subasta de Libros, Documentos y Fotografía sobre el Porfiriato, la Revolución Mexicana y la Guerra Cristera. Incluye la Colección Ecléctica MONCLAU y Otras Colecciones

5:00 p.m.

Miércoles 29

Subasta de Alta Joyería. Incluye Diamantes, Joyería Fina y Relojes

6:00 p.m.

Jueves 30

Subasta de Arte Latinoamericano. Club Naval Norte

7:00 p.m.

Todos los sábados

Subasta de Oportunidades. Salón Sadi Carnot

11:00 a.m.

Monte Athos Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México

Blvd. de los Virreyes 155 Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario. Blvd. de los Virreyes 155 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México

Sadi Carnot. Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación. Sadi Carnot 16 Col. San Rafael 06700, Ciudad de México

Monterrey

Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la cd. de México. Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas, Col. Del Valle (Centrito Valle) San Pedro Garza García, N.L. Tel. (81) 8335 1917

Ofertas en Ausencia Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. Blanca Sánchez ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

Síganos en: Facebook: /MortonSubastas Twitter: @Morton_Subastas Instagram: @morton_subastas YouTube: /MortonSubastas