Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

Lote 58

Lote 152

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet DIRECTORIO

Presidente

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Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Directora General Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Director de Consignación Eduardo López Morton

emorton@mortonsubastas.com

Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Director General de Adelantos Andrés López Morton

amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez

Oportunidades. Cerro de Mayka Adrianna Navarro

Oportunidades. Sadi Carnot Alberto Flores

Autos Clásicos

Antonio López Morton

Herencias y Colecciones Javier López Morton

Monterrey

Representante ︱ Samuel Campillo Coordinación General ︱ Yólika Sáenz Coordinación de Administración ︱ Daniela Palafox

Guadalajara

Stephanie Torres

París

Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofia Duarte

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $18.70 (dieciocho setenta pesos M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días). Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Coordinadora de Contenidos

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Especialistas

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Odette Paz | opaz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3394

Odette Paz

Constanza Infante Diana Álvarez

Catalogadoras

María Fernanda Serrano Marcela Mena

Atención a Clientes Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

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Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 17 d e m ay o d e l 2018, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el día 15 de mayo a partir de las 7:00 p.m. EXPOSICIÓN Sábado 12 y domingo 13 de mayo de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Lunes 14 a miércoles 16 de mayo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Ana Segoviano Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 asegoviano@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Sofia Duarte Tel. (55) 5283 3140 ext. 3156 • sduarte@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 55 PORTADA: Lote 97 CONTRAPORTADA: Lote 107

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton Subastas podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton Subastas hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton Subastas haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton Subastas para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton Subastas por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Depor acuerdo lo establecido en el Artículo 16,dede Ley Federal sobreusted Monumentos y Zonas Si algunaarazón nuestra descripción no es sulaentera satisfacción, puede revisar las Arqueológicos, Artísticos e Históricos de sudel Reglamento; necesario realizar el piezas previamente a la subasta y traeryaelsuArtículo experto37dentro horario de es exposición. trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DEDe MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dichoMonumentos trámite es necesario acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre y Zonas ingresar a www.tramites.inah.gob.mx opción37 dede Exportación y Transporte. Arqueológicos, Artísticos e Históricos yen el la Artículo su Reglamento; es necesario realizar el

•

trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA

•DESiMONUMENTOS por alguna razónOnuestra descripción es de su entera satisfacción, usted puede las BIENES MUEBLESno HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es revisar necesario

piezas a la subasta y traer a dentro del horario de exposición. ingresarpreviamente a www.tramites.inah.gob.mx ensulaexperto opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $50,000.00 $20,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios,

RETIRE SUS COMPRADAS ENChapultepec: SUBASTA A TIEMPO enPIEZAS Monte Athos 179, Lomas de Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Lunes 21 de mayo de 9:30 a 6:30 p.m. Martes 22 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m.

Miércoles 23 de mayo de 9:30 a.m. a 4:30 p.m.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Lote 108

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 73

Lote 133

"Cuando es verdadera, cuando nace de la necesidad de decir, a la voz humana no hay quien la pare. Si le niegan la boca, ella habla por las manos, o por los ojos, o por los poros, o por donde sea. Porque todos, toditos, tenemos algo que decir a los demás, alguna cosa que merece ser por los demás celebrada o perdonada". Eduardo Galeano, Celebración de la voz humana/2, fragmento.

En el mundo actual, la influencia e importancia de nuestra El Arte Latinoamericano destaca a nivel internacional, ello, por ejemplo, el mes pasado The Brooklyn Museum “Radical Women: Latin American Art, 1960-1985”, que la creación artística y esta compleja sociedad.

cultura latinoamericana es fundamental. diversas exposiciones dan cuenta de of Art abrió sus puertas a la exhibición muestra el interés en la relación entre

El Arte Latinoamericano es reflejo orgulloso de nuestra identidad cultural mestiza: cosmogonía, colores, ideología y tradiciones son algunos de los temas que se abordan en los 248 lotes que conforman esta subasta. Obras de maestría académica como el óleo “Vizcaya”, portada de este catálogo. Pintado por un joven Diego Rivera que en 1907 dominaba ya con maestría la pintura costumbrista y que partió ese mismo año a España con el apoyo del gobierno mexicano, un viaje que le abrió las puertas a las vanguardias europeas que tanto enriquecerían su producción futura y al movimiento muralista. También en este apartado destacan las obras de Jesús Helguera, Eduardo Cataño y Jaime Sarduní, que en sus trabajos para los emblemáticos calendarios mexicanos reflejaron el folclor y los ideales de su época. También encontrará obras que demuestran propuestas en las que Latinoamérica ha sido precursora, por ejemplo las realizadas en piroxilina y acrílico por David Alfaro Siqueiros, técnicas que el muralista desarrolló y que sin duda han revolucionado el arte mundial; o cambios ideológicos: la imponente “Naturaleza muerta” de María Izquierdo, una de las primeras mexicanas que defendieron el empoderamiento femenino. Visitar la exhibición previa a esta subasta será, sin duda, una experiencia única. El privilegio de encontrarse con obras dignas de un museo, dignas de ser parte de la historia de nuestro arte y que al haber permanecido en acervos particulares hasta ahora, esta será la gran oportunidad de apreciarlas y vivirlas en persona. En el mismo salón convivirán el imponente mural de Francisco Eppens “Quetzalcóatl y la Cultura”, también de gran formato el lienzo “Sinfonía de selva y mar“ o “El paraíso de las aves”, de Alfonso X. Peña; así como obras excepcionales de Francisco Corzas, Cundo Bermúdez, Rodolfo Nieto, Ricardo Martínez, Fernando de Szyszlo, Antoine Tzapoff, Francisco Toledo y Alfredo Alcalde García, entre muchos otros. Sería imposible enumerar cada detalle que hace de esta subasta un momento tan especial, así que preferimos invitarle a descubrir en las páginas de este catálogo y, con el apoyo de nuestras especialistas, un poco de la historia de nuestra amada Latinoamérica. Morton Subastas

Lote 122

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

La paloma Firmada y fechada 2002 Escultura en bronce 8 / 10 37 x 31 x 24 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero del 2012. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Las aves son parte fundamental en su obra, un amplio porcentaje de ella está conformado por estos seres, en conjunto, su obra escultórica es una suerte de estudio ornitológico hecho a través del dibujo, la tinta, el óleo, la cerámica y el bronce fundido: palomas, lechuzas, gallinas, tucanes o pavos. Su imaginario se encontraba habitado por una fauna de criaturas amorfas que realizaba en dibujo para transformarlos a gran formato: toros, anfibios y caballos.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Aves de paso. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. España. 2006, pp. 5-17 y MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,000-$13,400

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Caballo Sin firma Anilina sobre papel de china 46 x 79 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2018. La producción pictórica de Chucho Reyes estuvo inspirada en múltiples símbolos de la cultura popular mexicana. Detalladamente, sus obras cubren un carácter lúdico y ritual que las distingue, haciéndolas únicas y originales. Fue un pintor en búsqueda de nuevas soluciones estéticas, siempre acostumbrado a preparar sus propias pinturas, mismas que empleaba sobre papel de china, un frágil material que utilizó con gran maestría. Sus primeros papeles pintados fueron con el fin de envolver las antigüedades que compraban sus clientes, hasta que cobraron cierto valor estético bajo la influencia de su pasión por el arte popular. Así, a través de pliegos de papel importados, gustó de pintar temas de carácter festivo, entre ellos los animales. Particularmente, ejecutaba a los caballos intencionalmente deformados para remitir a los caballitos de madera y de cerámica de la cultura popular mexicana, pintados de colores llamativos, rosas, verdes y azules que desprenden el esencial carácter folklórico del pintor. "Los caballitos de Reyes parecen haber sido extraídos de alguna historia fantástica, no sólo por su cromatismo, sino porque el mismo pintor prefiere representarlos en un ambiente semejante al de los cuentos de hadas". Lily Kassner. Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, Pág, 116 y SAAVEDRA, Mario. "La magia estética de Chucho Reyes". México. Revista Siempre, 21 de mayo del 2011.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 22

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Pelea de gallos, ca. 1950 Firmado Gouche sobre papel de china 48 x 73 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, agosto del 2017.

"Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y cola doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas". Inés Amor. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,000-$4,800 23

GERMÁN VENEGAS

(Puebla, México, 1959 - )

Sin título, del proyecto Y también son caballos Firmada Escultura en bronce 15 / 25 31 x 60 x 15.5 cm Artista multidisciplinario que recurre a la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura, es considerado como uno de los representantes del género neomexicanista en la década de los ochenta. Estudió en la ENAP, ha expuesto de manera individual en la Galería de Arte Contemporáneo, en el Museo Regional Alhóndiga de Granaditas en Guanajuato, en la Galería Ramis Barquet. En cuanto a exposiciones colectivas participó en la Feria ARCO en España, en el Museum of Contemporary Hispanic Art de Nueva York, fue seleccionado en la XXII Bienal Internacional de São Paulo en Brasil, participó en la I Bienal Rufino Tamayo, en la I Bienal de Miami y en la III Bienal de Cuenca en Ecuador. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.germanvenegas.com y del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,00-$5,400

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Monumento al caballo Firmada y fechada 2003 Escultura en bronce VI / VI 71 x 23 x 15 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista, enero del 2003. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Considerado como uno de los artistas prolíficos de su época, Juan Soriano se mantuvo activo hasta sus últimos días. Entre los reconocimientos otorgados al artista destacan el Premio Constancia Especial al Mérito por parte del Presidente Manuel Ávila Camacho, el Premio Nacional de las Artes, la medalla del Oficial de la Cruz del Mérito, otorgada por el Presidente de la República de Polonia y la Legión de Honor por parte del gobierno de Francia. Juan Soriano fue el primer personaje no español en recibir el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en el Museo del Prado.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $9,700-$16.000

ALBERTO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1951 - )

Sin título Firmada y fechada 1998 Escultura en plata a la cera perdida II / II 27 x 28 x 8 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista, julio del 2017. Agradecemos al Maestro Alberto Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y tomó cursos de pintura en la L'Accademia di Belle Arti di Bologna en Italia. A lo largo de su carrera ha trabajado como ilustrador en diversas publicaciones culturales y educativas de instituciones como el Fondo de Cultura Económica, la Secretaría de Educación Pública y el Instituto Nacional de Bellas Artes. Desde el 2006 ha realizado proyectos urbanos con la productora Tinitus Arte Contemporáneo y actualmente es becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte del CONACULTA.

"Alberto ha pensado en grande y ha trabajado en grande, por eso es un gran artista y, en ese sentido, no es inferior, es igual, es comparable a cualquier gran artista del mundo en la época moderna". David Huerta. Fuente consultada: HUERTA, David et ál. Ciclo. Alberto Castro Leñero. México. FONCA, 2013, pp. 9-20.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,100-$3,200 26

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

El rescate Sin firma Escultura en bronce 1 / A 55 x 42 x 16 cm Rafael Coronel es un reconocido artista plástico zacatecano que constantemente ha mantenido las ideas sociales y culturales presentes en el siglo XIX. Estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Academia High American School y en La Esmeralda. Su estilo artístico ha transitado por varias etapas, sin embargo, en casi todas ellas ha presentado una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos del hombre, como la soledad, el abandono y la desesperación. A lo largo de su carrera ha presentado un gran número de exposiciones individuales en importantes museos del mundo, tales como el Palacio Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, el Museo Real de Arte de Bruselas en Bélgica, The Museum of Modern Art de Nueva York en Estados Unidos, así como en la sala del Castello Sforzesco de Milán en Italia, y en la Bienal de São Paulo en Brasil. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

La cornada Firmado y fechado 68 Óleo sobre tela 138 x 173 cm Con fragmento de etiqueta del Museo de Arte Moderno. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. Estudió en el Instituto Nacional de Antropología e Historia, en la Academia de San Carlos y posteriormente, por su interés en la cultura mexicana, tomó cursos en la Escuela Nacional de Antropología e Historia. En su pintura de caballete exaltó soltura en la pincelada y maestría en la calidad del dibujo, reflejando así una tendencia realista, en la que abundan bodegones, retratos y escenas costumbristas, principalmente sobre tauromaquia. Dicha influencia inició con el legendario torero "Chato" Guerra, quien era amigo de su padre, además en sus andanzas se mantuvo cerca del pintor Antonio Navarrete, por lo que por un momento se le ocurrió ser torero, profesión que no ejerció para dedicarse a la pintura. Durante sus múltiples facetas fue un promotor cultural incansable, ejerciendo en el medio teatral, realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad; también fue miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo con su nombre. "De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo, razón de ser de los 'hobbies', eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros". José Reyes Meza. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO-LECANDA, Héctor. ¿Quién es José Reyes Meza?, 3 de mayo del 2009.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. USD $11,800-$18,800 29

EDUARDO CATAÑO

(Nayarit, México, 1910 - Ciudad de México, 1964)

Fiesta jarocha Firmado y fechado 1940 Óleo sobre tela 215 x 170 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Durante la década de los 50, Galas de México era ya una icónica fábrica dedicada a la creación de calendarios y cromos publicitarios. Su fundador, Santiago Galas Arce, fue el primero en implementar en México los procesos de impresión offset, el cual consiste en la aplicación de tintas sobre una plancha metálica con la forma del motivo a imprimir, ya sea grabada manualmente o por fotograbado, método que utilizó Galas, 30

ya que las imágenes que se imprimían provenían de fotografías de pinturas originales (óleo, acrílico, pastel o acuarela) realizadas por artistas reconocidos que recreaban paisajes, temas mitológicos y de deporte, así como escenas de cine, historia, cultura y vida urbana mexicana. Entre los artistas de Galas destacó Eduardo Cataño, artista mexicano que inmortalizó principalmente retratos de famosos, así como algunos temas históricos. Estudió Artes Plásticas en la Academia de San Carlos, educación que le heredó un amor por la historia del arte, la poesía y la arquitectura virreinal. Uno de sus primeros encargos en Galas fue el diseño de la etiqueta de la cerveza Corona. $220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 120 x 100 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. Jesús Helguera fue un destacado pintor y cartelista chihuahuense conocido por su trabajo con la empresa Galas de México, pues sus imágenes se volvieron tan populares que no había hogar, taller, despacho, restaurante o ferretería que no tuviese en su pared un calendario diseñado por él. El cine fue una influencia constante para Helguera, y uno de sus temas más exitosos, pues a través de sus pinturas, convertidas algunas de ellas en calendarios, la gente podía conservar fija la imagen de una escena

que había visto en el cine. Así, mediante pinceladas sueltas y colores contrastantes, realizó cuadros llenos de vitalidad en los que fluyen la iconografía y expresividad teatral mexicana, haciéndonos soñar en la época de oro del cine mexicano donde Fernando Soler era el ejemplo de jefe de familia, Jorge Negrete dedicaba serenatas y Pedro Infante cortejaba damas. Para la mayor parte de su trabajo, utilizó la ayuda de modelos naturales y fotografías, no obstante, siempre los modificó de una manera idealizada, ejecutando a los personajes de acuerdo a su propio gusto y formación para poder representar una sublime historia de la cultura popular mexicana. Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $24,100-$32,100 31

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 175 x 140 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta ligeras craqueladuras y detalles de conservación. Entre romanticismo, fantasía, erotismo y folclore, nace la obra de Jesús Helguera, conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura de historia estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración. Al estallar la Guerra Civil Española, Helguera regresó a México en 1938, encontrando rápidamente un trabajó en la revista "Sucesos para todos". Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de "La leyenda de los volcanes" en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México. La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, sumándole a su poética la representación del indio, el campesino, el obrero, la familia y las mujeres con vestidos típicos como el de las tehuanas, las chinas poblanas y los correspondientes al estado de Jalisco y Ciudad de México, caracterizados por el uso de faldas bordadas, rebozos y sombreros. Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,800-$53,500

JAIME SADURNÍ (Veracruz, México)

Belleza jarocha frente a la barca Sin firma Óleo sobre tela 154 x 125 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. Al igual que Eduardo Cataño, Jesús Helguera, Luis Améndolla y José Bribiesca, Jaime Sadurní formó parte de los reconocidos artistas 34

de calendario. En su obra acostumbraba plasmar su origen veracruzano, en especial en sus mujeres, las cuales representaba con una bella idealizada, exaltando la feminidad con sensualidad. También pintó uno que otro tema histórico y realizó ilustraciones publicitarias para empresas privadas, siendo el encargado de diseñar la etiqueta original para el calendario de Tequila José Cuervo en 1964, el cual lo hizo acreedor a ser el artista exclusivo de la Casa Cuervo. Fuente consultada: WHALEY, Jaime. "Los prestigiosos cromos de Cronos". México. La Jornada, 19 de mayo del 2000.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800

CARLOS VARGAS PONS

(Guadalajara, Jalisco, 1968 - )

Posterior al baño según Ingres Firmado y fechado 2000 al reverso Óleo sobre tela 165 x 108 cm Con documentos del Instituto de Cultura de Zapopan y el Museo de Arte de Zapopan, especificando el préstamo de la obra a la exposición "Carlos Vargas Pons", mayo del 2008. Exhibido en: "Carlos Vargas Pons" muestra presentada en las Salas Juan Soriano y Luis Barragán del Museo de Arte de Zapopan, Jalisco, de marzo a mayo del 2008. Incluye invitación y copias de las publicaciones en periódicos. Carlos Vargas Pons estudió pintura y dibujo con los maestros Enrique Ruiz Rojo, José Fors y Davis Birks. Inició la construcción de su discurso pictórico en los 90, una década de profundos cuestionamientos de la naturaleza del arte. Y es que para este destacado artista contemporáneo, uno de los principios de su creación está basado en una permanente

investigación, misma que en 1990 y 1991 lo hicieron acreedor al premio de adquisición del Encuentro Nacional de Arte Joven, realizado en el Museo de Arte Moderno de Aguascalientes. En 2008 se realizó la muestra "Carlos Vargas Pons" presentada en el Museo de Arte de Zapopan, Jalisco, siendo la exhibición más grande y completa que se haya realizado del artista tapatío. Inicialmente, fue su amplio bagaje cultural el que alimentó su mundo creativo, permitiéndole generar imágenes poderosas en las cuales fluyen el tiempo y el espacio. Especialmente tiene admiración por algunas figuras de la historia del arte occidental, las cuales despliega mediante sus dones pictóricos y sus placeres lúdicos. El grado de complejidad que ha alcanzado en su desarrollo ha hecho que sus imágenes sean de gran riqueza estética, pero ante todo manifiestan su propia filosofía, haciendo también gala de su capacidad de compresión del color, el espacio y la imagen. Fuente consultada: PÉREZ VEGA, Rebeca. "Las formas se diluyen en el MAZ". México. El Occidental, sección Cultura, 6 de marzo del 2008.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 35

ANTOINE TZAPOFF (París, Francia 1945 - )

Retrato de María Félix en vestido de Ferisona Firmado y fechado 91 - 92 Acrílico sobre tela 220 x 156 cm Procedencia: adquirido en Christie's, Nueva York, 17 de julio del 2007. En la que se subastó la colección de María Félix. María Félix fue una actriz consagrada de la época del cine de oro mexicano y Antoine Tzapoff su último compañero sentimental. Ellos se conocieron cuando la actriz se trasladó a Francia, posterior a la muerte de su pareja Alexander Berger, y amigos decidieron ofrecer una cena en su honor, fue allí donde conoció al pintor. Fueron una pareja madura, que se tuvo confianza plena y él conoció muy bien su historia; además, como pintor profesional, cada vez que le realizaba un retrato, la representaba con delicadeza, exaltando su belleza y sensualidad. A pesar de la diferencia de edad, Tzapoff fue para "La Doña" su compañero de pláticas de cine, arte, política y sociedad; ella solía ir todos los días en su Rolls Royce a visitarlo a su departamento de Montparnasse, el barrio francés más famoso por sus pintores y poetas. Las pinturas que le realizó eran pruebas de amor y mucho más, son actualmente homenajes a una leyenda, una diva del cine del habla hispana. En su momento, un amigo de la pareja dijo: "Así lo decidieron. Ella posaba para él. Y él se comprometió a que en cada uno de sus retratos la pintaría cada vez más joven, le daría la eternidad, la juventud que tiempo atrás ella había ya dejado".

Fuentes consultadas: "Los amores de La Doña". México. La Razón, sección Especial, 7 de abril del 2014 y SAMANIEGO, Fidel. "María Félix y Antoine Tzapoff, un pacto de amor". México. El Universal, sección Espectáculos, 9 de abril del 2002.

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $64,200-$96,300 37

ANTOINE TZAPOFF (París, Francia 1945 - )

María Félix en allégorie des Amériques Firmado y fechado 97 Acrílico sobre tela 64 x 43 cm Procedencia: adquirido en Christie's, Nueva York, 17 de julio del 2007. En la que se subastó la colección de María Félix. $500,000.00-$700,000.00 M.N.

USD $26,800-$32,400

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Retrato de Eloise la Boyteaux Firmado y fechado O- 54 Carboncillo sobre tela 102 x 77 cm Procedencia: colección privada, Beverly Hills, California. Adquirido en Bonhams, Los Ángeles, noviembre del 2006, lote 292. Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. No obstante, abandonó los estudios en 1921 porque no coincidía con los ideales académicos, así que apoyado por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación, fue nombrado Jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico en el INAH. Posteriormente viajó a Nueva York donde tuvo la oportunidad de empaparse de conocimiento sobre las corrientes artísticas del momento visitando museos y galerías. En 1928 regresó a México y fue nombrado por Diego Rivera, Profesor de Pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, dando inicio a su actividad docente. En 1933 se le encargó pintar un mural en el Conservatorio Nacional de Música, donde conoció a Olga Flores, quien se dice que tres meses después le pidió matrimonio.

Al poco tiempo de casados, se trasladaron a Nueva York, fijando su estancia en esa ciudad y visitando México solo los veranos. En la década de los 50, Tamayo viajó con Olga a Europa, para entonces ya era todo un éxito internacional, consolidado como uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos. En 1953 recibió el Gran Premio de Pintura de la II Bienal de São Paulo y en 1957 lo nombraron Caballero de la Legión de Honor, una de las distinciones francesas más importantes que se concede únicamente a hombres y mujeres que realizaron algún mérito dentro del ámbito civil en Francia. En esa época, la productividad pictórica de Tamayo se extendió, especialmente a los murales, realizando algunos en Houston, París, Puerto Rico, entre otros. También hizo dibujos y pinturas en los que abordó el género del retrato, los cuales trabajó en diversas épocas, varios de ellos considerados prodigiosos. En ocasiones retrató a su amada esposa Olga, en otras trabajó por encargos de amigos y familiares. Olga fue su compañera y complemento de vida, por ello, cada vez que firmaba una de sus obras ponía la fecha de ejecución y una enigmática "O", siendo una referencia a su gran amor Olga. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

$650,000.00-$800,000.00 M.N. USD $24,800-$42,800 39

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Dos mujeres de Tehuantepec Firmado Óleo sobre tela sobre MDF 59 x 50 cm Con documento del Georgia O'Keeffe Museum, especificando la solicitud del préstamo de la obra a la exposición "Miguel Covarrubias: Drawing a Cosmopolitan Line", enero del 2014. Exhibida en: "Miguel Covarrubias: Drawing a Cosmopolitan Line" muestra presentada en el Georgia O'Keeffe Museum, de septiembre del 2014 a enero del 2015. Miguel Covarrubias fue un importante pintor, dibujante e investigador mexicano de la segunda mitad del siglo XX. En 1924, decidió instalarse en Nueva York y pronto presentó su primera exposición de caricaturas, las cuales fueron publicadas en Vanity Fair, lo que lo hizo alcanzar fama mundial. En 1930 se casó con Rosa Rolanda, pasando su luna de miel en Bali, lugar al que regresó tiempo después para realizar trabajos etnográficos, gracias al apoyo de una beca de la fundación Guggenheim. En 1941 realizó un documental en Tehuantepec, Oaxaca, proyecto que fue una gran aportación a los estudios antropológicos y arqueológicos de la zona; cinco años más tarde publicó el libro "Mexico South: The Isthmus of Tehuantepec", fruto de sus estudios en Oaxaca y el Istmo. Para 1947 realizó el mural "Una tarde de domingo en Xochimilco" en el Hotel Ritz, el cual refleja la gracia, costumbres y tradiciones mexicanas. Posteriormente, en 1954, publicó "The Eagle, the Jaguar and the Serpent. Indian Art of the Americas", otro libro con estudios en este campo. En 1950, aceptó el nombramiento como jefe del Departamento de Danza del INBA. Con gran responsabilidad fungió en su puesto, dirigiendo por buen camino a la compañía. Durante estos años, diseñó vestuarios y escenografías para importantes ballets. En total montó 34 presentaciones para los cuales en algunos diseños pidió ayuda a colaboradores y amigos como Carlos Mérida, Fernando Castro Pacheco, José Reyes Meza y Juan Soriano. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias. Vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004, pp. 13-15 y "Miguel Covarrubias, caricaturas de la época del jazz", blog oficial del National Portrait Gallery, Londres, 8 de junio del 2012.

$1,500,000.00-$2,200,000.00 M.N. USD $80,200-$117,700

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Mujer de cuclillas con tocado Firmada y fechada 1971 Escultura en bronce con base de madera III / VI 27 x 23 x 19.7 cm medidas totales con base Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2018. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág. 346, catalogada 587. Francisco Zúñiga fue un destacado artista costarricense nacionalizado mexicano reconocido mundialmente como uno de los grandes escultores del siglo XX. Inició su carrera a corta edad, realizando sus primeras esculturas con yeso, posteriormente trabajó en piedra y manejó el vaciado en bronce. "Maternidad" fue la primera escultura por la cual se dio a conocer en el medio y adquirió el primer premio del Salón de Escultura en Costa Rica; como consecuencia de este trabajo comenzó a ser reconocido y expuso ampliamente en Estados Unidos y México, país en el cual residió durante 62 años. Sus esculturas están marcadas por una cierta influencia europea, en especial de Donatello, además de conjugarse con los rasgos más tradicionales de la obra de Rodin, Matisse y Giacometti. Con el tiempo construyó un estilo propio caracterizado por el uso de temas femeninos e indígenas, en los cuales explotó la belleza del mestizaje apoyado en los arquetipos del cuerpo de la mujer mexicana, pues para él la mujer representaba abundancia y fertilidad, de ahí que sus volumetrías fuesen siempre tan contundentes. Fuentes consultadas: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Francisco Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980, pp. 9-11 y CONTRERAS MARTRET, Nuri Karina. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 702.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Sin título Firmado y fechado 56 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela sobre MDF 73 x 93.5 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Con etiqueta de la Papillon Gallery, L.A. Nishizawa recurrió a numerosas temáticas, especialmente tuvo gran interés en las naturalezas muertas, el paisaje y el retrato. En ellas demostró amplio conocimiento, dominio y una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. En su obra son reconocibles elementos orientales provenientes de su familia paterna y de los viajes que realizó a Japón. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$300,000.00-$350,000.00 M.N. USD $16,000-$18,800

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Desnudo acostado Firmado y fechado 1967 Crayón sobre papel 50 x 65 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2018. Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo razonado. Volúmen III: Dibujos 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág. 282, catalogado 1403. Francisco Zúñiga inició su formación artística en el taller de su padre, el escultor Manuel María Zúñiga, donde tallaba figuras religiosas en madera. Posteriormente, estudiando el movimiento artístico mexicano, descubrió el arte prehispánico y se cuestionó sobre su importancia en el desarrollo del arte latinoamericano contemporáneo comenzó a hacer bocetos y dibujos en los cuales sintetizaba aquellos estudios. A pesar de que su principal producción fue la escultura, también realizó numerosos trabajos con técnicas diversas, especialmente óleo y dibujos con tinta, lápiz, carboncillo, sanguinas y conté; además creó una serie de xilografías que fueron incorporadas en un álbum de grabados que recopiló trabajos de otros artistas de gran calibre. Sus dibujos se caracterizan por honrar y dignificar la figura indígena y en ocasiones la naturaleza y los paisajes con animales. Su multidisciplinaria actividad también incluye una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda. Además, fue acreedor a diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de las Artes de parte del gobierno mexicano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 442.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Muchacha sentada con ropaje Firmada y fechada 1979 Escultura en bronce con base de mármol III / V 36 x 32 x 24.5 cm medidas totales con base Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2017. Un ejemplar de esta escultura está publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 19231993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág. 469, catalogada 856.

"La obra de Zúñiga es, por encima de todo, el testimonio y la afirmación de una existencia, de una esencia humana que sobrevive, ensimismada y serena, al desastre planetario […] El artista ha encontrado en el pueblo mexicano, y sobre todo en la hierática figura de la mujer mestiza de México, el alimento visual y la inspiración espiritual para su obra. Se trata de seres cuya nación ha vivido y vive entre la grandeza y la miseria, entre la esperanza y la desesperación […] Nacido en Costa Rica, pero residente por más de cuarenta año en México, tiene por patria un continente y por vocación natural la creación de imágenes simbólicas". Carlos Francisco Echeverría. Fuente consultada: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Francisco Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980, Pág. 7.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006)

Desnudo. La muchacha de la gran melena Firmada y fechada 1963 Tinta a pincel chino sobre papel 69.5 x 104.5 cm Agradecemos a Marina y Pablo Anguiano por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2018. Fue un artista polifacético por el dominio de numerosas técnicas plásticas, es reconocido especialmente por su actividad muralista, formó parte de la tercera generación de muralistas a lado de José Chávez Morado y Jorge González Camarena. En 1935 presentó junto con Máximo Pacheco, su primera exposición en el Palacio de Bellas Artes donde exhibieron temáticas relacionadas con el movimiento obrero y pensamiento revolucionario. Fue de los fundadores del Taller de Gráfica Popular, realizó algunas obras dentro del género surrealista y se le considera un maestro del retrato pictórico, especialmente del femenino. Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz et ál. Raúl Anguiano. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 2006, pp. 15-22.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Conversando en el mercado Firmado y fechado 41 Lápiz de grafito sobre papel 9.5 x 14 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista.

"No me cabe duda que él mostró un país nacionalista, lleno de indígenas con una pintura absolutamente revolucionaria, pero en el fondo ésta era profundamente religiosa, basada en una idea de paraíso". José Luis Trueba. Fuente consultada: TALAVERA, Juan Carlos. "Redescubre a Diego Rivera; su visión al paraíso". México. Excélsior, sección Cultura, 5 marzo del 2015.

$44,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,300-$3,800

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Vista de la Alameda Firmado Lápiz de grafito sobre papel 9.5 x 14 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista.

"No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso". Diego Rivera. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, Pág. 62.

$40,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,100-$3,800

JUAN O'GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Supremos pulques La gloria Firmada y fechada 1929 Acuarela sobre papel 20 x 25 cm Procedencia: Adquirido en Galería Lourdes Chumacero Con etiqueta de Galería Lourdes Chumachero. De origen prehispánico, el pulque es una de las bebidas fermentadas más famosas en México, cuyo consumo ha sido toda una tradición y los locales que lo expenden se llaman pulquerías. Juan O'Gorman fue un destacado pintor, que por su profesión de arquitecto creó obras en la que destacó su técnica plástica constructiva. Fue entre 1921 y 1925, que estructuró su formación artística como arquitecto, laborando con Carlos Obregón y Carlos Tarditi; así mismo, por encargo de José Vasconcelos, el entonces Secretario de Educación, trabajó en la realización de murales en tres pulquerías y en una cantina, contrato que estipulaba que se debían representar paisajes, personajes y motivos decorativos nacionalistas. En 1929, compró un terreno que correspondía a dos canchas de tenis en la zona de San Ángel en la Ciudad de México, en una parte construyó la primera casa funcional de estilo corbusiana, supuestamente para sus padres, quienes nunca la habitaron; la otra parte fue estructurada en 1931, por encargo de Diego Rivera y Frida Kahlo para construir la casa habitación conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo. Fuentes consultadas: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 84 y 203 y ADRIÀ, Miquel. "Juan O'Gorman". México. Arquine, 22 de marzo del 2013.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800

FELICIANO PEÑA

(Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982)

Guanajuato Firmado y fechado 45 Óleo sobre madera 54.5 x 32.3 cm Presenta craqueladuras en la capa pictórica. Feliciano Peña estudió en la Escuela al Aire Libre de Tlalpan bajo la guía del grabador Francisco Díaz de León y más tarde fue docente en La Esmeralda. Del ilustre pintor José María Velasco retomó la vocación por plasmar el medio natural; dio a la perspectiva un tratamiento similar al del maestro mexiquense, pintó valles, cañadas, arboledas, montes, miradores y callejones. Su estilo se basó en una observación fiel de la naturaleza y sus alrededores, siendo el resultado de un largo contacto con el medio natural. De 1931 a 1937 fue miembro de la Liga Revolucionaria de Escritores y Artistas, presentó su primera exposición individual en la Sala de Arte de la Secretaría de Educación Pública y obtuvo el premio de adquisición en el Salón de la Plástica Mexicana, del cual fue fundador. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 60.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 50

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado y fechado 64 Óleo sobre tela 23.5 x 34 cm Con copia del documento de compra de Sotheby's, New York, 9 de mayo de 1980. Procedencia: adquirido en Sotheby's, Nueva York, mayo de 1980, lote 155. Durante su prolífera y sólida carrera, Roberto Montenegro ejerció un poco de todo, destacando como muralista, pintor de caballete y diseñador de vestuarios, escenografías teatrales y cinematográficas. Su vasta producción abarcó diversos temas destacando los retratos, las naturalezas muertas y los paisajes, todos ellos representados por las corrientes artísticas de la época que él mismo experimentó en Francia, Londres, Italia, España y por supuesto México, país que visitó casi por completo. "Su obra variada y múltiple, diversa y cambiante, fue presidida y ejecutada bajo el signo de la curiosidad. Y la curiosidad es la madre de todas las aventuras y el motor de todos los riesgos. Ni la quietud ni la prudencia tuvieron nada que ver con este artista que recorrió todos los riesgos, que probó todas las aventuras y que emprendió todos los viajes, corrió un nuevo riesgo y emprendió un nuevo viaje". Xavier Villaurrutia.

Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 21.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,000-$3,800 51

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Rural landscape Firmada y fechada 77 Mixta sobre tela 73.5 x 92 cm Con dedicatoria al reverso. Agradecemos al Maestro Ignacio Iturria y al historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta detalles de conservación. Originario de Montevideo, hijo de un migrante vasco, Ignacio Iturria es un pintor que inició su vocación desde joven, explorando técnicas, materiales y estilos, que lo guiaron a España, instalándose en Cadaqués en 1977. Durante su estancia en aquella ciudad, trabajó con Ramón Aguilar Moré, experiencia que lo influenció a aclarar su paleta de colores y sofisticar su línea de dibujo. En 1984 regresó a Uruguay y realizó exposiciones en Punta del Este y más tarde en Buenos Aires, Argentina, ambos lugares le abrieron puertas para poder exhibir en distintas ciudades latinoamericanas. A lo largo de su carrera, Ignacio Iturria ha realizado diversas exposiciones individuales y participado en ferias y bienales de arte a nivel internacional. En el 2012 creó la Fundación Ignacio Iturria cuyo objetivo principal es promover el desarrollo vocacional de artistas y la creación de una Colonia de Artistas, teniendo su sede en Rosario departamento de Colonia en Uruguay. Actualmente su trabajo se encuentra en colecciones públicas y privadas de América Central y del Sur, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Fuentes consultadas: SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014 y sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 52

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Night Firmado Acrílico y stencil cobre cartón 38 x 49.5 cm Agradecemos al Maestro Ignacio Iturria y al historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del cartón. "A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños". Ignacio Iturria. Fuente consultada: SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700 53

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Palacio de Gobierno de Zacatecas Firmado Acrílico sobre tela 100 x 160 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Es un destacado pintor mexicano cuya obra se centra en el género paisajista, sin embargo ha experimentado también con la escultura y obra gráfica. Su mayor inspiración proviene de los trabajos de José María Velasco y Dr. Atl, característicos por el uso del llamado aeropaisaje y la representación de haciendas, calles y casonas. Por su especialidad, Raymundo Martínez ha viajado alrededor de la República Mexicana, capturando las más bellas imágenes de volcanes, valles, bosques y plazas. La Plaza de Armas de Zacatecas está delimitada por la Catedral y el Palacio de Gobierno, una de las zonas más importantes de la ciudad ya que es el foro principal donde se llevan a cabo las festividades y actividades culturales, el escenario perfecto para que Raymundo Martínez plasmara pictóricamente la inigualable arquitectura del palacio del Siglo XVII de una manera moderna, estructurada y limpia, en la cual se representa la cotidianidad de los zacatecanos. $130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000-$10,700

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Palacio de Gobierno de Oaxaca Firmado Acrílico sobre tela 100 x 160 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018.

"Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia". Ernesto de la Peña. $130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000-$7,500

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Ladrilleras Firmado Gouache sobre papel 25 x 28 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo de 1997. José Chávez Morado fue un pintor que gustaba de dialogar con el pueblo y las tradiciones. A lo largo de 50 años realizó centenares de dibujos y pinturas que recaudaron los simbolismos de la mexicanidad, ponderando los diversos grupos sociales. Su obra es considerada por muchos como prototípica del realismo, con abundantes antecedentes del arte popular, tanto en lo cromático como en la representación de productos artesanales. Entre 1950 y 1960, la producción de caballete de Chávez Morado fue sumamente amplia, no dejó de participar en exposiciones ni de dar clases. Fueron años de grandes reconocimientos y fama, su obra se encontraba en una etapa madura, ejerciendo su plástica con gran maestría gracias a su ejercicio mural anterior. A mediados de los años 60 se estableció definitivamente en Guanajuato, con su esposa Olga, y retomó proyectos para museos, fue una época en la que simbolizó su visión de la cultura e historia de México. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, Ediciones la Rana, 2001, pp. 45 y 46.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Ronda de niñas Firmado al reverso Óleo sobre tela 50.9 x 61 cm Con etiqueta de Art Collector's Gallery. Considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional, Montoya fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios junto con su segunda esposa, la artista Cordelia Urueta. Tras viajar a varios países de Europa y visitar los más importantes museos y galerías, enriqueció su bagaje artístico pero sin dejar a un lado su herencia mexicana. De regreso a su país, trabajó además de la pintura de caballete, las esculturas y algunos murales, al mismo tiempo que ejerció la docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Su obra ha sido bien aceptada por la crítica, mereciendo con justicia la atención de Jorge Juan Crespo de la Serna y Xavier Villaurrutia. Durante su carrera, expuso en diversas instituciones y galerías mexicanas de renombre, entre ellas la Galería de Arte Mexicano, la Galería Misrachi y el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón. Fuente consultada: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S.A., 1981, pp. 27-31.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Sandías, de la colección Niños mexicanos, 2000 Firmada Escultura en bronce 2 / 9 52.5 x 42 x 52.5 cm Con copia del certificado de autenticidad del artista en el que valida que supervisó y aprobó la realización de la escultura, noviembre del 2000. Gustavo Montoya fue un destacado pintor y escultor mexicano egresado de la Academia de San Carlos y perteneciente a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Entre sus obras más conocidas, destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares. La serie "Niños mexicanos" está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de edificación cultural. En ocasiones los representa con juegos de mesa, instrumentos musicales o frutas típicas, las cuales son en su mayoría emblemas nativos y reflejos de la pasión, frescura e inocencia de un niño. Tanto pinturas como esculturas de la serie "Niños mexicanos" fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la exposición "Retrato mexicano" en 1961 y en la exposición "Maestros de la pintura mexicana" en 1976. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S.A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto de 1999, pp. 10-12.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300 58

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006)

Niña (hermana del artista) Firmado y fechado 1941 Óleo sobre tela 90 x 70 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: FERNÁNDEZ FASSNACHT, Enrique et ál. Anguiano. Viaje onírico de una vida. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 38, catalogado 16. Presenta detalles de conservación. Fue de los fundadores del Taller de Gráfica Popular, realizó algunas obras dentro del género surrealista y se le considera un maestro del retrato pictórico, especialmente del femenino. Anguiano realizó varios murales en México durante su carrera, destacan los ubicados

en el Museo Nacional de Antropología e Historia, en la Secretaría de Educación Pública, en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey. Quedaron únicamente los bocetos de un mural que realizaría en el Instituto Politécnico Nacional. En 1949, participó en el proyecto auspiciado por el Instituto Nacional de Bellas Artes para realizar documentación del sitio arqueológico de Bonampak donde realizó retratos, paisajes de la zona, manifestó gran interés por los grupos indígenas de la Selva Lacandona así como en problemáticas ambientales y ecológicos. "Mi pintura se ubica dentro de la tradición de la escuela mexicana de la pintura, la tradición renovada… Desarrollamos nuestra propia personalidad, pero estamos dentro de la corriente mexicana, nacional, no nacionalista". Raúl Anguiano. Fuente consultada: LUKE, GREGORIO, et ál. Anguiano. Viaje onírico de una vida. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 126.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $9,700-$16,000 59

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017)

Amecameca Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ORTÍZ MACEDO, Luis. Mario Almela. Luz y sol. México. La Cartuja, 1997, Pág. 15, catalogado 24. Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura. A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 4 y ORTÍZ MACEDO, Luis. Mario Almela. Luz y sol. México. La Cartuja, 1997, Pág. 4.

$120,000.00-$140,000.00 M.N. USD $6,400-$7,500

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Pequeño tributo al río, 2017 Firmado Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, agosto del 2015. Realizó cursos de artes plásticas en el sistema de casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a participar en exposiciones de plástica en Cuba, sobre todo en salones de paisaje. Graduado en arquitectura en La Habana, desarrolló el primer sistema de perspectiva esférica geométricamente fundamentada. Tomó cursos de diseño, cerámica, grabado y fotografía. Participó en exposiciones colectivas en La Habana y a finales de 1994 llegó a México a residir definitivamente. En 2009, presentó su exposición individual "Natura" en el Museo Metropolitano de Monterrey, México. Ha presentado su obra en diversas ferias internacionales de arte en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Su pintura ha sido calificada como paisaje hiperrealista. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Fogata en el Iztaccíhuatl Firmado Óleo sobre tela 68.5 x 99 cm Presenta ligeras craqueladuras y oxidación en las orillas. Además de la influencia de la obra de Cézanne, las tendencias impresionistas y postimpresionistas determinaron el sentido del estilo de Gómez Mayorga. Los tratamientos lumínicos de estos movimientos artísticos fueron puestos a prueba en sus paisajes, en especial en las pinturas de los volcanes del Valle de México. Los contenidos de los primeros planos y la atmósfera de estas obras varían, pues están realizadas desde el mismo lugar pero desde diversos ángulos y a distintas horas del día. Hacía variables en los acercamientos, ya sea con o sin laguna, uno o dos volcanes, vertió sus propios estados de ánimo para definir el color y la propia esencia de la obra, pero siempre conservando las composiciones.

"Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$330,000.00-$450,000.00 M.N. USD $17,700-$24,100

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Xochimilco Firmado Óleo sobre tela 25.2 x 40 cm Presenta desprendimientos de capa pictórica y una etiqueta adherida a la capa pictórica. Patrimonio de la Humanidad, Xochimilco fue lugar especial para pintores paisajistas, entre ellos Gómez Mayorga, quien utilizó este terreno prehispánico como laboratorio de experimentación.

"Gómez Mayorga a diferencia de Clausell muestra un sentimiento de libertad diferente, construido sobre volúmenes más corpóreos, pero una rara y afortunada sensación de unidad y equilibrio", apunta el investigador Hugo Convantes, quien cree que el pintor dejó en este tema regional ejemplos de magnificas piezas. Colores que avivan la flora, tonos para recrear el agua del canal y elementos que se esconden entre el matorral, hacen de esta pieza una magnífica interpretación atmosférica de Xochimilco. Mayorga definitivamente logró llegar al éxtasis de la perspectiva con trazos definitivos en el horizonte, creando una poesía histórica. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 87 a 99.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Los volcanes Firmado Acrílico sobre tela 100 x 160 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Raymundo Martínez es un paisajista cuyo principal interés han sido los volcanes y los valles de México. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajistas del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística. $180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Paisaje de Chalco Firmado al frente. Firmado y fechado 1992 al reverso Temple sobre tela sobre madera 79 x 122 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2000. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Uno de los personajes más representativos de la pintura contemporánea mexicana, estudió en la Academia de San Carlos por lo que su obra forma parte del academicismo del siglo XIX y características nacionalistas. Fue seguidor de Chávez Morado y Alfredo Zalce, quienes contribuyeron notoriamente en su carrera artística, así como otros maestros de la pintura como José María Velasco y Francisco Goitia, influyeron en su narrativa visual. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 468-475, TOVAR DE TERESA Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com/coleccion

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,700-$32,100

LARISSA BARRERA

(Ciudad de México, 1971 - )

Tierra sin memoria y sin olvido III Firmado y fechado 2016 Óleo sobre tela 100 x 125 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Larissa Barrera. Vientos que acarician mis sombras. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 26, catalogado 8. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo la oportunidad de tomar clases con los maestros Luis Nishizawa y Daniel Manzano, quienes la introdujeron a la pintura paisajística, género con el cual ha conformado la serie "Tiempo sin tiempo" y en la que cada año suma nuevas obras. Durante su estancia en Europa en 2007, estudió la obra de William Turner y Jules Bastien-Lepage, pintores que se convirtieron en sus grandes influencias para que estructurara su propio lenguaje artístico. Desde el 2008 ha realizado más de ocho exposiciones individuales y participado en once muestras colectivas con temas de paisaje y retrato. A lo largo de su carrera ha sido acreedora a diversos premios y reconocimientos, además ha impartido cursos y talleres en museos e instituciones mexicanas. "'Tierra sin memoria y sin olvido', título por demás borgiano, retrato dinámico de un momento donde sopla el viento, levanta la polvareda y abruma la claridad del crepúsculo, retrata la soledad rulfiana del paisaje mexicano […] En estas versiones la autora juega con el horizonte en la composición; nos regala una claridad celeste que asoma por encima de la nube cargada de agua, transformando la emoción del encuadre anterior en esperanza". Fragmento del texto "El paisaje como retrato psicológico" Aldama Fine Art. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Larissa Barrera. Vientos que acarician mis sombras. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 9.

$140,000.00-$160,000.00 M.N. USD $7,500-$8,500

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Paisaje Firmado y fechado 2017 Óleo sobre tela 50 x 170 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2018. En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral y escenarios que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Son distintivos los murales de Carbonell, ubicados en el edificio de la Suprema Corte de Justicia, en corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,400-$16,000

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 100 x 150 cm Presenta ligeras craqueladuras.

"Las marinas de Guillermo Gómez Mayorga abarcan diversas tonalidades monocromáticas que al integrarse con la delicada pincelada crean una atmosfera tradicional y fresca de las playas mexicanas, dando la impresión de sentir la frescura del mar irrumpiendo contra las rocas y la brisa salada de la costa. "Los temas marítimos a finales del siglo XIX convirtieron al mar en un elemento independiente, Mayorga abordó la temática bajo una excelente calidad pictórica haciendo que sus pinceladas compitan con las de las marinas de Joaquín Clausell. "Se dice que Mayorga realizó un poco más de 100 marinas de gran calidad artística, situándolo así entre los especializados en el estilo". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 a 107.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800

BENITO QUINQUELA MARTÍN

(Buenos Aires, Argentina, 1890 - Buenos Aires, Argentina, 1977)

Momento gris Firmado al frente y al reverso Óleo sobre aglomerado de madera 46 x 54.5 cm Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Siempre enamorado de su tierra, Quinquela decidió retribuirla moldeando un polo cultural, educativo y sanitario: el Museo de Artistas Argentinos (hoy en día conocido como "Museo Benito Quinquela Martín") en La Boca, planteado por el artista como una escuela primaria y museo que sería construido en un terreno de su propiedad que donó al Estado en 1933. El 19 de julio de 1936, se inauguró la Escuela Pedro de Mendoza conjugando arte y pedagogía y dos años más tarde abrió sus puertas en el mismo edificio el museo de Artistas Argentinos. Su colección está conformada por obras de artistas argentinos figurativos desde fines del siglo XIX hasta nuestros días. Fuente consultada: "Museo Benito Quinquela Martín" en el sitio de la ciudad de Buenos Aires www.buenosaires.gob.ar

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,800-$32,100

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964)

Toledo, España Firmado al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Procedencia: adquirido en la casa de subastas Durán, España. Presenta restauración. El estallido de la Segunda Guerra Mundial dirigió a diversos creadores al continente americano y fue México el objetivo para muchos de ellos; sin embargo, ya había antecedentes de muchos artistas procedentes de exilios previos, como fue el caso de Remedios Varo, Josep Bartolí y Arturo Souto, entre otros. Dentro de la primera generación de españoles establecidos en México, la mayoría eran adultos, por lo que sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana. A este grupo de artistas se les conoce como la "Generación madura" y el gallego Arturo Souto destacó dentro de este contingente de pintores. Una vez que se acercaba el fin de la Guerra Civil Española y de haber sido un exiliado en Burdeos y La Habana, Souto viajó a Estados Unidos donde logró organizar algunas exposiciones. Pero fue hasta 1942 que por medio de su amigo, el poeta Jaime Torres Bodet, Souto llegó a México, donde de inmediato se identificó con la cultura mexicana. Tuvo fases pictóricas muy distintas, pero durante su estancia en México fue un estudioso del muralismo. Siempre fue un pintor de línea hierática, vanguardista, capaz de capturar todo tipo de ambientes logrando tanto bodegones, desnudos y composiciones libres como praderas y bosques, creando de todas ellas obras maestras. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44,45 y 149.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-16,000

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979)

Jardín en San Miguel de Allende, México Firmado y fechado S. Miguel de Allende 1971 Óleo sobre tela 60.5 x 75.5 cm Fue un pintor español perteneciente a la Asociación Libre de Artistas, conocido como Grupo ALA, formado en España en 1931 como una asociación que aspiraba modernizar los ambientes artísticos y literarios españoles. Mingorance se exilió a América junto con muchos otros pintores e intelectuales europeos durante el marco del estallido de la Guerra Civil Española, llegando primero a Nueva York y luego a México. A su llegada a nuestro país en 1944, visitó algunos estados de la República como Guanajuato y Monterrey, ciudad donde logró exponer en diversas ocasiones, incluso durante su estancia colaboró en varios proyectos artísticos y estableció un taller donde impartió clases de pintura a artistas regios. Asimismo, realizó exposiciones individuales en galerías y casas de cultura en Europa. Actualmente el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga resguarda uno de los acervos más amplios de la obra de Mingorance. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 142 y sitio oficial del Museo Municipal de Málaga www.museodelpatrimoniomunicipal.malaga.eu

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,400

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Paisaje serrano Firmado Óleo sobre tela 30 x 45 cm En la década de los 40, Orozco Romero irrumpió con fuerza el género paisajista, realizando un buen número de obras con un ámbito cercano a lo abstracto, siguiendo líneas de su propia experimentación plástica, plasmando planos diáfanos y juegos cromáticos de azules y violetas de gran intensidad. Durante sus estudios conoció la obra de algunos compatriotas, de quienes pudo tener influencia para sus paisajes: los valles y volcanes de Dr. Atl, las mujeres indígenas de José Clemente Orozco y el espíritu de las tradiciones mexicanas de Roberto Montenegro.

"Sin siquiera advertirlo, la retina y sensibilidad de Carlos van almacenando formas, volúmenes, luces, sombras, que más tarde, ya sazonada su paleta, le permitirán crear esos paisajes que no son nunca trasunto directo de la realidad, y que, empero, son tan reales, que no es raro que llegue alguien y le diga al pintor 'Hoy vi un paisaje tuyo'". Margarita Nelken.

Fuentes consultadas: LOZANO, Luis-Martín. Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones. México. CONACULTA, INBA, Secretaría de Cultura del Gobierno de Jalisco, 1996, Pág. 26 y NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 9.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Pueblo olvidado Firmado al frente. Firmado y fechado al reverso 1968 Óleo sobre tela 36 x 46 cm Presenta detalles de conservación.

"Durante su trayectoria artística, González Camarena enriqueció la pintura mexicana, pues en su obra incluyó temas civiles, cotidianos, alegóricos y filosóficos, pero desprovistos de cualquier referencia política; además, estuvo interesado en la representación de la ciencia, la nueva nacionalidad mexicana del conocimiento". María Teresa Favela Fierro Fuente consultada: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 13.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Quetzalcóatl y la Cultura Sin firma Temple sobre masonite, políptico 195 x 196 cm medida del panel izquierdo 195 x 99 cm medida del panel central 195 x 198 cm medida del panel derecho 195 x 493 cm medidas totales Piezas: 3 Presenta detalles de conservación. $700,000.00-$900,000.00 M.N. USD $37,400-$48,100 74

Asistió a la Academia de San Carlos donde estudió dibujo, pintura y escultura. Perteneció a la escuela de corriente nacionalista, por lo que su obra está dotada de alegorías y símbolos como águilas, libros, la serpiente emplumada y personajes prehispánicos que conforman su iconografía de identidad mexicana. La imprenta fue un tema constante en la obra de Francisco Eppens. Desde 1935 hasta 1953 trabajó realizando diseños en los Talleres de Impresión de Estampillas y Valores de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. En la década de los cincuenta realizó las obras monumentales "La vida, la muerte, el mestizaje y los cuatro elementos" y "La superación del hombre por medio de la cultura" en las Facultades de Medicina y Odontología de la UNAM.

Fuente consultada: LÓPEZ OROZCO, Leticia et ál. Francisco Eppens Helguera centenario 1913 - 2013. Revolución, nación, modernidad. México. Partido Revolucionario Institucional, 2013, pp. 180 -183.

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Viento de piedra Firmado al frente. Firmado y fechado V-1977 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 50 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Jorge González Camarena Barre de Saint Leu. Publicado en: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, pp. 97 y 98 y en CORONEL, Juan Rafael et ál. Premio Nacional de Ciencias y Artes. 60 años de historia plástica. México. CONACULTA, 2005, Pág. 90, catalogado 22. Incluye ejemplar. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes y Premio Nacional de Ciencias y Artes. Es uno de los representantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. A corta edad ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes y posteriormente fue ayudante de Gerardo Murillo, Dr. Atl, con quien trabajó de modo constante y fue asistente de las Escuelas al Aire Libre. Tuvo entusiasmo e interés en abordar temáticas de culturas precolombinas, aspectos relacionados con el movimiento revolucionario, históricos-sociales y de índole musical. El género del retrato ocupó parte importante de su quehacer artístico, en donde representó a personajes cercanos, además desarrolló su propio sistema de composición que denominó "cuadratismo". En su producción destacan los murales "Venustiano Carranza y la Constitución de 1917" en el Museo Nacional de Historia del Castillo de Chapultepec, realizó el mural "La humanidad se libera de la miseria", ubicado en el Palacio de Bellas Artes, al lado de los realizados por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, Roberto Montenegro y Manuel Rodríguez Lozano. Pintó el imponente mural de trescientos metros cuadrados en la Universidad de Concepción, en Chile, que refleja el imaginario de los chilenos. "En conclusión, es una ciudad que el viento trata de llevarse, parece arder en llamas, y sin duda es una ciudad de la República Mexicana, ya que el águila es nuestro símbolo patrio, sin embargo, la vemos fatigada y desplumándose". Jorge González Camarena Barre de Saint Leu. Fuente consultada: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, pp. 13 -16 y 97.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $50,800-$80,200

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Roca y nube Firmado y fechado 1959 al reverso Óleo sobre tela 81 x 96 cm Presenta flor pintada al reverso. Con etiqueta de la Galería de Arte Mexicano. Entre su amplia trayectoria Guillermo Meza destacó con su colaboración en la V Bienal São Paulo, Brasil, en 1959 y con la exposición "Imágenes de México. Una perspectiva artística desde la época prehispánica hasta los Contemporáneos" en Nueva York. Su obra se mostró en San José Museum of Art y en Mandeville Art Gallery en San Diego, ambas en California y en la Ciudad de México en el Palacio Iturbide y en el Museo de Arte Moderno, además obtuvo una mención honorífica en la VI Bienal de Tokio en 1961. Algunas de las obras de Guillermo Meza se conservan en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y en el Instituto de Arte de Chicago. "[…] lo que hace distinta la pintura de Meza es que no consiste en un escape a otros mundos, no es una invención intelectual, sino un penetrar profundo en la realidad suya, la de México, de la cultura primitiva, mágica, auténticamente ilógica". Ida Rodríguez Prampolini. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo, Repertorio de artistas en México, Tomo II, México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 348.

$170,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,000-$13,400

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Geometría simétrica, 1967 Firmado Acrílico sobre triplay 25.2 x 35.8 cm Con etiqueta de Galería López Quiroga.

"El paisaje no es natural, es una invención de la mirada. Esta visión es resultante del género, esa forma característica de pensar lo visto. En Siqueiros el paisaje aparece por accidente. Es sustancia, casi pura, de su concepción de la materia. Y sobre todo es invención de tratamientos. Siqueiros no era barroco; su paisaje manierista tiene resonancia en el paisaje de Nicoló dell Ábate y estructura geométrica de Cambiasso. En Siqueiros el espacio es liberado. Es de los pocos artistas que previeron en el espacio la esencia del ver, al pensar viendo […] Siqueiros no representaba en sus paisajes la roca ni la arena; era arena y roca […] Fue el padre del informalismo consciente, de la pintura concreta accidentada; en su paisaje todo ello era elementario. Pollock, su discípulo, pintaba paisajes desde arriba, Siqueiros, su maestro, los fugaba más de una vez, donde había una apropiación del espacio modelando el lugar de cada cosa. Siqueiros movía al espectador, al tiempo contemplado, él sentía la mirada en varias partes del paisaje. Cada paisaje de Siqueiros es un todo". Manuel Marín. Fuente consultada: MARÍN, Manuel et ál. Siqueiros paisajista. México. Museo de Arte Carrillo Gil, Museum of Latin American Art, 2010, pp. 45 y 46.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $26,800-$37,400

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Travesuras de Efebos Firmada y fechada 2-66 al frente y al reverso Piroxílina y acrílico sobre madera 81 x 61 cm Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner, octubre del 2017. David Alfaro Squieiros fue un destacado pintor, organizador sindical y militante chihuahuense, considerado como uno los tres grandes exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco. Fue un hombre fuerte, rebelde y apasionado por el arte, estudió la Academia de San Carlos, donde se vio involucrado en su primera revuelta. Posteriormente se unió al ejército constitucionalista de Venustiano Carranza y durante sus recorridos militares tuvo la oportunidad de acercarse a la cultura mexicana. Después viajó a Europa para conocer las vanguardias de la época, visitando principalmente España y París, ciudad donde se influenció especialmente del cubismo y conoció a Diego Rivera. En 1922 regresó a México para trabajar como muralista para el gobierno, proyecto impulsado por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación. Así, inició su sólida carrera artística, pues desde entonces realizó un sinfín de murales en México y el extranjero; no obstante, su comunismo y rebelión lo llevó a ser encarcelado en varias ocasiones, a participar en la Guerra Civil Española y formar parte del intento de asesinato a León Trosky. Su cumbre y madurez artística se reflejó a finales de los 40 y hasta finales de los 60. Para 1966 recibió el Premio Lenin de la Paz, año en el que también recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y en 1968 terminó el mural "La historia del teatro" en la Asociación Nacional de Actores. Fue un hombre que pasó tiempo en el exilio, por consiguiente, su labor artística tuvo un impacto internacional, tanto por su rango y carácter transcultural como por su labor en nuevas propuestas artísticas. Actualmente toda su obra es considerada patrimonio artístico de la nación. Fuente consultada: sitio oficial de la Academia de Artes www.academiadeartes.org.mx

$3,000,000.00-$4,000,000.00 M.N. USD $160,500-$214,000

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

De coreografía Firmada y fechada 6-62 al frente. Firmada y fechada Mex 6-1962 al reverso Piroxilina y acrílico sobre madera 33 x 45 cm Con la leyenda al reverso: "Carcel Preventiva". Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner, agosto del 2017. En 1960 Siqueiros fue encarcelado en Lecumberri, un lugar popularmente conocido como "El palacio negro", donde permaneció cautivo cuatro años en la celda número 40. Durante su encarcelamiento siguió dibujando y pintando en su celda, utilizando el poco material que se le permitía tener, acuarelas, tintas, acrílicos, piroxilina y papel, que en ocasiones solía ser reciclado. En el penal creó más de quinientas obras, algunas de ellas ejercicios y bocetos, todos ellos firmados con la inscripción "C.P." haciendo referencia a "Cárcel Preventiva". Fue una época en la que pintaba sin parar, con gran ímpetu, su mente exaltada perdió su dialéctica histórica y laicidad comunista; en ocasiones, al reverso de la obra, hacia anotaciones que describían su ánimo y visiones. En su pequeño espacio manipulaba la piroxilina con solventes químicos fuertes y se alumbraba con lámpara de gas, por lo que fue de esperar que al inhalar dichos productos pasara por estados alterados de la mente, afectando su plástica, dando como resultado paisajes vertigosos, zonas oscuras, luminosidades incandescentes, árboles solitarios, volcanes en erupción, explosiones atómicas, profetas, éxodos, migraciones, así como también retratos y bocetos para escenografías y murales. "Tomando en cuenta que Siqueiros en la cárcel no podía trabajar con modelos, esta pieza posiblemente trata del retrato de una diva, que podría estar inspirada en la primera actriz de origen español Ofelia Guilmán, reconocida por su labor en teatro, cine y televisión mexicana. No solo hay un parecido físico con ésta, sino que lo que documenta y deja en claro fue su gran admiración por ella. Se conocieron cuando ella se refugió en México después de haber participado como republicana en la Guerra Civil Española. Además de su identidad política, la actriz manifestó que tuvo una particular relación con el muralista. En el libro 'Retablo Rojo' de Carlos Pascual se capta la devoción por el pintor y Doña Guilmán dice: 'yo me enamore de Siqueiros, porque terriblemente lo admiré. Para mí la admiración y el amor, siempre iban ligados. Así que amorosamente me convertí en su alumna, en su amiga y me convertí en su noviecita'". Dra. Irene Herne, fragmento del Ensayo documental "De coreografía".

Fuentes consultadas: HERNER, Irene. "Ensayo documental. De coreografía". México, agosto del 2017 y MARÍN, Manuel et ál. Siqueiros paisajista. México. Museo de Arte Carrillo Gil, Museum of Latin American Art, 2010, Pág. 92.

$1,500,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $80,200-$133,700

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Naturaleza viva Firmado y fechado 1953 Gouache sobre cartulina 47 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Alfredo Zalce fue un destacado, pintor, escultor, grabador y muralista mexicano, cuya obra está impregnada de una visión personal sobre las costumbres de México. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1978 fue ganador del premio del Salón de la Plástica Mexicana y para 1993, su arte y labor docente fue reconocida a nivel nacional, añadiendo su nombre -Alfredo Zalce-, al nombre del Museo de Arte Contemporáneo, en honor a su trabajo; es así, que actualmente en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras. Debido a que nunca fue su interés el tener fama, toda su vida estuvo alejado de la publicidad, sin embargo hoy en día, es uno de los pintores más representativos del arte mexicano del siglo XX. Los temas que trabajó en su pintura a lo largo de su vida fueron variados, sin embargo sobresalen los paisajes y bodegones con características de la vida de las etnias mexicanas, obras que realizó con vivas composiciones de colores y elementos de finas líneas. "El estilo de algunas obras de Zalce es caracterizado por la manera de como aplica la materia, al igual que la temática y la utilización de colores en su paleta de sobrios tostados en combinación con tonos cálidos en naranjas y rosados que contrastan y producen grandes sensaciones. El pintor hace uso de su experiencia plástica para ejecutar uno de sus trucos con el fin de llegar a una armonía perfecta". Ana Delia Pueblita Díaz. Fuente consultada: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 84

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 69 x 59 cm Presenta ligeras craqueladuras. Roberto Montenegro fue hijo del Coronel Ignacio Montenegro y doña María Nervo, tía de Amado Nervo. Estudió en la Academia de San Carlos y en la Escuela de Bellas Artes en París, fue amigo de Diego Rivera y José Vasconcelos, además de partidario de la cultura y difusión del arte mexicano a nivel internacional. Fue un viajero inalcanzable hasta sus últimos días y fue París el lugar donde pasó la mayor parte de su juventud, ciudad donde consiguió la experiencia vanguardista; no obstante, mucho también le debe a su tierra natal, no sólo por nacionalidad y tradición sino porque en México desarrolló todo su arte. Fue así, que cuando se mostró su exquisito toque para las obras cargadas de imaginación, cuando el

surrealismo empezó a desarrollarse en México, a él no le resultó un cambio abrumador o problema, al contrario, lo manejó con gran maestría destacándose sobre otros artistas. A Roberto Montenegro le era muy fácil relacionarse con otras personas, por lo que llegó a tomar influencia artística de algunas de sus amistades, entre ellos el cronista guatemalteco Enrique Gómez Carrillo, el pintor, geólogo y critico Dr. Atl y el artista Juan Gris, conocido como uno de los padres del cubismo y por quien se interesó en aquel movimiento para realizar obras de caballete, como bodegones y paisajes. Hoy por hoy, cuando se habla de arte moderno en México, el nombre de Roberto Montenegro es ineludible, pues su aportación fue múltiple y en todos los casos valiosa.

Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 18-26.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 85

MARÍA IZQUIERDO

(San Juan de los Lagos, Jalisco, 1902 - Ciudad de México, 1955)

Naturaleza muerta Firmado y fechado 32 Óleo sobre tela 44 x 75 cm Publicado en: LITTMAN, Robert R. et ál. María Izquierdo. México. Fundación Televisa, 1988, Pág. 128. CORZO, Miguel Ángel et ál. Passione per la vita. Italia. Elemond Editori Associati, 1997, pp. 106 y 212. LOZANO, Luis-Martín. María Izquierdo: Una verdadera pasión por el color. México, Landucci Editores, 2002, pp. 74 y 76. ZAVALA, Adriana. Un arte nuevo: El aporte de María Izquierdo. México. UNAM, 2008, pp. 33 y 34. Exhibido en: - “María Izquierdo 1902-1955”, en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de Fundación Televisa, de noviembre de 1988 a febrero de 1989. - “Passione per la vita”, en Castel dell´Ovo en Italia, de marzo a junio de 1997. - “MUNAL 2000”, en el Museo Nacional de Arte MUNAL, junio del 2000. - “Museo del imaginario en el MUNAL” en el Museo Nacional de Arte MUNAL, en 2001. - “Una verdadera pasión por el color del Centenario del Natalicio María Izquierdo”, en el Instituto Cultural Cabañas, de diciembre del 2002 a febrero del 2003 y en Palacio de Bellas Artes, de marzo a mayo del 2003. - “Arte Nuevo. El aporte de María Izquierdo”, en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, de octubre del 2007 a abril del 2008 y en Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, MARCO, de abril a agosto del 2008. Con etiquetas del Museo Nacional de Arte, Museo Contemporáneo de Monterrey y Centro Cultural Arte Contemporáneo. Asistió a la Academia de San Carlos, estudió con Manuel Toussaint, Germán Gedovius y Rufino Tamayo. Asistió a las escuelas de pintura al aire libre. Fue una artista representante del periodo posrevolucionario y de vanguardia. Mantuvo una postura y perspectiva feminista, se preocupó por representar problemáticas de género, apartándose de estereotipos nacionalistas como la Madre Patria, las mujeres indígenas y elementos anecdóticos o costumbristas. Por su lado representó en sus lienzos estados emocionales como el dolor, la melancolía y la angustia. Los bodegones son parte de su iconografía, sin embargo fue una artista polifacética que plasmó en sus obras escenas circences, retratos de personajes cercanos a su época y círculos íntimos, así como otras imágenes que poseen aspectos oníricos del género surrealista. “Naturaleza muerta” es una de las obras que más se han exhibido de María Izquierdo. Fuente consultada: SCHNEIDER, Luis Mario et ál. María Izquierdo. México. Casa del Bolsa Cremi, 1986, Pág. 52

$2,600,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $139,000-$160,500

“Por el color y por el repertorio de sus figuraciones María Izquierdo es una artista inconfundiblemente mexicana. Se afincó en estas singularidades gozosamente. Suyos eran los volcanes, suyo era el trópico, suyo era el mar o costa abrupta y la enervante aridez de la erosionada serranía”. Raquel Tibol. 87

ALFONSO MICHEL Flores de durazno, 1945

Firmado Óleo sobre tela 45 x 37 cm Exhibido en: exposición homenaje a Alfonso Michel, presentada en el Museo de Arte Moderno de mayo a agosto de 1991, en Galería Universitaria Aristos en 1963 en la Ciudad de México y en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. Publicado en: DEBROISE, Olivier. Alfonso Michel. El desconocido. México. Editorial Era, CONACULTA, INBA, 1992, Pág. 27. Con dos etiquetas del Museo de Arte Moderno, otra del Instituto Nacional de Bellas Artes y de la Galería Universitaria. Presenta ligeros detalles de conservación. “Su estilo pictórico se vio influido por Cézanne y por la tónica neoclásica de Picasso. Se interesó en Braque y en la pintura metafísica de Chirico y Alberto Sabino". Guillermo Tovar de Teresa. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 352.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,700-$32,100

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Plástica inesperada Firmado y fechado 57 Óleo sobre masonite 32 x 40 cm Procedencia: colección privada. Colección Sr. Regino Hernández Llergo. Coleccion privada, México. Publicado en: MOYSSEN, Xavier et ál. Roberto Montenegro. Exposicion de homenaje. México. INBA, 1970, catalogado 58, con el título "Naturaleza muerta". Exhibido en: "Arte Mexicano", muestra en Burdeos, Francia en 1957 y en "Roberto Montenegro", exposicion homenaje presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de agosto a septiembre de 1970. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. Presenta ligeros detalles de conservación. Roberto Montenegro fue un artista acostumbrado a las variantes aprendidas en Europa, por ello las naturalezas muertas que pintó están ejecutadas un tanto a la manera clásica academicista y otras a la manera moderna cubista. Desde finales de los 50 y principios de los 60, se dedicó a la experimentación matérica, utilizando tierras y polvos mezclados con pintura, así como pinceladas precisas y el uso de modelos de objetos de madera y piedra o vidrio y metal para jugar con los reflejos, utilizando una paleta de color limitada, lo que daba como resultado una gama monocromática y armoniosa. Así mismo, la dedicación al estudio del arte popular y su amor por el teatro, fueron reflejados en cada uno de sus bodegones, como si fuesen escenografía de naturalezas y frutas. Sin duda, son piezas que presentan carácter y una excepcional calidad pictórica. Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 50 y 51.

$180,000.00-$280,000.00 M.N. USD $9,700-$15,000

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009)

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 120 x 150 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Vicente Gandía llegó a México en 1951, con su hermana y con su madre. Rápidamente se adaptó a la cultura mexicana, pues deslumbrado por el paisaje y la vegetación optó por dejar a un lado su interés por la arquitectura para dedicarse a la pintura. Aunque su formación fue autodidacta, poco a poco fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de 50 años. Logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. También trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas, fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana y participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero.

"En su obra ha dibujado, pintado, grabado y esculpido todo, desde paisajes, casas de vecinos, invernaderos y casas de cristal, hasta laberintos, floreros, frutas y la propia imagen de las casas en que ha vivido a lo largo de los años. Hay, sin embargo, un elemento que pocos han descubierto en su obra, una preocupación por lo arquitectónico que aparece en forma de pilares, puertas, ventanas, habitaciones y paisajes […] La vinculación de la obra del artista con la arquitectura tiene una larga tradición en la crítica y en la historiografía del arte". Miguel Ángel Muñoz. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268 y CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 290.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Dona XVI Firmado y fechado 16-IV-2012 al reverso Óleo sobre tela 40 x 50 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2017.

"Cada pintura es una obra que retrata diferentes tipos de comida. No se trata simplemente de pintar bodegones, sino que, al igual que los retratos de las personas, cada alimento tiene vida propia. Es interesante notar que uno de los principales géneros que ha cultivado el artista es el retrato humano […] ¿Qué tienen de espiritual o teológico las pinturas de alimentos? La respuesta es todo, si han de entenderse como metáforas de los principios judeocristianos o bíblicos". Scott Peck, director de Museum of Biblical Art, Dallas. Fuente consultada: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, Pág. 98.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000-$10,700

63 JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Pastel XIX Firmado y fechado 6-VII-2015 al reverso Óleo sobre tela 40 x 30 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2017.

"Nadie que comprenda verdaderamente las imágenes del artista Juan Carlos del Valle volverá a comer igual. Cada bocado está repleto de significados potenciales para el espectador […] En parte es profeta, en parte teólogo y en parte reformador político y social. Juan Carlos del Valle es un revolucionario mexicano que guarda silencio, pero que clama por la reforma moral y social del mundo por medio de sus pinturas". Scott Peck, director de Museum of Biblical Art, Dallas. Fuente consultada: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, pp. 102 y 103.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

PEDRO DIEGO ALVARADO (Ciudad de México, 1956 - )

Peras y uvas I Firmado y fechado 97 Óleo sobre lino 23.4 x 31.4 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2018. Con etiqueta de la Galería Praxis.

"Ya sean nopales, calabazas, peras, pitayas o granadas, el artista toma como pretexto aquellos elementos que les son intrínsecos a cada una de las formas, para representarlas en una totalidad y brindarle al espectador un prolongado 'intervalo de silencio' gracias al cual podemos concluir con una catarsis estética". Luz Sepúlveda. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrodiegoalvarado.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300

PEDRO DIEGO ALVARADO (Ciudad de México, 1956 - )

Naturaleza quieta con gladiolas I Firmado y fechado 96 Óleo sobre lino 31.8 x 22 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2018. Con etiqueta de la Galería Praxis. Pedro Diego proviene de una gran familia de artistas, su madre fue Ruth Rivera, hija de Diego Rivera y Lupe Marín, su padre fue Pedro Alvarado hermano del grabador Carlos Alvarado Lang. Estudió en La Esmeralda y en San Carlos, donde tuvo como maestro a Gilberto Aceves Navarro. Posteriormente se unió al grupo del fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, quien acostumbraba ir con diversos pintores a dibujar al jardín botánico del barrio latino.

En 1992, realizó una exposición con Joy Laville en el Jardín Borda en Cuernavaca, un año después su obra fue exhibida en la Galería de Arte Mexicano y 2013 realizó la muestra "Forma y metáfora" en el Antiguo Colegio de San Ildefonso. "En la obra de Pedro Diego Alvarado, se observa un control del trazo y del manejo de los colores. Su capacidad para conjuntar estos elementos va más allá del tema, que permanecen como un espacio autónomo a partir de la luz del cuadro. Esa dirección de la luz en su trabajo plástico la utilizaba como una meditación sobre el mundo que creaba, proveniente no de una influencia, sino de una afinidad con la escuela impresionista, es decir, que el pintor no recreaba lo que observaba, más bien creaba con un mínimo de referencias a un mundo propio, siempre acertado en los detalles y sensibilidad puesta en cada tela". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrodiegoalvarado.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300

FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935)

Café de nadie Sin firma Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 19.7 x 12 cm Exhibida en: "Fermín Revueltas y los Estridentistas" del 25 de agosto al 30 de septiembre del 2005 en el IAGO, Oaxaca, México. Perteneció a una notable familia de artistas: el músico y compositor Silvestre Revueltas, el escritor José Revueltas y la actriz Rosaura Revueltas. Los primeros estudios los realiza en el Colegio Jesuita San Eduardo en Austin, Texas y posteriormente en Chicago, donde tuvo contacto con importantes colecciones del Art Institute, experiencia que fue determinante para el artista. Formó parte de las escuelas de pintura al aire libre, realizó pinturas murales entre las que destacan "Alegoría de la Virgen de Guadalupe" en el Colegio de San Ildefonso. Fue un cercano amigo de Manuel Maples Arce, representante del movimiento de renovación estética estridentista, en los años veinte, por lo que en dicho periodo su obra se vio fuertemente influenciada por este estilo, es decir, con características futuristas y cubistas. Fue un artista versátil debido a que recurrió a diversas técnicas durante su etapa activa en las artes plásticas, utilizó encáustica en murales, pintó con óleos, acuarela, realizó dibujo y grabado. "Fermín Revueltas es ante todo un pintor de irresistible lirismo. Su obra posee dos cualidades preciosas: la amplitud de su forma y la dialéctica del color". Manuel Maples Arce. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II, México. Grupo Financiero Bancomer, Pág. 136.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,070-$1,600 96

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Sin título Firmada Témpera sobre papel de china 52.5 x 78.2 cm Presenta ligeros detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Chucho Reyes fue un anticuario y artista plástico tapatío representante del arte popular mexicano que sin dejar de lado los movimientos vanguardistas, realizó obras con el dramatismo de la vida cotidiana mexicana. Los componentes fovistas de Rouault, los trazos gruesos de Matisse y los colores expresivos de Kandinsky, sumados al amor por las tradiciones nacionales, se hacen presentes sus representaciones de "caballos fantásticos", "gallos humanísimos", "payasos monstruosos" y "naturalezas muertas". A estas representaciones les otorgaba espontaneidad y libertad hasta desbordar la personalidad de la imagen, apoyado también en el uso de diversos elementos como el papel de china, considerado material típico utilizado por el pueblo mexicano, el cual ayuda a las tonalidades y líneas realizadas por el también llamado Chagall mexicano. Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et ál. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, pp. 63 y 64.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 97

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Bodegón Firmada Mixta sobre papel 22.5 x 30 cm Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,600-$2,100

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Sin título Firmado y fechado 2015 Óleo sobre tela sobre MDF 150 x 150 x 11.5 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Es una artista multidisciplinaria cuya formación se constituyó mediante sus estudios en teatro, en antropología social, posteriormente en diseño gráfico y por último en música y pintura, la cual aprendió en la Academia de Bellas Artes de Roma en Italia y en La Esmeralda en la Ciudad de México. Estuvo casada con Alberto Gironella en una época en la que él tuvo

múltiples exposiciones; cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen le propuso presentarla en el Museo de Arte Moderno, exposición con éxito. A lo largo de su carrera artística, ha realizado obra con diferentes temáticas, entre ellas el arte colonial, gusto que adquirió de su padre el arquitecto Manuel Parra. También, pintó temas de tauromaquia, mitología, paisajes y bodegones con flores. Las pinturas de flores de Carmen Parra son un festín de color, una gama compleja de cálidos y fríos, de curvas y líneas, de transparencias y sólidos. Sus floreros tienen una esencia única, juegan a esconderse con el fondo y a confundirse con el dibujo del tapiz o el de los muros.

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 6.

$160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,500-$13,400

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

Représentation intrinsèque d'une forêt mystérieuse née d'un seul arbre infini Firmado y fechado 2017 Óleo sobre tela 140 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. José Antonio Farrera es un destacado artista plástico mexicano Licenciado en Arte por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones, destacando la Mención Honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal en 1992, posteriormente en 1998 recibió el Premio de Producción en el Salón Nacional de Artes Visuales en el Centro Nacional de las Artes y al año siguiente fue acreedor a la Mención Honorífica en la Segunda Bienal Nacional Alfredo Zalce. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más notables distinciones otorgadas por el CONACULTA a través del FONCA. Actualmente, su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas de México, como las del Museo de Arte Moderno, el Museo Pedro Coronel, la Secretaría de Relaciones Exteriores, la Fundación Cultural Omnilife, así como en el Instituto Cultural Domecq y Nestlé. "José Antonio se esmera en crear una ilusión casi psicodélica; sus flores cantan, bailan, son exuberantes, sensuales, emanan un aroma denso, seminal; la fuerza con que brotan de los floreros las hace vivir independientemente de sus raíces". José Manuel Ruiz Regil. Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, Pág. 10.

$140,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,500-$10,700 100

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

El ocote Firmado y fechado México 1954 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm Presenta detalles de conservación.

"Amo la pintura más que a mí mismo. Es un sentimiento que se parece a la fe religiosa o a la ideología mesiánica y que permite que haya razones para vivir que no sean subjetivas. Uno no pinta para vender a un negociante. Uno pinta porque hay un imperativo categórico que viene de lejos y va más lejos aún". VLADY Fuente consultada: RENS, Jean Guy, Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121- 135.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 101

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmada Acuarela sobre papel 49 x 34 cm Con certificado de Fundación Cultural Rodolfo Morales.

"Morales posee un enorme bagaje cultural introyectado y utilizado abiertamente en una pintura donde la originalidad no estriba en inventar un nuevo lenguaje, sino en ofrecer una versión propia del universo". Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000

102

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Pulgas equilibristas, 2018 Firmado al reverso Óleo y arena sobre lino 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye sus discursos a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los ochenta y noventas, aspecto que coloca a Sergio Hernández en la vanguardia artística global. Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas o trozos de pigmento. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex. 2008, pp. 25-29.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $48,100-$64,200 103

104

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Azul cardumen, 2018 Firmado al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista. $1,600,000.00-$2,200,000.00 M.N. USD $85,500-$117,700

105

VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Zompantle Firmado Óleo y arena sobre tela 130 x 200 cm Zompantle es el nombre en náhuatl del apelativo catellanizado Tzompantli, que significa "muro o hilera de cráneos.", un altar mesoamericano dedicado al sacrificio en el cual se colocaban cabezas de los cautivos como ofrenda para los dioses. Víctor Cha'ca es un artista al que le apasionan los temas relacionados a Mesoamérica, incluyendo las historias fantásticas y cuentos de nahuales, los cuales acostumbra a representar en las figuras y colores de sus piezas. Siendo originario de Oaxaca, estado que se caracteriza por su diversidad prehispánica, ha visitado Monte Albán, lugar arqueológico que lo inspiró a representar motivos y elementos de aquella cultura pero con un sentido poético, incorporando la esencia de la tierra en cada una de sus piezas. Para la creación de sus obras, él mismo arma sus bastidores y prepara las pinturas a base de sus propios pigmentos, lo que lo convierte en un verdadero "arqueólogo de la pintura". Además, le gusta usar arena, la extiende sobre los lienzos a fin de otorgar a la obra la consistencia de limo, como el sedimento de la tierra de sus orígenes, dando un sentido más cercano al tema que quiere representar, tal es el caso de "Zompantle". Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 43.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800 106

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Sin título Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 100 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Rolando Rojas quería estudiar artes visuales en la Ciudad de México, sin embargo, su familia sugirió que hiciera los estudios en la ciudad de Oaxaca por la cercanía y bajo costo, así que eligió una profesión que pudiese solventar sus gastos y optó por arquitectura. Curso la carrera en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y, ávido por aprender más de otras disciplinas, a la par estudió pintura y restauración en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo

como maestro a Shinzaburo Takeda. Poco a poco su carrera se enfocó en la pintura y creo su propio estilo, el cual está marcado por un cierto orden constructivista, influencia de sus estudios arquitectónicos, así como de su herencia istmeña, la cual representa mediante colores fuertes y temas de la cultura popular zapoteca, fábulas y mitos de animales. Entre 1995 y 2000 fue becado por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, realizó una residencia artística en Pensilvania y fundó un taller de grabado en Oaxaca. A lo largo de su sólida y fructífera trayectoria, ha participado en diversas exhibiciones colectivas e individuales en México y en el extranjero como California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400 107

ROSENDO PÉREZ PINACHO (Pochutla, Oaxaca, 1972 - )

Paisaje nocturno Firmado Firmado y fechado 98 al reverso Óleo y arena sobre tela 90 x 120 cm Publicado en: sitio oficial del artista www.rosendopinacho.com.mx Se formó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, bajo la tutela del maestro Shinzaburo Takeda. Sin embargo, su búsqueda por un estilo propio lo llevó a emprender un viaje a Francia en 1998, donde complementó su aprendizaje artístico; no obstante, esta visita le hizo revalorizar las costumbres mexicanas, las cuales usaría como referencia temática. Con el tiempo, enriqueció sus procesos creativos y sus obras se caracterizaron por el manejo de telas con superficies ricamente trabajadas con texturas arenosas, con amplias gamas cromáticas que van desde los rojos, violetas y morados, hasta los celestes y marinos; pero ante tanto color, de pronto también juega con los colores tenues a base de tonos terrosos combinados con blanco. A ello, se suman los elementos orgánicos y la simbología de las costumbres y leyendas oaxaqueñas. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7 No. 57, mayo-junio de 2002, pp. 19-30 y sitio oficial del artista www.rosendopinacho.com.mx

$26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,400-$2,100

108

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997)

Biuluu Firmado Acrílico y arena sobre tela, díptico 100 x 60 cm cada uno 110 x 130 cm medidas totales con marco Piezas: 2, enmarcadas juntas Publicado en: DEL CONDE, Teresa et ál. Jesús Urbieta. México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA - INBA, 1998, Pág. 65, catalogado 43. Exhibido en: "Jesús Urbieta. Testamentos", muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de febrero a mayo de 1998. Con etiqueta de Museo de Arte Moderno. Estudió Ingeniería Civil y se desempeñó como topógrafo. En 1983 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Pintura y Grabado en Oaxaca, estudó también en el Taller de Gráfica de la Casa de la Cultura del Istmo y en la ENAP. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y del Museo Würth en Alemania. "Jesús no sólo fue pintor, escultor, y grabador, también se desempeñó como poeta, novelista, videoasta, promotor cultural, mecenas. Un provocador de cultura, uno de los más generosos artistas de su tiempo". Carlos Martínez Rentería. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pp. 83-86.

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,500-$10,700

109

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Petimetre, 2018 Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Óleo y arena sobre lino 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. La obra de Sergio Hernández ha propiciado interpretaciones en cuanto a sus antecedentes visuales y plásticos, en ellas se busca desprenderlo de localismos de otros artistas oaxaqueños o la "escuela mexicana", es decir, de la corriente muralista y de artistas como Francisco Toledo o Rufino Tamayo. En la obra bidimensional de Sergio Hernández habitan seres antropomorfos en lo que parecieran las profundidades de la tierra, todos ellos ocupan la superficie del lienzo como si el espectador pudiese apreciar sólo una fracción de lo que sucede o el artista mismo enmarca para la contemplación. Otro escenario parece un espacio onírico o en medio de una especie de ritual: seres de inframundo acompañados de bestias ancestrales que portan instrumentos musicales y objetos propios de aquellos universos. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex. 2008, pp. 25-29.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $48,100-$64,200 110

111

112

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitlán, Oaxaca, 1940 - )

Sin título Firmado y fechado París 63 al reverso Óleo y arena sobre tela 73 x 92 cm Con etiquetas de la Galerie Karl Flinker y Galerie Daniel Gervis. Es uno de los artistas contemporáneos más importantes de México y un referente internacional en cuanto a artistas oaxaqueños. El aspecto geográfico es fundamental para interpretar su obra, demuestra en cada pieza una genialidad inagotable. En el imaginario oaxaqueño habitan seres que comparten cualidades humanas y animales, transportan al espectador a temporalidades alejadas y en algunas ocasiones gozan de un carácter o actitud sexual. Ha sido acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes, recibió por parte de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca el Doctorado Honoris Causa, fundó el Taller Arte papel Oaxaca y fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO. Ceramista, dibujante, escultor y pintor también ha realizado ilustraciones para libros. "En este territorio está presente la inquietante "animalidad" que juega en las proximidades de la fabulación. Transitan por ahí insectos que dialogan con los pistilos de las flores; vacas, conejos, camarones y aves que se aventuran a la experiencia de su ensimismamiento o al encuentro con seres humanos envueltos por el misterio elemental de su cuerpo […]". Sergio Raúl Arroyo. Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et ál. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia. México. Prisma Editorial, 2004, pp. 21-28.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $80,200-$107,000

113

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 Oaxaca, Oaxaca, 2013)

Familias migrantes, frontera sur, de la serie 2501 Migrantes Sin firma Escultura en cerámica 47.5 x 22 x 13 cm Con certificado de autenticidad de Zoila López López, viuda del artista, noviembre del 2017. En 1989, Alejandro Santiago comenzó a trabajar con la galería The Bond Latin Gallery, la cual mostró interés por su trabajo desde un inicio. Con los años, The Bond adquirió piezas de diferentes técnicas y periodos del artista, organizándole exposiciones y patrocinando sus proyectos. Dentro de los diversos apoyos destaca el proyecto "2501 Migrantes", el cual fue creado en el año 2000, inspirado por siete figuras en arcilla que para entonces Alejandro ya había realizado. El proyecto "2501 Migrantes" sufrió constantes cambios, sin embargo el proceso de creación nunca se detuvo. Las piezas fueron realizadas como un homenaje al migrante, un experimento de vida para entender la cotidianidad del hombre que por decisión propia cruza la frontera México-Estados Unidos. En cada escultura Alejandro transmitió lo doloroso del tema, expresando su sentir por los discriminados, por la muerte, el dolor y la desesperación de las familias que se quedan. El número 2501 se generó por ser el número oficial de muertos que hasta ese momento era, 2.500, y Alejandro añadió el "1", diciendo: "Siempre habrá uno más". Fuente consultada: sitio de la galería The Bond http://bondlatin.com

$80,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,300-$8,000 114

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitlán, Oaxaca, 1940 - )

Almohadas de Durero XXXVIII Firmada Acuarela y grafito sobre plata sobre gelatina con ferrocianuro de potasio y tóner sobre papel de fibra 35.2 x 27.4 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. "La sombra del deseo" fue una exposición que Francisco Toledo presentó en la Galería Juan Martín en octubre del año 2000. En ella hacía un homenaje a Alberto Durero y su singular grabado "Sechs Kissen" ("Seis almohadas", 1492) en donde sugiere rostros humanos a partir de almohadas. Mediante la manipulación fotográfica de las seis almohadas, gira, dobla, desdobla los rostros temibles tal y como los manieristas florentinos del XVI producían mascarones grotescos indagando en los rasgos zoomorfos de la expresión humana. Toledo interviene el papel fotográfico con químicos, tintas, grafito, acuarelas y textiles, deforma y condensa en fases el rostro humano, para hallar la copertenencia de almohada con cabeza, de animalidad con delirio, de irracionalidad con realidad, haciendo surgir al endriago, ese monstruo hecho de facciones humanas y partes animales, que adopta las consabidas hechuras erotizadas del murciélago, el sapo o incluso de la flor: consabidas, pues todas son formas históricas de lo grotesco y desde luego del lenguaje visual del artista juchiteco. Fuente consulada: MORENO VILLARREAL, Jaime. "Francisco Toledo". México. Revista Letras Libres, octubre de 2000, pp. 96 y 97.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 115

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

La niña cangrejo Firmada y fechada Mex, agosto 2017 al reverso Talavera de la Reyna, Puebla 26 / 100 46 cm de diámetro x 7.5 cm de profundidad Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. La obra de Sergio Hernández se encuentra en las colecciones del Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, de Fundación Televisa, FEMSA, del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, en la Colección de Patrimonio Nacional del Estado Español, del San Antonio Museum of Art, en Texas, de la Fundación Alfredo Harp Helú y del Museo Soumaya. $120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700

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BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título Firmado y fechado 82 Óleo sobre tela 112 x 94.5 cm Con certificado de autenticidad de Art Forum firmado por Eva Beloglovsky, junio del 2016. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2017. Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica. A los 16 años Byron decidió trasladarse a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos, donde cursó sus estudios en arte, forjándose con una generación de maestros de primer nivel, entre ellos Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez. Entre 1962 y 1964 realizó estudios de posgrado, especializándose en pintura. Fue miembro fundador del taller de escultura en metal de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En vida, presentó más de 60 exposiciones individuales en Estados Unidos y América Latina, además de muchas otras colectivas. Su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero. Su obra al óleo se caracteriza por un dominio técnico, una capacidad inusual en el manejo de los volúmenes y los colores fríos y su temperamento rebelde ante una realidad que pretende unificar al ser humano, su conocimiento en el manejo de la simultaneidad de los planos y sus cualidades como colorista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

Lote con precio de recuperación. $280,000.00-$480,000.00 M.N. USD $15,000-$25,700

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - )

Coatlicue, 2016 Sin firma Escultura en mármol negro, pieza única 53 x 32 x 22 cm Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico es un reconocido artista plástico cuya obra se caracteriza por tener una base sólida de emotividad y dramatismo con una gran fuerza creativa que sorprende al espectador por su magistral habilidad técnica. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha experimentado con la pintura, la escultura y el grabado, así como el muralismo y la realización de escenografías. En su primera etapa, manejó temas sátiros mediante personajes y símbolos, posteriormente, para los años 80 se volcó hacia las raíces de la cultura mexicana, enfocándose en temas prehispánicos; más adelante para la década de los 90, surgió la serie "Almas fracturadas" la cual representa el proceso del mestizaje, y luego "Cosmovisión" una serie de escultopinturas que sintetizan su conocimiento de las formas geométricas.

"El Maestro reinterpreta en su arte la geometría espacial, la gravedad, la luz, el génesis, la muerte de las estrellas, los hoyos negros, las galaxias, el polvo cómico y el Bing Bang, para crear nuevas formas de admirar esa realidad más allá de las pasiones y anhelos cotidianos". Fragmento del texto "Cosmovisión". Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - )

La gran luz Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre madera 122 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no sólo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es fundador de talleres de impresión para grabado, ha participado como jurado en concursos de pintura, ha sido miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha obtenido diversos reconocimientos y premios internacionales como la Mención Honorífica en la Bienal de Maracaibo en Venezuela. Actualmente, sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400 119

ROSA CASTILLO

(Guachinango, Jalisco, 1910 - Ciudad de México, 1989)

Mujer sentada Firmada y fechada II - 16 Escultura en bronce en base de madera 74.5 x 76 x 76 cm medidas totales con base La base de madera presenta detalles de conservación. Rosa Castillo fue una sobresaliente escultora jalisciense, cuyo trabajo se caracterizó por abordar temáticas indígenas, representaciones de grupos infantiles, el desnudo femenino, la maternidad y el costumbrismo. En 1944 ingresó a La Esmerada como asistente de taller y al graduarse comenzó a trabajar en la SEP como profesora de arte, ejerciendo la docencia por casi 20 años. Su estilo se formó gracias a la influencia de Francisco Zúñiga, de quien fue asistente en su taller y donde aprendió a dibujar y conoció a fondo el proceso de la escultura. Además, fue conocida por ser hermana del escultor Fidencio Castillo, con quien formó diversas generaciones de alumnos en La Esmeralda. Más tarde fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana, institución de la cual obtuvo el Premio de Adquisición en 1958. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara www.musa.udg.mx

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,200-$5,400

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RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Madre e hijo Firmado y fechado 71 Óleo y lápiz de grafito sobre papel 23 x 23.5 cm Esta obra será registrada para el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-71013. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Con etiqueta de Bernard Lewin Gallery.

"Ricardo Martínez fue un artista reconocido a nivel nacional e internacional; un pintor cultísimo y de un temperamento reservado como pocos. El silencio fue para él una forma de ser y de vivir, pero también una metodología creativa; de ahí que fuera, asimismo, una magnitud presente en su imaginario, uno que expandió su poder de seducción por la vía ardua de la reiteración y el énfasis. Su cuadros cierran el espectáculo de producción de identidad que fue el arte moderno mexicano, y su enunciación mitologizante se encuentra, cara a cara y cuerpo a cuerpo, con la potencia desmedida de la prestidigitación perceptualista". Erik Castillo. Fuente consultada: CASTILLO, Erik et ál. Ricardo Martínez. México. Editorial RM, Museo de la Ciudad de México, 2012, Pág. 79.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300

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RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Mujer con palma Firmado y fechado 66 Óleo sobre lino 160 x 100 cm Esta obra será registrada para el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-66002. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: colección privada, Palm Springs. Adquirido en Christie's, Nueva York, mayo de 1994, lote 69. Con etiqueta de Christie's y fragmento de etiqueta del Museo de Arte Moderno. Ricardo Martínez es considerado como uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural Mexicana. Fue un artista que logró articular en su obra una maestría técnica y una profunda imaginería plástica, que ha sido ampliamente reconocida por el gremio a nivel internacional. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. A pesar de haber viajado a Europa y estudiado la obra de los viejos y modernos maestros, Ricardo Martínez nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo. Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal. Fuentes consultadas: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255.

$2,300,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $123,000-$160,500

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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

El fusilado Firmada Tinta sobre papel 27.7 x 29.4 cm Presenta ligeros detalles de conservación.

"Montenegro, fue un artista de amplia y complejísima visión estética, cultísimo, rico en ideas, que sabía desarrollar sus concepciones mediante una visión hondamente filosófica y una fuerza de intuición poética insuperable". Esperanza Balderas.

Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza et ál. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 30.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,100-$3,200

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LUIS ORTIZ MONASTERIO

(Ciudad de México, 1906 - 1990)

La Victoria Firmada y fechada 34 por el artista. Firmada por el fundidor Escultura en bronce en base de madera 37 x 32 x 24.5 cm medidas de la pieza, 44.5 x 36 x 25 cm medidas totales con base Fundida por C. García Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por el apoyo en la catalogación de esta obra, abril del 2018. Exhibida en: muestra inaugural de la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México, marzo de 1935. Fue un destacado escultor y docente mexicano egresado de la Academia de San Carlos donde tuvo como maestro a Ignacio Asúnsolo, quien le enseñó las bases de la escultura académica. De 1925 a 1926 vivió en Los Ángeles, California, donde frecuentó a Federico Cantú, además en aquella ciudad presentó sus primeras obras en importantes galerías. En 1948 fue invitado por el arquitecto José Villagrán García para participar en la convocatoria a realizar el Monumento a la Madre, el cual le fue concedido. En 1967 fue acreedor al Premio Nacional de Bellas Artes y al siguiente año se instituyó la Academia de Artes, de la cual fue miembro fundador. Además de esculpir, desempeñó el cargo de profesor de escultura en la SEP y en la ENAP. Al tener una educación academicista, realizó trabajos sobre temas que le fuesen interesantes, como la naturaleza, el amor, los ideales humanos, la danza y la mitología, de la cual indudablemente fue inspirado por la consagrada representación de la Victoria de Samotracia, un tema común a tratar en la llamada Escuela Mexicana. Luis Ortiz Monasterio decidió realizar su propia versión de la Victoria en 1934, la cual, con el tiempo, se convirtió en un referente del dominio de su estilo, mismo que impactó en la obra de muchos escultores de la época. Indudablemente es un obra icónica del Maestro Luis Ortiz Monasterio, la cual fue exhibida en el marco de la inauguración de la ya afamada Galería de Arte Mexicano, donde compartió créditos con obras de Dr. Atl, David Alfaro Siqueiros, Angelina Beloff, Roberto Montenegro, Clemente Orozco, Diego Rivera, Alfredo Zalce, entre otros. Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA, 1997, pp. 131 - 132 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 12, No. 87, mayo - junio 2007, Pág. 22.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 125

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Patroclo y Ulises Firmada Tinta sobre papel 35.5 x 46 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Montenegro fue un espléndido exponente de la corriente artística moderna denominada en francés como Art Nouveau. En su momento, colaboró con algunos dibujos a tinta en la "Revista de México", la primera revista que canalizaba las inquietudes literarias del grupo modernista. Para esta benemérita publicación, además de hacer dibujos, diseñó vitrales y escenografías para teatro por encargo, los cuales tenían en su mayoría temas mitológicos, los cuales conoció durante sus años en Europa recorriendo iglesias y museos. Montenegro fue un amante de las culturas y un sobresaliente difusor del arte, ideales que lo llevaron a ser director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes en 1934 y acreedor al Premio Nacional de Artes en 1967. Fuente consultada: MOYSSEN, Xavier. Roberto Montenegro. Exposición de homenaje MAM. México. INBA, 1970, pp. 24 y 25.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700

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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pรกtzcuaro, Michoacรกn, 1968)

La Iliada y la Odisea Sin firma Tinta sobre papel Presenta detalles de conservaciรณn. 27.5 x 39 cm $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,600-$2,700

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ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Bretonas Sin firma Temple sobre papel 32.5 x 49 cm Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: FAVELA, Ramón, et ál. Alfredo Ramos Martínez (1871 - 1946) Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, 1992. Pág. 135, catalogado 4. Esta pieza será incluida en el Catálogo Razonado de obra en papel, a ser publicado por Alfredo Ramos Martínez Research Project. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte MUNAL Presenta detalles de conservación. Fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes así como de las Escuelas de Pintura al Aire Libre, un artista complejo debido a las distintas etapas creativas y tendencias estéticas que llevó a la práctica, entre ellas distaban en gran medida ya que en ocasiones su obra resultó de intereses y fines contradictorios, es decir, su obra cumplía con fines decorativos de los grupos burgueses de la época, por un lado presenta escenas al aire libre, retratos femeninos de piel blanca con cortes de cabello al estilo bob, y vestidas como en las revistas de moda europea de los años veinte, en contraste con los tipos y escenas populares de campesinos, grupos familiares o mujeres con sus hijos, atributos o festividades religiosas, en el periodo posterior a la revolución mexicana así como de la colonia, realizados sobre tirajes de periódico. "Hay cierta conciencia en estos aspectos con la producción europea de Ramos Martínez en su etapa bretona, que además parece ser el antecedente más cercano en su obra personal para las preocupaciones que informan a las escuelas". Karen Cordero. Fuente consultada: CORDERO, Karen et ál. Alfredo Ramos Martínez (1871-1946) Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, 1992. pp. 61-77.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,100-$3,200 128

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Paisaje con molinos holandeses Firmado Óleo sobre tela 100 x 81 cm Presenta ligeros detalles de conservación A pesar de que José Bardasando se identificó con las ideas de los muralistas al llegar a México, siempre optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de encargos oficiales, destacando los retratos y paisajes.

"Profundiza a golpe de pincel en todo lo que pinta, y en su obra no hay alegría falsa, ni majeza folclórica, ni disfraza zarzuelero, ni fingida tragedia, ni miseria buscada, sino hombres y mujeres sacados de la sangre y el recuerdo. Y junto a esas estampas de un Madrid de tranvías y mercados de barrio, soñando largamente en sus años de México, se cuelgan otros óleos, que parecen venidos de otro sueño, de una Holanda lejana, o de tierras bretonas. El sol pierde su serena belleza, donde la maestría del pintor disfraza los colores de silencio". Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Tomo I, Pág. 106 y PÉCKER, José Luis et ál. "Bardasano". España. Universidad Virtual Internet, http://www.univernet.net/bardasano

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800 129

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

La dama Firmado Pastel sobre papel 134 x 72 cm Con dedicatoria. Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2017. Publicado en: Un homenaje a Alfredo Ramos Martinez (1871-1946). México. Museo de Arte Moderno, 1996, Pág. 120. Exhibido en: “Un homenaje a Alfredo Ramos Martinez (1871-1946)”, muestra presentada en el Museo de Arte Contempráneo de Monterrey MARCO, de agosto de 1996 a febrero de 1997. El género del retrato femenino en primer plano fue reiterativo en la extensa producción de Ramos Martínez, donde recurrió al estilo europeo para alejarse del estilo revolucionario, transitaba entre el tono cosmopolita y lo rural, con mujeres vestidas con trajes de china poblana o con la iconografía popular. $280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800 130

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Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera fue un destacado pintor, grabador, dibujante, muralista, comunista, idealista y revolucionario mexicano; esposo de Angelina Beloff, Lupe Marín y Frida Kahlo, amante de Tina Modotti, Rina Lazo, Lupe Rivas Cacho y compañero de Emma Hurtado. Además de haber tenido vastos amoríos, fue un hombre siempre presente en los acontecimientos más importantes del país, relacionado con las personalidades más destacadas del círculo político y cultural. Su arte se ha caracterizado por ser único al integrar un alto contenido social e histórico. Su laureada trayectoria fue basta y casi siempre bien aceptada por la crítica; pero antes de todo ello, tuvo una rígida formación, siendo sus inicios artísticos la base de lo que posteriormente sería su estilo. Todo inició en 1902, cuando impulsado por el director de la Academia de San Carlos, salió de las aulas para empezar a trabajar independientemente. En 1907 realizó su primera exposición, la cual le valió una beca otorgada por el Gobernador del Estado de Veracruz, gracias a la cual pudo viajar a Europa para complementar sus estudios. Se estableció en España hasta la primavera de 1909, donde gracias a una carta de recomendación de Dr. Atl, a quien conoció en México en 1904, ingresó como asistente en el taller de Eduardo Chicharro, uno de los retratistas más sobresalientes del momento. Diego llegó el 6 de enero a Madrid, y él mismo dijo: “Tenía veinte años, más de seis pies de estatura y pesaba trescientas libras. Pero era yo un dínamo de energía. Tan pronto localicé el estudió de Chicharro, monté mi caballete y empecé a pintar. Durante días sin fin pinté desde el temprano amanecer hasta pasada la media noche”. Durante su estancia, tuvo la oportunidad de admirar y analizar la obra de Goya, El Greco, Velázquez, Zuloaga y Brughel, en los museos más importantes de Madrid, instituciones que amaba visitar por horas mientras hacia ejercicios de dibujo. También, acostumbraba a dar largas caminatas por el campo para familiarizarse con los campesinos y gustaba leer a Nietzsche, Zolá, Voltaire, Darwin, Schopenhauer y Marx. Hizo amistades con Valle Inclán, Ramón Gómez de la Serna, quien habló de Rivera en el libro “Ismos” y Joaquín Sorolla, el artista que le dijo que sus dedos eran “una libreta de cheques”. En este período, pintó paisajes, figuras y retratos, en los cuales se puede admirar la maestría y seguridad estructural que comenzó a tener, con una cierta influencia de las primeras obras de Van Gogh, destacando las atmosferas con tonalidades oscuras y terrosas. Durante estos años viajó por casi todo el país, visitando las provincias de Extremaura, Murcia, Valencia, Salamanca, Galicia, Ávila y Vizcaya, un territorio histórico de la zona vasca que tiene como capital Bilbao. En esta ciudad, llamada también Bizkaia, Diego pintó varios cuadros en los que destacó la vida costumbrista, callejones, casas e iglesias; muchas de estas obra fueron expuestas en galerías del país con gran éxito, sin embargo, algunas de ellas actualmente se encuentran perdidas, otras pertenecen a museos y colecciones privadas. Al final de su viaje, Rivera se convirtió en un pintor consumado, un joven artista con un futuro prometedor tal y como lo conocemos hoy en día. Fuentes consultadas: REYERO, Manuel. Diego Rivera. México. Fundación Cultural Televisa A.C., 1983, pp. 21-23. TARACENA, Berta et ál. Diego Rivera. I Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 7-16. TIBOL, Raquel et ál. Exposición nacional de homenaje a Diego Rivera. México. Palacio de Bellas Artes, INBA, 1978, pp. 7 y 169.

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Diego Rivera, acompañado de Frida Kahlo

Diego Rivera en su estudio de San Ángel

“Rivera con sus excepcionales cualidades de inteligente observación, de habilidad expresiva, de exquisitez en el dibujo, estaba dotado desde un principio para llevar a cabo la obra que ha realizado; pocas manos pueden encontrarse en la pintura contemporánea que sean capaces de llegar a la finura de la línea de Rivera, a su precisión de trazos; pocos ojos veían el color como él, único en la combinación de lo sensual y lo intelectual en síntesis estupenda”. Justino Fernández.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Vizcaya Firmado y fechado 1907 Vizcaya Óleo sobre tela 55.5 x 79.7 cm Con la leyenda: "Al Sr. Lic. Don. Chávez Espinoza con mi reconocimiento". Con boceto a lápiz al reverso Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. $10,900,000.00-$15,000,000.00 M.N. USD $585,000-$805,000

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JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Retrato de mujer Firmado Carboncillo sobre papel 14.2 x 11.8 cm Con etiqueta de Galería Rafael Matos Presenta detalles de conservación. Julio Ruelas fue uno de los más importantes pintores e ilustradores mexicanos de mediados del siglo XIX. Casi toda la familia Ruelas tuvo inclinaciones artísticas, incluso Don Miguel, su padre, tuvo facilidad para el dibujo. Tanto su madre, Carmen Suárez, como su padre, aprobaron la vocación que desde pequeño eligió Julio y esto le permitió tener una buena educación, iniciando sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. Su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces, primero en 1891 para estudiar en la Universidad de Karlsruhe en Baden, Alemania donde obtuvo su mayor influencia artística, desarrolló sus habilidades técnicas, su precocidad y su afán por la literatura. Después fue en París, donde aprendió las técnicas del grabado y pasó el resto de su vida. La segunda vez en 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano visitó Holanda, Bélgica y Alemania, antes de llegar a París. Su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras. Tal fue el caso de los retratos, caracterizados por conservar los rasgos faciales de los modelos, en los que abunda la angustia, la sombra y el tormento. Fueron tiempos difíciles, extrañó mucho a su familia y amigos de México con quienes se escribía cartas y mandaba fotografías, a partir de las cuales realizó retratos. Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,070-$1,600 138

EMILIANO DI CAVALCANTI

(Río de Janeiro, Brasil, 1897 - Río de Janeiro, Brasil, 1976)

Retrato de Noemia Firmado y fechado París 1925 al reverso Óleo sobre tela 41 x 33 cm Procedecia: adquirido en Christie's, Nueva York, 23 de noviembre de 1993, lote 60. Con etiqueta de Christie's. Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, mejor conocido como Emiliano Di Cavalcanti, fue un pintor, grabador, caricaturista, ilustrador y diseñador de joyas brasileño. Inició su carrera artística haciendo dibujos para el Salón de los Humoristas mientras estudiaba Derecho en Rio de Janeiro. Posteriormente, se trasladó a Sao Paulo, donde realizó su primera exposición individual y comenzó a trabajar por encargo haciendo ilustraciones para libros, entre ellos "Balada do Cárcere de Reading", del escritor Oscar Wilde. En 1923 viajó a Europa, donde se influenció de los movimientos vanguardistas al convivir con artistas como Henri Matisse y Pablo Picasso, de quien específicamente aprendió el cubismo. Después de casi 5 años de pasear por el viejo continente, regresó a Brasil y retomó temas de la cultura popular, pintando festivales, obreros, marinos y retratos de mujeres; además, realizó ilustraciones para el partido comunista, actividad por la cual fue preso. En 1935 regresó a París y tras trabajar y exponer su obra durante 5 años más, volvió definitivamente a Brasil, recibiendo en 1953 el premio a Mejor Pintor en la II Bienal de São Paulo. En 1954, realizó una muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y al año siguiente publicó el libro de memorias "Viagem de minha vida". $400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800 139

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CUNDO BERMÚDEZ

(La Habana, Cuba, 1914 - Florida, E.E. U.U., 2008)

Figura Firmado y fechado 41 Acrílico sobre papel sobre tela 60.5 x 46 cm Procedencia: perteneció a la colección de Héctor Ayala, embajador de Cuba en París. Mrs. de Velasco, París. Galerie Natalie Seroussi, París. Subasta Sotheby's, Nueva York, 16-17 de noviembre del 2011, lote 243. Colección privada. Exhibido en: Salon de l'Art Libre en el Palais de Beaux Arts de París, Francia, en 1954. Con etiqueta de Colección Héctor de Ayala. Estudió en la Academia de Bellas Artes en la Habana. Representante de la pintura cubana moderna, que perteneció a la generación vanguardista en la década de los cuarenta. En el año de 1938 viajó a México para continuar con su profesionalización artística y tuvo

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contacto con la obra de los maestros muralistas, experiencia que fue determinante para él. Tuvo una profunda influencia de pintores cubanos como Amelia Peláez y Carlos Enríquez. Junto con Wifredo Lam, René Portocarrero, Mariano Rodríguez y Mario Carreño. Conforman el listado de los artistas de arte moderno cubanos de manera internacional. En el marco de la exposición de Pintura y Escultura Moderna Cubanas, celebrada en La Habana en el año de 1943, David Alfaro Siqueiros escribió: "Cundo Bermúdez representa audacia en las artes plásticas. Él sabe cómo construir de una manera sincronizada. Él construye y organiza a veces de una manera milagrosa". "El último maestro de la vanguardia habanera plasmó la vida cotidiana de la isla". Mauricio Vicent. Fuente consultada: VICENT, Mauricio, "Cundo Bermúdez, pintor cubano". América Latina, El País, 1 de noviembre de 2008.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,700-$32,100

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - )

La tentación Firmado. Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 90 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Desde sus inicios el pintor dirigió su atención a la composición y al estudio del color, estudió en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, en Lima. Comenzó su carrera explorando el paisaje urbano, su producción se encuentra dividida entre éste género y el registro de personajes y puestas en escena dotadas de un carácter atmosférico, donde la luz forma parte medular en sus lienzos. Fuente consultada: VILLACORTA, Alberto et ál. Alfredo Alcalde. Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2016, pp. 17-28.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,400-32,100

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - )

Otredad, 2018 Firmado al frente y al reverso Óleo sobre lino 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. $800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,800-$53,500

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ARTURO RIVERA

(Ciudad de México, 1945 - )

Hefesto (Vulcano) y Afrodita (Venus) El beso de la noche Firmado y fechado 1996 Óleo sobre tela sobre madera 100 x 100 cm Estudió pintura en la Academia de San Carlos, serigrafía y fotoserigrafía en The City Lit Art School de Londres. En 1979 trabajó con el pintor Max Zimmerman en la Kunstakademie de Munich, Alemania y tras un año de intensa labor y aprendizaje regresó a México e invitado por el Museo de Arte Moderno expuso por primera vez. Los años ochenta, fueron para Arturo Rivera de gran crecimiento artístico, su estilo se estructuró con gran rigor un leguaje con condiciones y elementos psicológicos, sociales y políticas bajo la apariencia de refinadísimas imágenes. A lo largo de su carrera ha expuesto en importantes galerías, centros culturales y museos de la Ciudad de México, Nueva York, Puerto Rico, La Habana, Múnich, Medellín, Roma, Berlín, París, Tokio, Londres, varias ciudades de Polonia y los países Nórdicos, donde su obra es sumamente apreciada. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.arturorivera-pintor.com

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,800-$24,100

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Sin título Firmado y fechado 1992 Óleo sobre tela 159 x 83 cm Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Jorge Marín es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo en México. Su carrera ha obtenido un reconocimiento internacional gracias a su particular estilo figurativo, sutil, dramático y sensual. Durante 25 años de trayectoria ha participado en más de 250 exposiciones colectivas e individuales y su trabajo ha sido exhibido en diversos museos, galerías y plazas públicas en países de América, Europa y Asia. Además de realizar escultura, incursionó en la pintura y la obra gráfica, generando con cada técnica un diálogo inédito entre la obra y el espectador. En su trabajo es vital la presencia del ser humano, a menudo en conceptos reflexivos y juegos de equilibrio; tal vez su inspiración provenga de su fantasía de hacer a la humanidad más grande de lo que es. Así integra en su obra, figuras rotas, que explican como el ser humano es tan bueno pero también tan frágil que se rompe y se destruye.

Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio del 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Tundra, 2017 Firmada Escultura en bronce con base de bronce 1 / 8 91 x 66 x 44 cm medidas de la pieza 211 x 66 x 44 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx De carrera multifacética, ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo, pues lo considera idóneo para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Además, trabaja con diversos formatos, desde la miniatura hasta la escultura monumental, con ello generando un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo.

"Tengo la firme convicción de que el arte tiene potencial transformador por lo que considero central la escultura en espacios accesibles a todos". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio, 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,300-$26,800

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

El guardián, 2006 Firmada Escultura en bronce 8 / 10 172 x 90 x 30 cm medidas totales Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. En la mitología plástica de Marín, es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión. Desde noviembre del 2016 y hasta el pasado mes de abril, la escultura "Alas de México" de Jorge Marín se presentó en un importante parque ubicado en Lumpini, un subdistrito de Bangkok. La escultura interactiva causó un gran revuelo con el público que podía posar y tomarse fotos como si fueran ángeles o la diosa de la Victoria. "Sacar al espectador de su zona de confort, de ese catálogo que le dice cómo vivir, qué sentir, qué pensar, cómo actuar y hasta cómo morir. Hacer que el espectador viva una experiencia que lo haga pensar en sí mismo como persona, individuo, y como ser social que lo lleve a descubrir qué tantas alas tiene o qué tan roto está… tal vez esta es la auto-reflexión que busco inspirar". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio de 2015 y "Tailandia acoge la escultura 'Alas de México' del artista Jorge Marín". España. Agencia EFE, 23 de noviembre del 2016.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

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Francisco Corzas en su taller

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Gennaro, Detto Il Mancino, 1972 Sin firma Óleo sobre tela 151 x 136 cm Procedencia: adquirido en Galería Enrique Guerrero. Publicado en: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero BITAL, 2001, Pág. 93. Con etiquetas de Landucci Arte Galería y del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de Registro de Obra. A los catorce años ingresó a la ENAP, al concluir sus estudios viajó a Roma donde estuvo rodeado de la cultura plástica y conoció las pinturas de Caravaggio, experiencia parte aguas para la realización de su extensa producción, son cerca de mil quinientas obras que la conforman. Al igual que sus contemporáneos, Gilberto Aceves Navarro y Rafael Coronel, Francisco Corzas fue fuertemente influenciado por la obra de Pablo Picasso, quien tuvo una exhibición en 1951 en la Galería de Arte Mexicano. Fue en este periodo cuando eran alumnos en los talleres de dibujo con el maestro Carlos Orozco Romero. El universo corsiano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero BITAL, 2001, pp. 9, 15, 27 y 173.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $96,300-$133,700 149

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FRANCISCO ICAZA

(Embajada de México en el Salvador, 1930 - Ciudad de México, 2014)

Las aves, también conocido como Polución, 1978 Sin firma Óleo sobre tela, tríptico 190 x 160 cm cada uno 190 x 480 cm medidas totales Piezas: 3 Con certificado de autenticidad del artista, noviembre del 2003 Exhibido en: muestra individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en 1978. Presenta craqueladuras. Icaza fue un artista mexicano, hijo de un reconocido diplomático. Su crecimiento se desarrolló entre Europa, Medio Oriente y América. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bélgica y fue alumno de Rufino Tamayo durante su estancia en Nueva York y discípulo de Antonio Rodríguez Luna. Fue miembro activo del Salón de la Plástica Mexicana, del Salón Independiente y Confrontación 66. Durante su juventud fue diagnosticado con un tipo de neurosis, después de su primera crisis depresiva abrazó a la pintura con fines terapéuticos y decidió establecerse en el sureste mexicano. Ahí, descubrió la luz del trópico y los colores de tierra caliente, acontecimiento que dejó una profunda huella en toda su producción al óleo. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "Un códice marino de Francisco Icaza". México. Revista Proceso, sección Cultura, 23 de noviembre de 1985.

$1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $53,500-$80,200 150

"Resolver un espacio en blanco, sin ideas preconcebidas para pintar con la mayor libertad posible. Se trata de ir a los orígenes de la pintura, a los tiempos donde el sueño es la realidad; donde sucede esa extraña simbiosis de la pintura con la escritura, con el gesto, con la danza, con la música; porque todas esas expresiones nacieron juntas". Francisco Icaza.

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado dos veces Lápiz de grafito y carboncillo sobre papel 98 x 73 cm Al igual que otros grandes pintores mexicanos como Rufino Tamayo y Francisco Toledo, Rodolfo Nieto creó un estilo y lenguaje artístico propio, fusionando sus raíces con las corrientes internacionales que lo llevaron a ser uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su trabajo pictórico y gráfico fue ampliamente reconocido casi desde sus inicios, incluso durante su estancia en Francia. La representación de figuras humanoides de esquema netamente geométrico abarca gran parte de su corpus pictórico.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 462-464.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 152

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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Naturaleza muerta Sin firma Óleo sobre tela 50 x 60 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis et ál. Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950. Valencia. MUVIM, Embajada de México en España, 2001, Pág. 132, catalogado 48 y en MANRIQUE, Jorge Alberto. Pedro Coronel. México. Bital Grupo Financiero, 1993, Pág. 40. Exhibido en: "Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950" muestra presentada en el Museo de Pontevedra y en el Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad, 2001. Con etiqueta del Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad. Pedro Coronel fue un pintor, grabador y escultor reconocido en la historia de la plástica mexicana como un puente entre la escuela muralista y la generación de La Ruptura. Ingresó en 1940 a La Esmeralda y en 1946 viajó por primera vez a Europa, residiendo en París donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, quienes influyeron en gran medida en su proceso artístico. Posteriormente, en los años 60 se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional para tomar un camino personal, a lo cual contribuyeron sus prolongadas estancias en el extranjero. Así, su estilo pasó por diversas facetas a lo largo de su trayectoria, distinguiéndose por los cambios de formas, colores y texturas. No fue un artista estrictamente abstracto, pues deambuló entre la figuración y la abstracción según las necesidades de su cuadro o periodo.

"Siempre he pensado que la pintura es una entrega total y que el pintor debe tener la conciencia de que esta tarea es tal vez superior a sí mismo; tener la humildad de saberlo y la decisión de nunca renunciar a intentarlo todo. Creo que toda la esencia de la pintura debe renovarse, porque el arte es expresión de vida". Pedro Coronel, 1959. Fuente consultada: CORONEL ORDINALES, Martín, et ál. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, Pág. 50.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $32,100-$42,800 153

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VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - )

Volcán. El Génesis, volcán encendido Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce 6 / 6 47 x 30 x 30 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y al terminar la Guerra Civil española y ante el riesgo que implicaba estar en España, se vieron obligados a viajar a México en busca de refugio y nuevas oportunidades, viviendo en nuestro país desde 1949. En 1950, Vicente Rojo ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor, escultor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual, han sido una aportación esencial para la cultura en México.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 6-10.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 154

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VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - )

Geometría 3 Firmada y fechada 64 al frente. Firmada y fechada Barcelona 1964 al reverso Mixta sobre tela 55.5 x 38 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Además de pintar, esculpir y diseñar, Vicente Rojo realizó una gran labor editorial, siendo cofundador de Ediciones Era, una editorial mexicana creada en 1960 y de la cual fue director artístico hasta el año 2000. Durante todos esos años, su presencia en la empresa fue fundamental para la realización de proyectos editoriales y diversos diseños de portadas de libros, entre los que destacan: "Cien años de soledad" de Gabriel García Márquez, "Aura" de Carlos Fuentes y "Días de guardar" de Carlos Monsiváis, entre muchos otros. En 1965 diseñó la "Revista de Bellas Artes", en colaboración con Ramón Pujol, y al siguiente año asumió la dirección artística de la "Revista Universidad". Su interés editorial fue constante y sólido, pero siempre en convivencia con sus creaciones artísticas, las cuales jamás abandono. Los años 60, fueron para Vicente Rojo todo un reto, ya que su práctica pictórica dio un giro radical hacia la ejecución de obras cromáticas y ejercicios geométricos; convirtiendo así, a la geometría, en una parte fundamental de sus escenarios y de su caligrafía, no gustaba que se notase pero fue esencial en la estructura interna de la mayoría de sus obras. Fuente consultada: VÁZQUEZ MONTALBÁN, Manuel. "Vicente Rojo: memoria y geometría". México. La Jornada, sección Cultura, 15 de mayo del 2003.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,100-$3,200 155

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ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos 1972)

Hombre y bestia Firmado y fechado 65 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a la Maestra Esther Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: FRANCO CALVO, Enrique y ARTEAGA, Agustín. Rupturas. La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950. España. 2001, Pág. 166, catalogado 70 y en Enrique Echeverría. Tiempo suspendido 1932- 1972. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 2003. Catalogado 29. Exhibido en: "Tiempo suspendido", exposición retrospectiva de Enrique Echeverría presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en el 2003 y en "Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950" muestra presentada en el Museo de Pontevedra y en el Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad, 2001. Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes y del Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad. Cursó estudios en la ENAP, en los años cincuenta formó parte de la Generación de la Ruptura en México, en su carrera colaboró con artistas como Vlady y Alberto Gironella, con éste último y José Luis Cuevas, Pedro Coronel y Víctor Trapote fundaron la Galería Proteo. Su obra se caracteriza por contener elementos del expresionismo abstracto, rasgos cubistas y arte figurativo, el uso de colores vibrantes y luminoso forman parte de su lenguaje pictórico en paisajes, retratos y naturalezas muertas. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,000-$21,400 156

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título Firmado Gouache sobre papel 49.5 x 63.5 cm Rodolfo Nieto siempre fue artista con alma rebelde, así que aunque no quiso realizar una formación academicista, siguió el trabajo con gran fervor de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori, así como de su mentor Juan Soriano. Su paso por Europa influyó fuertemente en su obra, en especial en la gama de colores y formas abstractas. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras. "Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío". Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y DEL CONDE, Teresa. "Rodolfo Nieto: retrospectiva". México. Diario La Jornada, 20 de abril del 2010.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,000-$13,400 157

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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Dualidad, ca. 1958 Firmado y fechado Mex 42 Óleo sobre cartón 70 x 54.6 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: adquirido en Galería Interart. Presenta detalles de conservación. “Dualidad” pertenece a la etapa temprana de la producción de Pedro Coronel en la que, a pesar de su juventud, el emblemático uso del color que caracteriza su obra ya es evidente. En 1939 se trasladó a la Ciudad de México, un año después ingresó a la Escuela Libre de Escultura y Talla Directa, ya conocida como “La Esmeralda” para estudiar escultura. En La Esmeralda entró al taller de pintura del maestro Santos Balmori, quien fue un gran impulso para que desarrollara su faceta como pintor. Al respecto, Balmori dijo: “Como pintor de valor puro, yo creo que Pedro es un individuo clave.

Muchos artistas llegan a conclusiones merced a estudios, merced a academia, merced a profundizar, pero para quienes retirarse de la madre academia es algo difícil. Pedro me mostró en una ocasión unos cuadros que eran verdaderamente una bofetada a lo a lo que se estaba haciendo. Tenía un gran impulso, pero yo no sabía si lo lograba a base de pensamiento intelectual, a base de intuición, o si era un hallazgo. Es curioso el fenómeno que se produce en México; hay cuando menos dos hombres que han reinventado la pintura desde sus bases: Pedro Coronel y Rufino Tamayo. […] De leyes del color Pedro no conocía gran cosa. Eso le permitió romper tabúes casi sin darse cuenta, y entonces se da una pintura 'mexicana' como fue la de Tamayo. Legítimamente mexicanos los dos”. Fuente consultada: CORONEL ORDINALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1991, pp. 18 y 181.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $24,100-$32,100 158

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Maqueta para la construcción de Aurrerá, 1984-1986 Firmada Escultura en bronce con base de mármol 18.3 x 44 x 37.5 cm medidas de la escultura 26.5 x 44 x 37.5 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, noviembre del 2013. Una versión de esta escultura se encuentra publicada en: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, Pág. 129, catalogada 196.

"El arte en general, y naturalmente también la arquitectura, es un reflejo del estado espiritual del hombre en su tiempo. Pero existe la impresión de que el arquitecto moderno, individualizado e intelectual, está exagerando a veces al querer destacar demasiado la parte racional de la arquitectura. El resultado es que el hombre del siglo XX se sienta aplastado por tanto 'funcionalismo', por tanta lógica y utilidad dentro de la arquitectura moderna. "[La arquitectura emocional, como la del museo El Eco] es un experimento. No quiere ser más que eso. Un experimento con el fin de crear, nuevamente, dentro de la arquitectura moderna, emociones psíquicas al hombre, sin caer en un decorativismo vacío y teatral. Quiere ser la expresión de una libre voluntad de creación que (sin negar los valores del funcionalismo) intenta someterlos bajo una concepción espiritual moderna". Mathias Goeritz, fragmento del Manifiesto de la Arquitectura Emocional, 1953. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 272 y 273.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400 159

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RAFAEL ECHEVERRI

(Santa Rosa de Cabal, Colombia, 1952 - 1996)

Eclipses Firmado al reverso Óleo y collage sobre tela 40 x 40 cm medidas sin marco 59 x 59 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra. Con dedicatoria. Su obra presenta las características del Suprematismo, género pictórico que se desarrolló en las primeras décadas del siglo XX, donde predomina el uso de figuras geométricas y evita la representación de elementos orgánicos o de la naturaleza, así como el uso de colores monocromáticos. Fundado por el pintor Kazimir Malévich quien al lado del poeta Vladímir Maiakovski escribieron el manifiesto. El suprematismo pretende representar el universo por medio del color y las figuras. Aleksandr Ródchenko es uno de los grandes representantes de este movimiento artístico. En la trayectoria de Rafael Echeverri destacó su participación de manera individual en la Galería de Arte Garcés Velásquez, en el Centro de Arte Actual Pereira, en la Galería San Diego, en las galerías Elida Lara de Barranquilla y en la Galería Cóndor en Barranquilla. Participó en exposiciones colectivas como "Obra gráfica latinoamericana seriada" que se llevó a cabo en el Center for Inter.-American Relations en Nueva York y en "Propuesta sobre geometría" en la Galería La Oficina en Medellín. Fue seleccionado en el IV Salón Atenas del MAM donde exhibió la serie "Rítmicos", por la que obtuvo una Mención Honorífica en el XXVIII Salón de las Artes Visuales, fue acreedor al Segundo Premio en el Salón Regional Zona Central del Sur, Casa de la Cultura Calarca en Colombia. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400 160

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RAFAEL ECHEVERRI

(Santa Rosa de Cabal, Colombia, 1952 - 1996)

Díptico negro Firmado y fechado al reverso 84 Óleo sobre tela 40 x 40 cm medidas sin marco 59.5 x 60 cm medidas totales de marco El marco es parte de la obra.

"La obra de Rafael Echeverri representa uno de los desarrollos plásticos más singulares y coherentes que se han dado en el contexto del arte moderno colombiano. Su pintura es producto de una profunda reflexión acerca de la expresión artística contemporánea, de sus valores y destino. […] constituye una pieza de vital importancia en la intrincada trama conceptual que representa la escena artística nacional a mediados de los años setenta y los primeros de los noventa". Eduardo Serrano. Fuente consultada: SERRANO, Eduardo et ál. Rafael Echeverri. Colombia. Museo de Arte Moderno de Colombia, 1999, Pág. 15.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400 161

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PALOMA TORRES

(Ciudad de México, 1960 - )

Paisaje guardado IV, de la serie Yo-Casa, 2017 Firmada Escultura en barro zacatecano con óxido 59 x 20 x 20 cm medidas totales Con certificado de autenticidad de la artista, abril del 2018. Publicada en: Catálago 8a Bienal de cerámica utilitaria. México. Escuela Nacional de Cerámica. noviembre del 2107, Pág. 36. Exhibida en: "8a Bienal de cerámica utilitaria", muestra presentada en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México, del 23 de noviembre del 2017 al 25 de febrero del 2018. Realizó sus estudios en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y posteriormente su maestría en la Academia de San Carlos. La obra de Torres mantiene una estrecha relación entre el espacio y los materiales. A lo largo de su carrera ha probado con distintas superficies y materiales como cerámica, piedra, metal, e incluso textiles. Ha participado en exposiciones tanto individuales como colectivas en diversas instituciones de la República Mexicana como por ejemplo Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan, en el Atrio de San Francisco en la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Moderno, Museo del Palacio de Bellas Artes y La Quiñonera. Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno, el Museo de la Estampa, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, la Augustin der Galerie Nothburga Innrain, en Austria, el Museo de Young en San Francisco, California, y el Acervo de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Fuentes consultadas: MEDEL, Cindy. "Paloma Torres, la artista mexicana que viaja por Tierras Ambulantes". México. GAMA, sección Actualidad, Cultura, 26 de junio del 2017 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

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VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - )

Televisión no. 2, de la serie Señales Firmado y fechado 66 al frente. Firmado y fechado México 1966 al reverso Óleo sobre tela 50 x 40 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Con etiqueta de Galería Juan Martín y Galería Ponce. Durante su larga trayectoria dividió su producción artística en series, algunas de ellas fueron exhibidas en importantes museos del país, destacando el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, donde mostro "Negaciones", "Escenarios", "Recuerdos", "México bajo la lluvia" y "Señales", la cual es considerada como la primera. En esta serie inicial, su paleta tiende a tonos oscuros, permitiendo el contraste luminoso de sus colores brillantes, como los azules, amarillos y morados. Son obras que nacieron de sus firmes convicciones y amplísima libertad para manejar el espacio. "Señales" fue expuesta por primera vez en la Galería Juan Martín y es considerada la serie que forjó las raíces de su trabajo, fue lo que le dio soporte a su pintura y, más tarde, también a su escultura. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, Pág. 6 y DRIBEN, Lelia. "Vicente Rojo: Señales vueltas sobre sí mismas". México. Revista UNAM, No. 5, septiembre de 1981, Pág. 25.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800 163

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ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - )

Piedra cautiva, 2013 Sin firma Escultura en talla directa en granito, pieza única 40 x 40 x 40 cm medidas totales Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Publicada en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Arno Avilés. Escultura reciente. México. Arte Hoy Galería, 2014, Pág. 15. Estudió Artes Visuales en la ENAP, donde fue un alumno destacado del escultor Kiyoto Ota. Participó y pasó a la segunda ronda de selección en la Trienal de Escultura de Osaka, Japón en 1998. En 2006 tuvo lugar su primera muestra individual en el Museo Federico Silva de San Luis Potosí. A principios de 2012 presentó una muestra individual en el Museo Fernando García Ponce-MACAY. En junio del 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia, así como en "Paradigmas. Una década de escultura" en el Museo Federico Silva. En marzo del 2016 participó en la exposición "E-8 escultura contemporánea, México" en el Museo Manuel Felguérez en Zacatecas, junto con: Yvonne Domenge, Pablo Kubli, Ernesto Álvarez, Ernesto Hume, Pedro Martínez, Luz Zaga y María José de la Macorra. El proceso creativo de Arno Avilés está conformado por referentes visuales, intangibles y sensibles, por el dominio de la técnica, y por la correspondencia con un material. Arno captura de su entorno más inmediato, que es la Ciudad de México, los objetos del diseño industrial, las formas arquitectónicas, el caos de los elementos urbanos y los vestigios de la naturaleza. A continuación viene su encuentro con el material: la concreción de la intuición y la formación académica de su trabajo como escultor en piedra. El trato con la piedra es arduo por su naturaleza impositiva, e implica su resistencia a ser intervenida si no es apropiadamente convencida. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Arno Avilés. Escultura reciente. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 10-14.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 164

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MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - )

Sin título Firmado y fechado 05 Óleo sobre tela 101 x 120 cm Con copia de certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Manuel Felguérez y a su esposa Mercedes Oteyza por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2017. En los años cincuenta la Ciudad de México experimentó un notable crecimiento urbano e industrial, mismo que se reflejó en todos los sectores sin exceptuar el arte. Los artistas pasaron de la Escuela Mexicana de Pintura, a la apropiación de tendencias europeas y estadounidenses. El componer obras fundamentalmente abstractas permitió que muchos artistas adoptaran rápidamente este nuevo lenguaje convirtiéndose en una renovación de las artes en México, La Ruptura. Destacan Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Manuel Felguérez. Las composiciones de Felguérez están marcadas por el orden de Ossip Zadkine y Constantin Brancusi, pero también por la intuición y el desorden de los expresionistas abstractos estadounidenses, una contradicción que supo aprovechar. "Acepté la abstracción como una vocación para toda mi vida, lo que me ha permitido, por más de 50 años seguir creyendo que el arte es creación, y que la invención de las formas y colores es infinita, pues sólo está limitada por mi capacidad de experimentar nuevos caminos" Manuel Felguérez

Fuente consultada: GARCÍA GÓMEZ, Angélica. México abstracto. Manuel Felguérez (1959-1981). Islas Canarias. Gobierno de España, Instituto Nacional de Bellas Artes, 2008, pp. 15-17.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800 165

123

HIROYUKI OKUMURA

(Kanagawa, Japón, 1963 - )

Pensador del desierto, 2013 Sin firma Escultura en roca volcánica, pieza única 53 x 42 x 20 cm medidas totales Con certificado de autenticidad del artista, noviembre del 2017. Publicada en: Hiroyuki Okumura. Percepción. México. Arte Hoy Galería, 2017, Pág. 12. De origen japonés y de profundas raíces en México, Hiroyuki Okumura ha trascendido su obra plástica y sus territorios para ser un escultor internacional. Vive y trabaja en la ciudad de Xalapa, Veracruz desde 1989; en esta ciudad decidió desarrollar su carrera por la inspiración que encuentra en el arte prehispánico. Su material predilecto es la piedra, principalmente el mármol y la cantera.

"Enigmáticas y perturbadoras son las esculturas en piedra de Hiroyuki Okumura. Enigmáticas por sus formas y texturas; perturbadoras por esa tranquila belleza que, sin pudor, altera la racionalidad y el sentido que predomina el arte contemporáneo. "Su propuesta artística se basa en la intuición y se desarrolló a partir de una concepción espiritual de la naturaleza que la significa como lugares que resguardan presencias divinas. Respeta profundamente a las piedras y para intervenirlas establece una relación de 'coproducción' con ellas, con sus formas, con sus vetas, con sus texturas y con sus colores. Por lo mismo, en todas sus piezas se mantiene una estrecha cercanía con las estéticas sintoístas del arte japonés que se fusionan con otras de evocación primitiva y arcaica". Blanca González Rosas. Fuente consultada: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca. Hiroyuki Okumura. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 20, 30 y 31.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 166

124

BRIAN NISSEN

(Londres, Inglaterra, 1939 - )

Imán Firmado y fechado 1981 al reverso Óleo, arena y mixta sobre tela 145 x 144.5 cm Exhibido en: “Mariposa de Obsidiana”, exposición individual en torno al poema de Octavio Paz del mismo nombre, presentada en el Museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo Internacional de noviembre de 1983 a enero de 1984. Brian Nissen es un artista plástico anglomexicano influenciado por el arte de las culturas prehispánicas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Londres y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1963 llegó a la Ciudad de México y pocos años después logró exponer en el Museo de Arte Moderno y en otros recintos importantes del país. Ya relacionado con las vanguardias mexicanas, le fue concedida la beca Guggenheim y en 1979 se mudó a Nueva York, en donde reside habitualmente manteniendo aún su estudio en la Ciudad de México. Su obra se caracteriza por ser experimental y se manifiesta de diferentes maneras, transitando entre la figuración y la abstracción. Tiende a ejecutar dibujos narrativos de gran colorido a la manera de los murales mayas y los cuentos del Popol Vuh y el Chilam Balam. Juega con luces y sombras y concibe texturas y formas orgánicas que invitan al espectador a jugar con los sentidos. En 2009, Jaime Kuri realizó el documental "Brian Nissen: Evidence of a poetic art", el cual fue nominado como mejor documental por el premio Ariel en México y en 2012 por primera vez, tuvo una exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.briannissen.com y del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,800-$5,400 167

125

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Contaminación Firmado y fechado 76 Óleo sobre tela 150 x 120 cm Exhibido en: "El informalismo en el arte", muestra presentada en el Palacio de Minería de la Ciudad de México en 1981 y en una exposición en La Academia de San Carlos en 1978. Con invitación de exhibición colectiva presentada en el Polyforum Cultural Siqueiros en 1977, adherida al reverso. Rodrigo Pimentel es un reconocido pintor michoacano con una sólida y fructífera trayectoria, la cual lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados 168

Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo. "Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica". Ernesto Guzmán, 1971. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. "Testigos ausentes. Rodrigo Pimentel". México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

126

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Imagen sitiada Firmado y fechado 85 Acrílico sobre tela 120 x 100 cm Agradecemos a la maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Asistió a La Esmeralda, su obra forma parte de las colecciones del Palacio de Bellas Artes, el Museo Rufino Tamayo, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, el Museo Nacional de la Estampa, en la Colección Andrés Blaisten, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de

Arte Moderno en San Antonio Texas. Expuso de manera individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en Chac-Mool Gallery en Los Ángeles, California y en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán. Fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, obtuvo el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes, fue becaria del FONCA y obtuvo el segundo premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana. Fuente consultada: sitio oficial de la colección Blaisten www.museoblaisten.com y de la galería Juan Martín www.galeriajuanmartin.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

169

127

GERMÁN VENEGAS

(Puebla, México, 1959 - )

Sin título Firmado y fechado 2003 Óleo sobre tela 110 x 130 cm La obra de Germán Venegas se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno y la Galería OMR en la Ciudad de México, en el Museo Metropolitano en Nueva York, en el Museo de Ponce en Puerto Rico y en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz en España. Además en las colecciones particulares de Roy Smith y Gilberto Charpenel. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$260,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,900-$16,000

170

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GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - )

La decapitación de San Juan Bautista No. 44 Firmado y fechado México 78 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm Publicado en: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis et ál. Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950. Valencia. MUVIM, Embajada de México en España, 2001, Pág. 115, catalogado 34. Exhibido en: " Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950" muestra presentada en el Museo de Pontevedra y en el Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad, 2001. Gilberto Aceves Navarro es un artista plástico mexicano de ideología liberal, disciplinado, serio, hiperactivo y reflexivo, cuya obra se encierra en el estilo del expresionismo abstracto. Estudió en La Esmeralda, trabaó al lado de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales y colaboró como maestro en el Instituto de Intercambio Cultural Mexicano Norteamericano en Los Ángeles y luego en la Academia de San Carlos. Su repertorio artístico es muy extenso, sus pinturas y dibujos son consideradas obras de gran calidad. Todas ellas derivan de su amplio conocimiento de la historia del arte y de su afán por buscar nuevas propuestas que refresquen las características de su trabajo. Aunque realizó murales, su objetivo rompía con los estereotipos tradicionales del muralismo, por lo que se le considera uno de los máximos exponentes de la generación de La Ruptura.

Su obra se caracteriza por contener esencias neofigurativas y recursos del informalismo, además de presentar juegos cromáticos, planos con toques de luces, trazos vigorosos y ágiles que refuerzan los efectos volumétricos. Conjuntamente a su pintura de caballete, Aceves Navarro ha realizado esculturas efímeras y monumentales, diseños de escenografías, iluminación y vestuarios para obras teatrales y obra mural, entre los que destaca "Canto triste por Biafra", el cual es parte del acervo del Museo de Arte Moderno. En 1978 presentó la exposición individual "La decapitación de San Juan Bautista" en el Museo de Arte Moderno, esta es una de las series más emblemáticas de Aceves Navarro. "Estos cuadros son hermosos por las muy pictóricas combinaciones de colores, texturas y esgrafiados. Sensualidad a montones para deleitar la vista, superponiéndose con su irracionalidad al asunto que el artista desarrolla. Son variaciones al grabado 'La decapitación de San Juan Bautista' de Alberto Durero de 1510. En sus variaciones, Aceves Navarro agrega emotividad, de la composición original sólo han quedado los cuatro personajes fundamentales: Salomé, el decapitado, el verdugo fortachón y el padrastro que premia a quien le dio goce bailando la danza de los siete velos. La escena, pacificada por Durero, se convierte en lo que debió ser: un torbellino trágico". Raquel Tibol. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 68, sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com y TIBOL, Raquel. "Aceves Navarro, Durero y las variaciones". México. Semanario Proceso, 1 de julio de 1978.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,200-$4,300

171

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RICARDO MAZAL

(Ciudad de México, 1950 - )

Sin título Firmado y fechado 1991 al reverso Óleo sobre lino 204 x 189 cm

"Las obras de Mazal están ligadas a su época […] Su obra encierra conceptos que hay que ir desenvolviendo con paciencia, con la serenidad de la contemplación, con la apertura del espíritu que se deja seducir por el color, el movimiento, la textura; con esa apertura sensible que se involucra con lo que se ve y no se ve, con lo que esta implícito, con las emociones y los sueños envueltos en la pintura, amalgamados en cada una de sus capas y en el correr amplio de sus pinceladas". Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 82, agosto del 2006, Pág. 37.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000 172

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FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Azar 68 Firmada y fechada 2015 Escultura en bronce 2 / 3 14 x 33 x 33 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 65, catalogada 20. Es un artista plástico mexicano, Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana. Su inclinación por el dibujo, la pintura y la escultura han sido sólidamente desarrollados a través de los años, estructurando su propio estilo mediante la realización de núcleos temáticos que remiten a la naturaleza; es decir, que mediante el uso de juegos de curvas y rectas, divisiones de espacios, engranajes y conexiones, Fernando Pacheco crea obras rítmicas semejantes a rizomas botánicos, modelos atómicos o arborescencias provocadas por reacciones electromagnéticas. La armonía inconclusa de sus creaciones lleva a reflexionar sobre la fragilidad del equilibrio de un sistema sujeto a la mutación, en donde el acaso es capaz de desencadenar un proceso de cambios progresivo e irreversible. A lo largo de su carrera, ha expuesto de manera colectiva e individual en el Salón de la Plástica Mexicana, en el Centro Cultural Universitario de Tuxtla y en el Museo de la Ciudad de México. Además, actualmente forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie "Estructuras infinitas", conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 6 y 9.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,000-$9,700 174

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RICARDO ROCHA

(Ciudad de México, 1937 - Colima, 2008)

Retrato de pájaro Nº 8 Firmada y fechada 68 Mixta sobre tela 100 x 65 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Una de sus grandes aportaciones a la plástica mexicana, fue la formación del grupo SUMA en el año de 1976, al cual pertenecieron artistas como Mario Rangel Faz, Gabriel Macotela, Santiago Rebolledo, entre otros. De cierto modo, su perfil artístico pudo haberse asimilado a la generación de La Ruptura, ya que participó en dos de las versiones del Salón Independiente, en 1968 y 1970; pero como muchos artistas de su generación, intentó sacar el arte a las calles y SUMA fue el vehículo para hacerlo. A partir de un taller de experimentación plástica y pintura mural en Escuela Nacional de Artes Plásticas, Rocha logró a través de la

intervención en bardas y muros, entablar diálogos con la sociedad citadina, adaptándose al lenguaje de la urbe, él solía decir: "Vimos que la calle tenía su propia iconografía, sus propios problemas, su espacio, su manera de verse, su sistema de lectura, en fin, por ahí prendió el asunto". Al término de SUMA en el año de 1980, comenzó una nueva etapa de su vida en Jocotitlán, lugar que causó una serie de cambios en su apreciación artística y del mundo; su producción estuvo encaminada a representar los ciclos de la tierra. En la última etapa de su vida vivió en Colima, donde falleció en el 2008.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. "Ricardo Rocha: in memoriam". México. La Jornada, sección Opinión, 29 de enero del 2008 y ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Santiago "Ricardo Rocha, pintor". México. Revista de la Universidad de México, octubre de 1986, pp. 39-42.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,100-$3,200 175

132

ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - )

Estela-Yunque III, 2010-2011 Sin firma Escultura, talla directa en roca volcánica extrusiva del Valle de México, pieza única 60 x 34 x 14 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Exhibida en: "La mirada de las piedras", exposición individual presentada en el Museo Fernando García Ponce-MACAY de julio a septiembre del 2014. Publicada en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp.42 y 43. Presenta detalles de conservación. Escultor por formación, experiencia y convicción autodidacta, en 2006 se inició en la talla directa en piedra, todo el trabajo técnico lo ha aprendido por sí mismo y lo ha creado con sus propias manos, ningún cantero o ayudante le hace su trabajo. Antonio encuentra el placer, el gozo y lo que está buscando y no sabía que encontraría, en su taller. En su obra encontramos puentes y diálogos artísticos con obras artísticas y culturas. La lectura de poesía, filosofía y su interés en la música contemporánea de vanguardia, han sido los maestros de Chemor. Algunas de sus influencias escultóricas más importantes han sido artistas como Henry Moore, Constantin Brancusi y Hans Arp, también el arte prehispánico ha sido un referente significativo en su enfoque artístico y exploración estética. Los títulos de sus obras, dan pistas al espectador sobre la tradición en la cual el escultor se inserta, o con qué obras escultóricas dialogan sus creaciones. Los Yunques, por ejemplo, refieren tanto a la herramienta del herrero como a las esculturas de Eduardo Chillida pertenecientes a la serie "Yunques de los sueños". Fuentes consultadas: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 7, 8 y 19, y VERDEJO, Luis M. "El sentir escultórico de Antonio Chemor", texto de sala para la muestra individual La mirada de las piedras. México. Museo Fernando García Ponce-MACAY, 2014.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

176

133

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017)

Villac Umu, de la serie Cámara ritual Firmado al frente. Fechado 86 al reverso Acrílico sobre tela 100 x 100 cm Procedencia: adquirida en Iturralde Gallery, Los Ángeles. Publicado en: PAU-LLOSA, Ricardo.The poetics of light. Colombia. Ediciones Alfred Wild, 1991, Anteportada. Con etiquetas del Museo Rufino Tamayo, Iturralde Gallery y Galería López Quiroga. Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural "Las Moradas". En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estudió, estilizó y poco a poco fortaleció.

De regresó a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, rescatando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60, su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70, su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de diversos países de América y Europa. Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la PUCP y en las Universidad Cornell y Yale. Dentro de sus muestras más representativas, las cuales también realizó por series, se encuentran "Inkarri", "Orrantia", "Sol negro", "Visitante" y "Cámara ritual"; de esta última pertenece la obra "Villac Umu", la cual hace referencia al sumo sacerdote principal del Imperio Inca, cultura que Szyszlo utilizó como referencia en varias de sus obras para mostrar la riqueza de la historia cultural de su tierra.

Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, Pág. 49, sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$550,000.00-$800,000.00 M.N. USD $29,400-$42,800 177

134

FELICIANO BÉJAR

(Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia / Magiscopio Firmada y fechada 79 Escultura en acero y cristal tallado 100 x 48 cm diámetro Con documento del Museo de Arte Popular, especificando la publicación de la obra en el catálogo de la exposición "Vidrio mexicano. El misterio de la luz", en la cual participó. Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicada en: Vidrio mexicano. El misterio de la luz. México. Museo de Arte Popular, CONACULTA, 2007. Incluye ejemplar. Exhibida en: "Vidrio mexicano. El misterio de la luz", muestra presentada en el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México, de junio a septiembre de 2007. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por "democratizar la belleza por medio del arte". En un principio se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como "el recolector de soles". Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos "poblados de luz". Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. Fuente consultada: MATEOS, Mónica et ál. "Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,200-$4,800

178

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MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, de la serie Horizonte y columnas Sin firma Acrílico sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Rangel Faz A.C., 2018.

"Por temperamento, se le puede considerar un expresionista contenido, un apasionado a quien abrumaba su propia fuerza interior e intentaba, a la vez, hacer un arte muy racional, siempre oscilando entre dos vocaciones: la del Mario pensante y la del Mario que dominaba libre y expresivamente las técnicas e incluso hacía performance. "La retícula de su última serie de pinturas recuerda el arte racional de Klee. 'Horizonte y columnas', como la tituló, le impuso un esfuerzo físico, mental y emocional extraordinario al que se entregó como siempre lo hacía. En ese sentido, fue un místico del quehacer creativo pues prefirió, literalmente, quemarse antes que oxidarse". Magali Tercero. Fuente consultada: ROJO, Vicente et ál. Mario Rangel Faz: Coordenadas. México. Museo Universitario Arte Contemporáneo. 2010, Pág. 61.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800

179

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MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Sin título, de la serie Horizonte y columnas Sin firma Acrílico sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Rangel Faz A.C., 2018. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800

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JESÚS MAYAGOITIA

(Ciudad de México, 1948 - )

Movimiento en rotación Firmada y fechada 05 Escultura en acero pintando 9 / 9 65 x 20 x 20 cm medidas totales Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación en la base. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la ENAP y ha realizado labores como docente en la misma institución. Es integrante del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA desde 1997. Ha presentado su obra en más de 100 exposiciones colectivas y 30 individuales. Ha recibido importantes reconocimientos en México y en el extranjero, fue el primer mexicano en ganar The Henry Moore Grand Prize por su escultura "Espacio vertical" en 1987. Su obra forma parte de relevantes colecciones entre las que destacan las del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y el museo al aire libre Utsukushi-ga-Hara en Japón. La obra de Jesús Mayagoitia se encuentra indudablemente marcada por la geometría; un purista de la línea, sus trazos se escapan del plano para materializarse en el vacío, dando color a la ausencia, proporcionando forma y figura al espacio. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 6, 17 y 68.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800

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MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Hombre muerto, camina I Firmado y fechado México 1995-96 al reverso Óleo sobre tela 180 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Rangel Faz A.C., 2018. En 1996 se presentó la exposición Hombre Muerto: Camina en el Museo de Arte Carrillo Gil. Dicha muestra presentaba una serie de obras dedicadas a reflexionar sobre el cuerpo humano y donde se establece que el cuerpo es la sede de una memoria no solo individual, sino de la especie. Es también nuestro vínculo más íntimo con la naturaleza y lo que nos une a los otros y al todo. 182

Sobre la serie Hombre Muerto: Camina, el escritor Gonzalo Vélez menciona: "Mario Rangel Faz apela al cuerpo como recordatorio de nuestra esencia y condición sobre el planeta; al diseccionarlo, o desnudarlo de su cubierta visible, nos muestra la maquinaria aún asombrosa, aún enigmática, que constituye o soporta, a cada individuo de la especie". Fuentes consultadas: "Hombre muerto: camina/ Mario Rangel". México. Museo de Arte Carrillo Gil, INBA, febrero de 1996 y VELÉZ, Gonzalo. "Hombre muerto: camina, de Mario Rangel Faz". México. Diario Uno más uno, Exposiciones, viernes 15 de marzo de 1996.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,400

139

NICANDRO PUENTE

(Tamaulipas, México, 1953 - Ciudad de México 2005)

De la serie Rostros de la angustia, 2000 Sin firma Acrílico sobre papel 125 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage, firmado por Martha Emilia Lozano, directora del acervo Nicandro Puente. Publicado en: sitio oficial de la galería Art Cage www.artcage.mx Exhibido en: “La piel de la intemperie”, muestra presentada en el edificio central del IMSS, en 2004. -“La disección de lo etéreo”, muestra presentada en la sala de exposiciones del Centro Médico Siglo XXI, en 2014. -“Rostros de la Angustia”, muestra presentada en la Galería El Palomar del Minotauro, sala Felisa Román, en 2017. -“Un momento con Nicandro Puente”, muestra presentada en Art Cage Condesa, Ciudad de México, en 2018.

Fue un pintor y muralista, estudió dibujo y pintura en el Instituto Tamaulipeco de Bellas Artes, así como en talleres de dibujo anatómico y técnicas mixtas de pintura. En 1998 fundó La Red Urbana de Muralismo Comunitario, realizó los murales "Tlatelolco, raíz y expresión de México", "Homenaje a la mujer" y "Sismo y resurrección" en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco en la Ciudad de México. Ha participado en decenas de exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan: "Bocetario" en la Universidad de Edimburg en Texas, "Obra reciente" como invitado del Consejo Mayor Universitario de Chaminade en España, en el Festival Europalia en Bélgica, "Plástica Tamaulipeca. Cuatro exponentes contemporáneos" en el Instituto Cultural de Aguascalientes, "La luz desnuda" en el Centro de las Artes de Sonora y "Signos seriales" en el Museo Metropolitano de Monterrey. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400

183

140

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título, ca. 1968 Firmado Acrílico, tinta y hoja de oro sobre papel 39.5 x 31 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, agosto del 2017.

"Los trabajos de Mathias Goeritz dedicados al tema de las torres y bloques destacan por su monumentalidad natural, en cualquier técnica. Marcaron las etapas de su vida emocional, conmemorando revelaciones espirituales en el difícil camino de superación. Su leguaje individual desarrolló un amplio círculo de asociaciones, estableciendo un vínculo entre el hombre y el universo". Larissa Pavlioukóva. Fuente consultada: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida et ál. Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, Pág. 143.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000 184

141

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Mi morada Firmado y fechado 1961 Petroplástico sobre triplay 70 x 50 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano. B. Lewin Galleries, Palm Spring. Christie's, Nueva York, noviembre de 1997, lote 278. Colección privada. Publicado en: Important Latin American Paintings, Drawings, Sculpture and Colonial Works of Art. Monday & Tuesday, 24 & 25 November 1997. Estados Unidos. Christie´s Nueva York, 1997, Catalogado 278. Con etiqueta de Museo Nacional de Arte Moderno, con fragmento de etiqueta de Galería de Arte Mexicano.

Escultor y pintor guatemalteco que mantuvo gran interés por el muralismo mexicano, actualmente se considera uno de los exponentes del movimiento. Colaboró con los grandes maestros como José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, además mantuvo contacto con Paul Klee, Kandinsky, Miró, así como otros constructivistas, quienes influyeron en gran medida en su estilo figurativo y abstracto. Son varias constantes las que caracterizan su obra, se inspiró en sus viajes a México y Europa, en otras ocasiones representó motivos o mitología prehispánica, en este sentido procuró rescatar valores autóctonos con un fluido manejo del color, además fue un gran dibujante con un notable interés e influencia en la arquitectura.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 1996, pp. 4-13.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,800-$53,500 185

Vista lateral

142

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Vista superior del Polyforum

Maqueta preparatoria para el Polyforum Siqueiros Sin firma Acrílico, plumones, lápiz de grafito y cinta adhesiva sobre carton 7 x 31.8 x 23.4 cm - Con certificado de autenticidad del Polyforum Siqueiros, junio de 1994. - Con documento de la Sala de Arte Público Siqueiros, en el que se hace constar que la maqueta fue pintada por el artista, firmado por Angélica A. de Siqueiros, hija del artista, enero de 1987. - Con documento de de Azzul Espacio, arte y arquitectura, en el que se afirma la adquisición de la maqueta en una subasta realizada por la Fundación Cultural David Alfaro Siqueiros, agosto del 2013. Publicada en: Poliforum Siqueiros. México. Fometo a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, 1996, Pág. 10, incluye ejemplar. Presenta detalles de conservación. Ubicado junto al complejo World Trade Center en la Ciudad de México, el conocido Polyforum Siqueiros es uno de los edificios multifuncionales más representativo de nuestra ciudad y del arte mexicano del siglo XX. Esta construcción de fisonomía singular, fue pensada por el afamado empresario y mecenas del muralismo Manuel Suárez y Suárez, ejecutada por los arquitectos Rosell de la Lama, Miquelajáuregui y Álvarez Ordóñez e intervenida por el afamado pintor David Alfaro Siqueiros y en cuyo honor se bautizó el inmueble. Previamente a la realización del Polyforum, los anteriores arquitectos trabajaron para Don Manuel en la elaboración del Hotel Casino de la Selva en Cuernavaca, para el cual ejecutaron varias propuestas mediante maquetas con bases rectangulares y otras octagonales, siendo estas las primeras ideas para lo que sería el Polyforum. El proyecto tardó varios años en concluir, fue un proceso de múltiples ideas, entre ellas el revestimiento del edificio con pintura mural, tanto en el exterior como en el interior, todos realizados por el también llamado "El Coronelazo". Durante sus años de encarcelamiento, Siqueiros hizo alrededor de 400 bocetos y maquetas para esta obra que poco a poco fue cobrando vida. Cuando comenzó a pintar, su gran valor artístico lo condujo a crear el mural más grande del mundo, pasando los 8,422 mil metros cuadrados, donde el tiempo y el espacio pierden sus dimensiones por la ejecución de una gran bóveda de 900 metros cuadrados, conocida como Foro Universal. El gran mural, titulado "La Marcha de la humanidad", fue el resultado de su fascinación por la tecnología y los materiales, los cuales aceleraron su proceso pictórico, y actualmente cubren todas las caras del foro excepto el piso. Los temas principales presentes en cada panel, son: el medio ambiente, la acrobacia, lo autóctono, la danza, la mitología, la música y el mestizaje. Su interés siempre fue buscar la forma de lograr superficies dinámicas que atrajeran e innovara visualmente al espectador, y lo logró. Fuente consultada: Poliforum Siqueiros. México. Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, 1996, pp. 9-30.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800 186

Vista superior

"Es la obra integral más completa que se haya realizado en nuestro movimiento muralista por lo que respecta a su composición y su concepción exterior e interior. No hay nada parecido en todo el mundo, por sus proporciones o por el hecho de que las superficies interiores y exteriores estén totalmente cubiertas con escultopinturas". David Alfaro Siqueiros.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Sin título Firmado dos veces y fechado 28 Lápiz graso sobre papel 26.5 x 19 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta detalles de conservación. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700 188

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Salvador de Auschwitz, 1951-1952 Sin firma Escultura de varilla de fierro 51 x 31 x 3 cm Con documento del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y formulario del Colegio de San Ildefonso, especificando el préstamo de la obra a la exposición "Los ecos de Mathias Goeritz". Publicada en: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida et ál. Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, Pág. 195, catalogada 283. Exhibida en: "Los ecos de Mathias Goeritz" muestra presentada en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México en 1997 y en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey en 1998. Presenta restauración. A su llegada a México en 1949, Mathias Goeritz recibió el impacto de la escultura mesoamericana, influencia que tomó con fuerza junto con sus experiencias y conocimientos previos de su estancia en España para crear obras con expresiones religiosas, ya que en el México antiguo, la plástica se interrumpió por el arte religioso

occidental. Uno de los libros de cabecera de Mathias Goeritz fue La Biblia, de la cual extrajo fragmentos que hablan sobre el dolor y la pasión de Cristo. Mathias Goeritz encontró en la religión un campo vasto para manifestar sus conceptos místicos, creando tridimensionalmente la serie de los "Salvadores de Auschwitz". En estas obras la espiritualidad de Goeritz recurre al tema cristiano con fines de restablecer el alma judía, la cual había sido recientemente trastocada por la guerra. Algunos de los pilares de la obra religiosa de Goeritz, además de la Biblia, fueron la filosofía del pensador judío Martin Buber y el libro "La huida del tiempo" del poeta y escritor alemán Hugo Ball, el cual leía todas las noches. Estas obras fueron parte medular de su creación artística, mismas que acabarían por convertirse en plegarias visuales, estructuras casi sagradas y divinas que son únicas e irrepetibles. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida et ál. Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, pp. 190-192 y JÁCOME MORENO, Cristóbal Andrés. "Composiciones visuales: Mathias Goeritz en Guadalajara". México. El Colegio de Jalisco, Revista Estudios Jaliscienses, No. 81, agosto del 2010, Pág. 52.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,000-$10,700 189

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CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Boceto Firmada Acuarela y lápiz de color sobre cartón 19 x 14.6 cm Exhibida en: "Diseños de Carlos Mérida", exposición presentada en Galería Arvil, Ciudad de México, el 9 de diciembre de 1981. Publicada en el catálogo de dicha exposición, Pág. 68. Con etiqueta en la parte posterior de Galería Arvil. Originario de Guatemala, Carlos Mérida encontró importantes limitantes en su país para desarrollarse en el ámbito artístico y cultural. Al conocer al pintor francés Carlos Valenti, establecieron intereses en común y realizaron un viaje a París en 1910 que les permitió relacionarse en el círculo contemporáneo. Fue director de la galería del Gran Teatro Nacional actualmente el Palacio de Bellas Artes y en 1931 fundó la escuela de Danza de la Secretaría de Educación Pública. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 1996, pp. 4-13.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400

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CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Proyecto para el prestidigitador Firmado y fechado 1981 Grafito y lápices de color sobre papel albanene 22 x 16 cm Procedencia: Galería Arvil, Ciudad de México. Con etiqueta de Galería Arvil. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Cometa Firmada y fechada 2003 Escultura en bronce 1 / 5 34 x 37 x 16 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2003. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Nació en la ciudad de Guadalajara donde vivió hasta su adolescencia, fue en la Ciudad de México donde inició el contacto con la esfera literaria, cultural y bohemia de la época: Luis Barragán, María Izquierdo, José Chávez Morado, Olga Costa y Rufino Tamayo, por mencionar algunos. Son memorables los retratos que realizó de sus contemporáneos: Xavier Villarrutia, Elena Garro, Carmen Barreda o Lola Álvarez Bravo, género plástico por el que manifestó gran interés en la etapa temprana de su carrera. Soriano permaneció alejado de la escuela nacionalista mexicana y los cánones de la modernidad, fue un artista de alta sensibilidad extendida en su colorida obra plástica.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 5-17 y MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

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RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Valle de México, 2016 Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 125 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2018.

"Rodrigo Pimentel estudió en la ENAP. Alcanzó a ser alumno de varios maestros que pugnaban todavía por la clásica enseñanza académica: Santos Balmori, Francisco Moreno Capdevila, Antonio Rodríguez Luna, Luis Nishizawa y Celia Calderón. La trayectoria de este pintor no ha sido lineal, cosa importante de señalar. Con esto quiero decir que sus cambios de 'estilo' no han ocurrido por evolución, sino por hitos que se perciben firmemente delimitados unos de otros. Pero esto no significa que rastros de sus etapas anteriores dejen de incurrir en su presente pictórico". Teresa del Conde. $180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

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RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Sin título Firmado y fechado 1968 Acrílico sobre tela 80 x 160 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018.

"La fuerza de expresión de sus pinturas es rotunda, sobre todo en sus paisajes, los hay desde un punto de vista muy tradicional, diríase que con los principios de José María Velasco, hasta aquéllos en los que su propia imaginación hace acto de presencia. Consigue dejar en el ánimo del espectador la sensación de lo telúrico, por el manejo de las formas de la naturaleza, por la luz y los colores empleados en cada caso". Xavier Moyssén. $150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,000-$13,400

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Paisaje de Valle de México desde el Tepeyac Firmado y fechado 57 Óleo y temple sobre tela sobre tabla 63 x 89 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Además de haber sido un destacado pintor, dibujante, grabador, escultor, muralista y docente, Nishizawa también ejerció con gran tenacidad la promoción cultural en México. De padre japonés y madre mexicana, supo aventajar su herencia internacional para crear un estilo muy particular: paisaje mexicano con técnicas del medio oriente. "No cree en el olvido, en la desmemoria, ni pasa del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar a la moda. Atento a las voces de la época se ha permitido articular muchas corrientes [y] creer en un arte sin fronteras". Raquel Tibol Fuente consultada: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800

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GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Paisaje surrealista con maguey Firmado y fechado 1948 al frente. Firmado y fechado 13 de febrero de 1948 al reverso Óleo sobre tela 50 x 90 cm Presenta flor pintada al reverso. Presenta detalles de conservación. La obra de Guillermo Meza es autobiográfica en cierta medida, el artista ha transitado en distintos géneros: su primera etapa productiva se considera surrealista, en este sentido en 1940 participó en la colectiva "Exposición Internacional del Surrealismo" organizada por la Galería de Arte Mexicano. Por otro lado tuvo una segunda etapa denominada por el artista como un nuevo realismo. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 416 - 418.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,000-$13,400

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Lote 152

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“Peña pintó una nación que tiene el privilegio de contener en cada uno de sus habitantes a un tlacuilo (artista), un sabio, un amante de la naturaleza, un formador de patrias (...) su pintura se creció en ese punto en el que lo folclórico se transforma en poesía y con una estética profunda que ablanda el alma”. Lupina Lara Elizondo.

Alfonso X. Peña nació en Ciudad Victoria, Tamaulipas, en una familia con inclinaciones artísticas; desde niño demostró especial interés y dominio en el dibujo, facultad que utilizó al inicio de su carrera cuando trabajó como caricaturista en el periódico El Mundo de Tampico y años más tarde en los periódicos El Globo y el Universal. Migró a Nueva York en búsqueda de oportunidades y desarrollo profesional, después de su estancia en esta ciudad viajó a Europa donde realizó gran parte de su obra. Formó parte del movimiento de la Escuela Mexicana de Pintura, es un reconocido artista por los murales que pintó en París, Estados Unidos y México. Ya sea mediante sus muy detalladas acuarelas, acrílicos, murales u óleos, Alfonso X. Peña fue un contador de historias, así como los protagonistas que aparecen en sus imágenes, quienes ignoran por completo al pintor o espectador. Cualquiera que contemple su obra podría atreverse a afirmar que detrás de esas imágenes se encuentra un creador latino, o asegurar la autoría de un artista mexicano, debido a la gran cantidad de atributos de estilo nacionalista y a la visión romántica promovida por José Vasconcelos. Desde su niñez Luis Osorno Barona manifestó un gran interés en convertirse en un profesional del arte, por lo que estudió pintura en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Armando García Núñez y Germán Gedovius, además tomó clases de fotografía con Agustín Jiménez. Su actividad profesional como pintor fue corta, sin embargo la fotografía se convirtió en su actividad artística formal. Fue en la década de los cuarenta cuando trabajó en numerosas revistas de circulación nacional como Revista de Revistas, La Prensa, Sucesos y Hoy, entre otras. El estilo del fotógrafo se ajustaba a la iconografía de la época, donde las revistas llevaban en portada a hermosas mujeres ataviadas con trajes típicos y características del folclore mexicano, que también fueron utilizadas en los populares calendarios de Galas de México. Posteriormente su carrera como fotógrafo pasó a un segundo plano e inició su etapa cinematográfica donde realizó documentales de promoción turística para la Secretaría de Turismo. Filmó documentales para Warner Brothers acerca de artes ecuestres en México y colaboró con Gabriel Figueroa en la filmación a color de los murales de Diego Rivera. Con la realización de su documental “Flamencos en Yucatán”, Luis Osorno quedó encantado por la temática y se propuso convertir su obra cinematográfica en una pieza de arte pictórica que embelleciera su casa. Para ello invitó a Alfonso X. Peña a realizar un mural con estos animales, el muralista concluyó la obra en el año de 1952. Su devoción por los flamencos lo llevó a realizar un largometraje entre 1958 y 1960 titulado “Paraíso Escondido” con las actuaciones de María Márquez y Jorge Martínez de Hoyos. “Your wounderful pictures of México will be remenbered for a long time”. Walt Disney, en relación al trabajo de Luis Osorno Barona.

El origen de este mural puede ser resultado de la extraordinaria similitud entre la visualidad del trabajo de Alfonso X. Peña con el imaginario de Luis Osorno. Los dos artistas representaron con estilo documental ‒uno a través del pincel y otro a través de su lente‒ ambientes populares, campestres, mercados, festividades, vida cotidiana y vestimenta. Compartieron la influencia cinematográfica reflejada en su obra y una inclinación hacia aspectos naturalistas así como la representación o acompañamiento de animales y naturaleza.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Compendio de creadores mexicanos. México. N° 113. Promoción de arte mexicano, 2011, pp. 5-24.

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El Maestro Alfonso X. PeĂąa pintando el mural

El Maestro Alfonso X. PeĂąa y el Sr. Osorno fotografiados frente al mural

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ALFONSO X. PEÑA

(Ciudad Victoria, Tamaulipas, 1903 - Cuernavaca, Morelos, 1964)

Sinfonía de selva y mar o El paraíso de las Aves, 1952 Firmado y fechado Mex. Sarita. 1952 Óleo sobre tela 225 x 515 cm Publicado en: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Compendio de creadores mexicanos. Tomo 113. México. Promoción de arte mexicano, 2011, pp. 22 y 23 y Época de calendarios. México. Museo Soumaya, 2012. pp. 22 y 23. Exhibido: “Época de calendarios”, en Museo Soumaya – Plaza Loreto, diciembre 2012. Permaneció en comodato hasta abril del 2018. Por las características de formato de la obra será entregada desmontada del bastidor para facilitarle el traslado. En caso de que lo requiera el Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo podrá asesorarlo. $2,600,000.00-$3,500,000.00 M.N. USD $139,000-$187,200 201

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

El conductor alienado Firmado Óleo sobre tela 146 x 113 cm Exhibido en: "Figuración. Maestros de México, Centroamérica y el Caribe", muestra colectiva presentada en la Galería CAF del Banco de desarrollo de América Latina en Caracas, Venezuela, de marzo a julio del 2012. Esta obra fue realizada para el Foro de Arte Contemporáneo en conjunto con El Salón del Automóvil de México. Oaxaqueño de nacimiento, Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada ciudad luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963. Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el "Manual de Zoología Fantástica" de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa. Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana. Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor. Murió a los 49 años de edad, dejando trunca su fructífera carrera. Actualmente su obra es considerada de gran importancia para la historia del arte mexicano del siglo XX y figura en importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y diversos países de Europa "Lo interesante de él era la búsqueda, la inquietud y la falta de satisfacción que sentía con lo que hizo, que es un síntoma de indudable talento. Era un hombre inteligente, un pájaro raro". Octavio Paz. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$3,200,000.00-$4,000,000.00 M.N. USD $171,000-$214,000

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VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

El jardinero Firmado y fechado 54 al frente. Firmado y fechado 1954 México al reverso Óleo sobre tela 67 x 56.5 cm Nació durante el periodo bélico en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Luiba Rasákova, provenía de una familia judía. Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Recién llegado a México, Vlady tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera y el arte revolucionario, experiencia que marcó de manera determinante en su estadía y su vida. Mantuvo contacto con André Breton, Wifredo Lam y otros maestros muralistas como Rivera. Entre las piezas de gran formato realizadas por Vlady destaca el fresco pintado en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada encargado por el ex Presidente de México, Luis Echeverría Álvarez en 1971, el cual realizó en un periodo de diez años y es considerado uno de los sitios emblemáticos del muralismo mexicano. Además en la colección de la Casa Museo León Trotsky se encuentran las piezas "El instante" y "Magiografía bolchevique", de la Colección del Museo de Arte Moderno es distintivo el fresco "Viena". Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121- 135.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 204

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ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987)

Sin título Firmado y fechado 52 Óleo y arena sobre tela 24.3 x 33 cm Agradecemos a Oscar Román por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. A la edad de 27 años, Alice Rahon se mudó a París, donde conoció a su primer esposo Wolfgang Paalen, unión que le permitió relacionarse con artistas surrealistas, entablando amistad con André Bretón, Max Ernst y Antonin Artaud. Con ellos compartió ideas y posturas artísticas que la influenciaron de forma directa para que se expresara de otra manera, definiendo así su estilo pictórico. Los viajes que realizó con su marido, incluyendo su visita a la India, a Alaska y a las cuevas rupestres de Altamira en España, ejercieron también un fuerte impacto en su producción de estilo surrealista. En 1947 se divorció de Wolfgang Paalen, ocasionándole un aislamiento social pero un incremento en la producción de su obra; no obstante, tiempo después contrajo segundas nupcias con el cineasta canadiense Edward Fitzgerald, con quien realizó proyectos teatrales y cinematográficos. Su carrera artística fue vasta y productiva, formó parte del grupo de intelectuales mexicanos, entre ellos Rufino Tamayo, Carlos Mérida y Octavio Paz. Expuso en las galerías e instituciones más importantes del país, realizando muestras individuales en la Galería Pecanins, Galería Oscar Román, el Museo de Arte Moderno y el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, además de haber participado en la Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Arte Mexicano en 1940. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 104 y "Alice Rahon en el MAM". México. Proceso, sección La Redacción, 14 de junio del 2009.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,400 205

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MANUEL GONZÁLEZ SERRANO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1917 - Ciudad de México, 1960)

Desbordamiento Firmado Pastel y acuarela sobre papel 23.5 x 46 cm Presenta una ligera rotura y detalles de conservación.

"Activo en las décadas de los 40 y 50, Manuel González Serrano fue un artista mexicano considerado parte de la contracorriente de la formación academicista. Paisajes, naturalezas muertas y retratos fueron los temas principales utilizados por el jalisciense, todos ellos inmersos en irrealidad y nutridos por su influencia de la metafísica de Giorgio de Chirico y los matices del surrealismo". María Helena Noval. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 292.

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$2,700

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VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

Sin título Firmado y Fechado 91 Gouache sobre papel 62 x 89.5 cm

"Decidí que sería pintor, que sólo viviría como pintor, que para mí sólo contaba la pintura, era mi lenguaje, mi manera de ser". Vlady. Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135.

$46,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,500-$3,800

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Cristo, ca. 1952 Sin firma Óleo sobre masonite 122 x 74 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2018. Durante los años 50, al poco tiempo de haber llegado a México, Arnold Belkin colaboró en la realización del mural "Patricios y patricidas" de David Alfaro Siqueiros, así como también en los murales dedicados a Cuauhtémoc en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Más tarde, por su rápido crecimiento artístico y su habilidad en el método, es nombrado profesor de técnicas murales en la Universidad de las Américas, al mismo tiempo que practicaba la técnica del grabado con la pintora y dramaturga Lola Cueto. Fue una época en la cual trató de apoyar las artes y la cultura a su manera, pues además 208

de pintar, escribió un guión sobre música, costumbres y leyendas de los juchitecos para la cadena de CBC/Radio Canadá, la cual le abrió las puertas para que presentará una exposición individual itinerante entre Vancouver y Calgary. Conforme pasaba el tiempo, sus intereses temáticos se inclinaron hacia la práctica social, en el contexto de las revoluciones y sus mártires. Estas pinturas son épicas con fuertes narrativas, pues al ser amante de la música y la literatura, proyectó un estilo teatralizado donde el hombre (héroes, caídos y víctimas) son colocados como el centro de la creación, en armonía con el universo, o bien como protagonista de las grandes batallas que moldearon el curso de la historia.

Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. "El laboratorio muralístico de Arnold Belkin". México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre del 1986 y TIBOL, Raquel. "Canadá asume a Arnold Belkin". México. Proceso, sección La Redacción, 16 de mayo de 1998.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Los demagogos (Guerra y Paz) Firmado y fechado 1954 al frente. Firmado y fechado México D.F Sep 18 1954 al reverso Óleo sobre masonite 102 x 112 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2018. El muralismo fue la mayor inspiración que alimentó la fuerza creativa de Arnold Belkin, además del trabajo de Diego Rivera y el aprendizaje que tuvo en la Vancouver School of Art y en La Esmeralda, donde tuvo de maestro a Carlos Orozco Romero y Agustín Lazo. Asimismo, fue ayudante de David Alfaro Siqueiros, práctica que enriqueció su futuro dominio del espacio y el planeamiento de composiciones. Aparte de los murales, fueron constantes sus aportaciones para producciones teatrales, trabajos que requirieron ciertas características que posteriormente mantuvo en su obra de caballete, como el uso de planos, perspectivas y aplicaciones de color para generar luces y sombras. Su tiempo en México, lo convirtió en un afiliado a las luchas liberales por lo que se inclinó a pintar temas de la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, sin dejar a un lado la paz; fue un trabajo testimonial y de profunda documentación desde una perspectiva crítica y reflexiva de la historia de nuestro país. En los años 80, el muralismo fue el centro de su trabajo, a tal grado que fue considerado como "el hijo canadiense del muralismo mexicano". Realizó murales en México, Estados Unidos, Canadá, Cuba y Nicaragua, y presentó exposiciones individuales en galerías de Vancouver y Calgary. Fue premiado en la II Bienal Latinoamericana de Grabado de San Juan, Puerto Rico. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. "El laboratorio muralístico de Arnold Belkin". México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 209

160

AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971)

Retrato de mi madre Firmado y fechado 922 Óleo y encaústica sobre tela 41.5 x 41.5 cm Procedencia: perteneció a la colección de la familia del artista. Colección particular. Con etiquetas del Museo Nacional de Arte, Museo de Arte Moderno y Oficina de Registro de Obras del INBA. Pintor, grabador, escenógrafo, collagista, ilustrador, diseñador y crítico de arte, Agustín Lazo comenzó su formación artística en la Escuela de Pintura al Aire Libre. Fue discípulo de Saturnino Herrán y Alfredo Ramos Martínez. Fue un hombre siempre preocupado por mantenerse al corriente de los movimientos europeos de vanguardia. En 1922 realizó un viaje a Europa, donde conoció los postulados del surrealismo de Max Ernst y se maravilló con la obra de artistas como Seurat, Picasso y De Chirico. En México fue precursor del surrealismo y en su obra predomina el carácter onírico o como él lo denominó realismo poético. "Lazo pinta, sin modelo aunque lo tenga enfrente. Pinta de memoria, con los ojos cerrados y abiertos que usamos durante el sueño". Xavier Villaurrutia. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 246.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 210

161

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Pescador, 1948 Firmado al frente y al reverso Óleo sobre fibracel 80.5 x 54 cm Al reverso tiene la leyenda: "Este cuadro yo lo pinté en 1948. A.Z.", fechada en 1996. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte Moderno, Instituto Nacional de Bellas Artes.

"Podemos resumir la pasión de Zalce en tres bellas palabras: belleza, servicio y libertad. Ama el color, la línea sensible y la invención, rompe lo estéril y renueva lo cansado, agita lo estancado, ataca lo injusto, exige responsabilidad y entrega a labor". José Chávez Morado. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, pp. 38-40 y 62.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,400-$18,800 211

162

LUIS GARCÍA GUERRERO

(Guanajuato, Guanajuato, 1921 - Ciudad de México, 1996)

Retrato de Victoria Silva Firmado y fechado 1956 Óleo sobre tela 50.5 x 35.5 cm Con etiqueta del Museo de Arte Moderno. Fue un artista que atravesó por distintos géneros artísticos, desde el retrato, paisajes, naturalezas muertas, hasta tendencias figurativas y abstractas. Su multiplicidad representativa le permitió depurar su creatividad y lograr posicionar su obra como auténtica y original. Su dominio del pincel fue en su mayoría autodidacta, ya que estudió leyes y actuaría; posteriormente se inscribió en La Esmeralda y a pesar de que la abandonó, estudió técnica de materiales pictóricos en el Instituto Politécnico Nacional. Fue su formación multidisciplinaria la que le permitió una libertad representativa. "Pintar es una actividad donde es necesario que se produzcan algunas sorpresas, surjan armonías inesperadas y se produzcan juegos insólitos de formas y colores. Si uno de esos componentes deja de existir el cuadro resulta más próximo a la muerte que a la vida". Sergio Pitol.

Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Luis García Guerrero. México. Ediciones la Rana, Gobierno del estado de Guanajuato, 1993 y DEL CONDE, Teresa. "Luis García Guerrero en el MAM". México. La Jornada, sección Opinión, 15 de agosto del 2016.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,800-$5,400

212

163

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

Sin título Firmado Carboncillo sobre papel 45.5 x 60 cm José Clemente Orozco fue un pintor, grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. Actualmente, José Clemente Orozco es uno de los artistas más importantes y trascendentes de la primera mitad del siglo XX. Su obra fue vasta y diversa, y es considerada patrimonio artístico de la nación.

"José Clemente Orozco fue un hombre que atravesó el siglo XX con todo este bagaje de conocimientos, vivencias, problemáticas bélicas y revolucionarias ideológicas que fueron transformando el siglo XX; él fue un hombre de este siglo, quien supo hacernos ver, a través de su obra, todo este cúmulo de circunstancias por las que atravesó el hombre contemporáneo". Laura González Matute. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,000-$9,700

213

164

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965)

Retrato de Lupe Marín Firmada Escultura en bronce en base de madera 54 x 25 x 29 cm medidas totales con base En 1904 comenzó su aprendizaje en escultura con el maestro Pellegrini. En 1908 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, aquí sus maestros fueron José María Velasco, Arnulfo Domínguez Bello, Leandro Izaguirre y Enrique Guerra. Años después se incorporó a la Unión de Alumnos Pintores y Escultores. En 1913 fue llamado a dar clases. En 1919 viajó becado a Europa, vivió en Madrid y París. A su regreso a México se hizo cargo de la cátedra de escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fue iniciador del nuevo movimiento escultórico en México, rompió con la escuela académica afrancesada y se vinculó a la plástica que surgió con la revolución. Guadalupe Marín, mejor conocida como Lupe Marín, fue una modelo y novelista jalisciense, esposa del pintor Diego Rivera, casados por la ley civil y la eclesiástica. Fue madre de la Doctora en Historia Guadalupe Rivera Marín y la Arquitecta Ruth Rivera Marín. En diversas ocasiones fue modelo del mismo Diego Rivera, así como de Frida Kahlo y Juan Soriano. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo I. México. CONACULTA, 1997, pp. 68 y 69.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,500-$3,200 214

165

CARLOS VARGAS PONS

(Guadalajara, Jalisco, 1968 - )

Héctor y Lapi Firmado y fechado 95 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 129 x 189 cm Carlos Vargas Pons es un destacado artista tapatío acostumbrado a presentar la figura humana parcial o totalmente sumergida en los planos acuosos, como una interpretación de una abstracción de la realidad. Tal es el caso de sus imágenes de bañistas jóvenes, presentadas con deformaciones corporales debidas a la refracción de la luz natural a través del agua cristalina y agitada de una alberca, estanque o río; estas obras no sólo le permitieron fijar una recurrencia significativa en toda su obra, sino caracterizar su pincelada gruesa, sinuosa y espontánea. Fuente consultada: PÉREZ VEGA, Rebeca. "Las formas se diluyen en el MAZ". México. El Occidental, sección Cultura, 6 de marzo del 2008.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

215

166

ADOLFO BEST MAUGARD

(Ciudad de México, 1891 - Atenas, Grecia, 1964)

Autorretrato Firmado y fechado 950 Óleo sobre fibracel 72 x 61 cm Exhibido en: "Maestros selectos de la pintura mexicana", muestra presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en octubre de 1992. Con etiqueta del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Adolfo Best Maugard, también conocido como Fito Best, fue un pintor viajero, escritor, director de cine, profesor y un importante promotor cultural, ya que por medio de su obra reivindicó el arte precolombino e indígena. Fue el creador de un sistema que se impartió durante la segunda década del siglo XX para enseñar a niños a dibujar su mundo cotidiano. Conoció a Diego Rivera en 1912 en el Salón de Otoño en París, a quien le pintó un retrato, conocido como "Joven en el balcón", obra que hoy resguarda el Museo Nacional de Arte. De regreso a México formó parte de las Escuelas al Aire Libre, promovidas por Alfredo Ramos Martínez. "El arte de Best Maugard influyó en artistas de nuevas generaciones, así como su legado literario, el cual se enfoca en las artes con bases nacionalistas. En el trabajo de Best Maugard podemos observar los patrones del arte popular e indígena para concebir la organicidad de una nación y la unión por vía de la identidad, todo esto mediante el arte y el enaltecimiento de raíces milenarias". Miguel Fernández. Fuentes consultadas: ESLAVA, Edgar. "Retrospectiva y evolución de Best Maugard llega a Bellas Artes". México. El Universal, sección Cultura, 8 de septiembre del 2016. FLORES, Alondra. "Relanzan método de Best Maugard para fomentar el arte en los niños". México. La Jornada, sección Cultura, 25 de noviembre del 2010. SÁNCHEZ MEDEI, Leticia. "Best Maugard, promotor de arte mexicano". México. Milenio, sección Cultura, 8 de septiembre del 2016.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 216

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ENRIQUE MARTÍNEZ CELAYA (Cuba, 1964 - )

Autorretrato. La herida en el brazo Firmado y fechado Diciembre 1999 al frente y al reverso Óleo y lápiz de grafito sobre tela 183 x 163 cm Con la leyenda: "Para el 23 de abril de 1971". Arte, ciencia, poesía y filosofía, son algunas de las disciplinas que Enrique Martínez Celaya ha explorado a lo largo de su carrera artística. Su obra se ha identificado por examinar la complejidad de la experiencia del sujeto en relación con la naturaleza y el tiempo, así como la condición actual de la sociedad. Es un artista, que busca no sólo la apreciación estética en el espectador, sino llevar el arte a la acción social. Es por eso que ha creado talleres de poesía y arte para niños, becas para artistas, así como la editorial Whale & Star Press, la cual publica libros de arte, poesía y teoría crítica. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.martinezcelaya.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700 217

168

DANIEL SENISE

(Río de Janeiro, Brasil, 1955 - )

Autorretrato Firmado y fechado 1992 al reverso Óleo sobre tela 200 x 140 cm Con dibujos y apuntes al reverso. Artista brasileño conocido por exponer en 1985 en la 18° Bienal de São Paulo, en 1991 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y en 1994 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Al principio de su carrera su producción estuvo enfocada en temas de imágenes indefinidas que eran retiradas de objetos de lo cotidiano. Así, las pinturas de Senise son una mezcla entre representaciones pasadas y la percepción actual de la sociedad. Sin embargo, desde la década de 1990, Senise trabaja con lo que se puede llamar "construcción de imágenes", un proceso que comienza con la impresión de superficies y objetos ‒como pisos de madera o paredes de concreto‒ sobre tejido. Las impresiones se reúnen y posteriormente son recortadas e instaladas en paneles de aluminio, asemejando a un telón de fondo o a elementos arquitectónicos estructurales. Es un artista que activa el imaginario del espectador, su percepción y construcción de su contexto a partir de las imágenes que lo rodean. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.danielsenise.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 218

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ÁNGEL ACOSTA LEÓN (La Habana, Cuba, 1930 - La Habana, Cuba, 1964) Autorretrato

Fechado 1959 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre triplay 72 x 51 cm Con dedicatoria "A mi amigo Fermin. Porque siempre seamos niños... Cuba" al reverso. Perteneció al movimiento cubano "Nueva figuración" o mejor conocido como vuelta al mundo objetivo. Artistas como Antonia Eiriz, Raúl Martínez, Servando Cabrera y Umberto Peña fueron parte de este grupo, el cual se identificó por llevar a la pintura nuevas concepciones sobre el socialismo que regía Cuba. Ángel Acosta León egresó en Pintura y Escultura en la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana en el año 1957, en 1959 realizó su primera exposición junto con Alfredo Sosabravo en la Galería del Arte y Cinema La Rampa, en La Habana; en ese mismo año participó en una exposición colectiva durante la 5° Bienal de São Paulo, Brasil. Su galardón más importante fue, en 1959, el Premio de Adquisición del Salón Anual de Pintura, Escultura y Grabado, en

el Museo Nacional de Bellas Artes, en La Habana y en 1960 llegó a México durante la II Bienal Interamericana. Fue un artista que expresó el difícil tránsito del capitalismo al socialismo, su precaria vida, en gran parte producto del medio social anterior a 1959. Las obras más antiguas presentadas son sus "Autorretratos" de entre 1954 y 1958, las cuales, en palabras de Bienvenido A. Rodríguez: "Son de gran lastre académico, pero en algunos se vislumbra tímidamente el genio plástico que desarrollará más tarde. En casi todos le concede una importancia grande a los ojos; este elemento aparecerá, solo, en muchos cuadros posteriores". En 1961 algunos hechos históricos de la Revolución Cubana pasaron a su pintura, introduciendo las "naves" y las "estructuras". Posteriormente creó sus series de "Juguetes" y "Colombinas". Falleció durante la travesía marítima Holanda - La Habana, el 5 de diciembre de 1964. Fuente consultada: RODRÍGUEZ, A. Bienvenido. "In Memorian Ángel Acosta León". Cuba. Revista de la Biblioteca Nacional de Cuba José Martí, 2015, pp. 105-110.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,800-$8,000 219

170

LUIS CRUZ AZACETA

(La Habana, Cuba, 1942 - )

Cuban exiled (autorretrato) Firmado al frente. Firmado y fechado New York City 1991 al reverso Acrílico sobre cartón sobre dos lienzos ensamblados 62 x 62 cm De origen cubano, Luis Cruz Azaceta es un artista en cuya obra se contextualizan los temas de violencia urbana, el aislamiento personal, los abusos y las presiones de los gobiernos. Rebelde e hiperactivo por naturaleza, es un creador prolífico que utiliza el arte como escape del tiempo, de la historia, una manera de enfrentar al mundo. Durante sus estudios en Cuba y Nueva York, se forjó en él un estilo figurativo y abstracto. En la década de los 80, sus composiciones de colores sombríos resaltaron estados de ánimo de figuras distorsionadas. En algunas obras destaca su visión sobre problemas sociales mediante personajes que constantemente están atrapados, en drogas, con hambruna, así como en plagas e incendios. En los años 90, incorporó temas del momento y realizó las series de Balseros y Exiliados. A pesar de trabajar con temas fuertes para la sociedad, es un artista realista, con un gran reconocimiento internacional. Ha recibido diversos premios y becas, además su obra ha sido apreciada en más de 100 exposiciones individuales en Estados Unidos y países de Europa y América Latina. Actualmente el MoMA, el Metropolitan Museum of Art y el Whitney Museum of American Art en Nueva York, el Smithsonian American Art Museum en Washington, el Museo de Bellas Artes de Caracas y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey albergan obras de este reconocido artista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiscruzazaceta.net

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,750 220

171

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Autorretrato recortado Firmado PF y fechado 76 al frente. Firmado y fechado 1976 al reverso Acrílico sobre sobre papel sobre madera 32.8 x 28 cm Llegó a México a la edad de tres años. Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana donde fue alumno de Mathias Goeritz. Bajo su influencia, creó modelos arquitectónicos que fusionaban diversos elementos en una sola estructura, planteándolas como algo no sólo ficticio. Integrando Art Nouveau y estructuras medievales, su trabajo anticipaba la postmodernidad.

"Nací como una ardillita en 1829, cerca de lo que es ahora Montevideo, Minnesota. A la edad de ocho años fui golpeado por un rayo y muerto instantáneamente. Reencarné exactamente una centuria después en la apariencia de Pedro Friedeberg, la cual he retenido desde entonces. (Todavía no me acostumbro a este nombre y debo forzosamente guardar mi tarjeta de visita cerca de mi cama, para acordarme de mi identidad, cuando me despierto.)". Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31, 42 y 103.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,000-$3,800 221

172

MANUEL GONZÁLEZ SERRANO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1917 - Ciudad de México, 1960)

Autorretrato Firmado Pastel sobre papel 49 x 36.5 cm

“Vivo y pinto el surrealismo, soy y expreso lo alucinante, mis sueños y la magia de mi vida. Soy el pintor del dolor, de la angustia y de la ternura eterna como mi ser. Pinto con sangre, semen y musgos. Confieso que realicé mi destino en mi anti-destino”. Manuel González Serrano.

Fuente consultada: GONZÁLEZ SERRANO, Manuel y DEL CONDE, Teresa. Siete pintores: otra cara de la Escuela Mexicana. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1984, Pág. 20.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 222

173

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Retrato de Eduardo Villaseñor Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Presenta detalles de conservación. A la edad de 16 años, Gustavo Montoya ingresó a la Academia de San Carlos, donde forjó su formación académica con maestros como Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Posteriormente, durante su estancia en París, descubrió el arte moderno y se deleitó experimentando con nuevas técnicas y temas, lo que lo impulsó a forjar su propio camino como un artista autodidacta. Después de estudiar arte en Suiza, Inglaterra e Italia, viajó a Nueva York, donde tuvo varias exposiciones antes de volver a México en 1942. El regreso a su patria lo inspiró a pintar barrios, calles, iglesias y mercados, así como una serie de bodegones y retratos. La mayor parte de su obra no está fechada, lo que hace que sus temas sean la definición de sus épocas. Los retratos, por ejemplo, fueron ejecutados en una etapa madura, donde la figura femenina predominó con gran belleza; no obstante, elaboró obras por gusto y encargo de diferentes personalidades y niveles sociales. Tal es el caso del retrato de Eduardo Villaseñor (1896-1978) un economista, escritor y funcionario público mexicano, principal impulsor de la creación del Fondo de Cultura Económica. Fue agregado comercial en Londres, cónsul en Nueva York y director del Banco de México, lugares donde posiblemente haya conocido a Montoya y solicitado su retrato. Fuente consultada: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S.A., 1981, pp. 40-63.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800 223

174

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006)

Sin título Firmado y fechado 2001 Pastel sobre papel 76 x 56.5 cm Agradecemos a Brigita Anderson, viuda de Anguiano, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2018. "El dibujo es la expresión más antigua y más auténtica del hombre". Raúl Anguiano. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800 224

175

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título Firmado Óleo sobre papel 44 x 34 cm Con certificado de Fundación Cultural Rodolfo Morales, abril del 2018. Estudió en la Academia de San Carlos, impartió clases en la Escuela Nacional Preparatoria. Es considerado uno de los artistas más importantes de la década de los setenta, además de ser un pintor surrealista, en su obra se pueden encontrar aspectos formales y temáticos del realismo mágico. Realizó algunos murales en la Ciudad de México, además fue un gestor cultural muy activo en su época que colaboró en este sentido con Rufino Tamayo y Francisco Toledo. "Lo que llamaríamos 'el Universo de Morales', está al doble servicio de la pintura y de la metamorfosis interminable de la nostalgia que acaba siendo premonición. Y eso es él precisamente: un memorioso del interminable provenir del arte, tal y como se despliega en su obra". Carlos Monsiváis. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378.

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800 225

176

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, 2014 Firmada Escultura en mármol negro, pieza única 63 x 34 x 33 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, abril del 2018.

"El hecho de que Carbonell no sólo prescinde de objetos y elementos innecesarios sino que se atiene, la mayoría de las veces, a una o dos figuras dotadas de centralidad y de jerarquía compositiva. El pintor no ha hecho entonces más que crear un espacio-visión que tiene por nexo y aglutinante la luz tenebrista dirigida con doble intención: dotará las formas de energía plástica, y la visión lumínico atmosférica". Jorge Juanes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $32,100-$42,800

226

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TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - )

Meditando Firmada y fechada I - 08 Escultura en bronce con base de madera, pieza única 42.5 x 32 x 32 cm medidas con base Cuando llegó a la Ciudad de México, Tiburcio Ortiz ingresó al ejército y al taller de la misma institución, donde hacía prótesis para manos y ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos, recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos. En la década de los 70 fue diseñador de prototipos para producción seriada de cerámica en el Centro Artesanal de Lerma, Estado de México e impartió la cátedra de escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Benito Juárez de Oaxaca. En 1981 colaboró en la elaboración del mural que se encuentra en el Palacio Legislativo de la Ciudad de México. Su obra ha participado diversa exposiciones colectivas y ha sido acreedor a importantes reconocimientos en México y el extranjero. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et ál. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, Pág. 50.

$140,000.00-$220,000.00 M.N. USD $7,500-$11,800

227

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FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Desnudo Firmado y fechado 1977 Crayón sobre papel 49.8 x 64.7 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado / Catalogue Raisonné. Volumen IV-Volume IV: Dibujos / Drawings 1971-1989. México. Albedrío/Fundación Zúñiga Laborde, 2006. Pág. 572, catalogado 2571.

"El aspecto más engañoso y la interrogante en la obra de Zúñiga es: ¿Por qué mujeres?, y es engañoso porque es puramente accidental, la necesidad natural en él de expresarse gráficamente lo condujo en búsqueda del elemento más rico posible a su alrededor; no en balde en la tradición del arte es la figura femenina la que domina. No podemos ignorar que las juchitecas y yucatecas son suficientemente ricas para estar en el primer plano de su obra. El mérito de Zúñiga es restablecer y mantener el vínculo entre la tradición plástica de las figuras que representan a la fertilidad y las diosas indígenas, con aquellas que invaden los mercados en las calles". Ariel Zúñiga. Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: dibujos, 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006, Pág. 27.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

228

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FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Dos mujeres reclinadas II Firmado y fechado 1967 Conté sobre papel 48.5 x 63.5 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A. C., abril del 2015. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

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ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Mujeres y niñas en el campo Sin firma Pastel sobre papel 55.5 x 69 cm Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: FAVELA, Ramón et ál. Alfredo Ramos Martínez (1871 - 1946) Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, 1992, Pág. 129, catalogado 19. Con etiquetas de Museo Nacional de Arte MUNAL y de Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Esta obra será incluida en el Catálogo Razonado de obra en papel, a ser publicado por Alfredo Ramos Martínez Research Project. Presenta rasgadura. Fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes así como de las Escuelas de Pintura al Aire Libre, un artista complejo debido a las distintas etapas creativas y tendencias estéticas que llevó a la práctica, entre ellas distaban en gran medida ya que en ocasiones su obra resultó de intereses y fines contradictorios, es decir, su obra cumplía con fines decorativos de los grupos burgueses de la época, por un lado presentaba escenas al aire libre, retratos femeninos de piel blanca con cortes de cabello al estilo bob, y vestidas como en las revistas de moda europea de los años veinte, en contraste con los tipos y escenas populares de campesinos, grupos familiares o mujeres con sus hijos, atributos o festividades religiosas, en el periodo posterior a la revolución mexicana así como de la colonia, realizados sobre tirajes de periódico. Fuente consultada: CORDERO, Karen et ál. Alfredo Ramos Martínez (18711946) Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, 1992, pp. 61-77.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 230

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

Sin título Firmado y fechado abril 37 Lápiz sobre papel 31.5 x 23.5 cm Con dedicatoria. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], 1994, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Procedencia: perteneció a la colección de Don Francisco Zárraga, hermano del artista, México. Presenta detalles de conservación. Desde su juventud conoció a personajes artísticos de la época: fue alumno de Justo Sierra y Amado Nervo, amigo cercano de Jaime Torres Bodet y asistió a clases en la Academia de San Carlos, donde estudió con Julio Ruelas. En el año de 1904 emprendió un viaje a Francia y ahí fue uno de los fundadores de la Escuela de París, al lado de personajes como Braque o Juan Gris, además, entabló amistad con Pablo Picasso y Amadeo Modligliani. En su obra donde puede apreciarse a un gran dibujante, debido a la gama de influencias de vanguardias y características plásticas formales: algunas piezas contienen texturas, especialmente los retratos que nos recuerdan las pinceladas e imágenes de Claude Monet, de la época impresionista, bañados en luz y realizados al aire libre, en contraste con los retratos de infantes realizados al interior del estudio del pintor. Llaman la atención los lienzos abstractos, que funcionan como un estudio de la geometría a partir de la figura humana y objetos cotidianos. Desde otra perspectiva realizó obras de estilo medieval, con composición central, fondos planos y con aspectos alegóricos o religiosos. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del Estado de Durango, 2006, pp. 19-22.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 232

182

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018)

El reposo Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce 6 / 9 68 x 118 x 45 cm Con copia del certificado de autenticidad de la artista, marzo del 2011. Joy Laville fue una pintora inglesa que se trasladó a México en 1956 con el objetivo de tomar cursos de pintura en el Instituto Allende en San Miguel de Allende, Guanajuato. Durante su estancia coincidió con el artista Roger von Gunten y conoció al escritor Jorge Ibargüengoitia, con quien se casó en 1973. Tras casi veinte años de matrimonio, Jorge murió en 1983, en ese momento residían en París, así que después de su pérdida, Joy decidió regresar a México para establecerse en Cuernavaca, donde vivió y trabajó hasta el 2018. Su vida fue un subibaja de emociones y experiencias, por lo que su trabajo fue reflejo de ello. Su carácter dulce, sensible y delicado contribuyó a que formara un estilo artístico muy particular, pues ya sea a través de pintura o escultura, ella transmitió sus inquietudes y representó sus propias observaciones de la vida, atesorando cada uno de los detalles y gestos. Para Joy Laville, el cuerpo fue la fuente principal de los sentimientos y actitudes, así que más que flores y ventanas, interpretó constantemente el desnudo, ya sea de hombre o mujer. "Su obra fue moderna y sigue siendo moderna, lo que hoy por hoy le permite convivir y competir con novedosas propuestas y corrientes de vanguardia […] Ella hace honor a su nombre, pues "joy", en español, significa alegría; su nombre lleva implícito largos años de un constante y tenaz trabajo". Lupina Lara Elizondo.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 6, No. 52, julio-agosto del 2001, pp. 16-29 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700 233

183

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - )

El vino Firmado Óleo sobre tela 101 x 81 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2012. Benito Cerna es un pintor peruano que ha exhibido su obra en numerosas muestras individuales en Francia, México, E.E. U.U., Panamá, Colombia y Costa Rica. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la de Museo El Castillo, Medellín, Colombia.

"Un viaje que evoca cierta letanía con el pasado, colores densos que compactan la claridad del aire y la luz. Emoción de un instante detenido en el tiempo subjetivo del artista, que en el principio de su ensoñación plástica no deja escapar la imagen que atrapa. Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista". Charles Nevott. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 234

184

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz Firmada Escultura en bronce P / A 61.5 x 38 x 35 cm medidas totales Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, abril del 2018. Es notable el dominio de Santiago Carbonell para representar el cuerpo humano, no solamente de manera bidimensional, ya que el artista ha sido capaz de plasmarlo también en la escultura, provocando la impresión de que los personajes de sus pinturas han decidido formar parte del mundo de los objetos, no necesariamente de las imágenes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000 235

185

JUAN FERNANDO OLAGUÍBEL (Guanajuato, México, 1896 - 1976)

Mujer llorando Firmada Escultura en bronce 66 x 36 x 41 cm medidas totales con base Después de haber participado en el movimiento armado de 1910, Juan Olaguíbel ingresó a la Academia de San Carlos, donde tuvo una fuerte influencia del trabajo artístico y social de Dr. Atl, así como de las corrientes artísticas de la época, momento en el cual la escultura clasista tránsito a modernidad. En general, su vida fue un subir y bajar de emociones, pues al participar en la fundación del diario "La Vanguardia", se unió al proceso cultural revolucionario de la época y a la rebeldía militar junto al constitucionalista Salvador Alvarado, acción armada que le ocasionó una herida en el brazo durante una de las campañas; aquél accidente le impidió viajar a Europa para complementar sus estudios en arte. No obstante, mediante un apoyo económico, logró visitar Nueva York en 1918, donde además de realizarse algunas operaciones para mejorar su herida, ejecutó una serie de dibujos caricaturescos que le dieron cierta fama. Durante su estancia en Estados Unidos, trabajó con el escultor Gutzon Borglum, a quien le ayudó a esculpir las cuatro cabezas de los presidentes estadounidenses en el Monte Rushmore. Antes de regresar a México en 1921, visitó Europa, viaje que terminó de solidificar su experiencia escultórica. Los siguientes años, le fueron encargadas esculturas públicas para diversos estados de la República Mexicana, destacando en 1939 el "Monumento al Pípila" en Guanajuato, en 1942 la reconocida escultura de la "Diana Cazadora" localizada en la fuente del Paseo de la Reforma en la Ciudad de México y en 1952 la Fuente de Petróleos, realizada en conjunto con el arquitecto Vicente Mendiola Quezada y oficialmente denominada por sus creadores como el "Monumento a la Industria Petrolera de México". Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA, FONCA, 1997, Pág. 116.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800 236

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JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2017)

Autorretrato con giganta y enana en La Renaudiere Firmada y fechada 25.VIII.1977 Acuarela y tinta sobre papel 36 x 50 cm Con un dibujo firmado al reverso Procedencia: Galerie Krugier & Cie. Estudioso de la figura humana y el lenguaje corporal, fue pintor, dibujante, escultor, artista gráfico e ilustrador de libros. A edad prematura ingresó a la ENAP y fue acreedor a numerosos premios de dibujo. Su obra es resultado de la observación y un alto grado de sensibilidad, contiene una gran carga narrativa de los acontecimientos alejados en todo momento de un estilo clásico o nacionalista, aspecto que le otorga valor trascendente a su obra, definida como realismo pictórico. "La pintura de José Luis Cuevas pretende captar lo sórdido, lo terrible, lo grotesco: pretende reflejar al hombre en estados de debilidad humana al hombre que ha caído en condiciones extremas. En la primera etapa de su obra, Cuevas, representa a los personajes que deambulan en las calles de su barrio: al mendigo, el pordiosero y las prostitutas". Lupina Lara de Elizondo.

Fuente consultada: LARA DE ELIZODO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. José Luis Cuevas. Sergio Hernández. México. Promoción de Arte mexicano, 2011, Pág. 5.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800

237

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Payaso azul Firmada Mixta sobre papel 49 x 37 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Rafael Coronel ha recibido importantes condecoraciones y reconocimientos por su labor creativa a nivel internacional, siendo declarado en 1978 junto con su hermano Pedro Coronel, Hijo Predilecto por el Gobierno del Estado y la Universidad Autónoma de Zacatecas. Además, su obra ha sido elogiada por reconocidos y predilectos escritores, periodistas y críticos de arte, entre ellos, Luis Cardoza y Aragón, Luis Carlos Emerich, Carlos Monsiváis y Agustín Arteaga, quien se expresa sobre la obra Rafael Coronel como si fuese un reflejo del alma y al respecto menciona: "En la obra de Coronel encontramos, de manera regular, la intención de descubrir el interior de sus personajes […] la figura humana transcurre por procesos varios de deconstrucción, para llegar al alma, a la descontextualización absoluta, donde el espectador se enfrenta a la obra cual espejo…".

Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.rafaelcoronel.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,400-$8,000 238

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Estudio para el retrato de Leonardo Firmada y fechada 70 Mixta sobre papel 72 x 100 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación. El arte siempre ha corrido por las venas de Rafael Coronel, pues su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el afamado pintor Pedro Coronel y su esposa fue Ruth Rivera, hija de Lupe Marín y Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. En aquel taller, realizó algunas de sus mayores producciones pictóricas, época en la cual su carrera despegó y su obra ocasiono controversia entre críticos del medio. A principios de los años 70, después de la muerte de Ruth, Rafael Coronel comenzó una relación con la pintora Julia López, periodo en el cual él continuó trabajando en el taller del ya fallecido Diego Rivera, lugar que también se usó como centro de reuniones intelectuales entre amigos, como Francisco Corzas, Arnaldo Coen y Alejandro Jodorowski. Además, fueron años de múltiples exposiciones, destacando la muestra individual "Rafael Coronel: 45 nuevas pinturas" en la Galería de Arte Mexicano y la exhibición colectiva "Cinco pintores de Zacatecas" en el ex-convento de San Agustín en Zacatecas, actualmente el Museo Rafael Coronel. En mayo de 1972, el periódico "El Sol de México" publicó 9 de sus obras de la serie de retratos de pintores del siglo de oro, obras que fueron realizadas bajo la influencia de pinturas de grandes maestros europeos como Goya, Rembrandt, Ucello, Tintoretto, Leonardo Da Vinci, Vermeer, entre otros. Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, Pág. 254 y sitio oficial del artista: www. rafaelcoronel.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 239

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Sin título (Sirena sentada con niño) Firmada y fechada 94 Escultura en barro policromado en base de madera 60 x 25 x 29 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta detalles de conservación.

"En Marín, la composición juega con los puntos de equilibrio y tensión que dota de una armonía constructiva al volumen contenido entre los vacíos y la masa. Ambos oscilan entre la pureza lineal de los soportes de sus personajes, donde formas elegantemente proyectadas en el espacio, constituyen la morada del tema que acusa; y el sujeto, que evoca cierto manierismo desde su resolución realista, en la actividad que recrea los personajes fantásticos provistos de máscaras y vigorosas alas […] Jorge Marín nos transporta con su obra en un viaje hacia a un mundo misterioso, mágico y místico, pero a la vez de sugerente erotismo, divertido y sagaz". Luisa Barrios. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

240

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Sin título (Niño con cono) Firmada y fechada 96 Escultura en barro policromado en base de madera 108 x 35 x 25 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. $280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,000-$21,400

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - )

Chinampa, Xochimilco Firmado y fechado 2002 Óleo sobre tela 180 x 150 cm Agradecemos al Maestro José García Ocejo y a Andrés Ocejo por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018.

"José García Ocejo no es un artista tan puro desde el punto de vista estrictamente mexicano, si juzgamos el mexicanismo como se ha dado en la pintura contemporánea [finales de la década de 1980]. Aparece como un romántico tardío, perdido en medio de un siglo extraño, estéril en buena parte, y se adhiere ostensiblemente al sistema de símbolos, arquetipos y resonancias culturales europeas. Ocejo es un artista dandy que expresa sin equivocación su vocación teatral, que se fascina con el gesto retórico, y que vive la vida sólo como un espectáculo, al lado de su público". Jordán Chimet, 1984. Fuente consultada: "José García Ocejo. Pues Modernismo". México. Galería Arvil, 1989.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 242

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JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - )

El Minotauro y Doncella Firmado y fechado 2015 Óleo sobre madera 64 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Su temática hace gala de imaginación y la desborda. Plasma en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,800-$5,400 243

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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título Sin firma Grafito sobre papel 55.5 x 38.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2018. A través de distintas referencias culturales como la mitología griega y otras alegorías ha conformado su discurso visual. En cuanto a sus pinturas y trabajos sobre papel están enfocados en la figura humana donde el artista recurre a las tradiciones pictóricas occidentales, utiliza además herramientas formales de los murales mexicanos de gran escala. Su trabajo escultórico ha sido exhibido en el Palacio de Bellas Artes, en la Bienal de Venecia y Beijing. La obra de Gustavo Aceves forma parte de las colecciones permanentes del Museo de Memoria y Tolerancia en la Ciudad de México y del Museo del Vaticano en Roma. Fuente consultada: textos de Jorge Juanes en el sitio oficial del artista www.gustavo-aceves.com

$50,000.00-$100,000.00 M.N. USD $2,700-$5,400 244

194

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Obra 72 Firmada Mixta sobre tabla 63 x 43 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra. Con certificado de autenticidad de Praxis Arte Internacional, firmado por el artista, junio de 1999. La preocupación de Roberto Cortázar por representar la figura humana lo llevó a experimentar con diversas técnicas, fusionando el carbón, el grafito, el óleo y los pigmentos con papeles y madera. Además, como buen conceptualista, gusta jugar con elementos abstractos, balancea las luces y sombras de los cuerpos para acentuar el mensaje principal. Pinta con una paleta casi monocromática que invade con toques de colores vivos, utilizando tonos como el negro, blanco, amarillo, verde y rojo. Este desafío anatómico también concibe conceptos, temas y ambientes en los que se observa desolación, delirio y aislamiento, sin dejar atrás la formación indudable de una narrativa. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, pp. 18-21.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,700-$4,300 245

Fotografía de la Revista Saber Ver de la exposición "Un diálogo en el abandono"

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Desnudo homenaje a Susanita San Juan Firmada y fechada 2001 Talla en madera entintada 113.5 x 76 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Exhibida en: "Un diálogo en el abandono" muestra intinerante presentada en Mineral de Pozos en el marco del Festival Internacional Cervantino en Guanajuato en 2002, en el Museo Casa del Risco en la Ciudad de México en 2002 y en la Galería 57 de Madrid, España, en 2003. Publicada en: "Emiliano Gironella Parra, fotografía y obra". México. Revista Saber Ver, 2002, Pág. 20 y en "Acción en Pozos. Homenaje a Juan Rulfo. México, 2002. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. A lo largo de su carrera, Emiliano Gironella ha trabajado la fotografía, la pintura, la escultura y experimentado con los procesos gráficos. Su primera exposición fue en Bellas Artes, como parte de la muestra "Colorín Colorado". Desde entonces, ha participado en un sinfín 246

de exposiciones colectivas e individuales y formado parte de diversos proyectos, uno de ellos relacionado a la protección y cuidado de niños, por el cual el pasado mes de julio recibió un reconocimiento del presidente Enrique Peña Nieto por el proyecto "Manos Manchadas de Pintura", el cual utiliza el arte como un catalizador de dolor en apoyo a los hijos de elementos policiales fallecidos durante estrategias federales. Su obra circula en torno a ciertos temas, destacando el boxeo, la fiesta brava, las mujeres, la muerte y la violencia. Una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como José Alfredo Jiménez, con las exposiciones "Y sigue siendo el Rey" y el homenaje a Juan Rulfo y a su obra "Pedro Páramo" con su acción en Mineral de Pozos en Guanajuato a la que pertenece la obra "Desnudo homenaje a Susanita San Juan". "Pedro Páramo" es la primera novela de Juan Rulfo, y en aquella historia Susanita San Juan es el verdadero amor de Pedro Páramo pero son forzadamente separados cuando muere la madre de ella.

Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327.

$115,000.00-$145,000.00 M.N. USD $6,100-$7,700

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ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972)

Eclipse Óleo sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a la Maestra Esther Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicado en: Enrique Echeverría. Tiempo suspendido 1932-1972. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 2003, catalogado 14. Enrique Echeverría expuso en la Galería de Arte de la Plan American Union, ingresó al Salón de la Plástica Mexicana en 1965 y fue fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Grabadores de México. Participó en la I Bienal Interamericana de Pintura y Grabado en el Palacio de Bellas Artes, donde también presentó la retrospectiva "Tiempo suspendido". Obtuvo el Premio de Adquisición en Salón Anual de Pintura en 1968, obtuvo la beca de la Fundación Guggenheim en 1957, así mismo formó parte de la VI Bienal de São Paulo, Brasil en la exposición "Arte de América y España", organizada por el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,000-$21,400 247

197

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Sin título Sin firma Óleo sobre tela 75 x 125 cm Obra restaurada. Fue un pintor y cartelista madrileño, virtuoso del color, dibujante excelso y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le amplió el panorama plástico. En España ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Cuatro años más tarde, tras haber pasado por campos de concentración en Francia, marchó a México, donde desarrolló intensamente su labor de cartelista, colaborando en revistas y periódicos. Después de unos años de residir en nuestro país, regresó a España donde realizó diversas exposiciones y obtuvo importantes distinciones. Actualmente su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de paises de Europa, América y Asia. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Tomo I, Pág. 106 y "Una antológica de José Bardasano devuelve la figura del pintor realista a través de 135 pinturas, dibujos y carteles". Madrid. El País, sección Cultura, 24 de febrero de 1984.

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800

248

198

ROBERTO FERNÁNDEZ BALBUENA

(Madrid, España, 1890 - Ciudad de México, 1966)

Sin título Firmado y fechado México 1944 Gouache sobre papel 60.5 x 47 cm Presenta detalles de conservación. Fue un destacado arquitecto y pintor español naturalizado mexicano. Fue pensionado de arquitectura en Roma por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y director adjunto del Museo del Prado. Como muchos otros artistas españoles tras la guerra civil española tuvo que exiliarse en México, donde realizó con gran éxito diversas exposiciones y fundó con Ovidio Botella la empresa constructora TASA. Las obras de este artista madrileño se encuentran hoy en día en importantes colecciones públicas y privadas de museos mexicanos y españoles, entre ellos el Museo del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. "Tenía aún la paleta sombría del arte español, desde Valdés Leal hasta Gutiérrez Solana. Pero se complacía en romperla dramáticamente con los blancos de Zurbarán y los rojos de Goya y de Velázquez. Sus temas favoritos fueron los bodegones y los retratos, que en su caso eran excelentes". Jorge Juan Crespo de la Serna, "El arquitecto, el pintor, el amigo". Fuente consultada: CRESPO DE LA SERNA, Jorge Juan. Roberto Fernández Balbuena en el centenario de su nacimiento. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1991, Pág. 19.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800 249

199

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957)

Cabeza femenina, ca. 1952 Firmado Gouache sobre papel 41.3 x 32.2 cm Con etiquetas de Museo de Arte Moderno y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Su trayectoria artística ha sido reconocida con múltiples homenajes, entre los que destacan el realizado en la Galería Universitaria Aristos, en el Salón de la Plástica Mexicana, en el Palacio de Bellas Artes y en el Museo de Arte Moderno, por mencionar algunos. Participó en varias exposiciones a lo largo de Estados Unidos: en University of Michigan, En Joslyn Art Museum en Nebraska, en Indiana University, en The Columbus Gallery of Fine Arts en Ohio, en Syracuse University en Nueva York y en el Dallas Museum of Fine Arts en Texas. Fuente consultada: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Iliana et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 422-428.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400 250

200

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995)

La abrasada, 1959 Firmado Óleo sobre tela 85 x 70.2 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. El afán de pintar bajo el concepto de la abstracción y lograr obras que reúnan adjetivo de calidad, implica contar con una sensibilidad profunda de lo que es armonía y movimiento, pues en el deseo espontáneo de expresar, sin palabras y sin formas, el lenguaje se ve simplificado a meros conceptos. En Cordelia Urueta el fenómeno no se da de golpe; transita en términos medios con obras en las que se hacen presentes figuras y objetos como simples alusiones al tema, pero poco a poco se va alejando de ello con el fin de acercarse a una abstracción total. Cuando se parte de pensamientos racionales que exigen puntos de referencia, el objetivo de la abstracción se

vuelve difícil de alcanzar, no obstante, Cordelia se acerca a ello con gran soltura. "Colorista por naturaleza, por vocación, se lanzó al cambio de la pintura con una perseverancia admirable. Su creación múltiple, diversa y cambiante fue realizada bajo el signo de la curiosidad y del análisis, inclusive del juego serio y purificante, por ello sus cuadros se alejan de normas, de dogmas o patrones encasilladores. Su autonomía deriva y se extiende en una libertad, en una tenaz voluntad por ir más allá de lo perceptible, de lo tangible, para entrar a la búsqueda de un lenguaje del color, que en sensible poética se integra y descompone en formas, volúmenes, tierra y sol". Luis Mario Schneider, 1985.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 38, marzo de 1999, Pág. 10.

$130,000.00-$150,000.00 M.N. USD $7,000-$9,700 251

201

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

La resurrección de Lázaro Firmado Óleo sobre lienzo 81 x 99 cm La resurrección de Lázaro es un tema común en la pintura religiosa, teniendo de motivo la historia proveniente del Evangelio según San Juan 11, 1-45. José Bardasano se educó en el Colegio de Nuestra Señora de las Maravillas, una escuela privada en Madrid perteneciente a los Hermanos de las Escuelas Cristianas de La Salle, lugar donde comenzó a desarrollar sus cualidades para el dibujo. Al madurar artísticamente y vivir algunos de los acontecimientos más importantes de la historia de su país, se convirtió en un hombre de fe, apasionado, sencillo y con un carácter generoso. Habiendo pasado años de grandes éxitos artísticos, en 1957 sufrió un infarto, lo que le causó temor a la muerte y anhelo de regresar a España que durante los primeros años de exilio mantuvieron vivas sus esperanzas, se impuso sobre cualquier consideración y regresó fugazmente a su tierra natal. Además de los carteles, vivió dedicado a la pintura y su prolífica producción incluyó diversos temas, desde retratos y paisajes, hasta bodegones y uno que otro tema religioso, tal es el caso del personaje Lázaro, que como él, resucitó de un largo exilio. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Carmen Thyssen Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,400-$16,000 252

202

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 80 x 70 cm Benjamín Domínguez estudió en la Academia de San Carlos y fue alumno destacado del maestro Luis Nishizawa, de quien aprendió la alquimia del arte, el uso de los aceites, barnices y bálsamos. Durante años trabajó en el equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán, por lo que convivió constantemente con el arte virreinal, influencia que definió su estilo personal. Al paso de unos años, después de una pausa en su carrera, la retoma eligiendo la temática virreinal de las conocidas Monjas Coronadas, las cuales son populares en la cultura mexicana por rendir homenaje a las mujeres que ingresaban en los conventos y se les coronaba con flores como un reconocimiento a su posición. Este tema fue para Benjamín Domínguez un terreno en el que podía manejar varios conceptos a la vez: retrato psicológico, uso de símbolos, misticismo, religiosidad, uso de texturas y ambientación escénica fueron algunos de los factores que cautivaron al artista. Fuente consultada: SAAVEDRA, Mario. "El universo plástico de Benjamín Domínguez". México. UAM, revista Casa del Tiempo, No. 74-75, diciembre del 2013-enero del 2014.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000 253

203

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

San Juan de Dios en Villa de Atlixco I Firmado y fechado 2001 al frente y al reverso Acrílico sobre papel amate 146 x 105 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. 254

A partir de 1982, hubo un cambio en su producción, comenzó a tratar temas decididamente "mexicanos" con un sentido tan antropológico como reivindicativo: la migración de la mariposa monarca, la angelología en la pintura barroca mexicana, los hallazgos del Templo Mayor, la riqueza artística de la Catedral de México, el águila real, entre otros. Fuente consultada: RICO, Pablo J. Los Parra-Gironella un collage familiar. México. CONACULTA, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, 2013, Pág. 326.

$100,000.00-$140,000.00 M.N. USD $5,400-$7,500

204

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 200 x 160 cm Procedencia: perteneció a la colección de Chucho Reyes. Incluye carta de procedencia de Galería Eclipse. El tema religioso formó parte de los motivos populares de la obra de

Chucho Reyes. Influenciado por los iconos y materiales de la cultura mexicana, integró la figura de Cristo, Vírgenes y santos, por ser símbolos representativos coloniales, además de que iba muy afín a su personalidad artística. En cierto modo, distorsionó las formas de sus personajes para subrayar la fuerza emotiva y manejó pinceladas fuertes y expresivas a manera de Georges Rouault, artista francés. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, Pág, 140.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,300-$26,800 255

205

JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Jolgoriorgia Firmado y fechado 87 al frente y al reverso Óleo sobre tela, díptico 145 x 160 cm cada uno 145 x 320 cm medidas totales Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. $440,000.00-$550,000.00 M.N. USD $23,500-$29,400

256

Su formación artística se forjó en la Academia de San Carlos, no obstante su estilo se definió poco después con su acercamiento a la música, adquiriendo el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Espacio y tiempo son de los elementos que más definen su pintura. Una pintura se une a la otra según un dibujo orgánico y sistemático, que establece una unidad compositiva. El espacio representado y al mismo tiempo vivido por el espectador, que se halla inmerso en él, está formado por convergencias pictóricas y ritmos interactivos, si bien una geometría fija, aunque no inmóvil, impone su yugo al movimiento y a la animación de la materia y los colores. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, Pág. 16 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

257

206

TOMÁS PARRA (Ciudad de México, 1937 - )

El caballo de Apolo Firmado y fechado 61 Óleo sobre tela 115 x 150 cm Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes y de la Bienal de París. Artista, museógrafo, curador y promotor cultural vinculado a la generación de La Ruptura. Estudió en La Esmeralda y fue asistente del pintor Juan Soriano. Formó parte de un grupo de pintores denominado El Grupo que se proclamaba en contra de todo lo iconoclasta. Algunos de los integrantes del grupo fueron Rodolfo Nieto, Fernando Ramos Prida, Juan López Moctezuma entre otros. En 1978 fundó en la Ciudad de México el Foro de Arte Contemporáneo y en 1990 fue subdirector del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Su trabajo pictórico tiene influencia de Rufino Tamayo, Roberto Matta, Giorgio de Chirico, Wifredo Lam y Armando Morales. Sus composiciones muestran escenas enigmáticas que resguardan formas blandas y dinámicas que saturan la superficie hasta los bordes. Ráfagas de luz, líneas ondulantes y una constante textualidad poética. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. "Tomas Parra: Continuación del vanguardismo". México. Proceso, La Redacción, 9 enero de 1999 y “Imparte el pintor Tomás Parra curso en Torreón”. México. Diario Infornor, Laguna, 9 agosto de 2012

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,300-$5,400 258

207

GUILLERMO MONROY

(Tlalpujahua, Michoacán, 1924 - )

Fantasías acuáticas Firmado y fechado 98 Óleo sobre tela 81 x 110 cm Fue parte del grupo conocido como "los Fridos", junto con Fanny Rabel, Arturo Estrada y Arturo García Bustos. Su obra abarca desde pintura de caballete, mural, dibujo y grabado. Monroy es reconocido como un punto de referencia en torno a la pintura y muralismo mexicano ya que intervino murales con Diego Rivera, José Clemente Orozco, Juan O'Gorman, José Chávez Morado y Olga Costa. Asimismo fue miembro del Taller de la Gráfica Popular y ha sido un destacado activista plástico cofundador del "Taller Frida Kahlo". Es un artista que a lo largo de su vida experimentó con prácticamente todas las técnicas posibles, incluso el aerógrafo, el cual resultó una gran novedad. En el 2016, Monroy fue objeto de un homenaje en el Museo de Arte de Tlaxcala (MAT), "Monroy, un Frido entre dos Siglos", exposición en la cual habló sobre su visión del futuro. En palabras del propio Monroy: "Nosotros vamos a pintar de acuerdo con unas

computadoras y rayos láser y vamos a practicar con sonidos y pinturas muy grandes en donde pueda plasmarse la voz; cambiarán los colores con electricidad y a través de electrodos, plasmaremos emociones en superficies cóncavas, esféricas y convexas".

Fuentes consultadas: ISRADE, Yanireth. "Estaba contento, cantando". México, Reforma, sección Cultura, 31 de enero del 2016 y sitio oficial del artista: www.guillermomonroy.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-9,700

259

208

RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - )

Sin título Firmado y fechado 2017 al frente Óleo sobre tela 60 x 60 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Asistió a la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca y al taller de cerámica de Kathy McFadden en Portland, Oregon. En 1981 inauguró su primera exposición individual, a la que han seguido numerosas muestras individuales y colectivas. La crítica afirma que la obra de Rubén Leyva encierra en sí misma mucha de la poderosa tradición artística mexicana: la dimensión fabulosa de Toledo, los colores milenarios de Tamayo, el imaginario zoomorfo de Nieto y el clasicismo parodiado de Francisco Gutiérrez. Fuente consultada: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca Tierra de Arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 49.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 260

209

VÍCTOR GUADALAJARA (Ciudad de México, 1965 - )

Geometría árbol Firmada y fechada 15 Encáustica y tarlatana sobre MDF, políptico 180 x 180 cm medidas totales Piezas: 11, ensambladas juntas Con certificado de autenticidad del artista. Víctor Guadalajara estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Escuela de Diseño del INBA. Ha participado en más de sesenta exposiciones en México y el extranjero. Entre sus muestras individuales destacan "Elipsis" en el Museo de Arte Carrillo Gil, "Wax Skin" en el Instituto Mexicano de Cultura, en San Antonio, Texas, "4A2G" en el Museo de Arte Moderno y "Horizontes" en el Consulado General de México en Chicago. Ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones y ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Actualmente, su obra forma parte del acervo de museos y colecciones como el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, el Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, la Colección Absolut Vodka y la Colección Fundación Cultural Bancomer. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.victorguadalajara.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 261

210

RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - )

Historia de papel Firmado y fechado 06 Óleo sobre tela 80 x 99 cm Una vez transcurrido el breve periodo de aprendizaje, la pintura de Rubén Leyva tomó un camino definido y claro, un camino regido por la autenticidad y la espontaneidad. En ese camino seleccionado, no existen rivalidades ni formalismos. De manera sencilla nos describe los elementos que lo motivan en su manera de pintar: "Mi pintura me pone muy contento, simplemente porque cuando pinto soy yo y no tengo que pretender ser alguien más. Decidí apostarme a mí mismo, por supuesto con unas grandes referencias y unas grandes influencias de otros pintores como Monet, Miró y Chagall".

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 55, febrero del 2002, pp. 18-19.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700

262

211

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Fábrica de la Perpetua, 1983 Firmada Mixta sobre tela 110 x 130 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Realizó estudios de pintura en La Esmeralda y asistió al Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA. En sus lienzos encontramos trazos y líneas de distintas densidades, figuras de carácter arquitectónico y urbano con texturas en tonalidades neutras. Lo mismo sucede en sus collages, dibujos, monotipos, grabados y esculturas. La obra de Miguel Castro Leñero puede encontrarse en las colecciones del Centro Cultural de Arte Contemporáneo, la Colección de Arte Gráfico Manuel Álvarez Bravo, la Colección JUMEX, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Modero y en las colecciones del Banco de México y la Fundación Banamex en México por mencionar algunas. En cuanto a colecciones en el extranjero forma parte de la Colección Bossano Simmonsen en Río de Janeiro, Brasil, en el Metropolitan Museum of Art, New York, en el Museo Sammlung en Viena, Austria y en el Museo Würth, en Alemania. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.miguelcastrolenero.com y del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

263

212

ALBERTO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1951 - )

Reflejo Firmado dos veces al frente. Firmado y fechado 2018 en bastidor Acrílico sobre tela 160 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Alberto Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. La composición de esta pieza está ideada para colocarse al gusto del comprador. Existe una versión en grabado al aguatinta y aguafuerte de esta pieza.

"El trabajo de Alberto es múltiple, es variado, es diverso, toma de muchos lados, pero tiene una extraña unidad. Es de una enorme integridad, unidad quizá no sería la palabra más conveniente, pero sí 'integridad', aquella que tiene para dar a entender las cosas, cierta alusión a la organicidad del trabajo, es una obra viva […] Estamos en el entendido de que Alberto ha pensado en grande y ha trabajado en grande, por eso es un gran artista y, en ese sentido, es igual, es comparable a cualquier gran artista del mundo en la época moderna". David Huerta. Fuente consultada: HUERTA, David et ál. "Ciclo. Alberto Castro Leñero". México. FONCA, 2013, Pág. 20.

$120,000.00-$170,000.00 M.N. USD $6,400-$8,500

264

213

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

El vértigo de la rosa Firmado al frente. Fechado 2017 al reverso Óleo sobre lino 190 x 230 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. José Castro Leñero es un artista mexicano destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$360,000.00-$400,000.00 M.N. USD $19,300-$21,400

265

214

SAMUEL MELÉNDREZ BAYARDO (Guadalajara, Jalisco, 1969 - )

Interior No. 8 Firmado Óleo sobre tela 200 x 170 cm Con certificado de autenticidad del artista. Los lienzos de Samuel Meléndrez son únicos, están dotados de elementos arquitectónicos: columnas, de interiores con iluminación a contraluz, esculturas, establecimientos comerciales o vistas de azoteas. La ausencia de figuras humanas provoca una atmósfera 266

nostálgica de otra época, de abandono, incluso desolación, asemejan un paisaje surrealista. Su estilo pictórico resulta de gran similitud con el del artista Edward Hopper, que retrata el estilo de vida contemporáneo estadounidense y la cultura material. "Está claro que la producción del artista ha contribuido ‒dentro de y desde el contexto del arte en México‒ a la historia visual de las soledades en la ciudad contemporánea". Eric Castillo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.samuelmelendrezbayardo.com

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,000-$9,700

215

LOLA ÁLVAREZ BRAVO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1907 - 1993)

En su propia cárcel (11:00 am) - 1950 Firmada Plata sobre gelatina 19 x 22 cm Publicada en: FERRER, Elizabeth. Lola Álvarez Bravo. México. Fondo de Cultura Económica, 2006. Pág. 67, catalogada 39. Considerada como la primera fotógrafa de México, fue esposa del maestro Manuel Álvarez Bravo, quien fungió como responsable del Departamento de Fotografía del INBA por tres décadas, documentando las actividades de danza, exposiciones y eventos del recinto. Durante su matrimonio con el fotógrafo aprendió las actividades del cuarto oscuro, sin embargo siempre manifestó un gran interés por la cámara. Puede ser que Tina Modotti haya servido de inspiración, ya que en esa época la actividad era realizada casi en totalidad por varones. Impartió clases de fotografía en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en 1936 tuvo su primer muestra individual en el Palacio de Bellas Artes. Lola Álvarez Bravo fue una fotógrafa que documentó una fracción cultural importante de su época, cuya visualidad enmarca la actividad femenina, retrató a personajes de la cultura, festividades y en ocasiones realizó finas composiciones arquitectónicas con juegos de contraluz. Como sus contemporáneos fotógrafos se preocupó por retratar a grupos indígenas y campesinos. "Busco la esencia de los seres y de las cosas, su espíritu, su realidad. El interés, la experiencia propia, el compromiso ético y estético forman el tercer ojo del fotógrafo. Hay quien lo enfoca hacia el paisaje, yo me siento atraída por los seres humanos". Lola Álvarez Bravo Fuente consultada: FERRER, Elizabeth, Lola Álvarez Bravo. México. Fondo de Cultura Económica, 2006. pp. 9-21 y 43.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,000-$5,400 267

216

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Sin título, de Rain series Firmado y fechado III 015 al reverso Óleo sobre tela 91 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas "20 de Octubre" y en la Academia Nacional de Artes Plásticas "San Alejandro". Su trabajo ha sido atribuido al género de naturalezas muertas, que de cierta manera limita el dominio de otras temáticas como el dibujo o pintura, técnicas a las que recurre y manifiesta un notable dominio. En su obra, el espectador puede identificar que no se tratan de bodegones o imágenes barrocas debido a que los objetos representados pertenecen a los códigos o lenguajes cotidianos del siglo XXI, incluso podrían atreverse a definirlos como naturalezas muertas contemporáneas o still-living painting, que sí poseen elementos formales de las vanitas con un toque hiperrealista y lumínico. Esta serie se encuentra más cerca del género del paisaje urbano, donde por medio de la pintura el artista propicia la apreciación casi fotográfica de un espacio exterior. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. ALDAMA Fine Art, 2009.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,400-$6,400

268

217

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Couples Firmado en vinil al frente. Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre tela 70 x 162 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, agosto del 2013. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro de La Habana, Cuba. Llegó a la Ciudad de México en 1992, lugar donde vivió hasta el 2002, para luego trasladarse a Estados Unidos donde actualmente vive y trabaja. Ofill ha experimentado no solo con la pintura, también con el grabado y obras audiovisuales, las cuales ha presentado en importantes recintos culturales de Nueva York. No obstante, para él, la pintura es su principal oficio, buscando siempre la forma de innovarla mediante la influencia de nuevas tecnologías. La apariencia de velocidad que constantemente aparece en su trabajo proviene del estudio de la fotografía y de su continua observación de la ciudad, específicamente de su gusto por mirar el flujo constante de las calles, es decir, la energía visible que se genera en las metrópolis por la activación diaria de la gente. A lo largo de su carrera ha realizado un sinfín de exposiciones individuales en museos, instituciones y galerías de diversos países de América Latina y Estados Unidos. Además, sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destaca el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. Fuente consultada: ISLA, Mónica. "Entrevista con el artista Ofill Echevarría". Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400

269

218

HUGO LAURENCENA

(Buenos Aires, Argentina, 1950 - )

Sin título, 1989 Firmado Óleo sobre lino 75.2 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2018. Argentino de nacimiento, reside en la Ciudad de México desde el año 2000. Desde pequeño observaba los objetos mientras ensayaba dibujo, pintura y violín. Vivió veinte años en Nueva York, en donde trabajó con Willem de Kooning, continuó su búsqueda estética y alcanzó la conformación de su lenguaje artístico. Ha centrado la mayor parte de su investigación artística en torno a la pintura, el comportamiento de la luz y la descontextualización de los objetos, otorgándoles valor por sí mismos en cuanto a sus capacidades formales. Es un observador incansable de los detalles, estudioso de la fotografía, con un compromiso y constante apuesta al lenguaje pictórico, para él inagotable. El criterio de Laurencena son los objetos magnificados, fuera de escala, que invitan al espectador a descubrir el mundo de las entidades matéricas. Su obra forma parte de las colecciones de importantes museos como: Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo y Museo de Arte Moderno, todos en Buenos Aires; Museo de Arte Moderno en São Paulo, Brasil y MoMA en Nueva York. Así como de colecciones privadas en México, Estados Unidos, Japón, Suiza, Francia, España, Canadá, Italia, Bélgica, Argentina, Uruguay y Brasil. A finales del 2012 presentó "Realismo aumentado", una magna exposición en el Museo Nacional de Arte de México que permaneció hasta mayo del 2013, esto lo consagró como el primer argentino en exhibir de forma individual en este importante recinto. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.laurencena.com y KERMAN, Ana. "Hugo Laurencena. Un viaje hacia el corazón de las cosas". Argentina. Revista Divinity Polo + Estilo, sección Arte, octubre del 2017.

$200,000.00-$400,000.00 M.N. USD $10,700-$21,400

270

219

CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Los arquetipos, 2015 Firmado Óleo y acrílico sobre tela 119 x 149 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2017. Publicado en: sitio oficial del artista www.claudiogallina.com Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, además tomó cursos de escenografía y fue alumno de Osvaldo Attila y Armando Sapia. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá. A lo largo de su trayectoria ha realizado más de 30 exposiciones individuales, destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte de Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. "Un concepto que he explorado en mi obra es la desconexión del hombre. En este caso los niños de la naturaleza y de ahí el descubrimiento de estos territorios, dentro de un marco tan solemne como es el tipo de construcción arquitectónica en donde se encuentran. Me interesa también la idea del descubrimiento, del arquetipo y de emerger de la naturaleza a pesar de todo". Claudio Gallina. Fuente consultada: sitio oficial del artista http://claudiogallina.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,700-$13,400

271

220

YVONNE DOMENGE

(Ciudad de México, 1946 - )

Monada Firmada y fechada 95 Escultura tallada en madera 45 cm de diámetro Con certificado de autenticidad de la artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Yvonne Domenge estudió arte en México, Canadá y Estados Unidos, formando con el tiempo su propia personalidad artística, la cual está confinada en la técnica escultórica de carácter abstracto y orgánico. Su obra es conocida tanto en formatos pequeños para interiores como monumentales para ser colocada en lugares públicos. Las formas que caracterizan su trabajo provienen de un orden matemático, principalmente de la armonía geométrica y elementos de la naturaleza como el agua, viento, árboles, corales y flores. A lo largo de su carrera, ha participado en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México y el extranjero. En 2011, se convirtió en la primera mujer en exhibir su obra en el Millennium Park, Chicago, conviviendo con obras de Anish Kapoor y Frank Gehry. Recientemente, el Museo Nacional de San Carlos conmemoró la trayectoria artística de Yvonne con la exposición "Yvonne Domenge. Retrospectiva", muestra individual inaugurada el 5 de agosto del 2017. Fuente consultada: sitio oficial de la artista http://domenge.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000

272

221

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

La continuidad de los aconteceres VII Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo, acrílico y hoja de oro sobre tela 120 cm de diámetro Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero del 2017. Hugo Lugo es un destacado artista contemporáneo en cuya obra se aprecia su constante interés por representar los aspectos más formales de la historia del arte, pero con un lenguaje artístico propio. A lo largo de su carrera ha enriquecido su trabajo mediante la constante experimentación con técnicas y estilos, ejerciendo principalmente la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía, la literatura y el video arte. En su obra, incorpora objetos que tienen cierto significado para la humanidad, extrayendo de ellos únicamente la esencia con mayor potencial, haciendo visible la sencillez y naturalidad de las particularidades de ese objeto. Usa escenarios reales y cotidianos para colocar personajes que juegan un rol poco inusual y que provocan una reflexión más allá de una simple sublimidad estética. A lo largo de su carrera, ha sido reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.hugolugo.com

$170,000.00-$200,000.00 M.N. USD $9,000-$10,700

273

222

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Sillón elefante con personaje Firmado y fechado 99 al frente Óleo, acrílico, lápiz de grafito y acuarela sobre papel 69 x 38 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. El escritor y poeta Miguel Ángel Muñoz considera a Ignacio Iturria como: "uno de los pilares más sólidos del arte vanguardista de las últimas décadas y destaca de sus obras los tratamientos inusuales de la materia y el espacio".

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. "Ignacio Iturria. Obra en papel". México. Museo Regional de Guanajuato, 2009.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800 274

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MANUEL ÁLVAREZ

(Buenos Aires, Argentina 1923 - 2013)

Secuencia del tiempo No. 6 Firmado al reverso Acrílico sobre tela, políptico 60 x 60 cm cada uno 120 x 120 cm medidas totales Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2018. Inició su carrera profesional como pintor abstracto en el año de 1952, posteriormente recibió una beca de la embajada francesa en Buenos Aires para ir a estudiar a París, donde acudió a la École du Louvre y se graduó en historia del arte en 1953. Participó en numerosas exposiciones entre las que destacan en el Instituto de Arte Moderno, en las Bienales de Venecia, México y São Paulo, en el Centro Cultural Recoleta, en el Pabellón de las Artes, en el Museo de Arte Moderno y en el Museo Sívori.

"Mis cuadros tienen mucho de lo oriental, en el sentido espiritual y sentimental, más que en el moderno. El budismo nos obliga a permanecer en una posición y mirar hasta que ya no vemos nada". Manuel Álvarez. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires www.macba.com.ar

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,700-$11,800 275

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TOSHIO IEZUMI

(Ashikaga, Tochigi, Japón, 1954 - )

F.130902, 2013 Sin firma Escultura en vidrio plano, pegado, tallado y pulido, pieza única 18 x 30 x 17 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2016. Toshio Iezumi es un artista japonés que desarrolló una técnica especial para dar forma al vidrio laminando en el Tokyo Glass Art Institute. Ésta técnica de curvar impacta la luz de reflexión y refracción en la escultura. Sus trabajos, muestran las variaciones de transparencia según los tipos de vidrio, formas y posiciones. A través de su técnica de curvatura directa, busca cómo surge el volumen o la profundidad ilusoria en el vidrio. Esa ilusión depende no sólo de la forma de la pieza, sino también de la circunstancia y de la posición en la que se encuentren espectadores en relación con la pieza. Por lo tanto, sus obras se abren para nosotros variando constantemente su apariencia. Además de trabajar como artista, ha enseñado el arte en vidrio en la Universidad de Kurashiki de Ciencias y Artes en Okayama, Japón. Cuenta con más de treinta exposiciones individuales en Japón, Estados Unidos y Australia, así como numerosas muestras colectivas en pases como China, Francia, Alemania, Italia, España y México. Fuente consultada: HAGINO, Miho. "Espejos de Tierra. Kunio Iezumi y Toshio Iezumi". México. Arte Hoy Galería, 2016, pp. 12 y 13.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700

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KUNIO IEZUMI

(Ashikaga, Tochigi, Japón, 1951 - )

Elevación de la luz, 2016 Firmado al reverso Polvo de piedra, pigmento y óleo sobre tela 122 x 122 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2016. Inició sus estudios de dibujo en París, Francia y posteriormente en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, España. Desde 1993 vive y trabaja en Tepoztlán, Morelos, donde ha encontrado un paisaje solitario y cercano a la naturaleza para el desarrollo de su obra. Exhibe su trabajo alternadamente en Estados Unidos, Japón y México. Su obra forma parte de importantes colecciones en México, Japón y Singapur. Sus pinturas se caracterizan por el uso de colores saturados provenientes directamente de pigmentos naturales que recopila en México o que trae de Japón e impregna en papel amate, con lo que logra evocar rasgos de la naturaleza desde la abstracción de sus formas. Sus cuadros están saturados de líneas curvas y texturas semejantes a las que se aprecian en la naturaleza. Se trata de horizontes circulares que buscan lo infinito y la perfección por su carencia de principio y fin; en las palabras del artista: "En mis pinturas predomina el azul, el color

del cielo, y el café, que representa la tierra; sin embargo estos dos mundos no permanecen aislados, sino que se mezclan: algo del cielo está en la tierra y algo de la tierra en el cielo".

Fuente consultada: AGUILAR GARCÍA, Juan Pablo. "Kunio Iezumi expone 20 pinturas hechas con polvo de piedra". México, Crónica, sección Cultura, 23 de enero del 2007.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,800-$6,400 277

226

WILMER HERRISON

(Maracaibo, Zulia, Venezuela, 1978 - )

Fusión arimética #2 Firmado y fechada 2014 al reverso Acrílico sobre lino 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibido en: "Fusion optique", muestra individual presentada en Opéra Marigny, París de mayo a octubre del 2017. Actualmente está establecido en París. Su juventud estuvo impregnada de los colores de su ciudad natal y de la fuerza de una naturaleza exuberante. Del lago de Maracaibo, su pintura extrae los tonos y los reflejos, y es en esta ciudad, capaz de mezclar la arquitectura colonial y la creación contemporánea, que él ha recorrido todos los dominios del arte de la creación, desarrollando así su vocación de artista plástico. Fue influenciado tempranamente por los artistas cinéticos venezolanos: Jesús Rafael Soto, Lía Bermúdez y Carlos Cruz-Diez. A la edad de 23 años, decidió partir a Francia donde inició sus estudios en la École du Louvre. Allí, estudió las técnicas utilizadas en los frescos antiguos, así como la pintura de los primitivos italianos y de los flamencos, desarrollando un interés particular hacia la pintura barroca, el Impresionismo y la creación contemporánea. En 2010, obtuvo reconocimiento en su país natal, exponiendo en dos 278

importantes museos nacionales: el Museo de Barquisimeto y el Museo de Arte Moderno de Mérida Juan Astorga Anta. Ese mismo año conoció en Venecia al diseñador italiano Piero Massaro, quien inspirado por sus pinturas, creó una colección de lentes llamada "Colezzione WH". Wilmer Herrison ha desarrollado una técnica en base a líneas y color, produciendo "fusiones ópticas", organizada de acuerdo a puntos y transformando la composición con la relación entre ángulos y distancia. Esta técnica se basa en la yuxtaposición de toques de color sin mezclar que forman ilusiones ópticas con efecto de profundidad, como si se tratara de una estructura multidimensional. La pintura se refiere sólo a sí misma, procede de una realidad oculta que deriva de las experiencias del artista durante su infancia, adolescencia y edad adulta, de este modo refleja un pasado, una memoria, una cultura y una identidad que forjan el espíritu de su trabajo. En su aventura personal, la convivencia con las culturas de la India y Europa han nutrido y fortalecido su lenguaje, sin alterar su esencia. Trabajadas con espátula, usando gestos cortos y extendidos, son composiciones cuidadosamente tejidas por su mano, que requieren un dominio y disciplina internos. Fuente consultada: XURIGUERA, Gérard. "Wilmer Herrison. Fusion optique", en el sitio oficial del artista www.wilmerherrison.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,000

227

YVONNE DOMENGE

(Ciudad de México, 1946 - )

Karlain Firmada y fechada 98 Escultura en bronce 46 x 49 x 47 cm Procedencia: adquirida en el marco del 98 Salón de Arte Bancomer, 1998. Publicada en: 98 Salón de Arte Bancomer, pintura, escultura, relieve, arte - objeto, instalación. México. Fundación Cultural Bancomer, 1998, Pág. 99, catalogada 73. Presenta ligeros detalles de conservación.

"Las mandalas creadas por Yvonne Domenge tienen dos propósitos principales: el primero, el encuentro de la artista con su propio proceso y desarrollo interior para reflejarlo en sus creaciones tridimensionales; el segundo, el poder permitir al espectador, a partir de esta experiencia y búsqueda de la autora, un encuentro con el universo, para entrar en contacto con nuestra fuerza interna. Los círculos, las esferas y la repetición equilibrada y geométrica es el permanente. Una cruz en movimiento constante, infinito, surge del interior uniéndose a la superficie rítmica y sobrepuesta. El sinfin de un listón metálico nos invita a recorrer y razonar en la sinrazón de la geometría imposible". Eduardo A. Chávez. Fuente consultada: RIUS CASO, Luis. Yvonne Domenge. La aventura del centro. México. CENIDIAP, CONACULTA, Pág. 36.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,000-$13,400 279

228

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Triada Firmada Escultura en plata 0.925 Tane en base de madera 14 / 20 21 x 45 x 7 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Lo recaudado de la venta de esta obra será donado en beneficio de la Fundación Malix, una asociación civil que busca promover el respeto y la dignidad de los perros. "Tengo la firme convicción de que el arte tiene potencial transformador por lo que considero central la escultura en espacios accesibles a todos". Jorge Marín. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,700-$16,000

280

229

MANUEL MARÍN

(Ciudad de México, 1951 - )

Sin título, 1998 Firmada Escultura en placa de plata 0.925 II / II 33 x 28 x 9.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2017. Es un pintor, escultor y teórico mexicano cuya obra se caracteriza por tratar de generar, mediante el uso de diversos materiales y del color, sensaciones que generan emociones que van desde la sensualidad hasta la exaltación. Específicamente en el campo de la escultura, Manuel Marín ha puesto toda su atención en la realización de piezas planas, armables y móviles que generan fenómenos visuales. Estudió Pintura en La Esmeralda, la Licenciatura en Ingeniería Mecánica en el Instituto Politécnico Nacional y posteriormente la Maestría en Matemáticas en la misma institución. Realizó su primera exposición en 1974, de ahí que su obra fue bien aceptada en el medio y desde entonces ha participado en más de 100 muestras en México y el extranjero. Además de ejercer como pintor, ha practicado la docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en la Academia de San Carlos, en la UNAM y en el Instituto Politécnico Nacional. También ha sido tutor en el programa Jóvenes Creadores en las áreas de pintura y escultura, y ha generado diversas publicaciones teóricas, destacando "Endimión" de Petra Ediciones y "Tzompantli" de CONACULTA, ambas en 2012. Fuente consultada: Sitio oficial de la Academia de Artes www.academiadeartes.org.mx

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,600-$2,700

281

230

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Torero Firmada y fechada 2015 Talla en madera 120 x 120 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte.

"Emiliano Gironella Parra, siempre leal a su afición, logra en su trabajo encender la magia de la fiesta brava, el efecto que en su sensibilidad producen el riesgo, el peligro y la belleza. En su pincel se transparenta la tragedia, el vigor, el rito misterioso, su pasión por esa actividad del espíritu sin la cual las bellas artes estarían incompletas". Alí Chumacero. $95,000.00-$130,000.00 M.N. USD $5,100-$7,000

282

231

KIYOTO OTA

(Sasebo, Nagasaki, Japón, 1948 - )

Sin título Firmada y fechada 1999 Escultura en plata 0.925 I / II 32 x 32 x 11 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista, marzo del 2002. Estudió en la Escuela de Arte Democrático de la Asociación Artística Japonesa en Tokio, asistió a La Esmeralda del INBA, al Centro de Investigación y Experimentación Plástica y estudió la Maestría en Escultura en la ENAP de la UNAM. Es un escultor japonés con una larga trayectoria artística y académica, destacan sus obras públicas en Nagasaki, Japón, en Aldaia, Valencia, España y en el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, así como en el Museo Laberinto de las Ciencias y las Artes en San Luis Potosí. Ha sido docente del taller de Talla en Piedra en la ENAP, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, en España, así como profesor invitado en el Instituto Sudcaliforniano de Cultura en La Paz, Baja California, en el Instituto Morelense de Bellas Artes en Cuernavaca. Ha participado como jurado calificador en varios concursos artísticos, además ha sido ponente de universidades, museos y centros culturales en México y en el extranjero. La obra de Kiyoto Ota se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno, en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y en el Museo Laberinto de las Ciencias y las Artes en San Luis Potosí. Fuente consultada: Blog de Fundación UNAM www.blogs.fad.unam.mx

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800

283

232

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Gallo, ca. 1949 Sin firma 74.7 x 48.5 cm Tempera, anilina y óleo sobre papel china Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,800-$4,800 284

233

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Como dos... Firmada y fechada 1969 Tinta sobre papel 23.3 x 64 cm Con etiqueta de la Galería de Arte Mexicano. Presenta ligeros detalles de conservación. En un mundo de entre sueños y vigilia, de límites indefinidos, donde la vida, la muerte y el pasado se entrelazan, se puede encontrar el significado pictórico y literario de la obra de Leonora Carrington, una afamada artista surrealista cuyo nombre sobresale en la lista de mujeres creadoras más importantes de finales del siglo XX a nivel mundial. Su llegada a México fue de gran importancia para su arte, pues se alejó del surrealismo ortodoxo y comenzó a adquirir influencias del arte mexicano, en especial de la coexistencia de las creencias del cristianismo con las precolombinas y de su relación de amistad con Remedios Varo, quien la alentó a crear imágenes aún más espirituales y mágicas. Las imágenes de Carrington parecen ser estados de ensueño lúcido, proyecciones astrales y capturas de signos de energía, en las que destacan presencias de personajes y figuras híbridas fantásticas que contienen principalmente identidad y sexualidad femenina. Fuente consultada: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-40.

$190,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,200-$13,400

285

234

ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

Reyna Montaña Firmada al frente y al reverso Mixta sobre madera 103 x 64.3 cm Agradecemos a la Maestra Carmen Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Con etiqueta de Galería GDA. De padre catalán y madre yucateca, Alberto Gironella es considerado uno de los exponentes del movimiento artístico de La Ruptura. Esta generación de artistas incorporaba valores cosmopolitas, abstractos y apolíticos buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Inició su carrera universitaria a los veinte años, estudiando Letras Españolas en la UNAM, pero pronto descubrió su inclinación por las artes plásticas, pintando su primer cuadro en 1952. Fue parte activa del movimiento internacional Phases en 1960, el cual era afín a los principios del surrealismo y poco tiempo después viajó a Europa, donde entró en contacto con la obra de Velázquez y los movimientos artísticos de París, en especial con el surrealismo pues forjó una estrecha amistad con el cineasta Luis Buñuel y por la crítica que escribió André Bretón cuando en 1961, Gironella realizó una exposición en el pasillo de un cine de la capital francesa. Su obra se apoyó en personajes clásicos y una fascinación por el mundo de la España mestiza, elementos transformados en figuras imaginarias con lenguaje sarcástico y cierta dosis de crueldad, situándose también como puente entre la imagen y la palabra. De técnica compleja, combinando líneas y figuras abstractas con fotografías e íconos de la cultura del consumo de masas, Gironella fue quizá el pintor más radical y apasionado de la generación de la Ruptura.

"En la pintura de Gironella los colores y las formas riman : aparecen y desaparecen, se enlazan y desenlazan según las leyes de repetición y variación del verso". Octavio Paz.

Fuentes consultadas: PAZ, Octavio. Los sueños pintados de Alberto Gironella. Ciudad de México. Universidad Nacional Autónoma de México, Instituto de Investigaciones Estéticas, 1981, Pág. 130; TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 74 y VÁZQUEZ, Juan Alberto. "El pintor al que Madonna despreció". México, Milenio, sección ¡Hey!, 13 de diciembre del 2007.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,000 286

287

235

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

El arca de Noé Firmada y fechada 99 Mixta sobre cartón 49 x 32 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Presenta detalles de conservación. Durante la segunda mitad del siglo XX, su obra ha destacado pues el artista ha desarrollado su estilo maduro, con un fuerte y personal vocabulario de colores terrosos y unos personajes de ensueño y fantasía, cargados de historia y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Ignacio Iturria. Obra en papel. México. Museo Regional de Guanajuato, 2009.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,400-$9,700 288

236

GLADYS AYUB

(Ciudad de México, 1947 - )

Hacia el cielo Firmada dos veces Escultura en cerámica y hierro forjado 248 x 80 x 60 cm Con certificado de la Galería Oscar Román. Procedencia: adquirido en Galería Oscar Román. Presenta restauración. Es una artista mexicana que se ha enfocado principalmente en la escultura en cerámica, sus estudios han sido múltiples así como sus exposiciones. Fue elegida y acreedora a una Mención Honorífica en la "I Bienal Olga Costa de Pintura y Escultura", en Guanajuato en 1998, una muestra hecha para artistas mujeres y organizada por el artista José Chávez Morado. En el mismo año, formó parte de la exposición "Espacios" llevada a cabo por de la Sociedad Mexicana de Escultura en la Ciudad de México y en el "Encuentro Multidimensional" en el Centro Cultura Parque Naucalli, en Naucalpan, Estado de México. Asimismo ha participado en muestras en la Galería Oscar Román: "Mirada al fin del Milenio" y la "La Propuesta… 2000" en el año de 1999 y en su exposición individual "Sonoridad Escultórica" en el año 2002. $70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,800-$6,400 289

237

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Jaguares, 2012 Firmadas Esculturas en mármol traventino 1 / 7 20 x 43 x 6.5 cm cada una Piezas: 2 Con certificado de autenticidad de la artista, agosto del 2013. Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Ella es un referente de la escultura nacional y contemporánea, estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, ha sido docente de escultura en la Universidad Iberoamericana, fue la primera mujer aceptada en la Academia Nacional de las Artes y colaboró con los escultores Mathias Goeritz, Geles Cabrera y Juan Luis Díaz. Entre sus piezas representativas se encuentran los bustos de personajes como Benito Juárez, Rufino Tamayo y Jorge Carpizo. Realizó "Río Papaloapan" que se ubica en el vestíbulo del Museo de Arte Moderno, así como la escultura "Espiral caracol" en el Fraccionamiento el Bosque, ambos en la Ciudad de México. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en el Polyforum Cultural Siqueiros, en el Salón de la Plástica Mexicana, en la Galería Juan Martín, en el Palacio de Bellas Artes y en el Museo Tamayo. "Ángela Gurría es la gran escultora de México. Su trayectoria, su producción artística, su calidad estética, su diversidad de contenidos, sus cualidades plásticas, su fuerza crítica y su acercamiento a la grandeza son un referente en la historia de la plástica mexicana". Gabriela Irastorza Zatarain. Fuente consultada: IRASTORZA DE ZATARAIN, Gabriela. Ángela Gurría. La gran escultora de México. México. Arte Hoy Galería, 2013. pp. 8, 98 y 99.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,400-$26,800 290

238

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Bichos de Oaxaca Firmada y fechada 2006 al reverso Mixta y collage sobre papel 152 x 302 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. $500,000.00-$800,000.00 M.N. USD $26,800-$42,800

291

239

LUIS MIGUEL VALDÉS

(Pinar del Río, Cuba, 1949 - )

Calacas Firmado y fechado 2013 al frente y al reveso Acrílico sobre tela 138 x 210 cm Con certificado de autenticidad del artista. Asistió a la Escuela Nacional de Arte en la Habana, vive y trabaja en la Ciudad de México, La Habana y Miami. Fundador y profesor del Departamento de grabado en el Instituto Superior de Arte, además fundó La Siempre Habana con el poeta Cuitláhuac Rangel, proyecto que inició como el Taller de Grabado donde trabajaba Valdés, actualmente es un espacio de reconocimiento internacional. Su obra pertenece a las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes en la Habana, la Ciudad de México y Bucarest, al Museo de Arte Contemporáneo de North Miami y al Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC. Ha sido ganador de premios y reconocimientos en concursos científicos, como jurado calificador de exhibiciones internacionales, como creador ha utilizado diversos medios y experimentado con nuevas tecnologías como arte digital video-instalación, por los que también ha demostrado un gran interés de manera reciente. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luismiguelvaldes.com

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,400-$10,700

292

Anverso

Reverso

240

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Eva Firmada y fechada 2013 Escultura en bronce 7 / 7 59 x 54 x 14.5 cm En la práctica escultórica de Hernández el artista recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material ‒en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos‒ en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. $220,000.00-$400,000.00 M.N. USD $11,800-$21,400

293

241

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997)

El jungle Firmado y fechado 90 Acrílico y polvo de mármol sobre tela 190 x 150 cm Publicado en: DEL CONDE, Teresa et ál. Jesús Urbieta. México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA - INBA, 1998, Pág. 36, catalogado 16. Exhibido en: "Jesús Urbieta. Testamentos", muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de febrero a mayo de 1998. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno.

"Pudiera pensarse que Urbieta ignoraba las teorías modernas sobre los efectos emotivos del color, teorías que pertenecen al ámbito de los estudios sobre la percepción visual, la Gestalt y la semiótica […] Era intuitivo, desde luego, pero también fue un hombre muy completo en cuando su formación intelectual: capaz de asimilar sin número de conocimientos de toda índole". Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, Pág. 12.

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $15,000-$18,800 294

242

ROSENDO PÉREZ PINACHO (Pochutla, Oaxaca, 1972 - )

Árboles en verde Firmado al reverso Óleo y arena sobre tela 79.5 x 100 cm Con etiqueta de Artequimia. Además de la influencia del trabajo del maestro Shinzaburo Takeda, Rosendo Pérez Pinacho también tiene ciertas referencias de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, no obstante, con el tiempo construyó su propio estilo y partió de un figurativismo estilizado, insertando escenas en fondos abstractos trabajados con un colorido menos intenso que el empleado en las figuras, provocando un mayor realce de sus personajes. Su pintura es considerada un ejemplo del imaginario oaxaqueño, con bases técnicas muy completas, sumamente libre, suelta y naif. Por todo esto y más, actualmente es considerado un ávido artista mexicano perteneciente a la más reciente generación de artistas oaxaqueños.

"A lo largo de su vida, 'árbol adentro' como diría Octavio Paz, el quehacer artístico le ha significado no sólo el sustento y la manera de relacionarse con el mundo, sino también, el modo de expresar sus sentires en torno a su cultura, sus paisajes y memoria. Muchos de sus óleos, dibujos y grabados están sembrados con imágenes arbóreas y su infancia no sólo se desarrolló entre árboles, sino que en las diversas culturas oaxaqueñas el árbol recorre los mitos y se encuentra plantado entre las metáforas de la vida misma, del universo entero en varias tradiciones orales". Del texto "Frutas de agua en el árbol de la vida". Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rosendopinacho.com.mx

$26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,400- $2,100 295

243

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Tratado de Melancolía Firmado y fechado 2004 al reverso Óleo y arena sobre tela 125 x 180 cm Con copia de certificado de autenticidad del artista, febrero del 2015. Publicado en: SULLIVAN, Edward et ál. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 202-203. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018.

"Para algunos, la obra de Sergio Hernández de los años ochenta y posterior significa su incorporación a los temas derivados de la de la tradición visual oaxaqueña, pero resulta mucho más fructífero considerar sus pinturas (especialmente las de los años ochenta y noventa) como respuestas […] al estímulo que encontró en personalidades tan formidables como Enzo Cucci o Francesco Clemente, Georg Baselitz o A. R. Penck, Anselm Kiefer o Miquel Barceló". Edward J. Sullivan.

Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex. 2008, pp. 25-29.

$600,000.00-$900,000.00 M.N. USD $32,100-$48,100

296

297

244

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

El adiós Firmado Óleo y arena sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Para Rolando Rojas la vida es un ambiente festivo, una oportunidad de goce, de esfuerzo y de logros, y esta visión es la que él recrea en su obra como una ceremonia llena de color. "Me gusta que las historias estén presentes en cada cuadro que pinto. Mis personajes no son lo que parecen. Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo". Rolando Rojas.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre de 2009, año 14, No. 101, Pág. 34 y sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,000-$11,800

298

245

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997)

El rey, 1990 Firmado Acrílico y arena sobre tela 130 x 89 cm

"Jesús no sólo fue pintor, escultor, y grabador, también se desempeñó como poeta, novelista, videoasta, promotor cultural, mecenas. Un provocador de cultura, uno de los más generosos artistas de su tiempo." Carlos Martínez Rentería. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pp. 83-86.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,000-$10,700 299

246

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitlán, Oaxaca, 1940 - )

Sapo frijolón Sin firma Cerámica a la alta temperatura 28 x 33 x 34 cm Presenta detalles de conservación Fue en su adolescencia cuando comenzó con los estudios artísticos, posteriormente ingresó al Taller Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías del Instituto Nacional de Bellas Artes. Su obra se encuentra en distintas colecciones en México, Estados Unidos y Europa, donde también ha tenido exhibiciones individuales en museos y galerías. Parece que la iconografía del artista está conformada desde su niñez, a partir de la observación de la naturaleza. En su obra tridimensional abarca la elaboración de jarrones, vasijas y animales andróginos que parecen fósiles o vestigios arqueológicos. "De modo similar a las piezas artísticas de la antigüedad mesoamericana, en la Obra de Toledo el hombre no aparece en la cúspide de la historia, sino en una de las parcelas del universo". Sergio Raúl Arroyo.

Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et ál. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia, México, Prisma Editorial, México, 2004, pp. 21-28.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. USD $11,800-$18,800 300

247

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitlán, Oaxaca, 1940 - )

La tortuga Firmado Gouache y tinta sobre papel 31.7 x 25.8 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Además de ser un artista excepcional, ha sido un gran gestor cultural y se ha preocupado por el cuidado del patrimonio artístico, en el catálogo de la exhibición que se realizó en el Museo Nacional de Antropología al maestro Toledo, Carlos Monsiváis lo define como Organizador cultural, Toledo es también uno de los defensores de la estética urbana y, a su manera un líder heterodoxo de la sociedad civil. "La obra de Toledo muestra el carácter universal de la cultura y el arte, pues ha sido capaz de universalizar las apreciaciones estéticas que enriquecieron sus vivencias en el mundo rural e indígena de su natal Oaxaca". Reyes S. Taméz. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,300-$6,400 301

302

248

VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Composición, de la serie Génesis Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 180 cm Cha'ca es un hombre sencillo que procura mantenerse en el anonimato, un pintor por excelencia, amante de la tierra oaxaqueña y toda la esencia de las tradiciones mexicanas. Su obra comenzó a hacerse presente en los años sesenta, a través de colectivos y galerías de la Zona Rosa en la Ciudad de México. Hoy en día, ha participado en más de 35 exposiciones colectivas, además de 30 exposiciones individuales en espacios importantes de México y el extranjero, convirtiéndose en el favorito de numerosos coleccionistas. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, pp. 19-23.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,800 303

Lote 153

304

ÍNDICE A

ACEVES, GUSTAVO ACEVES NAVARRO, GILBERTO ACOSTA LEÓN, ÁNGEL ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALMELA, MARIO ALVARADO, PEDRO DIEGO ÁLVAREZ, MANUEL ÁLVAREZ BRAVO, LOLA ANGUIANO, RAÚL ASÚNSOLO, IGNACIO AVILÉS, ARNO AYUB, GLADYS

BARDASANO, JOSÉ BARRERA, LARISSA BÉJAR, FELICIANO BELKIN, ARNOLD BERMÚDEZ, CUNDO BEST MAUGARD, ADOLFO

CARBONELL, SANTIAGO CARRINGTON, LEONORA CASTILLO, ROSA CASTRO LEÑERO, ALBERTO CASTRO LEÑERO, JOSÉ CASTRO LEÑERO, MIGUEL CATAÑO, EDUARDO CERNA, BENITO CHA'CA, VÍCTOR CHÁVEZ MORADO, JOSÉ CHEMOR, ANTONIO CHICO, JULIO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORTÁZAR, ROBERTO CORZAS, FRANCISCO COVARRUBIAS, MIGUEL CRUZ AZACETA, LUIS CUEVAS, JOSÉ LUIS

DE SZYSZLO, FERNANDO DEL VALLE, JUAN CARLOS DI CAVALCANTI, EMILIANO DOMENGE, YVONNE DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN

ECHEVARRÍA, OFILL ECHEVERRI, RAFAEL ECHEVERRÍA, ENRIQUE EPPENS, FRANCISCO

FARRERA, JOSÉ ANTONIO FELGUÉREZ, MANUEL FERNÁNDEZ BALBUENA, ROBERTO FRIEDEBERG, PEDRO

GALLINA, CLAUDIO GÁLVEZ, BYRON GANDÍA, VICENTE GARCÍA GUERRERO, LUIS GARCÍA OCEJO, JOSÉ

193 128 169 101, 102 36 64, 65 223 215 22, 35, 174 164 121 236 95, 197, 201 42 134 158, 159 100 166 43, 176, 184 233 87 6, 212 213 211 9 183 75, 248 32 132 85, 86 110, 115 7, 187, 188 194 107 17 170 186 133 62, 63 99 220, 227 202 217 117, 118 113, 196 50 70 122 198 171 219 84 61 162 191, 192

GIRONELLA, ALBERTO GIRONELLA PARRA, EMILIANO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ SERRANO, MANUEL GUADALAJARA, VÍCTOR GURRÍA, ÁNGELA

HELGUERA, JESÚS HERNÁNDEZ, SERGIO HERRISON, WILMER

ICAZA, FRANCISCO IEZUMI, KUNIO IEZUMI, TOSHIO ITURRIA, IGNACIO IZQUIERDO, MARÍA

JAZZAMOART

LAURENCENA, HUGO LAVILLE, JOY LAZO, AGUSTÍN LEYVA, RUBÉN LUGO, HUGO

MARÍN, JORGE MARÍN, MANUEL MARTÍNEZ, ENRIQUE MARTÍNEZ, RAYMUNDO MARTÍNEZ, RICARDO MAYAGOITIA, JESÚS MAZAL, RICARDO MELÉNDREZ BAYARDO, SAMUEL MÉRIDA, CARLOS MEZA, GUILLERMO MICHEL, ALFONSO MINGORANCE, JUAN EUGENIO MONROY, GUILLERMO MONTENEGRO, ROBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, RODOLFO

NIETO, RODOLFO NISHIZAWA, LUIS NISSEN, BRIAN

O'GORMAN, JUAN OKUMURA, HIROYUKI OLAGUÍBEL, JUAN FERNANDO OROZCO, JOSÉ CLEMENTE OROZCO ROMERO, CARLOS ORTIZ, TIBURCIO ORTIZ MONASTERIO, LUIS OTA, KIYOTO

PACHECO, FERNANDO PALACIOS, IRMA

234 195, 230 116, 140, 144 38, 39, 44 49, 51 156, 172 75 68, 237

PARRA, CARMEN PARRA, TOMÁS PEÑA, ALFONSO X. PEÑA, FELICIANO PÉREZ PINACHO, ROSENDO PIMENTEL, RODRIGO PUENTE, NICANDRO

QUINQUELA MARTÍN, BENITO 10, 11 73, 74, 79, 83, 238, 240, 243 226 108 225 224 28, 29, 222, 235 58 205 218 182 160 208, 210 221 104, 105, 106, 189, 190, 228 229 167 30, 31, 40, 149 88, 89 137 129 214 141, 145, 146 52, 151 59, 199 47 207 27, 57, 60, 90, 92, 93 33, 34, 173 72, 175 109, 114, 153 19, 41, 150 124 25 123 185 163 48 177 91 231 130 126

RAHON, ALICE RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO RANGEL FAZ, MARIO REYES, CHUCHO REYES MEZA, JOSÉ REVUELTAS, FERMÍN RÍOS, CARLOS RIVERA, ARTURO RIVERA, DIEGO ROCHA, RICARDO ROJAS, ROLANDO ROJO, VICENTE RUELAS, JULIO

SADURNÍ, JAIME SANTIAGO, ALEJANDRO SARDINA, YAMPIER SENISE, DANIEL SIQUEIROS, DAVID ALFARO SORIANO, JUAN SOUTO, ARTURO

TAMAYO, RUFINO TOLEDO, FRANCISCO TORRES, PALOMA TZAPOFF, ANTOINE

URBIETA, JESÚS URUETA, CORDELIA

VALDÉS, LUIS MIGUEL VARGAS PONS, CARLOS VENEGAS, GERMÁN VLADY

ZALCE, ALFREDO ZÁRRAGA, ÁNGEL ZÚÑIGA, FRANCISCO

69, 203 206 152 26 77, 242 125, 148 139 45 155 94, 96, 180 135, 136, 138 2, 3, 67, 204, 232 8 66 37 103 23, 24, 97, 143 131 76, 244 111, 112, 120 98 12 81 216 168 53, 54, 55, 142 1, 5, 147 46 16 80, 82, 246, 247 119 14, 15 78, 241, 245 200 239 13, 165 4, 127 71, 154, 157 56, 161 181 18, 20, 21, 178, 179

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GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton Subastas, actúa únicamente como consignatario en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton Subastas.

catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton Subastas, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton Subastas indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton Subastas. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton Subastas, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton Subastas, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton Subastas, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara

ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento. 4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito o débito, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150