An ode to Helvetica by Mª Pilar Roca

HELVETICA

AN ODE TO

DISEﾃ前 TIPOGRﾃ：ICO DE LOS ﾃ哭TIMOS 50 Aﾃ前S

An Ode to Helvetica: Diseño tipográfico de los últimos 50 años

Mª Pilar Roca

© Varios autores, 2012 © De esta edición: Gustavo Gili, 2012 Editorial Gustavo Gili, SL www.ggili.com info@ggili.com ISBN: 978-84-96911-30-7 Depósito legal: Z-3679-2010 Diseño y maqueta: Mª Pilar Roca Diseño de cubierta: Mª Pilar Roca Impreso en enero de 2012 en ESDA Reproducciones, Zaragoza. Teléfono 976 23 75 45 www.esda.org Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra solo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra.

An Ode to Helvetica: Diseño tipográfico de los últimos 50 años

Introducción El libro que tienes en tus manos habla sobre Helvetica, que es una película independiente acerca de tipografía, diseño gráfico y cultura visual, dirigida por el realizador Gary Hustwit en 2006, cuando esta fuente, -para muchos la mejor diseñada de la historia-, cumplió 50 años. La película es una discusión fluída con diseñadores renombrados sobre las opciones y la estética detrás del uso de esta tipo. Helvetica abarca los mundos del diseño, de la publicidad, de la psicología y de la comunicación. Se rodó en alta definición en los Estados Unidos, Países Bajos, Alemania, Suiza, Francia y Bélgica. En ella desfila un gran repertorio de diseñadores, tipógrafos, comunicadores y otras personalidades del entorno gráfico: Erik Spiekermann, Matthew Carter, Massimo Vignelli, Wim Crouwel, Hermann Zapf, Neville Brody, Stefan Sagmeister, Michael Bierut, David Carson, Paula Scher, Michael C. Place, Mike Parker, Leslie Savan, Rick Poynor y Lars Müller, entre otros. Sus conclusiones, se muestran a continuación.

Michael Bierut

Michael Bierut es un diseñador gráfico, crítico y educador reconocido. Bierut nació en Cleveland, Ohio. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Cincinnati ‘s College de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación. Fue vicepresidente de Diseño Gráfico en Vignelli Asociados aunque desde 1990 ha sido un socio en la oficina de Nueva York de Pentagram. Según su biografía mediante Pentagram en línea: Bierut “es responsable de liderar un equipo de diseñadores gráficos que crean diseño de la identidad, diseño gráfico ambiental y soluciones de diseño editorial, ha ganado cientos de premios de diseño y su obra está representada en varias colecciones permanentes incluyendo: el Museo de Arte Moderno (MoMA) y el Cooper-Hewitt, National De

1 Michael Bierut.

sign Museum de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington, DC, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Denver Art Museum, el Museum für Kunst und Gewerbe Hamburgo, Alemania, y el Museum für Gestaltung de Zurich, Suiza”.Bierut tuvo el cargo de presidente nacional de la American Institute of Graphic Arts ( AIGA ) durante tres años, entre 1998 y 2001.Es un crítico de alto nivel en diseño gráfico en la Escuela de Arte de Yale. Bierut es también el co-editor de tres antologías Mirando más de cerca el diseño gráfico. También es un escritor fundador del blog Design Observer junto con otros diseñadores gráficos como Rick Poynor , Drenttel William y Jessica Helfand.

“Las tipografías nos dicen cosas todo el tiempo. Expresan un estado de ánimo, una atmósfera, dan color al mundo. Vayas a donde vayas ves tipografías. Pero probablemente hay una que tiene más presencia que las demás, y esa es la Helvetica. No se sabe bien por qué pero la vemos en todos lados, está en nuestra atmósfera, es omnipresente. La creación de la Helvetica ha sido como desempolvar un objeto viejo y devolverle toda su belleza. Los carteles e identidades corporativas de los 50 y 60, eran muy bastos. Usaban tipografías caligráficas que perdían legibilidad y falta de gusto. En ese sentido, la Helvetica fue una evolución, un cambio que tenía que surgir para que desapareciera todo lo anterior. Ha funcionado tan bien que es utilizada por la mayoria de diseñadores por su simplicidad, claridad y expresividad. Además, la Helvetica no sólo fue una tipografía de moda en los cincuenta… el tiempo demostró que es la tipografía que mejor funciona para transmitir un mensaje. Me pregunto si todavía queda por descubrir una nueva ciencia de la tipografía. Una tipografía mejorada, una que supere a la Helvética… de momento es inmejorable.”

2 En este caso, forma una esvástica. Usando los mismos recursos que la imagen anterior. 3 También emplea alguna fotografía como el cartel del vaso. Son claros y concisos. El texto está incluido como un elemento más, no sobra, forma parte de la imagen, como uno más. Así el receptor capta el mensaje más directamente. 4 Como vemos a primera vista no emplea el color en ningún momento. Intenta sacar la máxima expresión con manchas de color negras, líneas y sobre todo juega con tipografías, donde deja unas imágenes elegantes y limpias.

5 Se trata de una mancha

tipográfica que encabeza la composición total, ésta termina con unas ramificaciones en las que encontramos una lista de textos caidos. 6 Cartel realizado por Michael Beirut sobre la tipografía Helvetica creando una composición dinámica usando el reflejo de la tipografía, utiliza un único color que unifica el motivo del cartel. 7 Cartel en contra de la guerra. Con una fotografia de huesos forma la imagen de una pistola. Tiene un mensaje muy directo que informa de la grabedad de las guerras.

Neville Brody

Neville Brody es un diseñador nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes donde ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años 20 y un alejamiento de las tendencias de la década de los setenta. En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six, una nueva tipografía. The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Sus principales ideas podrían resumirse como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas.

1 Neville Brody, diseñador británico y director de arte, ha estado en la vanguardia del diseño gráfico por más de dos décadas.

Hacia 1988 comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas que fueron distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo E. Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado frente a la sobriedad de su primera etapa. Su fama le ha permitido acceder a otros proyectos, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán Première. En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo desde 1988. Tambien es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con sedes en Londres, París, Berlín y Barcelona.

“La manera en que Brody reacciona ante algo es definido por el modo en el que se presenta, de esa forma opina que podemos presentar el mismo mensaje en tres o más fuentes diferentes y la respuesta a eso, la respuesta inmediata, va a ser diferente. “La elección de la tipografía es el arma más importante en la comunicación. Y digo arma porque en los avisos comerciales y de marketing, la forma en la que se viste el mensaje va a definir nuestra reacción hacia el mismo. Entonces si dice ‘Compra este jean’ en una fuente grunge, te vas a esperar que sean unos jeans desgastados o que se vendan en alguna tienda under. Si ves ese mismo mensaje en Helvetica, sabes que es probablemente un anuncio de Gap. Sabes que van a estar limpios, que te van a sentar bien, que no vas a sobresalir”. La forma de pensar de este diseñador, le hace creer que de algún modo todos nosotros somos susceptibles a los mensajes subliminales. “De algún modo, Helvetica es un club. Es una marca; es una insignia que dice que somos parte de una sociedad moderna, que compartimos los mismos ideales”.

2 Portada de su primera monografía sobre su obra “The graphic lenguage of Neville Brody” en 1988. 3 Identidad corporativa de la televisión austríaca ORF. 4 Diversas portadas de la revista “The Face” publicadas entre los años 1981 y 1986, periodo de tiempo en el que el diseñador británico fue director de arte de la revista.

5 Obras del diseñador

gráfico a lo largo de su carrera. 6 Muestras de fuentes tipográficas creadas por Brody.

Michael C. Place

Michel C. Place nació en North Yorkshire, Inglaterra en 1969. Se graduó en la Universidad de Newcastle en 1990 y pasó a trabajar en Bite It!, Londres, con Trevor Jackson haciendo sobre todo portadas de discos para discográficas como Champion Records o Gee Street Records. En 1992 volvió al norte a trabajar en el estudio de diseño gráfico más influyente de Sheffield, The Designers Republic (TDR). Después, en el año 2000, Michael se tomó un descanso del mundo del diseño e hizo en un viaje alrededor del mundo durante 10 meses. A su vuelta, el 17 de septiembre de 2001, se asoció con el diseñador e ilustrador Nicky Place y comenzó su propia empresa de diseño, Build, que tiene su sede en Londres. Build se especializa principalmente en el diseño para impresión. Michael también ha aparecido en la película documental “Helvetica”, ha dado numerosas conferencias por todo el mundo y ha sido varias veces jurado de los prestigiosos premios mundiales D&AD.

cula documental de Helvetica, realizada en 2007 y en la cual numerosas figuras del mundo del diseño gráfico nos cuentan su opinión sobre la famosa tipografía.

1 Michael C. Place en la pelí-

“Michael C. Place, no se considera a si mismo un tipografo en serio, no se sabe todos los nombres técnicos usados en tipografía, sólo reacciona a ciertos impulsos, y hace lo que siente que está bien de una forma intuitiva. Le gusta coleccionar pequeñas cosas que encuentra, desde figuritas a papeles, dice que: “es como transformar en algo hermoso algo totalmente ordinario”. Disfruta de las cosas comunes y corrientes que la mayoría simplemente pasaría por alto, él las encuentra hermosas. Desde su punto de vista lo más importante de un diseño es recibir de él alguna respuesta emocional. Michael se casó hace 3 años. Diseñó las invitaciones de boda, y para él enfrentarse a suegras es uno de los peores y más extresantes trabajos que hay como diseñador. Entre los detalles del servicio quiso poner unos pequeños créditos para agradecer a Max Miedinger por la Helvetica, pero su esposa lo vetó y tuvo que quitarlo de la invitación. Lo recuerda como un momento gracioso. Michael disfruta mucho usando Helvetica porque algunos usan diferentes tipografías porque pueden dar diferentes sensaciones y en cambio él disfruta con el reto de hacer hablar a la Helvetica de diferentes formas. Para él la Helvetica ha estado presente durante 50 años, y sigue tan fresca como siempre, citando al propio Michael: “obviamente, no fue pensada para ser “cool”, pero es una fuente hermosísima.”

2 Un ejemplo del estilo de ilustración de Place, que mezcla líneas y formas geométricas. 3 Michael C. Place en acción realizando una obra a mano para el último anuncio del corrector Pritt, llamado “MyStyle”.

4 La obra para el corrector

Pritt terminada. 5 Cartel de Place inspirado en la tipograf铆a Helvetica. 6 El escritorio de Place en el estudio d贸nde trabaja.

David Carson

David Carson, sociologo que un buen día comenzó a hacer diseño gráfico, nacido en Texas, Estados Unidos en 1956. Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Siempre usaba un número 5 al revés en lugar de una S, usaba un 3 como E. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional. Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gen-

1David Carson

te y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra. La revista Creative Review, en uno de sus números, le ha descrito como “el diseñador gráfico más famoso del planeta”. Sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Raygun, los primeros treinta números (1992). In 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine. En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft. Ha publicado dos libros sobre diseño, The End of Print y 2nd Sight. Carson nos cuenta en el documental, que nunca recibió formación sobre diseño; se limitaba a experimentar y hacer lo que para él tenía sentido: Entonces descubrió que la gente se molestaba porque parecía que el sistema que algunas personas estaban intentando formar, él lo tiraba una y otra vez por la ventana. Habla de que su revista Raygun es totalmente experimental, mostraba cosas nuevas, algunas funcionaban y otras no, nunca vió una prueba de impresión, esto generaba algún error y la gente escribía ensayos sobre esos errores pensando que estaban allí por algún motivo. Defiende que los mejores trabajos son los que se hacen desde la subjetividad, cuando de verdad entiendes el sentido de lo que estás haciendo y lo interpretas bien. “No hay que confundir legibilidad con comunicación” sólo porque algo sea legible no quiere decir que comunique algo, y algo que no se lea bien y requiera un poco más de tiempo para el lector puede estar expresando exactamente lo que se pretendía. Esto para él tiene más sentido que hacer algo que sea perfectamente legible y simple ya que puede se puede perder el sentido real de lo que pone.

2 Ilustración a doble página para un reportaje de Ray Gun. Ilustración compuesta por una fotografía y un texto casi ilegible “Hot for Teacher” traducido: “Cachondo por la profesora”. En el reportaje que ilustra se cuentan los recuerdos que tenían los componentes de una banda rock en sus años de estudiante. La ausencia de color nos lleva a un retroceso en el tiempo. Para situarlo en el ámbito educativo se utiliza la imagen de unos libros apilados. Además las letras se agolpan unas encima de otras y se inclinan hacia la figura humana que representa a la profesora. 3 Estas son algunas de las portadas de la revista Raygun de la cual habla en la película. Raygun fue una revista especializada en rock alternativo que fue publicada por primera vez en 1992, en Santa Monica, California. Dirigida por su fundador, David Carson, Raygun exploró el diseño experimental tipográfico, cuyo resultado fue un estilo caótico, abstracto, no siempre fácil de leer, pero con apariencia distintiva. Poco antes de iniciar el nuevo milenio, Raygun se transformó en la Nylon Magazine, convirtiéndose en un generador de información multimedia.

4 Reportaje interior de la

revista Raygun. Se trata de un reportaje que habla sobre gemelos, lo que hace Carson es duplicar la pá4 gina haciendo así referencia a la palabra “gemelos”. En las dos páginas aparece la misma fotografía, los gemelos son iguales. 5 Se trata de un cartel de una conferencia que se celebró en Aspen. El tema que se trató fue el diseño en la industria del cine de Hollywood. La figura retórica más destaca quizás sea la figura de la estrella que representa a las estrellas del cine, a los actores. Otro elemento a destacar es la imagen borrosa de una montaña que establece un paralelismo formal entre la conocida colina en la que está instalada el cartel de “Hollywood” y los alrededores de Aspen que también son montañosos. El texto está compuesto en un orden alterado distinto al de la lectura normal. Dentro del texto también destaca una pequeña frase, apenas imperceptible, situada en el espacio en blanco del cartel, que dice: “El espacio es limitado”.

Matthew Carter

Matthew Carter. Nacido en Londres en 1937 es diseñador de tipos. Vive en Cambridge, Massachusetts (Estados Unidos). Ha sido testigo de la transición de los tipos de metal físicos a los tipos digitales. De joven, cuando vivía en Londres, se tomó un año sabático antes de la Universidad y entró en una fundición de tipos en los Países Bajos gracias a su padre (Harry Carter, también diseñador de tipos). Utilizó sus habilidades para realizar su propia versión de la Dante (tipografía semi-negrita).Después regresó a Londres como profesional independiente, allí se convirtió en el asesor tipográfico para Crosfield Electronics, también diseñó muchos tipos de letra para Mergenthaler Linotype (en Nueva York). Creó tipos de letra tan co-

1 Matthew Carter

nocidos como Centennial Bell, para la compañía Bell Telephone Company. En 1981, Carter y Mike Parker crearon Bitstream Inc. aunque en 1991 abandonó esta empresa para formar el Carter & Cone (empresa de fundición) con Cherie Cone. Actualmente se centra en mejorar la legibilidad de muchos tipos de letra. Diseña específicamente para ordenadores apple y Windows. Georgia y Verdana son dos de sus tipografías más conocidas. Ha diseñado la tipografía para publicaciones como Times, The Washington Post, The New York Times etc. Es miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI), es crítico de alto nivel para el programa de diseño gráfico de Yales y es miembro de la junta directiva de la Sociedad de tipográficos asociados (SOTA). Ha ganado numerosos premios incluyendo un doctorado honoris causa en Humanidades del Instituto de Arte de Boston.

Matthew Carter aparece en la película hablando, sobre la Helvetica y sus características, dice que es una tipografía hermosa, especialmente por sus terminales horizontales de la a, c, e, g, ya que toda la estructura de la tipografía está basada en estos cortes horizontales de los terminales. En el documental, Carter comenta el origen del nombre de la Helvetica, que en un principio fue: Die Neue Haas Grotesk, ya que se cortó en la fundición Haas, al suroeste de Alemania. Se cuenta que Eduard Hoffman , el entonces jefe de la fundición Haas, quería crear una versión moderna de la tipografía Akzidenz Grotesk. Entonces le encargó el proyecto a Max Miedinger, que era uno de los comerciales de la empresa, y éste fue quien trazó los dibujos de la Helvetica. Aunque posiblemente, Hoffman pudo tener un papel más importante de lo que se cree en la creación de la Helvetica.

2 Muestras de variantes de la tipografía Verdana y Georgia, creadas por Matthew Carter. Ambas diseñadas para Microsoft con el propósito de su visualización digital. 3 Tipografía creada por Matthew Carter para la compañía Bell Telephone Company para el diseño del Centenario de Bell en la década de 1970. La empresa telefónica estaba buscando un nuevo tipo de letra que pudiera incluir más caracteres por línea sin perder legibilidad. Carter señaló a la letra con las trampas de tinta profunda, lo que mejoró su legibilidad en tamaños pequeños en papel barato, típico en la producción de guías telefónicas.

2 3

4 Cartel realizado con la ti-

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pografía “Walker” diseñada por Matthew Carter en 1995. 5 Matthew Carter diseñó Carter América, un tipo de letra de madera nueva que fue lanzado en 2003 creado para el tipo de madera Hamilton y Museo de la Imprenta en Two Rivers, Wisconsin. 6 Tipografía sans serif de gran legibilidad creada por Matthew Carter especialmente para ser reproducida digitalmente para Microsoft. 7 Tipografía Mantinia, diseñada durante los años 199597 por Matthew Carter para Microsoft, pensada para ser usada en interfaces de usuario u otras situaciones para mostrar en pantalla, particularmente en tamaños pequeños o menús de diálogo.

Wim Crouwel

Wim Crouwel es diseñador gráfico y tipógrafo, nació en 1928 en Groningen (Países Bajos). Estudio Bellas Artes en la Academie Minerva de Groningen y Tipografía en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Sus primeros trabajos fueron carteles para el Stedelijk Museum, Amsterdam. Cofundador del estudio Total Design, uno de los primeros estudios multidisciplinario de Holanda. En 1967 el trabajo como tipógrafo que le dio gran fama fue el diseño de la tipografía The New Alplabet. No era muy legible ya que se creo basándose en una rejilla sin utilizar curvas ni diagonales, se definía con el mínimo número de información para el su uso en pantalla. Se popularizó en el mundo de la música y revistas, pero siempre modificándola. Otras de sus tipografías son Fodor y Gridnik. Como dise-

1 Wim Crouwel

ñador creó muchas logomarcas de formas geométricas como Rabobank de 1973. En 1972 Crouwel empieza a dar clase en Delft Technical University y en 1980 deja Total Design para dedicarse plenamente a su vida docente. Combina la docencia en la Universidad Erasmus Rotterdam con la dirección del Museo Moijmans Van Beuningen de Rotterdam. Crouwel sigue como diseñador, sus trabajos aún resultan actuales, y participa en grandes exhibiciones de arte como la Vereniging Rembrandt Exhibition en el Van Gogh Museum en Amsterdam. En su vida profesional ha recibido múltiples premios, el último de ellos The Gerrut Noordzij Prize en 2009.

Su punto de vista está abierto a la comunicación y a su objetivo final, en el uso de palabras textuales directas. Su estilo es modernista, busca claridad y legibilidad, mantener el orden y utilizar retícula para transmitir de manera optima el mensaje gráfico que contiene la composición estructural de una tipografía. Para él crear orden es crear tipografía. Reconoce la transcendencia que surgió con el desarrollo de la Helvética, y su carácter neutral que hace que pueda ser muy utilizada y pueda funcionar en diferentes contextos. Reconoce su amplia funcionalidad comunicacional pero considera la Helvética como única solución tipográfica. Además hace reflexionar sobre como la tecnología es simplemente una herramienta de diseño que no hace mejor a los diseñadores.

Cartel Edward Kienholz La textura del papel y el detalle de la tinta le dan un valor añadido a este cartel. 3 Cartel para un museo en el año 1957 en el que se presentan ideas modernistas de Crouwel. Usa tipografía Gill Sans sin ornamentación, sintetiza y minimiza para dar énfasis y relevancia al mensaje. 4 Detalle del cartel “Vormgevers” realizado en 1968. Visualización de la retícula con detalle de la forma.

Tipografía New Alphabet realizada en 1967. Tipografía construida con líneas verticales y horizontales, rejilla con ancho y alto de misma longitud. 5 Cartel Vormgevers 1968 Cartel del museo Stedelijk. Tipografía New Alphabet, amplía la retícula para formar una unidad dentro de la misma. 6 Cartel de museo 1957 Se siguen viendo las ideas modernistas y simples en donde la tipografía tienen toda la importancia visual.

Lars M端ller

Lars Müller nació en Oslo en 1955 y aunque es ciudadano noruego, reside en Suiza desde 1963. Después de un aprendizaje como diseñador gráfico en Zúrich en los años 1974-1979, visitas a estudios en los Estados Unidos y una estancia en Holanda, donde asistió a Wim Crouwel en Total Design, Lars Müller volvió a Suiza en 1982 y estableció su estudio en Baden, cerca de Zurich. Sus primeros años como diseñador estuvieron profundamente influenciados por su estrecha amistad con el artista constructivista Richard Paul Lohse y el diseñador gráfico Josef Müller-Brockmann. Esto ha sido el origen de la preferencia de Müller por un diseño sencillo y funcional. Desde 1996, Müller ha sido socio de “Integral Concept”, un grupo de diseño interdisciplinario activo en París, Milán, Zurich, Berlín y Montreal. En Integral Lars

en sus estudios de “Integral Concept”.

1 Müller trabaja cotidianamente

Müller ha diseñado identidades visuales para ONGs e instituciones centradas en proyectos culturales, sociales y ecológicos, y ha actuado como consultor en comunicación. En 1983 Müller comenzó a publicar libros sobre tipografía, diseño, arte, fotografía y arquitectura y, como Lars Müller Publishers, ha producido hasta ahora unos 400 títulos. Recientemente, se ha diversificado hacia libros de alto contenido visual, sobre temas sociales, como los derechos humanos y la ecología. Muchos libros son concebidos y publicados por el propio Müller, y la mayoría de ellos han sido diseñados en su estudio. Es autor de las publicaciones Josef Müller-Brockmann, Pionero del Diseño Gráfico suizo (1996) y Helvetica–Homenaje a una tipografía (2002). Educador apasionado, Lars Müller ha enseñado en varias universidades de Suiza y otras partes de Europa. En sus conferencias llama a una conciencia política y a un sentido de responsabilidad social entre los diseñadores. Ha sido profesor invitado en Harvard Graduate School of Design desde 2009.

Respecto a su opinión acerca de la Helvética, cree que es una letra perfecta para todos los usos cotidianos. La considera perfecta para aparecer en la calle por ejemplo, ya que según él, al ser una tipografía de aspecto amable pero serio, de alguna manera nos obliga a actuar según la norma –“no estacionar”, “prohibido atravesar por los carriles del tranvía”, “acceso prohibido para perros”…etc-, y ello es muy positivo. Además, al contrario de cómo se cree, según Muller, la Helvética no es una tipografía del capitalismo, sino del socialismo. Su uso extendido acerca a todos al mundo de la tipografía, bien sean diseñadores amateurs o profesionales de trayectoria consolidada en el campo del diseño, y además, su evocador carácter invita a la inspiración y a la creación de nuevas tipografías.

2 Müller y su esposa son dueños de la editorial Muller-Publishers, y editan libros de diseño, tipografía, fotografía y arquitectura. 3 Se considera al diseñador y tipógrafo alemán Lars Muller una eminencia en el conocimiento de la Helvética. Es por ello por lo que incluso defensores amateurs, utilizan su influencia para carteles que defienden también su uso. 4 Müller agradece que el uso de la Helvética sea tan extendido ya que la Helvética, al ser una tipografía seria, refuerza el contenido de la señalética.

5 Así mismo, también co-

mulga su trabajo con charlas acerca de arquitectura, campo en el que actúa de manera muy efusivamente. 6 Müller actualmente compagina su trabajo como diseñador y tipógrafo a dar charlas y conferencias de diseño.

Rick Poynor

Rick Poynor es un escritor y diseñador, diseño gráfico, la tipografía y la cultura visual britanico. Comenzó su carrera como periodista de las artes visuales en general, trabajando en la revista Plan de Londres. Después de la revista eye fundación,que editó desde 1990 hasta 1997, se centró cada vez más en la comunicación visual. Él es escritor en general y columnista de eye , y un redactor y columnista de” impressión” (la revista). En 1999, Poynor fue un coordinador de la First Things First Manifesto 2000 iniciado por Adbusters. En 2003, fue co-fundador de Observadores de diseño, un weblog escrito por el diseño y discusión, con William Drenttel, Jessica Helfand y Bierut Michael. Él escribió para ellos hasta el año 2005. Fue profesor invitado en el Royal College of Art de Londres desde 1994 hasta 1999 y regresó a la RCA en 2006 como becario de investigación. También ha sido profesor en la Academia Jan van Eyck en Maastricht. En 2004, Poynor comisario de la exposición Comunicar: Independiente de diseño gráfico británico desde los años sesenta en la Galería de Arte Barbican en Londres. La

1 Rick Poynor

exposición posteriormente viajó a cuatro ciudades de China y de Zurich. Escrito Poynor incluye tanto la crítica cultural y la historia del diseño y sus libros se dividen en tres categorías. Ha escrito varias monografías sobre importantes figuras británicas en las artes y diseño: Brian Eno (músico), Nigel Coates (arquitecto) y Vaughan Oliver y Herbert Spencer (diseñadores gráficos). Otros libros de documentar y analizar los movimientos generales en el diseño gráfico y la tipografía. Entre ellas se encuentran Tipografía Ahora, el primer estudio internacional de la tipografía digital de la década de 1980 y principios de 1990, y no más reglas, un estudio crítico de diseño gráfico y el posmodernismo. Poynor también ha publicado tres colecciones de ensayos, diseño sin límites, Obedece al gigante y Pornotopia design, que exploran las implicaciones culturales de la comunicación visual, incluyendo la publicidad, la fotografía, branding, diseño gráfico y diseño al por menor. Poynor era un entrevistado prominente en la película Helvetica 2007 documental “El diseño parte de la idea de reconstruir deacuerdo con las necesidades de las personas.” Poynor, el narrador de este film nos va reconstruyendo como se van creando tipografias en particular y diseño en definitiva según la época en la que nos encontramos, como la democratización y suavidad del diseño de la posguerra, la emulsión del estilo suizo, hacen posible la aparición de la helvetica en 1957, nacida de la necesidad de un diseño racional. “Esta es una tipografía que se puede aplicar a todo”según dice el autor, “de forma intelegible y legible”. En los años 70, la sociedad y el diseño piden un cambio, se lucha para romper los moldes del diseño establecido. De forma muy exquisita Poynor nos explica que “los tipos son como envoltorios, todo lo que nos sugieren, lo que sentimos al verla son los encantos de esta”. En la actualidad Rick argumenta que nuestra evolución hacia la comunicación audiovisual esta siendo tremendamente positiva, lo explica poniendo el siguiente ejemplo: “en las redes sociales donde creamos nuestros perfiles tenemos en cuenta todos los detalles tipografá, colores, de la misma forma que prestamos atención a como vestimos, como nos cortamos el pelo o la decoración de nuestra casa, todo esto mediante herramientas mas especificas , esto da más evolución, más evolución, más evolución…”

2 Publicado por primera vez en Londres en 1990, the eye fue fundada por Rick Poynor, un prolífico escritor en el diseño gráfico y comunicación visual. Poynor editado los primeros veinte y cuatro números (1990-1997). 3 Imágenes sexuales explícitas desplegadas en todos los medios y en todas las superficies. Detrás de este fenómeno se encuentra la normalización de la pornografía, que junto con el giro completo en las actitudes sociales a la misma, ha sido uno de los acontecimientos más trascendentales en la vida contemporánea. En el diseño de Pornotopia, Rick Poynor explora la publicidad y el diseño reciente y la invasión de imágenes sexuales en la vida cotidiana, revelando cómo la publicidad camina por la delgada línea entre la imagen mojigata y vulgar.

4 Era una revista de diseño

gráfico publicado por Emigre gráficos entre 1984 y 2005, fue publicado por primera vez en 1984 en San Francisco, California, EE.UU.. Art-dirigido por el holandés nacido en VanderLans Rudy con fuentes diseñadas por su esposa, nacido en Checoslovaquia Zuzana Licko, Emigre fue una de las primeras publicaciones que utilizan los ordenadores Macintosh y tuvo una gran influencia en los diseñadores gráficos en movimiento en la autoedición 5 Este fantastico libro nos permite interactuar de una forma estraordinaria con él y desarrollar un gusto irremediable por este tipo de lectura.

Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister nació en 1962 en Vorarlberg, Austria. Stefan Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la “University of Applied Arts” en Viena. En 1987 se mudó a Nueva York para ir al ‘Pratt Institute’ con una beca. En 1990, Sagmeister volvió a Austria para realizar unos servicios comunitarios en lugar de ir al servicio militar obligatorio. En 1993 regresa a Nueva York para trabajar para el diseñador gráfico húngaro Tibor Kalman en M&Co. Cuando el estudio cerró ese mismo año, Sagmeister abrió su propia oficina “Sagmeister Inc.”. En 1994 fue nominado para un Grammy por su portada para H. P. Zinker “Mountains of Madness”. En los siguientes años diseñó packaging de CDs de música para artistas como David Byrne, Lou Reed y The Rolling Stones. En el año 1996, Stefan Sag-

1 Stefan Sagmeister

meister comenzó a desarrollar carteles para AIGA (American Institute of Graphic Arts). Se tomó un año libre en 1999, cerrando su estudio para trabajos comerciales y concentrándose en sus propios proyectos experimentales. En 2001 publicó el libro “Made You Look (another self-indulgent design monograph)”. En 2005 ganó un Grammy como Director de Arte por el diseño del packaging del disco “Once in a Lifetime” de Talking Heads. Actualmente se encuentra trabajando, entre otros proyectos, en una serie de piezas tipográficas inspiradas por el trabajo de su abuelo que empezó en 2004 llamado ’20 things in my life I have learned so far’.

Decepcionado del modernismo, lo considera algo simplemente aburrido. En general se aburría eligiendo qué tipografías utilizar. Pertenece probablemente a la última generación que fue enseñada a hacer tipografías a mano con pincel. Sin embargo supo aprovechar estos conocimientos para diseñar tipografías manuscritas para portadas de discos de música. A partir de ahí, comenzó a recibir diferentes encargos en los que utilizó este estilo de tipografías manuales, que tanto definen su estilo. Prueba de ello es el cartel que diseñó para una de sus conferencias donde la tipografía aparece dibujada sobre su cuerpo. Este trabajo se hizo tan famoso que todo el mundo pensaba que era lo único que hacía. “Realizar un proyecto usando sólo 2 ó 3 tipografías está bien como ejercicio, ¿pero por qué usar siempre las mismas tipografías en todos los proyectos pudiendo elegir entre tantas? Es imposible conseguir que algo sea interesante de esta forma. “

2 AIGA poster (1999). Cartel en el que se ha tallado la tipografía sobre la piel de Stefan Sagmeister para plasmar y visualizar el dolor que acompaña a cada uno de sus proyectos. 3 Obsessions Make My Life Worse and My Work Better. Lettering creado con monedas sobre el suelo retratando la frase “Las obsesiones hacen mi vida peor y mejor mi trabajo”.

4 Deitch Projects, Banana

Wall. Pared creada para su exposición en “Deitch Projects” en la que crearon esta pieza con 10.000 bananas. Las bananas verdes muestran un mensaje, que con el paso de los días desapareció al volverse amarillas todas las bananas verdes. 5 Levi’s, Button Fly. Se trata de un cartel que muestra una mosca común en el que la ilustración está completamente hecha de botones de Levi’s.

Leslie Savan

Leslie Savan. Profesional en el ámbito de comunicación en Nueva York, escribe sobre política y medios de comunicación, centrándose en la televisión, la publicidad, el diseño y el lenguaje popular. Fue tres veces finalista del premio Pulitzer en la crítica de su columna en el The village Voice sobre la publicidad y la cultura comercial. Savan fue censurada acerca de sus textos informativos sobre la carrera presidencial de 2008. Ha sido ampliamente publicitada en una grandísima variedad de medios de comunicación, en los cuales, en muchos de

1 Leslie Savan

ellos ha participado y en 1996 le otorgaron el título “héroes del medio de comunicación” por el instituto del periodismo alternativo. Sus obras se centran principalmente en el análisis de temas sociales, la influencia del lenguaje y la fuerza de persuasión de los medios de comunicación, principalmente televisivo, sobre la sociedad. Analiza la manera de enfocarlos para sacar el máximo partido de ellos. Savan ha debatido temas en diversos medios de comunicación, como la radio y la televisión e incluso ha sido partícipe como experto de comunicación en un documental televisivo sobre la tipografía helvética.

“La mayoría de los órganos institucionales utilizan tipografías de palo seco, ya que les da un aire neutral pero eficiente; la suavidad de las letras le da un carácter más humano. Esto es algo que todo empresario quiere lograr mediante su imagen corporativa. Se pretende romper con su carácter autoritario y burocrático y conseguir que la gente no los vea como grupos opresivos. Por ello luchan constantemente contra esa imagen. Sin embargo, si usan la Helvética pueden aparecer como más accesibles, transparentes y confiables, que son tres características que todo el gobierno o corporación se supone que debe tener hoy en día. Aunque realmente no reúnan ninguna de estas tres características”

2 Esta famosísima publicación

tuvo una segunda edición dos años después,en 2007 con innovaciones en su contenido y en las investigaciones. 3 The Sponsored Life: Ads, TV, and American Culture En esta obra, Savan analiza la imagen de los anuncios y sus campañas específicas de marketing con la finalidad de demostrar que el éxito de la publicidad funciona. Son indicadores de las tendencias y estos se filtran en la mente del consumidor. 4 Leslie Savan escribe una columna sobre publicidad y cultura comercial para esta publicación, una fuente de información sobre noticias, música, películas, acontecimientos En NY, durante 13 años.

5 Fue finalista del premio Pulitzer en la crítica de 1991, en 1992, y en 1997. Trabajos que realizó para el The village Voice. 6 Slam Dunks and No-Brainers. Un maravilloso libro original e informativo sobre la lengua Americana. Nos muestra cómo utilizar determinadas frases con astucia para conseguir grandes objetivos. En este libro destaca la lengua contemporánea para descubrir lo que nuestros idiomas revelan sobre la América de hoy en día. Analiza frases y expresiones típicas americanas y las mejora para utilizarlas con el fin de vender productos, ideas…

Paula Scher

Paula Scher. Nace el 06 de octubre 1948, en Washington. Es una diseñadora gráfica estadounidense, además de ilustradora, pintora y educadora de arte en el diseño, y la directora de la primera mujer en Pentagram. Estudia en la Escuela de Arte Tyler, Elkins, Pennsylvania y obtiene una licenciatura en Bellas Artes (1970), un Doctorado en Bellas Artes Honoris Causa por el Colegio Corcoran de Arte y Diseño en Washington DC, por el Maryland Institute College of Art de Baltimore, y otro por el Moore College of Art y Diseño en Filadelfia. Se traslada a

1 Paula Scher

Nueva York y obtiene su primer trabajo como diseñadora para libros infantiles de Random House. En 1973, se convierte en directora de arte para el expediente del Atlántico y un año después, en la CBS consigue un puesto de directora de arte de portadas de discos durante ocho años. Más tarde se une a Pentagram Design en 1991. En 1992, se convierte en profesora de diseño en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha recibido más de 300 premios y ha desarrollado sistemas de identidad e imagen de marca.

Paula Scher nos cuenta en el documental sus comienzos en el mundo del diseño como estudiante en Tyler School of Art. En aquella época estaba en contra de la Helvetica porque veía las grandes corporaciones enarboladas en Helvetica como sponsors de la guerra de Vietnam, y por lo tanto si usabas Helvetica estabas a favor de la guerra de Vietnam. En ese momento, los años 70, Milton Glaser y el estudio Pushpin era la referencia del diseño vanguardista, de la moda psicodélica; sus diseños eran frescos, vivos, ingeniosos y cargados de sentido. Cuando estaba en la Escuela de Arte Tyler, diseñaba tapas de libros y discos como proyectos de clase, y ella, nos cuenta, iba a las librerías, compraba alfabetos de letras transferibles de la Helvetica y los pegaba en las esquinas de las tapas como creía conveniente, y, lógicamente, nunca funcionaban; hasta que un día un profesor suyo llamado Zagorski, le dijo que intentara dibujar la tipografía, y a partir de ese momento sus diseños empezaron a adquirir personalidad, se dió cuenta de que tenían espíritu, y renunció de forma absoluta al uso de la Helvetica.

2 The Best of Jazz. Poster for

CBS Records, 1979. 3 Es conocida por sus pinturas de gran escala de los mapas, cubierto de densa pintados a mano, el etiquetado y la informaci贸n.

4 Catálogo de Cremaster Cycle diseñado por Abbott Miller para el Museo Guggenheim, de 2002. 5 Portada para “Time Magazine”.

Erik Spiekermann

Erik Spiekermann es un tipógrafo alemán y diseñador nacido el 30 de mayo de 1947. Estudió Historia del Arte en Universidad Libre de Berlín. Entre 1972 y 1979, trabajó como diseñador gráfico independiente en Londres antes de retornar a Berlín y fundar MetaDesign con dos socios. Es arquitecto de información, diseñador de fuentes tipográficas y autor de libros y artículos sobre tipografía. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans et al. En 1979 funda MetaDesign, la firma de diseño más grande de Alemania, con oficinas en Berlín, Londres y San Francisco. En

1 Erik Spiekermann

1988 lanza FontShop, la primera fundidora digital y distribuidora independiente de fuentes. Es profesor honorario de la Academia de Artes de Bremen (Academy of Arts in Bremen), vice-presidente del consejo alemán de diseño (German Design Council), presidente de la Sociedad Internacional de Diseñadores Tipográficos (International Society of Typographic Designers) y miembro del directorio de ATypI. Fue presidente del Instituto Internacional de Diseño de información. En julio del 2000, se retira de la administración de MetaDesign Berlin. Vive y trabaja en Berlín, Londres y San Francisco, diseñando publicaciones (como la revista The Economist), sistemas complejos de diseño (como el diseño corporativo de Bosch y DB, German Railways) y más tipografías. Su nueva firma de diseño se llama UDN United Designers Network.

“Una tipografía de verdad necesita ritmo, contraste, ya que viene de la escritura manual. La Helvética carece de todo eso. Fue una buena fuente hace cincuenta años, que respondió a una demanda, pero ahora es una fuente por defecto, gracias en parte a la informática, ya que luego la clonaron con la Arial. Nunca desaparecerá por estar usándose en todas partes. Parece como si te obligaran a usarla. La Helvética necesita mucho espacio en blanco, es apretada y liviana; una pesadilla. Es el estilo suizo, que hace que todas las fuentes tengan un aspecto similar. Sin embargo, una tipografía debe tener individualidad para ser interesante, supenditándose eso sí a la legibilidad. Mis fuentes nunca son perfectas, siempre tienen un toque que aparece cuando me aburro de ellas. Hay gente que jamás usará mis fuentes, y otros que usarían todas, no porque les resulten adecuadas en ese momento concreto, si no por el hecho de ser mías. ¿Por qué? Las marcas influencian a la gente, y las tipografías son marcas. Si usaras Helvética para tu marca, nadie te reconocería.”

2 En este proyecto, Spiekermann chocó de frente con el conservadurismo y la incomprensión. El Deutsche Bundespost decidió no dar el visto bueno por considerarla una tipografía desordenada, cancelando así un trabajo que ya estaba en marcha. Más adelante la retomó y la digitalizó para poder usarla en las comunicaciones internas de su propio estudio. 3Fuente Officina. Fue un encargo de International Typeface Corporation y nació como una fuente intermedia entre los viejos tipos característicos de la máquina de escribir y los tradicionales de imprenta. Creada para cubrir las necesidades de la correspondencia y la documentación generadas en una oficina. 4 Boceto de la fuente Meta. Surgió de los intentos de Spiekerman para convencer al Deutsche Bundespost de la necesidad de acabar con el caos tipográfico que presidía sus comunicaciones. 5 A su faceta de escritor debemos la «novela tipográfica» titulada Rhyme & Reason A Typographic Novel, publicada primero en alemán en 1982 y después en inglés, en 1989, donde con humor expone sus ideas sobre la tipografía.

6 Cuando Spiekermann juega con superposiciones, lo hace experimentando con formas y colores pero no con efectos tipográficos que, para él, obscurecerían la información que se quiere transmitir. Suya es una frase que refleja bien su manera de pensar: «Legibilidad no es comunicación; pero para comunicar, el tipo ha de ser legible»

Massimo Vignelli

Massimo Vignelli nacido en Milán en 1931, estudió arquitectura en el Politécnico Milán y en la Università di Architettura de Venecia. De 1957 a 1960, Vignelli visitó los Estados Unidos con una beca de Towle Silversmiths de Massachusetts y del Institute of Design, Illinois Institute of Technology, Chicago. En 1960, con Lella Vignelli, estableció la Oficina Vignelli de Arquitectura y Diseño en Milán. En 1965 se traslada a Nueva York para convertirse en co-fundador y director de diseño de Unimark International Corporation, que rápidamente se convirtió en una de las mayores firmas de diseño en el mundo. La empresa realizó el diseño de muchas identidades con amplio reconocimiento en mundo empresarial, incluido el de American Airlines, United Colors of Benetton, IBM, Knoll o Bloomingdale’s. Establece la firma Vignelli Associates en 1971 junto a su mujer Lella. Durante este período, 1972, Massimo Vignelli diseñó la señalética del sistema de metro de Nueva York que ha renovado recientemente en el año 2008. Más tarde, en 1978 fundarían Vignelli Design, en 2008 donaron el archivo completo de su trabajo de diseño al Instituto de Tecnología de Rochester, que se expone en un nuevo edificio diseñado por ellos mismos: The Vigne-

lli Center For Design Studies que abrió sus puertas en septiembre de 2010. Su trabajo incluye diseños de identidad gráfica y corporativa, diseños de publicación, de arquitectura, de exposición, diseño de interiores, muebles y diseño de productos de consumo para muchas empresas e instituciones estadounidenses y europeas. Ha tenido su obra publicada y exhibida en todo el mundo y entró en las colecciones permanentes de varios museos, sobre todo, el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn y el Museo Cooper-Hewitt en Nueva York, el Musée des Arts Décoratifs en Montreal y el Die Neue Sammlung de Múnich.

Lella trabajando en su estudio de Nueva York.

1 Matrimonio Vignelli, Mássimo y

Ha enseñado y dado conferencias sobre el diseño en las principales ciudades y universidades de los Estados Unidos y el extranjero. Es expresidente de la Alianza Gráfica Internacional (AGL) y del Instituto Americano de Artes Gráficas (ALGA), vicepresidente de la Architectural League, y un miembro de la Sociedad de Diseñadores Industriales de América (IDSA). Se han emitido dos largometrajes sobre el trabajo del Vignellis en todo el mundo y una exposición monográfica de la obra del Vignellis recorrió Europa entre 1989 y 1993, ofrecida en San Petersburgo, Moscú, Helsinki, Londres, Budapest, Barcelona, Copenhague, Munich, Praga y París.

En el reportaje, Vignelli expresa su opinión acerca del mundo de la tipografía. Su alma modernista se desnuda en un regalo de tratados propios cómo: “la vida de un diseñador es una lucha, lucha contra lo feo, cómo un médico lucha contra la enfermedad, la enfermedad visual nos rodea y lo que intentamos hacer es curarla, de alguna manera, con el diseño”. Habla de la importancia de los espacios y los compara con los silencios musicales. Para Vignelli la cantidad de tipografías surgidas en la era digital generan contaminación visual, considera que un diseñador debe trabajar con 5 de las 10 o 13 tipografías que considera funcionales. Estos principios se ven reflejados claramente en su página web: “Me gusta que el diseño sea semánticamente correcto, sintácticamente consistente y pragmáticamente comprensible. Me gusta que sea visualmente poderoso, intelectualmente elegante y por encima de todo atemporal”.

2 Artwork tributo: Vignelli fo-

rever poster diseñado por Anthony Neil Dart en Junio de 2011. 3 Autor del logotipo y diseño de la imagen corporativa de American Airlines en 1967, la única aerolínea que ha conservado intacta su apariencia en los últimos 50 años. 4 Lancia fué otra de las grandes empresas que confió en el trabajo del italiano en 1978 para su identidad corporativa, incluyendo publicidad impresa y cartelería.

5 Diseño del mapa de metro

de Nueva york realizado por Vignelli en 1972 y rediseño realizado por él mismo y su equipo en 2008. 6 Trabajó para la firma internacional knoll durante los años 70, realizando trabajos de diseño gráfico y de diseño de mobiliario. 7 Diseño de la conocida marca de ropa United Colors of Benetton en 1995, demuestra que los diseños de Vignelli se caracterizan por su atemporalidad.

Hermann Zapf

Hermann Zapf nació el 8 de noviembre de 1918 en Nuremberg (Alemania). En 1934 comienza un aprendizaje de 4 años como corrector en la imprenta Karl Ulrich & Co. Es en 1935 cuando se interesa por la caligrafía después de visitar una exposición itinerante de los trabajos del tipógrafo Rudolf Koch y de leer los libros The Skill of Calligraphy del propio Rudolf Koch y Writing, Illuminating and Lettering de Edward Johnston. En el año 1938, después de su aprendizaje, comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt estudiando al mismo tiempo el arte de la imprenta y la grabación de punzones junto a August Rosenberg que era un maestro grabador. Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos

1 Hermann Zapf

caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949. En 1950 hizo los primeros bosquejos de la tipografía Optima mientras visitaba la iglesia de Santa Croce, en Florencia, viendo unas letras que fueran grabadas en el suelo en 1530. Como no tenía ningún papel a mano, tuvo que dibujar las letras en dos billetes que llevaba. En 1952, después de numerosas pruebas de legibilidad, acabó los primeros dibujos y sería finalmente cortada por August Rosenberger en 1958 Asimismo Hermann Zapf publicó una serie de libros acerca de su tema favorito, el diseño, el dibujo de letras y la tipografía. Entre otros, podemos destacar: Manuale topigraphicum (1954); About alphabets, some marginal notes on type design (1960); Typographische Variationen (1963); Hunt Roman, the birth of a type (1965); Orbis Typographicus (1980); y Hermann Zapf and his design Philosophy (1987). Algunos de los tipos que Hermann Zapf diseñó son: Gilgengart (1941) Palatino (1948) Michelangelo (1950) Aldus (1952) Melior (1952) Optima (1958) Hunt roman (1962) Medici (1969) Orion (1974) Zapf Chancery (1979)y Aurelia (1983).

Hermann Zapf destaca el buen momento para la aparición de la Helvética , como algo natural que debía pasar, así como el nombre de ésta lo considera una correcta elección en ese marco, ya que la tipografía suiza en esa época era reconocida mundialmente. Reconoce la virtud del nombre a la hora de introducirse en el mercado. la irrupción en los 60 de la tipografía Helvetica fue algo lógico y esperado. Fue el producto de un proceso inteligente; la necesidad imperiosa de dar respuesta a una demanda de la sociedad que exigía un cambio de formas, de estilo, que necesitaba una tipografía más moderna y sólida.

2 Aldus (1954) Esta tipografía estaba pensada en un principio para complementar la Palatino. Creada originalmente para ser empleada en titulares y aplicaciones de exhibición. Su nombre proviene del gran editor e impresor veneciano del siglo XVI Aldus Manutius. 3 Palatino (1948) Una de las tipografías más admiradas y usadas de Hermann Zapf. La diseñó en 1948 basándose en las formas clásicas del renacimiento italiano. Su nombre se escogió en honor a Giambattista Palatino, uno de los grandes calígrafos del renacimiento. Funciona tanto en titulares como en texto aunque Zapf la diseñó en un principio para ser usada en tamaños grandes. 4 Melior(1952) Pretende ser una tipografía de alta legibilidad optimizada para su uso en periódicos. Sus formas están basadas en la elipse encajada dentro de un rectángulo, conocida como super elipse. Basta con ver la letra “O” mayúscula para poder apreciar este concepto. Posee una apariencia robusta pero con unas formas clásicas.

2 3

5 Optima (1958) Es una tipografía muy elegante y legible, consigue un diseño humanista con formas afiladas, que recuerdan a las de la pluma caligráfica. Era la tipografía preferida de Zapf, que la utilizó para diseñar la tarjeta de invitación de su boda. En 2002, junto con Akira Kobayashi, la rediseña de nuevo, ajustándola y expandiendo la familia, dando como resultado la Optima Nova. 6 Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Graver y que fue publicado por Stempel en 1949.

Epílogo La tipografía Helvetica se ha convertido a lo largo de los años en un referente tipográfico en diseño gráfico por sus características y por el amplio uso que se le ha dado. Es una tipografía clara y simple, bien proporcionada, de líneas limpias. Posee una claridad estética que la hace universal, neutra y, por tanto, apta para usos muy dispares. Además, se convirtió en un icono representativo de las actitudes modernas, progresistas y cosmopolinas en los años 60, fue usada para prácticamente cualquier ámbito por su neutralidad. Esta neutralidad nos permite elegir la Helvetica tanto para identidades corporativas de bancos como para diseño en moda. La podemos encontrar tanto en publicidad, en cartas de menús, señalizaciones... en cualquier parte del mundo. Mª Pilar Roca

Índice

Introducción

Michael Bierut Neville Brody Michael C. Place David Carson Matthew Carter Wim Crouwel Lars Müller Rick Poynor Stefan Sagmeister Leslie Savan Paula Scher Erik Spiekermann Massimo Vignelli Hermann Zapf

2 8 14 20 26 32 38 44 50 56 62 68 74 80

Epílogo Bibliografía

87 89

BibliografĂa

Michael Bierut: www.aiga.org/medalist-michaelbierut Neville Brody: www.researchstudios.com/neville-brody Michael C. Place:www.kriskrug.com/michael-c-place David Carson: www.davidcarsondesign.com Matthew Carter: www.new.myfonts.com/person/Matthew_Carter Wim Crouwel: www.iconofgraphics.com/Wim-Crouwel Lars MĂźller: www.agiopen.com/?CAS/speaker/LarsMuller Rick Poynor: www.typotheque.com/authors/rick_poynor Stefan Sagmeister: www.sagmeister.com Leslie Savan: www.printmag.com/Author/Leslie_Savan Paula Scher: www.paulascher.com Erik Spiekermann: www.spiekermann.com Massimo Vignelli: www.vignelli.com Hermann Zapf: www.hermannzapf.de

El libro que tienes en tus manos habla sobre un documental que trata la historia de la tipografía Helvetica, dirigida por Gary Hustwit en 2006, cuando esta fuente, -para muchos la mejor diseñada de la historia-, cumplió 50 años. La película es una discusión fluída con diseñadores renombrados sobre las opciones y la estética que se encuentran detrás del uso de esta tipografía.

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