ARTE URBANO. DE LA CALLE AL MUSEO

ARTE URBANO DE LA CALLE AL MUSEO ALMERÍA 2022 edición digital

ARTE URBANO DE LA CALLE AL MUSEO ALMERÍA 2022

Este catálogo fue editado con motivo de la exposición “Arte Urbano. De la calle al museo” celebrada en el Museo de Arte de Almería - Espacio 2, entre el 8 de abril y el 26 de junio de 2022.

Editan Fundación de Arte Ibáñez Cosentino | Ayuntamiento de Almería Colabora Diputación Provincial de Almería Textos © Darío Vigueras Marín-Baldo | Kraser | Francisco Reyes Coordinación, dirección de arte y diseño de portada Juan Manuel Martín Robles Digitalización de obras Pablo García Ibáñez Edición digital a cargo de Fundación de Arte Ibáñez Cosentino Depósito Legal AL 991-2022 Impreso en España Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepciones previstas en la ley.

ÍNDICE 9 STREET ART. NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DE UN ARTE GLOBAL Darío Vigueras Marín-Baldo

23 CONTINUA EVOLUCIÓN Kraser

27 TODO EMPEZÓ EN 1984 Francisco Reyes

35 CATÁLOGO DE OBRAS

STREET ART

NACIMIENTO Y EVOLUCION DE UN ARTE GLOBAL Darío Vigueras Marín-Baldo Comisario de la exposición

Cornbread delante de su firma en Filadelfia

Blade, Seen, Tracy 168, Cope2, Poem o Quik, son algunos nombres que tuvieron en jaque a los detectives del departamento de tránsito de New York en los setenta. El grafiti es un acto vandálico que se popularizó de una forma vírica en New York durante dos décadas, y originó bastantes quebraderos de cabeza a las autoridades, que no dudaron en emplear todos los medios a su alcance para erradicarlo del metro y de la calle. ¿Podemos afirmar que dicho acto vandálico terminó siendo lo que hoy conocemos como arte urbano?, ¿qué aquellos vándalos, algunos de los cuales son hoy leyendas, fueron la semilla del street art? Sin duda la respuesta no es fácil y según a quien se le pregunte obtendremos distintas opiniones.

Lo que vamos a intentar en este texto, es hilvanar un delicado hilo de continuidad desde los primeros tags de finales de los sesenta, hasta la pintura mural que hoy en día se expande por todos los rincones de nuestras calles.

Curiosamente el “grafiti moderno” comienza en Filadelfia a finales de los sesentra, de la mano, y nunca mejor dicho, de Cornbread.

Cornbread love Cynthia, este fue el pequeño texto que Darryl McCray empezó a escribir en el pupitre de Cynthia, por todo su barrio, y en las paredes del trayecto que recorría el autobús que la llevaba de su casa al colegio, el objetivo estaba claro, quería conquistarla, era una declaración de amor, pero la familia de Cynthia al poco tiempo se trasladó y Darryl terminó firmando solo con el apodo por el que se le conocía en el correccional. Pronto observó que cuanto más firmaba más se hablaba de él, y esto derivó en una espiral que terminó con Cornbread varias veces en la comisaria acusado de vandalismo, pues llegó a firmar en sitios tan insospechados como el avión de The Jackson Five o en el lomo de un elefante del zoológico de Filadelfia. A Cornbread en ningún momento se le pasó por la cabeza que el 8|9

hecho de coger un rotulador o spray, y escribir su nombre en las paredes pudiera considerarse una acto artístico, él lo tenía claro, era un acto vandálico.

A principios de los setenta la moda del tag (firma), aparece en New York, es Taki 183 a quien un artículo aparecido en The New York Times le otorga la medalla de su inicio o al menos de ser el más popular, pues su firma se podía ver en varias zonas de Manhattan, no en vano Taki 183 era un mensajero que viajaba frecuentemente en metro e iba rotulador en mano escribiendo su tag tanto dentro de los vagones, como por el Bronx, Queens o State Island.

Casi al mismo tiempo que Cornbread intentaba enamorar a Cynthia, el francés Gérard Zlotykamien también llamado Zloty, empezó a mitad de los años 60 a plasmar en las calles de París una figuras que él llamaba éphéméres, pero lo que plasmaba realmente Zloty era la consecuencia de las acciones devastadoras de la II Guerra Mundial, pues sus sombras efímeras representaban a las víctimas de Hiroshima, evocando las siluetas que quedaron plasmadas en las paredes después del lanzamiento de la primera bomba atómica.

En poco tiempo encontramos una corriente imparable de grafiti, ya no son solo las firmas hechas con rotuladores, los jóvenes marginados del Bronx y otros barrios más degradados quieren popularizarse, y es mediante la escritura en vagones de metro como consiguen que sus nombres recorran la ciudad y se den a conocer. Seen, Blade, T-Kid, Poem, Duster o Part One, son algunos de los nombres que recorren Nueva York pintados en los vagones de metro.

La aparición del spray de pintura posibilitó nuevas acciones y composiciones más llamativas, esto iba a deparar lo que más tarde se conoció como Style Wars (Guerras de Estilo).

Los vagones del metro empiezan a convertirse en lienzos, los vándalos compiten por desarrollar grafitis más elaborados y se ven las primeras bubbles o letras pompa, que en poco tiempo tuvieron variaciones como las letras en 3D, dando lugar a una verdadera revolución dentro del mundo del grafiti.

Evidentemente estos inicios poco tienen que ver con una forma artística, ni siquiera ellos mismos lo entienden así, solo quieren ver su nombre escrito en el metro mientras este recorre la ciudad, hacerle una foto y esperar a que las autoridades lo borren para pintar el siguiente. Este acto vandálico era la forma de reivindicarse, de decir “estamos aquí, no miréis a otro lado”

Articulo del New York Times sobre Taki 183

Zloty plasmando unas de sus siluetas ephemeres en París

Interior de vagón de metro, Nueva York años 70

Vagones grafiteados por Seen y Sonic

Pero esto no podía quedar así, en la llamada “Guerras de Estilo” (Style Wars) los grafiteros quieren demostrarse entre ellos mismos su valía y no dudan en arriesgarse al máximo para asombrar a los competidores, es entonces cuando se dan cuenta de que modificando las válvulas de los sprays pueden conseguir hacer trazos más gruesos y ocupar más superficie en menos tiempo, ya no les vale el espacio situado entre las ventanillas y la parte inferior del tren, ahora pueden ocupar toda la superficie e incluso todo un vagón Whole Car. Estos Whole Car fueron perfeccionándose, los propios grafiteros poco a poco van creando composiciones más elaboradas, intentan esconder sus nombres con letras que se van deformando y solo ellos pueden descifrar, o añadiendo algunos detalles como personajes de comics o de series de dibujos, al estilo de Seen, o invenciones propias como T-Kid, Blade o Sonic. Estas nuevas formas de hacerse notar ya empiezan a tener una alta creatividad, podríamos afirmar que está surgiendo la semilla de un estilo artístico, un estilo artístico que comenzó en el metro de New York.

Mientras todo esto ocurre, el otro bando, en el de los responsables de la ciudad, siguen intentado buscar una forma de terminar con este acto vandálico que solo les originan problemas con sus ciudadanos, y una lamentable imagen de la ciudad hacia el exterior.

Se realizan campañas publicitarias con personajes famosos para concienciar a los jóvenes de que “no ensucien” el metro, y se aumentan las medidas de seguridad en las cocheras donde se guardan los trenes (dobles alambradas, muros más altos, aumento de la vigilancia e incluso perros guardianes), pero los vagones siguen apareciendo “grafiteados”, los vándalos consiguen burlar todas las medidas y seguir pintando.

Al fin los dirigentes y responsables del metro consiguen comprender la ideología de los “bombarderos” y que es lo que les impulsa a pintar cada día arriesgándose a ser detenidos, multados y encarcelados. Deciden entonces poner en marcha el plan con el que pretenden acabar de una vez por todas con los grafitis en los trenes, crean patrullas de limpieza que durante las veinticuatro horas del día y los siete días de la semana trabajan borrando todo lo realizado por los grafiteros, consiguiendo que los trenes salgan de las cocheras limpios y lustrosos, y circulen por la ciudad sin ninguna pintada. Con estas medidas, el grafiti en los trenes se da al fin por terminado, pues los vándalos desisten de pintar los vagones, ya que no los verán circular con sus llamativos nombres ni creaciones.

10 | 11

Entramos en los ochenta, la necesidad de pintar es irrenunciable, la adrenalina tiene que fluir y un nuevo horizonte aparece entonces para los grafiteros, deciden pasar de pintar en los trenes a hacer de la ciudad su lienzo. Pintar en la calle es un arma de doble filo, por un lado les da la posibilidad de disponer de más espacio, y buscando sitios abandonados o lugares poco concurridos, el vándalo tiene más tiempo y puede mejorar su trabajo empezando a darle un toque más “artístico”, pero por otro lado, pintar en la calle es más peligroso, estás más expuesto a ser visto y detenido infraganti.

Poco a poco los artistas callejeros empiezan a desarrollar un estilo propio que en muchos casos viene influenciado por sus conocimientos artísticos y utilizan la calle para expresarse, es el caso de Basquiat y su acercamiento al expresionismo abstracto, Futura 2000 y su deriva hacia la abstracción o Keith Haring que acerca su arte urbano al movimiento pop. Estos y otros muchos artistas que provienen del grafiti empiezan a manifestarse de una forma totalmente distinta, y utilizando los soportes que les proporciona la ciudad realizan intervenciones que se van popularizando, hasta tal punto que surgen nuevas galerías de Arte como Fun Gallery de Patti Astor, Time Square Show o la de Tony Shafrazi, galerías totalmente fuera de los circuitos populares, que desean contar con estos artistas callejeros para realizar exposiciones. En esta última ya expone el primer artista europeo, el francés Jean Faucher, que más tarde se unirá a los anteriormente citados para difundir su arte por las calles de New York.

Este es el momento en que el grafiti comienza a adentrarse en las galerías y a cambiar de soporte; evidentemente este cambio recibe el rechazo por parte de otros vándalos que no aceptan que sus colegas se vendan al mercado del arte, y critican claramente el hecho de que un grafiti que está concebido para ser visto en la calle, se pueda realizar sobre un bastidor, creyendo que en tal caso, esa pieza pierde todo el interés originario. Se está generando un nuevo concepto artístico, el Street Art empieza a interesar a un determinado público y ya no despierta el rechazo frontal que tuvo en la década de los 70.

Al adentrarse en galerías posibilita a estos primeros grafiteros el poder vivir de su trabajo y en las primeras exposiciones encontramos piezas de Blade, Zephyr, Seen, Futura 2000, Lee, Dondi White o Fab 5 Freddy, todos ellos pione-

Fun Gallery. Patti Astor y Futura 2000

Inauguración exposición en Times Square Show

Blek le Rat realizando un stencil

ros de las pintadas del metro de Nueva York. Para ellos, el poder realizar composiciones en lienzos les aumenta la posibilidad de ser más creativos, pueden pintar sin presiones, sin el miedo a ser detenidos y además pueden desprenderse del cartel de vándalos que tantos problemas les dio. Es un inicio ya imparable para el desarrollo en todo su esplendor del Street Art. Conforme se va consolidando este nuevo movimiento artístico y para evitar la acción de la policía, aparecen nuevas técnicas para intervenir en la calle, entre las más populares o significativas destacamos el stencil (la plantilla), el wheatpaste (papel y cola) o la pegatina. Estas técnicas te permiten que una obra hecha en muchos días de trabajo en el escondite del artista, pueda ser plasmada con rapidez en cualquier sitio y hacer una intervención en un muro en apenas unos minutos.

El francés Blek le Rat fue uno de los pioneros en el arte de stencil con spray. Influenciado por el grafiti después de un viaje a Nueva York, Blek desarrolla a principios de los 80 una técnica que en poco tiempo puede aplicarla en cualquier punto de la ciudad. Al tener Blek una formación académica en bellas artes, elabora plantillas con las que comunicarse con los ciudadanos y enviar un mensaje crítico a la sociedad.

Al principio Blek, pudo ir estampando sus plantillas con una relativa comodidad, esta nueva forma de intervención en la calle estaba poco vista en Europa y no ocasionaba problemas, fue ya en 1984 cuando a Blek le Rat le detuvieron por primera vez. En su “manifiesto del arte”, Blek deja claras sus intenciones y desde luego cualquier artista urbano haría suyas estas mismas palabras que dicen así: “Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del grafiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la evolución del arte...”.

A finales del siglo XX aparece la figura del norteamericano Shepard Fairey, más conocido como Obey, un artista urbano que se hizo popular con la técnica del wheatpaste. Este joven diseñador gráfico empieza a empapelar la ciudad con carteles de pequeño formato diseñados en su estudio, en dichos carteles se mostraba la foto del conocido lucha12 | 13

dor de wrestling André El Gigante, al principio su intención era solo sorprender al viandante, pero enseguida añade la palabra obey (obedece) a sus intervenciones, creando entonces un mayor impacto visual. Estas intervenciones que poco a poco van siendo más elaboradas y preparadas, siempre llevan un velado mensaje político y social, y en su estilo se ve una clara influencia de la estética del cartelismo y propaganda comunista de los años cuarenta.

Paralelamente a estas técnicas complementarias de arte urbano, el grafiti en paredes sigue evolucionando y haciéndose cada vez más artístico y complejo, con más color, más estilos y figuras junto a los textos. Conforme pasa el tiempo, muchos de los jóvenes estudiantes de bellas artes, ante la imposibilidad de acceder a galerías y mercados de arte, deciden mostrar sus creaciones en la calle.

Aunque sigue primando el writting (escritura), tanto las nuevas incorporaciones al street art de jóvenes que vienen con conocimientos artísticos, como aquellos que provienen del submundo del grafiti vandálico, todos van a ir creando estilos propios y entendiendo que la única forma de conseguir ser aceptados es dejando a un lado las intervenciones vandálicas con nocturnidad sobre el espacio público, e ir integrándose en la corriente de arte urbano, en donde las intervenciones son siempre previo permiso de las instituciones o de los propietarios de las fachadas o paredes.

Como era de esperar el arte urbano sobre paredes tenía que sorprendernos, gente joven con preparación artística en escuelas de diseño y Bellas Artes no podían quedarse estancados, y surgen nuevas corrientes y formas de plasmar el arte en la calle, los sprays han evolucionado, los artistas cuentan con una variedad de boquillas que les permiten lanzar la pintura al muro de diferentes formas, la gama cromática se amplía considerablemente y algunos artistas usan todo aquello que tienen a su alcance. A principios de siglo XXI aparece una corriente impulsada por el artista Niels “Shoe” Meulman que combina el grafiti y la caligrafía, asistimos al nacimiento del calligraffiti, una técnica tremendamente popular que ha ido in crescendo desde sus inicios.

Los artistas de calligraffiti crean en muchos casos sus propios códigos y lenguajes entrelazando las palabras y dándoles a las composiciones un verdadero carácter pictórico, en donde el espectador puede en algunos casos deleitarse con formas hipnóticas y códigos ocultos y en otros contemplar maravillosas tipografías de vivos colores y formas originales.

Shepard Fairey realizando una intervención de André el Gigante

Miss Tic con los diseñadores Lamarthe

Obra de Invaders en París

Obra de Bruno Pontiroli

Obra de Vhils con martillo y cincel sobre pared

Otros artistas representados en esta muestra y que cabría destacar son Miss Tic, Invaders o Faile, artistas que han sabido adaptarse a nuevos tiempos y nuevas técnicas y que han popularizado su arte. Miss Tic es una poeta y artista plástica que trabaja con la técnica del stencil. Sus famosas plantillas de mujeres, adornan las paredes de la capital desde hace varias décadas y desde hace años colaboras con distintas marcas en la realización de algunos diseños, es el caso de Kenzo, Louis Vuitton o Lamarthe. También cabe destacar a Faile dos artistas que usan las técnicas propias del street art, serigrafía, estarcidos, collages, pintura, etc.

Sus obras están inspiradas principalmente por imágenes antiguas, la cultura pop y los cómics, dando un toque muy particular a todas sus intervenciones. Otro artista a destacar por su originalidad es el francés Invaders, de identidad desconocida basa toda su obra en la cruda pixelación de los videojuegos de 8 bits de los años setenta a los ochenta.

Sus losetas de diversas temáticas aparecen como por arte de magia en ciudades de todo el mundo, dejando escenas artísticas en los lugares más insospechados. Y por último destacaríamos a Astro, artista parisino de los suburbios del norte en constante investigación en su obra y en su expresión gráfica. Astro trabaja con líneas y efectos tridimensionales para crear juegos ópticos e ilusiones en todo tipo en paredes y lienzos. Sus vórtices nos teletransportan a un mundo cercano al de Victor Vasarely, padre del arte óptico.

Al final de este periodo evolutivo, otros muchos y nuevos conceptos de arte urbano van apareciendo, lo que hace del Arte Urbano no un estilo, sino un movimiento artístico variado, complejo y global, con artistas tan creativos como el francés Bruno Pontiroli o el portugués Vhils.

Pontiroli es un artista sin formación académica, aprendió todo por sí mismo, acudiendo a talleres y leyendo libros.

Tiene como objetivo cambiar la visión relativamente estrecha del mundo, su trabajo perturba la imaginación de sus espectadores. Es el mundo donde reina un tipo diferente de lógica, es un universo surrealista pero con un toque muy personal compuesto de absurdos y paradojas. En cuanto a Vhils, destacaríamos que ha llegado a utilizar la dinamita como elemento escultórico en paredes, realizando pequeñas detonaciones sincronizadas consigue realizar retratos sorprendentes, trabaja también con ácido sobre metales, con cincel sobre madera, esculpiendo con martillo neumático en las paredes y creando retratos asombrosos a partir 14 | 15

de recortar con una cuchilla sobre innumerables carteles de publicidad superpuestos.

Con la fotografía también accediendo al campo del arte urbano de la mano de artistas como J.R. o Lee Jefrries, del cual exponemos una pieza en esta exposición, nos damos cuenta del gran trabajo que se puede hacer desde esta disciplina. Las composiciones monumentales de J.R. requieren en muchos casos ser visualizadas a cientos de metros de distancias, desde puntos estratégicos o utilizando drones, con el fin de tener una visión completa de la obra, y los retratos de Lee Jefriees a personas sin hogar describen con una sola imagen las vivencias y luchas de estas personas frente a la sociedad.

A nivel mundial el grafiti ha conquistado todos los países y continentes, hasta llegar a aquellos rincones como Oriente Medio, en donde la expresión artística conlleva dificultades extremas y el grafiti, asociado a la cultura americana, aun es más denostado. El artista iraní A1one, fue pionero en el desarrollo del grafiti en Oriente Medio, lo que le originó innumerables problemas, pues abrir el camino en una sociedad tan complicada, fue sin duda un acto de valentía.

Posteriormente vinieron otros artistas entre los que cabe destacar Icy&Shot, que dominan maravillosamente la técnica del stencil, realizando composiciones muy complejas con plantillas muy elaboradas.

Mención aparte merece el artista más mediático del arte urbano, Banksy. Trabajando con la técnica del stencil la popularidad de este vándalo de Bristol ha rebasado todas las fronteras y su nombre es conocido en todo el mundo.

El stencil le ha posibilitado a Banksy la facilidad de que el cualquier momento y en cualquier lugar del mundo, en apenas unos minutos nos sorprenda con una creación.

Banksy bebe directamente de las fuentes de Blek le Rat y es famosa su frase en la que nos dice: “cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes”. El anonimato de Banksy le ha otorgado cierto halo de misterio, creando en torno a él un elaborado y complejo marketing, que sabe utilizar de una manera magistral para que sus intervenciones en la calle, o en todo aquello que rodea su mundo tenga siempre una repercusión global. Sus obras codiciadas por coleccionistas alcanzan altos precios en salas de subastas y es junto con Keit Haring y Basquiat los artistas del street art de más alta cotización, cabe recor-

Montaje de una fotografía de Lee Jefriees

Art is Trash interviniendo en la basura

Okuda en proceso de trabajo

Pichi&Avo trabajando en un mural

dar que en el 2017 un cuadro de Basquiat fue en ese momento la obra más cara jamás vendida de un autor americano.

A nivel nacional son muchos los artistas que tienen un reconocido prestigio y fama internacional, Belin y su post-neocubismo nos sorprende creando retratos de gran realismo a la vez que los deforma en composiciones cubistas, Pichi&Avo han sabido fusionar el grafiti al estilo más puro con el arte clásico, creando grandes murales que se reparten por diferentes países, o Pantone, que trabaja la geometría y los colores como si de una fórmula matemática se tratara, y recientemente Okuda, con su arquitectura geométrica y su mundo multicolor, ha sido el protagonista en Boston al decorar con siete magnificas esculturas el Seaport Boulevard. También merece ser mencionado Art Is Trash el alter ego de Francisco de Pájaro, que recorriendo las ciudades por la noche, vislumbra en los montones de basura composiciones que solo él puede transformar en obras de efímero arte callejero, Art is Trash ha paseado su peculiar estilo de Arte Urbano por Londres o Nueva York.

A nivel local, la obra surrealista y de composiciones imposibles del artista y diseñador conocido como Kraser, se puede contemplar por diferentes países europeos y Carlos Callizo nos sorprende con retratos cargados de fuerza y miradas que nos atrapan, retratos que se pueden contemplar por varios puntos de la geografía nacional, habiendo hecho un mural en el mítico Le Mur de París y recientemente fue invitado por la O.N.U. al Stand de Arte Español en la Feria CIFTIS 2018 en Beijing.

También tenemos que destacar la aparición en el panorama regional de Murcia de la organización denominada Murcia Street Art Project, que ha dado un impulso vital al arte urbano en la Región de Murcia y poco a poco quiere salir de sus fronteras regionales impulsando exposiciones como la que se presenta en el Museo de Arte de Almería – Espacio 2. Murcia Street Art, cuenta con una de las mayores colecciones de arte urbano, artistas de más de cincuenta nacionalidades y unas setecientas obras de arte urbano, hace que esta colección, que se mantiene viva, se consolide como una de las más importantes a nivel europeo, no solo por la cantidad sino por la calidad, pues encontramos obras de artistas de renombre internacional como Banksy, Obey, Seen, Futura 2000, Jon One, Blek Le Rat, Vhils, Dran, Keith Haring, artistas nacionales del talento de Okuda, Pichi&Avo, Borondo, Belin, Dulk y por supuesto artistas lo16 | 17

cales de la talla de Kraser y Carlos Callizo, sin olvidar a los pioneros de este movimiento del grafiti en Estados Unidos, incorporando a su colección obras de los míticos Poem, T-Kid, Toxic, Duster, Lady Pink, Blade o Sonic entre otros, artistas que dejaron su firma en cientos de vagones de metro de la ciudad de Nueva York.

En estos momentos tenemos plenamente integrado el arte urbano en la sociedad, los artistas han pasado en muchos casos de pedir permiso a ser reclamados para la realización de murales con diferentes motivos, ya sea para el embellecimiento de fachadas, la recuperación de barrios degradados o como reclamo turístico.

Los jóvenes vándalos de los setenta son ahora auténticas leyendas cuyas obras son codiciadas por coleccionistas, han proliferado en toda Europa y Norteamérica las galerías y subastas especializadas en Arte Urbano. Cope2, JonOne, Speedy Graphito, Vhils, Okuda, etc, y los mencionados a lo largo de estas líneas, han sido los pioneros en la creación de un nuevo movimiento artístico que conocemos como Arte Urbano.

En conclusión podemos afirmar que pintar en la calle o sea el Arte Urbano será el primer movimiento artístico internacional del siglo XXI, con una dimensión global que solo hoy puede conseguirse con la globalización de la sociedad y la existencia de las redes sociales.

Aparecen las Guerras de Estilos (Style Wars) y empiezan a cubrirse más superficie en los vagones de metro. Top to bottom (Piezas de arriba a abajo), End to end (Piezas de extremo a extremo), Whole Car (vagón entero) o Married Couple” o “gusanos” que equivalían a dos vagones enteros. Primeras piezas con figuras y personajes.

Aparición por primera vez en el metro de las Bubbles Letters en una obra de Phase 2 en el metro de Nueva York.

Inicios. Primeros Tags en Filadelfia de Cornbread y figuras en París de la mano de Zlotykaimen.

1965/68

1972

1970

Primeros Tags en Nueva York de Taki 183, Cay 161, Barbara 62, Rapo 184, Stitch, etc..

1973/84

1973

1980

Pistol I estampa por primera vez unas letras en 3D en el Metro de Nueva York.

Se abren las primeras galerías de Arte urbano, Fun Gallery y Time Square Show. Exposiciones de Basquiat, Keith Haring, Futura 2000, Dondi White, etc.

18 | 19

Blek Le Rat empieza en París a estampar sus primeros stencils.

Seen viaja a California y escribe su nombre sobre el famoso cartel de Hollywood.

La fotografía, de la mano de J.R, irrumpe en el Arte urbano.

1985

2001

1983

1985

1990

2007

Cope 2 realiza los primeros Trhows Ups o vomitados, una mezcla entre el tag y las letras pompa, de fácil y rápida aplicación, fueron tremendamente populares en Nueva York.

Shepard Fairey irrumpe con sus Wheatpaste en la escena del Street Art.

Surge, de la mano de Niels “Shoe” Meulman, el “Calligraffiti”, fusión del grafiti y la caligrafía.

Okuda San Miguel interviene en la Iglesia “Skate” de Llanera en Asturias, creando una obra magistral.

Una obra del artista urbano Basquiat se convierte en la pieza más cara jamás vendida por un autor norteamericano: 110,5 millones de dólares.

Fallece por COVID-19 NIC707, leyenda del graffiti de los 70 de Nueva York.

2017

2020

2015

2016

2018

Kobra pinta en Río de Janeiro para las Olimpiadas que se van a celebrar, el mural más grande del mundo superando los tres mil metros cuadrados.

Banksy destruye una obra suya en directo en una subasta después de ser adjudicada por más de un millón de euros.

2021

Crhistie´s y Shoteby´s sacan a subastas obras del artista urbano Aboudia.

20 | 21

CONTINUA EVOLUCIÓN Kraser Artista

Evidentemente, siempre hay desacuerdos en todo lo que refiere a la historia reciente, y como no, el graffiti no iba a ser menos. Aunque surgió para declararle el amor a una persona querida, rápidamente evolucionó y se expandió como un virus por todo el mundo, dejando a su paso un sinfín de polémicas tanto dentro como fuera del graffiti. ¿Cuándo se inicio? ¿Qué es graffiti? ¿Legal o ilegal? Y así surgen numerosas cuestiones que se discuten diariamente sobre el graffiti.

Desde mi humilde opinión, creo que se ha suscitado una controversia al utilizar literalmente la palabra graffiti para identificar el movimiento artístico. Del mismo modo, está sucediendo con el Street Art o Arte urbano. Quizás por este mismo motivo y por no caer en divagaciones filosóficas particularmente intento no abordar mi trabajo desde esos enfoques y evitar utilizar esas definiciones.

Como punto de partida, debemos diferenciar entre el significado en sí de la palabra y su uso y, por otro lado, el uso de la palabra como nombre de un movimiento artístico.

A mi parecer, éste es el error que muchos cometen, dado que son dos cosas totalmente diferentes e idénticas a la misma vez. Quizás por este motivo se acuñó este término para identificar estas pintadas individuales al inicio, sin darse cuenta de que estábamos ante la eclosión de un movimiento artístico sin precedentes.

Aunque se escribe y suena igual, para mí no es lo mismo. Si nos centramos en el significado de la palabra, nos podríamos remontar a miles de hallazgos arqueológicos encontrados por todo el mundo y que los arqueólogos correctamente denominan graffiti, como las pinturas rupestres en la Isla de Sulawesi (Indonesia) calificadas como proto-graffiti.

Por otra parte, si hablamos de graffiti como movimiento artístico nos situamos en Filadelfia y Nueva York en la década de los años 60.

22 | 23

Para mí, todo se inicia con el graffiti como movimiento artístico, uno de los cuatro elementos de la Cultura Hip Hop que me cautivo hace más de tres décadas y cualquier otra representación anterior yo no lo considero graffiti, aunque lingüísticamente hablando sea correcto y adecuado su uso.

Podría hablaros sobre la escena en sus inicios en Estados Unidos, de sus integrantes y sus logros, pero creo que no soy la persona adecuada para escribir sobre este tema, sobre todo porque, cuando la Guerra de Estilos en América estaba en pleno apogeo, yo solo tenía un año. Yo no viví esa etapa como para escribir sobre ella y no cometer errores. Sin embargo, he vivido otra muy parecida y diría hasta idéntica años después en España.

La Guerra de Estilos ha sido el pilar decisivo en cada ciudad del mundo para evolucionar como movimiento artístico unificado, dejando de lado la evidencia clara de la necesidad intrínseca del ser humano de dejar huella.

Incluso para mí, la mentalidad de una competición sana entre los artistas y enriquecerse continuamente para alcanzar la fama, y convertirse en el “Rey” fue el desencadenante para pasar de una simple firma (tag) a la búsqueda de un estilo único, diferenciándome a simple golpe de vista del resto de artistas.

Los artistas o escritores de graffiti (writers) más inquietos e ingeniosos han buscado esta continua evolución estética en su trabajo, ofreciéndonos, un gran numero de intervenciones artísticas en todo tipo de soportes y “customización” sobre todo tipo de objetos, como radio casette, chaquetas o zapatillas.

Mucho más diversificado, fue tras la contribución de Europa a este movimiento, desarrollándose a raíz de la exposición que introdujo el graffiti de Nueva York en Europa, realizada en la Galleria La Medusa de Roma en 1979 por Claudio Bruni y posteriormente, por el galerista holandés Yaki Kornblit en Ámsterdam. Después de este momento, los artistas europeos con sus aportaciones a la hora de interpretarlo y la introducción de nuevos elementos, estilos y conceptos, amplificaron el graffiti en todos los sentidos, llegando a influenciar hasta el graffiti americano a su regreso.

Muchas de estas nuevas técnicas e intervenciones se admitieron mientras que otras no se han llegado a aceptar como graffiti entre los propios componentes del movimiento. Entre los writers acérrimos es habitual el desprecio y rechazo a la evolución. Recordemos que, inicialmente, el graffiti

está íntimamente vinculado con la cultura Hip Hop, su alter ego y su código de conducta inusual e independiente.

Es normal que, cuando se introducen limites, se procede al fin de la evolución en sí. Sin embargo, estos límites se sobrepasan habitualmente por los creadores más inquietos o subversivos, dando origen a otras vertientes paralelas como es el caso del Street Art o Arte Urbano, que se originó en la década de los años 80 por la necesidad de expresarse con otras múltiples formas plásticas, como las plantillas (stencil), cartelería artística, adhesivos (sticker), instalaciones de pequeño o gran formato, entre otras que inicialmente fueron excluidas por el mundo del graffiti.

Si algo hay que acentuar sobre el graffiti ha sido su capacidad para convertir el espacio público en el soporte más grande y versátil jamás visto en el mundo del arte hasta el momento. Ha abierto la puerta a infinidad de posibilidades a la creación y en la manera de concebir el Arte Contemporáneo actual. A la vista está la gran variedad de festivales de Arte Contemporáneo o festivales alternativos que han aflorado en estos últimos años, y utilizan la vía pública como lugar de actuación, o festivales de Street Art que han creado museos al aire abierto alrededor de todo mundo, efectuando pintura mural de dimensiones monumentales jamás vistas anteriormente.

Particularmente, me resulta curioso que, siendo el graffiti “el padre” del Arte Urbano, con el paso del tiempo lo han convertido en una de las tantas ramificaciones del Arte Urbano, para mí no es así y voy más allá cuando digo que me resulta verdaderamente inapropiado. El graffiti tiene entidad propia y conceptualmente es diferente, aunque muchas personas no están capacitadas para distinguirlos. Cierto es que, en muchos casos, la línea que separa uno del otro es tan sutil que visualmente parece idéntico, pero no lo es. Nadie en su sano juicio diría que un cuadro impresionista es lo mismo que un cuadro expresionista, simplemente por que son cuadros.

Pasadas seis décadas desde el inicio y viendo la aceptación reciente de estos movimientos artísticos en cualquier tipo de institución del sector del arte, puedo decir que la constancia y pasión de estos artistas han demostrado al mundo que todo es posible, que el arte no tiene ataduras ni limites, nunca los ha tenido y no los tendrá. Ahora depende de todos nosotros en otorgarle unas bases sólidas a este momento histórico para que siga en continua evolución, sin impedimentos de ningún tipo.

24 | 25

TODO EMPEZÓ EN 1984 Francisco Reyes Profesor de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid

La relación de los ciudadanos con el entorno en el que viven suele estar determinada por los elementos que conforman el espacio. La experiencia creada en relación a este espacio influye necesariamente en las relaciones culturales, económicas y sociales que conforman la experiencia de vida de dichos ciudadanos. Así, nadie escapa al espacio que le rodea y, en todo momento, influye en su desarrollo y en su manera de explicarlo y construirlo.

El graffiti es un elemento esencialmente urbano que está, en todo momento, construyendo la experiencia y la relación descrita del ciudadano con su espacio de una manera creativa y participativa. El graffiti es, en principio, una parte fundamental sobre la que se sustenta el concepto de cultura urbana como parte del arte popular. Con toda probabilidad, es la que despierta mayor interés en las personas ajenas a la cultura “hip hop” que es la base sobre la que se sustentan los elementos que la conforman: breakdance, rap, dj, beatbox y graffiti. Pero... vayamos por partes, ¿qué es eso del graffiti?

Cuando hemos paseado por las calles de cualquier ciudad del mundo, en algún momento nos hemos planteado, a la vista de pinturas sobre muros de la ciudad o cualquier mobiliario urbano, si es lo mismo una pintada que un graffiti.

En este sentimiento de ambivalencia que nos movemos respecto a los planteamientos estéticos que nos sugiere la visión de estas obras, la respuesta se encuentra condicionada por la cultura y la educación que nos perfila como personas. A efectos prácticos, la primera conclusión que se deriva de esta pregunta es que no existe relación entre ambos conceptos: una pintada es un mensaje anónimo sin voluntad de estilo, mientras que un graffiti es una firma sin mensaje, con cierto componente estético y un toque artístico. En realidad, podríamos afirmar que se trata de un individuo que escribe-dibuja con rotulador o spray su alias por 26 | 27

donde pasa con intención de darse a conocer, dejarse ver.

El graffiti es algo que nos afecta puesto que está presente en el espacio en el que desarrollamos nuestra actividad vital convirtiéndose en una rutina visual que, para bien o para mal, nos hemos acostumbrado a retener como parte del imaginario visual del entorno.

La mayoría de los estudios que se han realizado en nuestro país sobre graffiti tratan sobre las pintadas, y se han abordado desde un punto de vista casi exclusivamente sociológico. El entorno ocupado es el medio público, creando esta circunstancia un sistema en el que la interpretación y valoración de la libertad de expresión del artista y el respeto por el espacio público compartido entran en conflicto.

Pero... ¿y el graffiti? El espacio creativo pertenece en exclusiva al graffiti; no es mensaje, es expresión de una manera de entender el espacio público como muro de propaganda y de identificación y personalización del individuo frente al resto. El grafitero no contempla el espacio público que conforma la ciudad, sino que lo usa en beneficio propio creando un estilo individual que le hace diferenciarse del resto de los ciudadanos con los que comparte ese entorno. Y lo hace desde la creatividad y el riesgo de lo inaccesible con el ánimo de llegar al mayor número de personas posibles; no es el arte por el arte, es el arte para todos contextualizado en un espacio público fuera de la rentabilidad económica derivada dentro de los muros de cualquier museo. Pero, por otro lado, el grafitero se apropia de un espacio que no es suyo, sino de todos, creando una disfunción en el mismo que le transforma en objeto de rechazo. Y es aquí, donde entra el conflicto y donde la constitución de defensores y detractores se enzarza en una disputa en el que ambas partes dejan de querer conocerse para intentar imponerse.

El origen lo podemos situar en Estados Unidos, desde donde se exportó al resto de países del mundo, empezando como una moda pasajera y consolidándose como una experiencia vital. Un joven norteamericano apodado Cornbread en Filadelfia y otros, poco después como Taki 183 en Nueva York, tuvieron la “culpa”, a finales de los años 60, de que la práctica de escribir el nombre en las paredes y trenes se popularizase entre los jóvenes de todo el mundo. De ahí a los reportajes en televisión, a las galerías de arte, al cine y a Europa, donde a finales de los 80, los jóvenes del hip hop comenzaron a escribir su nombre las paredes, mobiliario urbano y trenes. Hoy en día se ha extendido por todo el mundo.

Pieza de Muelle, 1988

Escritor de estilo flechero, años 80

Pastron#7, 1991

Toeo, escritor madrileño pionero, 1988

Hacia 1981, la palabra Muelle, comienza a verse repetidamente por los muros de la ciudad de Madrid. En esa época, Juan Carlos Argüello, un joven vecino del barrio de Campamento, decide escribir su apodo: “Muelle” por todos los sitios por donde solía pasar. Tanto con rotulador como con spray. La familia de Muelle asegura que ya desde 1977 Juan Carlos escribía su apodo por todo el barrio, pero fue durante la primera mitad de los 80 cuando se empezó a hablar de esa firma, la única hasta el momento, que aparecía en infinidad de muros de la ciudad.

Muelle estuvo firmando en solitario durante el primer tercio de la década y pronto, otros decidieron que querían hacerlo también, que querían sus quince minutos de fama, como dijo Andy Warhol. Y así fue, quizá el grafitero más importante después de Muelle fue Bleck la rata. Otro estilo, pero igual de eficaz y además, más trasgresor que Muelle.

Prefería, por ejemplo, pintar en los baldosines de los andenes del metro, mientras que Muelle lo hacía en los carteles de publicidad del andén.

El Muelle “pintó en el cruce de Arturo Soria con López de Hoyos, en 1990, y yo me iba todas las tardes a ver la pieza para intentar entender cómo había hecho esos trazos tan limpios. En realidad, nos llevaba ocho años de ventaja a todos. Era el número uno” (Pastron#7).

Durante un tiempo prácticamente sólo se veían esas dos firmas en la ciudad: Muelle y Bleck. Y se creó una curiosa rivalidad que culminó en su primer encuentro en persona gracias a un programa de radio que los puso en contacto.

Desde entonces se harían muy buenos amigos.

De Muelle (fallecido en 1995) a la situación actual hay un abismo. Él hacía “graffiti sin molestar”: Como él mismo decía: “una firma decorativa que no generase un gasto”. Un “famoso anónimo” que creó escuela.

Poco tardaron en surgir seguidores, que a la postre se harían muy conocidos, como Glub o Tifón (el actor y director de cine Daniel Guzmán), Joselio, Juanmanuel, Fer, JYS, Remebe, Toro, Tiri… y un largo etcétera de firmadores compulsivos que firmaron durante toda la década y hasta principios de los 90.

Muelle se había convertido por méritos propios en un personaje muy conocido, respetado y admirado durante la Movida Madrileña (movimiento contracultural surgido en Madrid hacia 1978 y que duró hasta mediados de los 80) y su legado, el graffiti flechero y los grafiteros flecheros, se ha mantenido vivo hasta nuestros días.

28 | 29

Solemos llamar graffiti flechero al que realizaba Muelle y el que imitaron todos sus seguidores en los primeros años. Se trata de una firma con una flecha o varias, a modo de espiral, tirabuzón o simplemente flecha en línea recta. Se les llama flecheros también (y sobre todo) para diferenciarlos de los grafiteros que utilizan el estilo de graffiti hip hop, más tradicional, global e importado de Estados Unidos.

La llegada del hip hop a España, cambiaría radicalmente este panorama de los primeros graffitis, de Muelle y de los flecheros. Todo empezó en 1984, un nuevo actor entra en el mundo del graffiti. Se trataba del hip hop. Después de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles y en una España en la que la moda del aerobic, el chándal, las cintas en el pelo, las muñequeras y los calentadores estaba a la última, de repente, un día de septiembre de 1984, en el programa de TVE 1, 2, 3, Responda otra vez, la presentadora, Mayra Gómez Kemp dio paso a una actuación musical del grupo Break Machine, que interpretaron el tema Street Dance.

Aquello lo cambió todo. Todo lo que se emitía en un programa que contaba con una media de 22 millones de espectadores, se ponía de moda inevitablemente. Y así pasó con el breakdance.

Fueron pasando los meses y hacia finales de 1984 y principios de 1985, los primeros bailarines de break, ya éramos conscientes de que pertenecíamos a un movimiento mucho más amplio que se llamaba hip hop, y que estaba formado por cinco disciplinas diferentes: breakdance, rap, dj, beatbox y graffiti.

Sin embargo, hacia 1986 el mensaje del break estaba acabado, y en 1987 no pasó prácticamente nada. Un año en blanco. Pero ya en el 88 los primeros sonidos de rap en los medios y las primeras firmas de los “raperos”. El rap y el graffiti estaban en los medios y todo el mundo quería tener su firma. Los grafiteros copiábamos letras de los libros Subway Art o del Spray Can Art y de películas como Colors, The Warriors o New Jack City. Los “grafiteros hip hop” habían invadido el territorio de los flecheros.

Los años fuertes de graffiti en España coincidieron con el boom del rap en español: de 1989 a 1991. En 1992 el movimiento graffiti pareció desaparecer a nivel mediático, y en la segunda mitad de los 90, con la fuerza del graffiti en Barcelona, gracias a escritores como Kapi y Moockie y sobre todo a la creación de la marca de spray Montana, el graffiti vive una segunda edad de oro, aunque alejado de

Beat Street, Stan Lathan, 1984

Breakdance, Jopel Silberg, 1984

De izquierda a derecha; Koa, Roc 1 y Kapi, Barcelona 1990

Graffiti de Mast, 1990

Seone QSC, 1989

Tom Rock, Alicante 1989

Primer graffiti pintado en Sevilla, 1984

Graffiti de Shrimp, 1989

los medios y más underground. Llegaría la década del 2000 y surgen nuevas formas de expresión en el graffiti, como el arte urbano, el realismo y los estilos nuevos como los de El Niño de las Pinturas, Okuda o Boa Mistura.

Ha habido muchos escritores de graffiti importantes en la historia de España. Podría dar una lista en la que no están todos los que son pero sí son todos los que están: -Muelle, Bleck la rata, Tifón, Glub, Remebe, Joselio, Juanmanuel, Larry 88 y un sinfín de flecheros que “inventaron” una forma de dejar su firma sin saber qué se estaba haciendo en Estados Unidos.

-Kapi y Zeta por ser los “hombres hip hop” y representar la constancia y las cosas bien hechas durante décadas en el graffiti y en los demás palos de esta cultura.

-A Suso 33 por ser y haber sido el escritor más completo, nuestro artista más internacional, el que más tiempo lleva ganándose la vida y destacando con esto. Un genio. Sin duda.

-Musa y Pocho/Sems/Jast/AGS por dominar el wild style como nadie durante tantos años.

-Ardi por ser el original bombardero hip hop en los primeros años.

-Mast por ser, quizá, el mejor artista del graffiti en los inicios.

-Kool y los QSC por ser los referentes del estilo en el trienio 1989-1991.

-Grupos como ASR, PTV y CZB por haber generado competencia y crear escuela al margen de QSC. -Toda la escena de Barcelona de los primeros años con Kapi a la cabeza. Ellos iban tres años adelantados al resto de la península.

-Loco 13 y Tom Rock por pioneros en Alicante.

-Chile por constancia y creatividad desde Castellón.

-Fini, Shrimpy, Kade, Paco Goma, Maikel y toda la gente de Freeze Rockers por ser los primeros en todas las disciplinas del hip hop en Sevilla.

-Por supuesto Buni, el bombardero que más ha pintado (probablemente) en todo el planeta desde finales de los 90.

-El Niño de las Pinturas por haber cambiado el paradigma del graffiti a principios de los dosmiles.

Podría seguir así durante varias páginas, pero en algún momento hay que parar y creo que esto es una muestra lo suficientemente representativa.

En cuanto a los artistas de graffiti que participan en el Murcia Street Art Project, me llena de “orgullo y satisfacción” ver a gente como mi admirado Belin (el mejor en lo suyo), Toren (me vuelven loco esos efectos ópticos) o las para30 | 31

noias de Grito, entre otros. Todo va a salir bien. Disfruten del show.

Y este es el graffiti que tenemos en la actualidad. Con el auge de Internet, ya no se valora la profusión de la firma o de la obra. El objetivo de “llegar a toda la ciudad” se ha transformado en “llegar a todo el planeta” y se puede conseguir con las redes sociales. Podemos decir que el graffiti tradicional ha muerto y ha nacido el telegraffiti, como lleva muchos años diciendo Suso 33.

CATÁLOGO DE OBRAS

34 | 35

ABOUDIA Abiyan (Costa de Marfil), 1983

Aunque su obra nos muestra un carácter audaz y colorido, uno no puede dejar de sentir la oscuridad y la muerte que se muestra en su arte. Sobrevivió a la brutal guerra civil de Costa de Marfil, convirtiendo el sótano en el que se escondía en su “estudio de arte”. Empezó pintando en su pueblo con trazos de carbón que recogía del suelo. En sus obras se reflejan casi siempre los niños de la calle, con los que se siente muy identificado. Sus grandes lienzos guardan una evidente relación con la obra de Basquiat de la cual hereda el rotundo trazo expresionista, la conciencia de raza y un magistral uso del color. Su obra forma parte de colecciones tan importantes como la de la Galería Saatchi (Nueva York) o la Frank Cohen Collection (Londres). En el mercado de las subastas, en los últimos años algunas de sus pinturas han alcanzado precios superiores a los cien mil dólares.

GARBA

Técnica mixta sobre lienzo. 177x176,5 cm

36 | 37

AEC INTERESNI KAZKI Kiev (Ucrania), 1980

Aleksei Bordusov, alias Aec Interesni Kazki, es un artista ucraniano cuyas obras surrealistas adornan las paredes de todo el mundo. Sus murales brillantes e intrigantes, inspirados en la ciencia, la religión, la cosmología, los mitos y los tiempos pasados, están llenos de color.

Las piezas altamente detalladas de Aec parecen provenir de un cuento de hadas poblado por coloridas criaturas imaginarias. Su apodo Interesni Kazki significa literalmente Cuentos de hadas interesantes. Aunque estudio arquitectura, su carrera se centra en el arte. En los 90 empieza con el graffiti y más tarde lo abandona dedicándose por completo al muralismo. Sus obras se pueden encontrar en las paredes de toda Europa, en Australia, EE. UU., Puerto Rico, India, Brasil, etc… Aec ha realizado exposiciones individuales en galerías de Italia, Estados Unidos y Francia.

THE SPEED OF LIGHT

Acrílico y tinta sobre lienzo. 125x140 cm

38 | 39

ALEX MAC 3HC París (Francia), 1973

Inspirado por la cultura hip-hop, comenzó a cubrir las paredes de la capital francesa y sus suburbios con letras y personajes, hasta que encontró su propio estilo. Especializado en retratos a gran escala, a menudo representa figuras prominentes en la industria de la música rap o mujeres oníricas. Sus heroínas son mujeres nativas americanas, androides futuristas y sensuales, y sacerdotisas que abarcan la belleza mística de las diosas femeninas. Abordado por las galerías de arte, Alex también ha trasladado su talento al lienzo clásico.

EMBLEMATIK

Técnica mixta sobre metal. 96x130 cm

40 | 41

ALËXONE París (Francia), 1976

Alëxone Dizac es un pintor e ilustrador francés, procedente del mundo del graffiti. Su obra se compone de un bestiario surrealista, como pingüinos decapitados o ciegos, gatos o elefantes de aspecto extraño. A principios de los noventa, comienzo a grafitear en los vagones del metro y en lugares abandonados. En el 2000 empieza a introducir personajes en sus obras. Es al lado de Jean Faucheur donde se inicia con otras técnicas del street art creando obras en papel destinadas a un lugar preciso, que luego pegará en las calles. No duda en utilizar diversos medios y soportes: aerosol, papel, pintura acrílica y resina. Su trabajo es minucioso y requiere una larga preparación. El arte de Alëxone es visible desde París a Nueva York a través de Marrakech, Berlín o Miami.

FIFTY FIFTY

Técnica mixta sobre lienzo. 50x50 cm

42 | 43

ARKANE Aviñón (Francia), 1993

Arkane es un artista multidisciplinar de Aviñón que vive en Montpellier. Trabaja en tres campos bien diferenciados, la fotografía, la pintura y todo esto lo deriva hacia el street art. Sea cual sea el campo, su propósito sigue siendo el mismo: obtener una imagen. Un poco voyerista, se inspira en el cine y la cultura retro. Su pasión por el séptimo arte, especialmente por la serie B, se refleja en sus creaciones. Explora así los tabúes, las ansiedades, la violencia de nuestro mundo en un tono poético y oscuro.

L’INVITATION

Óleo sobre lienzo. 116x81 cm

44 | 45

ASTRO París (Francia), 1981

Iniciado en el tag y el graffiti al más puro estilo wild style, este parisino de los suburbios del norte es uno de esos artistas en perpetua investigación en su obra y en su expresión gráfica. ASTRO trabaja con líneas y efectos tridimensionales para crear juegos ópticos e ilusiones en todo tipo de paredes. Sus vórtices nos teletransportan a un mundo cercano al de Victor Vasarely, padre del arte óptico. Su paleta de color se ha vuelto frugal, casi denotando un deseo por el arte minimalista para reforzar el equilibrio con la abundancia gráfica. La maestría es total y el sentimiento que emerge de este muro es el de un equilibrio dinámico.

SQUARE OF COLUMNS

Acrílico sobre lienzo. 50x50 cm

46 | 47

BANKSY (DISMALAND) Bristol (Reino Unido), 1974

El más mediático de los artistas de Arte Urbano y de identidad desconocida, tomó contacto con dicho movimiento en la década de los 80. Influenciado por Blek le Rat, trabaja principalmente la técnica del stencil en sus piezas, las cuales rebosan de una acida critica a la sociedad. Sus intervenciones a lo largo de todo el mundo son realizadas con “cuentagotas” y tremendamente populares en cuestión de minutos. Entre sus excentricidades cabe destacar que en el 2018 autodestruyó en directo, utilizando un dispositivo oculto, una obra suya al alcanzar el precio de venta en subasta de un millón de euros.

PULP FICTION

Acrílico con plantillas sobre cartón. 26x26 cm

48 | 49

BELIN Linares, Jaén (España), 1979

Miguel Ángel Belinchón Bujes, más conocido como Belin, desde muy pequeño tuvo la iniciativa de mantenerse creativo a todas horas y en todos los aspectos. Después de intentar adaptarse a un programa educativo artístico obsoleto, decide desertar y bucear en bibliotecas, museos y otros artistas hasta conseguir dar rienda suelta a la inventiva que yacía en su mente. En la actualidad este artista ya tiene un amplio currículum, reconocido mundialmente por su técnica hiperrealista al spray. Creador del Post Neo Cubismo, que se basa en la deformación antropomórfica de humanos y animales, ha pintado para firmas como Dockers, Carhartt, Sephora etc.

MARTA

Acrílico sobre madera. 200x200 cm

50 | 51

BEN CHILLOUS Perpignan (Francia), 1996

Estudió animación durante cuatro años en IDEM en Soler. Y trabajó como diseñador gráfico para estudios de aplicaciones móviles.

Más tarde se trasladó a vivir en Nueva Caledonia donde comenzó a trabajar como autónomo. Fue esta experiencia la que me dio el gusto por los viajes. De vuelta en Francia, las exposiciones se acumularon y poco a poco le permitieron presentar su trabajo. Hoy hace malabarismos entre el tatuaje, la ilustración y la pintura.

FANTASÍA MARINA

Acrílico sobre madera. 200x200 cm

52 | 53

BLADE New York (Estados Unidos), 1957

Steven D. Ogburn, más conocido como Blade, un famoso artista callejero de Nueva York y orgulloso propietario del título de King of Graffiti desde que pintó más de cinco mil trenes. Blade comenzó a escribir en los trenes en 1972 y dejo de hacerlo en 1984. Su talento se basa en la originalidad de sus letras y sus formas increíblemente imaginativas. En 1981 participó en la muestra BLADE New York / New Wave para la PS1 Gallery de Nueva York, que en ese momento no era el museo contemporáneo actual, sino un espacio ocupado autogestionado. El evento pasó a la historia por la participación de artistas clave del arte contemporáneo, nombres como JM Basquiat, Keith Haring, Dondi, Seen, Lee Quinones y muchos otros.

CANDYLAND

Acrílico sobre lienzo. 66x178 cm

54 | 55

BLEK LE RAT París (Francia), 1952

Xavier Prou, más conocido como Blek Le Rat tomo contacto con el grafiti en 1971 en un viaje a New york, diez años después trato de emularlo en las calles de Paris. Desde entonces tiene gran influencia en el grafiti actual y en lo que se llama “arte de guerrilla”. Es considerado el “padre del stencil” (plantilla). El artista de grafiti británico Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo “cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek Le Rat lo hizo mejor, sólo veinte años antes”. Blek es toda una leyenda y es admirado por los artistas más jóvenes que se adentran en el Arte Urbano.

THE ASTRONAUT

Acrílico sobre lienzo y plantillas. 100x81 cm

56 | 57

BRUNO PONTIROLI París (Francia), 1981

Ya desde muy pequeño le cautivó el dibujo, sin formación académica, aprendió todo por sí mismo, acudiendo a talleres y leyendo libros.

Con el objetivo de cambiar la visión relativamente estrecha del mundo, Bruno Pontiroli es un artista cuyo trabajo perturba la imaginación de sus espectadores. Es el mundo donde reina un tipo diferente de lógica, es un universo compuesto de absurdos y paradojas. Pontiroli dibujó graffiti en los trenes subterráneos de París y de los principales países europeos.

Como admitió, fue un período divertido de su vida, cuando el objetivo no era tanto pintar, sino simplemente, lograr trabajar solo unos minutos. Hoy expone en diversas galerías de Arte por Europa y Estados Unidos.

L’AMUSE GUEULE

Óleo sobre lienzo. 162x130 cm

58 | 59

C215 Bondy (Francia), 1973

Christian Guémy eligió C215 como su apodo, este número era el de su celda cuando estuvo preso por pintar en la calle. Dado que lleva activo durante más de 20 años, se le considera un veterano y uno de los mejores en la técnica del stencil. Su obra se extiende por todo el mundo. Para C215, las partes más importantes de su trabajo son los sentimientos de dentro, la expresión de los ojos y la historia detrás. Pinta, dibuja y hace plantillas, y realmente disfruta trabajando en las calles. Sus elaboradas plantillas, aparecen en las calles de varias ciudades de todo el mundo, como Nueva Delhi, Londres, Estambul, Fez, Roma, Barcelona y París.

MOMENT TENDRESSE

Técnica mixta sobre tabla. 88,5x64 cm

60 | 61

CARLOS CALLIZO Sevilla (España), 1965

Doctor cum Laude en Bellas Artes por la Universidad de Murcia. Se ha dedicado en exclusiva a la pintura y en los últimos años ha experimentado con los murales y el Arte Urbano, llegando a participar en el festival de Arte Urbano Le M.U.R en Paris, MIAU Fanzara 2018 en Castellón, Meninas Cándido del Ferrol y realizando un mural en el Stand de Arte Español en la Feria CIFTIS 2018 en Beijing, invitado por la O.N.U. Sus obras ya se lucen en las calles de diferentes países de Europa. En la actualidad combina esta actividad con la de Profesor de pintura en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Pública de Murcia.

MUSAP

Acrílico sobre tablas (díptico). 200x200 cm

62 | 63

COPE 2 New York (Estados Unidos), 1968

Fernando Carlo o Cope2 como se le conoce en el mundo del grafiti es uno de los veteranos del streetart. Comenzó a etiquetar su nombre en el sur del Bronx en 1978. A él se debe una original variación del estilo de las letras redondeadas (bubbles) y que se bautizó como Throw ups, letras que fueron las más populares a la hora de grafitear los vagones del metro de New York. Cope es uno de los artistas más prolíficos de grffiti de la ciudad de Nueva York.

Fue arrestado recientemente acusado supuestamente de pintar automóviles en un túnel en la zona alta de Manhattan. Su obra se expone y vende por todo el mundo.

TRUE LEGEND

Acrílico sobre lona de camión. 110x140 cm

64 | 65

CRANIO Sao Paulo (Brasil), 1982

Fabio de Oliveira Parnaiba conocido como Cranio, empezó en 1998 a cubrir las paredes de su ciudad con mucha imaginación y buen humor. Sus típicos personajes de color azul representan a los indígenas de Brasil, indígenas que siempre se encuentran en situaciones divertidas y curiosas. Sus temáticas más populares son el consumismo, la corrupción y el medio ambiente. Cranio se está convirtiendo en uno de los artistas pop contemporáneos más interesantes y la demanda de su trabajo se ha disparado.

HITTING THE NEW BEAST

Técnica mixta sobre lienzo. 100x100 cm

66 | 67

DALE GRIMSAHW Lancashire (Reino Unido), 1971

Licenciado en Bellas Artes, el grafiti siempre lo llevó obsesionado. Empezó a pintar con 12 años sobre cualquier cosa, paredes, libros, asientos de autobús, etc. Dale estudió en Blackburn College of Art y obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Middlesex. Aunque utiliza mucho la pintura acrílica, también trabaja con aerosol, especialmente cuando está pintando en paredes exteriores.

Los rostros de aborígenes de Nueva Guinea acaparan últimamente el grueso de su obra, rostros que inmortaliza con gran realismo. El trabajo de Dale ha sido expuesto en varias galerías de arte tanto a nivel individual como colectivo en París, Berlín y en los Estados Unidos.

HARLEQUIN

Técnica mixta sobre lienzo. 92x121 cm

68 | 69

DER Toulouse (Francia), 1975

Eric Vanderveldeb se inició en 1989 en el movimiento del graffiti. Empezó escribiendo tags en las paredes y en los trenes, pero muy pronto lo que más me atrajo fueron las pinturas más elaboradas e influenciadas por el wild style. En 1994 diseño sus primeras piezas en 3D, un estilo con un toque muy personal inspirado en el mundo de la mecánica y la orgánica. Nunca perdió de vista la influencia original del calli-graffiti que sigue siendo esencial en mi búsqueda de diseños de letras.

La transición al lienzo es la continuación lógica de su trabajo en las paredes. En los últimos años ha colaborado con importantes marcas industriales como Coca-Cola para el diseño de latas o Adidas.

ACRYDRIPPING

Acrílico sobre vidrio. 50x50 cm

70 | 71

DUSTER New York (Estados Unidos), 1964

Duster comenzó en 1977 a pintar trenes en New York junto a Seen. Es conocido por la forma fluida de sus letras, pero también por haber hecho el primer wild style que apareció en los trenes. Su personaje B-Boy también lo hizo destacar y otros artistas de la escena neyorkina se inspiraron inmediatamente en su talento. Duster se retiró de la escena del metro de Nueva York en 1984. Una de sus obras fue adquirida por el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Duster continúa exhibiendo su trabajo en todo el mundo.

VIVA EL TREN

Técnica mixta sobre mapa. 82x57,5 cm

72 | 73

FAILE Mineapolis, California (Estados Unidos)

FAILE es el nombre de un colectivo con sede en New York formado en 1999 por Patrick McNeil, estadounidense nacido en 1975 en California y Patrick Miller, nacido en 1976 en Minneapolis, Minnesota. Descubrieron juntos la cultura underground de Nueva York y tomaron una pasión por este universo. El colectivo usa las técnicas propias del street art, serigrafía, estarcidos, collages, pintura, etc. En sus inicios, realizaron un centenar de carteles de mujeres desnudas que colocaron por todas las calles de Manhattan. Les gustan especialmente las imágenes antiguas, la cultura pop y los cómics.

El colectivo viaja y exporta su arte callejero por todo el mundo como Tokio, París, Londres, Madrid, Berlín, Amsterdam, etc...

GIANT CHEATING HEARTS

Aerosol y acrílico con plantilla sobre lienzo. 64x96 cm

74 | 75

FEOFLIP Haria, Tenerife (España), 1984

Siempre quiso ser dibujante. “En vez de golosinas, a mi madre le pedía cómics porque me duraban para siempre”, cuenta. Tomó la costumbre de copiar las figuras de Spiderman y de Goku, para luego empezar a dibujar sus propios muñecos. La evolución natural lo llevó a matricularse en Bellas Artes, en Barcelona.

“El grafiti y las galerías de arte llevan trabajando juntos desde los años 80, pero mis tutores veían el arte urbano como una ilegalidad y no querían saber nada”. Este artista multidisciplinar, trabaja la pintura, la escultura, la ilustración, etc…y en sus obras destaca sobre todo la calidad del detalle. Sus murales se pueden contemplar por Europa y Sudamérica.

CIUDAD ANDANTE

Acrílico sobre tablas (díptico). 250x244 cm

76 | 77

FRANCISCO DE PÁJARO Zafra, Badajoz (España), 1970

Francisco de Pájaro es el mentor de Art is Trash, pintor autodidacta que se autodefine como obrero del arte. Vivencias personales de los últimos años, provocadas por los movimientos sociales y la, a veces, impenetrabilidad del mundo del arte, alimentaron reflexiones que, transformaron y revolucionaron su propia concepción artística. Hace años opto por dejar el taller y empezar en la calle, desde entonces, sus pinturas, esculturas e instalaciones efímeras hechas con basura, no nos dejan de sorprender. Los viandantes de Barcelona, Londres o New York ya han podido recrearse y sorprenderse con sus obras hechas con basura.

CONQUISTADOR

Técnica mixta sobre lienzo. 120x120 cm

78 | 79

GR170-GRITO Barcelona (España), 1980

GR170 o Grito trabaja, pinta y sobrevive en las afueras de Barcelona. Comenzó a pintar paredes a principios del 2000 y a día de hoy su trabajo se desarrolla tanto en la calle como en trabajo de estudio. Es un adicto a la pintura plástica y disfruta de ella y de su intenso olor por las mañanas. Junto a los Mixed Media Crew, lleva unos cuantos años inundando los suburbios de colores y creando un nuevo paisaje, una nueva forma de entender el arte urbano en forma de murales o bombardeos de gran formato compuestos por letras, números, personajes con los ojos saltones de estaturas increíbles y trazos extra gruesos que definen su particular estilo.

MILENIAL KID OVER GRANPA PLATES Acrílico sobre metal. 120x120 cm

80 | 81

INVADER París (Francia), 1969

Artista francés de identidad desconocida cuya obra se basa en la cruda pixelación de los videojuegos de 8 bits de los años setenta a los ochenta. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de París y comenzó a exponer sus obras por la calle a finales de 1990 ya que, como a muchos otros artistas contemporáneos, le resultaba muy complejo que su obra llegara a distintos museos y galerías. Tomó su nombre del juego de arcade de 1978 Space Invaders, y gran parte de su trabajo se compone de baldosas cerámicas.

Sus creaciones se pueden ver en más de sesenta y cinco ciudades de treinta y tres países.

FLASHINVADER

Mosaico de losetas. 23,5x19 cm

82 | 83

JACE Le Havre (Francia), 1973

En 1990 mientras estudiaba biología en SaintDenis creó su primer Gouzou un personaje un poco anaranjado y sin cara, ni manos, ni pies.

Desde 1993 comenzó a pintar Gouzou en muchos lugares, principalmente en antiguas zonas industriales o en carteles publicitarios.

La calidad de su trabajo le ha posibilitado la aparición en diferentes revistas internacionales. Se pueden ver sus Gouzous en Sudáfrica, Vietnam, China, Japón, EE.UU, Brasil, Inglaterra, Alemania, Marruecos, España, Hungría, Emiratos Árabes Unidos, etc.

GOUZOU ES UN ÁNGEL

Aerosol sobre lienzo. 80x65 cm

84 | 85

JAN KALAB Praga (República Checa), 1978

Artista visual checo conocido por sus diseños abstractos de formas orgánicas de colores vibrantes en varios formatos que incluyen pinturas, esculturas, instalaciones y murales callejeros. Después de años como un prolífico artista de graffiti, Kaláb ingresó en la Academia de Bellas Artes de Praga, donde se licenció en 2006. Objetos en formas orgánicas caracterizan su trabajo. Respecto a su forma de trabajar el comenta: “después de un tiempo, simplifiqué los elementos a cuadrados y círculos, y luego me alejé de los cuadrados y simplemente dibujé círculos”. Ha expuesto en ciudades como Buenos Aires, Bogotá, Berlín, París, Bolonia, Londres, Miami, etc…

POP POP

Acrílico sobre lienzo. 122x122 cm

86 | 87

JEAZE ONE Montpellier (Francia), 1985 - 2019

JeazeOner empezó a pintar paredes en 1999.

Destaca por darle a algunas de sus obras diferentes perspectivas utilizando el suelo y pintando en el, de esta manera consigue darle unos llamativos efectos 3D a sus obras. También tienen gran aceptación las obras donde recrea llamaradas de fuego con un hiperrealismo asombroso. Un grafitero que nos asombra por la calidad en sus obras, su tridimensionalidad y sus colores.

PASSION

Aerosol sobre lienzo. 140x140 cm

88 | 89

JEF AEROSOL & LEE JEFFRIES Nantes (Francia), 1957 Bolton (Reino Unido), 1971

Jef Aérosol, es una leyenda del arte urbano en Francia. Realizo su primer stencil en Tours en 1982. Sigue siendo uno de los pioneros y líderes en este arte efímero. Gran parte de su obra está dedicada a los músicos de la calle, mendigos, niños, etc. Intimidad, esa puede ser la característica más importante del trabajo de Lee. Caminar por las calles y conocer a las personas sin hogar antes de tomar sus fotos, Lee no quiere una foto, quiere una historia y cada disparo suyo cuenta la historia de la persona retratada.

SIN TÍTULO Nº4

Técnica mixta sobre tabla. 48x95 cm

90 | 91

KRASER Cartagena (España), 1977

José Jorge Nicolás Salas, alias Kraser, lleva más de veinte años pintando en las calles. Con 12 años empezó a llamarle la atención el grafiti al ver pintadas por los muros de su ciudad. Recibe influencias de Picasso, Kandinsky, los surrealistas y Mersad Berber entre otros. Aunque en su obra pretende contar historias, algunas veces se vuelve visceral y directo, las obras de Kraser sabemos cómo empiezan pero nunca como acaban, pues la improvisación forma parte de su arte. Ha expuesto su obra por medio mundo y actualmente vive en Milán.

LAS TRES GRACIAS

Técnica mixta sobre lienzo. 120x100 cm

92 | 93

L7MATRIX Sao Paulo (Brasil), 1988

Luis Martins combina con éxito la aspereza y la elegancia en sus pinturas urbanas de pájaros.

L7Matrix empezó en el arte desde la infancia, y agarró por primera vez un aerosol a la edad de 13 años. Desde entonces ha estado experimentando con diferentes técnicas y materiales como tinta china, látex, pastel y acrílico. L7M fusiona el grafiti con el arte abstracto y la naturaleza. Sus llamativas piezas adornan muros en todo el mundo, incluyendo Brasil, Francia, Estados Unidos, Portugal, Venezuela, Italia, España y muchos otros. Está considerado entre los mejores artistas urbanos del mundo.

COLIBRÍ

Técnica mixta sobre tablas (díptico). 200x200 cm

94 | 95

LADY PINK Ecuador, 1964

Nacida en Ecuador y criada en Nueva York, a los 16 años Lady Pink solía escaparse de la casa de sus padres cargando, además de sus aerosoles, un gran cuchillo con el que de forma premeditada se limpiaba las uñas en el metro de Nueva York, antes de saltar a un túnel del subterráneo en donde haría sus primeras obras.

En 1979 empezó a escribir graffitis y pronto se hizo conocida como la única mujer capaz de competir con los chicos en la subcultura del grafiti, pintando trenes de rosa desde los años 1979 al 1985. Es considerada una figura de culto. A la edad de 21 años tuvo su primera exposición individual en el Moore College of Art. La obra de Lady Pink se puede admirar en importantes colecciones de arte como las del Museo Whitney, el MET en la ciudad de Nueva York, el Museo de Brooklyn y el Museo de Groningen de Holanda.

AGAIN PINK IS FOR LOVERS

Acrílico sobre lienzo. 31x31 cm

96 | 97

MEDERIC TURAY Abiyan (Costa de Marfil), 1979

Nacido en 1979 en Costa de Marfil, en 1984, su padre que era militar, aceptó una misión en los Estados Unidos, en Washington D. C., y así Médéric creció asimilando las influencias musicales y artísticas norteamericanas. De vuelta en Abiyan, entre 1995 y 2000 realizó el sueño de infancia al graduarse de Bellas Artes (INSAAC) y en el mismo año fue elegido como el mejor artista joven de África Occidental. Sus obras ahora están ganando notoriedad y están presentes en colecciones prestigiosas. Sin duda, al ver sus pinturas nos viene a la mente en neoexpresionismo de Basquiat y las composiciones cubistas de Picasso.

REUNIÓN DE LA SAPE AU VILLAGE

Técnica mixta sobre lienzo. 198x199 cm

98 | 99

MISS TIC París (Francia), 1956

Poeta y artista plástica trabaja con la técnica del stencil. Sus famosas plantillas de mujeres, adornan las paredes de la capital desde hace varias décadas. En 1985, participó en el primer encuentro del movimiento graffiti y arte urbano en Bondy (Francia, con Speedy Graphito, Jef Aérosol, SP 38, Epsylon Point, Blek le Rat, Futura 2000). Su obra, ha entrado en instituciones como la colección del Victoria and Albert Museum de Londres, el Fondo Municipal de Arte Contemporáneo de París, etc… Ha trabajado para Kenzo, Comme des garçons o Louis Vuitton. Ha mostrado sus obras en espacios públicos, galerías y ferias de arte internacionales.

SUIVRE SON DÉSIR POUR NE PAS LE RENCONTRER & EST-CE QUE L’HOMME DESCEND DU SONGE?

Técnica mixta sobre dos puertas de coche Smart. 66x124 cm (2 piezas) 100 | 101

MR. CHAT & QUIK Boudry (Suiza), 1972 New York (Estados Unidos), 1958

QUIK fue de los pocos artistas de graffiti de Nueva York que lograron conquistar galerías y museos durante la década de los 80, junto a Basquiat, Keith Haring o Futura 2000 entre otros. Personajes de dibujos animados, chicas Pinup románticas y, naturalmente, las letras, que ahora lo han hecho mundialmente famoso son sus señas de identidad. Pertenece a la generación de artistas callejeros que apareció en Nueva York en 1971-1972 y que se han convertido en leyendas del Arte urbano.

M. Chat es un personaje felino que siempre sonríe. Los murales de M. Chat aparecieron por primera vez en las calles de Orleans (Francia). Desde entonces, Thoma Vuille se convirtió en M. Chat y obtuvo un rápido reconocimiento y una enorme popularidad en toda Europa y EE. UU por su personaje de M. Chat. Las obras de arte callejeras, pinturas sobre lienzo y dibujos de M. Chat se pueden ver en todo el mundo en galerías y en espacios públicos, incluidos Francia, Suiza, Bélgica, España, etc…

HELLO MY NAME IS...

Técnica mixta sobre mapa de París. 42x60 cm

102 | 103

NIC707 Argentina, 1959 - New York, 2020

Nic 707 ocupa un lugar destacado en la historia del movimiento del graffiti en Nueva York, que comenzó a florecer a principios de la década de 1970. Inspirado por las travesuras audaces y las obras omnipresentes de artistas como Phase 2 y Checker 170, comenzó a marcar con los nombres of Stine 169 y Tuc 2. El trabajo de Nic 707 pronto se pudo ver en todas las líneas de metro de Nueva York. Nic 707 fue uno de los primeros Style Master, un título poco común que reconoce la creatividad excepcional, el talento artístico y la voluntad de compartir técnicas con otros artistas. Nic 707 falleció por complicaciones de Covid-19 en la ciudad de Nueva York en abril de 2020.

TAG WITH HANDS

Técnica mixta sobre lienzo. 23x30,5 cm

104 | 105

NELS SHOE MEULMAN Amsterdam (Paises Bajos), 1967

Niels Meulman, SHOE ha generado en el mundo del arte urbano un nuevo orden creativo, combinando el grafiti tradicional con la caligrafía y creando un fenómeno mundial llamado Calligraffiti. En los primeros días sólo pintaba los calligraffitis con plata y negro, pero el color puede ser muy seductor, así que poco a poco comenzó a experimentar con pinturas metálicas e iridiscentes. Ahora trabaja en un estilo que puede llamar propio con orgullo y cuya popularidad le empuja a seguir avanzando. Sus obras pueden contemplarse por innumerables países y realiza exposiciones por todo el mundo.

SPACETIME

Acrílico y tinta sobre lienzo. 160x135 cm

106 | 107

OBEY - SHEPARD FAIREY Charleston (Estados Unidos), 1975

Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de grafiti de finales del siglo XX en propagar la técnica del wheatpaste como intervención callejera. Este diseñador es conocido por sus obras con técnica mixta de grandes dimensiones, con las que empapela paredes en diferentes países a los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de reflexión. Su retrato de Barack Obama con la leyenda Hope fue utilizado por el presidente de los Estados Unidos durante su campaña presidencial. Sus obras están claramente influenciadas por la cartelería soviética de mediados del siglo XX y se pueden encontrar por todo el mundo.

JOAN JETT

Técnica mixta sobre lienzo. 80x110 cm

108 | 109

PART ONE New York (Estados Unidos), 1959

Enrique Torres, es un artista de graffiti estadounidense. Se le considera uno de los artistas clave del estilo graffiti neoyorquino. Un veterano de la edad de oro de la pintura en el metro de Nueva York. Con un estilo propio que comenzó a desarrollar en 1974. Alternó entre las bubbles y el mechanical style hasta 1976 y, finalmente, inventó su propio estilo al que llamó mechanical swirl. De 1974 a 1985, fue uno de los artistas más destacados del metro de Nueva York.

Part One se expresa hoy en lienzos y paredes de todo el mundo. Recientemente se presentó en la exposición Born in The Streets en la Fundación Cartier de París.

GRAFFITI TAG

Acrílico sobre lienzo. 36x46 cm

110 | 111

POEM New York (Estados Unidos), 1964

Poem One es una leyenda del graffiti que saltó a la fama durante el movimiento artístico del metro de Nueva York en la década de 1980. Su ascenso a la fama se disparó al aparecer en la portada del libro más influyente jamás publicado sobre el arte del graffiti, Subway Art de Martha Cooper y Henry Chalfant, considerado como “la biblia”, que cubrió a la primera generación de graffiteros de Nueva York. Lo que lo distingue es su enfoque único de las letras.

Mediante el uso de sombras y luces, crea efectos 3D brillantes y vibrantes. Su dominio de la comprensión de la luz y la forma hace que sus pinturas parezcan flotar. Debido a su prolífica carrera en las calles que comenzó a finales de los setenta, pudo hacer fácilmente la transición de la calle a la galería.

DAFFY DUCK

Acrílico y aerosol sobre lienzo. 82x74,5 cm

112 | 113

SEEN New York (Estados Unidos), 1961

Richard Mirando, conocido como Seen, es uno de los artistas de grafiti más conocidos del mundo, a menudo llamado El Padrino del Grafiti. Comenzó a pintar los trenes del metro en 1973 cuando tenía sólo doce años. A principios de los 80, comenzó a exponer su obra en galerías de Estados Unidos y del extranjero junto con grandes nombres como Keith Haring, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Quik y Blade.

Siempre ha estado fascinado con los héroes del comic y los dibujos animados de televisión, el artista ha ido agregando estas ilustraciones a su obra creando un estilo muy personal y fácilmente reconocible.

MULTI TAGS

Aerosol sobre lienzo. 45x131 cm

114 | 115

SETH GLOBEPAINTER París (Francia), 1972

Graduado de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París (ENSAD) Julien Malland, también conocido como Seth Globepainter, tiene como misión cubrir el mundo con su colorido arte callejero. Sus murales a gran escala muestran frecuentemente a niños y su obra incorpora símbolos locales y temas del entorno. Siempre que llega a un lugar a pintar, le gusta interactuar con otros artistas locales, de esa manera puede reflejar en sus murales las vivencias y preocupaciones de esa comunidad. Ha editado dos libros sobre sus viajes y su arte urbano y en ellos capta varios años de sus pinturas por el mundo, India, China, México, Indonesia o Vietnam.

ÁNGEL

Acrílico sobre lienzo. 100x100 cm

116 | 117

SONIC New York (Estados Unidos), 1961

Criado en la ciudad de Nueva York. Sonic destacó por aportar elementos artísticos únicos al graffiti, colores llamativos y la creación de diferentes estilos de letras como: letras dobladas / acanaladas, y su maestria para transformar las letras en personajes y figuras. A principios de la década de 1980 pintó Revolution y World War III realizando un top to bottom en un vagon del metro de Nueva York. Su graffiti ha sido fotografiado por Martha Cooper y Henry Chalfant y exhibido en muchos libros, revistas, películas como Wild Style, Style wars, Beat Street, Subway Art y Hip Hop Files. Ha llevado su arte a países como Alemania, Ámsterdam, Hong Kong, Singapur, Bélgica y Francia. Sonic vive en el Bronx y tiene un estudio en Port Morris.

GRAFFITI TRAIN

Aerosol y rotulador sobre maqueta de tren. 12,5x52,5 cm

118 | 119

T-KID New Jersey (Estados Unidos), 1961

Julius Cavero AKA T-Kid comienza a construir una sólida reputación como un gran acróbata en los columpios y comienza a escribir KING13.

En 1977, gravemente herido por tres disparos queda casi muerto en un parque. Hospitalizado en la unidad de emergencia, T-Kid sobrevive.

Mientras está en la cama durante muchas semanas, dibuja sin cesar y elige convertirse en T-Kid 170 renunciando a su vida de pandillero para concentrarse en su arte. Tracy 168 se convierte en su mentor. Junto con Peser, forma un equipo llamado The Nasty Boys (TNB). T.N.B. es una organización transfronteriza. Entre sus miembros se encuentran personas de Alemania, Francia, Reino Unido y España. T-kid ha realizado exposiciones en Europa y Nueva York.

TERRIBLE KID

Técnica mixta sobre mapa. 82x57,5 cm

120 | 121

TOREN Murcia (España), 1992

Ángel Toren es un artista urbano que sigue la estela de una cierta tradición de pintura mural publicitaria. Su formación en diseño gráfico y su interés en la tipografía ha provocado el desarrollo de un trabajo que se mueve entre la abstracción pictórica y determinados recursos/ errores del trabajo digital. Repeticiones, juegos ópticos, tramas, geometría, paletas cromáticas, perspectivas y tridimensiones que, en la calle, aparecen como grandes cartas de ajuste que captan la atención del espectador.

HIDDEN SPACE

Spray sobre tabla. 125x190 cm

122 | 123

TOXIC New York (Estados Unidos), 1965

Torrick Ablack fue uno de los pioneros del movimiento Graffiti a principios de la década de 1980. Toxic creció en el Bronx y a la edad de 13 años comenzó a pintar los trenes y las paredes de Nueva York, junto a sus amigos, Kool Koor y el difunto A-One. Sus encuentros con Ramelzee y Basquiat (con quienes más tarde formó Hollywood Africans, nombre de un famoso cuadro de Basquiat) a principios de los años ochenta fueron decisivos. Los lienzos de Toxic constituyen un universo bastante atractivo y muy complejo, abrumadores en color y repleto de símbolos y etiquetas que se remontan a sus orígenes. Su pintura es una evolución constante, una progresión lógica de su carrera como hombre y artista consagrado.

THE DEADLY TYPE Nº 3

Acrílico sobre lienzo. 100x100 cm

124 | 125

VHILS Lisboa (Portugal), 1987

Alexandre Farto despliega una técnica tan innovadora que ha sido reconocido como uno de los enfoques más atractivos creado en las calles en la última década. Penetra a través de innumerables capas de carteles, suciedad, madera y yeso para liberar las imágenes poéticas escondidas bajo los espacios urbanos. La técnica y las herramientas de Vhils evolucionan a medida que avanza su obra. Dinamita, martillos percutores, martillo y cincel, en general cualquier herramienta es buena para crear una obra de arte. Le gusta el suspense de no saber qué patrones e imágenes esperan en las capas inferiores de sus intervenciones. Las obras de Vhils se distribuyen por todo el mundo asombrando a quienes las contemplan.

CONTINGENCY Nº 8

Posters publicitarios de la calle recortados a mano y láser. 181x138 cm

126 | 127

VICTOR CASTILLO Santiago de Chile (Chile), 1973

Estudió Arte en la Escuela de Arte y Cultura Visual de la Universidad ARCIS y en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile. En el 2004 se estableció en Barcelona y comenzó a desarrollar un estilo de pintura basada en el grafiti y el cómic realizando incursiones en el muralismo, el dibujo y el collage. Su narrativa se desarrolla a partir de lo que se podrían considerar crónicas modernas, las cuales tienen como referente ilustraciones infantiles, además de animaciones clásicas, pero haciendo alusión a la avaricia, la rebelión, el miedo, la educación, el abuso de poder, el adoctrinamiento, la violencia y la crueldad. A lo largo de su carrera, ha participado de exposiciones tanto individuales como colectivas en Chile, Dinamarca, Japón, Suiza, Bélgica, Perú, Canadá, Colombia y Australia, entre muchos otros.

MAKE ME SMILE

Acrílico sobre lienzo. 152x152 cm

128 | 129

WILLY ARENAS Murcia (España), 1973

Willy Arenas es miembro fundador y presidente de La Compañía de Mario, un colectivo que se dedica a promocionar el arte con diversas actividades por parte de sus miembros. Las pinturas de Willy Arenas empiezan a formar parte del paisaje murciano. Es uno de los artistas murcianos de más renombre y más activo dentro del mundo del arte urbano y del grafiti.

Su labor como gestor y artista, está llevando a Los Alcazares a consagrarse como una ruta obligada en el panorama artístico regional.

LOVE

Acrílico sobre coche de hojalata. 38x78x35 cm

130 | 131

XOLACA L’Alcudia de Crespi, Valencia (España), 1982

Bajo el pseudónimo de Xolaka se encuentra Ángel Caballero Rioja. Cumplidos los 18 años se trasladó a Valencia para realizar la carrera de Bellas artes en la Facultad San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia y en el 2007 se licenció. Artista que abarca una gran variedad de artes creativas, que van desde el diseño multimedia, diseño web pasando por las artes plásticas y finalizando en las artes visuales. En estos últimos años está desarrollando y experimentando un arte más urbano, a través de la pintura mural y en el se puede apreciar influencias del resto de artes creativas.

POMPA

Spray sobre tabla. 200x200 cm

132 | 133

ZAI NATURAZ BLAI Almería (España), 1988

Gregorio, también conocido también con el nombre Le Chat Nocturne, nació en Almeria.

Con 13 años tuvo sus primeros contactos con el mundo del graffiti y poco a poco fue forjando su propio estilo. Creador de escenas, sus personajes son gatos de colores, una familia que está en constante evolución, cada color de los felinos simboliza un estado de ánimo aparte de una habilidad que las combina mezclando paisaje y tipografía en homenaje a sus inicios. Ha pintado por España, Marruecos, Holanda, Alemania y Francia. Viajero incansable, ahora mismo se encuentra afincado en Holanda pero solo él sabe dónde amanecerá el próximo día dejando gatos por las calles de la próxima ciudad.

GATOS

Aerosol y acrílico sobre lienzo. 200x200 cm

134 | 135