NOVS DiseĂąadores en mexico Historia del diseĂąo grafico
2017
Tendencias
Índice
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17 tendencias
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Diseñadores Gráficos
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Mexicanos Recomendamos
17 tendencias
del diseño gráfico que tienes que conocer
Minimalismo en logos y branding Diseñar un logotipo que sea estéticamente atractivo, que sea bello y elegante es algo relativamente fácil para un diseñador gráfico. Hay muchísimas tipos de letra que son muy elegantes y que sólo tienes que aplicarlos sobre un nombre para obtener algo estiloso y atractivo. Luego ya sólo queda buscar combinaciones de colores que le favorezcan y poco más. Lo que ya resulta más difícil es encontrar
logotipos que además de bonitos tengan detalles que denoten ingenio, inteligencia, que ha existido un trabajo de análisis detrás para encontrar ese “clic” que hace que el logo sea sobresaliente. Este concepto de lo bello e inteligente unificado en una marca generalmente lo encontramos en aquellos logotipos que se pueden definir como “minimalistas”.
¿Qué es el minimalismo en el Branding? El minimalismo en su concepto más general busca reducir a lo esencial un objeto, un edificio o en nuestro caso, una marca. Se trata de despojar de todo elemento sobrante y conseguir con la mínima cantidad de imagen, transmitir la máxima información sobre la empresa que representa el logo. Dicho con un ejemplo, si nos encargan el logotipo para una clínica dental, se trataría de conseguir transmitir al público que esa empresa se dedica a la odontología de la forma más sencilla posible
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poner un icono basado en un diente, un elemento muy sencillo formalmente. La diferencia entre el minimalismo y la sencillez es que el minimalismo es inteligente, logra con la mínima cantidad de medios la máxima funcionalidad. Siguiendo con el ejemplo, un logotipo cuyo icono es un diente sin más no es funcional, porque existen en el mundo miles de logos iguales, por lo tanto hemos conseguido un logo aburrido, muy poco original, sin personalidad, y muy poco representativo de nuestra clínica.
¿ Que es el Lettering? Si lo traducimos al castellano sería algo así como "letras dibujadas a mano", así que precisamente el Lettering lo podemos entender como aquellos trabajos que han sido dibujados, es decir letras dibujadas NO escritas. A lo largo del tiempo ha venido incursionando una tendencia en el diseño que ha atrapado a muchos, esto es: el lettering, una forma de crear nuevas letras hechas a mano, que se ha converitdo en furor ya que cada vez son más las personas que quieren un sello y un valor más personal en el diseño. Pero esto no se trata solo de escribir a mano, sino de saber usar el hand lettering con estilo y mucha destreza.
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Experimentar con nuevas herramientas para crear resultados con un nivel alto de originalidad, siendo esto una tendencia totalmente asentada en el mundo del diseño. Irónicamente, hoy se están cambiando los programas por lápices, tinta, brochas y todo lo que permite explorar nuevas técnicas.
La caligrafía abarca desde creaciones completamente utilitarias hasta magníficas obras de arte donde la expresión abstracta puede (o no) adquirir mas importancia que la legibilidad de las letras (Mediavilla, 1996). La caligrafía clásica difiere de la tipografía y de la escritura manual no clásica, aunque un calígrafo puede ser capaz de crear todas ellas. Historia La tradición afirma que los caracteres chinos, la forma más antigua conocida de escritura de los existentes hoy en día, fueron inventados por Cang Jie (hacia 2650 A. C.). Otra tradición remonta su creación a los tiempos de Fuxi, el legendario primer emperador de China. La cultura china concede una gran importancia a la
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caligrafía. Ésta se fundamenta en la belleza visual de los ideogramas, la técnica de su realización y los preceptos metafísicos de la cultura tradicional china. La caligrafía occidental se desarrolla mucho más tarde y de forma totalmente independiente. Su origen es el alfabeto latino, con el que en la Edad Media escribían los monjes copistas sobre pergamino. Aproximadamente en la misma época la cultura islámica desarrolla su propia caligrafía, basada en el alfabeto árabe, y debido a la prohibición religiosa de representar seres vivos, la convierte en un arte decorativo de amplio uso en la arquitectura.
Imágenes cinemáticas Los elementos que se animan a medida que te desplazas hacia abajo no son exactamente nuevos. Pero en lugar de ser sólo un truco llamativo (¡mírame, soy una animación!), se han convertido en un elemento clave de la narración. Muy bien, cada animación que descubrimos a medida que nos desplazamos hacia abajo de la página debe contar una parte de nuestra historia. Apple lideró el camino con el increíble sitio de Mac Pro. Si todo esto suena difícil de implemen-
Los cinemagraphs o imágenes cinéticas son todavía imágenes donde una pequeña parte tiene un movimiento repetitivo, creando un bucle animado. El ojo humano es inmediatamente arrastrado a la parte de contraste, movimiento, a medida que el fondo se queda quieto.
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tar, sólo revisa Spark – la herramienta de narración visual de Adobe, gratuita y fácil de usar. Con ella puedes construir algunas páginas y gráficos magníficos, al mismo tiempo que estés contando tu historia. Pero eso no es todo sobre animaciones. Sabes que los GIF también han vuelto a nuestras pantallas, gracias a la locura de los memes. Pero ahora, los GIF vienen en una nueva forma: el cinemagraph o imagen cinética.
Debido a su capacidad para destacarse, se vuelven viral muy fácilmente, y pronto será ampliamente utilizado por sitios de comercio electrónico y para publicidad en banners.
Gestos e interaccion de voz El control por voz y gestos es el futuro y presente para algunos fabricantes que ya se arriesgan a introducirlo en sus productos como los Smart TV de Samsung. De todas formas es un campo donde hay muchas variables que investigar y que mejorarán los resultados que ahora mismo podemos conseguir. Intel lo sabe y ha creado un fondo de 100 millones de dólares que usará para invertir en tecnologías que permitan el reconocimiento de voz y gestos como medios de control remoto. Ese fondo irá a parar a empresas que desarrollan productos relacionados, siendo un apoyo que les permita seguir trabajan-
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do sin miedo a dejar el trabajo a medias por culpa de falta de liquidez. El futuro del control por gestos y voz Cuando hablamos de métodos de control por gestos pensamos directamente en Kinect, los Smart TV de Samsung y más recientemente Leap. De éste último hemos visto hace pocos días un vídeo donde comprobamos como se maneja Windows 8. Estos sistemas suponen un gran avance pero aún, a excepción de Leap que sigue en desarrollo, no son lo suficientemente ágiles y rápidos a la hora de reconocer la interacción del usuario.
Inteligencia artificial El diseño de páginas web será una tarea para la inteligencia artificial según Adobe Imaginen un software al que sólo tengamos que cargarle unas imágenes e información, esto con el objetivo de que a los pocos minutos nos devuelva una página web totalmente funcional y lista para usarse en todo tipo de plataformas, como escritorio, móvil, tablet, etc. ¿Suena interesante? Pues es lo que están desarrollando en Adobe. Para Adobe el futuro del diseño pasa por la inteligencia artificial, ya que a través de una plataforma de machine learning y reconocimiento de imágenes han desarrollado un sistema enfocado en diseño gráfico y web, que es capaz de automatizar tareas que a día de hoy son realizadas por diseñadores en todo el mundo. Machine learning para el diseño El sistema se basa en Adobe Sensei, la plataforma de inteligencia artificial y machine learning de Adobe que fue presentada a finales de 2016, y está integrado a Adobe Experience Manager CMS, donde se busca facilitar el desarrollo y diseño de sitios web para grandes corporaciones.
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Este sistema, aún sin nombre oficial, es capaz de cortar imágenes, organizar el texto, los colores, crear una plantilla, así como presentar el contenido de acuerdo a las preferencias del usuario. El sistema analiza toda la información que es capturada así como el contenido de las fotos, lo que incluye los metadatos, y después de unos minutos muestra una primera versión de la página donde se presentan recomendaciones de algunos elementos a incluir. Todo esto bajo un diseño funcional con fotos recortadas y colocadas en su sitio, así como la información distribuida en toda la web, donde sólo se deberá aceptar el diseño, hacer las correcciones necesarias y listo.
Aplicaciones web progresivas
"Progressive Web Apps" ¿Qué es una Aplicación Web Progresiva? Las progressive web apps se comportan como aplicaciones web nativas, pero utilizando tecnologías web. En otras palabras, las progressive web apps utilizan capacidades web modernas para ofrecer al usuario una experiencia similar a la de una aplicación móvil nativa. Se dice que son progresivas porque trabajan para todos los usuarios, independientemente de la elección del navegador, pues mejoran su funcionamiento a medida que los navegadores van actualizándose y también por que aprenden del usua-
rio, ofreciéndole notificaciones push sólo cuando éste utiliza la app más de una vez. Además, se adaptan a cualquier factor de forma: de escritorio, móvil, tablet. Para su funcionamiento son muy importantes los services workers, que básicamente son scripts que se ejecutan en segundo plano del navegador, tan potentes que permiten la funcionalidad de visualizar el contenido offline, enviar notificaciones push, almacenar caché del contenido, etc.
Diferencias entre un sitio web y una Progressive Web App La principal diferencia entre un sitio web y una PWA es que una aplicación web progresiva emplea tanto arquitectura de aplicaciones como service workers. Quiere decir que cada una de sus páginas contiene in-line todo el HTML, CSS y JS necesarios para cargarse por
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completo y correctamente, sin necesidad de descargar otros recursos. Además de ello, los service workers permiten funciones como las notificaciones push y la sincronización cuando un usuario vuelve a conectarse tras perder la conexión.
Material design ¿Qué es Material Design? Una guía marcada por el diseño plano, colores uniformes, figuras geométricas sin artificios y diferentes capas para las interfaces que se basan en objetos materiales. Aunque la verdadera filosofía no es el aspecto gráfico en sí, sino su ansia de unificar estilos para crear uniformidad. Tanto para interfaces móviles como para webs y apps. Material Design es un concepto, una filosofía, unas pautas enfocadas al diseño utilizado en Android, pero también en la web y en cualquier plataforma.
¿En qué se basa Material Design? Material Design recibe su nombre por estar basado en objetos materiales. Piezas colocadas en un espacio (lugar) y con un tiempo (movimiento) determinado. Es un diseño donde la profundidad, las superficies, los bordes, las sombras y los colores juegan un papel principal.
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Precisamente este diseño basado en objetos es una manera de intentar aproximarse a la realidad, algo que en un mundo donde todo es táctil y virtual es difícil. Material Design quiere guiarse por las leyes de la física, donde las animaciones sean lógicas, los objetos se superpongan pero no puedan atravesarse el uno al otro y demás.
¿Qué es y qué no es Material Design? A continuación os dejamos una serie de imágenes con lo que es y lo que no es Material Design. Las hemos extraído de la completa guía de diseño de Google, son casos muy concretos pero nos servirá para ejemplificar que no todo lo que parece Material realmente lo es.
No todos los botones flotantes sirven, no todas las imágenes a pantalla completa son útiles, los iconos deben ser planos… os dejamos la galería y recomendamos intentar averiguar cuál es el motivo por el que una es correcta y la otra no.
Material Design, un diseño adaptado para todo tipo de pantallas No debemos pensar en Material Design como ese diseño destinado para las aplicaciones móviles de Android. De hecho, es multiplataforma. Tantos los smartphones, tablets, smartwatches o televisores pueden hacer uso de este diseño. También las páginas webs. Material Design ha sido creado pensando en todos los sistemas, no solo Android. Material Design tiene sus propias normas para casi todos los detalles y se mantienen independientemente del tamaño de pantalla. Precisamen-
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te esa transversalidad es su punto fuerte. Los usuarios de Android ya podemos disfrutar de una larga lista de aplicaciones actualizadas con algunos elementos de Material. Es verdad que todavía hay muchas incongruencias y fallos, y otras muchas solo han incorporado detalles, pero los esquemas están claros y solo es cuestión de tiempo que los desarrolladores sepan aplicar este diseño y adaptarlo a su aplicación.
Diseño web adaptable El diseño web responsive o adaptativo es una técnica de diseño web que busca la correcta visualización de una misma página en distintos dispositivos. Desde ordenadores de escritorio a tablets y móviles. Hoy en día accedemos a sitios web desde todo tipo de dispositivos; ordenador, tablet, smartphone… por lo que, cada vez más, nos surge la necesidad de que nuestra web se adapte a los diferentes tamaños de los mismos.Pero, ¿qué es esto exactamente?
¿En qué consiste el diseño adaptable? Se trata de redimensionar y colocar los elementos de la web de forma que se adapten al ancho de cada dispositivo permitiendo una correcta visualización y una mejor experiencia de usuario. Se caracteriza porque los layouts (contenidos) e imágenes son fluidos y se usa código media-queries de CSS3.
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El diseño responsive permite reducir el tiempo de desarrollo, evita los contenidos duplicados, y aumenta la viralidad de los contenidos ya que permite compartirlos de una forma mucho más rápida y natural.
Brutalismo
el diseño retro regresa El Brutalismo fue un estilo arquitectónico inspirado en los trabajos de Le Corbusier que empezó a desarrollarse en los años 50 y alcanzó su máxima expresión en los 70. Se caracteriza por la creación de gran-
des edificios de viviendas con materiales primarios expuestos, entre ellos el betón brut u hormigón crudo como material constructivo principal, (de ahí su nombre: Brutalismo).
En web, se ha puesto de moda de la mano de Pascal Deville, Director Creativo en la agencia de publicidad Freundliche Grüsse de Zurich, con su obra: www.brutalistwebsites.com dónde aúna una serie de sitios webs que encajan a la perfección dentro de esta tendencia. Si después de visitar estas páginas aún no queda claro en qué consiste el Brutalismo, enumeramos, a grandes rasgos, las características de una verdadera “web brutalista“: Simplicidad de estilos. HTML puro con algunos toques de css y un estilo austero y “en crudo”
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Imágenes, ilustraciones y gráficos básicos. Imágenes incrustadas en los textos, recortadas, entre bordes, sin alineaciones, etc… También si hemos utilizado Window 95 recordaremos esos grandes iconos pixelados que vuelven a llevarse, como las carpetas, utilizadas para navegar por la web. Tipografías simples. Nos olvidamos de Google Fonts para volver a las tipografías clasicas de sistemas y con juegos en los tamaños.t. Y lo más importante, entre más antiestética, mejor. Y es que para gustos, los colores, y no hay nada mejor que romper con los patrones establecidos para ser realmente originales.
Colores vivos y tipografía El uso correcto de colores y tipografías nos da el poder de persuadir y reforzar ideas; además de brindar contexto, sensaciones y significados a los mensajes que queramos transmitir, también pueden ayudarnos a fortalecer los valores de una marca. La paleta en tendencia tiene ahora colores más vivos y brillantes, además, cada vez veremos más
marcas usando tipografías creativas y atrevidas. Las letras comienzan a usarse como medio de expresión, dando pie a la creación de tipografías originales y artísticas, las sans serif regresan para dominar dejando en segundo plano a las cursivas. Ahora se ilustrará con letras.
Reticulación
¡Sal de la cuadrícula! 2017 será el año en que finalmente tendremos una cuadrícula basada en CSS funcionando en casi todos los navegadores. Esto significa que la construcción de una cuadrícula impecable y sensible para el diseño de tu sitio web será más fácil que nunca. Irónicamente, muchos diseñadores se han cansado de adaptarse a una cuadrícula geométrica para organizar su contenido. ¡Es hora de salir de la cuadrícula!
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Los elementos que rompen los límites de las cuadrículas rectas tradicionales se convertirán en el nuevo estándar. Incluso los sitios corporativos en las industrias más tradicionales comenzarán a adoptarlos, haciendo que los sitios web que aún se adhieren a la vieja cuadrícula luzcan un poco desgastados.
Diseños verticales y divididos Por mucho que el scrolling vertical haya sido el “rey” absoluto en el universo de las webs durante los últimos años, su reinado está últimamente en horas bajas. ¿El culpable? El cada vez
más pujante scrolling horizontal, que ha llegado como un soplo de aire fresco al diseño web y que promete dejar en un segundo plano al antaño todopoderoso scrolling vertical.
El diseño de desplazamiento vertical se adapta mejor a los dispositivos móviles pues produce una sensación natural de navegación.
Hay que recordar que alrededor de un 60% de las personas utilizan los teléfonos inteligentes para navegar en Internet, esto provoca un mayor acercamiento con el cliente.
Diseños en Esqueleto. El año pasado dije que todo era sobre usabilidad. Esta tendencia sigue vigente. Los diseños en esqueleto no se refieren a la apariencia de un sitio web o aplicación. Son acerca de la forma en que se cargan. Dile hola a esta última tendencia en la experiencia del usuario
Las pantallas de carga en esqueleto son un sistema que asegura que tu experiencia en la web o la aplicación sea lo más rápida posible, y esto se logra cargando la página en etapas: desde los elementos más simples hasta los más complejos, pero siempre proporcionando al menos el esqueleto de la pantalla sobre la cual estás navegando. De esta manera, los usuarios pueden
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predecir o anticipar lo que estás a punto de cargar (piensa en los marcadores de posición de imagen, siempre presentes), haciendo que el corto tiempo de espera sea más fluido. Esto es lo opuesto a lo que las espantosas barras de estatus o spinners trataron de lograr (sin éxito alguno). Las cargas en esqueleto dominarán la web en 2017, y con toda razón.
Micro-interacciones ,
la diferencia está en los detalles Definamos en primer lugar qué es una micro-interacción. Si los detalles hacen el producto como decía Eames, podríamos definirla como una respuesta al usuario por parte de una interfaz, generando una respuesta inesperada y poco intrusiva que sorprenda o agrade al usuario. Podemos ver estas micro-interacciones son las transiciones entre interacciones, comprobaciones en formularios, pantallas de estados vacíos, botones de interfaz animados, avisos o
Algunas características que comparten estas micro-interacciones son: Son útiles: si una micro-interacción no resulta útil, es mejor que no esté. Sorprenden o agradan al usuario: una micro-interacción debe conseguir mejorar la experiencia de uso y animar al usuario a seguir usando el producto digital. Por tanto, es conveniente que incorpore una sensación de descubrimiento, algo que sorprenda o agrade. Mejoran la interacción: pueden servir
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páginas de error 404. Algunos ejemplos de microinteracciones podrían ser los corazones del twitter al marcar un tuit como “Me gusta”, la función autocompletar de un campo de texto o las pistas que ofrecemos en un formulario para completar una tarea a demas de las famosas reacciones de facebook. Todas estas microinteracciones simplifican el trabajo del usuario con el interfaz y mejoran la experiencia de usuario sin generar intrusión.
para mejorar el uso de la interfaz, ofreciendo pistas sobre cómo completar una acción o solucionando dudas que puedan surgir. Son fácilmente entendibles: como ya dijimos en un post anterior, “los interfaces son como las bromas: si hay que explicarlos es que no son buenos”. Lo mismo se aplica a las microinteracciones. Deben ser entendibles por sí mismas y no confundir al usuario.
Imágenes SVGs El formato SVG es para muchos un total desconocido. Cuando queremos colocar algún gráfico en la web, en la mayoría de ocasiones optamos por JPG o alguna vez por un PNG o GIF, en caso
de necesitar transparencia o animación. Lo que muchos no saben es que se pueden usar archivos vectoriales para su uso en navegadores.
Vectorial SVG es vectorial, lo que supone tener todas las ventajas de cualquier formato vectorial. Es escalable, pesa poco y permite una definición mayor a tamaños reducidos, mucho mayor que los
archivos bitmap. El formato es igual al que se utiliza con cualquier programa vectorial como Corel Draw o Adobe Illustrator.
Standard abierto y compatible Así como el formato Flash, que también era vectorial, propiedad de Macromedia, es decir de Adobe, el formato SVG es un formato abierto, estándar y basado en XML. Aunque las primeras versiones no se podían ver en los diferentes navegadores, hoy ya es un estándar que funciona sin problemas en
todos los navegadores. SVG se convirtió en una recomendación del W3C en septiembre de 2001 con lo que en estos momentos ya es admitido por todos. A ser un formato basado en XML necesitamos cierto control de código para hacer que un archivo SVG funcione adecuadamente.
Iconos responsive En la actualidad todas las webs están migrando al formato responsive, así que nos encontramos multitud de iconos que se redimensionan en función del ancho de la pantalla. Normalmente el funcionamiento suele ser sustituir un
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icono bitmap por otro más pequeño. Con SVG podemos utilizar el mismo y que se vaya reduciendo poco a poco, o bien que utilizar varios tamaños pero que todos ellos sean SVG con la ventaja de la mejor visualización al ser vectorial.
Duotonos estas paletas están desde hace tiempo, pero recientemente se les está dando mayor protagonismo a través del efecto duotono degradado a pantalla completa, que produce gran impacto. Pero ¿qué es exactamente el efecto duotono? Básicamente, el uso de dos colores para formar una paleta. Una combinación complementaria de la escala de color. Últimamente los diseñadores están rompiendo con las normas de las tonalidades mediante la utilización de todo tipo de combinaciones de colores. La mayoría de las veces, este efecto cuenta con una superposición de
colores brillantes en la parte superior de la imagen. El efecto duotono destaca los tonos claros y oscuros y crea un impacto visual con colores muy dispares. Es el caso de Spotify, que utiliza el recurso con las fotos de los artistas para atraer la atención. Es una técnica que se puede aplicar de infinidad de maneras. Funciona casi con cualquier concepto y va muy bien en pantalla completa. También se puede utilizar como fondo, para acentuar elementos de la interfaz de usuario o para poner énfasis e incidir en una zona o parte específica. No cabe duda que va mejor cuando se aplica a un solo elemento, ya que en algunos casos puede resultar sobrecargado.
Degradados Una de las tendencias de diseño que se pronostican para 2017 -mira el resto de tendencias que se pronostican por medio de nuestra infografía– es el degradado tonal y de color, condición que permite jugar con la selección cromática de los objetos para llevarlos a otros colores o simplemente a una menor saturación. Para lograr esta posibilidad del color existen en la actualidad muchos pro-
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gramas y paqueterías informáticos, pero desde luego que se puede desarrollar también a lápiz o tinta. Se trata, sin lugar a dudas, de un proceso que a mano requiere mucha destreza creativa, mientras que en lo digital necesita de una buena comprensión de la teoría del color y una correcta justificación conceptual para poder mostrarse.
¿Qué es el famoso Call to action? El CTA procede de las siglas de “call to action”, un anglicismo que ya está totalmente incorporado en el lenguaje marketiniano del día a día. Su traducción en castellano es “llamada a la acción” y hace referencia a cuando queremos impactar de algún modo a un visitante para que realice una acción que nos interesa.La mayoría de las veces los pequeños detalles tienen la clave, como en este caso el botón de CTA. Piénsalo bien, no hay ninguna acción, que un visitante a tu página pueda realizar sin pasar por hacer un clic a un botón. Tan insignificante y tan necesario.
La importancia del CTA en tu página web Dentro de una página web, el call to action tiene forma de botón o enlace en el que debe figurar un texto que invite a hacer click en él para cumplir un determinado objetivo Éste variará según el fin que se persiga, descargar un programa, comprar un producto, leer un artículo, visitar una web...
El CTA es esa llamada a la acción necesaria para atraer a clientes potenciales, normalmente vincula el contenido habitual del portal web con una landing page que contiene información relevante o algún tipo de oferta para el cliente potencial, a menudo, la forma más común es a través de un formulario de contacto.
El CTA pretende generar una respuesta inmediata para conseguir llegar al objetivo que está marcado.
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Historia del diseño punk
Movimiento CIAM 1928
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pop art
Elementarismo 1920
High Tech 1970
Constructivismo ruso 1914
Diseño radical y anti-diseño 1960-1970-1980
Expresionismo 1914-1918
Minimalismo 1960->
Surrealismo 1920
Escuela suiza 1970->
Dadaísmo 1910
Podríamos decir que el diseño gráfico tiene su origen en el momento en que surgió la conciencia de lo visual para emitir mensajes, quizás con las representaciones rupestres se lograban emitir idas significativas y propagandísticas. O tal vez el diseño llegó con el surgimiento de la imprenta y las publicaciones impresas. Pero no olvidemos que la escritura
Deconstructuvismo 1960-1970-1980
Art déco 1930-1940-1950
Art nouveau 1870-1880-18901900-1910-1920
Organicismo 1930
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Óptica art 1958
Futurismo 1909
surgió antes y los libros tenían una hechura manual, ahí el diseño editorial ya había hecho acto de aparición. Si bien no sería sencillo definir cuándo es que surgió el diseño gráfico, sí podemos mencionar algunas de las corrientes artísticas que fueron trazando poco a poco la su historia.
Bahúnas 1920-1930
Cubismo 1904
Funcionalismo 1930
Organicismo 1930
Diseñadores Gráficos mexicanos Acontinución te precentamos 10 diseñadores mexicanos reconocidos que tienes que conocer.
Gabriel Martínez Meave Gabriel Meave es diseñador gráfico y tipográfico, ilustrador y calígrafo, nacido y radicado en la Ciudad de México. Su trabajo abarca el diseño editorial y de libros, identidad corporativa, logotipos, obra gráfica, caligrafía y diseño de fuentes y familias tipográficas. Ha ilustrado libros de narrativa, fantasía y ficción, para autores como Gabriel García Márquez, Juan Villoro y Cornelia Funke. Ha diseñado tipografías especiales para empresas como Telcel, el diario financiero El Economista, Jumex y los almacenes El Palacio de Hierro, así como la fuente institucional del gobierno federal de México.
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Su obra caligráfica y de ilustración ha sido exhibida en diversos foros y espacios, entre ellos la muestra individual «La mano que mece la pluma» en el Museo Mural Diego Rivera en el centro histórico de la Ciudad de México. Además, su trabajo ha sido publicado en las principales revistas internacionales de diseño, tales como Communication Arts, Novum, Ètapes, Typo y How. Phaidon Books, en su libro Area_2, publicado en 2009, incluyó a Meave como uno de los cien diseñadores emergentes más importantes hoy en el mundo.
Ricardo Luévanos Es ilustrador y diseñador gráfico. Sus fuentes de inspiración son la fantasía, los sueños, el romanticismo, los textos que lee, las personas cercanas a él, y especialmente la música, que marca cada uno de sus proyectos.
Ricardo Luévanos, originario de Guadalajara, es licenciado en diseño para la comunicación gráfica, tiene una trayectoria de 10 años en el mundo del arte, y ha publicado en revistas como “Nylon” y en festivales de cine como el “Vancouver Latin American Film Festival”. “Mi estilo es muy representativo, trato de crear una conexión entre el ojo del espectador y su corazón, mi arte no es tan complejo de entender, las personas lo perciben inmediatamente”, compartió el ilustrador.
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El autor también comentó que lo que más le gusta realizar es el estampado textil, área donde ha trabajado con marcas nacionales. Cabe mencionar que a mitad de este año realizó la apertura de la Fábrica de Diseño Mexicano, una escuela en donde se brindan cursos y talleres de formación complementaria para las artes.
Quique Orllevides Diseñador con especialización en diseño tipográfico por Cooper Union. Co-fundó y dirigió el estudio Hula+Hula (1996-2010) y la tienda/galería KONG (2006-2010), primera en México especializada en ilustración y diseño.
Desde 2010 trabaja de manera independiente en proyectos de branding, ilustración y tipográficos. Nació en la Ciudad de México en 1974. Es egresado de la carrera de Diseño Gráfico de la Universidad Intercontinenta
“Me gusta mucho hacer portadas de discos porque, a diferencia del diseñador que hacer el envoltorio de los frijoles y su trabajo termina en la basura, el diseño de la portada de un disco lo acompaña toda la vida. Llega a formar parte del artista, de la música y de ese disco en particular. Es un reto súper padre y una responsabilidad muy grande”
En 2014 diseño este cartel para la multipremiada ópera prima de Alonso Ruizpalacios. Se usó en la gira de Festivales únicamente. Mantuvieron el logo que
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había diseñado a partir de impresos de tipos móviles en carteles viejos de lucha libre. También diseño los créditos de salida de la película.
Vicente Rojo En España hace sus primeros estudios de dibujo, cerámica y escultura en 1946 en la Escuela Elemental del Trabajo. Llega a México en 1949, reclamado por su padre, el cual residía aquí como refugiado político desde el fin de la Guerra Civil Española. Vicente Rojo es sobrino del General Rojo, el más acreditado jefe de las tropas de la Segunda República Española que se opusieron al golpe de estado protagonizado por el General Franco. Cofundador en 1960 de la Editorial Era,
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de la cual forma parte en el consejo editorial y como director de arte. Miembro de la llamada Generación de la Ruptura, es una figura importante y destacada dentro de las artes estéticas de este país y su figura es altamente respetada por colegas y círculos intelectuales en general, siendo considerado uno de los artistas más importantes del abstraccionismo en México. El 16 de noviembre de 1994, fue elegido miembro de El Colegio Nacional, su discurso de ingreso fue “Los sueños compartidos”, el cual fue contestado por Manuel Peimbert Sierra.
Domingo noĂŠ MartĂnez DiseĂąador mexicano. Especializado en diseĂąo de revistas, libros, ediciones especiales, web, pĂłsters e identidad visual. Universidad AutĂłnoma Metropolitana / Azcapotzalco Licenciatura en DiseĂąo de la comunicaciĂłn grĂĄfica
En 1990 trabajĂł como Director de Arte para la GalerĂa Metropolitana; despuĂŠs, trabajĂł en Editorial Televisa como Director de Arte de la revista Harper's Bazaar, ediciĂłn MĂŠxico y LatinoamĂŠrica y como Coordinador General de DiseĂąo de revistas inter-
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nacionales. A partir de 1997 fundó junto con Alvaro Rego la Revista Matiz. Junto con Yolanda Garibay fundó el estudio La Fe Ciega y ambos participan en el diseùo de la revista de rock La Mosca en la Pared.
EDUARDO BARRERA Eduardo Barrera cursó la carrera de diseño gráfico en la Facultad de Artes y Diseño (antes ENAP) de la UNAM. Trabajó como coordinador de publicaciones para la Bienal Internacional del Cartel en México y la revista Lúdica, bajo la dirección de Xavier Bermúdez. Cursó varios workshops de diseño de cartel con Jukka Veistola (Finlandia), Takashi Akiyama (Japón), Marna Bunnel (Canadá), Peter Pocs (Hungría) y Uwe Loesch (Alemania). En las agencias de publicidad Leo Burnett México y Magic Moments Agentür für Kommunikation Viena, Austria, fungió como director de arte y director creativo, respectivamente. Desde 2001, Barrera trabaja como diseñador independiente en diferentes vertientes del diseño gráfico y comunicación visual, desarrollando imagen corporativa, publicidad, fuentes tipográficas,
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carteles, diseño editorial, empaques, sitios web, motion graphics y presentaciones multimedia para diversos clientes, empresas, instituciones y agencias. Su trabajo de cartel personal con temas político-sociales ha representando a México en las selecciones oficiales de concursos, bienales y exposiciones colectivas en más de 30 países. Fue premiado con medalla de bronce en la Bienal Internacional del Cartel en México en 2000, y en la Trienal de cartel ecológico “4th Block”, en Kharkov, Ucrania, en 2006. Con el artista plástico Erick Beltrán desarrolló la publicación ‘Ergo Sum’, para la Fundación Tápies en Barcelona, que ganó en 2008 el Grand Prix de la Bienal de Diseño Gráfico en Brno, República Checa.
Javier Ramírez “El Chá” El músico, diseñador, locutor y empresario Javier Ramírez, mejor conocido como El Chá! por su trayectoria como bajista de las bandas Fobia y Moderatto, nació en 1968. De padres autoritarios, su pasión por el diseño se vio reflejada desde muy pequeño, pues su madre no lo dejaba salir a jugar, por lo que pasaba el tiempo en su cuarto leyendo y dibujando sus propios cómics. Al llegar a la etapa universitaria, entró
a estudiar a la UNAM la carrera de Odontología. Poco tiempo duró en ella, ya que entre la música y su pasión por el diseño, decidió que quería estudiar una carrera para mantener su vida y tener a la música como un pleno hobbie. Como el diseño le llamaba la atención, decidió inscribirse en la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Continental, sin que su padre supiera, y fue allí donde creó Hula Hula.
El comienzo de su carrera musical con Fobia fungió, también, como inicio de un proceso de aprendizaje en el diseño, ya que estuvo muy involucrado en la producción de los flyers para
las presentaciones del grupo y en la imagen de sus primeros discos, sobre todo en el segundo disco, Mundo Feliz, logrando fusionar su amor por la música y el diseño.
Hula Hula En un estudio de diseño formado en la ciudad de México en 1996, el que está enfocado, principalmente, a la industria del entretenimiento. Han trabajado para empresas como Sony, BMG, EMI, Warner, MTV, Doritos, Hard
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Rock Café, Festival Morbido, Cartoon Network, Coca-Cola, entre otras. Su trabajo se ha publicado en Communication Arts, Los Logos, Latin American Graphic Design y Diseño Gráfico en México: 100 años.
Benito CabaĂąas Benito CabaĂąas es diseĂąador GrĂĄfico por la Universidad de las AmĂŠricas Puebla. TrabajĂł con la Agencia de ComunicaciĂłn Anatome en las ciuda-
des de Marsella y ParĂs, Fr. (1999-2001). Actualmente es Director de la Agencia Abracadabra y consultor grĂĄfico de la UNESCO en ParĂs, Fr.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en 14 ciudades dentro de: RepĂşblica Mexicana Marsella, Fr. (2004), Mar de Plata, Ar. (2006) Bucarest, Ru. (2007) Santiago, Ch. (2007) San JosĂŠ, CR (2007) Cluj Napoca, Ru. (2009) Valencia, Es.(2009).
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Gonzalo García Barcha Nacido en México en 1962 e hijo del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Gonzalo García Barcha es tipógrafo y diseñador gráfico, con larga experiencia ya en la imprenta y en los títulos de crédito del cine. estudió en la Parson School of Design. Su trabajo se ha desarrollado en ciudades como París, Nueva York y la Ciudad de México. En esta última fundó El Equilibrista, casa editorial de libros de vanguardia sobre diseño gráfico, cine y artes visuales. Además de los estudios sobre tipogra-
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fías antiguas, otra de sus especialidades es la creación de tipos adaptados para títulos y créditos de cine. Su pasión por la edición también lo llevó a fundar El Equilibrista y Balacamán, editoriales que difunden el arte del diseño en su contexto histórico. pintor activo, en 2012 expuso Panorama, una serie de pinturas que primero dibujó en su ipad y que después trasladó al óleo, demostrando su versatilidad tanto manual como tecnológica.
Luis Almeida Nació en México, D.F., en 1946, y en 1979 obtuvo su licenciatura en arquitectura por la Universidad Nacional Autónoma de México, con mención honorífica. Posteriormente realizó estudios de diseño industrial en la Universidad de Florencia, Italia, y de semiótica en la Sorbona, y además trabajó en Francia como diseñador gráfico de la Société Look. En México inició sus trabajos en la Imprenta Madero, donde colaboró con Vicente Rojo, y en 1985 ingresó a Redacta, taller donde desarrollaría el diseño editorial y corporativo. Entre los diversos reconocimientos a su obra destaca el Premio Nacional al Arte Editorial del año de 1987 por el catálogo Miguel Covarrubias, en 1993 por la revista El observador internacional, y por el libro Imágenes de un encuentro, y en 1995 por su obra De las estaciones. Asimismo, se le otorgó el premio de la Confederación Latinoamericana de Artes Gráficas por el catálogo
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Retablo de los dolores, y en 1996 la mención honorífica del Consejo de Diseñadores de México al boletín Biodiversitas. Además, ese mismo año, la UNESCO designó en París a la revista Saber Ver como la mejor publicación de carácter cultural de este tipo; en 1997 recibió el premio Quorum a la mejor gacetilla por el ya mencionado boletín, y en 1999 el mismo premio por el mejor catálogo de arte. Almeida es miembro fundador de Quorum, el Consejo de Diseñadores de México, y fue su presidente durante 1989. En 1991 fue aceptado como miembro curricular y se le nombró perito en diseño por parte del Colegio de Diseñadores Industriales y Gráficos de México (CODIGRAM); fungió como delegado de dicho colegio ante la XVI Asamblea General de ICOGRADA, en Portugal, y en la XVII Asamblea celebrada en Uruguay, y en el año de 1998 fue invitado al Festival de Gráfica de Chaumont, Francia.
Recomendamos Eventos La universidad Lasalle como todos los años organiza un día lleno de conferencias y talleres, no puedes perdértelo, contaran con la invitación de Lady love, chinelín, ánima estudios, jours de papier y Víctor Betancourt.
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Qué ver Nuestra recomendación para este nuero es el documental tiburones de México, además de tener magnificas imágenes de la vida marina en México, también muestra una perspectiva diferente sobre los tiburones y su conservación en el país.
Mientras el equipo de Pelagic Life está persiguiendo la corrida de la sardina en el mar abierto de Baja California, se topan con una cruda operación de pesca de tiburón que despierta un cambio radical en el pensamiento del grupo. Partiendo de su concepto original de documentar los impresionantes fenómenos de la fauna pelágica, transforman su misión para dar a conocer la vida marina en México y a su vez desarrollar estrategias de medios de vida sostenibles para los pescadores de
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tiburón con el fin de preservar este ecosistema crítico y delicado. México Pelágico es la historia de un emparejamiento improbable de intereses. Está claro que al nadar junto a tiburones, pez vela, ballenas, tortugas y hasta cocodrilos, tu perspectiva nunca será la misma. México Pelágico invita al público a empaparse con los majestuosos tesoros oceánicos de México, para inspirar y fomentar el respeto y la conservación a través del ecoturismo.
Qué leer La imagen ha logrado un poder significativo gracias a las nuevas tecnologías, llega fácilmente al alcance del público, pero pocas veces nos preguntamos por qué nos sirve como mejor vehículo incluso que la escritura, para una mejor recepción de información. Este es un libro que profundiza en el impacto de la imagen, con sus diferentes aproximaciones en el arte, la cultura y la sociedad, el cual consta de ocho capítu-
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los realizados por estudiantes de la Facultad de Diseño, divididos por las tres disciplinas mencionadas, que abordan la importancia y el impacto de la imagen en la artesanía, la publicidad, el espacio público, la contaminación visual, la imagen como un discurso de control y miedo, transmisora de cultura, creadora de prohibiciones morales y mecanismo de manipulación social.