inicios del cine by ines ii

Inés de la Peña Fernández-Cañadas

Ă?ndice

-Los inicios del cine ............................................................. 3 -El cine mudo. ....................................................................... 4 -Figuras importantes:............................................................ 5 -Charles Chaplin .................................................................... 5 -Buster Keaton....................................................................... 9 - Harold Lloyd ......................................................................12

LOS INICIOS DEL CINE

La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento. Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero. El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895) Este nuevo invento tuvo muy buena aceptación por parte del público y pronto se extendió. Diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Al principio el cine se consideraba un espectáculo de feria, barato y popular, algo muy alejado del arte pero poco a poco las clases intelectuales dejaron de despreciarlo y empezaron a considerarlo un arte. A partir de 1910 comienzan a producirse en Europa películas de mayor duración y más calidad. En Francia se adaptaron obras de Víctor Hugo o Emile Zola, mientras que en Italia se consolidaba una forma de hacer cine que influirá en todo el mundo. Mientras, en Estados Unidos empiezan a fundarse los primeros estudios cinematográficos

EL CINE MUDO

El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido, a finales de los años 20. En sus inicios las imágenes grabadas no iban acompañadas con sonidos e intercalaba la historia con viñetas explicativas en las que veía lo que los actores decían o lo que pasaba en ese momento. También iba acompañado con la música de un pianista, y en los cines grandes orquestas que tocaban en directo. Debido al tamaño de la producción del cine mudo, ésta empresa se convirtió en la principal fuente de empleo para los músicos (al menos en Estados Unidos. Pero la introducción de "películas habladas", la cual sucedió en el mismo momento que la Gran depresión, fue devastadora para los músicos. Algunos países idearon otras maneras de ofrecer el sonido a las películas mudas. El cine temprano de Brasil ofreció cantatas de fitas: operetas con los cantantes interpretando detrás de la pantalla. En Japón, las películas tenían no sólo la música en vivo, sino también contaban con un benshi, narrador en vivo que proporcionaba las voces del narrador y los personajes. El benshi se convirtió en un elemento central en las películas japonesas, además proveía la traducción para las películas extranjeras (sobre todo norteamericanas). Su popularidad fue una de las razones por la que los filmes mudos persistieron bien entrados los años 30 en Japón. En los años previos a la introducción del sonido se filmaron literalmente miles de películas mudas, pero un número considerable de ellas (algunos historiadores estiman que entre el 80 y el 90 por ciento) se han perdido para siempre. Las películas de la primera mitad del Siglo XX se grabaron en rollos de película de nitrato, que era inestable, altamente inflamable, y requería de una conservación cuidadosa para evitar que se descompusiera con el tiempo. La mayoría de estas películas no fueron conservadas; con los años, las grabaciones se convirtieron en polvo. Muchas de ellas fueron recicladas, y un número importante fueron destruidas en incendios. Por este motivo la conservación de películas ha sido una prioridad entre los historiadores de películas.

FIGURAS IMPORTANTES

Charles Chaplin: Director, escritor y productor británico A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. En su cine abundan imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Charles Spencer Chaplin nació en East Street, Walworth, Londres el 16 de abril de 1889, Inglaterra, según dijo él mismo, ya que en ningún sitio consta documentación oficial de su nacimiento. Sus padres fueron artistas de el music-hall .Comúnmente se hacía suponer que él era judío, una afirmación que parece no ser cierta. Se sentía fuertemente identificado con los judíos a los que hacia defensa, pero no hay ninguna fuente documentada para afirmar con certeza si el padre también era de origen judío. Los padres de Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. Cuando Chaplin nació no era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue aquel del vagabundo (The Tramp, en inglés; “Charlot”, en español, italiano y francés): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentes 5

La película “EL chico”, rodada en 1921, acabó de convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. La misma cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño, lo que había sido su propia infancia. Siendo ya millonario, regresó a Europa sólo para buscar y llevarse a su madre a América, que se encontraba recluida en un sanatorio mental. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental. La quimera del oro (The Gold Rush) es una película de cine estadounidense dirigida por Charles Chaplin, estrenada el 26 de junio de 1925. Fue reestrenada en 1942 con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin. Tiempos modernos (Modern Times, 1936), es la última película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo la mímica de las películas mudas. Los sectores más reaccionarios y puritanos de Estados Unidos se enfurecieron con esta película, que es considerada una de las obras maestras de la historia del cine. Las críticas contra Chaplin aumentaron cuando realizó esta película, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), protagonizada junto a Paulette Goddard, su tercera mujer.

La película era una crítica contra el nazismo alemán y, por extensión, contra todos los fascismos y dictaduras. Comenzó a rodarla la misma semana en que comenzó la Segunda guerra mundial Mundial. Anteriormente, Chaplin había ya declarado sobre Hitler que éste «le había robado el bigote» y la verdad es que su parecido físico con el dictador hace que la película sea aún más hilarante. En ésta, Chaplin juega a representar dos personajes, el del dictador y el del barbero judío, a quien confunden con aquél. Adenoid Hynkel, como nombra a su personaje, en una clara parodia de Adolf Hitler, y la magnífica interpretación de Jack Oakie como Benzino Napoloni, evidente parodia de Benito Mussolini, son sencillamente geniales. Parece ser que Hitler vio la El gran dictador, si bien no se conoce ningún comentario suyo al respecto. Pese a su fama en el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportara a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América». Fue llamado a testificar en el Comité en varias ocasiones, pero no se presentó nunca. Al mismo tiempo, lo estaban acosando los Veteranos de Guerra Católicos, una asociación reaccionaria, que le acusaba de haber escrito una carta a Pablo Picasso, peligroso comunista para ellos, y un senador llegó a decir que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición». El 17 de septiembre de 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa, hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debía ser expulsado. Lo acusaron formalmente de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido». En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957, rodó una película en la que parodiaba a EEUU y a la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. La película fue un fracaso comercial y los críticos no la respaldaron, pero tanto Brando como Loren dijeron que no podían decirle que no a un genio tan grande como Chaplin.

Dos décadas después de su salida de Estados Unidos, ya convertido en un anciano, le fue concedido el permiso de reingresar a Estados Unidos para recibir un Oscar Honorífico (1971) "por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX, el cine", y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien Chaplin ya había obtenido un Oscar Especial por su película El circo). La entrega del premio se preparó especialmente, de hecho, fue la única vez en que el premio a la "Mejor Película" no se entregó al final, momento que se reservó para Charlie Chaplin. Todos los ganadores de la noche fueron invitados a subir al escenario para que el mismo presidente de la academia Daniel Taradash presentará el galardón luego de veinte minutos en que exhibieron los mejores momentos de su filmografía. Finalmente Chaplin apareció y el público aplaudió durante siete minutos (la ovación más larga en la historia de los Oscar). Al fin, Chaplin tuvo su oportunidad de hablar: “Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Sólo puedo decir que... gracias por el honor de ser invitado aquí, y... ¡oh son gente maravillosa y dulce!, gracias.” Fue nombrado caballero por la corte real británica en el año 1975

Búster Keaton: Búster Keaton. Actor, director y guionista americano. Nació el 4 de octubre de 1895 en Kansas. Es considerado una de las más importantes figuras de la historia del cine por haber entendido mejor que cualquiera de sus contemporáneos el significado y las posibilidades del cine. En sus obras, muy apreciadas tanto por el público como por la crítica, estableció una interesante comunicación con el espectador, exploró la elasticidad del tiempo y realizó bromas inolvidables que siguen gustando a cuantos las ven. Sorprenden en el su capacidad de improvisación y la creación de innumerables situaciones en las que combinó un rostro impasible y un cuerpo capaz de hacer cualquier acrobacia, realizando así situaciones divertidas, alocadas y a menudo absurdas. Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "Los Tres Keatons") desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Búster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El número se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Búster no salía dañado. Al momento que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la, entonces naciente, industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí, fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. Paradójicamente, en aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de 9

hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe. Entre los años 1921 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928 otros 10 largometrajes. Durante esta época, tuvo absoluto control de todas sus películas, aunque pidiera las cosas más extrañas para rodarlas, como una antigua locomotora o un transatlántico, aunque él personalmente no tuvo ni una acción de la productora que permitía hacer todas estas películas. Después, no volvería a controlar el aspecto creativo de sus propias películas. Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial lo hizo uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino. Entre sus películas se encuentra “El navegante” que se grabó en el año 1924 y que esta considerada una de las mejores películas de su carrera. La ley de la hospitalidad grabada en el año 1923 es una comedia de situación que explica la historia de Willie McKay, que se ve inmerso en medio de la pelea de clanes de los Canfield y los McKay. Quizás su película mas importante sea “El maquinista de la general” que estaba basada en un hecho "real" autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren Confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "malos" para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchas películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos 10

cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso comercial. La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría por siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton Las películas “El crepúsculo de los Dioses” (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él. Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión, espectáculos en directo, que hizo que la gente se interesara en las antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Alan Schneider. En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles. Otra presentación memorable en una película es cuando comparte roles con Cantinflas en la película "La vuelta al mundo en 80 días", en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película) En el año 1950 la televisión le devolvió parte de la gloria que merecía, y se convirtió en invitado de lujo en todo tipo de programas. En 1959 recibió un Óscar honorífico por su carrera y por su modo de interpretar comedias. Gracias a todo esto, y al matrimonio con su tercera mujer, Buster recuperó la felicidad. Falleció en Hollywood en 1966.

Harold Lloyd: Fue un actor estadounidense de cine, considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte. Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin forma el "triunvirato" de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro. Con ascendencia galesa por parte de padre, Harold Clayton nació en la localidad de Burchard, condado de Pawnee en Nebraska en una humilde casita que actualmente está restaurada y convertida en museo. Sus padres fueron James Darsie Clayton y Elizabeth Lloyd, de los cuales era el segundo hijo tras su hermano Gaylord nacido en 1888. Su padre, apodado "Foxy" (Astuto), era un hombre inquieto, aventurero, de fácil verborrea y algo bohemio incapaz de permanecer mucho tiempo en un mismo empleo. La madre era dominante, de principios inalterables y con cierta afición por la interpretación; el matrimonio se divorció en 1910. Durante un tiempo Harold y Gaylord vivieron alternando períodos con el uno u otro progenitor hasta quedar definitivamente al cuidado del padre. La infancia de Harold transcurrió de ciudad en ciudad (Humbolt, Beatrice, Omaha, Denver,...) debido, en buena parte, a ese espíritu "nómada" del padre. Si la infancia de Charles Chaplin fue "dickensiana", la de Lloyd puede calificarse al estilo de Tom Sawyer. Desde pequeño, Lloyd se mostró como una persona despierta, rápida de ingenio, inquieta y heredera de la pasión maternal por el teatro. Su padre lo apodó "Speedy" (Rápido). A los doce años trabajaba como acomodador en el teatro Orpheum de Omaha donde conoce y entabla amistad con John Lane Connor, un famoso actor de la época que le ofrece debutar en el escenario realizando un pequeño papel (Abe, un niño cojo) en la obra Tess of the D´Urbervilles. Por aquel entonces su padre trabajaba para la compañía de máquinas de coser Singer, en la cual sufrió un accidente laboral por lo que fue indemnizado con la suma de 3.000 dólares, cantidad más que suficiente para que los hombres Lloyd pudieran vivir holgadamente durante una larga temporada. A la hora de elegir donde establecerse, la decisión fue tomada lanzando una moneda al aire la cual determinó que irían a San Diego. La Escuela de Teatro de esa ciudad estaba dirigida precisamente por Lane Connor, por lo 12

que Harold pasa algún tiempo allí a la vez como estudiante y monitor, sin embargo con ese carácter aventurero heredado de su padre, Lloyd no pasaría mucho tiempo en las aulas. En ese entonces la Compañía Edison pasa por San Diego rodando una western; Connor recomendó a Lloyd para un pequeño papel como extra, se trataba de estar disfrazado de indígena piel roja y medio desnudo. Después de su brevísima formación académica emprende varias giras teatrales por pueblos de la América profunda haciendo pequeños papeles en obras como Trilby y Oliver Twist; estos meses se convertirían en una magnífica escuela. Entre los actores de la compañía teatral en la cual participaba, estaba Charlie Ruggles (posterior secundario en el cine) que constata el don innato de Lloyd para la comedia. Desde "Over the Fence" Lloyd nunca abandonó a su personaje. Su popularidad iba en aumento y en 1921, impulsado por el éxito de The Kid (El Chico) de Chaplin, Lloyd dio el salto a los largometrajes. Sus cortos de uno, dos o tres rollos ya no eran suficientes para el inquieto muchachito de Nebraska aunque entonces se creía que era difícil mantener a la audiencia interesada en una comedia por más de media hora. Roach consideraba que no era conveniente arriesgarse pero finalmente Lloyd se salió con la suya y en 1921 con A Sailor-Made Man (Marinero de Agua Dulce) hizo un mediometraje de 46 minutos de duración. El éxito fue tremendo. Durante un tiempo Chaplin regresó a los cortos, pero Lloyd ya nunca volvió a hacer una película de menos de 5 rollos. Roach y Lloyd habían creado un equipo de colaboradores llamado "Los Gagmen", que se complementaban a la perfección (Fred Neymeyer, Tim Whelan, Clyde Bruckman, Ted Wilde y Sam Taylor -Considerado por Lloyd como el más capacitado de todos-). Aunque ellos figurasen como directores de las películas, era Lloyd el responsable final de las mismas. Al igual que Buster Keaton o Chaplin, Lloyd y sus gagmen preparaban minuciosamente las escenas calculando cada segundo de acción. Tenía un estilo rápido, aparentemente loco e improvisado y casi siempre increscendo, sin embargo nada era dejado al azar; de hecho, tras A SailorMade Man, sólo rodó nueve películas en siete años debido a la minuciosidad con que se realizaban los cada vez más complejos gags y escenas. Sus películas solían empezar con un ritmo moderadamente lento, donde 'EL hombre de gafas' se ve enredado en algún asunto amoroso o un reto condenado al fracaso, luego iba de chiste en chiste, cada vez más rápido, para llegar a un final donde la velocidad y las piruetas hacen que el protagonista salga victorioso contra la adversidad. En unos pocos años el 13

estilo propio de Lloyd se impone y populariza entre el público, un elemento tan importante para éstas películas, que Lloyd realizaba funciones especiales de sus filmes antes del estreno, y modificaba, añadía u omitía partes de la misma dependiendo de la actitud, aplausos, duración y frecuencia de las risas y carcajadas, aplausos y otros comportamientos de los espectadores. Entre otros mediometraje y largometrajes realizados por él, se destacan Captain Kidd's Kids (Las Hijas del Capitan Kidd), From Hand to Mouth (De la Mano a la Boca) o Now or Never (Ahora o Nunca). Su último corto fue Never Weaken (Viaje al Paraíso) de 1921. En sus películas luego usará muchos elementos de sus cortos. La década de los veinte corona a Harold como el cómico favorito del público junto a Chaplin (Buster Keaton, -redescubierto años más tarde-, estaba en un escalón inferior en cuanto a aceptación e ingresos en taquilla se refiere). Charlot y el Hombre de las gafas de carey no eran, sin embargo, rivales encarnizados. De hecho los dos cómicos, pese a no ser íntimos amigos, siempre mantuvieron una relación muy cordial y de mutua admiración. En 1925 rodó The Freshman (El Estudiante Novato), que quizá junto a "Safety Last" son sus películas más populares, y ésta última la más taquillera. Aquí Harold Lloyd es un joven que desea alcanzar la popularidad en la universidad donde sus compañeros lo han elegido como el blanco de todas las bromas pesadas. La escena final en un campo de fútbol americano es célebre, con Harold luchando para conseguir el tanto final que dé la victoria a su equipo. Veinte años después el personaje central volvería a ser utilizado en su despedida del cine. Al final del período del cine mudo, Lloyd dejó un par de grandes obras. La primera es The Kid Brother (El Hermanito) en 1927, comedia de ambiente rural donde retoma algunos de los patrones de "Grandma's Boy" aunque de una manera más madura y elaborada. Esta cinta fue la última donde Jobyna Ralston actuó como compañera de Harold. La actriz no súpero más adelante el tránsito al sonoro debido a un pronunciado ceceo. Su última producción en el período mudo fue Speedy (Relámpago) en 1928 donde su personaje es llamado como su apodo en la vida real, y vive en la agitada Nueva York. La película retrata A Nueva York desde Conney Island a las calles de Manhattan, pasando por el Estadio de los Yankees (El mítico jugador de béisbol Babe Ruth tuvo un pequeño papel).

Bibliografía

-Charles Chaplin en www.wikipedia.es -Charles Chaplin en www.uhu.es -Los inicios del cine en www.duiops.net -los inicios del cine en www.recursos.cnice.mec.es -Búster Keaton en www.wikipedia.es -Cine mudo en www.wikipedia.es -Cine en www.wikipedia.es