Noise Music Mag

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EDITORIAL

EL INDIE

LA MÚSICA QUE SE TRANSFORMÓ EN UN MOVIMIENTO Durante años la escena independiente fue el secreto mejor guardado de los ingleses. Ahí se gestó una generación de marginados, de jóvenes abandonados a la suerte de la disidencia. Mientras la próxima generación pretendía dejar atrás los estragos ocasionados por la Segunda Guerra Mundial, era inevitable que la cultura se viera influenciada en los próximos años. Tony Wilson, periodista y fundador de la disquera independiente The Factory Records en 1978, fue uno de los responsables para que la independencia tomara forma y rumbo. No sólo convirtió a Manchester en uno de los centros musicales más importantes de los setenta, sino que impulsó a los principales referentes del indie, como tal es el caso de Joy Division, New Order, Happy Mondays y James. Después, la consiguiente oleada de bandas y artistas británicos decidieron romper losesquemas de la industria. La música que al principio luchaba contra la indiferencia, se convirtió de repente en un movimiento que logró exportarse a todo el mundo. De manera primordial podemos decir que el indie se refiere a las bandas que graban, editan, promocionan y distribuyen su propia música, esencialmente usando sus propios recursos. El movimiento independiente existe desde hace mucho tiempo. De acuerdo con El Baxter, ex locutor de Ibero 90.9, además de la corriente que surgió en Inglaterra, en Estados Unidos se suscitó el mismo fenómeno sólo que a mediados de los ochenta. El surgimiento de grupos como R.E.M, The Flamings Lips y Nirvana dio pauta para que las disqueras tomaran fuerza comercializando su música y así impulsar el college rock. Entrada la década del 2000, las bandas indie se caracterizaban por tener un sonido oscuro, como The Rapture o Franz Ferdinand, y comenzaron a llegar a grandes públicos. Es decir, el mercado para poder encajonar ciertos géneros musicales denominó indie a toda la música desconocida, aquella que no estaba siendo empujada con millones de dólares para que la pusieran en la radio o para colocarla en los top ten de los discos más vendidos de las tiendas. Entonces ¿el indie es un género musical o qué? Aunque el concepto puede encajonarse como lo que suena raro, al final lo indie es lo que hace cualquier artista que proviene de una disquera pequeña.

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SUMARIO ENTREVISTA ÍNTIMA:

ARCTIC MONKEYS

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Acaban de cumplir diez años como banda, aniversario que celebraron con la edición de AM, su quinto disco.

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PÁG. Noise es una revista independiente bimestral de distribución dirigida. Noise es una marca registrada. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin previa autorización del editor. Propietario Nicolás Culotta. Los autores y entrevistados son responsables de sus respectivas ideas y opiniones. Registro de propiedad intelectual N-555011.

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NOVEDADES 2014:

DISCOS QUE ESPERAMOS NOTICIA:

THE XX EN ARGENTINA BANDAS SONORAS:

LAS MÁS ROCKERAS NOTA DE OPINIÓN

EL INDI SE HIZO ROCK ANTE LAS CRÍTICAS DEL SUPERBOWL:

FLEA RESPONDE INFOGRAFÍA:

THE STROKES ENTREVISTA ÍNTIMA:

BLUR

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Entrevistamos al bajísta de unas de las bandas de rock indi más importantes de la historia, Alex James

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1RA EDICIÓN:

POSTALES COLECCIONABLES HOMENAJES:

RECORDANDO A LOS BEATLES

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// ARCTIC MONKEYS

POR: ÉTIENNE DAHO

LOS ARCTIC MONKEYS ACABAN DE CUMPLIR DIEZ AÑOS COMO BANDA, ANIVERSARIO QUE CELEBRARON CON LA EDICIÓN DE AM, SU QUINTO DISCO: UN PAR DE RAZONES MÁS QUE SUFICIENTES PARA SENTARNOS A CHARLAR CON ALEX TURNER SOBRE INFLUENCIAS TEMPRANAS, REVELACIONES PRESENTES Y PLANES FUTUROS.

“Siempre nos preguntan qué cambió en diez años, y la respuesta es muy simple: alrededor nuestro cambió todo” sentencia categórico Alex Turner, cantante y líder de los Arctic Monkeys, puesto a repasar la historia de su banda. Durante la última década, Alex y los suyos pasaron de ser cuatro pibitos que no podían disimular el acné ni la energía, a uno de los grupos más

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sólidos y contundentes del rock actual, en la senda de sus amigos Queens of the Stone Age. Pero a diferencia de la banda liderada por Josh Homme –que les produjo Humbug (09)– los monos se animan a aventurarse por otros géneros igual de clásicos como el soul o el glam, algo que queda claro en AM, su inminente quinto disco, un conjunto de canciones sucias y bailables. “Suena como Outkast y Black Sabbath”, dijo Turner hace unas semanas, encantado con la idea de que un disco de los Arctic Monkeys pudiera remitir menos a cuatro pibes tocando en un cuarto y más al resultado de un fino

trabajo de producción. Tras diez años de aprendizaje, hoy el grupo tiene tanto el conocimiento como los medios necesarios para crear discos superadores. ¿Una banda de hard rock montada sobre un beat de hip hop? ¿Por qué no? La versión 2013 de de los Arctic Monkeys encontró en la producción detallista, el baile y la distorsión el antídoto para combatir el agotamiento. Ya van diez años de carrera, pero los cuatro fantásticos de Sheffield tienen planeado seguir viéndose las caras por mucho tiempo más. /////////////////////////////////////////////////////


ÍNTIMO

ALEX TURNER

En AM, el nuevo disco, mezclan varios estilos: soul, glam, rock… ¿Es el fruto de tus últimos descubrimientos musicales? Alex Turner: Es cierto que escuché mucha música diferente antes de hacer este disco, pero por primera vez quisimos intentar algo nuevo, sin reflejar tanto las influencias. A mí particularmente eso me ha sucedido bastante: el disco que grabamos con los Last Shadow Puppets, por ejemplo, es prácticamente un homenaje a Scott Walker. Me parece que AM, si bien toma cosas del glam, de Black Sabbath o de compositores como Mike Chapman (estoy literalmente obsesionado con su disco Fully Qualified Survivor) es un poco más difícil de etiquetar. ¿Qué fue lo último que escuchaste y te sorprendió? Descubro música que me gusta todo el tiempo, porque una banda me va llevando a la otra. Mi último flechazo diría que es el estadounidense Adrian Younge, que produjo el disco más reciente de Ghostface Killah e hizo la banda sonora de Black Dynamite, una película que parodiaba las películas de blacksploitation.

“En junio se cumplieron diez años de nuestro primer recital en un bar de Sheffield, y seguimos sin saber bien hacia dónde vamos.” Hablando de productores, en AM se los nota muy detallistas. ¿Cuál fue la idea de producción? Últimamente la producción es algo que me apasiona. De hecho, me encantaría hacer el intento de producir trabajos de otras personas, aunque no tengo nada previsto por el momento. Con respecto a AM, trabajamos de nuevo con James Ford, con la idea de alejarnos un poco de nosotros mismos. Lo primero que hicimos fue revalorizar mucho las voces, algo que me parece que queda claro en “R U Mine?”, la primera canción que mostramos hace unos meses. También nos jugó a favor el hecho de habernos encontrado en el estudio Vox, en Los Ángeles, que es increíble. Estaba lleno de guitarras y de instrumentos geniales como el Optigan, un teclado que terminamos usando. Lo bueno de trabajar con James es que podemos repartirnos un poco los roles: de repente a mí se me ocurre agregar unas percusiones tipo los Rolling Stones en “Gimme Shelter”, voy y lo hago. Los músicos ingleses siempre tuvieron una relación privilegiada con el soul. ¿Es tu caso? Sí, es un amor que heredé de mis padres. Mi mamá ponía muchos discos de Al Green y del sello Motown en general en casa. Hace poco me obsesioné completamente con “Flying High in a Friendly Sky”, una canción de Marvin Gaye. Me gusta el soul porque es una música que te hace sentir emociones, no te deja opción. Te atraviesa el corazón o te sacude las caderas. No podés escaparte.

AM es también un disco bailable. ¿Vos bailás? Sí, un poco… Igual, lo que más me interesa es que haga bailar a las chicas. Creo que el costado bailable se debe en cierta medida a la manera en que diseñamos el disco. Me regalaron un pequeño grabador de cuatro pistas para mi cumpleaños, y ahí grabamos los demos: yo ponía mi voz sobre bucles de bajo y de batería muy groovy, y después solo tuve que agregar las guitarras. Debo reconocer que incluso compré algunas especialmente para eso, modelos viejos sobre todo. Estoy convencido de que algunas guitarras viejas contienen canciones escondidas; hay fantasmas que hacer despertar en el fondo de los instrumentos polvorientos. Los Arctic Monkeys evolucionaron mucho en estos diez años: par tieron de una energía muy bruta hasta llegar a una música más sofisticada. ¿Qué tan premeditado fue ese cambio? Sí, un poco… Igual, lo que más me interesa es que haga bailar a las chicas. Creo que el costado bailable se debe en cierta medida a la manera en que diseñamos el disco. Me regalaron un pequeño grabador de cuatro pistas para mi cumpleaños, y ahí grabamos los demos: yo ponía mi voz sobre bucles de bajo y de batería muy groovy, y después solo tuve que agregar las guitarras. Debo reconocer que incluso compré algunas especialmente para eso, modelos viejos sobre todo. Estoy convencido de que algunas guitarras viejas contienen canciones escondidas; hay fantasmas que hacer despertar en el fondo de los instrumentos polvorientos. Mi mamá ponía muchos discos de Al Green y del sello Motown en general en casa. Hace poco me obsesioné completamente con “Flying High in a Friendly Sky”, una canción de Marvin Gaye. Me gusta el soul porque es una música que te hace sentir emociones, no te deja opción. Te atraviesa el corazón o te sacude las caderas. No podés escaparte.

Daft Punk y Arctic Monkeys ayudan a la venta de vinilos Los nuevos álbumes de Daft Punk , Arctic Monkeys y David Bowie impulsaron la venta de discos de vinilo en Reino Unido, hasta alcanzar su punto más alto en los últimos 10 años. Official Charts Company publicó en el 17 de octubre los últimos datos que confirman que las ventas de discos de vinilo en Reino Unido son las más altas desde 2003, impulsado por los álbumes Random Access Memories de Daft Punk y AM de Arctic Monkeys. En total, se han vendido más de 532.000 discos en Reino Unido hasta el momento.

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SORPRESAS PARA ÉSTE AÑO

LOS DISCOS QUE NOS ESPER AN EN 2014 SI EL AÑO PASADO FUE MUY BUENO MUSICALMENTE HABLANDO, ESTE QUE ACABA DE ARRANCAR NO LO VA A SER MENOS. EN 2014 TENDREMOS REGRESOS MUY ESPERADOS, CONSOLIDACIONES DE GRUPOS QUE LLEGARON FUERTE Y ALGUNAS NOVEDADES MUY INTERESANTES DE MÚSICOS QUE PROBARÁN SUERTE EN SOLITARIO.

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K ASABIAN

BECK

Tres años han pasado desde que los ingleses dieran señales de vida con material nuevo. Esa espera también terminará este año con la publicación de su quinto álbum, que se espera llegue hacia el mes de junio, aunque no está confirmado. Está por ver si mantienen la regularidad de sus trabajos anteriores o suben el listón un peldaño más.

En 2008 salió Modern Guilt, un brillante disco de este completísimo músico del que se espera lance uno de los mejores trabajos del año. Está por ver de lo que es capaz esta vez el cantante angelino. De momento ya sabemos que al álbum se llamará Morning Phase y que llegará a nuestras tiendas en febrero.

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FOO FIGHTERS

THE WAR ON DRUGS

“Vamos a lanzarlo de una manera que nadie ha hecho antes. 2014 va a ser un año realmente grande para Foo Fighters”. Con estas palabras nos dejaba Dave Grohl a todos con la boca haciendo agua después de un breve descanso que se tomaron tras la gira de su excelente último disco, Wasting Light. En algunos foros se ha empezado a rumorear que la banda podría emitir en directo la grabación del disco, Atentos!.

Los descubrimos tarde, pero con Slave Ambient nos conquistaron. Es por eso que desde UNBLOGGED tenemos muchas ganas de escuchar lo nuevo de los de Philadelphia, que llevará por título Lost In The Dream y que saldrá en marzo. Y más aún después de escuchar Red Eyes, su primer adelanto. Pinta muy bien. Esperemos que podamos verles por aquí. De momento sólo tienen confirmadas tres fechas europeas (Londres, Manchester y Dublín).

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THE BL ACK KEYS

MY MORNING JACKET

Tal vez es uno de los tres discos que más esperamos. Hay muchas ganas de ver si Dan Auerbach y Patrick Carney son capaces de superar el tremendo éxito que supuso su sensacional El Camino con el que conquistaron medio planeta. No han dado pistas de para qué mes de este año podría estar listo pero todo hace indicar que será antes del verano ya que han confirmado asistencia en nuestro país para julio.

Es una de las bandas más respetadas dentro de la escena indie-rock y apenas sabemos nada de ellos desde que en 2011 publicaran Circuital. Los de Kentucky nunca habían estado tanto tiempo sin sacar disco y es por eso que la expectación por lo que nos puedan ofrecer es muy grande. Esperemos que, por lo menos, estén a la altura de At Dawn o It Still Moves, que son,sus mejores trabajos hasta la fecha.

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DAMON ALBARN

COLDPL AY

El cantante de Blur debutará este año con su primer disco en solitario. En palabras del propio cantante, lo que nos podemos esperar es “una especie de folk soul”. Es una incógnita lo que nos puede ofrecer un músico que ha confirmado que hará gira de este disco y que, una vez presentado, se meterá en el estudio para trabajar en un nuevo álbum de Blur.

El nuevo año puede ser una buena oportunidad para que Coldplay logre redimirse de su último trabajo Mylo Xyloto que, sin ser malo, es el más discreto de su carrera. Los rumores apuntan a que podría estar listo para mayo/junio, pero no hay nada confirmado. Lo que sí parece tomar fuerza es que el grupo de Chris Martin ha decidido volver a la fórmula del éxito y seguir la estela de A Rush of Blood to the Head, el álbum preferido por gran parte de sus fans.

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DANIEL JOHNS

BRUCE SPRINGSTEEN

Otro que debuta en solitario. El cantante de Silverchair ha sido el último en darnos una grata sorpresa ya que ha confirmado que este año lanzará su primer disco estando él sólo a los mandos, algo que se puede decir que casi también hacía en su banda. No hay grandes expectativas con lo que pueda hacer, pero si una tremenda curiosidad por lo que puede hacer un músico que en los 90 nos deleitó con dos discazos: Frogstomp y Freak.

El jefe ha vuelto. Incombustible como siempre, el cantante de New Jersey estrenará muy pronto, el próximo 14 de enero, su nuevo disco, High Hopes. Sin embargo, para su legión de fans, no será una gran sorpresa oír los temas nuevos porque hace unos días se filtró en la red el álbum. La curiosa y atractiva novedad es la colaboración del guitarrista de Rage Against The Machine y Audioslave, Tom Morello.

BEADY EYE LA BANDA DE LIAM GALLAGHER, PRESENTARÁ EN ESPAÑA SU ÚLTIMO DISCO.

Beady Eye, grupo de rock británico liderado por el carismático Liam Gallagher y formado por antiguos miembros de Oasis: Gem Archer (ex heavy Stereo) , Andy Bell (ex Ride) y Chris Sharrock (ex The La´s) , vuelven a España y estarán actuando el 12 de febrero en La Riviera de Madrid y el 13 en Razzmatazz de Barcelona. Beady Eye visita España para presentar su último álbum: ‘Be’ (Sony/2013). Publicado el pasado 10 de junio, el disco ha contado con la producción de Dave Sitek, conocido por haber trabajado para nombres de la talla de Yeah Yeah Yeahs, Foals, Bat For Lashes o TV On The Radio.

Después del éxito de ‘Different Gear, Still Speeding’ (2011), disco que contaba con singles como ‘The Roller’ o ‘Bring The Light’, Beady Eye mantienen con ‘Be’ la energía “rockanrolera” de su ópera prima, muros de guitarras, batería galopantes y la inigualable voz de Liam.

Beady Eye visita España para presentar su último álbum, ‘Be’ (Sony), publicado el pasado 10 de junio.

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NOTICIAS

THE X X

LLEGA LA GRAN PROMESA LONDINENSE

Los inglesitos vienen por primera vez a la Argentina para presentarse en Mandarine Park; antes, su vocalista y bajista habló con nosotros. “Flasheamos con el nombre porque era demasiado bueno. Además de que nos pareció que a manera de concepto artístico bancaba muchas cosas”, evoca al otro lado del teléfono, desde la capital sueca, Oliver Sim, vocalista y bajista de The xx. “No hay una explicación de por qué nos llamamos así. Podríamos haberle puesto al grupo Kiss Kiss”. Y menos mal que no lo hizo, pues el trío resignificó nuevamente en la cultura pop la antepenúltima letra del alfabeto latino, la misma que colgará el próximo martes 15 de octubre, envuelta en un neón inmenso sobre el escenario, en el Mandarine Park, a las 20 hs., en lo que será su esperado debut en la capital argentina. “Este tour era algo que ya se venía gestando desde hace tiempo. Nos hubiera gustado venir con el primer disco, pero no lo conseguimos. Sabemos que el público porteño es muy apasionado, y, considerando que provenimos de Londres, donde la gente es muy reservada, eso nos tiene bastante ansiosos y excitados. Si bien no sé qué presentaremos en el recital, porque cuando estamos de gira cambiamos el repertorio para mantenernos frescos, estoy seguro de que será inolvidable”.

“No hay una explicación de por qué nos llamamos así. Podríamos haberle puesto al grupo Kiss Kiss”.

The xx incluyó a Buenos Aires en el tramo sudamericano del tour de Coexist (2012), álbum sucesor de su celebrado debut, xx (2009), un trabajo que renueva sus votos en el bando minimalista del dream pop. “Creo que The xx irá cambiando y evolucionando. Es parte de un proceso natural que aparece a medida que aprendemos a tocar

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nuestros instrumentos”, afirma el artífice que comparte el rol vocal (de porte dulce y tímido, al igual que sensual) de la terna con la violera Romy Madley Croft. “Aunque nos planteáremos hacer una música más compleja, no podríamos. La propuesta del grupo surgió justamente a partir de nuestras limitaciones como instrumentistas. Es algo que va a continuar con nosotros. Esa estética sonora, que involucra la alternancia de voces al momento de cantar, es un feliz accidente”. Así que el proceso compositivo del conjunto ebulle a través un todo vale. “No tenemos un forma única. De la misma manera que sucede con la hechura de las canciones, los tres nos involucramos en los shows en vivo, en la grabación de los discos y en los videos. Estamos en todo”. A pesar de que parecieran expresar felicidad, las canciones de The xx, incluso las más bailables, denotan tristeza o al menos melancolía, especialmente en Coexist (el vinilo más vendido en el Reino Unido en 2012, superando nada menos que la reedición, por sus cuatro décadas, de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars, de David Bowie). “Esa contradicción me parece buena, nos encanta”, celebra Sim, cuya dulce timidez por momentos amenaza con ser devorada por el célebre humor inglés. “Sucede con la música disco clásica. Mientras cuentan una historia trágica, algo bien descorazonado, la gente la baila en la pista. Nuestras letras son un reflejo de lo que nos pasa”. Por eso los temas de la agrupación confeccionada en 2005 son una hermosa oda al imaginario homoerótico. “Estamos conscientes de ese hecho. Romy y yo somos homosexuales, por lo que nuestras composiciones son lo más inespecíficas posibles. No hablamos de lugares, ni de tiempo, ni decimos él o ella. Eso lo cuidamos mucho”, describe el bajista. “Así son mis canciones de amor favoritas, son relativas y relatan situaciones universales. Por ahí una vivencia personal con mi pareja (suele viajar con ella en las giras), al no enmarcarla en un contexto, permite que cualquiera pueda identificarse con esa trama”. Si bien la piedra angular del grupo, cuya alineación completa el productor, DJ, remixador y beatmaker Jamie Smith (más conocido por su alias, Jamie XX), radica en sus días en el Elliott School, colegio al que también asistieron los integrantes del combinado de indie dance Hot Chip y las actuales estrellas de la electrónica


Four Tet y Burial, los miembros de The xx son, más que amigos, casi hermanos. “A Romy la conozco desde que tengo tres, y a Jamie a los 11”, revela el artífice de 24 años, quien junto a su agrupación aportó en mayo último el inédito tema “Tonight” para la banda de sonido de la inminente revisión de la película The Great Gastby. “Aunque no estemos haciendo música, es muy normal que compartamos tiempo. Nos extrañamos cuando no nos vemos”. Pero no hay caso: su vida es el trío. “No sé qué es vivir sin él. Estamos bien con esa realidad porque no lo sentimos un trabajo. Amo lo que hago. Lo que no quiere decir que mañana seguiré estando sobre un escenario. Si eso llegara a suceder, me gustaría dedicarme a componer canciones para otros artistas. No descarto esa idea”. Luego de la euforia que desató apenas irrumpió en el universo del pop independiente, parece que hay The xx para rato. “Todavía estoy

en shock”, asegura el exponente que comenzó a salir de gira por Europa a los 18 años. “Cuando compusimos el primer disco (vendió más de 300 mil copias), no teníamos demasiadas expectativas con el proyecto, salvo que nuestros amigos y algunos chicos que nos venían a ver nos escucharan. Estamos muy agradecidos. La gente nos para en la calle para saludarnos. Fue sorprendente la definición que esto fue tomando”. El fenómeno de la doble equis causó tanta conmoción que se les consideró el próximo The Cure. “Ése fue un enorme halago porque somos fans suyos, y tuvimos la suerte de tocar con ellos. Pero se fueron al carajo con esa comparación”. Lo cierto es que el trío es una de las realidades más potentes de la nueva escena musical británica. “Es demasiado fuerte que te digan que sos el grupo más influyente de la última generación de artistas ingleses. Sin embargo, me copa que nuestros fans no quieran demasiadas cosas de nosotros. Sólo desean que hagamos canciones”.

THE XX BANDA COMPLETA

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Rebeldes y confundidos

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Pulp Fiction

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Quadrophenia

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Trainspot ting

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24 Hour Par t y People

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Velvet Goldmine

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El mundo segĂşn Wayne

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Alta fidelidad

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PĂĄnico y locura en Las Vegas


LAS BANDAS SONORAS MÁS ROCKERAS Las películas en las que

AC/DC ESTÁ EN BOCA DE TODOS GRACIAS AL ESTRENO DE IRON MAN 2 Y EL LANZAMIENTO

el rock toma por asalto

DE SU RESPECTIVO SOUNDTRACK. ESO SÍ, EN LA PELI SE ESCUCHAN SÓLO “SHOOT TO

al cine. Te mostramos

THRILL” Y “HIGHWAY TO HELL”. LA OCASIÓN IGUAL AMERITA PENSAR EN ESOS MOMENTOS

las mejores bandas que

EN QUE EL ROCK TOMA POR ASALTO AL CINE Y ELEGIR NUEVE BANDAS DE SONIDO QUE

participaron en ellas.

ROCKEARON LAS SALAS.

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KISS

REBELDES Y CONFUNDIDOS

THE WHO

QUADROPHENIA

Pocos conocen esta joyita cinematográfica ambientada en un pueblito americano de fines de los 70 sobre un último días de clases (“School’s Out!”) y la obligatoria fiesta de despedida. En un único día Richard Linklater condensa en Dazed and Confused el espíritu de los 70 a puro Kiss, marihuana, Aerosmith, barriles de cerveza, deportes, alguna golpiza y todas esas otras cosas que necesitaban los adolescentes de antaño para sentirse libre.

The Who le puso música a la gran película sobre el enfrentamiento entre mods y rockers británicos a mediados de los 60. Franc Roddam desestima esas cuatro personalidades de las que habla el álbum y en la película va directo a los bifes (y esto es literal). Quadrophenia es una película para mirar en volumen once y después salir a pasear en una Vespa repleta de espejitos al grito de “¡Somos los mods!”.

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DICK DALE

PULP FICTION

Tarantino es el gran nombre en Hollywood a la hora de hablar de bandas de sonido. Se acercó poco al rock, pero cuando lo hizo produjo el milagro: todo mundo es capaz de tararear una melodía de la guitarra surf de Dick Dale. “Misirlou”, en manos de Tarantino, se convirtió en un instrumento pavloviano. No se puede pensar en otra cosa que no sea “Misirlou” cada vez que se escucha ese “te amo, conejita” del comienzo de Pulp Fiction.

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LAS BANDAS SONORAS MÁS ROCKERAS

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LOU REED E IGGY POP

TRAINSPOTTING

JOY DIVISION

24 HOURS PARTY PEOPLE

Película emblemática de la escena dance británica de los 90, a caballo de ese “Born Slippy” de Underworld que sonó por todas partes, Trainspotting le inyectó una dosis de adrenalina a las carreras de dos músicos emblemáticos un tanto olvidados en aquellos años. Iggy Pop y Lou Reed pusieron música y letra a dos momentos inolvidables de la película de Danny Boyle.

Si hablamos de británicos que están de la cabeza, no se puede evitar aquellos años locos de Madchester. Tony Wilson reencarnado en piel del comediante Steve Coogan brinda el tour de force por las carreras de Joy Division, New Order, Happy Mondays y otras estrellas de Factory Records, además de la locura que sucedía puertas adentro del boliche The Hacienda. Imperdible.

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IGGY POP

VELVET GOLDMINE

Todd Haynes reconstruye la época glam de David Bowie sin siquiera mencionarlo en Velvet Goldmine. El director consigue capturar la esencia de aquellos días bien llenos de purpurina. Bernard Butler, Thurston Moore o Mike Watt, aportan su granito de arena con versiones gigantes de temas de la época mientras Ewan McGregor, como el mejor Iggy Pop posible, sale del clóset de la actuación y demuestra que también canta.

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JIMI HENDRIX

EL MUNDO SEGÚN WAYNE

El mundo según Wayne exuda rock en cada una de las zonceras de los protagonistas. ¿Quién no se hizo el zorro mientras sonaba Jimi Hendrix y sacudió la pelvis en dirección de una ansiada “Foxy Lady”? Pero el momento que consagra al soundtrack de Wayne’s World es ese paseo en auto con amigos, sacudiendo las cabezas, mientras los parlantes del stereo se desconan gracias a “Bohemian Rhapsody”. Miles de borrachines en todo el mundo intentaron recrear ese momento mágico.

PÁNICO Y LOCURA EN LAS VEGAS

Hunter S. Thompson, amigazo de la casa que en paz descansa, merecía un lugar en la lista al rockear una lisérgica Las Vegas hasta transformarla en un mal viaje. Johnny Depp y Benicio Del Toro deambulan por la ciudad del pecado desaforadísimos en busca del sueño americano. Un festival de excesos con Jefferson Airplane al taco de fondo.

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LISA BONET

ALTA FIDELIDAD

Película melómana por excelencia. La sensibilidad indie del Rob de John Cusack todavía no termina de identificar si sufre por las chicas o por la música, pero si hay algo que Alta fidelidad deja clarísimo es que ellas son quienes hacen que todo suene mejor. Y si no miren a Lisa Bonet cantando “Peter Fucking Frampton”, como hace que querramos salir con ella, vivir con ella y hasta que nos escriba un disco entero.

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JEFFERSON AIRPLANE


NOTA DE OPINIÓN

EL INDIE SE HIZO ROCK POR: NICOLÁS MISSÓN

Corrían los años noventa y Oasis aparecía, por lo bajo, como una de las grandes promesas británicas que destilaría rock a lo largo y a lo ancho de los cinco continentes. Los hermanos Gallagher, inspirados en las melodías Beatles que décadas atrás revolucionaron la música y la vida, encontraron a través de una nueva sonoridad más rockera y pegajosa la clave de un éxito comercial descomunal. ¿Qué quedaba por aquellos años de esa esencia a la que unos cincuenta años antes se la denominó rock and roll? En cierta forma, hablar de esencia es ya tomar parte de una eterna discusión acerca del sentido y el origen, de las formas y de las lógicas que atraviesan este género que algunos consideraron revelador y turbulento, y otros sólo una versión comercial y desafinada de sinfonías encumbradas de géneros más elevados como el jazz. Lo cierto es que el rock, incluso en sus versiones más provocadoras, siempre terminó hermanado con un sistema productivo y lucrativo abrumador que lo contrapone con aquella esencia mística que lo distinguiría de otros géneros. Quizás no sea tan necio aceptar finalmente que el rock es mainstream, o no es nada. Y que no sirve de mucho alivianar este sinceramiento con los casos épicos de un Radiohead en su cumbre célebre regalando o dejando a la “solidaridad” a su impactante disco In Rainbows. Al fin y al cabo tanto Radiohead, desde Inglaterra, como el Indio Solari, por estos lados del mundo, encuentran en ese tipo de movidas mayores réditos tanto en términos económicos como en términos de popularidad que si lo hicieran de otra manera. Pero volvamos a aquellos años noventa en donde, luego de la explosión de los sintetizadores décadas atrás, luego de que los pedal-

boards incorporen más y más universos de sonido, luego de que la cinta deje lugar a la era digital, y por supuesto, luego de que finalmente pareciera que ya nada nuevo podría crearse. Muchos críticos pensaron que la llegada del nuevo milenio era, paradójicamente, el deceso de la creación, el fin de la historia. Si se mira en perspectiva no era tan extraño imaginar que a partir de una banda como Los Beatles podría nacer Oasis. Lo que no parecía tan fácil de imaginar eran las futuras bandas que tomarían el mando de ahí en adelante. Sin embargo desde los años ochenta comienza a tejerse un movimiento paralelo que va a construir su refugio más emblemático a partir de la explosión de Nirvana. El sonido indie aparece en aquel tiempo vinculado al grunge, al punk y al rock psicodélico, como un grito frente a las estéticas impuestas y al camino que trazaban las discográficas multinacionales. Si bien por los años noventa algunas bandas logran llegar al éxito, la insurrección indie llegará con la explosión de internet que permite la difusión a gran escala a muy bajo costo. El supuesto fin de la historia de la creación parecía ponerse en discusión nuevamente. En 2001 el lanzamiento de Is this it, álbum debut de The Strokes, vende más de 8 millones de discos y algunos comienzan a asociar a la banda con “los salvadores del rock”. Si bien es cierto que desde allí a esta parte la nueva generación musical se basa fuertemente en la recreación de sonidos y técnicas de épocas pasadas no puede decirse que la creatividad y la novedad han sido cercenadas. La masividad del indie por estos años logró entonces lo que algunos considerarían incompatible: el indie se hizo mainstream. El indie se hizo rock.

“Quizás no sea tan necio aceptar finalmente que el rock es mainstream, o no es nada”.

THE STROKES “Los salvadores del rock”

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// FLEA Car ta del bajista respondiendo las criticas del Super Bowl El pasado domingo, Red Hot Chili Peppers actuaron en la Super Bowl tocando ‘Give It Away’ durante el set que Bruno Mars tenía preparado. Ser el artista escogido para tocar en este acontecimiento en particular es un gran honor, pues significa que vales, que una gran organización apuesta por ti y, por lo tanto, te has ganado estar ahí. No obstante, a RHCP les cayó una lluvia de críticas después de que la audiencia se percatara de que sus guitarras no estaban enchufadas. Por ello, Flea ha decidido escribir una entrada en la página oficial del grupo para responder a todos aquellos que les juzgan por esa aparición en concreto//

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Car ta del bajista respondiendo las criticas del Super Bowl Cuando la NFL y Bruno nos propusieron tocar nuestra canción Give It Away en la Super Bowl, se nos dejó muy claro que las voces serían en directo, pero el bajo, la batería y la guitarra serían pre-grabados. Entiendo la postura de la NFL en esto, dado que sólo tienen unos minutos para montar el escenario y hay un millón de cosas que podrían salir mal y arruinar el sonido para la gente que está en el estadio y la audiencia de TV. No hubo opción para discutir sobre este tema ya que la NFL no quería correr el riesgo de su show acabara mal parado por culpa del mal sonido, y punto. La postura de Red Hot Chili Peppers en tener que hacer cualquier especie de mímica siempre ha sido que absolutamente no se hará. La última vez que lo hicimos (o intentamos) fue a finales de los 80, cuando nos echaron de The Top of the Pops, el programa de televisión en el Reino Unido, durante los ensayos, porque nos negamos a imitar correctamente, yo tocaba el bajo con mis zapatos, John tocaba la guitarra encima de los hombros de Anthony, y básicamente tuvimos un combate de lucha libre en el escenario, haciendo una burla de la idea de lo que trataba una actuación real en directo. Hicimos el gesto en uno o dos espectáculos extraños de MTV antes de eso y siempre fue un lastre. Nos tomamos nuestra música muy en serio, es una cosa sagrada para nosotros, y todo el que nos ha visto en concierto (al igual que la noche antes de la Super Bowl en el Barclays Center) , sabe que tocamos desde nuestro corazón, improvisamos espontáneamente, asumimos riesgos musicales y sudamos sangre en cada show. Llevamos 31 años haciéndolo. Así que, cuando llegó este concepto de concierto de la Super Bowl, hubo mucha confusión entre nosotros por hacerlo o no, pero finalmente decidimos que era surrealista, una locura que sólo te pasa una vez en la vida y quisimos simplemente divertirnos y hacerlo. Lo pensamos muchísimo antes de acceder, y además de una larga conversación entre nosotros, hablé con muchos amigos músicos a los que les tengo mucho respeto, y todos ellos dijeron que lo harían si se les presentara la oportunidad, que era una cosa salvaje que se tenía que hacer, qué demonios. Además, todos en RHCP

amamos el fútbol, y eso jugó un papel importante en nuestra decisión. Decidimos que, con Anthony cantando en directo aún podríamos llevar el espíritu y la libertad de lo que hacemos en las actuaciones, y por supuesto tocamos cada nota en la grabación especialmente para el concierto. Conocí y hablé con Bruno, que fue un tipo genial, un verdadero músico con talento, y nos salió a algo que parecía que iba a ser divertido.

“Una locura que sólo te pasa una vez en la vida y quisimos simplemente divertirnos y hacerlo”.

Grabamos la canción para ese día, sacamos un tema de nuestros corazones que se pareciera mucho en espíritu a las versiones que hemos estado tocando en vivo durante los últimos años con nuestro querido Josh en la guitarra. Para la actuación, Josh, Chad y yo jugamos con la pista previamente grabada así que no había necesidad de conectar nuestras guitarras, por eso no lo hicieron. ¿Podríamos haberlas enchufado y evitado la gente que haya expresado su decepción porque la pista instrumental fue pre-grabada? Por supuesto, fácilmente podríamos haberlo hecho y esto no sería un problema. Pensamos que sería mejor no fingir. Parecía la cosa más realista que podíamos hacer dadas las circunstancias. Fue como hacer un vídeo musical en frente de tropecientas personas, excepto por las voces en directo, y sólo una oportunidad de darle caña. Nuestro único pensamiento era traer el espíritu de lo que somos a la gente. Estoy muy agradecido a la NFL por recibirnos. Y agradezco a Bruno, que es un joven con mucho talento, por invitarnos a ser parte de su concierto. Yo lo haría todo de la misma manera otra vez. Nosotros, como grupo, aspiramos a crecer como músicos y compositores, y a seguir dejándonos la vida tocando en directo en el escenario para cualquier persona que quiera que le hagan explotar el cerebro. Atentamente,

Flea. // 17


VOCALISTA Y COMPOSITOR

GUITARRA Y TECLADOS

GUITARRA Y

MEDICIÓN DE POPULARIDAD A TRAVÉS DE REDES SOCIALES SEGUIDORES

LIKES

COPIAS VENDIDAS ALREDEDOR DEL MUNDO 18 //


Y VOZ

BAJO

BATERÍA Y VOZ

DISCOS MÁS VENDIDOS

FIRST IMPRESSIONS OF EARTH

COPIAS

COPIAS

ANGELS COPIAS

2013

ROOM ON FIRE

2011

2006

COPIAS

2003

2001

IS THIS IT

COMEDOWN MACHINE COPIAS

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INTERESANTE

¿QUÉ ESCONDEN L AS PORTADAS DE PINK FLOYD? EL 28 DE FEBRERO SE CUMPLEN 70 AÑOS DEL NACIMIENTO DEL INGLÉS STORM THORGERSON, MOTOR CREATIVO DE HIPGNOSIS. ESTE EQUIPO ARTÍSTICO REVOLUCIONÓ EL MUNDO DEL DISEÑO DE PORTADAS DE DISCOS DURANTE LA DÉCADA DE LOS SETENTA. ANALIZAMOS LOS SECRETOS DE LAS MÁS SIGNIFICATIVAS. POR: CÉSAR LUQUERO

La historia del pop también es la de sus portadas. Sobre todo desde finales de los 60, cuando el álbum se impuso como soporte hegemónico y asumió la condición de obra terminada, concebida con intención y criterios creativos unitarios. En ese contexto aparece Hipgnosis, grupo artístico londinense fundado por Storm Thorgerson y Aubrey Powell en 1968. La amistad con los emergentes Pink Floyd – diseñaron todas las portadas del grupo– les abrió la puerta de una industria floreciente. Durante los 70, dominaron sin discusión el diseño de portadas, imprimiendo su sello en discos de Black Sabbath, Peter Gabriel, Wings, Yes, AC/DC, Def Leppard o Alan Parsons. Su obra es un continuo canto a la imaginación, la demolición de fronteras expresivas y el humor dislocado. Aprovechaban la amplitud del formato al máximo, recurriendo a la carpeta abierta en muchas ocasiones. La base material de su trabajo era fotográfica, pero rehuía el lugar común a través de la manipulación artesana de imágenes. Jugaban con dobles sentidos o alegorías, generando una genuina inquietud en quien observa. Lograron lo que todo artista ansía: encontrar una voz propia, ser reconocibles a la primera. La sociedad se disolvió en 1983, aunque Thorgerson creó Storm Studios, manteniendo su altísimo nivel creativo en portadas para The Mars Volta, Muse, The Cranberries o Audioslave. Lo hizo hasta el final, hasta el cáncer que le dobló la muñeca el pasado abril.

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The dark side of the moon (1973) Wish you were here (1975) Animals (1977). Tres brillantes ejemplos de la fructífera colaboración con Pink Floyd. El prisma de The dark side… es un ejercicio de apropiacionismo inspirado en la espectacular luminotecnia de los conciertos del cuarteto. Sencillo a simple vista, el espectro de seis colores termina intrigando. No convenció a la primera y fue elegido entre muchas otras propuestas. En la portada de Wish you… se cambia el tercio radicalmente – escenarios reales, modelos de carne y hueso– aunque sin renunciar a la alegoría. Asuntos como la ausencia, las trampas de la industria discográfica o la codicia son abordados por las icónicas imágenes de portada, contraportada y encarte. Las llamas eran de verdad: el especialista llevaba un traje de amianto. En cuanto a Animals, la idea de fotografiar la central eléctrica de Battersea con Londres al fondo fue de Roger Waters, líder del grupo. El cerdo que sobrevuela la central –un globo de casi 10 metros– tuvo que insertarse en el montaje final porque un golpe de viento lo soltó durante la sesión. El vuelo de Algie, así lo llamaban, terminó en Kent y causó más de un problema en el aeropuerto de Heathrow. Hubo aviones en aproximación que llegaron a avistarlo.


QUÍMICO E INTELECTUAL SUIZO

La dietilamida de ácido lisérgico, simplemente LSD, comúnmente conocida como ácido, es una droga psicodélica semisintética que se obtiene de la ergolina y de la familia de las triptaminas. Los ensayos científicos realizados hasta el momento demuestran que el LSD no produce adicción y no es tóxico.

MÁS UTILIZADA EN EE.UU

PRINCIPALES

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BLUR “LA GENTE QUE CREE QUE LA MÚSICA NO ES TAN BUENA COMO SOLÍA SER DICE ESTUPIDECES”: CON ALEX JAMES, DE BLUR, HABLAMOS SOBRE EL CONCIERTO QUE LA POPULAR BANDA BRITÁNICA DARÁ EL 4 DE NOVIEMBRE EN URUGUAY Y EL INCREÍBLE CAMINO QUE LO LLEVÓ DE SER UN “CRETINO EN BANCARROTA MORAL” A UN GRANJERO REDIMIDO EN EL REINO DEL ROCK`N ROLL.

Alex James está desnudo y cubierto de champagne sobre una cama en un hotel cinco estrellas de San Pablo. Sobre él, repartiéndose el botín como pueden, cinco chicas sin ropas -elegidas por él mismo en el vestíbulo del hotel un rato antes- se dedican a lamer la bebida de su cuerpo. A su costado puede verse un Balthazar de champagne -la botella más grande de este líquido que pueda cargar un ser humanoque baja rápidamente gracias al entusiasmo de las cinco groupies pródigas. Es 1997 y Alex James está festejando su cumpleaños número 29. Siete años antes, era reponedor de un supermercado y debía esquivar charcos de vómito para poder ingresar a su apartamentito en un sórdido suburbio londinense. Siete años después se convertiría en un granjero fabricante de quesos, piloto de avión y miembro de la prestigiosa British Astronomical Society. ¿El motor de esas transformaciones extremas? Blur. Aquella imagen del músico “empapado en champagne mientras era devorado por mujeres lujuriosas en un hotel de una ciudad lejana” fue definido por Alex James como el “pináculo” de sus excesos en el rock’n roll. No es que no tuviera competencia: la lista incluye haber sido masturbado por una periodista canadiense en plena entrevista, arrojar sandías desnudo desde la azotea de un rascacielos en Manhattan o haber trepado las pirámides de Teotihuacán de madrugada tras sobornar a los guardias. Como testimonio de esas épocas de excesos, Alex James escribió el muy recomendable libro “Bit of a Blur”, en el que admite con gracia y crudeza el viaje

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que lo llevó a convertirse en un “gordito molesto y quebrado moralmente, con una sonrisa estúpida y una novia con el corazón asesinado”. En el medio de esa carrera vertiginosa de fama, excesos y redención pasó Blur, la banda más emblemática del publicitado britpop de la década de los ‘90 y la que mejor retomó la larga y fecunda tradición británica que va desde los Kinks o los Who a los Stone Roses, pasando por The Jam. Blur nació como respuesta a la creciente “americanización” de las islas a principios de los ‘90, cuando la ola resacosa del grunge invadiera el mundo del rock con su legión de émulos de Kurt Cobain.

ÍNTIMO

Desde la “Cool Britannia”, la banda integrada por Alex James al bajo, Graham Coxon a la guitarra, Damon Albarn en las vocales y Dave Rowntree en la batería, comandó una camada de grupos que revalorizó el rock de chapa bien inglesa, guitarrero y con melodías, para terminar de darle forma a una década que se debatía entre la agotadora repetición industrial del éxito de Nirvana y la dictadura del género “alternativo”. La música del grupo, sin embargo, evolucionó mucho más que la de sus rivales Oasis y se distanció de la etiqueta que ellos mismos habían patentado. Para el año 2003, sin embargo, los 15 años intensos de Blur se habían cobrado peaje y

la banda se desmoronaba silenciosamente. Recién en el 2009 el grupo volvería para un regreso lleno de nostalgia en el Hyde Park de Londres y varias giras de celebración (que no han sido coronadas aún por la edición de un nuevo disco). Este 4 de noviembre Blur llegará a Uruguay por primera vez, ocasión que aprovechamos para hablar con Alex James sobre el auge y decadencia de las estrellas de rock, la huella de Blur, el mundo fatuo de las celebridades y su fórmula para pasar con éxito de las groupies sedientas de sexo a un queso gourmet y un rebaño de ovejas.

ALEX JAMES

La banda parecía sufrir algunas de las giras de los primeros años. Luego de la separación y de la reunión, ¿qué aprendieron para disfrutar la experiencia de volver a la ruta? Fue tan bueno volver a juntarse en el 2009 que no sucedió nada de ello. Desde entonces hemos tenido probablemente los mejores conciertos de nuestra historia, aunque creímos que era algo que no volvería a repetirse después de ese año. Pensé que todo estaba terminado, pero el año pasado nos reunimos para tocar un gran concierto en Londres con motivo de las Olimpiadas. Era un honor tan grande que no podíamos decir que no. Lo hicimos, pero no queríamos tocar exactamente lo mismo que en el 2009, así que nos reunimos en un estudio y grabamos un par de canciones nuevas. Además, se remasterizó y volvió a editar el catálogo de discos, lo que también fue un buen ejercicio para volvernos a meter en la banda. Tuvimos un 2012 excelente, pero el punto más alto fue el recital de las Olimpíadas, sin dudas. Los Juegos tuvieron un impacto masivo tremendo en Gran Bretaña. La atmósfera en Londres aquella noche era fantástica y nos llevó a pensar en ir a lugares en los que nunca habíamos estado para dar a la gente gracias por su paciencia y apoyo. No puedo creer que nos haya llevado 25 años llegar a Uruguay, por ejemplo, pero es algo que esperamos con muchas ganas. Creo que el hecho de que no hagamos muy seguido esto provoca que lo disfrutemos mucho más. Se siente bastante como en nuestros comienzos, cuando lo hacíamos porque lo amábamos. El tema es que llegó un momento en que estábamos de gira en forma constante y de esa manera se pierde el sentido sobre lo que es y lo que significa, uno se mete en un ciclo permanente. Stewar t Copeland dijo una vez que volver a reunir una banda es como hacer un puzzle con piezas que ya no encajan del todo bien. ¿Qué pasó en su caso? En esos casos quizá no se agraden entre sí. En el nuestro, fundamentalmente, nos queremos mucho, o por lo menos a mí me pasa con cada uno de ellos porque son los amigos más cercanos que he tenido. Es algo muy parecido a una relación entre hermanos. Estuvimos juntos por quince años, nos conocemos increíblemente bien y pasamos por tantas cosas juntos que ahora disfruto cada minuto. Y no tenemos la misma presión, ahora es algo de lo que podemos disfrutar en vez de pelear. //////////////////////////////////////////////////////////////////////

ALEX JAMES

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ENTREVISTA CON ALEX JAMES DE BLUR Dijiste una vez que Damon Albarn había inventado el britpop, pero la banda nunca se sintió cómoda con la etiqueta e incluso la rechazó. ¿Qué sentís hoy sobre el fenómeno del britpop? Creo que britpop fue un término inventado por los periodistas. A mí me gusta hacer vino espumante (champagne) y llamarlo britpop, ya que el champagne es una denominación de origen y sólo puede ser hecho en Francia. Eso es lo que tiene que pasarle al britpop. Necesita convertirse en una bebida. El año pasado sacamos un box set con todo lo que la banda había hecho, después de revolver hasta los áticos, y una de las cosas que salió a la luz fue una grabación en casette de uno de nuestros primeros ensayos de la canción “She´s so high”, nuestro primer single. Es básicamente una improvisación de 15 minutos de la que nació el tema, pero me senté a escucharlo después de 25 años y me di cuenta de que no lo pudo haber hecho ninguna otra banda que no fuera Blur. Si la escuchás sabés que es Blur desde el minuto en el que los cuatro entramos a tocar. Blur suena a Blur y el britpop fue una etiqueta que se aplicó indiscriminadamente a todo tipo de grupos. Blur no era sólo una banda britpop, estuvo evolucionando constantemente. Hubo un tiempo en que tuvimos un sonido muy británico, pero al redescubrir todas esas grabaciones se puede notar que hubo muchas influencias y estilos que afectaron al grupo. ¿Y qué pasa con la escena musical hoy? Creo que lo pasa hoy en día es que tenemos algunos artistas hiper masivos, gente como Lady Gaga, que es más grande de lo que fue Madonna incluso, pero a su vez hay muchísimas bandas muy pequeñas. Es como sucede con las granjas en Inglaterra. Las grandes se vuelven cada vez más grandes y las chicas tienden a desaparecer, eso es lo que está pasando con la música. O te volvés enorme, gigantesco, o nada. ¿Por qué se da eso? Porque es muy difícil subsistir. Hoy no podés ser una banda indie y vender trescientos discos, no hay forma de vivir en la industria. Blur abrió ese panorama. Éramos una banda indie salida de una escuela de arte y nos tomó un tiempo triunfar. Sacamos tres álbumes antes de volvernos realmente exitosos, pero las bandas no tienen chance de evolucionar en estos días. ¿Tiene que ver con la música en sí? Para mí la música es como la literatura o las matemáticas, no se vuelve mejor o peor con el tiempo. La literatura del siglo XVII es tan maravillosa y sofisticada como la del siglo XXI y con la música es lo mismo. La gente que cree que la música no es tan buena como solía ser dice estupideces. Cambia para reflejar el mundo en el que vivimos. Yo tuve mucha suerte de vivir una época increíble para la música. Los ‘60, ‘70, ‘80 y ‘90 fueron un tiempo muy especial para la música en la cultura popular, y tuve suerte de poder componer y ser parte de eso cuando crecía. La música era el foco de una nueva cultura en el Reino Unido, pero las celebridades y la fama son ahora el foco de la cultura joven. Eso es más dañino que internet. La red no está matando la música, la está cambiando.

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ALEX JAMES BAJISTA DE BLUR

Ustedes se volvieron también celebridades en los ‘90 y salían en las tapas de los tabloides. ¿Han aprendido a lidiar con la fama y la exposición, algo que fue difícil también para Blur? La celebridad es un concepto relativamente nuevo. En los últimos años en que Blur tocaba (por el 2003, cuando sacamos el último álbum) el mundo en el que vivíamos era totalmente diferente. Blur era una banda muy conocida, pero no nos veíamos a nosotros mismos como celebridades. Blur como banda conocida era una excusa para romper reglas y comportarse en forma terrible, es cierto. Hoy en día, el comportamiento de la gente en bandas famosas es escudriñado cuidadosamente. Si alguien la jode, va a aparecer en Twitter o Instagram o Facebook en todo el mundo. Es bastante restrictivo ahora, pero me la paso diciendo a gente que está en bandas que se deje de preocupar por esas putas cosas y disfrute la música. Cuando estás en una banda estás vendiendo una cultura además de tu música, pero de lo que me di cuenta que es verdaderamente importante sobre Blur hoy es su música, las buenas canciones y eso es lo que disfrutamos e importa, no este cotilleo de celebridades que se vuelve estúpido Hablabas de compor tarse terriblemente, y en tu libro hay varias historias que muestran que los excesos también jugaron su par te en las tensiones que sufrió la banda. ¿Hicieron un esfuerzo por corregir eso al reunirse de vuelta? Nos llevamos mejor que nunca porque todo es más suave ahora. De hecho, no recuerdo ninguna discusión. Tiene que ver con que estamos yendo a lugares a los que nunca hemos ido, donde hay un clima de euforia y se dan recitales fantásticos. No hay nada de eso que a uno no le pueda gustar. Y la gente evoluciona y cambia. Me casé y tengo cinco hijos ahora, no es tampoco que vaya a salir por la noche y volver a casa dos semanas después.


Damon Albarn dijo hace algunas semanas que la grabación de un nuevo disco era una realidad. ¿Ha sido más difícil volver a juntarse para componer? Hace poco estuvimos en Hong Kong, donde dimos un show, y se supone que teníamos que viajar a Taiwan y Japón pero debimos reorganizar todo en el último minuto y nos quedamos allí durante una semana. Alquilamos un estudio para ver qué pasaba, estuvimos una semana tocando e improvisando y fue realmente maravilloso, brillante. Fue más o menos por abril pero no he vuelto a escuchar eso desde entonces, porque hemos estados muy concentrados en preparar los shows y estamos disfrutando el hecho de tocar. Creo que mientras menos presión haya más probable será que salga. No sé si empezaremos o hacer algo o cuándo. Te mentiría si te dijera que estoy pensando en algo más que lo que está sucediendo ahora. ¿En qué momento de tu vida decidiste hacer un cambio tan radical como para mudar te a una granja, fabricar quesos y llevar una vida más tranquila? ¿Qué te llevó a eso? ¡Ojalá! Tuvimos hace poco un festival acá (se refiere a The Big Feastival, organizado junto al chef Jamie Oliver, que se realiza en la granja del bajista y combina música y gastronomía).Básicamente cuando los Blur decidieron avanzar a otras cosas. Estuvimos 15 años haciendo lo mismo todos juntos y necesitábamos intentar cosas nuevas. Siempre pasa con todas las bandas. Además, coincidente con la época en que grabábamos nuestro último álbum me enamoré perdidamente y me casé enseguida. Mi esposa y yo compramos una granja durante la luna de miel y nos mudamos al campo. En la época de Blur, por ejemplo, yo decía que me gustaba el queso y la gente me tiraba queso al escenario, y me terminé metiendo completamente en ese mundo. Me encanta. Entré a un mundo como el de los monjes en los monasterios, cuando hacían quesos al caer la tarde. Yo creo que se puede obtener tanta gratificación espiritual de hacer comida como de hacer música. La gastronomía ha sido una increíble y emocionante forma de expresión en los últimos diez años por aquí, a tal punto que los chefs británicos son más famosos en el mundo ahora que las estrellas de rock británicas, es algo loco. Seguro que conocen en Uruguay a Jamie Oliver o Gordon Ramsay, por ejemplo. Un tiempo atrás la comida británica era una especie de chiste para los italianos, franceses y españoles. En una época difícil para la industria musical, en la que las bandas son abandonadas por los sellos, la comida pasó a ser una tierra de oportunidades, con chefs comportándose como rockstars. Me pareció brillante y me metí en ello, a tal punto que no pensé mucho en Blur. Los extrañaba como amigos, claro, y sentía lástima de que no estuviera sucediendo nada pero me adapté a una vida sin Blur, y no fue hasta que nos reunimos de vuelta que recordé lo estupendo que era. Y creo que lo hizo mejor el hecho de que todos lleváramos otras vidas. Yo seguí haciendo música, componiendo y produciendo cosas, pero creo que Blur es mi verdadero y único amor. NOISE Mag / Mar tín Otheguy (Periodísta)

¿DAMON ALBARN Y NOEL GALLAGHER GRABANDO JUNTOS? Sorprendente, casi increíble, pero así lo ha sugerido el bajista de Blur, Alex James. Al parecer ambos están trabajando juntos e incluso podrían estar grabando parte del material que han compuesto. En palabras del propio James están “trabajando en un montón de material”. Hace poco Alex James ya comentó que ahora Damon Albarn y Noel Gallagher son “los mejores amigos”, pero de ahí a esta supuesta colaboración común hay un trecho, sin embargo parece que es toda una realidad.

“Damon y Noel están trabajando juntos en un montón de material, así que lo sucedió en aquel entonces ya no es relevante. Pero hay que añadir que las bandas jóvenes de hoy en día son muy agradables. Lo nuestro era totalmente intolerable.” Efectivamente, lo de Blur y Oasis era de vergüenza ajena. Sin embargo parece que el tiempo ha limado todas las asperezas de los 90 entre ambas bandas. La reconciliación entre Gallagher y Albarn se empezó a fraguar tras un encuentro casual de ambos en Londres a final del año pasado. En marzo de 2013, la paz quedó sellada con la aparición de Noel acompañando a Damon y Graham Coxon en “Tender” en el Teenage Cancer Trust.

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FOO FIGHTERS ¡HACEN VOLAR A MÉXICO!

LA BANDA DE SEATTLE SE PRESENTÓ ANTE 55 MIL PERSONAS EN EL FORO SOL

Pasaron 18 años y muchos rumores sobre su visita hasta que finalmente los Foo Fighters llegaron a la tierra prometida, la Ciudad de México, en donde 55 mil almas los esperaban en el Foro Sol para poder rockear junto a la banda de Seattle. Los fans estaban ansiosos, no podían creer que verían a los “Foo” y en punto de las 21:30 horas las luces se apagaron, todo indicaba que el concierto comenzaría, la llegada de Dave Grohl al escenario con su guitarra azul enloqueció al público. “All my life i’ve been searching for something”... rompió el silencio del foro y anunció el comienzo de lo que sería una noche memorable junto a los maestros del grunge que llevan más de 20 años dándole duro. “Bienvenidos al show más grande de Foo Fighters en México. Tocaremos unas cuantas canciones para ustedes porque es nuestra primera vez aquí”, saludó Dave quien se caracterizó por hacer gestos toda la noche, demostrando su buen sentido del humor. “The pretender” y “My hero” pusieron a vibrar el piso del Foro Sol gracias a los brincos de los 55 mil que se emocionaron al escuchar por primera vez temas con los que crecieron y que se convirtieron en parte del soundtrack de sus vidas. Para “Learn to fly” y “Break out” Dave presentó a los integrantes de la banda: Nate Mendel, Chris Shiflett, Pat Smear y Taylor Hawkins, quien hizo un solo y puso a gritar a la gente. Los Foo Fighters estaban tan emocionados que hasta se dieron tiem-

po de romper la tradicional piñata, uno por uno pasaron al frente del escenario para “intentarlo”, hasta que finalmente Smear tomó una guitarra y la rompió. Continuó “Big me” de su primer disco, “Walk”, “These days” y “Generator”, luego Grohl prometió regresar a México con disco nuevo o tal vez hasta cada año, convirtiéndolo en una tradición. Un poco de blues y rock inundaron la atmósfera con “Young man blues”, mientras la guitarra de Dave tuvo una plática con la guitarra de Chris. La noche llegó al clímax con “Best of you”, pues el público estaba tan emocionado que cantó un “ooooh” al unísono, algo que conmovió tanto a Dave Grohl que sorprendido se puso las manos en la cara, aplaudió y dijo: “Los amo chicos”. La banda abandonó el escenario y luego de unos minutos Dave regresó: “¿Quieren cantar más conmigo? Por que yo sí quiero cantar con ustedes, esta vez seremos mi guitarra y yo”, indicó y comenzó “Wheels” seguida de “Time like this” que empezó acústica y luego como una explosión se prendieron las luces y salieron todos los Foo para continuar con el tema “Son una gran audiencia esta canción es de mí para ustedes”, dijo su líder y comenzó “Everlong” que desató la locura entre el público que se fue convencido de que los Foo Fighters son una banda legendaria.

EL LÍDER DE LA BANDA ASEGURA QUE ESTÁN COMPONIENDO EL ÁLBUM “DE UNA FORMA QUE NADIE HA HECHO ANTES”

¡ATENTOS ESTE 2014!

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01

EDICIÓN

POSTALES


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ARCTIC MONKEYS

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FOO FIGHTERS


THE STROKES

BLUR

MUSE

QUEENS OF THE STONE AGE

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HOMENA JES

DAVE GROHL HOMENA JEA A LOS BEATLES CON ‘HEY BULLDOG’ EL MÚSICO INTERPRETÓ LA CANCIÓN EN LA GALA TRIBUTO A LOS DE LIVERPOOL DEL PASADO DOMINGO JUNTO A JEFF LYNNE, DE ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA.

Para conmemorar el 50 aniversario de la primera aparición televisiva de Los Beatles en norteamérica, el pasado domingo la cadena CBS emitió The night that changed america: A Grammy salute to The Beatles, un programa homenaje en el que diversos artistas, McCartney y Starr incluídos, interpretaban canciones de los de Liverpool. Una de las más aplaudidas, incluso por los dos miembros del Fab Four allí presentes, fue Hey bulldog, interpretada por Dave Grohl y Jeff Lynne de Electric Light Orchestra. Puedes escucharla a continuación. “Si no fuera por Los Beatles, yo no sería músico”, reconoció Dave Grohl durante el show. “Desde muy joven, me encantó su ritmo y su arrogancia, su gracia, su belleza, su oscuridad y su luz. Los Beatles no conocen fronteras, y esa libertad parece definir lo que hoy conocemos como rock and roll, tanto para mis padres, como para mí y para mi hija”.

SIGUEN LOS HOMENA JES SE CUMPLEN 50 AÑOS DEL DESEMBARCO DE LOS BEATLES EN ESTADOS UNIDOS Y LLUEVEN LOS HOMENAJES.

Hasta donde sabemos, David Letterman prepara un programa especial, Paul McCartney y Ringo Starr tocarán juntos en la edición 2014 de los Grammy, y los Fab Four serán reconocidos con una distinción por su trayectoria en una ceremonia especial dentro de lo que será la 56° entrega de los premios. Ahora una famosa marca de zapatillas se suma al festejo y lanzará una colección inspirada en los cuatro de Liverpool. Por primera vez Vans inmortalizará en una edición inédita de calzado la psicodelia y las imágenes de Yellow Submarine. La colección estará lista el 1 de marzo y contará con cuatro motivos totalmente basados en el álbum y en la película Yellow Submarine. No es la primera vez que una marca de calzado se vuelca para el lado del rock. Hace unos meses Converse sacó al mercado una línea de zapatillas inspirada en las tapas de los discos más emblemáticos de Black Sabbath.

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NOTICIAS

CUATRO FALSOS DOCUMENTALES PAR A DISFRUTAR MIENTR AS TE MIENTEN

POR: PABLO CANTÓ

SI TE DIVERTISTE CON LA HILARANTE ‘OPERACIÓN PALACE’ DE JORDI ÉVOLE, AQUÍ VAN OTROS CINCO ‘MOCKUMENTARIES’ CON LOS QUE PASAR UN BUEN RATO ENTRE VEROSÍMILES EMBUSTES.

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OPÉRATION LUNE

Desde el propio título, Operación Palace ha sido un homenaje a este falso documental sobre la llegada del hombre a la luna, que sostenía, valiéndose de testimonios de peso como el del astronauta Buzz Aldrin o el del político Henry Kissinger, que el alunizaje de Armstrong y compañía fue un montaje. Si en la producción de Évole era José Luis Garci el director de cine que orquestaba el montaje, en esta producción francesa el encargado de las filmaciones ficticias era nada menos que Stanley Kubrick. Una joya.

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FORGOTTEN SILVER

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ZELIG

Antes de lanzarse a las superproducciones de El Señor de los anillos y El Hobbit, Peter Jackson dirigió uno de los más deliciosos falsos documentales que se han filmado hasta la fecha: Forgotten silver, traducido en España como La verdadera historia del cine. Tiene guasa, ¿no? Para los devotos de este poco conocido film, el cinematógrafo no fue un invento francés, ni el cine sonoro producto de los americanos: todos estos adelantos, y muchos más, los perpetró un solo hombre: el neozelandés Colin Mckenzie.

Peter Jackson no ha sido el único director célebre en atreverse con los falsos documentales: en el 83, Woody Allen escribió, dirigió y protagonizó –cómo no– Zelig, un divertidísimo mockumentary cuyo protagonista sufre de una falta de personalidad tan grande que, cuando se encuentra cerca de otras personas, se convierte en una imitación de ellas. Entre sus escenas memorables, sus apariciones en el III Reich o El baile del camaleón.

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ALIVE IN JOBURG

Imagina que, años después del Apartheid sudafricano, unos extraterrestres llegan al país y sufren el mismo aislamiento y abandono que sufrió, décadas atrás, la población negra de la región. Esta es la premisa de Alive in Joburg, un cortometraje que puedes ver, al completo, a continuación. Los que gocen de buena memoria podrán encontrar cierto parecido entre los androides que aparecen en el corto y los robots bailarines de cierto anuncio de coches de hace unos años. También la similitud de la trama de este trabajo con la del film District 9.

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