A単o 1 No.1
Dr. Aldrete Argentina
Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina. Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Su afición por la lucha libre acompaña sus trabajos.
Su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verlag); Place (Actar),
Nacido al sur de la Patagonia, Jorge Aldrete a sus 18 años emigró a Buenos Aires para estudiar Diseño en Comunicación Visual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, y de ahí a México, donde lleva viviendo los últimos 15 años. Este artista asegura que su estilo no es una limitación, si existen algunas tendencias que le parezcan atractivas va sobre de ellas. Explica que muchas de sus creaciones surgen de la fantasía, aunque también ha realizado dibujos relacionados con personas reales. Kustom Graphics (Korero), entre otros. Y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. Ha colaborado como animador independiente para varias televisoras como MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV.
Ha lanzado proyectos alternos, como una disquera, la publicación de libros y una tienda virtual.
1 Dr. Aldrete
Milton Glaser Estadounidense
Glaser nació en 1929. Estudió con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia, y es un portavoz elocuente de la práctica ética del diseño. Pese a su edad, sigue produciendo obras en muchos campos del diseño contemporáneo.
Su obra ha sido catalogada como una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado con una gran riqueza del lenguaje visual, altamente inventiva e individualista.
El intelecto de Milton lo ha convertido en uno de los diseñadores más importantes de los Estados Unidos. Fue co-fundador de Pushpin Studios, y creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington Post, La Vanguardia y O’Globo. Su talento ha sido expuesto en diversas galerías y colecciones permanentes fuera de EU. Según el artista, sus diseños no se aferran a un estilo fijo, pero en general, se caracterizan por ser directos, simples y originales. Una de sus creaciones más emblemáticas es el famoso logotipo: I Love New York (INY).
Fue educado en la Escuela Superior de Música y Arte y en la Escuela de Arte de Cooper Union en Nueva York; a través de la beca Fulbright, logró entrar a la Academia de Bellas Artes de Bolonia, Italia.
2 Milton Glaser
Yugo Nakaruma A parte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash.
ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NY ADC. A sus 43 años, es uno de los principales diseñadores de Japón, que está siendo reconocido cada vez más de todo el mundo. “Lo que yo quiero hacer es crear un desor-
Estudió ingeniería, arquitectura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón. Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Pero eso quedó en el pasado, pues ahora dedica todo su talento en el diseño de la interfaz con los grandes firmas arquitectónicas niponas. Su obra es la adaptación de un mundo inundado de cálculos que se ejecutan en una escala masiva. De esa manera ha logrado expresar diversos mensajes, tan complejos como del medio ambiete. El movimiento, la naturaleza y los números son los factores que rigen sus diseños, cosa que para la Web, es un gran avance.
den el mis diseños partiendo de la falta de la lógica simple en las cosas”, confianza en entrevista para medios japoneses.
Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre
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Tom Schamp Tom Schamp nació en Mortsel (Bélgica) y creció en Bruselas. Después de graduarse de Sint-Lukas Brussels University College de Arte y Diseño, estudió Artes Gráficas en Poznan (Polonia), donde tuvo la oportunidad de experimentar con diversos elementos de estilo nuevo. Él desarrolló gradualmente un estilo propio, utilizando pintura acrílica sobre cartón. Ilustraciones de Tom apelan a los adultos como a los niños. Sus asignaciones provienen de una mezcla internacional de clientes, incluyendo libros infantiles editores de renombre (Albin Michel, Milán, Lannoo), revistas (Humo, Playboy), periódicos (De Morgen, De Standaard, NRC Handelsblad), y diversas agencias de publicidad. Carteles Ha diseñado, calendarios, postales, juguetes, informes anuales, sitios web, y los sellos.
En noviembre de 2010, el canal de la cultura y las artes belga Canvas (VRT) salió al aire a 50 minutos documental - que era parte de la serie del canal “Vormgevers” con Tom Schamp, su trabajo, y el proceso creativo Tom utiliza para su libro “Otto en de Sneeuw “. A continuación se presenta el documental completo y una breve versión animada de la mitad del libro que fue creado especialmente para la ocasión.
En 2005, la editorial belga Oogachtend publicó un libro retrospectivo 197 páginas con una amplia selección de ilustraciones Tom hizo durante los primeros 13 años de su carrera profesional. El libro revela algunos de los cambios en el estilo sutiles que caracterizan la obra de Tom durante los primeros años. Haga clic en la portada del libro para ver una galería de páginas de muestra de este libro.
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Olly Moss Nacido el 24 de enero de 1987; es un artista Inglés, diseñador gráfico e ilustrador, conocido por su reinvención de carteles. Su trabajo aparece regularmente en la revista Empire; trabaja entre otros para The New York Times y Computer Arts Magazine El artista gráfico británico Olly Moos ha realizado diseños para prendas de ropa, portadas de revista y hasta carteles cinematográficos. Sus diseños minimalistas han sido utilizados para promover funciones de películas en festivales de cine como el Fantastic Fest o el Rolling Roadshow. Moss fue encargado por Marvel Entertainment ejecutivos Craig Kyle y Kevin Feige para crear un cartel para el reparto de Thor . Otras obras notables incluyen el diseño de la portada para la Resistencia 3 de videojuegos, que se le solicite un remolque que se creó en estilo similar. Se graduó en la Universidad de Birmingham en 2008, teniendo en literatura estudiada. Moss es un invitado habitual en el IGN Reino Unido y una vida bien Wasted podcasts . En septiembre de 2013, él y Mark of the Ninja diseñador jefe Nels Anderson se unió a ex Telltale Games empleados Jake Rodkin y Sean Vanaman para fundar un estudio de videojuegos, Campo Santo. También ha realizado diseños para prendas de ropa, portadas de revista y hasta carteles cinematográficos. Sus diseños minimalistas han sido utilizados para promover funciones de películas en festivales de cine como el Fantastic Fest o el Rolling Roadshow. Dos notas curiosas: 1- Está buscando trabajo de jornada completa. 2- Una cita suya: “Good artists copy, great artist steal.” “Los artistas buenos copian, los grandes artistas roban.”
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Takeshi Obata Nacio el 11 de febrero de 1969; es un mangaka reconocido por sus dibujos, ya que habitualmente trabaja como artista principal con otro escritor. Mide 1,74 m, y pesa alrededor de 54 kg, su grupo sanguíneo es AB y nació en la provincia de Niigata, Japón. Obata siempre se muestra muy interesado en el diseño de las ropas de sus personajes, además de tener un estilo con gran cantidad de detalles, muy popular entre los aficionados. Su obra más conocida es el manga Hikaru no go (19982003), que ganó el premio Tezuka a la serie más prometedora de 2003. Tal fue la expectación que creó que puso de moda el juego “de viejos” del Go entre los jóvenes. Otra de sus grandes obras es Death Note, un manga tremendamente popular que tuvo su adaptación de anime y de película de imagen real. El 8 de agosto de 2008 comenzó a publicar su nueva obra (en conjunto con Tsugumi Ōba) el manga Bakuman, y el animé se estrenó el 2 de octubre de 2010. Obata envió en 1985, a la edad de 16 años, su historia 500, Kounen no Shinwa a la editorial Shueisha. Después de eso, trabajó como ayudante con el dibujante de Manga Makoto Niwano. En 1989 publicó “Cyborg Jiichan G” bajo el seudonimo Ken Kobatake. Este Manga apareció en el ShiŽnen Jump para el cual trabajó durante los años siguientes. Curiosidades: -Ha sido el mentor de varios artistas de manga, como kentaro Yabuki (Black Cat) NobuhiroWtsuki (Ruroni Kenshin) y Yusuke Murata (Eyeshield 21). -Le gusta andar en su bicicleta. -Fue arrestado el septiembre de 2006 por llevar una arma blanca en el coche. -El nombre de Obata se escribe con el kanji de “pequeño”, el de Ohba con el de grande. -Realizó también los diseños de los personajes del juego de lucha Castlevania Judgement, para Wii.
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Estan Lee
Salvador Dali Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Como buen “catalán universal“ difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal.
Su interés por los efectos visuales lo lleva al uso de la holografía y a la realización de pinturas estereoscópicas como “La silla“ (1975). Colabora en algunas películas: “Un chien andalou“ (1929) y “La edad de oro“ (1931) de Luis Buñuel, “Spellbound (Recuerda)“ (1945) de Alfred Hitchcock. Creó la escenografía y los figurines de muchos ballets, y en teatro colabora con Visconti y con Luis Escobar.
Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones.
Ilustra libros y diseña joyas, esculturas y objetos diversos. Entre sus libros destacan “The secret Life of Salvador Dalí “(1942), “Fifty Secrets of Magic Craftsmanship“ (1948), “Journal d“un genie“ (1954), “Le mythe tragique de l“Angelus de Millet“ (1963). En 1974 se inaugura en Figueres su museo monográfico Teatre Museu Dalí. Tras la muerte de su esposa Gala en 1982, constituye la fundación GalaSalvador Dalí que administra su legado.
Biografía breve: Salvador Dalí (1904-1989) Eugenio Salvador Dalí i Doménech nace en Figueras en 1904. Pintor y escultor, se integra en el grupo de poetas y artistas conocido posteriormente por la generación del 27. La pintura de sus primeros años, el Manifiesto Amarillo (1928), sus artículos y sus conferencias (1930) provocaron reacciones violentas. Residiendo en Paris desde las postrimerías de los años veinte, se convirtió en la figura más brillante del surrealismo pictórico. Fue en Paris que conoció a la mujer de Paul Eluard, Gala Helena D.Diakonova, con quien se casó.
Muere el 23 de enero de 1989 en Figueras.
Historia En la historia del cómic americano y en especial el de superhéroes destacan con luz propia varios guionistas y dibujantes que por méritos y por sus virtudes se han ganado un hueco en el corazón de los lectores y seguidores de este género, entre ellos destacan con luz propia, Bob Kane (Creador de Batman), Steve Ditko, Jack Kirby y una de las personas que más ha hecho por este tipo de cómic, Stan Lee, creador de la gran mayoría de series y personajes que se publicaron en la editorial Marvel durante los años 60. En la historia del cómic americano y en especial el de superhéroes destacan con luz propia varios guionistas y dibujantes que por méritos y por sus virtudes se han ganado un hueco en el corazón de los lectores y seguidores de este género, entre ellos destacan con luz propia, Bob Kane (Creador de Batman), Steve Ditko, Jack Kirby y una de las personas que más ha hecho por este tipo de cómic, Stan Lee, creador de la gran mayoría de series y personajes que se publicaron en la editorial Marvel durante los años 60.
Su primer trabajo fue una historieta de dos páginas del Capitán América, la creación de Joe Simon y Jack Kirby pero no fue hasta 1961, un año que pasará a la historia como el comienzo del Universo Marvel tal y como lo conocemos hoy en día cuando junto a Kirby creó uno de los cómics más importantes de la historia de los superhéroes, Los 4 Fantásticos, donde un grupo formado por Johnny y Sue Storm, Reed Richards y Ben Grimm van al espacio en un cohete y debido a las radiaciones cósmicas acaban adquiriendo unos poderes que les harán convertirse en defensores del bien y de la justicia.
Inicios y trayectoria Este gran guionista nació el 28 de Diciembre de 1922 en Nueva York y desde bien joven siempre quiso ser escritor de novelas, aunque por circunstancias no pudo llegar a serlo. Se acabó convirtiendo en una persona clave en el resurgir de los superhéroes después de que estos personajes acabaran cayendo en su mayor parte en el olvido, debido a la falta de interés por los lectores que preferían otro tipo de historias, en especial de terror, humor, western entre muchos otros géneros.
Su pintura, que parte del noucentismo y pasa por una etapa cubísta, responde a lo que él denomina actividad paranoico-crítica y se caracteriza por la representación, influida por la pintura metafísica, de escenas oníricas realizadas con una extraordinaria minuciosidad técnica: “La persistencia de la memoria (1931)“ con sus relojes blandos, “Presagio de la Guerra Civil“ (1936), diversas variaciones sobre “El ángelus“ de Millet, etc.
El éxito de este título fue tal que desde la editorial animaron a Lee a seguir creando más personajes con poderes y de su mente y en colaboración con grandes dibujantes de la talla de Ditko, Kirby, Don Heck entre muchos otros, personajes que pasarán a la historia como Hulk, Spiderman, X-Men, Iron Man, Doctor Extraño entre muc h o s otros.
A finales de los años 40, Lee logro entrar a trabajar como becario en la editorial Timely Comics que a la larga se acabaría convirtiendo en esa gran editorial que es hoy Marvel Comics.
Stan lee
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Peter Gric Nació en 1968 en la antigua Republica Socialista Checoslovaca. Cuando aún era un niño, a su familia se le concedió un permiso de vacaciones fuera de los territorios estrictamente controlados por los socialistas. Sin saberlo el, sus padres nunca pensaron en regresar, y condujeron hacia Austria en lugar de al estado aprobado como destinación de sus vacaciones, donde solicitaron la residencia. Peter estudiaría con el profesor Arik Brauer en la Academia de Bellas Artes de Viena, que fue uno de los miembros originales de la Escuela de Realismo Fantástico de Viena. Peter así pasaría a formar parte de la nueva generación de artistas influenciados por ese movimiento. Su obra ha sido expuesta junto con otros notables artistas como H.R.Giger y es miembro del grupo Labyrinthe. A ilustrado numerosas portadas de libros, principalmente del género de ciencia ficción y fantasía. Siendo de una joven generación de artistas y a pesar de realizar su obra con acrílicos y pintura, no ha evitado las nuevas tecnologías y ha trabajado en el modelado 3D. Peter Gric es un pintor que sabe combinar la pintura con las nuevas tecnologías en su proceso creativo. En su entrevista para beinArt nos cuenta: “En el 95% de mis cuadros, el ordenador está involucrado de alguna manera. Antes de empezar una nueva pintura, siempre trato la composición con un programa de edición de imágenes. Rara vez hago los estudios clásicos en boceto y papel. Si va a ser una composición arquitectónica o geométrica, comienzo directamente a construirlo todo con un software 3D. Incluso si la pintura está en marcha, a menudo hago una foto de ella para probar cambios y variaciones con Photoshop. Creo que sin los ordenadores, mis pinturas se verían muy diferentes hoy.” La obra de Peter Gric se mueve en dos direcciones opuestas. Por un lado gravitan en torno a la belleza y el poder de las fuerzas de la erosión y su efecto en valles y picos durante millones de años, construyendo así paisajes fantásticos de aspecto futurista y algo apocalíptico. Por otro lado su fascinación por las geometrías abstractas generadas por
los programas 3D que le llevan a crear lugares no accesibles y plasmar su luz y su espacio en sus pinturas. Una combinación perfecta de tecnología y tradición que nos devuelve una vez más la confirmación de que el Arte ha de ser un ejercicio creativo abierto a nuevas perspectivas y nuevas dimensiones. En el 2007 Peter Gric forma parte integrante de “Metamorphosis 1″ una publicación que presenta el trabajo de 50 artistas contemporáneos del Surrealismo, el Fantástico y el Arte Visionario. Entre sus héroes Peter cita en primer lugar a su padre Jaroslav Gric, para continuar con Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Rudolf Hausner, Ernst Fuchs, HR Giger, Samuel Bak, Alfred Kubin, y más tarde también Zdislaw Beksinski, Odd Nerdrum , De Es y algunos otros. En su web encontraremos una espléndida selección por años de su obra, con la particularidad de poder ver también el detalle de muchas de ellas ampliado, así como otros proyectos. “
Me resulta difícil explicar lo que estoy pintando, o por qué, en realidad, no veo ninguna razón para analizar o justificar mi trabajo. Sin embargo, me gustan los enigmas – parecen tan infinitos cuando están sin resolver”
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H. R. Giger El artista suizo Hans Ruedi Giger, quien se haría mundialmente conocido por sus colaboraciones en el mundo del cine, más específicamente en la serie fílmica de “Alien”, comenzó a encontrar su vocación desde pequeño. Según confesaba él mismo, era “increíblemente tímido, vago y absolutamente negado para estudiar”, aunque le gustaba modelar con plastilina y estaba obsesionado con dibujar castillos, palacios y trenes. Giger comenzó trabajando como diseñador de interiores en la década de los 60’, el mismo período en que estudió arquitectura y diseño industrial, y realizó sus primeros dibujos a tinta y al óleo. De esta época datan los primeros bocetos de sus famosos “Niños atómicos”, que décadas antes de la catástrofe de Chernobyl anunciaban los efectos de un apocalipsis nuclear. Casualmente, Giger llegó al mundo del cine de la mano del artista chileno Alejandro Jodorowski, a quien se le recomendó Salvador Dalí en 1973, para el abortado proyecto de la película de ciencia ficción “Duna” (1973-1977), del escritor Frank Herbert, que terminaría filmando David Lynch en los años 80’. Jodorowsky también había convocado a trabajar en la película al dibujante de cómics francés Moebius y el artista gráfico y diseñador Dan O’Bannon, que fue quien incorporó a Giger al proyecto de la película “Alien” en 1978. En 1975, la pareja de Giger, la artista Li Tobler, se suicidó, lo que marcaría para siempre la obra del suizo. Giger descubrió el aérografo para crear imágenes surrealistas y paisajes de pesadilla, así como representaciones de cuerpos humanos mezclados con máquinas, descritas por él como Biomecanoides. Estas imágenes contienen un alto grado de fetichismo, tapizadas de simbología sexual un tanto subliminal. La obra de Giger, influenciada por la tendencia fantástica, simbólica, expresionista y onírica, se caracterizó básicamente por mostrar la presencia del lado oscuro de la vida y la muerte, la manifestación latente de la violencia, la deformación de los cuerpos y los símbolos fálicos y el uso del metal como análogo a la carne humana, crenado una
estética que Giger desarrolló con tinta, óleo y aerógrafo. El 12 de mayo de 2014, a los 74 años, Giger falleció tras caer de una escalera mientras caminaba por su casa en Suiza. Su muerte fue lamentada en todo el orbe, pero su visionario legado sigue perdurando en sus obras, especialmente gracias a la horrenda pero memorable criatura de la película “Alien”. La actriz Sigourney Weaver, quien protagonizó a la combativa teniente Ellen Ripley en las cuatro películas de esta saga espacial, definió bastante bien al fallecido artista suizo. “¿Qué se puede decir de él? Era simplemente un genio”.
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George Barbier George Barbier fue un pintor francés, diseñador de moda y uno de los más importantes ilustradores del Art Decó en Francia. Es un icono de la ilustración de moda, trabajó para las grandes revistas de moda de la época, ilustrando escenas donde los personajes de la alta sociedad, vestían las últimas tendencias. Fue famoso por sus trajes de escena para los Ballets Rusos, también diseñó ex libris, cabe destacar las ilustraciones que realizó para la obra de Charles Baudelaire, también trabajó en publicidad y estuvo vinculado a varias casas de moda entre ellas Jeanne Lanvin, y el joyero Cartier. Su obra maestra es el "Almanaque de las modas pasadas, presentes y futuras". Barbier se nutre de la estética griega, las miniaturas indias, las obras de Aubrey Beardsley y Léon Bakst que marcaron profundamente su estilo preciso y diligente, típico del Art Decó, aunque mas femenino, fresco y desenfadado Barbier tenía 29 años cuando montó su primera exposición en 1911 y posteriormente fue arrastrado a la vanguardia de su profesión con las comisiones para diseñar trajes teatro y ballet, para ilustrar libros, y para producir haute couture ilustraciones de moda. Para los próximos 20 años Barbier llevó a un grupo de la Escuela de
Bellas Artes, que fueron apodados por Vogue "Los Caballeros de la pulsera": un tributo a sus manierismos de moda y llamativos y estilo de vestir. Se incluyen en este círculo de la élite eran Bernard Boutet de Monvel y Pierre Brissaud (ambos de los cuales eran primos hermanos de Barbie), Paul Iribe, Georges Lepape, y Charles Martin. Durante su carrera Barbier también dio la mano a la joyería, vidrio y diseño de papel tapiz, escribió ensayos y numerosos artículos para la prestigiosa Gazette du bon ton. A mediados de la década de 1920 trabajó con Erté para diseñar decorados y el vestuario para el Folies Bergère y en 1929 escribió la introducción para la aclamada exposición de Erté y alcanzó renombre de corriente a través de sus apariciones regulares en L'Illustration revista. Barbier murió en 1932 en el pináculo de su éxito
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Andreas Preis Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, de esos que nacen con un don: el del arte. Desde pequeño siempre supo que era visualmente creativo, y también supo que quería ser un pintor sin un jefe que lo estuviera molestando. Dice que es “un diseñador más de Alemania”, pero lo cierto es que durante los últimos años empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas lo han ido a buscar para que sea el autor de sus nuevas campañas. Su estilo se caracteriza por plasmar con aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales. Traza líneas y las encima, abusa de ellas y combina figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet … y algunos otros artistas”, dice Andreas Preis en su sitio Web. Narra que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas.
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David Carson Estadounidense
Nació en 1956 en Texas, Estados Unidos. Es licenciado en Sociología y surfista profesional. Casualmente, tomó un curso de diseño de dos semanas cuando era un adolescente y desde entonces ha trabajado en ello.
Es para muchos como el chico malo del diseño. El hombre ingobernable o el radical. Arriesgado y siempre polémico. Pero un gran artista, así lo distinguen sus críticos.
Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding, Musician, Beach Culture, Surfer, Ray Gun. En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre algunos de sus clientes están: Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.
Las piezas que tiene han sido juzgadas como “ilegibles” y sin “estructura”; en cambio, hay quienes aseguran que sus diseños son más que obras de arte y no de diseño cuya función principal es comunicar. Pero ese es el estilo que lo caracteriza por lo cual es uno de los más cotizados en EU. Las piezas que tiene han sido juzgadas como “ilegibles” y sin “estructura”; en cambio, hay quienes aseguran que sus diseños son más que obras de arte y no de diseño cuya función principal es comunicar. Pero ese es el estilo que lo caracteriza por lo cual es uno de los más cotizados en EU.
Los símbolos son los elementos de donde nace su instinto a la hora de comunicar. Aunque a veces utiliza la tipografía sobria combinada con imágenes explosivas.
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Stefan Sagmesiter Austriaco
Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Lo hace para montar un laboratorio y comenzar a crear y estudiar nuevas cosas. Stefan Sagmeister no se preocupa en lo absoluto cuando rechaza las ofertas de sus clientes, pues ese tiempo, afirma, es esencial para adentrarse en diversas expresiones artísticas como la música, la fotografía, el cine, etc.
Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena. Gracias a una beca logró ingresar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a China para trabajar en las firmas Leo Burnett y Tibor Kalman.
“He visto películas que me han conmovido, he leído libros que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño”, declara a su público durante una conferencia. Para los expertos, el portafolio de este austriaco de 51 años, es una caja obras que se han atrevido a rebasar las estructuras convencionales. El motor de su trabajo, es tratar de llegar “al corazón de los espectadores”. Incluso asegura que su estilo no surge del ojo del diseñador, sino de una visión más allá.
Finalmente decidió abrir su estudio donde ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.
16 stefan sagmesiter