Book final by NK Serey

Book

Neva Serey C.

Realizado entre Quilpu茅 y Sausalito Primera edici贸n, terminado en Enero de 2012.

Agradezco a mi familia, a los “funcionarios no académicos y académicos”, y compañeros del IA. En particular a Naomi Serey y Matías Escobar, por su apoyo en todo momento. Y a Peter Kroeger especialmente, que gracias a unas cuantas crisis emocionales provocadas por sus cuestionamientos, ayudó en el desarrollo de mis trabajos.

Algunas consideraciones preliminares

Debo mencionar, a modo de explicación, que estudié con anterioridad la carrera de Kinesiología, en la que me apoyaré para varias de mis conlcusiones, refiriéndome a los conocimientos científicos adquiridos en ella. Es una historia que de tanto contarla, por un tiempo me tenía aburrida. Pero, ahora, la asumo y acepto, sobre todo porque tiene relación con mi trabajo actual. Cuando escucho a la gente hablar acerca de esa carrera, siempre la relacionan con los huesos; algunos creen incluso que los kinesiólogos entablillan cuando hay fracturas, dislocaciones, y cosas de ese tipo. Los huesos, en general, se estudian principalmente como una base anatómica para conocer el funcionamiento del cuerpo; porque la Kinesiología es la ciencia del movimiento, según su etimología y lo que ellos mismos entienden. Por esto es que me causa gracia que mi trabajo esté relacionado con los huesos, ya que a muchos kinesiólogos les causa desagrado que los encasillen así, básicamente, debido a que su campo de conocimiento es mucho más amplio. La idea de este book es realizarlo a través de una línea de tiempo que vaya progresando, de manera temática y no necesariamente cronológica, hasta llegar a mis últimos trabajos y proyecto final, que es el término de mis estudios universitarios de licenciada en Arte. Pido comprensión y disculpas de antemano; en general, aprendí a hablar del trabajo de los demás, de los verdaderos artistas, pero nunca del mío. Hubo partes que fueron realmente difíciles, sobre todo cuando ha pasado tanto tiempo y cuesta recordar los motivos por los que se trabajó en eso. Me gustaría poder haber terminado mi investigación con respecto a las vanitas barrocas, que ni siquiera se encuentra escrita. Espero poder realizarla en la segunda edición. Finalmente quiero dejar en claro que también me incomoda hablar tanto acerca de mí misma; creo que nunca había escrito tanto de mí.

Dichas estas palabras, aquí presento mis trabajos.

Máscara

Imagen digital Colaboración de Naomi Serey C. Máscara sacada del molde de mi rostro en el año 2002 Archivo JPG, 27,81 cm de ancho, 43,77 cm de alto, 180 pixeles/pulgada 1971 pixeles de ancho, 3102 pixeles de alto Segundo semestre 2009

Partiré con este trabajo, ya que fue uno de los primeros con los que trabajé con Peter como profesor guía. Estas fotografías las realicé para después utilizarlas en una animación flash, hecho en el programa Macromedia Flash 8. En esa ocasión, intenté relatar una historia que se relacionara con una canción llamada My dream’s but a drop of fuel for a nightmare de una banda finlandesa de powermetal llamada Sonata Arctica. Esa canción me interesaba porque relataba una pesadilla, pero, como esta banda en esa canción en particular tiene parecidos con el rock progresivo (ya que este género de música proviene del mismo), a través de la melodía y de la letra se va conformando una sucesión de imágenes que hacen recordar esos sueños delirantes que uno tiene en estados nerviosos, o febriles. En general, este tipo de música tiene relación con los contrastes y dualidades de los que profundizaré en las explicaciones de trabajos posteriores; pero este comentario lo expongo en particular porque bandas de este estilo juegan con los cambios de ritmos y armonías que van progresando y conformando una unidad. (Pido compasión, no soy una experta en música y puede que mi juicio o interpretación estén errados) Por ello, mi traducción de este interés se basó en ciertas imágenes que nombraba la canción, o que me recordaba la misma. Pero como ese trabajo no me gusta, y ni siquiera puse sus fotogramas, no tiene ningún sentido que lo siga explicando. Continuaré entonces con estas fotografías. Éstas tenían que ver con el comienzo de una pesadilla, por ello utilicé el blanco en la vestimenta, el fondo y en las máscaras, ya que quise dar a entender este momento primero: eso sería por medio de un estado de cambio entre el sueño normal, y algunos detalles dentro del mismo que van tornándolo cada vez más agobiante, que en este caso sería el blanco, que “encandila“ y la mirada que muestra el personaje. La animación era este rostro blanco (no utilicé la máscara de la derecha), que se iba rotando hacia la derecha y la izquierda, con movimientos entrecortados.

Al final estas imágenes se volvieron autónomas de la animación, porque las fotografías con la máscara de la derecha fueron las que más me gustaron. Lo que quise realizar con estas máscaras, era la eliminación de la expresión del rostro, a excepción de la de los ojos. Al mostrarse bien abiertos, produce una sensación inquietanta, ya que las personas no andan con los ojos abiertos de esa manera por las calles ni fijan la mirada de esa manera.

Es como el efecto que se produce en algunos cuadros, donde la mirada queda fija en nosotros, y aunque nos movamos nos sigue; pero, eso sucede por una utilización del color; acá la diferencia con ellos se da porque el borde de la máscara deja al descubierto un poco de piel del rostro alrededor de los ojos, junto con el aumento del tono blanco dentro de ellos, que producen que se resalten más; este efecto lo utilicé después de mucho tiempo, en mis trabajos finales.

Máscaras

Imágenes digitales Colaboración de Naomi Serey C., la máscara también es de su autoría Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 40,2 cm de alto (izquierda), 34.54 cm de ancho, 46,06 cm de alto (derecha)180 pixeles/pulgada 2448 pixeles de ancho, 2849 pixeles de alto (izquierda), 2448 pixeles de ancho, 3264 pixeles de alto (derecha) Segundo semestre 2009

En esta ocasión quise trabajar la idea de representar el ahogo y el contraste con una cierta pasividad que acepta este ahogo. A pesar de que no es una imagen que no se haya visto antes (existen cabezas cubiertas con tela en la obra de Magritte, por dar un ejemplo), se buscaba más la idea de una dualidad. La escultura, que es el objetivo primero de este trabajo, no funcionaba por sí sola, sino, que tenía su contraparte, a pesar de que estaban construidas por separado y no existía nada más que las uniera que el material y la tela que se buscaba dar a entender. Durante el proceso de ésta, trabajé en las imágenes digitales. Creo que mi intención quedó mejor plas-

mada en ellas que en las mismas esculturas. Ello sucede porque estas imágenes producen otro contenido más, que en la escultura por sí sola se da de manera muy sutil, quizás demasiada: las imágenes digitales además juegan con las texturas. El contraste entre la pared blanca con la tela es casi imperceptible a primera vista, pero, tiene ello también una significación, ya que busca la idea de demostrar esta coexistencia por medio de lo casi imperceptible de los límites de cada uno; es decir, es una manera de hablar de la dualidad entre orgánico e inorgánico, que trabajé más explícitamente en el trabajo posterior de los huesos. Que una cabeza provenga de una pared, y a la vez parezca “blanda“, debido al uso de la tela, como ya fue mencionado, da

Cabeza tela

Imagen digital Colaboraci贸n de Naomi Serey C. Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 25,91 cm de alto, 240 pixeles/cm 3264 pixeles de ancho, 2448 pixeles de alto Primer semestre 2010

Cabeza tela, separaci贸n del fondo

Imagen digital Colaboraci贸n de Naomi Serey C. Archivo JPG, 34,54 cm de ancho, 22,64 cm de alto, 240 pixeles/cm 3264 pixeles de ancho, 2139 pixeles de alto Primer semestre 2010

Cabeza tela

Escultura Arcilla Base de 40 cm x 30 cm Primer semestre 2010

cuenta de una especie de transmutación existente entre el tratar de escapar de la pared, volver blando lo concreto, orgánico lo inorgánico. Aunque a la vez, está su contraparte, que acepta lo que le sucede; esta segunda imagen además no trata de cambiar su entorno, de manera que hasta se nota una diferencia entre su materialidad y la pared, que se da a través de la sombra que proyecta (me refiero a las imágenes digitales). Este trabajo, como significación, tiene relación con la experiencia humana del ahogo y el sufrimiento (lo ya mencionado al comienzo). Como la escultura también funcionaba como una dupla, se podían considerar dos actitudes, o dos momentos distintos. El uso de la arcilla, es debido a que en el curso que estas esculturas se realizaron, serían cocidas en un horno. Pero no lo hice porque sabía que tenían burbujas de aire y estallarían, por lo que, mi elección fue el color, ya que también habían a disposición rojos y verdosos. Fue la tonalidad más parecida a la blanquesina porque quería que estas esculturas pudieran colgarse y ser parte de la pared o muro donde ubicaran, como si en realidad no estuvieran separadas de la misma. Obviamente, como esta arcilla no estaba cocida, eso nunca se pudo realizar. De hecho, ya no existen. La idea era que sucediera algo parecido a lo que se veía en las imágenes digitales al ser colgadas en una pared. Esta primera escultura que muestro, me agrada el

do, pero considero que en la segunda, la expresión de grito que quería realizar, no quedó como pensaba que quedaría. Más que todo, esta segunda imagen la pongo porque era necesario debido a mi explicación con respecto a la dualidad que buscaba, porque parece en realidad una caricatura. Como detalle, me interesó la sombra que se produce debido a las sinuosidades que se encuentran en la parte izquierda, ya que hacen ver la profundidad que tenían éstas.

Cabeza tela

Escultura Arcilla Base de 40 cm x 30 cm Primer semestre 2010

En conjunto con las esculturas anteriores, cubiertas con tela, realicé ésta que representaba una cabeza chorreante. Me interesaba que fuera de color rojo porque esa era la manera más fácil de que recordara la sangre; no es que me interesara la sangre en sí, sino, la relación que se daba con la sangre en relación a la vida. Pero esta “vida”, me interesaba que no fuera a través de algo que realmente pareciera este fluído, sino, que la pinté con color rojo metalizado, y cubrí en algunas zonas con silicona caliente que chorreara, para que le diera otra textura y otro tipo de brillo. Es decir, nuevamente existía un contraste entre lo orgánico e inorgánico. Ello sucede porque lo orgánico vendría a estar en la relación que se hace con el color rojo, lo que chorrea y la sangre (además de que la arcilla con la que está hecha), en contraste con lo inorgánico, que vendría a ser la pintura metalizada y la misma silicona. El rostro es importante en cuanto tiene

que ver con lo humano (aunque, en este trabajo, para ser más exactos, sería lo humanoide), ya que la ubicación de sus partes se relaciona con la manera en que nuestros ojos, nariz y boca se encuentran, a grandes rasgos. Es también una simplificación, entonces, de los rasgos humanos. El uso de “lo humano” para dar cuenta de estos contrastes, tiene que ver nuevamente con la búsqueda

no pero no lo es (el retorno de lo familiar que se vuelve extraño), y en la misma idea de fluidos que nos recuerda este rojo, y estos chorreados. La cabeza, me interesó porque según el tamaño que tenía presupuestado, por sí sola funcionaba bien. No me interesaba hacer un cuerpo completo, por ejemplo. En este trabajo, mi inclinación más importante del momento, era la búsqueda de lo siniestro, por ello es que la idea de la cabeza cortada me pareció adecuada.

Cabeza roja, visión frontal y superior Arcilla, spray rojo metálico, silicona 35 cm de alto Primer semestre 2010

de un campo de acción en el cuerpo humano. Es parte de la mayoría de los trabajos que se encuentran en este book, si no es de todos.

Como esta escultura tampoco la cocí, se ha ido arruinando con el tiempo, por lo que el desconocimiento de la técnica del material fue el problema principal.

Otra de las temáticas que también se pueden percibir, como sucede en los trabajos anteriores es lo siniestro. En este caso tendría relación con el desmembramiento (una cabeza sin cuerpo), que la cabeza tenga una forma que nos recuerda lo huma

Con respecto a lo siniestro, me gustaría hacer algunas acotaciones. Del texto en que me baso para realizar estas aseveraciones, son los estudios realizados por S. Freud acerca del tema. En éstos se explican cuáles son las situaciones que producen el sentimiento de vivir lo siniestro; en cuanto categoría estética, se asemejaría entonces a otras categorías como lo grotesco, o lo sublime. Al igual que las otras, ésta puede producirse en los hechos cotidianos de la vida; en la categoría de lo sublime, se puede producir en las personas a través de eventos producidos por la naturaleza, o por medio de encontrarse con un lugar que le produzca la sensación de sentirse nimio frente al mundo (como puede ser la inmensidad del mar, o del cielo). En lo grotesco, se da a través de el cruce de dominios: con esto me refiero a los cruces entre seres y lugares distintos. Sería grotesco entonces, una escultura donde se hagan hombres con cabezas de animales, o también sería grotesco un comedor donde hubiera una taza de baño. Obviamente, estas categorías se llaman estéticas porque producen una sensación corporal, o sentimental en las personas; y ésta también es personal, dependiendo de nuestra cultura (puede que para algunos de nosotros los dioses hindúes sean grotescos, pero para ellos es parte de su vida. Lo mismo con lo sublime, puede que un terremoto para nosotros sea algo para lo que estemos relativamente preparados, y para alguien que jamás lo ha vivido, sea la experiencia más sublime de su vida) Lo siniestro tiene algunos parecidos con la categoría de lo grotesco. En la categoría siniestra, una de las maneras más rápidas para explicarla es decir que se produce cuando lo familiar se nos vuelve extraño. Ejemplos de ello, puede ser que nos encontremos con alguien que sea igual a una persona que ya conocíamos, pero que en realidad no tenga nada que ver (no sea ni siquiera pariente); por ello, dentro de este estudio, Freud habla del tema del doble, y del sentimiento siniestro que pueden provocarnos también los gemelos idénticos (en varias películas se juega con eso, como en las realizadas por David Lynch -Lost Highway-, o las gemelas que aparecen en la película The Shining de Stanley Kubrick) . También, sería siniestro que los muertos regresaran a la vida, o que los muñecos tuvieran “vida propia“ y se movieran y hablaran; por ello se parece a lo grotesco, ya que existe un cruce de dominios (los vivos con los muertos, lo inanimado con lo animado). Otras situaciones que pudieran resultar siniestras, serían cuando se cumplen cosas que estábamos pensando; ejemplo, desearle la muerte a alguien, y que ello suceda. Los trabajos que mostré hasta el momento, entonces, tendrían relación con lo grotesco y lo siniestro. Lo grotesco se daría en las Cabezas tela como imágenes digitales, ya que habría un cruce entre la materialidad de la pared y la de la carne y piel que nos compone. Lo siniestro, se daría en las Máscaras, y en la Cabeza roja. En las primeras porque el rostro cubierto se nos vuelve extraño, al no tener expresión, más que la que le

confiere la máscara; en la segunda, se da por las razones que ya expliqué en la página anterior. Estas categorías estéticas se pueden encontrar en algunos de los trabajos que hay más adelante. Pero ahí dejo la tarea un poco a quien lea; como guía o pista eso sí, se produce también en los todos los videos en los que he participado, y en el trabajo de las Caras muertas. Sólo mencionaré que se encuentra lo siniestro en ellos, pero no explicado tan detalladamente. Produje este transición entre la explicación entre estos trabajos y los siguientes, porque a pesar de que la utilización de las cabezas en los dos trabajos siguientes -por lo menos como esqueleto-, la continúo, no permanece esta relación con lo siniestro, sino que se vuelve algo que tiene que ver con lo espacial y vivencial. Podría surgir la pregunta de por qué son cabezas y no otra parte del cuerpo; y a pesar de que en un comienzo no lo tenía tan claro, me di cuenta de que el rostro humano es lo que nos vuelve más particulares con respecto a los demás mamíferos. Creo que para muchos sería más fácil confundir por lo menos los huesos humanos con huesos de otros animales, que un cráneo o un rostro (me pasó muchas veces que mientras estaba trabajando con huesos que no eran el cráneo, la gente no tuviera idea que eran humanos). Así es que más que ser una metáfora de la relación con el pensamiento humano, como podría también confundirse, en realidad es algo mucho más fisico y tangible.

Con estas aclaraciones hechas, prosigo entonces con los siguientes trabajos.

Aclaro que es una cabeza ósea, porque se conforma de un cráneo y su mandíbula; al pasar el tiempo después de muertos, estos huesos se separan por la degradación de sus ligamentos. Me parecía que si alguien se encontraba con esta cabeza, se preguntaría el por qué de ella en ese lugar. Lo primero que pensé, fue algo parecido a lo que ya mencioné, que todo desaparece, pero también que la muerte se puede encontrar en cualquier momento. Ahora lo pienso, y me parece que esta primera reflexión quizás es demasiado simple; me interesa más la reorganización de todos estos elementos orgánicos, que conforman esta cabeza, remite a nuestra propia muerte, pero más que como si fuera una advertencia, la relación hecha entre estos elementos orgánicos y los flujos de energía que ellos significan,

Este ejercicio lo llamo intervención porque utilicé los elementos del medio para reorganizarlos y resignificarlos. No creo que haya provocado un gran cambio en la vida de las personas que se encuentran habitando el espacio. Pero, mi intención tampoco era esa. Lo que buscaba era dar cuenta de que todo desaparece en algún punto; o sea, me refería a la idea de lo perecedero. Al realizar un recorrido en solitaria, los trozos de rama me recordaron a los huesos, por su tono blanquecino, y por ser, además, vestigios de un ser que alguna vez tuvo vida. El recorrido que tomé me llevó a un lugar que estaba entre las dunas y el bosque (o mejor dicho, la vegetación con pasto y árboles). Parecía que este pasillo había sido recorrido antes, ya que se conformaba un sendero entre ambos espacios. Entonces, cercano al paso de ese sendero, mi idea era hacer un bosquejo de esqueleto humano, con estas ramas. Lamentablemente, la cantidad de ramas no era la suficiente para hacer el esqueleto, por lo que opté por hacer una parte reconocible, la cabeza ósea.

La muerte propia que se recuerda, está conformada por elementos que también tuvieron vida, y que la volverán a producir a través de su degradación y reorganización de las células que las componen. Relacionado entonces también con ello, está la fragilidad de los mismos elementos: ramas, carbones y conchas pueden ser fácilmente dispersos en distintas direcciones con los vientos que en el lugar se producían, así como la misma arena podía cubrirlos.

Cabeza 贸sea

Ejercicio escultura (Intervenci贸n dunas Ritoque, Ciudad Abierta) Madera seca, conchas, carb贸n 40 cm de largo Segundo semestre 2010

se volviera más compleja, y que no nos pareciera de forma tan obvia un cráneo. Como maqueta, me interesó bastante el resultado. El color rojo esta vez lo elegí porque mi idea era que interactuara con el color grisáceo amarillento de la arena. La escala que tenía pensada, era aumentar esta maqueta unas 15 o 18 veces. Primero, en grupo, se realizó un ejercicio aproximadamente 4 veces mayor que la maqueta, con madera de pino de 1 cm x 1 cm (los registros de esa experiencia se perdieron). Ahí fue que me di cuenta que la madera era compleja de trabajar si es que no se hacía con calces, o junturas hechas con tornillos (por dar algunas soluciones).

Luego de habernos llevado a distintos lugares de la región, se nos pidió que hiciéramos un proyecto dentro de la misma línea que mi trabajo anterior (Esto no fue realizado con Peter). Este proyecto debía realizarse en alguno de los lugares ya vistos, o en alguno similar que propusiéramos. Quise, en este punto, salirme un poco del tema de los huesos como tal e intentar reinterpretarlos. El uso de las ramas anteriormente, me hizo pensar en llegar a una abstracción de la idea de un cráneo. Para ello, elegí como materialidad, la madera de pino por su accesibilidad en precio, y porque además conformaban líneas rectas. Con ellos, simplificaría las sinuosidades de un cráneo para convertirlas en ángulos. El cráneo, como objeto de estudio, posee forados que comunican la cavidad interior (donde se ubica parte de sistema nervioso, como cerebro, cerebelo, tálamo, nervios, etc.) con la exterior. De esa manera, quise que la abstracción

Entonces, para llevar este proyecto a Punta de Choros, es que decidí cambiar de materialidad. Los tubos de PVC, con junturas de fierro por dentro, darían la forma que necesitaba para conformar los ángulos que la maqueta tenía. Para reforzar esto, utilicé masking tape por fuera de las junturas. Como no conocía el clima del lugar, no había tomado en cuenta el viento. No sé en específico las velocidades que éste alcanzó a tener, pero, para dar referencias, algunas carpas salieron volando, otras quedaron aplastadas por el mismo, se soltaban las estacas, etc. Por ello es que además le agregué el hilo de nylon para estabilizar la forma en un punto más o menos central.

Don CrĂĄneo rojo, maqueta

Palos de maqueta 0,2 cm x 0,2 cm, pintura en spray, silicona, cola frĂa, masking tape 11 cm de alto, 8 cm de largo Segundo semestre 2010

Una crítica que tengo acerca de este trabajo, es que no lo pensé estudiando el lugar. Fue como si en realidad se pudiera poner en cualquier playa. La diferencia, quizás, la marcó el que hice interactuar la cabeza con un animal muerto que es particular de esa zona, además de ser una especie protegida y en peligro de extinción (un pingüino). También puede ser el tener que adecuarla a los vientos que allí se econtraban. Otro punto con el que no quedé satisfecha, es que no pude lograr que se asemejara lo suficiente a la maqueta, para las expectativas que tenía. Es complejo el uso del material de esa manera cuando no se tienen conocimientos básicos de física y matemática aplicadas a las estructuras.

Sí rescato que a pesar de esta precariedad, la estructura se mantuvo en pie, y estuvo firme a pesar de que el viento de los últimos días de nuestra estadía fueron mucho más fuertes. También que la estructura, en su forma-deforme (respecto a lo que yo esperaba) daba la impresión de estar conteniendo algo, aunque lo contenido en realidad fuera el mismo espacio que la rodeaba. Así, se creaba una interacción entre un adentro y afuera, que se creaba con la sola disposición de los tubos, y se completaba con la mirada. Como dato técnico, las fotografías tienen distintas iluminaciones por el cambio de clima entre los días, ya que fue un trabajo realizado durante 1 semana. Podría hacer correción de ello, pero, me interesa que se vea ese proceso.

Don Cr谩neo rojo, escultura-intervenci贸n

Tubos de PVC, fierro, masking tape, pintura en spray, hilo de nylon 1,50 mt de alto, 2 mt x 1,30 de base Segundo semestre 2010, playa de Punta de Choros

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Miembro superior. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Hombro Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Pierna. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Pies y piernas. Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Torso Dibujo, barra pitt Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Muslo Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Tronco Dibujo, barra pitt Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Cabeza Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Estudios del cuerpo humano a través del ejercicio “peso-volumen“. Muslo Dibujo, lápiz grafito 6B Segundo semestre 2009

Antebrazo y mano, parte de proyecto “Posición anatómica“ Escultura Papel film, silicona caliente Tamaño 1:1 en relacion a mi cuerpo Período entre semestre 2011

Pierna y pie, parte de proyecto “Posición anatómica“ Escultura Papel film, silicona caliente Tamaño 1:1 en relacion a mi cuerpo Período entre semestre 2011

El trabajo que tendría por nombre Posición anatómica, tenía relación con la búsqueda de la transmisión del estudio del cuerpo a través de una reproducción 1:1. Escogí específicamente realizarla de mi propio cuerpo, porque quería dar a entender que mi visión del cuerpo humano es particular en tanto que puedo hablar de éste a través de mi propia materialidad como ser viviente. El cubrirme con silicona, tenía relación con trabajos anteriores como las Máscaras, o la Cabeza tela, pero esta vez también se relacionaba con dibujos hechos con anterioridad (que fueron en los que me basé para la elección del modo de utilizar la silicona), y con la misma idea de la contención de un “vacío“ que se produjo en Don Cráneo rojo. La posición anatómica, es la posición convencional que se muestra en los libros de anatomía para conocer las partes del cuerpo. Como este trabajo lo dejé estancado para proseguir con otros, no sé si funcionará la idea primera. Esta era poner un trozo de carne dentro del torso, que se fuera descomponiendo con el tiempo. Tampoco sé cuán insalubre sería realizar eso, ni si lo terminaré por hacer, pero, lo escribo porque era una de las primeras ideas que tuve de utilizar la carne dentro de mis trabajos. En este caso, el supuesto trozo de carne vendría a reemplazar los órganos internos, y se vería distorsionada por la silicona que la cubriría. La razón de ello, era nuevamente hacer una relación entre lo orgánico de la carne y de mi propia “aura“ como espacio interior vacío, con lo inorgánico del plástico y la silicona. También, ahora que lo pienso, tendría que ver con lo siniestro por ser esa copia de silicona una doble mía; aunque habría que ver hasta qué punto, ya que en las partes como el rostro, no sé si quedará tan definida su composición. Además, como estaba utilizando los huesos -que serían la parte más interna de nuestro cuerpo- quise representar ahora su órgano externo, la piel. taban sonas sado

Da la coincidencia que mientras realizaba este trabajo, me comentaron que lo inteprecomo una crítica a la transparencia de las personas, el mismo comentario que otras perhicieron después con repecto a mi trabajo de los rostros. Ciertamente, no lo había pende esa manera. Pero me gusta saber que también tiene “múltiples interpretaciones“.

Homenaje a Micaela Cáceres viuda de Gamboa

Participantes: Camila Bolados, Mayra Olate, Danitza Anders, Neva Serey, con ayuda del profesor Dionisio Escobar. Fotografías por una amiga de Mayra, de 46,06 cm de alto, 34,54 cm de ancho, 180 pixeles por cm. 3264 pixeles de ancho, 2448 pixeles de alto 2008

Por encargo se nos había pedido que realizáramos un trabajo en la V región, y decidimos hacerlo en la ciudad de Valparaíso. Una de las problemáticas que encontramos en la ciudad, era la nula atención que se ponía en las esculturas del bandejón central de la Avenida Argentina. Se observaron todas las que estaban ubicadas en este bandejón, y quedamos con la interrogante de quién era Micaela Cáceres, y por qué tenía una escultura de su torso en ese lugar. La investigación realizada no fue tan fructífera debido a la poca cantidad de datos que existen de este personaje. Pero, de lo que se pudo recopilar, se encontró que esta mujer había trabajado ayudando a mujeres a que pudieran sustentarse por medio de su trabajo. Existió hasta hace poco una sociedad feminista que llevaba su nombre. Como grupo en aquella asignatura, dio la coincidencia que quedamos sólo mujeres. Entonces, decidimos hacer una especie de acto poético. Cabe decir que esta operación se ralizó el primer semestre de nuestro primer año en el Instituto de Arte. A modo de explicación, este acto estaba compuesto de etapas. Partíamos caminando en fila, en silencio, caminando por todo el bandejón central de la Avenida Argentina, en dirección hacia Colón. Cuando llegábamos a la escultura girábamos alrededor de ella, para luego, que cada una se ubicara en 4 puntos rodeando a la figura. La que quedaba en frente, leía algunos textos relacionados con el trabajo de las mujeres como obreras, luego rotaba; cada

una tenía un temperamento distinto, una de nosotras la interpelaba, otra sufría, otra aceptaba. Al final, nos uníamos las 4 frente a ella, leyendo un texto en conjunto, que hacía relación al trabajo, y a que prosiguiera su descanso, dejándole los escritos alrededor de la estatua como una especie de regalo, donde salía un puño que provenía de la lucha feminista. Esta operación, como rito, no me parece tan interesante, ya que han existido varios actos poéticos que tienen cosas en común, Incluso, más o menos un año después, me enteré del acto realizado por Virgilio Rodriguez y Leonidas Emilfork en la tumba de un poeta en Francia, donde iban vestidos de negro, en procesión, llegaban a la tumba, recitaban algunos poemas y luego dejaban una rosa. O incluso, con los tan trillados ya “Funerales por la educación”, que se realizan cada año en las movilizaciones estudiantiles. Y no es porque lo que realizamos me parezca “poco original“, sino que el problema era el poco conocimiento respecto de estos actos, por haber estado en mi primer año de universidad. Quizás podría haber sido una idea parecida, pero con otro enfoque. De todos modos, este acto lo pongo como antecedente de los trabajos en video, por mostrar cierta preocupación en la vestimenta, la creación de relatos con la utilización del cuerpo y la iluminación. También, puede ser la relación entre el tema de lo femenino en lo social, que trabajé después como lo femenino en lo sexual.

El video que muestro después se relaciona con la presentación anterior, en que la vestimenta también es oscura, y el maquillaje utilizado lo acentúa. Obviamente, como representa una monja, la vestimenta iba a ser de esa tonalidad. Pero, el maquillaje, las tomas, el movimiento, y los sonidos utilizados en el video, producen una sensación de solemnidad siniestra, que la procesión también provocaba. En este video, se utilizaron sonidos particulares para cada escena;

en las partes que salía esta monja se escuchaba un sonido de campanas., en las que salían los juguetes, eran gritos o risas de niños. Principalmente, este video se compuso de 2 ideas que se fusionaron; mi idea era que los juguetes se volvieran animados y que tuvieran en sus partes del cuerpo una trozos de cosas filosas, como cuchillos, púas y cosas por el estilo. Esta idea tenía que ver con lo que mencioné acerca de lo siniestro y los muñecos. Pero, en el trabajo en conjunto con Matías, hacía tiempo que él estaba pensando en sacar fotografías con una vestimenta de monja, que incluso había ya diseñado. Por ello es que unimos las dos ideas, que al final resultaron en algo distinto. Se transformó en una monja que en la relación con los muñecos parecía torturarlos. Al final , como significacion, se puede fácilmente pensar en que es un crítica al sistema de la Iglesia Católica; también se relaciona, de cierta manera, con la “moda“, por volver la vestimenta de las monjas en un vestido ceñido al cuerpo, y que resalta ciertas partes de la figura. Pero lo que a mí más me interesó, fue la relación hecha con las películas del expresionismo alemán (Metropolis, Nosferatu, Doctor Calligari, etc.), en cuanto al uso del maquillaje y el tratamiento de color en las imágenes; esta no fue hecha por nosotros, sino que por Peter. Y esta relación me interesó más porque así se relacionaba con lo terrible y lo siniestro, que son los temas centrales a los que apuntaba este video.

Colecta

Video, película Quicktime Autores, Matías Escobar, Neva Serey 1920 x 1080, Apple Intermediate Codec Actuación de Danitza Leiva Segundo semestre 2010

Este fue el primer uso de los huesos en algún trabajo dentro de la Licenciatura. El video, trataba de mostrar la historia de una mujer que arrancaba de alguien, quien nunca se veía; este perseguidor se mostraba nada más que a través del rayo de luz que iba iluminando. El video tenía por nombre Escape, por ser una ironía; la mujer arrancaba, pero al final de todas maneras moría. Usamos témpera de colores para suplir el uso del rojo como sangre. Por ello es que el video se volvía amable y chistoso con respecto al tema de la muerte. Como idea original, queríamos reírnos de las películas de terror que siempre tienen el mismo entramado que ya se vuelve un cliché: un perseguidor, un asesino, o un ente que persigue a alguien o un grupo de personas por razones que por lo general son desconocidas, las que al final se revelan. Obviamente, casi siempre se salva alguien, pero los finales quedan “abiertos“ porque debe existir la posibilidad de que haya una segunda parte. En el caso de este video, el perseguidor nunca se conoce, la mujer muere, y la escena final es de los huesos rociados con pintura, por lo que es imposible la realización de una “segunda parte”. También se desprende el tema del poder, ya que la mujer se muestra indefensa ante un poder que la sobrepasa y que termina acabando con ella. Los huesos aún aquí eran sólo un instrumento que significaba la muerte. Pero, muestra el interés por la mezcla de los colores y estos huesos, además el juego de contrastes que se realiza entre estas dos materialidades. Es como lo que explico con respecto a la mezcla de la témpera y el extracto de nogal en los trabajos de más adelante.

Escape

Video, pel铆cula AVI Autores: Noelia Araya, Matias Escobar, Neva Serey Uso de huesos humanos, t茅mpera Resoluci贸n 720 x 480 Actuaci贸n de Camila Bolados M. Segundo semestre 2009

Radio

Pintura digital inconclusa Photoshop CS4, tableta digitalizadora Wacom 40 cm x 30 cm, 200 pixeles/cm 8000 pixeles de ancho, 6000 pixeles de alto 2010

Existe dentro de los estudios de los huesos un “contraste“, o más bien, la existencia de una polaridad dentro de lo orgánico e inorgánico. Esta se da en una forma bastante simple, que es en la utilización de los materiales: la témpera vendría a ser parte de lo inorgánico, lo sintético, mientras que el extracto de nogal y el huevo serían lo orgánico de este dibujo. Antes de proseguir, aclaro que dentro de la composición química de la témpera se encuentran también compuestos orgánicos, como la goma arábiga.

El interés en esto no es la simple obviedad de que nuestro mundo está compuesto por estos elementos, al igual que el grafito del lápiz de los demás dibujos, sino, que tienen relación con que esta dualidad se supera en sí misma, al Y este es el primer hueso dibujado de una serie de trabajos realizado con el poder unirse y formar una coexistencia estable. tiempo. La idea primera era realizar una serie de dibujos y pinturas digitales para crear una historia. Principalmente, esta experiencia sirvió para experimentar con Así, esta es una de las primela pintura digital, y darse cuenta que el programa no era el más adecuado para ras conclusiones en las que se basan las realizarla (Photoshop), además de impulsar gran parte de los trabajos que poseo. imágenes a continuación. Sin embargo, aún esta idea es demasiado simple. La idea de trabajar con huesos nace como un mero estudio, del que se Por ello es que se va complejizando a meda cuenta del conocimiento cabal en sus formas y diferencias de texturas, tama- dida que se van realizando otros trabajos. ños; a pesar de ser un trabajo más tardío que algunos de los que aqui se presentan, es el punto de partida para la mayoría de las reflexiones aquí expuestas. La palabra Huesarium (ver índice) la inventé con respecto a la palabra osa Luego, el uso del dibujo con lápiz grafito, y el extracto de nogal, tie- rio, que proviene de ossarium en latín y nen que ver (además del propio objeto de estudio) con un interés en lo or- significa “lugar donde están los huesos”. gánico, pero en general, sino aplicado casi particularmente a lo humano. Con ella me refiero a mis propios huesos.

Una anécdota con respeto a los mismos, es que para hacer el tratamiento se debe limpiarlos, cocerlos, echarlos en agua oxigenada y luego barnizarlos. La primera parte, limpiarlos y cocerlos, la realizamos con mi madre durante una tarde en el patio de mi casa. Es uno de los olores más desagradables que he sentido en mi vida, porque también quedaba impregnado en la ropa. Pasados los años, ya estudiando Arte, me pareció que todo ese procedimiento hubiera sido muy buen material si es que lo hubiera filmado; hubiera sido casi una performance. Luego de cocerlos, los dejamos sobre el techo para que se secaran al sol.

Ulna