Santo Tomás Dominicas 1 Historia de la Música en el cine
HISTORIA DE LA MÚSICA EN EL CINE A. LOS COMIENZOS Los hermanos Lumiére hicieron su primera proyección de cine en el Salón Indio de París en 1895. En un rincón había un pianista que acompañaba las imágenes de la proyección. La función del pianista era más bien práctica, ya que se pretendía tapar el molesto ruido del proyector. Eran los comienzos del cine mudo y la música ya estaba presente en el mismo. Pero muy pronto la música se hizo esencial, y no sólo para tapar el ruido del proyector. La literatura y el teatro ya se habían unido a la música mucho tiempo atrás (desde la ópera hasta la música incidental compuesta por obras teatrales). Por tanto, la fusión entre imagen filmada y música se produjo con toda naturalidad, en cuanto que el cine prolongaba una tradición establecida tiempo atrás. Sabías que… Refiriéndose a la música de cine, el compositor americano Aaron Copland dijo: “es la música que millones de personas oyen, pero nadie escucha”
B. LOS AÑOS 20 En la década de los años 20, el cine se convirtió en un espectáculo de masas y los músicos fueron más necesarios que nunca. Dependiendo del presupuesto que tuviera un local contrataba a un pianista, un cuarteto de cuerda o una orquesta completa. Las productoras cinematográficas publicaron lo que se llamó cue sheets (hojas en las que se indicaba los tipos de música necesarios para cada escena y su duración). Esto provocó que los arreglistas crearan repertorios para diferentes situaciones. El arreglista y derector Erno Rapée creó varios repertorios de piezas para cine, como por ejemplo colección de piezas seleccionadas y adaptadas para cincuenta y dos modos y situaciones (1924). Este libro recopilaba piezas clásicas aptas para diferentes situaciones como persecuciones, escenas de amor, tensión, carreras…
C. LOS AÑOS 30 En 1927 sucedió algo revolucionario: ¡el cine aprendió a hablar! En El cantor de jazz (The jazz Singer, 1927) se escucha a uno de los protagonistas cantando. A partir de este momento las películas tenderán hacia el cine sonoro y el cine mudo desaparecerá por completo a lo largo de esa década. Lógicamente, la aparición del sonido trajo ciertos problemas técnicos; entre ellos la sincronización entre la imagen y la música. El compositor Max Steiner inventó un sistema –que todavía hoy día se sigue utilizando-para sincronizar la música con la imagen, y es conocido con el nombre de click track. El click track consiste en hacer pequeñas incisiones en un copión de trabajo del film, las cuales producen un pequeño click (sonoro) al ser proyectadas. El director musical escucha estos clics y gracias a ellos, ajusta el tempo de la interpretación. En realidad, viene a ser como la función de un metrónomo. Esto se aplicó en la película de King Kong (1933).
Santo Tomás Dominicas 2 Historia de la Música en el cine Pero la grabación de la música presentaba otro problema, el de equilibrar la música y los diálogos. Así surgió la figura de un personaje imprescindible en la música de cine: el mezclador de sonido. Su función era permitir que los diálogos se entendieran y dar más protagonismo a la música en escenas no dialogas. ANÉCDOTAS •
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El sonido era un problema en los primeros tiempos del cine sonoro. Un amenaza mayor para la libertad de la imagen consistía en la necesidad de que el actor hablase cerca de los micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos. Uno de los problemas del cine sonoro se debió a la insonorización que debío hacerse de los platós. El primer plató para sonido de la Warner en los antiguos estudios era una especie de gigantesca caja con cortinajes colgando por todos los lados, en un intento por ahogar los sonidos no deseados. El conocido león del emblema de la Metro tuvo que ponerse también delante del micrófono. La llegada del cine sonoro supuso un duro golpe para Charles Chaplin quien, en principio, se negó a aceptarlo, cegándole validez artística. Evitó habla en dos películas ya sonoras, que eran películas mudas con músicas y efectos ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieron adaptarse a la llegada del cine sonoro. Chaplin no habló en la pantalla hasta El gran dictador (1941), pero cuando lo hizo, volvió a tener los éxitos de siempre.
D. LOS AÑOS 40 La década de los 40 es la década dorada en la música de las películas de Hollywood, donde se marcó el camino a seguir y una manera de hacer cine que sería la “norma”. Compositores como Korngold, M. Steiner y A. Newman desarrollaron un lenguaje romántico que fue la nota dominante durante las dos décadas siguientes. Los compositores de los estudios de Hollywood pasaron a estar en la nómina (al igual que lo estaban los actores, directores…), además de firmar par determinados estudios cinematográficos. También en Europa en países como Francia, Inglaterra e Italia buscaron crear un estilo propio apartado de la influencia hollywoodiense.
E. LOS AÑOS 50 La II Guerra Mundial (1939-1945) puso freno a esta época de prosperidad en el cine, sobre todo en Europa, que buscó un cine alejado de la estética “espectáculo” de Hollywood. Mientras que los grandes músicos del cine americano se asentaban definitivamente gracias al cine-espectáculo (Newman, Rózsa, Tiomkin), aparecen otros que ensayan fórmulas diferentes y se debaten entre el sometimiento a los grandes estudios o la experimentación. Es el caso de
Santo Tomás Dominicas 3 Historia de la Música en el cine Bernard Herrmann o Henry Mancini. Estos traerán aires nuevos al cine, con la introducción del jazz o de modelos que se apartaban de la escuela europea. Por otro lado, la televisión se convierte en el gran enemigo del cine, pero también sirvió para atraer a futuros talentos.
F. LOS AÑOS SESENTA La década de los sesenta fue la de la revolución, la de un cambio radical en la manera de hacer, entender y ver el cine. Todo esto afectó al mundo de las bandas sonoras. Así, entre las innovaciones más importantes en el tratamiento musical de una película podemos citar: 1. Utilización del jazz sinfónico y modelos sonoros del siglo XX Henry Mancini (Desayuno con diamantes o La pantera rosa) fue el autor más popular de los años sesenta y setenta por sus melodías tan pegadizas y su estilo jazzístico “relajante”. Por otro lado, los modelos sinfónicos seguidos hasta ahora (Strauss, Wagner, Tchaikovsky…) fueron sustituidos por los Bartók, Stravinsky. 2. El imparable ascenso de la música pop Éste es el caso de las magníficas canciones de Simon y Garfunkel para El graduado o los musicales que rodaron The Beatles, ¡Qué noche la de aquel día! y ¡Socorro!, que abrieron el camino a una oleada de pelúculas con canciones pop. Uno de los compositores más importantes en esa línea fue John Barry. Una figura controvertida de esta década es la de Ennio Morricone. Consiguió la fama por su peculiar forma de entender la música del western en Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio, el bueno, el feo y el malo, con sonoridades atípicas en el género (guitarras eléctricas, arpas de boca, silbidos, coros…). Morricone creó la escuela musical spaghetti-western.
G. LOS AÑOS SETENTA Puede decirse que hay un antes y un después en el cine a partir de esta década. El conflicto entre música pop y sinfónica se pudo suavizar por cierta simultaneidad de ambas. La vena más comercial siguió su evolución en películas con sonidos funk, jazz o la música que escribía Lalo Schifrin para las películas de Clint Eastwood. Pero lo que nadie esperaba es que una partitura sinfónica compuesta para una película encabezara las listas de ventas y ganara un disco de platino. Éste fue el caso de La guerra de las galaxias (Star Wars), de John Williams, que vendió dos millones de discos. Esto provocó un doble boom: por un lado, las discografías empezaron a mostrar un gran interés por la edición de bandas sonoras; por otro, los productores empezaron a pedir a los compositores un sonido <a los Williams>, lo que llevó a la recuperación de la escritura para gran orquesta sinfónica.
H. LOS AÑOS OCHENTA En esta década, algunos de los compositores que ya se han tratado eran nombres consagrados. John Williams escribió la música para Indiana Jones, En busca del arca perdida, o E.T. Ennio Morricone escribió la música de películas como Érase una vez en América, La Misión o Los intocables.
Santo Tomás Dominicas 4 Historia de la Música en el cine Al mismo tiempo, aparecieron compositores que siguieron con la tradición sinfónica establecida, pero aportando nuevas ideas. Fue el caso de Alan Silvestri que se convirtió en una especie de sucesor de Williams con Regreso al futuro. Pero al mismo tiempo, seguía el fenómeno de las bandas sonoras compuestas por canciones pop, convirtiéndose el sintetizador en un instrumento cada vez más utilizado. Los compositores empiezan a crear más partituras electrónicas, como el caso de Vangelis (Carros de fuego).
I. LOS AÑOS 90 Y COMIENZOS DE UN NUEVO SIGLO Si algo distingue el cine de los noventa es, precisamente, su falta de rasgos generales específicos. El cine procedente de Hollywood arrasa en taquilla, pero producciones independientes consiguen lo mismo por una fama repentina. Las discográficas han descubierto un público potencial que va con frecuencia al cine y se "queda" con la música o canción de una película. Así, una canción que no ha sido compuesta para una película, por el hecho de aparecer en la misma, sirve para conseguir una buena venta de discos. (véase el caso de Titanic).