Fanzine Atelier # 2

EDITORIAL

Espacio de aprendizaje //

Aquí vamos de nuevo, intentando realizar el segundo

Deseándole aportar valor al contenido. Que se antoje fresco. De lectura fácil, ágil y cautivadora. Pero

Presentamos en esta edición nuevas propuestas y damos continuidad al acervo que se encuentra disponible en el mismo atelier. Para ir recopilando y recabando los cambios que va sufriendo durante

Este nuevo proyecto nos embarca en experimentar nuevas formas de relacionarnos con nuestro entorno. Para buscar personas, cosas y lugares que nos enriquezcan con nuevas experiencias. Trataremos de trasmitir a través de estas pocas páginas el gusto que nos ocasiona poder compartir con ustedes el entusiasmo que nos produce poder crear este contenido.

Así mismo hemos agregado para esta nueva emisión entrevistas de nuestros portales favoritos Residet Advisor el más reciente artículo de la sección en Arte de la Producción, de Freunde Von Freunden, un artículo que le va como añillo al dedo a este proyecto, por mencionar algunos, además los artículos de la propia casa.

Atelier Ibis N5 Temixco, Morelos, México.

Es una publicación libre que no tiene fecha periódica de edición.

Hasta la fecha se han publicado un Fanzine por Christian Ocampo en la plataforma de publicación electrónica

Si desea enviar ideas y/o comentarios favor de enviar al email coocampog@gmail.com. ocampo5120

Historias de Diseño Pág. 8 Articulo en Ingles y Español // Cuélgalo todo

ESPACIOS Pág.12

Biblioteca // Te explicamos qué es una biblioteca y cuáles son las categorías en que se organizan los libros. Además, la historia del origen de la biblioteca.

Fuente: https://concepto.de/biblioteca/#ixzz7mpSKjyRn

Ideas Pág. 32

Portavasos

Atelier Pág.

Segundo Movimiento Pág.33

CASAS SINGULARES Pág. 34

La casa de //

Diseño

Hecho a mano: artesanías nuestra herencia // El trabajo con Palo de Rosa

Lugares Pág.37 Miami Sound Bar

Cine

Anexos: Accesorios, Joyería, Relojes, Marroquinería. Tapetes, Lámparas. Mancuernillas etc. Pág.

Notas: El primer recopilatorio de l

Nature and artist converge to give life to exclusive works of art that flood with emotions, satisfy the most sensitive and enchant the senses of the most demanding. Both processes, the cultivation of pearls and jewerly desing involve patient, loving, careful and respectful work with the environment; as in the case of pearls, which require four to five years of cultivation and manual grafting so that out of ten thousand oysters, only one pearl is achieved that can meet the quality standards required by the mexican pearls producers of Pearls of the Sea of Cortez.

Aditionally our internationally recognized designer / jeweler "Adrián De Pablo" who with more than fourty years of experience and a heritage of hundred years of family tradition, passed on by his father, Mr. Dámaso Pablo García Bernal, pioneer in the jewelry workshops (1944-1945) in Taxco de Alarcón, Guerrero, Mexico, mold the metal with his hands to create a beautiful enclosure and a work of art for each pearl. Marcos Adrián García Carbajal has a great career and great participation in different competitions of which, we mention some like: National Silver Fair contest in 1994 with the piece "Inner Peace" and with the piece "Violoncello over the Ocean" in gold and

The Adrián de Pablo Jewelry Studio intends to elevate the name of Mexico, based on its tornasol pearls that have unique qualities in the world; its workmanship, which is highly artistic and aesthetic.

México (052) 777 285 11 03

Hang it all

Art has changed. And so have the people running it. A sharpminded breed of iconoclastic curators is revolutionising both the gallery scene and the way that we experience art. Niru Ratnam meets five of the new tastemakers

Niru Ratnam

Sun 9 Mar 2003 01.29 GMT

Curating art used to be a straightforward enough, if onerous, occupation. Typically, curators thoroughly versed in art history would use their research skills putting together what they saw as the best art works of a particular movement or historical period. For figures such as David Sylvester, curating wasn't really regarded as a major profession - more of a side show in the ongoing business of being an art authority. Things, however, have changed drastically since then. University courses in curating are springing up. And where once museums looked to the art historians of places such as the Courtauld Institute for the next generation of art supremos, they are now turning to something like the Royal College of Art's curating course, fast becoming the inside track for tomorrow's leading curators and museum directors. In turn, today's curators and museum directors have ditched anonymity.

The curator of contemporary art is now concerned with the whole physical and intellectual experience of an exhibition,' explains Teresa Gleadowe, head of the RCA's curating course. Simply doing bucket-loads of art historical research is not enough. In the ground-breaking 1972 exhibition Documenta 5, Harald Szeemannperhaps the first major freelance curator - dumped aesthetic categories and instead arranged the art through themes like 'Idea' and 'Individual Mythologies'.

Gleadowe argues that there's a huge difference between today's curators and those art historians of the past. 'Curators are now required to engage with new art as it emerges and find a critical context for the reception of that work,' she says. In reality, those critical contexts tend to act almost as curatorial trends - for instance at the moment there is a definite turn away from 90s irony to either some sort of return to socially committed art or art about everyday situations. And the broadening of the art world from a European-North American axis to a global scale means most contemporary curators now spend huge amounts of time flitting to and from art festivals around the world to keep up with what's going on - as well as to unearth buried talent.

Through the 80s and 90s curating evolved rapidly. In 90s Britain, there was a shift away from institutions - Damien Hirst and Carl Freedman famously took matters into their own hands with the Freeze and Modern Medicine exhibitions that set young British art rolling. Curators started putting shows on in domestic spaces, and combining art with non-art objects. In Berlin, Daniel Pflumm got the whole 90s Mitte art scene going by exhibiting works in his nightclub, Elektro.

In some ways curators became the counterpart to dealers: where the latter would shift artworks, the former would make works credible by putting them in exhibitions. If a work caught the eye of the right curator and got included in a big show it did wonders for its price and the standing of the artist. Inevitably the institutions have caught up, employing the new breed of contemporary curator to become museum directors and effect change from within. What's certain is that the days of paintings organised into neat chronological rows are well and truly over.

Cuélgalo todo

El arte ha cambiado. Y también la gente que lo dirige. Una raza de curadores iconoclastas de mente aguda está revolucionando tanto la escena de las galerías como la forma en que experimentamos el arte. Niru Ratnam conoce a cinco de los nuevos creadores de tendencias

La curaduría de arte solía ser una ocupación bastante sencilla, aunque onerosa. Por lo general, los curadores versados a fondo en la historia del arte usarían sus habilidades de investigación para reunir lo que consideraban las mejores obras de arte de un movimiento o período histórico en particular. Para figuras como David Sylvester, la curaduría no se consideraba realmente una profesión importante, sino más bien un espectáculo secundario en el negocio en curso de ser una autoridad artística. Las cosas, sin embargo, han cambiado drásticamente desde entonces. Están surgiendo cursos universitarios de curaduría. Y donde antes los museos miraban a los historiadores del arte de lugares como el Instituto Courtauld para la próxima generación de supremos del arte, ahora están recurriendo a algo como el curso de curaduría del Royal College of Art, convirtiéndose rápidamente en la pista interna para los curadores y museos líderes del mañana. Directores A su vez, los curadores y directores de museos de hoy han abandonado el anonimato.

'El comisario de arte contemporáneo ahora se ocupa de toda la experiencia física e intelectual de una exposición', explica Teresa Gleadowe, directora del curso de comisariado de la RCA. Simplemente hacer un montón de investigación histórica del arte no es suficiente. En la innovadora exposición Documenta 5 de 1972, Harald Szeemann, quizás el primer curador independiente importante, abandonó las categorías estéticas y, en cambio, organizó el arte a través de temas como 'Idea' y 'Individual Mythologies'.

Gleadowe argumenta que hay una gran diferencia entre los curadores de hoy y los historiadores del arte del pasado. "Ahora se requiere que los curadores se comprometan con el nuevo arte a medida que emerge y encuentren un contexto crítico para la recepción de ese trabajo", dice. En realidad, esos contextos críticos tienden a actuar casi como tendencias curatoriales; por ejemplo, en este momento hay un cambio definitivo de la ironía de los 90 hacia algún tipo de retorno al arte socialmente comprometido o al arte sobre situaciones cotidianas. Y la ampliación del mundo del arte de un eje europeo-norteamericano a una escala global significa que la mayoría de los curadores contemporáneos ahora pasan una gran cantidad de tiempo yendo y viniendo de los festivales de arte de todo el mundo para mantenerse al día con lo que está sucediendo, así como para descubrir talento enterrado.

A lo largo de los años 80 y 90, la curaduría evolucionó rápidamente. En la Gran Bretaña de los 90, hubo un alejamiento de las instituciones: Damien Hirst y Carl Freedman tomaron el asunto en sus propias manos con las exhibiciones Freeze y Modern Medicine que pusieron en marcha el arte británico joven. Los curadores empezaron a montar espectáculos en espacios domésticos y a combinar arte con objetos no artísticos. En Berlín, Daniel Pflumm puso en marcha toda la escena artística de Mitte de los 90 al exhibir obras en su club nocturno, Elektro.

De alguna manera, los curadores se convirtieron en la contraparte de los marchantes: donde estos últimos cambiaban las obras de arte, los primeros hacían las obras creíbles colocándolas en exposiciones. Si una obra llamó la atención del curador adecuado y se incluyó en una gran exposición, hizo maravillas por su precio y la reputación del artista. Inevitablemente, las instituciones se han puesto al día, empleando la nueva generación de curadores contemporáneos para convertirse en directores de museos y efectuar cambios desde adentro. Lo que es seguro es que los días de las pinturas organizadas en ordenadas filas cronológicas han terminado.

james lingwood

Codirector, Artángel

Está claro que James Lingwood ama la ciudad. De pie en un techo sobre las oficinas de Clerkenwell de Artangel, a merced del fotógrafo, todavía puede entusiasmarse con la metrópolis que se extiende a su alrededor, a pesar de que claramente está casi congelada.

"El entorno urbano es el terreno básico sobre el que trabajan los artistas a los que encargamos", dice. 'La condición de la ciudad, que es de constante cambio y flujo, accidentes y contingencias, es algo que realmente nos interesa explorar'.

La mayoría de los proyectos más conocidos de Artangel han utilizado la ciudad como escenario, en particular la Casa de Rachel Whiteread, que impulsó a Artangel, Lingwood y algunos incluso podrían decir que el arte británico joven de los 90 en la imaginación del público.

Artangel se fundó en 1985 para realizar proyectos de artistas que no encajaban en los lugares habituales de exposición. Lingwood y el codirector Michael Morris asumieron el cargo en 1991, habiendo trabajado anteriormente en ICA. “Quería comenzar a concentrarme en proyectos más largos y ambiciosos”, dice Lingwood. 'Y estar más cerca del artista y menos cerca de la institución.' Con esto en mente, Artangel se ha convertido en una especie de productora. La financiación proviene de tantas fuentes que Artangel pueda convencer del valor de sus proyectos.

"Artangel ofrece a los artistas la oportunidad de hacer algo muy ambicioso", dice Lingwood. No hay horarios estrictos y se pasa mucho tiempo 'hablando con los artistas y soñando, simplemente tratando de hacernos creer que algo es posible'.

· Francis Alÿs, Cameron Jamie y Giya Kancheli realizarán proyectos para Artangel en 2003. Off Limits - 40 Artangel Projects (£39,95) es una publicación de Merrell.

https://www.theguardian.com/theobserver/2003/mar/09/features.magazine47

Espacios // Biblioteca

¿Qué es biblioteca?

Una biblioteca es un lugar donde podemos encontrar libros o cualquier otro soporte de un texto, como publicaciones, revistas, documentos, catálogos, etcétera. Una biblioteca puede ser a la vez la pieza de mobiliario donde colocamos los libros (que usualmente está formada por varios estantes horizontales) o el edificio en sí, donde podemos consultar y tomar prestados libros y demás.

Una biblioteca es un sitio donde podemos recurrir para leer, buscar información y estudiar. En muchas bibliotecas además se ofrecen servicios de búsqueda online, a través de Internet, y consulta de libros digitales.

En la mayoría de las bibliotecas los libros se encuentran organizados rigurosamente dentro de diez grandes categorías (lo que se denomina “Clasificación Decimal Universal, o CDU). Estas categorías respondes a la siguiente clasificación: Lengua, Artes, Ciencias exactas y Ciencias naturales, Ciencias aplicadas y tecnología, Literatura, Filosofía y Psicología, Historia y Geografía, Ciencias sociales, Religión y finalmente obras de referencia, es decir diccionarios o enciclopedias.

La biblioteca pública es una asociación civil, es decir conformada por ciudadanos, que puede ser un grupo de vecinos que ofrece distintos servicios relacionados con la consulta de libros y desarrollo de actividades culturales. Por lo general las bibliotecas públicas son mantenidas por los mismos socios. La colección de libros que posee una biblioteca suele ser de acceso libre al público.

La palabra biblioteca proviene de una palabra latina que a su vez fue tomada de un vocablo griego compuesto por las palabras “biblíon” (que significa libros) y “théke” (que significa armario o caja). Por eso es que la palabra biblioteca refería al sitio donde se guardaban libros, pero no en el sentido actual, sino que eran rollos de papiro o códices.

¿Cuál fue el origen de la biblioteca?

Con la apertura de las universidades se crearon bibliotecas para eruditos y estudiosos. Las bibliotecas no son un invento reciente, de hecho, se sabe de bibliotecas hace más de cuatro mil años. Surgieron en la cultura mesopotámica con una función de conservación de tablillas de barro. La biblioteca como la conocemos actualmente podemos decir que tuvo su origen en Grecia donde encontramos la famosa Biblioteca de Alejandría o la del Pérgamo.

Durante la Edad Media serán los monasterios los responsables de guardar y cuidar la cultura escrita. A partir de la creación de la imprenta y de la apertura de las universidades se crearán nuevas bibliotecas destinadas a eruditos y estudiosos.

De esta manera se irá desarrollando el concepto moderno de biblioteca, accesible a toda persona interesada y procuradora de información relevante a la cultura. Ya no existe en el mundo ni la censura ni la limitación al estudio y las bibliotecas ayudan a fomentar la educación

Fuente: https://concepto.de/biblioteca/#ixzz7mpT60

Áreas que conforman la Biblioteca

1. Área de Servicios (circulación – recepción): Aquí se lleva a cabo el préstamo externo de materiales bibliográficos, así como la devolución de los mismos y también se proporciona información y/o orientación básica a los diferentes tipos de usuarios en lo que concierne al tema de biblioteca.

2. Área de Selección y Adquisiciones:En esta área se reciben los nuevos materiales, se revisan y se verifica la calidad física de los mismos. Una vez que se determina que los recursos informativos cumplen con la calidad suficiente para incorporarlos al acervo general, se procesan con la finalidad de garantizar que cada uno de los materiales cuenten con los sellos de identificación que corresponden.

El objetivo de esta área es formar colecciones acorde a la temática de los diferentes Programas Educativos del Centro Universitario de la Ciénega y aquellas que cumplan con la función social de la Universidad de Guadalajara.

3. Área de Procesos Técnicos: El propósito de esta área es organizar y dar tratamiento técnico a los libros que forman parte del acervo del Centro Universitario de la Ciénega para que puedan ser identificados para su acceso por la comunidad universitaria y el público en general.

4. Mediateca: Este espacio está diseñado para que los usuarios, a través del acceso a internet, consoliden su formación en el manejo de información por medio de las bases de datos, el repositorio institucional, la biblioteca digital de la Universidad de Guadalajara, entre otros recursos informativos. En esta área también se localizan las publicaciones seriadas (revistas académicas) para que los usuarios tengan rápido acceso a información científica de calidad sobre investigación, desarrollo de una disciplina, resultados de un experimento o difusión de la cultura.

5. Ludoteca: Es el lugar en el que se realizan actividades principalmente de fomento a la lectura para niños de entre 4 y 12 años.

6. Área de acervo general: Es uno de los espacios más extensos de nuestra biblioteca y en donde se pueden localizar todas las colecciones que se han desarrollado para apoyar a los programas educativos, incluye la bibliografía básica y complementaria de las unidades de aprendizaje.

7. Espacios comunes: La biblioteca cuenta con zonas diseñadas para la revisión de los recursos informativos tales como; sala de lectura formal, salas de lectura informal y cubículos individuales.

https://cuci.udg.mx/biblioteca/areas

Como están organizados los libros en la Biblioteca

¿Cómo están organizados los libros en la biblioteca?

Un bibliotecario llamado Melvil Dewey (1851-1931), en 1876, creó un sistema numérico decimal para organizar los libros de la biblioteca escolar en la que trabajaba y este sistema se llama "Sistema de Clasificación Decimal Dewey".

Dewey dividió el conocimiento en diez grandes categorías: generalidades, filosofía, religión, ciencias sociales, filología, ciencias naturales, técnica y ciencias prácticas, arte y literatura e historia. Y cada cifra puede subdividirse muchas veces para lograr identificar claramente cada tema. Esto se hace para organizar los libros en la estantería, de forma que todos los libros que traten un tema específico queden ubicados en el mismo lugar.

Décadas después de su muerte, el sistema de Clasificación Decimal Dewey, sigue siendo el esquema de clasificación bibliográfico más difundido en el mundo.

Los libros están procesados según las normas internacionales que se indican a continuación:

· Para la Catalogación se utilizan las 2RCAA (Segundas Reglas de catalogación Angloamericanas) y las RDA (Resource Description & Access).

· Para la clasificación se utiliza el SCDD (Sistema de Clasificación Decimal Dewey).

Cabe mencionar que las clases básicas están organizadas por disciplinas académicas tradicionales o campos de estudio. Ningún principio es más básico para el SCDD que el siguiente: las partes de la clasificación están ordenadas por disciplinas, no por temas.

La Biblioteca + Mediateca “Fernando del Paso” cuenta con el servicio de estantería abierta el cual permite al usuario la libre consulta del material bibliográfico. El acomodo de los libros en la estantería es de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo por estante, en forma progresiva de acuerdo al SCDD iniciando en el 000, de la planta baja hacia el cuarto piso.

https://cuci.udg.mx/sites/default/files/adjuntos/4._sistema_de_clasificacion_dewey_completo.pdf

La artista holandesa y residente de Panorama Bar habla sobre la fusión de software y hardware, su mudanza al campo portugués y el proceso profundamente emocional de construir su nuevo álbum, The Red Hunter.

Cuando llevas 22 años coleccionando equipo y vinilos durante más tiempo, mudarse de casa te brinda la oportunidad perfecta para reducir el tamaño de tu colección. Para Steffi, productora de club amante del hardware, DJ prolífica y propietaria de un sello creador de tendencias, quien se mudó permanentemente de las bulliciosas calles de Berlín a las tranquilas colinas verdes de Sobral Da Abelheira en la región portuguesa de Mafra hace dos años, el acto de optimizar su reserva de vinilos fue un experiencia catártica que ayudó a marcar el comienzo del próximo capítulo de su vida.

Sentado en la cálida y soleada terraza del nuevo estudio de Steffi, una visión de la exuberancia rural hasta donde alcanza la vista, tienes la sensación real de que este nuevo comienzo se está desarrollando aquí. "Ambos estábamos realmente listos para irnos de la ciudad. Te lleva a un lugar diferente. Quiero decir, tener esto [gestos alrededor], es extremadamente increíble, ¿no?" dice Steffi sobre la mudanza con su pareja de mucho tiempo y también residente de Panorama Bar, Virginia. Los dos habían estado yendo y viniendo de Portugal durante algunos años antes de tomar la decisión de instalarse en Mafra, animados por la pandemia. Steffi y Virginia querían abrir el nuevo estudio como una forma de devolver algo a su nuevo hogar y contribuir a la escena en Portugal.

Me llevan a un recorrido por la propiedad, a la que llamaron Candy Mountain por su ubicación en la parte inferior de una elevación cubierta de hierba, y su verdadera tienda de dulces de sintetizadores, cajas de ritmos y otro hardware que brilla en su interior como un tesoro. Una enorme pared de discos se eleva sobre los estantes de equipo prolijamente apilados, con el preciado secuenciador por pasos Cirklon de Steffi dominando la habitación como una nave nodriza. Hay Moogs antiguos, Moogs más nuevos como el DFAM, sintetizadores digitales de la década de 2010, un Roland SH-101 preparado con ácido y una gran cantidad de pedales como la reverberación BigSky. En el estante superior, una familia de originales 808, 909, 303 y 606 me llama la atención. Bajamos por la romántica escalera de caracol hasta el dormitorio y la sala de estar de abajo, que está equipada con tocadiscos y tapetes con caritas sonrientes de color amarillo brillante. Ubicado en la tranquilidad, el espacio es el mejor centro de ensueño para hacer música. Nos dirigimos afuera para tomar el último sol de la tarde y comenzar nuestra charla.

Nacida en los Países Bajos, Steffi se inició como DJ en su ciudad natal a mediados de los 90 antes de mudarse a Ámsterdam en 1997, donde su carrera comenzó a tomar forma. Lanzó una noche de club con Awanto 3, y en 2000 co-fundaron el sello Klakson junto con el productor Dexter. Eventualmente se mudó a Berlín en 2007 y se convirtió en residente en Panorama Bar, lanzando su primera producción en Ostgut Ton en 2008 antes de lanzar su propio sello Dolly en 2010. El primer álbum de Steffi, Yours & Mine, fue lanzado a través de Ostgut Ton en 2011 y generó un éxito de house romántico en "Yours" con Virginia. Su segundo largometraje, Power of Anonymity, llegó en 2014 y su tercer LP, World of the Waking State, adyacente a IDM, en 2017.

Su cuarto álbum, The Red Hunter, lanzado a fines de octubre, evoca un pozo de serpientes retorcidas de ritmos engañosos y rápidos y ritmos electrónicos profundos, pero al igual que sus últimos lanzamientos, aún mantiene la pista de baile a la vista. Escrito durante un intenso período de agitación personal, también está dedicado a la difunta madre de Steffi, cuyo fallecimiento durante la pandemia marcó un intenso y duradero período de dolor para la artista holandesa. Hablamos sobre cómo esto ha afectado su vida en los últimos años, así como la trayectoria del nuevo sello, cómo surgió su último LP y el funcionamiento interno de su intenso proceso creativo.

9 dic 2022

Crédito fotográfico

Photos by Filipa Aurélio.

Escrito por

April Clare Welsh

Publicado

Tienes una colección de hardware increíblemente vasta ahí arriba. ¿Qué máquinas estás usando más en este momento?

Mis sintetizadores de batería son los más importantes, ya que actualmente escribo todas las baterías desde cero. Pearl Syncussion SY-1, Pearl Drum-X, Division Department 01/IV, Toyo Gakki Ult y Simmons SDS-3 son los más utilizados y valiosos para mí. El hecho de que tenga bastantes por ahí también significa que no tengo que usar demasiadas pistas si quiero programar muchas secciones rítmicas al mismo tiempo. muy lujoso

¿Qué pasaría si solo pudieras quedarte con uno?

Mi secuenciador Cirklon. Puedo trabajar tan rápido con mi secuenciador, es mi mejor amigo. Utilizo un secuenciador por pasos que está conectado a todo mi hardware ya mi computadora, por lo que también puede tocar mis instrumentos VST. Básicamente es el corazón de mi estudio. Es una forma de escribir de la vieja escuela muy rápida e intuitiva y obtengo resultados instantáneos, especialmente en las secciones rítmicas. En The Red Hunter, las secciones rítmicas son el elemento más importante para la música; no es solo la base del disco, sino también el tema central, por lo que usar un secuenciador por pasos me brinda opciones muy rápidas para escribir en diferentes escalas y trabajar con diferentes longitudes de patrón sin tener que 'pensar' demasiado en la música.

¿Hay algún sintetizador en tu colección que aún no hayas dominado por completo?

¡Todos ellos! Es una pregunta interesante. Porque cuando realmente lees los manuales, puedes ver cuán complejos son la mayoría de los sintetizadores y cuán poco, al final del día, se usa de lo que realmente puede hacer. Entonces, para responder a la pregunta, es justo decir que se aplica a todas las máquinas aquí arriba. Especialmente las máquinas polifónicas. Si me enseñara alguien que está involucrado en el proceso de desarrollo de los sintetizadores, sé que diría: '¿Eso es todo lo que has hecho?' y '¿Has visto esto?' La mayoría de estas máquinas son tan profundas que te olvidas de esto. Una cosa importante para mí es no pasar horas ajustando, esa es la razón por la que no soy modular. No retoco durante horas porque lleva demasiado tiempo obtener un resultado. Me gusta mucho hacer música y obtener un resultado de ella. No quiero nada demasiado complicado y aburrido. Me gusta escribir rápido. ¿Sigues comprando regularmente nuevos sintetizadores? ¿Cuál es tu compra más reciente?

El Udo Super 6 ha sido lo más impresionante que he comprado recientemente. Tiene un gran motor de sonido y el sintetizador se asemeja a un Juno-106 en lo que respecta al diseño, pero tiene un enfoque súper moderno. La sección de inflexión de tono y la sección de modulación son asombrosas y realmente prácticas. Sin menús complejos ni funciones en capas. Todavía estoy comprando nuevos sintetizadores, pero ya no es tan maníaco porque ahora la fascinación

proviene de ambos mundos. Uso hardware y software, así que compro muchos complementos. Pero realmente estoy tratando de tapar el asunto del hardware porque puedes ver por ti mismo lo lleno que está aquí.

¿Qué complementos has estado usando?

Los complementos de Eventide; la vieja reverberación que lanzaron, y el flanger, el phaser y el armonizador. Dios mío, necesito una computadora portátil nueva porque todo es tan de alta definición en estos días. Pero es muy importante para mí decir que realmente no importa si uso una computadora o el hardware. Esta es una colección de más de 22 años de equipo con el que me gustaría trabajar, pero a lo largo de los años también encontré este hogar en los VST, así que me siento completamente cómodo en ambos mundos y ahora fusiono los dos, es solo como el cielo Y hay tantos complementos geniales, hay tantos sintetizadores geniales y tantas versiones VST de hardware que están sacando ahora. Incluso en la categoría de las computadoras de batería realmente están dando un paso adelante, es genial.

¿Sigues usando Logic como tu DAW principal?

¡Sí! Realmente me siento muy solo en el mundo de Logic... Me encanta Ableton, en serio. Creo que es poderoso cuando se trata de creatividad, increíble. Pero no puedo ver la canción porque la vista de arreglos es muy pequeña y está comprimida, y con Logic, cuando codifico con colores todas las pistas, literalmente puedo ver si algo parece demasiado largo, etc., y necesito volver a eso. También es algo visual para mí. Y estoy tan acostumbrado a Logic que cada vez que salto a Ableton o termino haciendo un arreglo en Ableton, simplemente no se siente... mi flujo se interrumpe. Pero para vivir uso Ableton.

Todo se ve muy limpio y ordenado. ¿Qué efecto han tenido las bahías de conexión en su flujo de trabajo?

Empecé a usar un patch bay en el segundo álbum, que aún era más house/techno/electro. Pero con este nuevo álbum, encontré cuando todo está conectado; puedes volverte loco con las oportunidades, pasar ese sintetizador a través de esa máquina de efectos y luego volver allí, etc. siento, 808, 909, 707, ese tipo de cosas. Entonces, el sonido también se mantiene dentro de esa narrativa clásica de house y techno y no me volvería loco con los efectos.

Parece que has desbloqueado un nuevo nivel de creatividad.

Creo que donde estoy ahora, 12 años después, o 14 años después, es un desarrollo natural que quieras traspasar tus propios límites. Odio repetirme. Aunque si me hubieran preguntado hace 12 años, habría dicho lo mismo: 'Quiero hacer un álbum como este', pero aún no estaba allí. Y ahora

estoy como, sabía que iba a hacer esto algún día; ese ya era el objetivo que me había propuesto. Así que cada vez que llegué al barco en el horizonte, tiene que venir otro, y otro y otro, así que nunca me siento inspirado. Lo siguiente en mi lista es volver a las cosas de la pista de baile, porque este ha sido un proceso tan personal de microscopar todo, y ahora solo quiero escribir algunas cosas de pista de baile. Pero nunca se sabe…

¿Cómo ha afectado la mudanza al campo a tu forma de hacer música?

Desde una perspectiva estilística, nada ha cambiado, no es que esté mirando una palmera y sienta que necesito escribir un tipo diferente de música. Pero ha hecho mucho por mi estado de ánimo, lo cual es bueno. Porque vives muy lejos de la civilización en términos de, como... en la ciudad por la que caminas afuera puedes ir a tomar un café, mientras que aquí debes hacer un esfuerzo para ir a ver gente, ir de compras toma 20 minutos en automóvil. , por lo que es una mentalidad completamente diferente. Es solo un ritmo diferente. Como persona, me ha hecho más relajado porque estoy en la naturaleza y me hace preocuparme menos por las cosas y sentirme menos afectado por la energía de otras personas o los entornos estresantes en general.

Entonces, ¿no vas a hacer un disco ambiental?

¡Oh, sí, en algún momento! Siempre. [Risas] Eso estaba en mi lista incluso antes de mudarme al campo.

Hablemos del álbum. ¿Tuviste una visión clara de cómo querías que The Red Hunter resultara antes de entrar al estudio?

¡Sí! La canción principal fue la primera canción que escribí cuando supe que iba a ser un nuevo proyecto. Porque estaba esbozando la pista y dije: 'Esto es exactamente lo que quiero hacer, y luego dentro de esta narrativa voy a profundizar, a la izquierda, a la derecha, lo que sea'. Pero curiosamente, esa fue la primera pista que escribí y sabía que iba a ser la masa de pizza para un nuevo álbum. Quería que los elementos rítmicos se convirtieran en parte de la melodía principal porque normalmente solo toco un montón de cuerdas, si escuchas el primer y segundo álbum, es realmente melódico, pero aquí sabía que todo tenía que venir del ritmo. Todo tiene que tener ese elemento impulsor, y esto funcionó en la primera pista. Yo estaba como, 'Sí, ahí es donde tiene que ir'. Porque con eso en la parte de atrás de mi cabeza, realmente no importaba si estaba allí [señala], si estaba en Berlín o en habitaciones de hotel. Sabía que podía hacerlo con cualquier equipo, ya que sé lo que debe ser.

Tu música siempre ha tenido un fuerte impulso emocional, especialmente cuando se combina con la voz de Virginia. Pero, ¿es justo decir que este es tu disco más personal hasta la fecha?

Yo creo que sí por el mensaje; Fui muy abierto a dedicárselo a mi madre; la próxima semana se cumplirán cuatro años desde que falleció, y esto fue escrito en los últimos cuatro años. Mientras que normalmente me tomaría tres meses para escribir un álbum, sacarlo, todo esto se armó durante los últimos cuatro años en el proceso de que una de las personas importantes en mi vida simplemente desapareciera, y resolví cómo lidiar con eso. Y luego llegó la pandemia y todo este tipo de cosas, así que sí, creo que fue diferente de todos los otros álbumes en los que hay giras y todo está bien. Esta fue una fase completamente diferente de mi vida.

Con este álbum, tuve que darme más tiempo y tuve que dejar eso, porque estoy muy acostumbrado a decir: 'Voy a escribir un álbum', bloquear mi calendario y entrar al estudio. Tengo este ritmo de cómo produzco y luego lo golpeo. Mientras que esta era una colección de cosas que hice en la casa, en Berlín y aquí, y luego las moldeé en este homenaje a mi madre, que decidí mencionar también, ya sabes. Algunas personas simplemente lanzan un álbum y dicen, 'a la mierda', pero para mí, estos proyectos siempre son muy personales porque realmente puedo poner algo en ellos. Y cuando miro hacia atrás en los últimos tres álbumes, también tenían un mensaje y sé dónde estaba en la vida, pero esto, por supuesto, tiene mucho que ver con cómo sigues cuando tus padres mueren. Es una historia completamente diferente para mí.

Mi madre también estuvo muy involucrada en mi carrera musical, así que, de repente, falta un elemento en la imagen completa de cómo vas a los conciertos, y la respuesta de tu familia, y el apoyo... de repente. es como, esto se quita, y tienes que volver a armarte y volver a la carretera

sin ese elemento de que alguien te envíe un mensaje de texto "¡cómo estuvo el concierto!" así que eso era realmente nuevo.

Usted nombró las pistas después de recuerdos y sentimientos específicos. ¿Cómo hiciste para desarrollar esta narrativa?

Es un álbum sin voces, pero eso no significa que no tenga esa estructura típica de canción. Estoy ocupado con cómo suena la música, para mí, y cómo resuena, así que estoy encontrando el viaje a través de los títulos, no solo digo, 'Pista 4b, tercera toma'. A veces la gente hace eso porque es muy pragmático, pero para mí también hay que contar historias para encontrar los nombres que van de la mano con el sonido de las pistas.

¿La secuencia se sintió intuitiva?

Sí, pero fue bastante difícil para este, porque todas las pistas están haciendo lo suyo de manera tan individual que fue como, 'Wow'. Tuve algunos comentarios. Debido a que es una nueva etiqueta y hay un concepto completamente nuevo detrás de él, tuve que recibir comentarios de un par de personas porque yo mismo lo estoy haciendo A&Ring, al final del día. Lo cual he estado haciendo con mis propios sellos discográficos durante 22 años. Pero cuando es tu propio trabajo, siempre eres mucho más privado al respecto. Así que tuve que enviárselo a un par de personas que son muy cercanas a mí y que también están trabajando con nosotros preparando todo para preguntarles: '¿Qué te parece? ¿Cómo crees que esto está rodando como lista de canciones?

Leí que no te atraen realmente los polirritmos, pero se siente como si los ritmos estuvieran tirando en diferentes direcciones y hay todo este conflicto atravesando la música. ¿Cómo hiciste para crear eso?

Es mucha modulación. Cuando la gente me pregunta si tengo alguna conexión con los polirritmos, todo me suena muy pragmático, como si tuvieras que producir de acuerdo con un plan determinado. Necesitas hacer esto, esto necesita un compás de 3/4, etc. Para mí, se trata de cómo puedo usar elementos de batería y hacerlos melódicos ajustando y usando muchos efectos de postproducción, o efectos sobre la marcha que grabaría. inmediatamente. Así fue como surgió esto. Al hacer que estos elementos de percusión cobren vida y no solo hacer que un charles suene como un charles simple, por ejemplo, sino que el charles cuente una historia por sí solo.

Realmente se siente como si todos estuvieran conversando entre ellos.

Exactamente. Pero tampoco se vuelve demasiado caótico.

Has hablado de conjurar un "espíritu femenino" para este álbum. ¿Cómo conecta este concepto con el trabajo rítmico? ¿Y hay algún sintetizador que lleve más esta cualidad?

Cuando mi madre falleció, estaba realmente ocupado con la idea de lo que realmente obtienes de la línea femenina. ¿Qué se te transmite? Tengo este impulso enorme cuando se trata de trabajar, y eso es definitivamente algo que vino de esa línea de mujeres. Me pareció realmente fascinante enfatizar eso en la música al tener todo realmente pesado en la parte inferior y agregar pequeñas capas de melodía en la parte superior. Todo es muy grueso y, al mismo tiempo, también es muy delicado. Y eso me parece realmente interesante en la energía femenina: es muy poderosa y está muy subestimada y, desafortunadamente, también se usa incorrectamente en muchos casos. Podrías decir mucho al respecto, pero también es agradable jugar con él en la música. Hablando de melodías delicadas, la pista de apertura tiene una melodía de sintetizador que suena un poco como una guitarra acústica o un instrumento de cuerda pulsada. ¿Qué sintetizador usaste para crear eso?

Eso es síntesis lineal, todo es digital. Este es el Modor que usé para ese y puedes usar un par de tipos diferentes de síntesis digital, hay lineal y FM, y puedes mezclar y realmente obtienes eso... sí, casi suena como un estilo valiente. Pero esos FM de finales de los 80 y principios de los 90, lineales y sintetizadores, son muy conocidos por imitar un instrumento real, y si modificas eso y le pones algunos efectos, obtienes este sonido.

¿Cuáles son sus pensamientos sobre el uso de muestras?

No me gustan los samples cuando estoy produciendo en solitario. Las cosas con [el productor de electro] Privacy como Negroni Nails, usamos muchos fragmentos vocales, y cuando trabajé con Martyn definitivamente los había. Porque él viene de un enfoque más británico, un enfoque más de drum & bass. Así que definitivamente hubo más muestras. Lo encontré fascinante, fue una gran experiencia de aprendizaje: cómo usar una muestra, fue un gran avance para mí. Cómo puedes reprocesar tus sonidos cuando no estás contento con algo, simplemente puedes ponerlo en una muestra y reproducirlo y esas cosas. Pero cuando estoy solo, me preocupo mucho más por producir de manera un poco más orgánica.

Entonces, ¿la idea de volver a procesar su propio audio en lugar de los atractivos de otra persona?

Si tuviera que grabar algo en el estudio, lo subiría o simplemente haría locuras con él en la posproducción. Y si lo comparo con el trabajo anterior, era mucho más house y techno clásico, y ahora se trata de 'Vamos a ponernos locos' y realmente ir a lugares.

Ya que mencionaste los años 90, estaba escuchando la compilación de Inteligencia Artificial de Warp justo antes de venir aquí y algunas partes realmente me recuerdan a The Red Hunter. ¿Qué piensas de la etiqueta IDM y cómo te sientes acerca de las comparaciones de género en general?

Creo que es un cumplido. No me importa que me clasifiquen allí. En el tercer álbum, alguien se me acercó y me dijo: 'Puedo escuchar claramente que eres fanático de Drexicya'. Yo estaba como, 'Literalmente no hay nada allí que suene como lo que están haciendo'. Literalmente no hay influencia que provenga del electro clásico. Son tonterías. Cuando lo usas como periodista, es solo porque no entiendes la música. ¿Sabes lo que quiero decir? Si dijeras que mis dos primeros discos fueron house y techno, diría: 'Oh, sí, totalmente, Detroit, Chicago'. Estoy feliz de que esto se llame 'electro contemporáneo' porque vengo de una forma más clásica de producir, así que para mí es definitivamente donde quería estar en algún momento.

Creo que lo que encuentro interesante en el drum & bass... 'revival' es una palabra desagradable, así que pensemos en otra cosa. Pero sí, hay mucho ritmo roto que regresa con toques de drum & bass, pero ahora suena mucho más sintético. Desnudo, con una chaqueta nueva. Y realmente me encanta eso, cuando la gente va más allá. Es como, 'Oh, esta es la base para la nueva pista, y tiene ese tipo de tempo y tiene esa forma de programación, pero estamos usando tipos de sonidos realmente diferentes'. Y eso lleva el género a un nuevo tipo de nivel. Y creo que no mucha gente estaba haciendo eso en la escena electrónica.

He estado en la escena musical desde finales de los 80 y tengo una colección enorme y he estado coleccionando todo tipo de géneros diferentes durante los últimos 25 años o más, así que vengo de todas partes. ya que nunca me he apegado a un género como apostador, DJ o productor.

¿Tienes una forma favorita de comenzar una pista?

¡Una patada! Una línea de bajo fuerte y luego voy a construir los pequeños elementos enredados a su alrededor.

¿Qué importancia tiene la velocidad en la construcción de una pista?

Realmente es diferente: a veces tengo la sección rítmica y todo está allí, pero luego no estoy contento con la melodía, así que la elimino y escribo una nueva sección encima. Y a veces digo, 'Está ahí', y lo dejo a un lado. Y luego terminar el arreglo en un período de tiempo diferente. Realmente difiere de una pista a otra. A veces puedo sentarme en una pista durante mucho tiempo y finalmente sale y alguien dice: 'Oh, esta es mi pista favorita del álbum', y luego lo primero que pienso es 'Eso fue un maldito bastardo'. Es tan diferente.

¿Cómo sabes cuando has terminado una pista? ¿Te pones plazos?

Creo que una vez que tenga los conceptos básicos del arreglo establecidos. La mayor parte del tiempo simplemente lo juego, cierro los ojos y me alejo de la cuadrícula y solo escucho para ver si tiene sentido. Y si es demasiado largo o demasiado corto, solo escucho un par de veces, hasta que digo: 'Está bien, el flujo es bueno'. Una cosa que he aprendido a lo largo de los años es que se permite que los errores permanezcan en la canción. Al principio, siempre decía: 'Oh, este hi-hat comienza demasiado pronto', y ahora he aprendido al grabar más canciones de una sola toma con otras personas que los errores están bien. No necesita ser apretado y ordenado en la parrilla, a veces necesita tener ese tipo de cosas inesperadas, 'Oh, ahora pensé que la patada iba a volver y no es así'. Así que también soy un poco menos crítico con el arreglo.

¿Cómo se las arregló para escribir las versiones aptas para la pista de baile de The Red Hunter para sus shows en vivo?

Hice un concierto en el que lo mantuve electro-y y dije: 'Esto simplemente no se traduce tan bien como en el disco', así que solo estaba pensando, '¿Quiero tocar el disco? ¿como están las cosas?' Y luego, en algún momento, decidí escribir una versión del disco en una cuadrícula de pista de baile con muchas patadas 4/4. En el show en vivo, estoy usando un par de mis otros alias; hay algunas cosas de Crushed Soul que son mucho más explosivas y de pista de baile, pero las cosas que usé del álbum están modificadas para la pista de baile, versiones 4/4, lo que en realidad fue muy divertido porque algunas cosas que tienen un estilo totalmente diferente el impacto sobre un disco rayado se convierte de repente en el elemento principal de una versión 4/4. Tal vez debería liberarlos eventualmente.

Sin embargo, esto es bastante impactante.

Sí, para los amantes de la música. Solíamos bailar estas cosas todo el tiempo en los años 90.

Me gusta el concepto 50 por ciento más estúpido de Surgeon y Lady Starlight, que es que cuando actúas en vivo, eres un 50 por ciento más estúpido de lo habitual. ¿Qué tipo de configuración en vivo tienes?

Uno simple: Ableton y controlador. No soy esa persona elegante que se vuelve modular. Yo tampoco tengo ganas. Creo que un gran elogio que necesita Ableton Live es que es súper intuitivo, es asombroso. Si tienes las ocho pistas funcionando, puedes decir, 'Voy a usar la línea de bajo de esa pista en combinación con el bombo de esa pista, líneas melódicas'. Puede transponer todo para que se asiente en una clave diferente. Es asombroso. Puede reorganizar toda su obra en algo completamente nuevo. Creo que está muy subestimado y sí, no ves a la gente girando perillas, es más como un fader empujando cosas y efectos y esas cosas. Es casi algo malo usar una computadora en el escenario, pero no se estima lo brillante que es Ableton Live para vivir. Hay una razón por la que se llama Ableton Live.

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Dentro de la Biblioteca Pública de Phoebe Lovatt, un respiro del interminable zumbido de la existencia en línea

Hojeamos los títulos icónicos que componen la Biblioteca Pública de Phoebe Lovatt y discutimos la libertad que viene con definir el éxito por ti mismo.

La mayoría de nosotros reconocemos la sensación física que conlleva vivir una existencia en línea. Hay un cierto zumbido en tu cerebro. Una vaga sensación de que tus ojos y tu sistema nervioso han tenido suficiente. Suficientes memes, suficientes tomas calientes sobre temas complicados, suficiente perfección curada servida junto con la destrucción, sentado hombro con hombro en una aplicación de propiedad privada diseñada para mantenerlo distraído en un desplazamiento sin fin. Todos hemos tenido suficiente.

Cuando entras en una librería o biblioteca, este zumbido digital a menudo se disipa, reemplazado por una ola de energía más tranquila a medida que pasas las páginas de publicaciones tangibles que requieren que interactúes físicamente con ellas. Leer material impreso que no está retroiluminado, optimizado para "máximo compromiso" o vinculado a un flujo interminable de posibles distracciones le ofrece a su cerebro y respiración la oportunidad de reducir la velocidad. Esta experiencia ralentizada es algo que Phoebe Lovatt conoce muy bien: "La experiencia física de sostener un libro es un antídoto vital para esta sensación tan extraña y efímera que tenemos al estar constantemente en la pantalla". Es algo que desea ofrecer a los visitantes de su Biblioteca Pública, un espacio de lectura y referencia situado en la planta baja de un hermoso edificio georgiano cerca de Brick Lane, en el este de Londres.

Nacida como boletín semanal y plataforma virtual para compartir recomendaciones de lectura, en 2021 Biblioteca Pública se convirtió en un espacio físico de lectura. Hoy, está ubicado en la planta baja de un hermoso edificio georgiano cerca de Brick Lane en el este de Londres.

Sin embargo, por mucho que Phoebe reconozca el contrapunto que los libros pueden ofrecer a nuestra existencia digital, desconfía de reducirlos a ese único propósito. Ella explica: “Los libros no solo existen en oposición a una experiencia en pantalla. Obviamente, son inmensamente valiosos en sí mismos. Creo que se han vuelto más importantes que nunca y por eso la gente sigue comprando”.

Por lo tanto, tiene sentido que en los estantes de su biblioteca pública, Phoebe ofrezca generosamente acceso a una selección de libros, fanzines y revistas bellamente seleccionados disponibles para todos los que se aventuran a cruzar la puerta. Es una selección que satisfará a las mentes más curiosas, un espacio donde encontrarás lecturas inspiradoras de bell hooks, Bertrand Russell, Anaïs Nin, James Baldwin y Alan Watts. Además, hay títulos de culto raros, libros de arte de gran formato y fanzines de Cafe Royal Books y Weird Walk, junto con listas de lectura de los invitados culturales con los que habla Phoebe en el podcast Deep Read que lanzó a principios de este año. Esta no es tu librería independiente promedio; considéralo como el espacio de biblioteca de tus sueños, con Phoebe como tu anfitriona más acogedora y encantadora.

En los estantes de su biblioteca pública, Phoebe ofrece acceso a una selección de libros, fanzines y revistas cuidadosamente seleccionados.

Los libros y las revistas siempre han jugado un papel muy importante en la vida de Phoebe. Al crecer en el centro de Londres con padres que eran periodistas, pasó muchas horas recorriendo librerías después de la escuela con su padre, esperando mientras él buscaba hallazgos raros como Skoob, una icónica librería de segunda mano. “Vivíamos en el Centro Brunswick, que ahora es un hito arquitectónico, pero estaba muy deteriorado en ese momento. Pasaría mi tiempo caminando por Bloomsbury, que tiene su obvia historia literaria, y leyendo en las librerías”. Esta experiencia formativa de las librerías como un espacio acogedor fue una de las ideas impulsoras detrás de la Biblioteca Pública. Con más y más espacios públicos cooptados por propietarios corporativos, hay menos lugares donde las personas pueden reunirse que no impliquen gastar dinero en un café caro o tener acceso a membresías premium. “Puedes salir a tomar una copa en Londres y puedes ir de compras; puedes sentarte en Soho House, pero hay muy pocos espacios comunes donde la gente pase el rato”. La apertura de la Biblioteca Pública es el intento de Phoebe de crear un espacio donde las personas puedan reunirse, conectarse cara a cara y compartir ideas, sin presión para desprenderse de dinero.

“Mi biblioteca es un archivo de anhelos.”

–Susan Sontag

Como elemento adicional de esta política de puertas abiertas, Phoebe organiza un salón mensual e invita a la creciente comunidad de la Biblioteca Pública a reunirse y compartir sus pensamientos sobre belleza, estética y atención. Estas sesiones son muy importantes para Phoebe: "Después de dos años de aislamiento, teniendo un espacio físico, estoy conociendo a todas estas personas que normalmente nunca conocería, y ha sido muy gratificante". Estas interacciones y conversaciones han brindado una apreciación mucho más rica de dónde se encuentran actualmente la cultura y la sociedad y han creado un espacio para una exploración más profunda de los problemas que la que puede encontrar en línea. “Creo que es fácil volverse cínico sobre la humanidad en general”, dice Phoebe sobre la vida en línea. “Es fácil sentir que la cultura se ha aplanado y que todo lo que nos importa es una apariencia física superficial, pero he tenido muchas experiencias en los salones donde conocí a gente interesante y descubrí las cosas fascinantes y de nicho que tienen. volver a entrar No creo que la cultura en línea tenga suficiente espacio para eso”.

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La experiencia física de sostener un libro es un antídoto tan vital para esta sensación tan extraña y efímera que tenemos al estar constantemente en la pantalla”.

En 2020, cuando la pandemia interrumpió nuestra vida cotidiana, muchas personas comenzaron a replantearse su relación con el trabajo. Examinamos colectivamente el lugar que ocupaba en nuestras vidas y cómo las cosas podrían ser diferentes. Estas fueron algunas de las preguntas que Phoebe abordó en su libro autoeditado, Work Ethics, que se puede encontrar en los estantes de la Biblioteca Pública. Es una exploración bellamente escrita de ideas filosóficas sobre cómo podemos trabajar de manera más ética. Dividido en capítulos que analizan la libertad, el cuidado, la simplicidad, el servicio y la creatividad, este no es un manual sobre productividad o cómo "hackear" su carrera; es una disección reflexiva de cómo pensamos sobre el trabajo y nuestras relaciones entre nosotros.

La propia relación de Phoebe con el trabajo ha pasado por muchas iteraciones. Habiendo sido inspirada por la sólida ética de trabajo de sus padres desde una edad temprana, Phoebe siempre ha trabajado duro, “Solo quería estar en el mundo del trabajo. Quería trabajar duro, y no se trataba solo de ser percibido. Se trataba de tener mucha energía y crear”. En todos los proyectos de la marca, The WW Club, una comunidad que Phoebe cultivó para mujeres trabajadoras, que escribe libros y perfiles de celebridades para títulos como Dazed, i-D y Elle, presenta podcasts y modera paneles con el difunto gran Virgil Abloh, Phoebe se ha esforzado y forjado una cartera de carrera impresionante que siempre ha tenido la comunidad y la cultura en su corazón. Pero esto no ha llegado sin problemas y sacrificios.

Mientras vivía y trabajaba en Nueva York, una ciudad que vibra con la energía del comercio y el dinero, Phoebe descubrió que no era inmune al atractivo de la productividad y se embarcó en un período que, admite, bordeaba la adicción al trabajo. “Cuando me mudé a Nueva York después de vivir en Los Ángeles, mis gastos se duplicaron de la noche a la mañana, por lo que, en esas circunstancias, todo se vincula intrínsecamente al dinero”. Sin embargo, después de dos lesiones graves en la espalda, descubrió que la vida no podía continuar como de costumbre y se tomó un tiempo para recuperarse en México: “Ese período fue la primera vez que disminuí la velocidad en años. Aunque mis lesiones fueron accidentes, me di cuenta de que era una señal de que estaba presionando demasiado mi cuerpo. Sentí que en Nueva York no había forma de separarme de esa cultura de trabajo y ritmo de vida, por eso me fui a pasar un tiempo a México”.

Entre otras publicaciones, la variedad de la biblioteca incluía el libro autoeditado de Phoebe, Work Ethics, que explora diferentes marcos filosóficos para trabajar de manera más ética.

“Para mí, el éxito es un sentimiento de paz, no sucumbir a la presión de nuestra cultura de apresurarnos y sacar cosas sin parar. Realmente respeto a las personas que crean en sus propios términos”.

Ahora completamente recuperada y de vuelta en Londres rodeada de su comunidad unida de amigos —viejos y nuevos—, Phoebe está entusiasmada con la evolución de la Biblioteca Pública, pero no tiene prisa por replicar los modelos tradicionales de éxito. Existe la sabiduría aceptada dentro de muchos círculos de que para que un esfuerzo o negocio tenga éxito; necesita expandirse, mostrar un crecimiento año tras año y optimizar tanto como sea posible. Sin embargo, en muchos casos, esto no es relevante. Para una generación que ha visto las fallas de este enfoque, muchos emprendedores creativos como Phoebe no están interesados en seguir ese modelo: “Con proyectos anteriores, sentí la presión de expandirlo y asegurar asociaciones de marca, pero descubrí que terminó. hasta perder lo que quería que se tratara. Entonces, soy más consciente de eso ahora”. Si bien Phoebe no es del todo inmune a la presión de ser productiva, es muy consciente del subproducto problemático de vincular la autoestima a la producción. Se siente más tranquila y más equilibrada acerca de dónde se encuentra, su relación con el trabajo y su definición de lo que es el éxito: "Para mí, el éxito es un sentimiento de paz, no sucumbir a la presión de nuestra cultura de apresurarnos y apagar las cosas sin cesar. allá. Realmente respeto a las personas que crean en sus propios términos. Como individuo que ha vivido una vida muy frenética, que ha sido muy divertida, busco un sentimiento de paz y un sentido de integridad”.

Phoebe Lovatt es una escritora y moderadora independiente con sede en Londres que explora temas contemporáneos como la cultura laboral y la atención en la era digital. Estos temas también están en el centro de dos de sus libros: The Working Woman's Handbook y Work Ethics. En 2021, fundó Public Library, un boletín informativo y un espacio de lectura y referencia para "compartir libros e ideas que expanden la mente", ubicado en la planta baja de un hermoso edificio georgiano cerca de Brick Lane en el este de Londres.

Fotografía: Ollie Adegboye

Entrevista y texto: Danielle Pender

Diseño

Hecho a mano: artesanías nuestra herencia // El trabajo con Palo de Rosa

Miami Sound Bar, que cuenta con un sistema de sonido Tannoy Westminster, se encuentra en Flagler District.

Las firmas de hospitalidad Edo Kobayashi y Baja Restaurant Group han abierto un bar para audiófilos en Miami.

Ubicado en Flagler District, Miami Sound Bar cuenta con un sistema de sonido personalizado Tannoy Westminster y albergará eventos regulares de Selector Showcase con DJ locales y coleccionistas de discos.La programación será cubierta por Tian. y Frny, los DJ detrás del sello discográfico y la serie de eventos SarahTonin305. El bar estará abierto de miércoles a domingo.

"Comenzamos a jugar con la idea en 2018, cuando Edo abrió Tokyo Music Bar en la Ciudad de México", dijo el fundador y copropietario Frank Neri a Resident Advisor.

"Queríamos llevar esa atmósfera relajada y de buen gusto al prometedor centro de Miami".

Aquí hay algunas fotos más de Miami Sound Bar, además de las alineaciones para los eventos Selector Showcase de esta semana.

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