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004 Portfolio 01. Xavier Gil Dalmau 02. Alejandro Chaskielberg 03. Gerda Kochanska 04. Dru Donovan 05. Tomeu Coll 06. Iván Alonso
017 Editio Jamie Wellford Paul Moakley
023 Interludio Interlude
106 News David Fonfría Hi-Photo Valentín Sama
112 Staff
Portfolio
#01/ Xavier Gil Dalmau «#02#Escorxador 05 forma parte de la investigación sobre la industrialización del proceso de morir que empecé con el trabajo El último viaje, una serie centrada en los aspectos que rodean presumiblemente nuestra propia muerte. Lejos de las imágenes de terror y violencia a las que estamos acostumbrados y prácticamente inmunizados, la visión de la muerte y la mecanización de sus procesos como experiencia común y cotidiana nos enfrenta a una violencia silenciosa que sabemos forma parte de nuestras vidas y, al fin, de nuestras muertes.»
«#02#Escorxador 05 is part of the research concerning the industrialization of the process of dying that began with the project El último viaje (The Final Journey), a series focussed on the elements that presumably surround our own death. Far from the images of terror and violence that we are accustomed and practically immune to, the vision of death and the mechanization of its processes as a common everyday experience present us with a silent form of violence that we know forms part of our lives and, ultimately, our death.» www.xaviergilphoto.com
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#02/ Alejandro Chaskielberg Nacido en Buenos Aires en 1977, comenzó su carrera fotográfica a los dieciocho años. Tras licenciarse en fotografía por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina, empezó a realizar documentales para televisión. Su primera exposición tuvo lugar en 2006. En 2008 ganó el premio National Geographic All Roads Photography Program. En 2009 fue incluido en los PDN’s 30 y ganó asimismo el premio Scan 09 Latent Talent. Actualmente trabaja en un ensayo fotográfico sobre el río Paraná y las influencias de la cultura guaraní.
Born in Buenos Aires in 1977, he began his photography career at the age of 18. After receiving a degree in photography from the National Film Institute of Argentina, he began making documentaries for television. His first show was in 2006. In 2008 he won the National Geographic All Roads Photography Program prize. In 2009 he was selected as a PDN’s 30 and he also won the prize Scan09 Latent Talent.Now Alejandro is working on a photo-essay about the Paraná River and the influences of the Guaraní culture. www.chaskielberg.com
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#03/ Dru Donovan Nacida en 1981, Dru Donovan creció en Saint Paul (Minnesota, Estados Unidos). En 2004, se licenció en Bellas Artes, se especializó en fotografía por el California College of the Arts. Ha comenzado recientemente un máster en fotografía en Yale. Sus obras más tempranas son imágenes en color de gran formato que ilustran la vida doméstica. Actualmente trabaja en una obra que salta esas barreras para ilustrar en blanco y negro los rituales del cuerpo a través de la exhibición y la performance.
Born in 1981, Dru Donovan grew up in St. Paul, Minnesota. In 2004, she received a BFA in photography from California College of the Arts. She has recently pursued with an MFA in photography from Yale. Her earlier work consisted of large format, color images of life within the home. In her current work, she moves beyond the home, photographing in black and white rituals of the body through points of display and performance.
www.drudonovan.com
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#04/ Gerda Kochanska Nació en Polonia. Licenciada en Filología española, ha expuesto en Inglaterra, España, Polonia e Italia. En 2009 ha sido premiada con el Renaissance Photography Award por un jurado formado por Martin Parr, Brigitte Lardinois, Eamonn McCabe y Charlie Waite. El proyecto Una familia católica polaca es una íntima reflexión sobre su familia. Una mirada sobre dos generaciones, los cambios que tienen lugar a lo largo de sus vidas, con la religión católica de fondo.
Born in Poland. Studied Spanish Philology and exhibited in England, Spain, Poland and Italy. In 2009 was awarded with the Renaissance Photography Award by a jury consisting of Martin Parr, Brigitte Lardinois, Eammon McCabe, and Charlie Waite. The project Una Familia Católica Polaca (A Polish Catholic Family) is an intimate reflection on her family. A look at two different generations and the changes that have taken place over the course of their lives, with the Catholic religion as a backdrop. www.gerdakochanska.com
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#05/ Tomeu Coll Entusiasmo tras el Ártico / Enthusiasm in the Arctic En la ciudad de Vorkutá, a decenas de kilómetros sobre el círculo polar, en territorio ruso o ex soviético, se estableció uno de los más temibles gulags de la represión estalinista. Los constructores de la ciudad fueron los mismos prisioneros y el entusiasmo que ofrecía el socialismo para enriquecerse con el carbón. El mundo ya no está interesado en el carbón de Vorkutá y los ciudadanos del ártico podrían alzarse y reclamar su posición, sin embargo prefieren brindar y contagiar su entusiamo por el extremo de un planeta que parece no tener fin.
One of the most fearsome gulags of the Stanilist repression was established in the city of Vorkuta, dozens of kilometres above the Arctic Circle, in Russian or ex-Soviet territory. The city was built by the prisoners themselves along with the socialist promise of enriching oneself with coal. But the world is no longer interested in Vorkuta’s coal. While the citizens of the Arctic could rise up and reclaim their position, they prefer to toast and transmit their enthusiasm for a place at the extreme of a planet that seems to have no end. www.tomeucoll.blogspot.com
#06/ Iván Alonso «Las imágenes son un legado. Algún día, cuando ya no estemos aquí, los retratos de hoy seguirán hablando, recargados del misterio y la belleza que el tiempo deposita en aquello que fue. Y en el transcurso de los años, las imágenes de hoy irán ayudando a muchos a entenderse a sí mismos a través de los otros. El otro, ese reto. Quiero hacer explícita mi admiración al pueblo romaní por su alegría y generosidad. Por su confianza. Gracias por haberme dejado entrar en vuestras vidas con la cámara en la mano.»
«Images are a legacy. One day when we’re no longer here, the portraits of the present will continue to speak, charged with the mystery and beauty that time deposits in what once was. And as time goes by, today’s images will help many people understand themselves through others. The other, that challenge. I want to make explicit my admiration for the Romany people for their joy and generosity. For their trust. Thank you for allowing me to enter into your lives with my camera in hand.»
www.agasallodesombras.com
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Editio
Interlude [interludio]
Pronunciación: \ in-t r- lüd\ Función: sustantivo Etimología: del inglés medio enterlude, proveniente a su vez el latín medieval interludium, del latín inter- + ludus, jugar. Consultar también ludicrous Fecha de aparición: siglo XIV 1: una obra o espectáculo teatral usualmente breve y sencillo. 2: un periodo, suceso o espacio que supone una interrupción en otro: intervalo. 3: una composición musical incluida entre dos partes de otra más extensa, o dentro de una obra dramática o servicio religioso* *Definición extraída del diccionario Merriam-Webster
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Cada momento tiene un potencial, un instante en el que puede prenderse la emoción, liberarse, transmitirse e incluso definirse. En las páginas de este número 17 de OjodePez, exploramos el impacto de estos momentos que llamamos interludios: periodos, espacios o intervalos que interrumpen. Las imágenes e historias de la revista se refieren a los límites de la condición humana, investigándolos e interpretando temas como el miedo, la vanidad, la belleza, la vulnerabilidad, la lujuria o la pérdida. Desde Afganistán a las carreteras de Estados Unidos, desde la Suecia rural a un estudio de Nueva York, cada una de las imágenes de estos nueve corpus de trabajo refleja un punto de tensión dentro del espectro de la vida y descubre y da vida a lugares, personalidades, recuerdos o estados del alma. Como editores, nuestro objetivo al publicar estas obras es el de comprometernos con las frágiles formas expresivas que es necesario poner en práctica para acceder a estos mundos íntimos. Una de las metas de nuestra colaboración en este proyecto ha sido el mostrar fotografías nunca publicadas o pocas veces vistas. La idea del interludio es un punto de partida que permite establecer un vínculo entre imágenes y narración y aplicar el poder del relato visual a una amplia gama de temas. En nuestro papel de editores, uno de nosotros se ve absorbido principalmente por los conflictos que tienen lugar en nuestro planeta. El otro se compromete con el papel y el efecto de la imagen en el mundo contemporáneo y persigue ambos a través sobre todo del documental y el retrato. A pesar de la divergencia de nuestros caminos, a ambos nos interesa la fuerza tanto física como mental que una fotografía puede contener, con independencia del tema que trate. La enigmática cualidad de las siguientes fotografías abarca algo que nos es familiar e inherente a todos. Presentan umbrales que cuando son percibidos y atravesados provocan reflexiones y preguntas acerca de la sorprendente naturaleza de los conceptos «significado» e «identidad». Son capaces de hacer al espectador detenerse y reflexionar; modelan y dan forma a un ethos siempre cambiante. Estas fotografías reverberan más allá de lo puramente visual y son caja de resonancia para sensibilidades que se sitúan más allá de lo visible.
OjodePez 16
We are family
Es la complejidad de una fotografía lo que aporta toda la intriga al proceso de decisión, elección y edición. Un trabajo de edición puede considerarse exitoso a ciertos niveles, pero nunca será íntegro ni exhaustivo. Para nosotros, las buenas imágenes desafían la idea de conclusión. Inspiran, más bien, contemplación. Refractan el tiempo y el movimiento, el pensamiento, la intención, la reacción. Son ubicuas dentro de nuestras vidas. En su mejor expresión, tienen una naturaleza poética y lírica, y ocupan un lugar dentro del subconsciente profundo. Queremos expresar nuestra mayor gratitud a todos los fotógrafos que han trabajado en este número. Gracias por vuestra inspiración y por vuestra creatividad. A todos los escritores que han contribuido con sus ideas y puntos de vista: muchas gracias por vuestro esfuerzo. Reservamos un agradecimiento especial a Anna Van Lenten, nuestra incansable redactora, y a nuestro energético becario James Thomas Joseph. Y a Frank, Arianna y a todo el mundo de OjodePez y La Fábrica: os aplaudimos por dar un hogar a estos trabajos y al de tantos otros. Nos gustaría también dar las gracias a las siguientes personas, sin cuyo apoyo y generosidad habría sido imposible sacar este número adelante. En primer lugar, a nuestras familias. Os queremos. A Christophe Agou, Regina Anzenberger, Pablo Bartholomew, Debbie Fleming Caffery, Bruno Ceschel, Gilles Coulon, Priscilla De Castro, Gerard Franciosa de My Own Color Lab (Nueva York), Michael Helldorfer, Leah Latella, Joanna Lehan, Carrie Levy y su seminario en Parsons, Pedro Lobo, Alex Majoli, Andrea Modica, Paolo Pellegrin, Jake Price, James Price, Martin Roemers, Clementine Semeria, Amber Terranova, Jason Oddy, Melissa y Robert Wong, Stanley Greene y el Alice Austen House Museum (alias la oficina del nº 17): os estimamos y os damos las gracias.
Jamie Wellford es redactor fotográfico internacional de Newsweek en Nueva York. Además, es cofundador del grupo SeenUnseen, que organiza eventos multimedia centrados en temas escasamente cubiertos por la prensa a nivel global. Desde su puesto en Newsweek, ha colaborado con varios proyectos galardonados con los premios más importantes, en certámenes como World Press Photo, Overseas Press y Visa pour l’Image. Jamie reside en Brooklyn (Nueva York) con su esposa Emmanuelle y sus cinco hijos. Paul Moakley es fotógrafo, comisario y redactor. Vive y trabaja en el Alice Austen House Museum, lugar de nacimiento de una de las primeras fotógrafas estadounidenses, en Staten Island (Nueva York). Ha comisariado exposiciones de varios fotógrafos, entre los que cabe destacar a Arlene Gottfried, Cristóbal Hara, Trent Parke o Larry Towell. Paul ha trabajado como redactor fotográfico sénior en Newsweek y también en PDN (Photo District News). Actualmente, es profesor adjunto en la School of Visual Arts de Nueva York, donde enseña historia de la fotografía contemporánea. www.paulmoakley.com
019
Editio
In·ter·lude
Pronunciation: : \ in-t r- lüd\ Function: noun Etymology: Middle English enterlude, from Medieval Latin interludium, from Latin inter- + ludus play - more at ludicrous Date: 14th century 1 : a usually short simple play or dramatic entertainment 2 : an intervening or interruptive period, space, or event : interval 3 : a musical composition inserted between the parts of a longer composition, a drama, or a religious service* *From the Merriam Webster dictionary
Each moment has a potential, an instant in which emotion can be ignited, released, rendered, and even defined. In the pages of Ojodepez 17, we are exploring the impact of these moments which we call interludes—intervening or interruptive periods, spaces, or intervals. The pictures and stories in the magazine look at and address boundaries of the human condition interpreting issues of fear, vanity, beauty, vulnerability, lust, and loss. From Afghanistan to the roads of America, from rural Sweden to a studio in New York City, each image from the nine bodies of work reflects a point of tension in the spectrum of life and reveals and animates a place, a personality, a memory, or an interior state of feeling. As editors, our aim with this work is to engage the fragile expressions of intimate worlds. We collaborated on this project with an eye to showing photography that has not been published or has rarely been seen. The idea of the interlude is an appropriate point of departure to link the relationship of pictures and narrative, and to impart the power of visual storytelling to a wide range of topics. As editors one of us is primarily absorbed by visions of conflict around the globe. The other engages and pursues the role and effect of the image in the contemporary world primarily through documentary and portraiture. Despite any difference in our paths, we are both drawn to the physical and mental potency a photograph can contain, no matter what the subject.
A special thanks to Anna Van Lenten, our tireless text editor, and to our stalwart intern James Thomas Josephs. And to Frank, Arianna, and everyone at Ojodepez and La Fabrica, we applaud you for giving a home to this work and that of so many others. We would also like to thank the following people that made this issue possible through their generosity and support. First to our families. We love you. To Christophe Agou, Regina Anzenberger, Pablo Bartholomew, Debbie Fleming Caffery, Bruno Ceschel, Gilles Coulon, Priscilla De Castro, Gerard Franciosa at My Own Color Lab, NYC, Michael Helldorfer, Leah Latella, Joanna Lehan, Carrie Levy and her Freshman seminar class at Parsons, Pedro Lobo, Alex Majoli, Andrea Modica, Paolo Pellegrin, Jake Price, James Price, Martin Roemers, Clementine Semeria, Amber Terranova, Jason Oddy, Melissa and Robert Wong, Stanley Greene, and the Alice Austen House Museum (aka. office of No. 17). We appreciate and thank you.
Jamie Wellford is the international photo editor for Newsweek magazine in New York. He is also the co-founder of the group SeenUnseen which organizes multimedia events that focus on underreported issues in the world. In his role with Newsweek, he has collaborated on a number of projects that have received top honors at World Press Photo, the Overseas Press awards, and at Visa pour l’Image. Jamie lives in Brooklyn, New York with his beautiful wife Emmanuelle and their five children. Paul Moakley is a photographer, curator, and editor. He lives and works at the Alice Austen House Museum, home of one of America’s earliest photographers, in Staten Island, New York. He has curated exhibitions by a number of photographers including Arlene Gottfried, Cristóbal Hara, Trent Parke, and Larry Towell. Paul has worked as a senior photo editor at Newsweek and also as the photo editor for PDN (Photo District News). He is currently an adjunct professor at the School of Visual Arts where he teaches contemporary photography history. www.paulmoakley.com
The enigmatic quality of the following images embraces something familiar to, and inherent, in all of us. They present thresholds that when seen and crossed, provoke considerations and questions about the perplexing nature of meaning and identity. In their capacity to make a viewer pause and consider, they shape and give form to aspects of a constantly shifting ethos. These photographs resonate beyond the purely visual, echoing sensitivities beyond the seen. It is the complexity of a photograph that makes decision, choice, and the edit so intriguing. If at some level the edit is successful, it is never entirely resolved or complete. For us, good images defy conclusion. Rather, they instill contemplation. They refract time, movement, thought, intention, and reaction. They are ubiquitous in our lives. At their best, they are poetic, lyrical and deeply subconscious. We extend our deepest gratitude to all the photographers in this issue. Thank you for your inspiration and creativity. To all the writers who contributed their ideas and perspectives, many thanks for your efforts.
OjodePez 16
Somos una familia
020
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024 Interludio Interlude
Soldados dormidos Sleeping Soldiers Tim Hetherington
034 Los narcisistas The Narcissists Elizabeth Heyert
048 Joan Desconocido Unknown
052 Boceto de un hogar Sketch of Home JH EngstrĂśm
062 Indiana Lauren Fleishman
070 Un estado de silencio A State Of Silence Indre Serpytyte
076 Recuerda cuando me amabas Remember When You Loved Me Victor Cobo
086 Carretera Road Ilkka Uimonen
096 La casa de mi hermano My Brother’s House Jason Nocito
Tim Hetherington
Soldados dormidos Sleeping Soldiers
Tim Hetherington
<< El soldado de primera clase Luke Nevala. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistán. Junio de 2008 Specialist Luke Nevala. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
Tim Hetherington es un fotógrafo y cineasta británico nacido en Liverpool en 1970. Estudió literatura en la Universidad de Oxford y trabajó en el mundo editorial antes de regresar a los estudios en 1997 para conseguir un título de posgraduado en fotografía por la Universidad de Cardiff (Gales). Ha pasado ocho años viviendo y trabajando en África Occidental y recientemente ha publicado un libro sobre Liberia titulado Long Story Bit by Bit (Umbrage Editions, 2009). Su proyecto Healing Sport fue publicado como parte de Tales of a Globalizing World (Thames and Hudson, 2003), en el marco de un proyecto colectivo financiado por el gobierno de Suiza. En 2007, ganó el premio World Press Photo of the Year por sus trabajos en Afganistán. Tiene su base en Nueva York y colabora como fotógrafo con la revista Vanity Fair.
El sargento Elliot Alcantara. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistán. Junio de 2008 Sergeant Elliot Alcantara. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
Tim Hetherington is a British photographer and filmmaker born in Liverpool in 1970. He studied literature at Oxford University and worked in publishing before returning to college at Cardiff University in 1997 for postgraduate studies in photojournalism. He spent eight years living and working in West Africa and has recently published a book about Liberia titled Long Story Bit by Bit (Umbrage Editions, 2009). His project Healing Sport was published in Tales of a Globalizing World (Thames and Hudson, 2003) as part of a group project funded by the Swiss government. In 2007 he won World Press Photo of the Year for his work in Afghanistan. He is based in New York and is a contributing photographer for Vanity Fair magazine. www.timhetherington.com
OjodePez 17
Interludio
026
El soldado de primera clase Michael Cunningham. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistรกn. Junio de 2008 Specialist Michael Cunningham. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
El doctor Kelso. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistรกn. Junio de 2008 Doc Kelso. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
El soldado de primera clase Steve Kim. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistรกn. Junio de 2008 Specialist Steve Kim. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
El soldado de primera clase Ross Murphy. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistรกn. Junio de 2008 Specialist Ross Murphy. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
El soldado de primera clase Tad Donoho. Valle de Korengal, provincia de Kunar, Afganistรกn. Junio de 2008 Specialist Tad Donoho. Korengal Valley, Kunar Province, Afghanistan. June 2008
Tim Hetherington
Paz en la cama t/ Stephen Mayes
¡Qué maravillosa es la Muerte, la Muerte y su hermano el Sueño! The Daemon of the World, 1816 Percy Bysshe Shelley. Lo más sorprendente de las fotografías que Tim Hetherington realizó durante la siesta a unos soldados estadounidenses en el valle afgano de Korengal es la total ausencia de tensión en los rostros de éstos. Duermen como niños, soñando en libertad, lejos de problemas de adultos, problemas que incluyen el enfrentamiento violento con los talibanes y las fuerzas de Al Qaeda. Con el torso descubierto y en posición fetal, parecen disfrutar de una escapada aparentemente plácida, como si nada de lo encontrado a lo largo del camino que los ha llevado del útero materno a la guerra hubiera dejado marca alguna, aparte de algún que otro tatuaje. Son inconfundiblemente soldados, pero fotografiados fuera de sus tareas habituales, en una intimidad normalmente reservada a amigos o amantes. Si fuera éste el resumen de lo ilustrado por las imágenes de Hetherington, su serie sería flor de un día, como tantas otras creaciones mediáticas que si existen es para cumplir con un cometido casi exclusivo: rellenar espacio. Hetherington, no obstante, mira más allá. Entreteje en su obra preguntas antiguas que se refieren a la masculinidad y a la agresividad. En nuestra charla, comenta que tradicionalmente los fotógrafos bélicos se han centrado en la acción, en la «actividad cinética» de la guerra, la cual alimenta a la máquina mediática con el drama que ésta pide a gritos, pero raras veces toca asuntos más profundos. En la íntima observación que Hetherington ofrece de los soldados dormidos, el espectador se ve llamado a reflexionar sobre las contradicciones entre vulnerabilidad y agresión, y sobre el papel público que esos hombres desempeñan. Ahí yacen, en mitad de la batalla, despojados sin embargo de las ropas y útiles que los definen como soldados. Esta serie separa a los individuos de sus personajes públicos. El objetivo no es crear un vínculo sentimental con ellos, sino promover una mirada que permita ahondar en lo que son y en su cometido. Sin los atavíos de la guerra los soldados ya no están caracterizados: vuelven a ser vistos como hombres indefensos. Hetherington
OjodePez 17
Interludio
Tim Hetherington
Bed Peace t/ Stephen Mayes
señala que el soldado estadounidense se ha convertido en uno de los iconos más extendidos de la marca América, junto con McDonald’s y Coca-Cola. Su mensaje sugiere que estos individuos, a los que se viste y asigna un rol, son utilizados como instrumentos de poder; es esta transformación lo que Hetherington continúa explorando. El sencillo motivo de la siesta se convierte en un punto de apoyo sobre el que hacer palanca para extraer una reflexión más fundada acerca de las circunstancias. Cualquiera podría identificarse con la humanidad de los durmientes, pero sorprende ver el acto de dormir como algo que forma parte de la guerra. Esta incongruencia inunda la mente de asociaciones metafóricas que relacionan el sueño y la muerte, la vulnerabilidad y la fuerza, los sueños y la vigilia. Aunque hay en su origen un ánimo periodístico, las instantáneas de Hetherington forman parte de un corpus coherente de mayor amplitud, y merecen una exploración detenida. Como ocurre con el mejor arte, estas imágenes no sólo son importantes en lo expresivo, sino también por el proceso y las ideas que hay tras ellas. Es la fotografía de guerra reinventada.
La fascinación que por la fotografía siente Stephen Mayes le ha llevado a trabajar en áreas diversas del periodismo gráfico, la moda, el arte y los negocios. Desde que puso en marcha su carrera fotográfica como fotógrafo de prensa en el Reino Unido, Stephen ha trabajado como director de Network Photographers, subdirector de contenidos de Getty Images y director creativo de eyestorm.com, y ha colaborado con artistas como Damien Hirst, Ed Ruscha o Richard Misrach. Stephen ocupó asimismo durante tres años el puesto de director del Art + Commerce Image Archive, en el que está representado el trabajo de artistas como Steven Meisel, Ellen von Unwerth o Taryn Simon. Actualmente dirige la agencia VII Photo y es también secretario del certamen World Press Photo. Ha escrito y conferenciado en múltiples ocasiones sobre la ética y la realidad de la práctica fotográfica profesional.
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How wonderful is Death, Death and his brother Sleep! The Daemon of the World, 1816 Percy Bysshe Shelley. The most surprising thing about Tim Hetherington’s pictures of American soldiers asleep while on duty in Afghanistan’s Korengal Valley is the complete absence of stress in their faces. Like children, their dreams appear to be uncluttered by adult troubles, which for these men include regular, violent engagement with the Taliban and al-Qaeda. Shirtless and fetal, they are observed in apparently blissful escape, as though nothing on the road from womb to war has left a mark, other than an occasional tattoo. These are unmistakably soldiers, but photographed out of role, and with an intimacy normally reserved for friends and lovers. If this were all that was wrapped up in the layers of Hetherington’s images, his series might be here today, gone tomorrow—like so many media-generated features that exist primarily to fill space. Hetherington is looking deeper. He is weaving into his work a longterm interrogation of masculinity and aggression. In conversation, he comments that traditionally, war photographers have focused on action, the “kinetic activity” of war, which feeds the media machine with the drama it craves but seldom touches underlying issues. In Hetherington’s intimate contemplation of sleeping soldiers, the viewer is compelled to reflect on the contradictions of vulnerability and aggression, and the public role that these men play. Here they lie, in the midst of battle, yet stripped of the hardware that defines them as soldiers. This series separates the individual men from their public personas. The point is not to create a sentimental attachment to them, but to encourage a deeper look at where they are and for what purpose. Without the trappings of war the soldiers are no longer in character, they can now be seen as defenseless men. Hetherington points out that the American soldier has become one of the most pervasive icons of the American brand-along with McDonalds and Coke. His message suggests that these individuals are being dressed and put into roles, to be used as instruments of power, and it’s this transformation that Hetherington continues to explore.
OjodePez 17
Interlude
The simple motif of sleep becomes a fulcrum on which to lever a more considered reflection about the circumstances. We can all identify with the humanity of sleeping subjects, but it’s surprising to find sleep identified as an integral part of war. The incongruity of this notion floods our minds with metaphorical associations of sleep and death, vulnerability and strength, dreams and restoration. Although he originated them as journalism, Hetherington’s images form part of a larger, coherent body of work, and merit deeper exploration. As with the best art, these images are not only about the final expression, but also about the process and ideas behind them. This is war photography reinvented.
Stephen Mayes’s fascination with photography has led him to work in the diverse areas of photojournalism, fashion, art, and commerce. Since launching his photographic career as a press photographer in the UK, Stephen has worked as the Director of Network Photographers, as SVP of Content at Getty Images, and as Creative Director of eyestorm.com, working with artists such as Damien Hirst, Ed Ruscha and Richard Misrach. Stephen spent three years as Director of Art + Commerce’s Image Archive which represents the work of Steven Meisel, Ellen von Unwerth, and Taryn Simon. He is currently Director of VII Photo agency and served as the Secretary to the World Press Photo competition. He has written and lectured extensively on the ethics and realities of photographic practice.
035
Elizabeth Heyert
Los narcisistas The Narcissists
Laura. 25 de junio de 2006. 12:02 - 12:17 Laura. 25 June 2006. 12.02 pm - 12.17 pm
Elizabeth Heyert
Elizabeth Heyert, fotógrafa radicada en Nueva York, abandonó en 1999 una floreciente carrera internacional de veinte años como fotógrafa especializada en arquitectura e interiores para trabajar en The Sleepers, la primera parte de una trilogía de retratos experimentales, en los que se incluyen The Travelers y The Narcissists. Sus fotografías forman parte de colecciones permanentes del Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el San Francisco Museum of Modern Art, así como de diversas colecciones privadas. Su obra se ha expuesto y publicado en numerosas ocasiones por todo Estados Unidos. Su libro The Travellers, publicado por Scalo en 2006, fue distinguido por Photo Eye como uno de los mejores libros de fotografía del año The Narcissists verá la luz en el otoño de 2009 en la editorial Sei Swann / Silvana.
New York City based Elizabeth Heyert abandoned a thriving 20-year career as an international photographer of architecture and interiors in 1999 and began shooting “The Sleepers”, the first part of a trilogy of experimental portraits, which includes “The Travelers” and “The Narcissists”. Her photographs are part of the permanent collections of the Metropolitan Museum of Art and the San Francisco Museum of Modern Art, as well as numerous private collections. Her work has been extensively exhibited and published worldwide. Her book The Travelers, published by Scalo in 2006, was named by Photo Eye as one of the best photography books of the year. The Narcissists will be published in the fall of 2009 by Sei Swann / Silvana Editoriale. www.elizabethheyert.com
Colleen y Kaye. 16 de junio de 2007. 10:46 - 11:01 Colleen and Kaye. 16 June 2007. 10.46 am - 11.01 am
OjodePez 17
Interludio
038
Shannah. 14 de mayo de 2006. 13:05 - 13:20 Shannah. 14 May 2006. 1.05 pm - 1.20 pm
Jim. 4 de octubre de 2006. 11:40 - 11:55 Jim. 4 October 2006. 11.40 am - 11.55 pm
Kobe. 21 de enero de 2007. 10:50 - 11:05 Kobe. 21 January 2007. 10.50 am - 11.05 am
Nina. 3 de diciembre de 2006. 13:23 - 13:38 Nina. 3 December 2006. 1.23 pm - 1.38 pm
Elizabeth Heyert
t/ Susan Bright
El trabajo de Elizabeth Heyert es un desafío directo a la cita de Richard Avedon, frecuentemente referida, según la cual para que un retrato tenga éxito debe constituir un momento compartido entre el fotógrafo y el modelo. Esta afirmación puede ser válida para visiones más tradicionales del género, en las que el balance y sus fuerzas son cuidadosamente negociados y se aplican diversas estrategias de representación y pose. Pero todo esto no le interesa a Heyert, que muestra un perspicaz entendimiento de las complejidades inherentes al retrato y pone en práctica una visión sinóptica según la cual se evita cualquier tipo de relación que pueda establecerse entre el fotógrafo y el modelo. The Narcissists es la parte final de una trilogía que tiene el objetivo descarado de capturar la emoción primordial que los seres humanos viven cuando son totalmente conscientes de sí mismos. Se encerró a los modelos en una cabina de sólidas paredes negras, rodeados de espejos que permitían verlos desde fuera. Se les dejó a solas durante quince minutos y se les pidió que hicieran lo que les viniera en gana. Lo que Heyert obtuvo como resultado no fue un hermoso momento de intimidad como esperaba, sino una impactante experiencia de soledad y alienamiento que derivó en autoaislamiento y finalmente en la seriedad más melancólica. La palabra «narcisismo» y el mito original griego han entrado en el lenguaje cotidiano y a menudo se utilizan incorrectamente para ejemplificar lo vano o manifiestamente ampuloso. Freud utilizó el término (en su acepción más extrema) para definir un desorden de personalidad, pero Heyert lo emplea para hacer referencia directa al hermoso griego que quedó condenado a no verse más que a sí mismo. Se trata de una historia trágica y desesperada en la que el joven nunca podría sentir amor por otra cosa que no fuera por su propia imagen. Los humanos y la humanidad funcionan por interacción. Sin ella, el mundo se convierte en un lugar solitario. La perspectiva de una mirada fría y hueca como único objeto amatorio posible es limitada y provoca miedo y desesperación.
muestran reacios. Nadie aprovechó la oportunidad para intentar sorprender a la fotógrafa o representar fantasías como podría suponerse, dada la situación. Muchos se quitaron la ropa, aunque no para el disfrute del fotógrafo, y los resultados desnudos están lejos de tener consistencia. Muy pocas de las imágenes resultantes muestran a los modelos disfrutando de la experiencia. Los retratos de más fuerza son los que entresacan con agudeza los sutiles gestos de tensión bajo la fachada de seguridad que da la vestimenta. Laura, la reina de belleza, mantiene una pose profesional, pero juguetea con un dedo mostrando cierta tensión. El espléndido Kobe, magnífico con su cuerda roja de bondage, revela su ansiedad cerrando un puño y Elaine no engaña a nadie con su postura vacía. Mayor que Marilyn Monroe en el momento de su muerte, el refulgente vestido (que ha visto tiempos mejores) queda abrochado sobre un hombro con un imperdible para disimular su incomodidad: su lacónica pose derrama melancolía y su nerviosismo es obvio. La serie se completa con una trilogía de retratos entre los que se incluyen The Sleepers y The Travellers. En las tres series se trata a los objetos con respeto y dignidad, y a través de las circunstancias provocadas por el acto fotográfico se les permite ser plenamente ellos mismos sin la intervención o perturbación provocadas por el fotógrafo. El éxito de estos retratos no reside en la relación entre fotógrafo y modelo, tal como Avedon prescribió, sino en el hecho de que observador y observado se ocupan de crear una delicada conexión en calidad de desconocidos íntimos.
Lo más interesante es que los modelos no se acercan a los espejos para inspeccionar sus cuerpos o rostros como se podría haber sospechado. En lugar de ello, mantienen las distancias y se
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Interludio
Susan Bright tiene en Nueva York su base de operaciones; en esta ciudad trabaja como comisaria y escritora, mientras abarca también otras prácticas profesionales entre las que se incluyen la creación, la escritura, las conferencias y la enseñanza. Sus intereses personales incluyen el retrato contemporáneo y la institucionalización de la cultura fotográfica en los setenta. Contribuye periódicamente con publicaciones como Source, Tema, Celeste y Aperture. Algunas de sus exposiciones más recientes son How We Are: Photographing Britain, en la Tate Britain (2007, comisariada en colaboración con Val Williams), y Face of Fashion, en la National Portrait Gallery de Londres (2007). Su próximo libro, The Self Portrait in Contemporary Art (Thames and Hudson), será publicado en 2010.
Mark. 11 de febrero de 2006. 10:35 - 10:50 Mark. 11 February 2006. 10.35 am - 10.50 am
044
Elizabeth Heyert
t/ Susan Bright
The often cited remark by Richard Avedon that a successful portrait is a moment between sitter and photographer is directly challenged by the work of Elizabeth Heyert. Avedon’s assertion may hold for more traditional approaches to the genre where careful power balances are negotiated and a variety of strategies for performance and pose played out, but this is not what interests Heyert. She has a perspicacious understanding of the inherent complexities of portraiture and as such uses a synoptic approach that sidesteps any kind of relationship between photographer and sitter. The Narcissists is the final part of a tendentious trilogy aiming to capture the primal emotion of people when they are totally self-aware and self-conscious. Situated in a booth surrounded by a two way mirror and stark black walls the sitters were left alone for fifteen minutes to do as they wished. What Heyert witnessed was not a beautiful moment of intimacy as she had suspected but a shockingly lonely and alienating moment of selfabsorption that quickly turned serious and melancholic. The word ‘narcissism’ and the original story from Greek mythology have entered the everyday language and are often misused to label the vain or the overtly stylish. Freud took the term (in its extreme) to describe a personality disorder, but Heyert uses it to directly refer back to the handsome Greek youth who was doomed to only gaze upon himself. It is a desperate story and a tragic one where the young man could never feel love outside of his own image. Humans and humanity function on interaction. With that stripped out the world is a lonely place. The prospect of a cold empty gaze as your only chance to love is limited, frightening and desperate.
Elaine. 31 de mayo de 2006. 15:36 - 15:51 Elaine. 31 May 2006. 3.36 pm - 3.51 pm
What is interesting is the sitters did not come close to the mirror to really inspect their bodies and faces as one might suspect. Instead, they keep their distance from the mirror and are reticent. Nobody took the opportunity to shock Heyert or play out fantasies in ways that you may think a two-way mirror might engender. Many stripped, but not for the pleasure of the hidden photographer and the naked results seem far from empowering. Very few of the resulting images show the person happy with the experience. The portraits that
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Interlude
resonate the most are the ones that acutely pinpoint the subtle gestures of tension below the facade and security of a costume. Laura, the beauty queen stands poised and professional, but a subconscious pulling of her finger shows the strain. The resplendent Kobe, magnificent in his red bondage rope reveals his tension in a clenched fist and Elaine fools nobody with her empty posturing. Already older than Marilyn Monroe at the time of her death her glittery dress, which has seen better days, is held together at one shoulder by a safety pin and does little to conceal the fact she is ill at ease, her laconic posing full of melancholy. Her anxiety is palpable. This series completes a trilogy of portraits including The Sleepers and The Travellers. All three series treat the subjects with respect and dignity and through the circumstances of the photographic approach allows them to be utterly themselves without the intervention or disruption of the photographer. The success of her portraits is not due to the relationship between photographer and sitter as Avedon prescribed but relies instead on the sitter and the viewer to work out their own delicate connection like intimate strangers.
Currently a New York City based curator and writer, Susan Bright’s scope of professional practices include exhibition making, writing, public speaking, and teaching. Particular research interests include contemporary portraiture and the institutionalization of photographic culture in the 1970s. She is a regular contributor to Source, Tema Celeste, and Aperture. Recent exhibitions include: How We Are: Photographing Britain at Tate Britain (2007, cocurated with Val Williams) and Face of Fashion at the National Portrait Gallery, London (2007). Her forthcoming book The Self Portrait in Contemporary Art (Thames and Hudson) will be released in 2010.
047
Desconocido Unknown
Joan
Unknown
Desconocido
Joan t/ Jamie Wellford
Una semana antes de la muerte de mi madre, Joan, me encontraba con ella en un hospital de Ciudad de México. El cuerpo le fallaba, pero estaba lúcida como el día, y pasamos largas horas hablando sobre la visceral y humilde experiencia que es la vida. Recuerdo que, cuando murió, todos los objetos que la rodeaban parecieron cobrar vida e inmediatez: un cepillo para el pelo, un pañuelo en el bolsillo de su chaqueta favorita. Eran restos inocuos de la mujer, cuyo repentino atractivo, sin embargo, exigía toda la atención. Tras traerla a Virginia, donde sería enterrada, me dispuse junto a mi hermana y mis dos hermanos a la tarea de repartir sus pertenencias. Me sorprendió de qué modo las sensaciones táctiles y los aromas de esos objetos hacían a mi madre estar presente. Escudriñando entre los rincones de un armario, encontré una caja de diapositivas Kodachrome de finales de los cuarenta, en la que se leía una interesante dirección postal:
Sr. D. G. Butler (Habitación 911) Delegación del Ejército Británico P.O. Box 165 Benjamin Franklin St. Washington D.C.
La maltratada caja contenía imágenes de mi madre tomadas a sus veintipocos años, mucho antes de que yo naciera y años antes de casarse con mi padre. En ellas, posaba con diferentes ropas en una habitación revestida de madera, con cortinas estampadas de flores grises y algún atrezo ocasional (una bicicleta, sillas).
Joan t/ Jamie Wellford
mundos, pero hasta ahora me conmueve la absorbente capacidad de las imágenes para eclipsar el tiempo y la distancia y para traer un momento del pasado a un presente emocional, sentido de modo innato. La sangre de la entusiasta joven de los años cuarenta corre por mis venas. ¿Y el fotógrafo? Doy como crédito el nombre de la caja de diapositivas. Nunca he sabido de quién se trata ni dónde vive. El momento detenido y claramente amoroso es para siempre suyo y de Joan. Para mí, las fotografías y su historia quedarán veladas por el misterio. Su modo de sugerir el anhelo, su incierta anticipación hacen de un instante delicado y borroso algo eterno.
Jamie Wellford es redactor fotográfico internacional de Newsweek en Nueva York. Además, es cofundador del grupo SeenUnseen, que organiza eventos multimedia centrados en temas escasamente cubiertos por la prensa a nivel global. Desde su puesto en Newsweek, ha colaborado con varios proyectos galardonados con los premios más importantes, en certámenes como World Press Photo, Overseas Press y Visa pour l’Image. Jamie reside en Brooklyn (Nueva York) con su esposa Emmanuelle y sus cinco hijos.
Mr. D. G. Butler (Room 911) British Army Delegation P.O. Box 165 Benjamin Franklyn Street
Jamie Wellford is the international photo editor for Newsweek magazine in New York. He is also the co-founder of the group SeenUnseen which organizes multimedia events that focus on underreported issues in the world. In his role with Newsweek, he has collaborated on a number of projects that have received top honors at World Press Photo, the Overseas Press awards, and at Visa pour l’Image. Jamie lives in Brooklyn, New York, with his beautiful wife Emmanuelle and their five children.
Inside the tattered box were startling pictures of my mother taken in her early twenties long before I was born, years before she was married to my father. She poses in various states of dressin a wood paneled room with grey floral curtains and occasional props, a bike, chairs.
I did not know her when the pictures were created. Decades and worlds separated us. But I am moved by the images’ engrossing capacity to eclipse time and distance and to render a past moment into an emotional and innately felt present. The blood of the rapturous young woman photographed in the 1940s runs in my veins.
No sé dónde se habían tomado las instantáneas. Nos separaban décadas y
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After bringing her back to Virginia to be buried I, together with a sister and two brothers, began the process of sorting her possessions. It was astonishing how the tactile sensations and aromas of these things personified my mother’s presence. Digging into the recesses of a closet, I found a box of Kodachrome slides from the late 1940s with the curious address:
And the photographer? I credit the name on the slide box. I have never found out who he is or where he lives. The arrested, clearly amorous moment is forever his and Joan’s. For me, the photographs and story remain cloaked in mystery. With suggestions of yearning and uncertain anticipation, they make a delicate and vanishing instant eternal.
Though hidden for over fifty years, the images are fresh and alive. The colors are vivid, the setting wonderfully peculiar, the postures provocative, the face and particularly the eyes acutely recognizable. I had only recently said farewell to a depleted and elderly Joan when I came across the slides, and suddenly I was staring at the same person, but at one who was young, vibrant, and excited. This was an unexpected glimpse into my mother’s past, a vision of a distinctly familiar person who was a complete stranger.
A pesar de haber permanecido ocultas durante cincuenta años, las imágenes estaban frescas y vivas. Los colores refulgían; el escenario era maravillosamente raro; las posturas provocativas; el rostro, y, en especial, los ojos, fácilmente reconocibles. Yo acababa de despedirme de una Joan anciana y agotada y de repente me encontraba contemplando a la misma persona en una versión joven, vibrante, llena de emoción. Se trataba de un guiño inesperado al pasado de mi madre, la visión de una persona muy bien conocida que en esas fotos, sin embargo, era aún una total extraña.
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I was with my mother Joan in a Mexico City hospital one week before her death. Her mind was tack sharp despite her failing body, and we spent long hours talking about the visceral and humbling experience of life. When she died, I remember how immediate and animated all the objects surrounding her suddenly became including a hair brush on a side table and a handkerchief in the pocket of a favorite coat. They were innocuous but oddly compelling remnants of the woman.
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Interlude
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JH Engstrรถm
Boceto de un hogar Sketch of Home
JH Engström
JH Engström creció en Suecia pero pasó gran parte de su niñez y juventud en Francia. A principio de los noventa, fue asistente de Mario Testino en París y de Anders Petersen en Estocolmo. Engström se graduó por la Universidad de Gotemburgo en 1997, y publicó su primer libro, Shelter (Bokförlaget, 1997), ese mismo año. Vivió en Brooklyn (Nueva York) y en su región natal de Värmland, en Suecia, con el fin de completar su siguiente proyecto, Trying to Dance ( Journal 2004), que fue finalista del premio de fotografía Deutsche Börse en 2005. Expone internacionalmente y su obra está incluida en muestras permanentes tanto en Europa como en Estados Unidos. Otros libros suyos publicados son Haunts (Steidl, 2006), CDG/JHE (Steidl, 2008) y From Back Home (en colaboración con Anders Petersen, Max Ström, 2009). Wells será publicado por Steidl durante 2009. JH Engström está representado por Galerie VU’ de París y GunGallery de Estocolmo.
JH Engström grew up in Sweden while spending much time in France. In the early 1990s, he assisted Mario Testino in Paris and Anders Petersen in Stockholm. Engström graduated from Gothenburg University in 1997 and published his first book Shelter (Bokförlaget, 1997) in the same year. He lived in Brooklyn, New York, and his native region Värmland, Sweden, to complete his next project Trying to Dance ( Journal, 2004), which was short-listed for the Deutsche Börse Photography Prize in 2005. He exhibits internationally and is in permanent collections in both Europe and the USA. Other published books by Engström are Haunts (Steidl, 2006), CDG/JHE (Steidl, 2008) and From Back Home (together with Anders Petersen, Max Ström, 2009). Wells will be published by Steidl during 2009. JH Engström is represented by Galerie VU’, Paris and by GunGallery, Stockholm. www.jhengstrom.com
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JH Engström
t/ Amanda Maddox
«Es fácil -decía Joan Didion- ver el comienzo de las cosas. Lo difícil es ver el final». A toro pasado, la mayor parte de los comienzos se presentan de manera clara y distinta, como si siempre hubieran existido como tales. Por supuesto los finales raramente se revelan de manera tan evidente, ni siquiera cuando se echa la vista atrás. Parece importante comenzar cualquier conversación en torno a la última propuesta de JH Engström, Sketch of Home, volviendo sobre sus series sobre principios y finales. Criado en Suecia, a sus diez años su familia decidió instalarse temporalmente en París. Engström identifica este primer momento en el extranjero como algo que definiría el curso de su vida posterior. El regreso al entorno rural sueco vino acompañado de un rápido rechazo hacia aquellos soñolientos parajes y de una rebelión materializada en forma de escapismo físico y mental. Durante años, viajó y vivió en ciudades cosmopolitas como Nueva York, París o Estocolmo, pero sus sentimientos al respecto de lo que era su hogar han cambiado radicalmente: este mes ha sido el de su regreso a una comarca cercana a su nativa Värmland, adonde vuelve con la intención de criar allí a su prole. El proyecto autobiográfico Sketch of Home marca la vuelta a su casa oficial. Al echar un vistazo al juego de catorce fotocollages, realizado y configurado de manera casi obsesiva por Engström, es difícil ignorar el tono cálido y nostálgico de la obra. Las imágenes parecen pasadas de moda y transmiten la sensación de ser profundamente personales. La intimidad de los collages hace a uno suponer si no estarán hechos con las páginas arrancadas de los cuadernos de adolescencia de Engström. Parece que el artista haya hecho las paces con su infancia rural antes de acometer la obra. La cuestión, sin embargo, de si podría o siquiera si querría volver a casa tras ese periodo de desencanto dio indudablemente forma al desarrollo de esta serie en concreto. Para el proyecto, Engström reutilizó fotografías antiguas. Cada uno de los collages estaba compuesto de obras impresas, antiguas fotos Polaroid e imágenes ya publicadas, instantáneas de una vida bifurcada entre espacios urbanos y rurales. En Sketch of Home, no obstante, aparecen sólo imágenes de
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Interludio
Suecia, lo que sugiere que su idea de hogar se relaciona con las topografías más tempranas de la mente, los lugares que se quedan con uno aunque uno los deje atrás. El artista yuxtapone escenas de los amplios campos, las suaves colinas y los bosques intocados de Värmland con retratos de amigos, extraños e incluso estudiantes de secundaria que trabajan en el pequeño colmado local. Los collages están salpicados además de autorretratos, muchos de ellos tomados al aire libre, en lugares que ocuparon la juventud sueca de Engström. Se topan aquí los conceptos de libertad individual y confinamiento geográfico; y Engström utiliza con inteligencia el formato de collage para afrontar cualquier confusión al respecto de sus años de formación. Las imágenes antiguas encuentran nuevos contextos visuales, ganando así una segunda vida. A veces los collages hacen al espectador hundirse en sus dominios privados, tanto que las íntimas visiones de Engström nos parecen por momentos vagamente familiares. El viaje a través de Sketch of Home es, en cualquier caso, solitario. Pronto los collages de esta serie funcionarán como pieza integrante de un proceso más amplio en el que Engström se descubre a sí mismo, un proyecto en colaboración con Anders Petersen titulado From Back. En este momento, sin embargo, Sketch of Home marca el comienzo de algo que está lejos de concluir.
Amanda Maddox es comisaria adjunta de fotografía y artes de los medios de la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. Fue comisaria en prácticas en el Massachusetts Museum of Contemporary Art y conservadora fotográfica en prácticas en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde trabajó en varias exposiciones. Recientemente, ha colaborado en el comisariado de la exposición Guantanamo Bay: Photographs by Christopher Sims, en la galería Civilian Art Projects de la capital estadounidense. Obtuvo un título en literatura inglesa por la Brown University de Rhode Island (Estados Unidos) y un máster en historia de la fotografía por la University of Saint Andrews (Escocia).
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JH Engström
t/ Amanda Maddox
“It is easy,” as Joan Didion said, “to see the beginnings of things, and harder to see the ends.” In hindsight, most beginnings present themselves clearly and absolutely, as if they always existed that way. Of course endpoints rarely emerge so plainly, even in retrospect. It seems important to commence any discussion of JH Engström’s latest endeavor, Sketch of Home, by looking back at his own series of beginnings and endings. Raised in Sweden until age 10, when his family temporarily relocated to Paris, Engström has identified this first moment abroad as something that steered his course. Upon returning to the Swedish countryside, he quickly rejected its somnolent surroundings and rebelled in the form of physical and mental escapism. For years he traveled and lived in cosmopolitan cities like New York, Paris, and Stockholm, but now his feelings toward home have circled back. This month he returned to a region near his native Värmland county to raise his family. The autobiographical project Sketch of Home signals his official homecoming. Looking at the set of 14 photo-collages obsessively compiled and configured by Engström, it is difficult to ignore the warm, nostalgic tenor of the work. Images feel dated and deeply personal, and the intimacy of the collages allows us to imagine them as pages ripped from Engström’s teenage scrapbook. It seems Engström must have come to terms with his rural upbringing in order to make this body of work. But the question of whether or not he could, or even wanted to, go home again, after a period of disenchantment, certainly informed the process of developing this particular series.
are also peppered with self-portraits, many of them taken outdoors in spaces that occupied Engström’s youth in Sweden. Notions of individual freedom and geographic confinement meet headon here, and Engström cleverly utilizes the format of collage as a means of confronting any confusion about his formative years. Old pictures find new visual contexts, and images gain second lives. Sometimes the collages pull viewers deep inside this private realm, so much so that the intimate visions of Engström’s life begin to feel vaguely familiar. But the journey through Sketch of Home is lonely. Soon the collages in this series will operate as part of a larger self-discovery process for Engström when they are rolled into a collaborative project with photographer Anders Petersen called From Back Home.
Amanda Maddox is the assistant curator of photography and media arts at the Corcoran Gallery of Art in Washington DC. A former curatorial intern at MASS MoCA and photo conservation intern at the Metropolitan Museum of Art, she has worked on a number of exhibitions. Most recently, she co-curated Guantánamo Bay: Photographs by Christopher Sims at Civilian Art Projects. She received an A.B. in English Literature from Brown University and an MPhil in the History of Photography from University of St. Andrews.
Engström made the project by re-using older photographs. Each collage was pieced together from work prints, old Polaroids, and previously-published pictures of a life bifurcated by urban and rural spaces. But only images from Sweden figure into Sketch of Home, suggesting that his idea of home relates to the initial topographies in one’s mind, the places that stay with you long after you leave them behind. He juxtaposes scenes of Värmland’s wide, rolling fields and barren forests with portraits of friends, strangers, and even high school kids working in the local grocery store. The collages
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Interlude
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Lauren Fleishman
Indiana
Caballo en una granja. Middlebury (Indiana), 2008 Horse on a farm. Middlebury, Indiana, 2008
Angela y su hija. Angela es una joven madre soltera que trabaja en una de las muchas fรกbricas de Goshen fabricando sillas de hospital. Goshen (Indiana), 2008 Angela and her daughter. Angela is a young single mother. She works in one of the areas many factories making hospital chairs. Goshen, Indiana, 2008
Lauren Fleishman
«En mayo de 2002, me asignaron un proyecto para el cual debía viajar al norte del estado de Indiana y documentar la vida de un obrero de fábrica de veintidós años. Yo tenía veintitrés y nunca había viajado al Medio Oeste de Estados Unidos. Para alguien criado en un pequeño apartamento de Brooklyn, el norte de Indiana era un universo totalmente desconocido. Allí conocí a grupos de gente joven de edad parecida a la mía que habitaban amplios espacios poblados por granjas y fábricas. La belleza del lugar era a menudo sobrecogedora, perturbada por los fríos exteriores de las muchas factorías de la ciudad. Las casas prefabricadas dominaban los vecindarios. La coherencia estructural, no obstante, contrastaba enormemente con la naturaleza que rodeaba los barrios. Estos opuestos enfrentados me sorprendían una y otra vez: por un lado, había una fascinante belleza en la luz y los seres vivos y la tierra; belleza que, habiendo crecido en Brooklyn, yo no conocía. Lo que la Naturaleza había puesto allí y lo que había permitido florecer y crecer a su alrededor siempre contrastaría con lo que había sido construido con criterios de eficacia máxima. Por otro lado, estaban también las cosas que uno esperaba ver, especialmente en una comunidad tan sólidamente cimentada alrededor de la religión y la Iglesia. Nada era tal y como se suponía que debía ser. La influencia de la religión creaba un contraste impactante al confrontarse ésta con fenómenos como la adicción a las drogas o la multitud de familias y relaciones rotas.
«In May of 2002, I was commissioned to go to Northern Indiana and document the life of a 22 year old factory worker. I was 23 and had never traveled to the Midwestern United States. For someone raised in a small apartment in Brooklyn, Northern Indiana was very different from what I was used to. There I met groups of young people, ages not so far from my own, living in a vast space of farmland and factory. The beauty of the area was often strikingly disrupted by the cold exterior of the many factories in town. Prefabricated housing dominated the neighborhoods. The consistency of the structures was a striking contrast to the nature that surrounded it. I was always struck by these opposites. On one hand there was incredible beauty in the light and the animals and land that, having grown up in Brooklyn, I had never seen. What was there naturally and what had been allowed to flourish and grow would always contrast with what had been built for maximum efficiency. There was also the way things seemed they should be, especially in a community so heavily based around religion and church. Nothing was exactly how it was intended. The influence of religion cast a striking contrast to the enormous amount of drug dependency, broken families and relationships. For years the people of Goshen have welcomed me into their homes and their community. I’ve used my camera to try to make sense of this place and my feelings about it.»
Durante años, la gente de Goshen me ha dado la bienvenida en sus hogares y su comunidad. Yo, por mi parte, he hecho uso de mi cámara para intentar dar una visión con sentido de la misma y expresar mis sentimientos al respecto de este lugar.»
Lauren Fleishman nació y se crió en la zona de Midwood, en Brooklyn (Nueva York). Estudió en la School of Visual Arts de esa ciudad con una beca Vice Presidential Academic Scholarship. En 2000 obtuvo una beca integral de estudios en la prestigiosa École Supérieure des Beaux-Arts de París. En 2003, fue incluida en una selección de treinta jóvenes fotógrafos realizada por la revista Photo District News. Entre sus clientes figuran The Fader, New York Times Magazine, Microsoft, Newsweek, Time, Esquire o The London Sunday Times.
Lauren Fleishman was born and raised in the Midwood section of Brooklyn. She attended the School of Visual Arts with a Vice Presidential Academic Scholarship. In 2000 she was awarded a full scholarship to study at the prestigious Ecole Superieure des Beaux-Arts in Paris. In 2003, Lauren was named one of Photo District News’ 30 young photographers. Her clients include The Fader, New York Times Magazine, Microsoft, Newsweek, Time, Esquire and The London Sunday Times. www.laurenfleishman.com
www.laurenfleishman.com
Topeka (Indiana), 2008 Topeka, Indiana, 2008
Granjero. Middlebury (Indiana), 2008 Farmer. Middlebury, Indiana, 2008
Richard Chupp Jr. Goshen (Indiana), 2008 Richard Chupp Jr. Goshen, Indiana, 2008
Josh y Samantha. Elkart (Indiana), 2008 Josh and Samantha. Elkart, Indiana, 2008
Tiny y Angela. Goshen (Indiana), 2008 Tiny and Angela. Goshen, Indiana, 2008
Broadmoor Estates. Goshen, (Indiana), 2008 Broadmoor Estates. Goshen, Indiana, 2008
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Interlude
067
Joven pareja jugando al billar. Billares Odyssey, Goshen (Indiana), 2008 Young couple playing pool. Odyssey Billiards. Goshen, Indiana, 2008
Indre Serpytyte
Un estado de silencio A State Of Silence
MaletĂn, 2006 Briefcase, 2006
Camisas, 2006 Shirts, 2006
Destructora de documentos, 2006 Shredder, 2006
Indre Serpytyte
«Los periódicos lituanos dijeron cuando murió el jefe de la seguridad del gobierno que se trataba de una «dolorosa desgracia (una catástrofe)». Albinas Serpytis murió en las primeras horas del día 13 de octubre de 2001 en un “accidente de tráfico”. Nadie parecía conocer los detalles o circunstancias; nadie daba respuestas claras. Su muerte había sido premeditada y brutal.
«The Lithuanian papers wrote that it was a “Painful misfortune (a catastrophe)”, when the Head of Government Security died. Albinas Serpytis died in the early hours of the 13th of October 2001, in a “car accident”. No one seemed to know the details, or circumstances, or provide straightforward answers. His death was premeditated and brutal. For me this was sufficient proof, he had been eliminated.
Para mí esto fue prueba suficiente: había sido eliminado. Todo lo que queda es silencio y circunstancias ignotas. Motivos ocultos. Una ausencia escalofriante.
All that remains is silence, unknown circumstances. Hidden motivations. A chilling absence. This was my father. The subject of my indefatigable investigations.»
Era mi padre. El objeto de mi incansable investigación.»
Indre Serpytyte nació en Lituania en 1983. Se tituló en fotografía en la Universidad de Brighton (Reino Unido) en 2006 y actualmente está estudiando un máster en el Royal College of Art de Londres. En 2006 recibió el premio Jerwood Photography por A State of Silence, serie publicada en Portfolio, Next Level y Hotshoe. Serpytyte ha expuesto en la Yossi Milo Gallery de Nueva York y en diversas galerías del Reino Unido.
Indre Serpytyte was born in Lithuania in 1983. She received her BA in Photography from the University of Brighton in 2006 and is currently studying for her MA at the Royal College of Art. In 2006 she was awarded the Jerwood Photography award for “A State of Silence”. The series has been published in Portfolio, Next Level, and Hotshoe. Serpytyte has exhibited in Yossi Milo Gallery (New York) and in various galleries in the United Kingdom.
Teléfono, 2006 Phone, 2006
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Interlude
075
Victor Cobo
Recuerda cuando me amabas Remember When You Loved Me
Un lugar para olvidar, San Francisco, 2008 A Place To Be Forgotten, San Francisco, 2008
Victor Cobo
Los personajes que pueblan las fotografías de Victor Cobo están atrapados en el deseo y se disfrazan con la ropa y la luz: todos buscan una manera de escapar de la soledad y el aislamiento. Radicado en San Francisco, Cobo nos plantea en su trabajo Recuerda cuando me amabas una búsqueda que pretende llenar el vacío emocional de la soledad. «Me he propuesto jugar un papel cada vez más activo en mis fotografías, que se han convertido en auténticos diarios. Si el trabajo va a reflejar algún tipo de universo creado por el artista, ¿no debería proyectar también su soledad junto a la de los personajes que uno encuentra en el camino?», se pregunta Cobo. En la presentación del sitio web de Cobo, el fragmentario estilo de las imágenes genera asociaciones caprichosas que nos hablan sobre la naturaleza surrealista y psicológica de los recuerdos asociados al amor físico y emocional. Este apasionante proyecto sigue en marcha: «No estoy seguro de adónde me llevará porque no estoy seguro de cuándo este affaire o cuento de hadas empezó exactamente».
The characters we see in Victor Cobo’s photographs are trapped by desire, disguised in costumes and dramatic blasts of light, all searching for an escape from loneliness and isolation. Based in San Francisco, Cobo’s work “Remember When You Loved Me” searches to fill the emotional void of solitude. He says, “ I have become increasingly involved in actively playing a role in my pictures which are really diaries. If the work is going to reflect some sort of universe that the artist has created for himself or herself, shouldn’t I be casting my own lonely soul as well as those of characters that I meet along the way?” In the presentation on Cobo’s web site the images are edited in a fragmented style where playful associations speak to the surreal and psychological quality of memories associated with physical and emotional love. It remains an ongoing project and passion. “I’m not sure where it will end because I’m not sure when this love affair or fairytale even really began.”
t/ Paul Moakley t/ Paul Moakley
Victor Cobo nació en Melbourne (Florida, EEUU) en 1971 y reside actualmente en San Francisco. Sus exposiciones en solitario incluyen American Dreams, en la Blue Sky Gallery de Portland (Oregón), en 2007, y The Migrant Trail, en la galería MichelNovelozo, en Davis (California), en 2005. Ha formado parte de numerosas muestras colectivas, como la prestigiosa First Look: Masterworks of American Photography del Amon Carter Museum de Fort Worth (Texas). Ha sido galardonado con la Aaron Siskind Emerging Photographer’s Fellowship en 2007.
Now working in San Francisco, Victor Cobo was born in Melbourne, Florida, in 1971. His solo exhibitions include American Dreams at Blue Sky Gallery, Portland, Oregon in 2007 and The Migrant Trail at the Michel Novelozo Gallery, Davis, California in 2005. He has participated in numerous group shows such as the prestigious First Look: Masterworks of American Photography at the Amon Carter Museum in Fort Worth, Texas and Photo Forum: Recent Acquisitions at the Museum of Fine Arts in Houston, Texas. He was the winner of the Aaron Siskind Emerging Photographer’s Fellowship in 2007. www.victorcobo.com
www.victorcobo.com
< Cuando estás solo, San Francisco, 2009 When You Are All Alone, San Francisco, 2009
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Interlude
079
El fantasma del amor, San Francisco, 2009 The Ghost Of Love, San Francisco, 2009
El lío en que nos hemos metido, San Francisco, 2008 This Mess We’re In, San Francisco, 2008
Los ojos de un extra単o, San Francisco, 2008 Eyes Of A Stranger, San Francisco, 2008
Victor Cobo
t/ Doug Rickard (dR)
Existe un lugar para los sueños más profundos, para la sed saciada de amor, para anhelos que habitan el cuerpo y la mente y pueden absorberlo a uno adentro suyo con la fuerza implacable de un agujero negro. El reino de Victor Cobo es vasto, aunque lo contienen sólidos muros: los muros de la psique, los muros del impulso, de la urgencia, de las fantasías, de la necesidad de amor, del aislamiento que consume el yo. Es una sala de espejos fotográfica, un cuento de terror y belleza. Oculto pero grandioso, exigente pero delicado…, implacable y enorme. Secretos y susurros, pelo y cristal… Un individuo exiliado en la tierra del amor que se desea. Hay una alienación que fuerza una creación y una compulsión ocultas; hay secretos que consumen las sombras y el sol. En palabras del propio Cobo, «a veces, es este mundo que bordea la ficción el que nos empuja a continuar buscando el amor y la felicidad durante toda nuestra vida». Siente la piel…, detente donde estés y deja que el sudor te baje por la espalda temblorosa.
Doug Rickard («dR») nació en San José (California) en 1968 y es hijo y nieto de predicadores. Actualmente vive y trabaja en Sacramento. Es fundador de American Suburb X (www.americansuburbx. com), sitio web dedicado a la cultura y la fotografía. Estudió historia y sociología en la Universidad de California en San Diego, y es fotógrafo, comisario, escritor y crítico de arte. Su trabajo ha aparecido en múltiples publicaciones, como Esquire, Black, y Fake Magazine.
There is a place of inner dreams, of love-quenched-thirst and longing that can inhabit the body, inhabit the mind and suck one inward with the relentless force of black hole gravity. Victor Cobo’s kingdom is vast, yet contained by heavy walls... walls of the psyche, walls of the drive, walls of the urge, the fantasies, the need for love, the isolation that consumes the self. It is a photographic carnivalhall of mirrors, a tale of horror and beauty. Hidden yet grand, demanding yet delicate… relentless and vast. Secrets and whispers, fur and glass… an individual exiled in the land of desire for love. There is an alienation that forces a hidden creation and compulsion and secrets that consume the shadows and the sun. In Cobo’s own words, “It is often this world that borders on fiction that keeps us searching for love and happiness throughout our entire lives.” Feel the skin… stop in your tracks and let the sweat roll down your trembling back.
Doug Rickard (“dR”) born in San Jose, California, in 1968 is from a long line of preachers. He currently lives and works in Sacramento, CA. He is the founder of the photography and culture website American Suburb X (www.americansuburbx.com). Educated at the University of California, San Diego, with a focus on US History and Sociology, he is a photographer, curator, writer and art critic. His work has appeared in numerous magazines such as Esquire, Black, and Fake Magazine.
> El parpadeo de una niña pequeña, San Francisco, 2009 Flicker Of A Little Girl, San Francisco, 2009
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Ilkka Uimonen
Carretera Road
Ilkka Uimonen
Ilkka Uimonen nació en Finlandia y creció en un pequeño pueblo cercano al Círculo Polar Ártico. Estudió en la Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten (Real Academia de Bellas Artes) de La Haya, en Holanda. Uimonen ha hecho fotografías por todo el mundo y ha recibido diversos reconocimientos por su trabajo en Afganistán, Irak, Israel, Palestina, China y Estados Unidos. Su primer libro, Cycles, fue publicado por Trolley Books en 2004.
Ilkka Uimonen was born in Finland and grew up in a small town just south of the Arctic Circle. He studied at the Royal Academy of Fine Arts in The Hague, Netherlands. Uimonen has photographed extensively throughout the world and has been recognized with top honors for his work from Afghanistan, Iraq, Israel/Palestine, China, and the United States. His first book Cycles was published by Trolley Books in 2004.
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Ilkka Uimonen
Ilkka Uimonen
En carretera t/ Paul Moakley
Es difícil describir esa delgada línea que marca el lugar en que termina la materia y comienza la mente. Robert Frank en Aperture, pp. 20-22, vol. 9, nº 1 (1961).
Vi estas fotos de Ilkka Uimonen por primera vez en una proyección en Nueva York. Las imágenes aparecían una tras otra, a un ritmo que me pareció demasiado acelerado. La presentación me emocionó y me dio miedo a un tiempo. Las fotos me parecieron la visión alienígena de un país seco y aislado que se deshacía. Me hundieron el corazón. Faltaba un mes para las elecciones presidenciales estadounidenses: se trataba de un momento de verdadera incertidumbre sobre el que las fotos proyectaban sombras lóbregas y amenazantes. Habían capturado en sí un mundo definido por el extrañamiento cuyas calles desiertas recorremos encerrados en nuestros coches, un mundo en el que cualquier momento de belleza sublime queda congelado en una neblina espesa y cegadora. Como lo haría un niño, los fotogramas parecen otorgar valor a cualquier tema que ilustre y se entienden como preguntas que cuestionan lo que está por llegar. Ilkka Uimonen comenzó su carrera como periodista gráfico viviendo de primera mano algunos de los conflictos más violentos de nuestro tiempo. He seguido su trabajo desde 2002 y he visto sus imágenes evolucionar desde el documentalismo más tradicional a algo obviamente atmosférico y cerebral. En su libro Cycles (Trolley, 2004) pueden percibirse claramente los cambios en su modo de acercarse al conflicto documentado. El libro gira en torno al bucle continuo del enfrentamiento palestino-israelí, espiral sin respuestas que ilustra a todas luces el horror interminable que ambas partes soportan.
On Road t/ Paul Moakley
viejos. El tipo mira a cámara: su rostro y postura son de una perturbadora vulnerabilidad, como si lo acabaran de tirar al suelo de un empujón y hubiera quedado a la altura de las escorias de la ciudad. La imagen juega con nuestro miedo primordial a la oscuridad, el terror que poseyó a la ciudad después del 11 de septiembre y que demuestra cómo la vida moderna puede rápidamente diluirse en la anarquía. Las imágenes de Road mostradas aquí pueden parecer abstractas como las manchas de tinta de un test de Rorschach. Son momentos a caballo entre los tiempos, nada espectaculares, no del todo enfocados, pero absolutamente engañosos para una road movie. El resultado es una serie de fotografías en blanco y negro distorsionadas y a diferentes tonos. Vemos cómo el artista se libera, redefiniendo el contexto y mirando con la intención de hacer válidos todos los temas y cada uno de los objetos. Con extraordinario sentimiento, estos fragmentos de imágenes difuminadas, ambientadas en un camino, en las afueras de las ciudades, nos revelan que a veces la realidad reside en lo que pasa desapercibido y se diluye al final de cada día.
Paul Moakley es fotógrafo, comisario y redactor. Vive y trabaja en el Alice Austen House Museum, lugar de nacimiento de una de las primeras fotógrafas estadounidenses, en Staten Island (Nueva York). Ha comisariado exposiciones de varios fotógrafos, entre los que cabe destacar a Arlene Gottfried, Cristóbal Hara, Trent Parke o Larry Towell. Paul ha trabajado como redactor fotográfico sénior en Newsweek y también en PDN (Photo District News). Actualmente, es profesor adjunto en la School of Visual Arts de Nueva York, donde enseña historia de la fotografía contemporánea. www.paulmoakley.com
Ilkka es asimismo el autor de otro impresionante corpus recogido en Nueva York durante la ola de calor de 2003, la cual coincidió con el apagón más grande de la historia de Estados Unidos. Hay una imagen dentro de este trabajo que muestra al típico ejecutivo, trajeado y encorbatado, que permanece tumbado en el suelo, rodeado de periódicos
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It is difficult to describe this thin line where matter ends and mind begins.
Robert Frank - From pages 20-22 of Aperture, vol. 9, no. 1 (1961)
The first time I saw these photographs by Ilkka Uimonen they were shown in a projection in New York City, and each image flashed by at a speed that felt too fast. The presentation filled me simultaneously with excitement and dread. The images seemed like an alien vision of a country, detached, dried and fading. They made my heart sink. It was one month before the presidential elections in the United States, a time of real uncertainty, and these photos cast bleak and looming shadows on everything. They capture a world defined by isolation, where we are, locked in our cars, walking though deserted streets, where any moment of sublime beauty is frozen in a blinding thick haze. In a childlike way, each frame sees everything as a worthy subject and feels like a questioning premonition of what will come next. Ilkka Uimonen began his career as a photojournalist witnessing and recording first hand many of the most violent conflicts of our times. Since 2002 I followed his work, and have watched his pictures evolve from traditional photojournalistic documentation into something distinctly more atmospheric and cerebral. In his book Cycles (Trolley, 2004), one can clearly see a change in his approach to recording conflict. The book is conceptualized as a continuous loop of the Israel-Palestine conflict that offers no answers and at the same time clearly shows the endless horror each side endures.
with the dregs of the city. The image plays on our primal subconscious fear of the dark, the terror that possessed a post-9/11 city, and shows how modern life can quickly be reduced to anarchy. The images shown here from Road can seem as abstract as a Rorschach ink blot test. They are in-between, unspectacular, out-of-focus, yet completely beguiling moments from a road trip. The results are distorted black and white photographs in a range of tones. We also see an artist freeing himself, redefining context and looking intently in order to make all matter and every subject valid. With an extraordinary sense of feeling these shards of pictures-blurs on a path, outskirts of towns, reveal to us that sometimes reality resides in what goes unnoticed and fades away at the end of each day.
Paul Moakley is a photographer, curator, and editor. He lives and works at the Alice Austen House Museum, home of one of America’s earliest photographers, in Staten Island, New York. He has curated exhibitions by a number of photographers including Arlene Gottfried, Cristóbal Hara, Trent Parke, and Larry Towell. Paul has worked as a senior photo editor at Newsweek and also as the photo editor for PDN (Photo District News). He is currently an adjunct professor at the School of Visual Arts where he teaches contemporary photo history. www.paulmoakley.com
He created another impressive body of work in New York City during a summer heat wave in 2003, which coincided with the largest blackout ever in North America. One image in particular shows an iconic looking businessman, well dressed in a suit and tie lying in the street surrounded by scattered newspapers. The subject looks directly at the photographer and his face and posture show a disturbing vulnerability, as though he had just been knocked to the floor and made level
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Jason Nocito
La casa de mi hermano My Brotherâ&#x20AC;&#x2122;s House
Jason Nocito
Jason Nocito es originario de Mineola (Nueva York) y colabora regularmente con The Fader, Nylon o Dazed and Confused. Ha publicado recientemente su primer libro, Leads (Aperture, 2008), comisariado por Tim Barber de Tinyvices (Aperture, octubre de 2008). Actualmente trabaja en su segundo libro, que gira en torno a la ciudad de Vancouver (Canadรก).
Jason Nocito is originally from Mineola, New York. He is a regular contributor to The Fader, Nylon, and Dazed and Confused. He recently published his first book Loads (Aperture, 2008) which was curated by Tim Barber of Tinyvices (Aperture, October, 2008) He is currently working on his second book about Vancouver, Canada.
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Jason Nocito
t/ Anthony LaSala
En la agitada vida de un adolescente, mudarse a una casa propia es mucho más que ocupar un techo y cuatro paredes en los que pasar el tiempo. Se trata de una inconmensurable oferta de autonomía, riesgos, autoevaluación y laxitud extrema. Pone en bandeja una responsabilidad instantánea y abrumadora y promete multiplicar la velocidad de la vida en el viaje hacia ese lugar al que nunca pensabas llegar: la edad adulta. En la serie de Jason Nocito La casa de mi hermano tenemos la oportunidad de echar un vistazo a la vida del hermano del fotógrafo, más allá de las puertas de la casa que comparte en Long Island con el resto de miembros de su grupo de música. Con un puñado de instantáneas (en ese estilo a veces fácil y sin tapujos y casi siempre encantador), Nocito nos transporta y nos hace sentir cómodos al instante. Sus fotografías hacen familiares lugares desconocidos y convierte a los extraños en amigos que se saben todos tus ligues desde el tiempo de la escuela secundaria.
cabeza y sus reflexiones ocultas tras capuchas oscuras. Todas estas imágenes forman un magnífico story board en el que el hermano y sus conocidos se deslizan hacia la madurez, reflejando a la vez el recuerdo de nuestra primera casa y la búsqueda de un propio camino.
Entre 1997 y 2008, Anthony LaSala ha colaborado en la redacción de la premiada revista de fotografía Photo District News entre 1997 y 2008. En los años 2003 y 2004 estuvo nominado al galardón de Redactor Fotográfico del Año en los Lucie Awards. Es autor de The Brooklynites (powerHouse, 2007) y World’s Top Photographers: Nudes (Rotovision, 2005). Actualmente es redactor fotográfico adjunto de la revista Food & Wine. Vive en su barrio natal, Brooklyn, en la ciudad de Nueva York.
Más allá del manchado exterior gris y rosa de la casa triangular nos encontramos con los atrezos y distracciones que acompañan la vida de los jóvenes que viven solos. Cajas de pizza dobladas y marañas de cables de videoconsola. Paredes vacías sobre las que sólo cuelgan pósters de grupos de rock. Drogas y alcohol combinados con un montón de amigos: sentados, fumando en el patio, viendo programas pésimos de televisión, pasando el rato, enrollándose. Nocito dice que su objetivo era descubrir qué son los «niños perdidos y qué hacen con su tiempo, cómo conectan o desconectan». Todo ello queda claro tras conocer este trabajo, aunque, para mí, la desconexión es lo que salta a la vista con más fuerza. La soledad que esconden las capas de desorden se agarra al espectador más que el constante humo de tabaco. Vemos en la casa a una chica joven sentada junto a una amiga; la chica es besada por un chico, pero, con los ojos vueltos, se aferra a su amiga de la mano, los pensamientos en algún lugar más allá de esas cuatro paredes. Fuera existe la misma desidia. Entre las plazas de aparcamiento vacías y los depósitos de agua que asoman entre la neblina, el hermano de Nocito y sus amigos vagan por el pueblo de Hicksville en monopatín. Las luces de freno de los coches les iluminan de rojo la cara, la
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Jason Nocito
t/ Anthony LaSala
In the rickety life of any teenager, moving into your own home means much more than a simple roof with walls to pass your time in. It is a sea-size offering of autonomy, peril, selfevaluation and overindulgence. It holds out instantaneous and overwhelming responsibility, which promises to accelerate your life tenfold towards that other place that you thought would seemingly never arrive-adulthood. In Jason Nocito’s series “My Brother’s House” we get a vivid glimpse inside the walls and life of the photographer’s sibling spending his days living in a Long Island house with his fellow bandmates. With a handful of snapshots in that easy-going, sometimes gritty, often lovely style of Nocito, we are transported and feeling comfortable instantly. Nocito’s photographs convert unknown locations into familiar ones and strangers into childhood friends who know all your secret crushes from the 8th grade on.
sliding their way to adulthood while also mirroring our own memories of first homes and finding our way.
From 1997 until 2008, Anthony LaSala worked with the editorial staff at the award-winning photography magazine Photo District News. In the years 2003 and 2004 he was a nominee for Photography Editor of the Year at the Lucie Awards. He is the author of The Brooklynites (powerHouse, 2007) and World’s Top Photographers: Nudes (Rotovision, 2005) and he is currently the Deputy Photo Editor at Food & Wine magazine. He lives in his hometown of Brooklyn, New York.
Inside the stained gray and pink exterior of the triangular home we see the usual props and distractions that go along with the life of young adults living on their own. Folded pizza boxes and the tangled wires of video game consoles. Rock posters sticking to otherwise spare walls. Drugs and alcohol mixed with lots of friends. Sitting on the floor, smoking in the backyard, watching bad television, hanging out, making out. Nocito has said that he was aiming to discover what “lost kids like to do with their time together, how kids connect or disconnect.” And all of that is readily apparent. But for me, certainly the disconnection speaks the loudest. The loneliness beneath all the unkempt layers clings to you more than the constant cigarette smoke. In the house, we find a young girl sitting with a friend being kissed by a boy, eyes away, her hand clenched to her friends, thoughts somewhere outside of the four walls around her. Outside there is the same despondency. Among vacant parking lots and water towers looming through light fog, Nocito’s brother and friends roam the city of Hicksville on sneakers and skateboards. Taillights illuminate their faces, and black, fabric hoods hide their heads and thoughts. Together these images tell a superb, scrapbook-esque tale of his brother and his acquaintances slip-
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News Primavera 2009 David Fonfría news@ojodepez.org
Dorothea Lange. Los años decisivos Dorothea Lange. The Decisive Years
DOROTHEA LANGE. Migrant Mother. Recolectores de guisantes en la indigencia, Nipomo, California, 1936. Gift of Sonia Bloch © Dorothe Lange
Malick Sidibé Sidibé es uno de los grandes fotógrafos africanos. La exposición nos ofrece la visión de las distintas tipologías urbanas que pasaron por su estudio de Bamako, en Mali, en la década de los 70. Sidibé is one of the great African photographers. This exhibition offers us a vision of the different urban styles that paraded through his studio in Bamako, Mali, in the 70’s. Galería Oliva Arauna Barquillo, 29. 28004 Madrid www.olivaarauna.com WILLIAM EGGLESTONE. De “Los setenta: volumen dos”, ca 1970. (“From The seventies: Volume Two”, ca 1970).Cheim & Read, New York © William Egglestone
Cristóbal Hara FESTIVALES FESTIVALS
(1) PHotoEspaña 2009 La fotografía se suele valer de historias de todos los días para extraer nuevas visiones, de ahí que PHotoEspaña dedique su XII edición a “lo cotidiano” sin dejar de lado su proyección internacional ni su interés por el público y los nuevos talentos. El retrato de la realidad cotidiana, unido al interés renovado por el documental, propició el tema central de esta edición, donde se podrán ver obras de artistas como Gerhard Richter o Larry Sultan, y revisar a clásicos como Dorothea Lange o Ugo Mulas. PHE 09 propone un conjunto de 74 exposiciones, tanto en la Sección Oficial como en el Festival Off, así como en sus programas habituales de Descubrimientos, Encuentros y Campus. Este año, la proyección periférica e internacional que PHE ha ido marcando en las últimas ediciones se acentúa aún más con exposiciones y programas profesionales en México D. F., Lima y, por primera vez, Milán. > Del 03 de junio al 26 de julio. It is common for photography to create new visions from our daily routines, and this is the reason for PHotoEspaña to dedicate this 12th edition to “everyday life”, while still maintaining
its international projection and its interest for the public and for new talents. The main theme of this edition comes from a renewed interest in documentary photography and in portraying the reality of everyday life, and we shall see the works of artists such as Gerhard Richter or Larry Sultan and review classics such as Dorothea Lange or Ugo Mulas. PHE 09 brings us 74 exhibitions, both in its Official Section and in the Festival Off as well as in its usual programs Descubrimientos, Encuentros and Campus. This year, the peripheral and international projection that PHE has been developing its last editions is emphasised even more with exhibitions and professional
programs in Mexico City, Lima, and for the first time in Milan. > From 03 June to 26 July. www.phe.es
El característico uso del color sobre los pueblos y la idiosincrasia de los españoles está muy presente en las imágenes de este autor. > Del 29 de mayo al 27 de julio.
Aquí un repaso a la mejor programación de PHE 2009. Here’s an overview of the best programs for PHE 2009.
This author’s images show a very characteristic use of colour on Spanish villages and the Spanish idiosyncrasy. > From 29 May to 27 July.
Yann Gross
Museo Colecção Berardo Praça do Império 1449-003 Lisboa. Portugal
El joven fotógrafo suizo, ganador de Descubrimientos PHE08, muestra con Horizonville el sueño un tanto surrealista de una comunidad en Suiza por reproducir y vivir los estereotipos más marcados del american way of life. > Del 05 de junio al 26 de julio.
Fotografías de la etapa más importante de Dorothea Lange. Entre 1935 y 1940 produjo sus icónicas imágenes de la Gran Depresión americana que la hicieron mundialmente famosa. > Del 04 de junio al 26 de agosto. Photographs from Dorothea Lange’s most important period. Lange produced her iconic images of America’s Great Depression between 1935 and 1940, making her world famous. > From 04 June to 26 August Fundación ICO. Zorrilla 3, 28014 Madrid. www.ico.es
Exposición Colectiva. Años 70. Fotografía y vida cotidiana Group Exhibition. The 70’s Photography and daily life William Eggleston, Anders Petersen, Eugene Richards, Cindy Sherman, son sólo un ejemplo entre la veintena de fotógrafos que definieron una interesantísima década en la historia de la fotografía. > Del 04 de junio al 26 de agosto. William Eggleston, Anders Petersen, Eugene Richards and Cindy Sherman, are just a sample of more than 20 photographers who defined one of the most interesting decades in the history of photography. > From 04 June to 26 August. Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte / Fernán Gómez Theatre. Art Centre Plaza de Colón, 4. 28046 Madrid www.esmadrid.com/teatrofernangomez
(2) Hereford Photography Festival El único festival anual de fotografía en el Reino Unido, llega a su decimonovena edición, en la que destaca Seen but not Heard. A través del trabajo de Julia Fullerton-Batten, Michelle Sank y Jan von Holleben, entre otros, se reflexiona sobre la representación de la infancia y la adolescencia en un presente marcado por la continua sospecha sobre los fotógrafos a la hora de exponer y fotografiar tan delicado tema. > Del 14 de mayo al 21 de junio. The only annual photography festival in the UK reaches its 19th edition, featuring the Seen but not Heard exhibition as one of its highlights. The work of Julia Fullerton-Batten, Michelle Sank and Jan von Holleben, amongst others, reflects upon the representation of childhood and adolescence, which has become ever more haunted by the continuous suspicion that falls upon photographers when photographing and exhibiting such a delicate subject. > From 14 May to 21 June. The Courtyard Edgar Street, Hereford HR4 9JR, Reino Unido / UK www.photofest.org
(3) Les Rencontres d´ Arles Dirigido por Francois Hébel, la cuadragésima edición del Festival de Arles nos ofrece un amplísimo repertorio de exposiciones como las de Willy Ronis, Robert Delpire, Nan Golding, David Armstromg, Antoine d´Agata, JH Engström, Boris Mikhailov, Anders Petersen, Duane Michals, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Eugene Richards, Paulo Nozolino, Roni Horn y Elger Esser entre tantos otros fotógrafos. > Del 07 de julio al 13 de septiembre. Directed by Francois Hébel, the 40th edition of the Festival d’Arles offers a very wide range of exhibitions such as works by Willy Ronis, Robert Delpire, Nan Golding, David Armstrong, Antoine d’Agata, JH Engström, Boris Mikhailov, Anders Petersen, Duane Michals, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Eugene Richards, Paulo Nozolino, Roni Horn and Elger Esser amongst many other photographers. > From 07 July to 13 September.
This young Swiss photographer who won the Descubrimientos award for PHE08 brings us Horizonville, a somewhat surrealist dream of a Swiss community to reproduce and live out the strongest stereotypes of the American way of life. > From 05 June to 26 July.
Arles, Francia www.rencontres-arles.com
Consejería de Cultura y Turismo / Complejo El Águila Ramírez de Prado, 3. 28045 Madrid
programa repleto de actividades, charlas, proyecciones y exposiciones, entre las que podemos destacar: This festival of documentary photography, held annually in Perpignan, is celebrating its 20th edition with a full program of activities, talks, projections and exhibitions, of which we recommend:
Stanley Greene. The Road to Ruin, Drugs and Disease El trabajo del fotógrafo norteamericano documenta como la creciente presión sobre los canales tradicionales de distribución del opio afgano ha hecho que la droga inunde la Ruta de la Seda. Greene’s work documents how growing pressure on the traditional distribution channels of Afghan opium has made the drug flood the historic “Silk Road”. Ancienne Université Rue du Musée, Perpignan
Paollo Pelegrin. La diaspora irakienne The Iraqi Diaspora Si el mundo no ha encontrado aún una solución a la diáspora palestina, pocas esperanzas tiene uno de los daños más silenciados de la invasión norteamericana a Iraq, el éxodo de la población civil iraquí a Jordania y Siria principalmente. If the world has not yet found a solution to the Palestinian Diaspora, there are little hopes for one of the least discussed effects of the American invasion of Iraq, the mass exodus of Iraqis from their homeland to Jordan and Syria. Couvent Sainte Claire Rue Général Derroja, Perpignan
Nina Bergman. Homeland, US La fotógrafa norteamericana centra su trabajo desde el 11 de septiembre, no sólo en el coste humano de la guerra, sino también en el comercio que genera y en el creciente clima militarista que se ha generado en los EE. UU. Since September 11th, Bergman focuses her work not only on the human cost of war, but also on the marketing of war and the growing militarization of American life. Couvent des Minimes Rue Francois Rabelais
(4) Visa pour l´Image
YANN GROSS. Horizonville, 2005 © Yann Gross
El festival de fotografía documental que se celebra anualmente en Perpignan llega a su vigésima edición con un
> Del 29 de agosto al 13 de septiembre. > From 29 August to 13 September. Perpignan, Francia www.visapourlimage.com
Exposiciones Exhibitions
(1) Jim Goldberg The New Europeans Con el proyecto ganador del Premio HCB 2007, el estadounidense Goldberg muestra un trabajo de documentación de cuatro años sobre los esfuerzos de inmigrantes y refugiados de países devastados para crearse un nuevo hogar en Grecia. > Hasta el 26 de julio. This acclaimed work reveals the journeys of populations refugee, immigrant, and trafficked people, who travel from war torn and economically devastated countries to make new homes in Greece, and it earned Goldberg the prestigious 2007 HCB Award. > Until the 26th of July Fundación Henri Cartier Bresson / Henri Cartier Bresson Foundation 2, Impasse Lebouis - 75014 Paris www.henricartierbresson.org
(2) Guy Tillim Avenue Patrice Lumumba Amplia selección del último proyecto del sudafricano Tillim, que se centra en la arquitectura modernista africana como símbolo del optimismo original sobre el futuro de la África postcolonial. La mayoría de los edificios, hoy destartalados, son el retrato del sueño no cumplido. Un libro acompaña a la exposición. > Hasta el 30 de agosto. This is a broad selection of Tillim’s last project, focused on modernist African architecture as a symbol of the original optimism on the future of postcolonial Africa. Most of the buildings, today in ruins, are the portrait of an unrealised dream. There is a companion book to the exhibition. > Until the 30th of August.
portraits of Barack Obama’s new administration. This extraordinary collection of 27 life-size photographs is a real world premiere. > Until the 30th of August. Gallery 20, Birmingham Museum & Art Gallery. Chamberlain Square, Birmingham, B3 3DH, Reino Unido / United Kingdom www.rhubarb-rhubarb.net
(4) Henri Cartier-Bresson Á vue d´œil Con motivo del centenario del nacimiento del hombre que quiso poner “la cabeza, el ojo y el corazón en la misma línea de visión”, la Maison Eurpéenne de la Photographie muestra 320 fotografías que forman parte de su colección, estructurada en torno a dos temas recurrentes en su obra: París y los europeos. > Hasta el 30 de agosto. To commemorate the 100th anniversary of the birth of the man who wanted to place “the head, the eye and the heart in the same line of vision”, the Maison Européenne de la Photographie is showing 320 prints from its collection, based around two recurrent themes in his work: Paris and The Europeans > Until the 30th of August. Maison Européenne de la Photographie Ville de Paris 5/7 rue de Fourcy. 75004 Paris www.mep-fr.org
(5) Agustí Centelles Cien fotografías, la mayoría inéditas en Francia, en las que el autor documenta la Guerra Civil española y su posterior internamiento en el campo de concentración francés de Bram. > Del 09 de junio al 13 de septiembre.
100 prints, most of which are unpublished in France, where the author documents the Spanish Civil War and the time he spent in the French concentration camp of Bram. > From 09 June to 13 September. Jeu de Paume. Hotel de Sully 62, rue Saint-Antoine, 75004 Paris
Jeu de Paume. Concorde 1, Place de la Concorde, 75008 Paris
(6) Reality Revisited, Photography from the Moderna Museet Collection Una muestra de la fotografía en blanco y negro de los años 70 perteneciente a la colección del Moderna Museet. Entre otros fotógrafos, se exhiben trabajos de Larry Clark, Ralph Gibson, Duane Michals y unas interesantes series de Anders Petersen y Christer Strömholm. > Hasta el 20 de septiembre. An exhibition of 70’s black and white photography from the Moderna Museet collection, with works by Larry Clark, Ralph Gibson, Duane Michals and interesting series by Anders Petersen and Christer Strömholm on display. > Until the 20th of September. Moderna Museet. Skeppsholmen, Estocolmo, Suecia / Skeppsholmen, Stockholm, Sweden www.modernamuseet.se Moderna Museet
(7) Planète Parr, La Collection de Martin Parr Un diálogo entre las fotografías de su última serie Luxury y su amplia colección de objetos, referidos a los más importantes acontecimientos políticos y a las manifestaciones más burdas del consumismo. Una oportunidad más para apreciar su visión satírica de nuestra sociedad. > Del 30 de junio al 27 de septiembre.
(8) World Press Photo 2009 Mientras continúa la gira de la edición de 2008, ya se saben algunas de las ciudades donde podrán verse los trabajos premiados en 2009: -Del 08 de junio al 01 de julio Zlote Tarasy, Varsovia, Polonia -Del 12 de junio al 05 de julio Willy-Brandt-Haus, Berlin, Alemania -Del 13 de junio al 09 de agosto Metropolitan Museum of Photography, Tokio, Japón
Un impresionante viaje en el mundo del fotógrafo, coleccionista y escritor de diarios y libros, Peter Beard. Esta edición de dos volúmenes se basa en el original de edición limitada, que se agotó inmediatamente después de su publicación. An impressive trip through the world of this photographer, collector and writer. This edition in two volumes is based on the original limited edition, which sold out immediately after publication. Taschen, 2008 784 págs. 21,8 x 31,6 cm
288 págs. La Fábrica, 2009 14,5 x 22 cm
(3) Invasión Praga 68 Invasion 68: Prague Josef Koudelka Cuarenta años después de la invasión a Praga, Koudelka publica un libro con 250 fotografías, varias inéditas, del momento de la invasión de las tropas del Pacto de Varsovia en Praga.
(7) Sanfermines Ramón Masats
El periplo de Castro Prieto por Etiopía se traduce en fotografías que son casi lienzos para mostrar un país donde conviven las religiones cristiana, musulmana y animista. El punto onírico de muchas imágenes —cuya exposición se vio en Madrid hace poco— aleja a este libro de la mirada convencional y estereotipada del país africano.
Ramón Masats pasó los Sanfermines de 1957 captando —“con inocencia… porque no sabía bien a lo que iba allí, ni llevaba un criterio previo”— una fiesta que Ernest Hemingway aupó al renombre internacional. La Fábrica reedita ahora una de sus series más reconocidas, en una edición revisada por el autor junto a Chema Conesa y con un texto del propio Papa Hem.
40 years after the invasion of Prague, Koudelka has published a book with 250 photographs, several yet unpublished, of the Warsaw Pact troops in Prague.
Castro Prieto’s wanderings through Ethiopia are transformed into photographs that are almost canvasses depicting a country where the Christian, Muslim and Animist religions live side by side. The dreamlike quality of many of these images -exhibited recently in Madrid- a separate this book from the conventional and stereotypical view of this African country.
Lunwerg, 2008 296 págs. 25 x 32 cm
Lunwerg, 2009 112 págs. 30,5 X 27,6 cm
(6) Scrapbook Donovan Wylie (4) Light Lines Ray K. Metzker
-Del 20 de septiembre al 10 de octubre Casa del Hombre Domus, A Coruña, España Although the 2008 edition is still on tour, we can advance some of the cities that will showcase the winners in 2009: - From 08 June to 01 July Zlote Tarasy, Warsaw, Poland
- From 07 August to 05 September, Scottish Parliament, Edinburgh, United Kingdom - From 18 September to 11 October Karolinum, Prague, Czech Republic - From 20 September to 10 October Casa del Hombre Domus, A Coruña, Spain www.worldpressphoto.org
Ramón Masats spent the Sanfermines of 1957 capturing —“innocently... because I didn’t really know what I was going there for, nor did I have a previous idea of what I wanted to capture”— a festival made internationally famous by Ernest Hemingway. La Fábrica is now reprinting one of its most renowned series, in an edition revised by the author together with Chema Conesa and with texts by Papa Hemingway himself. 260 págs. La Fábrica, 2009 22 x 28 cm
-Del 18 de septiembre al 11 de octubre Karolinum, Praga, República Checa
- From 20 June to 19 July Museu da Electricidade, Lisbon, Portugal
Agustí Centelles. Salida de milicias hacia el frente. Barcelona, julio de 1936 (c) Agustí Centelles
(1) Peter Beard
(5) Etiopía José Manuel Castro Prieto
-Del 07 de agosto al 05 de septiembre, Scottish Parliament, Edimburgo, Reino Unido
- From 19 June to 09 July Jansherk, Utrecht, Holland
El New York Times encargó al fotógrafo Nadav Kander realizar una serie de retratos de la nueva administración de Barack Obama. Esta extraordinaria galería de 27 fotografías a escala real es una primicia mundial. > Hasta el 30 de agosto.
and the author’s adventures. A true masterpiece that shows why Capa is considered to be the best war reporter in history.
-Del 20 de junio al 19 de julio Museu da Electricidade, Lisboa, Portugal
- From 13 June to 09 August, Metropolitan Museum of Photography, Tokyo, Japan
(3) Nadav Kander. Obama’s People
LIBROs BOOKs
-Del 19 de junio al 09 de julio Jansherk, Utrecht, Holanda
- From 12 June to 05 July WillyBrandt-Haus, Berlin, Germany
Foam - Fotografiemuseum Amsterdam Keizersgracht 609, 1017 DS Amsterdam, Holanda www.foam.nl
The New York Times commissioned photographer Nadav Kander to perform a series of
A dialogue between photographs of his last series Luxury, and his broad collection of objects relating to the most important political events and the coarsest expressions of consumerism. Another great opportunity to appreciate his satirical vision of our society. > From 30 June to 27 September
(2) Ligeramente desenfocado Slightly out of focus Robert Capa Las memorias del célebre fotógrafo sobre la Segunda Guerra Mundial, con más de cien imágenes de su autoría. De la mano de Capa, el lector recorre la Europa en guerra, de Londres al norte de África, de Nápoles al Canal de la Mancha, de París a Berlín, en un trepidante relato donde se mezcla la política internacional con las aventuras del autor. Una obra maestra que permite comprender por qué Capa es considerado el mejor reportero de guerra de la historia. The memoirs of this famous Second World War photographer, with more than 100 prints. The reader travels through war-torn Europe through Capa’s eyes, from London to North Africa, from Naples to the English Channel, from Paris to Berlin in a vibrant story that brings together international politics
Este libro de Ray K. Metzker, uno de los más importantes fotógrafos de Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo XX, expone más de 200 reproducciones de alta calidad, que reflejan todos los aspectos de la carrera fotográfica de más cincuenta años de este artista.
Este «bloc de notas» del irlandés Donovan Wylie, criado en Belfast, recoge retrospectivamente y a manera de collage la versión personal de una época en la que en Irlanda todos debían tomar posición en torno a uno de los bandos violentos que dividieron a la ciudad entre la década de los sesenta y los noventa.
Ray K Metzker, one of the most important American photographers during the second half of the 20th century, presents over 200 high-quality prints reflecting all aspects of his more than 50 years of photographic career.
Donovan Wylie, born in Belfast, shows in his Scrapbook a collage of a retrospective and personal view of the turmoil of Northern Ireland when everybody had to take sides around the violent gangs that divided the city between the 1970s and the 1990s.
Steidl, 2008 288 págs 27 x 28 cm
112 páginas Steidl, 2009 20,5 x 29,5 cm
Hi-Photo Valentín Sama hi-photo@ojodepez.org
(1) Retina revolucionaria Revolutionary retina
consiguiendo un rango dinámico un 800% superior.
A simple vista, la Fujifilm Finepix F200EXR podría parecer una cámara compacta digital más, pero la diferencia que la hace relevante, e incluso revolucionaria, es su «retina», su captador adaptable Super CCD EXR.
El control de estas opciones puede ser automático o ejercido manualmente por el fotógrafo.
La disposición diagonal de los elementos fotosensibles RGB difiere de la pauta Bayer habitual, y permite la asociación de grupos de píxeles o pixel binning, de forma «inteligente», según las características de la escena a fotografiar. El resultado es que la F200EXR puede adaptarse a utilizar su plena resolución de 12 megapíxeles para la más fina reproducción del detalle, o recombinar sus píxeles a 6 o a 3 megapíxeles para ofrecer una sensibilidad de hasta 12 800 ISO con el menor ruido posible en escenas de baja luminosidad. ¿Escenas de alto contraste? Ningún problema para la F200EXR, que las reconocerá de inmediato y realizará internamente dos tomas diferenciadas, cada una de ellas con un juego separado y específico de 6 de sus 12 megapíxeles totales, y ello «para luces y sombras», recombinando ambas tomas y
Cuerpo metálico, objetivo equivalente a un 28-140 mm, estabilización dual, modos de exposición automáticos y manuales, reconocimiento facial, pantalla de 3 pulgadas y capacidad de vídeo en alta definición completan esta compacta diferente que emplea la exclusiva tecnología de captadores Fujifilm Super CCD. At first glance, the Fujifilm Finepix F200EXR might seem like any other digital camera. Yet, upon closer look, what makes it stand out, and even revolutionary, is its “retina”, a Super CCD EXR switchable sensor The diagonal arrangement of the RGB photosensitive elements differs from the usual Bayer guideline, allowing for the intelligent association of pixel groups, or pixel binning, according to the characteristics of the scene to be photographed.
up to ISO 12800, with the least amount of noise possible in lowlight situations. Extremely contrasty scenes? No problem for the F200EXR, which will recognize them immediately, executing two different shots internally, each with a separate and specific play of 6 of its total of 12 megapixels. The F200EXR recombines both shots for “lights and shadows”, thereby obtaining a wide dynamic range.
(2) Apoyo para todo Support for everything
(3) Belleza vintage Vintage beauty
(5) Recuerdos recuperados Salvaged memories
Los soportes Gorillapod son un trípode, pero… ¡mucho más que un trípode! Permiten apoyar y sujetar cámaras, terminales móviles y otros dispositivos en los lugares más precarios e insospechados. El diseño de las rótulas y los materiales escogidos hacen posible lo aparentemente imposible. En distintos tamaños y variados colores, su capacidad es muy superior a lo imaginable.
La montura Nikon F, lanzada en 1959 junto con la primera cámara réflex monocular profesional de la firma, cumple 50 años. Desde entonces, y a diferencia del camino seguido por otras firmas, la mítica montura sigue utilizándose —con mínimos cambios— en las Nikon actuales, lo que permite utilizar, con contadas excepciones, desde el objetivo más antiguo al más moderno.
Con menos de 10 cm por lado, el escáner Rubyscan recupera para el mundo digital diapositivas y negativos de nuestra «caja de zapatos» de recuerdos personales. En tan sólo un segundo por fotograma, y con alimentación directa USB desde el ordenador. Para formatos de 35 mm y 110, y con una resolución de 5 megapíxeles. Bonito, práctico, entrañable.
Yes, Gorillapods are tripods… But also much, much more! They support and keep hold of cameras, mobile phone terminals, and other mechanisms in the most precarious and unsuspected of places. The ball-and-socket joint design and the chosen materials make the seemingly impossible possible. In different sizes and colours, they are capable of far more than what you might think.
The Nikon F-Mount, launched in 1959 along with the company’s first professional monocular reflex camera, has turned 50. Since its launch, and in contrast to the road taken by other companies, the mythic mount continues to be used —with only slight alterations—on current Nikon models, which permits use, with few exceptions, of the oldest or the newest of lenses.
(6) Todo en uno, sin adornos All in one, and no frills, either
Control of these options can be automatic or operated manually by the user. Metallic body, a lens equivalent to a 28-140 mm lens, dual stabilization, automatic and manual modes, face detection, a 3-inch screen, and highdefinition video capability round out this unique compact that utilizes the exclusive technology of Fujifilm Super CCD sensors. (2) Gorillapod, un trípode para lugares imposibles. Gorillapod, a tripod for impossible places.
(3) Cámara Nikon F original, la sobria belleza. Original Nikon F camera: simple beauty.
(4) Foto y vídeo de verdad Genuine photo and video
The result is that the F200EX is very flexible, using its full 12-megapixel resolution for the highest quality reproduction of detail, or recombining its pixels to form 6 or 3 megapixels, which offers a sensitivity of
La Panasonic GH1 es la primera cámara híbrida auténtica para fotografía y vídeo en Full HD. Sigue el nuevo protocolo Micro Cuatro Tercios, de gran perspectiva de desarrollo. Captor de 12 megapíxeles, grabación en estéreo, objetivos zoom de enfoque insonorizado y diafragma de abertura continua la ubican en una categoría por el momento única. (1) Fujifilm Finepix F200EXR, con una inteligente «retina» adaptable. Fujifilm Finepix F200EXR, with an intelligent switchable “retina”.
(4) Panasonic GH1, la primera cámara híbrida auténtica. Panasonic GH1, the first authentic hybrid camera.
Measuring 76.5 × 92.5 × 100 mm, the Rubyscan scanner salvages slides and negatives from the “shoebox” of personal memories, reintroducing them into the digital world. In just one second per still, and with direct USB feed from a computer. For 35 mm and 110 mm formats, and with 5-megapixel resolution. Beautiful, practical, intimate.
The Panasonic GH1 is the first authentic hybrid camera for photography and video in Full HD. It follows the new Fourth Thirds system, with a promising development perspective. A 12-megapixel sensor, stereo recording, silent focus zoom lens, and a continuous diaphragm place it in a class unto itself.
SpyderCube nos permite ajustar, en postproducción, los valores para el blanco, gris medio, negro, negro absoluto y luces especulares —la bola no es un adorno— en archivos RAW. Basta incluirlo en una toma de muestra y hacer clic con el puntero sobre cada de una de sus zonas de referencia. Con soporte para trípode, alternativo lazo para colgar y tan sólo 4 cm de tamaño para 28 gramos de peso. SpyderCube allows for postproduction adjustment of colour values for white, middle gray, the deepest black, and specular lights —the ball is not an ornament — in RAW archives. All you need to do is use it in a sample shot and click with the pointer in each of the reference zones. With a tripod mount and strap. Size: 4 cm. Weight: 28 grams.
(5) Un miniescáner de hoy para fotos analógicas de ahora y de ayer. A cuttingedge mini scanner for analogue photographs of yesterday and today.
(7) Lujo a tamaño natural Life-size luxury Tamron, una referencia de calidad en objetivos macro, ofrece el nuevo SP AF 60 mm f/2 Di II LD IF Macro, destinado inicialmente a cámaras Canon, Nikon y Sony. Equivalente a un 90 mm, a su alta luminosidad de f/2 se le suma su diseño óptico de lujo de 14 lentes en 10 grupos que le permite fotografiar a escala 1:1; esto es, «a tamaño natural». Tamron, renowned for the outstanding performance of its macro lenses, presents the new SP AF 60 mm f/2 Di II LD IF Macro, available in mounts for Canon, Nikon and Sony cameras. Equivalent to a 90 mm lens, it boasts along with its fast maximum aperture of f/2 a luxury optical design of 14 lenses in 10 groups, which allows for photography on a scale of 1:1, or, in other words, “life-size” magnification.
(7) Nuevo Tamaron SP AF 60, un macro único en su clase. New Tamron SP AF 60, a macro lens in a class by itself.
(6) SpyderCube de Datacolor, mucho más que una carta gris. Spydercube by Datacolor, much more than a gray card.
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