skull cool by rockomd

Entrevista

Simone Simons

Arctic Monkeys gira por Sudamérica

TOP MUSIC ROCK

Novedad

Bon Jovi “New Jersey” 30 aniversario

Banda Del Mes

One Republic

Coldplay nuevo álbum “Ghost Stories”

Arcade Fire

causó sensación en

Rock in Rio

Editorial Estoy muy emocionado con este nuevo proyecto de esta revista dedicada a la música rock, nunca he escrito más allá de artículos, con mucho gusto acepté el reto. Que mejor manera de acercarme a la música que el poder estar dentro del corazón de la misma: la composición, entrevista a artistas. Durante años he sido amante a el rock y hasta hace un par de años que estoy buscando la oportunidad de editar una revista de música hasta hoy, consideré el poder hacerlo de forma profesional, así que al igual que la mayoría de todos los que se vuelvan parte de esta revista, yo también sigo luchando por destacar en este medio. Esta revista pretende ser un vínculo entre compositores, músicos, intérpretes, productores, editoras y demás; para que sea mucho más fácil el abrirse camino en este difícil medio, así que inviten a toda la gente que quieran para que se una a esta revista y estoy a su alcance como un miembro más de esta comunidad. Les agradezco que sean parte de este nuevo proyecto que es Skull Cool y les deseo mucho éxito en su carrera.

Creditos Olbis Meza Diaz Director Editorial

Olbis Meza Diaz Preprensa

Olbis Meza Diaz coordinador Editorial

Olbis Meza Diaz Director de Correcion

Internet Fotografia

Olbis Meza Diaz Director de Arte

Olbis Meza Diaz Director General

Olbis Meza Diaz Produccion

Olbis Meza Diaz coordinador de estilo

Skull and Cool @SkullCool SkullCool

INDICE U2 Pg. 18-19 Pg. 06 Adam Levine

Colplay Pg. 20 Pg. 07 Tokio Hotel Linkin Park Pg. 22 Pg. 08-09 Jack Withe

Pg. 10 PATD

Green Day Pg. 23

Simone Simons Pg. 24- 25

Pg. 11 Tame Impala Arctic Monkeys Pg. 26 Pg. 12-13 One Republic

Pg. 15 Gerard Way

Pg. 16-17 Arcade Fire

Bon Jovi Pg. 27

Don Tetto Pg. 28-29

TOP MUSIC Pg. 30

Adam Levine Debutará como director, actorde películay solista

El vocalista de Maroon 5, Adam Levine, debutará como director, actor y solista en la película Begin Again. El soundtrack del filme tendrá a su disposición una alineación ejemplar: interpretarán canciones el mismo Levine, Keira Knightley y CeeLo Green. El disco del sountrack fue co-producido por los estudios del artista, Levine 222, y tendrá su salida el 11 de julio del 2014 junto con la cinta cinematográfica. La película habla sobre una pareja de músicos (interpretados por Knightley y Lavine) y contará una especie de historia romántica y cómica. A continuación les dejamos el trailer y la lista de canciones incluidas en dicha grabación. La lista completa: 1. “Lost Stars” - Adam Levine 2. “Tell Me If You Wanna Go Home” - Keira Knightley 3. “No One Else Like You” - Adam Levine 4. “Horny” - CeeLo Green 5. “Lost Stars” - Keira Knightley 6. “A Higher Place” - Adam Levine 7. “Like A Fool” - Keira Knightley 8. “Did It Ever Cross Your Mind” (Demo Version) - Cessyl Orchestra 9. “Women Of The World” (Go On Strike!) - CeeLo Green 10. “Coming Up Roses” - Keira Knightley 11. “Into The Trance” - Cessyl Orchestra 12. “A Step You Can’t Take Back” - Keira Knightley 13. “Lost Stars” (Into The Night Mix) Adam Levine (*Deluxe) 14. “The Roof Is Broke” (Demo Mix) Cessyl Orchestra (*Deluxe) 15. “Tell Me If You Wanna Go Home” (Rooftop Mix) - Keira Knightley and Hailee Steinfeld (*Deluxe) 16. “Intimidated By You” - Cessyl Orchestra (*Deluxe)

Tokio Hotel

El productor del cuarteto dijo que grabaron todas las canciones. Ahora tienen que elegir las que serán seleccionadas para el álbum.

La banda alemana Tokio Hotel anunció el lanzamiento de un nuevo disco tras cuatro años de silencio. El cuarteto además realizará una gira para promocionar este trabajo. “A la banda le va bien. El nuevo álbum saldrá este año y seguramente volverán los conciertos en vivo”, adelantó el productor del grupo, Peter Hoffmann, en la nueva edición de la revista alemana “Bunte”. Hoffmann aseguró que la fase de grabación del nuevo disco ya está terminada. “Ahora toca la producción y elegir las canciones correctas”, explicó.

Desde su debut en 2003 con el disco Schrei, Tokio Hotel se convirtió en uno de los grupos alemanes con más repercusión internacional de los últimos años gracias a éxitos como “Durch den Monsun”. Su cuarto y hasta ahora último disco, Humanoid, salió en 2009. La banda se disolvió poco después y sus líderes, los estrafalarios mellizos Bill y Tom Kaulitz, se mudaron de Hamburgo a Los Angeles huyendo en parte del acoso mediático.

El músico y productor Thomas Anders contó con una verdadera reinvención del grupo para su nuevo disco. “Cuatro años es una eternidad para una banda para adolescentes”, dijo la ex estrella de Modern Talking a “Bunte”. Los Kaulitz, ahora de 24 años, tendrán que apuntar a otro gusto musical. “El público de Tokio Hotel creció”, sostuvo Anders. “Ahora tienen que dar el salto al mercado del pop adulto”.

Jack Withe La deidad del rock contemporáneo regresa a los estantes con ‘Lazaretto’, su segundo álbum como solista. El concepto de lazareto se remonta a tres siglos atrás, cuando algunas zonas costeras mantenían en cuarentena a inmigrantes de países contagiados –o sospechosos de contagio– de ciertas enfermedades. Es en un lazareto, en un hospital remoto en el que se vea obligado a someterse a la voluntad de un tercero , en donde Jack White fantasea estar. Es por eso que el Willy Wonka del rocanrol –como fue presentado en una edición de mayo de laRolling Stone – tituló su obra más fresca Lazaretto . “Deseo que otras fuerzas o poderes me empujen a ese escenario por un mes y me encierren en algún lugar, en lugar de hacerlo yo mismo todo el tiempo. Sería fenomenal estar en un hospital de cuarentena, pero no morir allí, tan solo saber que tengo que quedarme ahí dos meses, sin hacer nada más”, manifestó el músico estadounidense en una entrevista con NPR . En el rock , White siempre ha sido un caso aparte; recluso por convicción propia y disidente cultural, su impacto ha dado rienda a un sinfín de tendencias musicales. Se dio a conocer en 1997, cuando fundó The White Stripes con su esposa de entonces, Meg White. La banda empezó su apogeo durante el cambio de milenio, con una base de guitarra, batería y... nada más, cantando el blues sobre rock de garaje, y desarrollando un rocanrol orgánico en una época en la que se celebraba maquillar al género con cuanta artimaña fuera posible. No obstante, el artista ha cambiado. Mientras el tercer disco de los Stripes –el emblemático White Blood Cells (2000)– se grabó en cuestión de tres días,Lazaretto –su segundo esfuerzo como solista– le tomó año y medio de confección.

Su principal problema fueron las letras, aunque también se puso quisquilloso en su estudio de grabación y en Third Man Records, compañía disquera que fundó en el 2001 y cuya abundante labor en el último lustro ha dado de qué hablar. “Un problema que tuve con estas canciones fue que grabé la música y no escribí las letras durante varios meses. Me fue difícil pensar en cuáles historias tenían sentido y cuáles personajes podían involucrarse en este disco”, alegó White a NPR . “Estaba en un embrollo, pero había encontrado escritos y garabatos de cuando tenía 19 años; eran obras o poemas, algo así. No eran muy buenos, eran como de una persona sin experiencia en la vida, pero con mucho fuego por dentro”. Esos manuscritos de su juventud lo sacaron del problema de las letras. “Tenía 19 años. No podía esperar a salir de mi casa y hacer algo, ir a algún lugar, ver algo. Pensé en botar los textos, salvo un par que eran interesantes, y luego pensé: ‘Antes de hacer eso, ¿por qué no saco a algunos de estos personajes, algunos nombres, algunas oraciones y trabajo con eso?’. ”Eso hice, y fue como una forma de colaborar con una versión mía de 19 años, que es la mitad de mi edad actual. Ahora que tengo experiencia, ¿qué me diría sobre lo que debería de hacer? Podía devolverme y decir: ‘No es así cómo se escribe una canción; así se trabaja en las metáforas; tratá de hacerlo así’, y así me salí del embrollo”, reveló. Ataque. Al diario británico The Guardian , White le confesó que su objetivo es atacar las canciones.“Algunas veces suenan realmente diferentes y otras veces la gente dirá: ‘Eso suena exactamente igual a una canción de los White Stripes con cinco personas tocando’. En todo caso, eso sería un complemento, me sentiría halagado”, comentó.

Lo que resalta es que siempre es él quien se refleja en su música, incluso cuando se inventa historias en sus canciones, ya fuera en su primer disco como solista – Blunderbuss (2012)–, en los Stripes, o en sus otras dos bandas, The Raconteurs y The Dead Weather. Con tanto trabajo en los últimos años –en cuenta colaboraciones con Neil Young y Alicia Keys–, no es para menos que White quiera recluirse del mundo, aunque sea por un par de meses; eso de ser una suerte de deidad del rock contemporáneo es agotador. Jack White – ‘Lazaretto’ “La última vez que me senté a hacer nada fue probablemente cuando era un adolescente”, le contó a The Guardian . “Cuando tenía 21 años, ya tenía mi taller de tapicería, tenía hipoteca y tenía una casa . Debo haber tenido 18 o 19 la última vez me desperté y dije algo como, ‘¡Supongo que jugaré ajedrez hoy!’ ... Soy una persona increíblemente complicada, enérgica, ocupada y nunca dejo de pensar y crear. Sentarse cerca mío o ser mi amigo conlleva mucho trabajo; es como si fueras a almorzar con Larry David, Alan Partridge y Chris Rock, todos en una sola persona, quizá con un poco de Woody Allen en la mezcla”, explicó al diario inglés, de una forma que extrañamente explica a Lazarettoy, por ende, al Jack White del 2014: un caos controlado que está constantemente coqueteado con una quietud inalcanzable.

Panic! At The Disco Presenta el videoclip para Nicotine, dentro de Too Weird To Live, To Rare To Die!

Panic! At The Disco acaba de presentarnos el videoclip para Nicotine, cuarto sencillo promocional de su último trabajo Too Weird To Live, To Rare To Die! Tras Miss Jackson, This Is Gospel y Girls/Girls/Boys esta banda estadounidense que comenzó en el instituto nos propone un videoclip con una estética antigua potenciada por las imágenes en riguroso blanco y negro.

El videoclip apuesta por las sombras y el contraste. El ritmo, sin embargo, es dinámico y fresco, con una base que incita a bailar. Nada que ver con la pausada y antigua estética de los fotogramas del audiovisual. El líder vocal de la banda, Brendon Boyd Urie, aparece galante, preocupado y triste. Persigue a una modelo y lamenta lo adicto a ella que se siente.

Brendon Boyd explicó a los medios que este tema pretende ser una personificación de la adicción. Representa a esa persona que a sabiendas de que no te conviene, no eres capaz de dejar ir. Habla de la incapacidad de pasar página. El mensaje que no se debe contestar, la puerta que no se debe abrir. Adicción y nicotina.

Tame Impala Los australianos Tame Impala han hecho de la psicodelia un género vivo “Supongo que los halagos me desquiciaron un poco, y terminé diciendo cosas que no debía en entrevistas en las que debes promocionarte. Claro que pienso que he grabado un buen disco”. Kevin Parker (Sydney, 1986) se ha levantado sin resaca por primera vez desde que arrancó su gira europea para poner en orden algunos recientes ataques de sinceridad. El hombre, líder del combo de pop psicodélico Tame Impala, sufrió hace un par de meses un cortocircuito y, harto de que le recordaran lo bueno que era su último disco, Lonerism,y en cuántas listas de lo mejor de 2012 aparecía, empezó a pregonar que no era tan bueno. En un punto indeterminado “entre Bélgica y Polonia”, Kevin responde al teléfono desde una cuneta minutos después de que se haya averiado el autobús que le traerá a Madrid para actuar en La Riviera el 13 de julio. “Supongo que ya no me apetecía seguir buscando la empatía del oyente.

Es una reacción natural. Me pasé mis primeros años pensando que no podía ser que fuera tan malo, que debía haber más gente a quien le gustara lo que hacía. De golpe, me encontré en la situación opuesta: ‘¿Qué hacen todos estos diciendo que soy bueno?”. En realidad, no se trataba de la primera ocasión en que se celebraba la excelencia de este australiano enamorado del pop más comercial que afirma tener escrito un disco entero para Kylie Minogue, o para cualquier diva que esté dispuesta a comprárselo (“no lo regalo, es demasiado bueno”). Dos años antes, su primer largo, Innerspeaker, había sido incluido en la lista de los 100 discos más influyentes de la historia del pop australiano.

Pero lo que podía haber sido una rareza, un capricho de parte de la prensa, se convirtió en un clamor casi universal. Mezclado de nuevo por Dave Fridmann (Flaming Lips), y con Todd Rundgren, Supertramp y los Beatles de Revolver como referentes, el disco amagó con liderar un renacer de la psicodelia, algo que hubiera resultado trágico para Parker. “Suponer que el álbum es retro es falso. Por primera vez he trabajado con ordenadores, el sonido es actual. No hay vocación de rememorar nada. Para mí el álbum puede ser psicodélico porque habla de estados alterados de la mente, pero no pertenece a una tradición”, aclara el australiano. “Para mí, crear es estar solo hasta que se pierde la cabeza. Algunos piensan que soy así porque vivo en Perth, pero te digo que sería capaz de aislarme en el centro de París”, aclara. No por nada su primer disco contenía un tema titulado La soledad es una bendición y este segundo se articula alrededor de las bondades de no tener nadie cerca. “Trabajo mejor solo y casi siempre vivo mejor solo. Con el tiempo he aprendido a relajarme más con otras personas.

One Republic Una banda de dara de que hablar en 2014 OneRepublic es un grupo de pop rock propulsado por un éxito fulgurante tras ser descubiertos por uno de los productores más relevantes del mundo. El primer single de la banda, Apologize, remezclado por Timbaland, se mantuvo en el Top 5 del Billboard Hot 100 durante más de diez semanas consecutivas y ha sido número 1 de las listas europeas durante ¡15 semanas consecutivas! La canción ha batido récords mundiales, vendiendo más de dos millones de descargas legales, entrando en los libros de historia por obtener el record de exposición en radio, con 10.000 tocadas en una semana en EEUU. A lo que se añade la edición de uno de los CDs más esperados del año- Dreaming Out Loud – el debut de OneRepublic para Mosley Music Group/Interscope. Aunque OneRepublic sea el primer grupo de rock fichado por Mosley Music, no es la primera vez que las vidas del líder de OneRepublic, Ryan Tedder, y Timbaland se han cruzado. OneRepublic han tenido un recorrido circundante desde entonces hasta ahora. Y ese viaje comenzó en 2001. Tedder vivía en Nashville y consiguió un contrato discográfico al ganar el premio de un concurso como intérprete y compositor; la confirmación para alguien que lucha por convertirse en un compositor que es capaz de escribir “algo más que una canción pegadiza. No hay nada como una buena canción pop, pero existe una clara diferencia entre accesibilidad y credibilidad” dice Tedder. Gracias a un amigo común, Tedder recibió una llamada de Timbaland, quien quiso que trabajara con él. Como en las películas, Tedder con 21 años dejó su trabajo, vendió su coche y su equipo, y se alistó en “Production 101, la Universidad de Timbaland”. Bajo la tutela del productor, a Tedder se le dio la oportunidad de ponerse al mando de la mesa de mezclas de prestigiosos estudios desde Miami a Nueva York o Los Ángeles: “Fue un sueño hecho realidad”.

A pesar de la impagable formación, estaba claro que mientras que Tedder quería convertirse en un artista, su mentor quería que fuera productor. Tras dos años, y contando con la bendición de Timbaland, Tedder alzó el vuelo y pronto se convirtió en lo que ansiaba. Firmando con el pseudónimo “Alias,” Tedder consiguió firmar temas y producciones para artistas de amplio espectro desde el tecno, para la estrella Paul Oakenfold, a cantantes de pop/R&B como Leona Lewis y Natasha Bedingfield, o el rapero Bubba Sparxxx. De hecho solo el año pasado, Tedder firmó y produjo tres números 1 internacionales, un top 10, y dos top 40, entre ellos el de Jennifer Lopez “Do It Well” que fue Top 20. Aún así el deseo de Tedder de ponerse tras el micrófono seguía quemándole. En 2002, regresó a Colorado Springs, Colorado, para buscar a su amigo del instituto y guitarrista Zach Filkins, que pasó su infancia estudiando guitarra clásica en Barcelona, España y se había trasladado a Colorado Springs. En 2003, Tedder y Filkins se instalaron en Los Ángeles para formar una banda. Pronto se dieron cuenta de que lograrlo no sería fácil, y tuvieron que arreglárselas para salir adelante.

En 2003, Tedder y Filkins se instalaron en Los Ángeles para formar una banda. Pronto se dieron cuenta de que lograrlo no sería fácil, y tuvieron que arreglárselas para salir adelante. A veces ni siquiera tenían dinero para comprar comida. Los duros tiempos dificultaron que la formación de la banda se mantuviese y los componentes cambiaban continuamente hasta que Tedder y Filkins conocieron a Drew Brown (guitarra), Brent Kutzle (bajo y, chelo), y Eddie Fisher (batería). Habiéndose consolidado, OneRepublic consiguieron firmar un contrato con una compañía multinacional pero no funcionó por varios motivos y se quedaron desmotivados, relegados en una especie de limbo. “Después de todo el tiempo que nos había costado llegar donde estábamos sentí que mis velas se desinflaban”, cuenta Tedder. “No estábamos seguros de querer continuar con el grupo”. Pero en ese momento, su página de MySpace empezó a recibir miles de visitas, convirtiéndoles en la banda más importante del sitio Web.

13 “Quizá el clima musical cambió”, explica Filkins. “De repente, empezamos a recibir e-mails de chicos que nos decían que gracias a nuestras canciones no se habían suicidado, o habían sido capaces de sobrellevar el divorcio de sus padres. Finalmente conectamos con el público. Y nos dijimos, ‘ahora no podemos abandonar’”.

“Lo más difícil es componer una canción que funcione”, dice Tedder, “pero algunas veces sabes que has escrito algo especial. Con ‘Apologize’ tuve esa intuición desde que la terminé”. El primer indicio de que su instinto no fallaba fue a principios del 2007, cuando la remezcla de Timbaland de “Apologize”

Producido en su mayoría por Greg Wells (Rufus Wainwright, Pink, Mika) salvo de unos cuantos temas a cargo de Tedder, hay química en las canciones: Stop And Stare el segundo single es una fusión de voces insistente y guitarras, la susurrante balada Come Home (una de las tres canciones del disco producidas por Tedder).

Al poco tiempo las grandes compañías empezaron a interesarse, incluido Timbaland, y su sello Mosley Music Group. Timbaland conocía de primera mano la profundidad del talento de Tedder y el potencial de OneRepublic. Así se cerró el círculo cuando Tim llevó a OneRepublic al seno de la familia Mosley Music Group, convirtiéndoles en el primer grupo de rock de su etiqueta, y ejerciendo de productor ejecutivo de su trabajo Dreaming Out Loud. El éxito obtenido por OneRepublic desde entonces ha podido sorprender a algunos, pero no a la banda del compositor y productor.

(esta y la original están incluidas en Dreaming Out Loud) apareció en su disco Timbaland Presents: Shock Value, cuyas ventas han superado el platino.

Tedder sostiene que “hay ciertas cosas que puedes controlar como tu capacidad de trabajo, cuanta determinación tengas, cuanto desees algo, pero no puedes controlar el tiempo. Las cosas sucederán cuando tengan que pasar, y ahora mismo, eso es lo que está pasando con OneRepublic. Nos ha costado mucho pero todo llega a su debido tiempo”.

“Ryan es una bellísima persona, un gran compositor con un enorme talento musical”, dice Timbaland. “OneRepublic sacan lo mejor unos de otros. Trabajan muy bien juntos, entre ellos hay una química natural”.

Gerard Way Anuncia disco solista tras separación de My Chemical Romance y da adelanto! Los fans de la ya extincta banda My Chemical Romance están de enhorabuena. Su líder, Gerard Way, anuncia disco en solitario para el próximo otoño, y lanza un primer adelanto titulado Action cat, producido por Doug McKean, con el que ya trabajó la banda en varios de sus álbumes. Way ha anunciado a través de su página de facebook que ya ha firmado un acuerdo con Warner Bros. “Sigo de lleno en el mundo de los cómics, el arte, y más importante para algunos de vosotros, la música. Me alegra comunicaros que he firmado como artista en solitario con Warner Bros Records. Mi álbum está a punto, y pronto lo podréis escuchar. Estoy emocionado. Todo está empezando otra vez”. Way incluye entre sus influencias para su nuevo proyecto a las bandas con las que creció, como Blur, Pulp o Teenage Fanclub. En cuanto a la separación de la banda en 2013, Way en su día dijo “My Chemical Romance ha terminado, pero nunca morirá. Sigue vivo en mí y en el resto de la banda, y también en todos vosotros. Siempre lo supe, y creo que vosotros también. Porque no es una banda, es una idea”. Hoy, con razón de su próximo lanzamiento en solitario, Way ha declarado que la ruptura de la banda “no fue culpa de nadie”. Y añade, “como ser humano debo hacer cosas nuevas,cambiar y crecer”, ha apuntado el músico.

Arcade Fire Banda quiere experimentar con nuevos generos y uno de ellos quizas sea el reggeaton En otro momento, el que un grupo como Arcade Fire hiciese una canción como ‘Here comes the night time’, en el que la formación más grande del ‘indie’ coquetea con el reggaeton y otras músicas tropicales, daría para uno de esos entrañables y acalorados debates de ‘conoisseurs’ de la música. Pero hoy el moderneo, la postmodernidad o como quiera llamarse ha extendido sus tentáculos hacia casi todo, abrazando tanto el techno sirio de Omar Souleyman como la música africana y hasta la cumbia. De hecho hay hasta una discoteca cumbiera en Buenos Aires que se llama Zizek, como el filósofo esloveno.

‘Reflektor’, el cuarto disco de Arcade Fire (que se pone a la venta el 29 y que el grupo acaba de compartir entero en Youtube) es un buen ejemplo de ese caos contemporáneo en el que todo se mezcla sin demasiado criterio. Lo cual, al menos para mí, resulta suficientemente interesante. Bien es cierto que no estoy autorizado a hablar de este disco, por el conflicto de intereses que supone la presencia como productor de James Murphy, el hombre detrás de LCD Soundsystem, a quien profeso devoción ciega y le debo algunos de los mejores momentos musicales de mi pasado reciente. En realidad no sé qué hago escribiendo esto. Sigamos, en cualquier caso.

Buen ejemplo de esta sensación es el tema que abre el disco y le da título, que empieza por terrenos más o menos conocidos del grupo (Bowie hace un ‘cameo’ y todo), pero que a partir de la mitad se vuelve una bola de espejos ‘disco’, con Murphy metiéndole bongos y un piano a lo ‘45:33’ que se acaban comiendo la épica habitual del grupo canadiense. En realidad, Murphy acaba comiéndose en ‘Reflektor’ a Arcade Fire: casi todas las canciones las empieza él, con sus bajos cardiacos o sus teclados tan reconocibles, y termina bastantes de ellas. Aquí no hay violines, ni tampoco los ‘uooo’ en los coros que poblaban sus tres álbumes anteriores.

17 Tampoco aquel sonido cristalino, sino una amalgama más oxidada y sucia. Esto no significa que haya una ruptura radical con el pasado: ahí siguen los ‘crescendos’, las canciones volcadas en los finales, la épica en definitiva. También las canciones partidas en varias partes (como ‘Sprawl’ y ‘Neightbourhood’), en este caso ‘Here comes the night time’. Y las referencias culturetas: el disco está inspirado en el bellísimo mito de Orfeo y Eurídice y su portada reproduce la escultura que hizo de ambos Auguste Rodin; de igual forma, han tomado la película de Marcel Camus ‘Orfeo negro’ para ilustrar el disco en Youtube y el videoclip de ‘Afterlife’. Más que un punto de inflexión, lo que se percibe es una apuesta ambiciosa y arriesgada, a la que hay que aplaudir más por sus fracasos que por sus logros. En el terreno de lo fallido estaría ‘We exist’, una canción construida sobre la línea de bajo de ‘Billy Jean’, en la que ‘Jacko’ parece estar presente también en una letra que evoca el ‘They don’t care about us’ entre ramalazos de ‘The Suburbs’, anterior disco del grupo. También ‘Flashbulb eyes’, una rayada dub-reggae que tampoco aporta mucho a la historia final.

‘You already now’ se hace un poco cargante por recordar demasiado a fanfarrias del pasado. Una sensación de “más de lo mismo” que vuelve a aparecer en ‘Afterlife’. Tampoco se entiende bien la decisión de hacer un disco doble que se acaba haciendo demasiado largo y que podría haber entrado en un CD con cargarse los seis minutos de ‘glitches’ y marabunta ruidosa del final. Más juego dan la citada primera parte de ‘Here comes the night time’, donde también caben Paul Simon, Vampire Weekend y la blanquitud fascinada con la negritud, y donde Murphy aplica uno de esos mágicos desbroces suyos de dejar desnuda la canción durante dos segundos para luego dar paso a un final extático de trompetas y conga haitiano-caribeña. ‘Normal person’ es un rock’n roll clasicote y bluesero con una letra sobre la homogeneización, un piano como el que tocaba John Cale en ‘I wanna be your dog’ y ecos del ‘Sympathy for the devil’. ‘Joan of Arc’ es el corte punkarrilla del disco (igual que en el anterior era ‘Month of may’), con un toque Gary Glitter y Pulp.

Ya en el segundo CD, ‘Awful sound (Oh Eurydice)’ es un poco Frankenstein, pero mola: un arranque con percusiones a lo Fela Kuti (o a lo ‘El hombre y la tierra’, como se prefiera), teclados ‘warperos’ de Boards of Canada y redobles de tambor recién recuperados de Bowie, también con final en alto. ‘It’s never over (Oh Orpheus)’, la canción que la sigue, es más irregular, una especie de pugna entre los Arcade más clasicotes y el LCD más electrónico. Aún así, puede servir como posible piedra Rosetta del álbum: parece como si, tras ‘’Sprawl II’, el gran bombazo de ‘The Suburbs’, el grupo hubiese querido apostar por la música de baile, electrónica o no. Casi al final está ‘Porno’, que empieza genial, un tema supersexy en el que Murphy cambia los violines ‘disco’ por teclados, pero que acaba un poco lenta al final. Y ‘Supersimmetry’ vuelve de nuevo a convertirse en un tira y afloja Fire-Soundsystem sin un ganador claro. En el otro duelo, el de las voces entre Win Butler y su esposa Régine Chassagne, queda pospuesto hasta otro disco, pues estas no son canciones de cantar. Tampoco es que sean muy de bailar. O sí. O todo a la vez.

Todo lo que no sabias sobre las giras de conciertos de U2 Uno de los principales distintivos de U2 son sus tremendas giras y conciertos. Se han convertido prácticamente en marca de la casa, algo similar a lo que les ha pasado a los Rolling Stones solo que con una gran diferencia, el proceso creativo de U2 sigue en marcha, algo lento, pero sigue funcionando… Por eso, nos hemos preguntado cuales son algunas de las frases y comentarios más significativos sobre los espectáculos de U2, pronunciadas tanto por Bono, Edge, Adam o Larry, como por amigos o gente relacionada con el staff de la banda. Estas son algunas cosas que tal vez no sabias sobre los conciertos y giras de U2.

•“Si pensabais que habíamos llegado a lo más alto en el pasado, mirad esto” Bono sobre ZOOTV en la revista NME (13 de junio de 1992) •“No quiero ver toda esta mierda de ZOOTV. Me gusta U2… han escrito algunas grandes canciones, pero Bono con esas gafas de The Fly… ¡ahorramelo!” Bob Geldof en el libro “U2 Faraway So Close” de B.P. Fallon en 1994, después de ver un concierto de ZOOTV en Londres. •“Cuando la gente compró las entradas” Bono sobre el momento más inesperado de la gira ZOOTV. Revista Q Magazine (enero 1993).

•“Durante ‘Walk On’ pusimos los nombres de la gente que había muerto en el 11S y fue un momento catártico y poderoso y algo en lo que fue maravilloso participar… El publico creía en nosotros y quería estar a nuestro lado”. Adam Clayton comentando como fue tocar en el Madison Square Garden de New York después de los atentados del 11S (U2 por U2, 2006). •“Esos chicos tienen mucha integridad. Simplemente no podía creer que tuvieran a Kmart haciendo de sponsor en su tour” Sheryl Crow sobre Popmart en el libro de Bill Flanagan, Until the End of The World (1995).

19 • “El disco fue tachado como una vuelta a lo básico, lo cual no era. Y la gira fue descrita como una producción minimalista, lo que realmente no era. Todo es relativo, y comparado con POP todo podría haber sido catalogado como una vuelta a lo básico”. Edge sobre el disco ATYCLB y la gira Elevation en U2 por U2 (2006). • “Tuve momentos de ira cuando pensé que estúpidos habíamos sido al iniciar un tour sin haber terminado POP. A veces te entra cierta locura, y crees que eres capaz de hacerlo todo”. Larry Mullen jr, sobre Popmart en la revista MOJO en julio de 2005. • “Realmente pensé que lo habíamos hecho muy mal. Pero mirando hacia atrás, algo que hice una semana después, empece a ver lo que realmente había sido.Fue un sentimiento de riesgo totalmente real que siempre es algo bastante excitante en un evento en directo: la completa determinación de Bono de tomar contacto físico con el publico”. Edge sobre el concierto Live Aid en U2 por U2 (2006) • “U2 se aprovecho del momento. Fueron brillantes dentro del estadio… no mucha gente es capaz de dar el salto y convertirse en una banda de grandes estadios. U2 fueron y ganaron”. Midge Ure, sobre la interpretación de U2 en Live Aid.

• “Una de las grandes ironías de nuestros conciertos es que nuestras canciones son muy intimas: una intimidad compartida con gente que nunca has conocido. Y no podría confiar en eso. ¿Quién puede confiar en eso? Es una manera muy bizarra de vivir tu vida”. Bono en el libro “Bono on Bono” (2005) • “De la manera más gloriosa, ZOOTV acabo fuera del control de todas las personas implicadas… Puedo decir con toda seguridad que nunca habrá una gira de conciertos como esa nunca más” Willie Williams, diseñador de los conciertos de U2 sobre ZOOTV, en el libro U2 Show de Dianan Scrimgeour (2004) • “ “Larry estaba en contra de ello. Pensaba que estábamos explotando la miseria de otras personas por el bien de nuestro espectáculo. Bono definitivamente pensó que estábamos aportando algo de luz sobre algo importante” Paul McGuinness sobre la conexión en directo durante Zooropa con la ciudad en guerra de Sarajevo. U2 por U2 (2006).

Coldplay Lanzó su esperado nuevo álbum “Ghost Stories” La espera terminó, ya está a la venta “Ghost Stories”, el esperado nuevo disco de Coldplay. El álbum incluye nueve canciones, todas compuestas por Coldplay, es decir Chris Martin, Guy Berryman, Jonny Buckland y Will Champion. La producción estuvo a cargo de Coldplay, Paul Epworth, Daniel Green y Rick Simpson. También hay otras colaboraciones destacables, como las programaciones del productor estrella Timbaland en “True Love”, una de las cumbres musicales de este disco. “Ghost Stories” es un álbum brillante en el que siempre sobrevuela cierta melancolía en las letras, sin duda producto de la reciente separación de la pareja que conformaban Chris Martin y Gwneth Paltrow.

Pero el cantante nos dice que ha sufrido el dolor pero también alcanzó la aceptación de esta etapa de su vida. Canciones como “Magic”, “True Love” y “A Sky Full of Stars” son algunas de las gemas de este disco que marca un gran salto en una de las más grandes bandas de la actualidad. La banda Formada en Londres en 1996, Coldplay despertó la atención del público y la crítica en el 2000, cuando lanzó el single “Yellow”, seguido por su disco debut “Parachutes”.

Nominado a los premios Mercury, este disco catapultó a Coldplay al éxito internacional. Le siguió “A Rush of Blood to the Head” en 2002 y “X&Y” en 2005. El disco siguiente fue “Viva la vida”, producido por el legendario Brian Eno, que tuvo excelentes críticas y recibió nominaciones a los premios Grammy. Por último, “Mylo Xyloto” fue editado en 2011 y es el disco de rock más vendido en Inglaterra en ese año. Con más de 50 millones de discos vendidos, Coldplay es sin duda una de las bandas más inspiradas y talentosas del mundo, categorías que confirman con el lanzamiento de “Ghost Stories”.

Linkin Park Habla sobre su nuevo disco, “The Hunting Party” Linkin Park vuelve este año con nueva música, The Hunting Party es el título de su sexto álbum de estudio, que saldrá a la venta el 17 de junio. Según declaraciones de los integrantes Mike Shinoda y Chester Bennington, este álbum es mucho más visceral y agresivo que sus pasados.

En el primer sencillo de esta producción, “Guilty All the Same” que estrenaron hace unos meses, la banda invitó a Rakim a que ejecutara el verso de rap que se esperaría hubiera hecho Shinoda, como ya es costumbre. Pero para sorprender un poco a sus fans decidieron darle un giro a esta canción.

En un video que ambos músicos publicaron en el canal de la banda de YouTube, discuten un poco más a fondo las características de esta próxima producción, lo que los inspiró y motivó, las colaboraciones y lo que querían lograr con él.

Linkin Park promete también que esta será su entrega más agresiva hasta el momento, alejándose del camino que se esperaba que tomaran.

“Creo que la gente realmente creía que nos íbamos a ir más hacia el lado de la música electrónica y más hacia el lado pop de lo que hacemos”, comenta Bennington. “Para nosotros, ésa era la dirección hacia la que estábamos gravitando, pero en un punto no sabíamos si era realmente lo que quería hacer”. Aquí te compartimos el video con sus declaraciones sobre The Hunting Party.

Green Day La banda lanzará un nuevo LP para el Record Store Day 2014, el próximo 19 de abril. Se puede confirmar según diversas fuentes, que la banda estaría sacando un nuevo CD doble llamado “Demolicious” para el Record Store Day 2014, una celebración internacional de las tiendas de discos que tendrá lugar este 19 de abril. Se cree que el disco sería una colección de demos y material nunca antes lanzado por la banda a lo largo de su carrera (grabaciones de canciones en vivo que nunca tuvieron su versión de estudio, tal vez muchas que ni siquiera conozcamos).

Aunque por mucho que podamos tratar de adivinar, el verdadero contenido del disco por ahora son meras suposiciones. Anteriormente, Green Day ya había colaborado con ésta celebración, lanzando su versión de “Don’t Wanna Know if You’re Lonely” como una versión limitada en vinilo. La noticia de Demolicious fue originalmente divulgada por el blog Wax Poetic, entre otras fuentes, y llega a mí gracias a la Green Day Authority.

Simone Simons Entrevista con Simone Simons de Epica - The Quantum Enigma Simone Simons mejor conocida por ser la vocalista de la agrupación holandesa Epica, hablo para Rockombia.com con motivo del regreso de la banda a Colombia, en esta ocasión Simone comparte cómo ha sido su experiencia de ser madre primeriza y el reto de combinar su lado materno con el Metal Sinfónico, además nos regala detalles de su trabajo en la realización del DVD “Retrospect” y en la grabación del último álbum de la agrupación “The Quantum Enigma”. Epica hará su presentación el 21 de Septiembre en el marco del Festival Metal Millennium, junto a Mägo de Oz, Angra, Medina Azahara y Uli Jon Roth. A continuación compartimos la entrevista con Simone Simons. Rockombia: Ya son más de 10 años de carrera musical. ¿Cuál crees que ha sido la clave del éxito de Epica?. Simone Simons (SS): Hemos estado de gira por 12 años, nosotros hemos estado escribiendo nuevos discos regularmente cada dos años, creo que esto ha sido clave de gran parte de nuestro éxito, por supuesto nosotros también escribimos música que a las personas les gusta, creo que las personas aman la combinación de lo más clásico con el metal, es unir dos mundos diferentes en uno solo y nuestra música se puede disfrutar a cualquier edad, desde pequeños niños hasta personas que pueden ser abuelos, así que es internacionalizar e integrar música para todas las edades. Rockombia: Hace dos semanas hicieron el concierto del lanzamiento oficial. ¿Cómo evalúas la respuesta del público, era lo qué esperabas?. SS: Fue asombroso, muy feliz, fue compacto, súper dinámico, un álbum fantástico, así que el Metal Sinfónico es el mejor.

Rockombia: Estas viviendo una nueva etapa en tu vida y con tu familia. ¿Cómo el hecho de ser mamá te ha afectado en tu carrera musical?. SS: Ser mamá y a la vez cantante es realmente maravilloso que yo pueda tener ambas, estoy muy feliz por eso, no puedo dejar los dos mundos, son dos vidas de alguna manera y yo las combino; si puede ser difícil combinarlas pero hay muchas otras artistas quienes lo hacen, así que lo voy a intentar, por suerte yo también puedo ser flexible, tu sabes, nosotros podemos planear las giras y de todos modos podemos estar en casa entre una y otra, así que por suerte puedo estar en casa con mi bebe y luego continuar en la gira. Rockombia: Tu nuevo DVD “Retrospect” posicionó a Epica como una banda emblemática del Symphonic Metal y por supuesto fue un gran reto para la banda. ¿Para ti, cuál fue la parte más difícil?. SS: La parte mas difícil es que fueron tres horas de concierto, nosotros hacemos una, dos o tres horas de concierto, con un pequeño descanso entre estas, fue mi primera vez de hacer dos o tres horas de concierto; yo estaba embarazada así que estaba muy cansada y agitada casi constantemente, así que yo esperaba que tuviéramos un buen show y yo estuve trabajando en ser fuerte y trabajé en mi voz, así podría manejarlo todo y cuando hicimos el setlist, nosotros también lo analizamos y era lo bastante largo, pero en realidad el concierto en si mismo fue rápido, fue realmente increíble, un logro asombroso, una experiencia para nosotros hacer un show como este, habían muchos seguidores en el concierto y también en streaming habían muchos fans mirando el show por internet, lo cual fue muy loco.

Rockombia: Hablemos acerca de tu nuevo disco, en esta ocasión el periodo de tiempo de un CD a otro, ha sido el más corto de la banda y además estabas con tu bebe. ¿Cómo todo el proceso del embarazo y la maternidad te afectó durante la grabación del disco? SS: Yo quería grabar mi voz dos meses después de dar a luz, lo que fue rápido, estaba cansada, no dormía bien, estaba amamantando, tu sabes que eso es realmente doloroso para el cuerpo y cantar también fue algo pesado para el cuerpo, esto fue un reto, pero yo tenía un buen equipo trabajando muy bien, la conexión de trabajo con Joost fue bastante buena, fuimos muy eficientes, no me tomé un tiempo largo para grabar las voces, incluso teníamos una mayor cantidad de canciones en comparación con otros álbumes de Epica. Rockombia: En todos tus álbumes habían trabajo con Sascha Paeth, en esta ocasión es el turno para Joost Van Den Broek. ¿Cómo fue el proceso de trabajar con él? SS: Realmente es un chico agradable, súper talentoso, realmente paciente, un buen líder de grupo y ha estado con nosotros desde el inicio, tu sabes desde que las canciones no estaban terminadas, él estuvo ahí cuando el álbum fue mezclado y también Mark, así que estuvo súper envuelto, fueron buenos resultados para Epica, así que estábamos felices de trabajar con él, muy motivados y nos subía el ánimo, él decía “¡Sí es la primera vez que tenemos un bebe en el estudio!”; esto nunca había pasado, así que era gracioso.

Arctic Monkeys El grupo inglés Arctic Monkeys realizará una gira sudamericana durante noviembre de este 2014, aunque Paraguay no figura en su lista de conciertos. La banda oriunda de Sheffield visitará durante el mes de noviembre Sudamérica para presentar su último disco AM. Las ciudades donde estará el grupo serán Bogotá, Colombia; Buenos Aires y Córdoba, Argentina; Santiago, Chile más San Pablo y Río de Janeiro, Brasil. De acuerdo con varios portales de música, hay fechas tentativas, lo único seguro es el mes en el que vendrán. Sin embargo, se maneja este calendario:

4 de noviembre: Bogotá, Colombia 8 de noviembre: Buenos Aires, Argentina 9 de noviembre: Córdoba, Argentina 11 de noviembre: Santiago, Chile 14 de noviembre: Sao Pablo, Brasil 15 de noviembre: Río de Janeiro, Brasil Como se puede ver, Paraguay no figura en la lista, pero seguro los fans no pierden la esperanza de que se los pueda estirar hacia Asunción.

Arctic Monkeys está conformado por el guitarrista y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el baterista Matt Helders y el bajista Nick O’Malley. La banda, fundada en el año 2002 ha editado cinco álbumes de estudio en su carrera musical.

Bon Jovi Planea remasterizar su álbum “New Jersey” por los 30 años de aniversario Lanzado en Septiembre de 1988, New Jersey permaneció cuatro semanas consecutivas en el nº1 de las listas americanas y consiguió cinco Top 10 en singles (“Bad Medicine;” “Born To Be My Baby;” “I’ll Be There For You;” “Living In Sin” y “Lay Your Hands On Me”) y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo. Originalmente el proyecto de New Jersey fue concebido como un doble Lp con el título de Sons Of Beaches. Pero al final, Mercury Records lanzo el álbum como un único LP con 12 canciones y lo llamo simplemente New Jersey, en honor de su estado natal. Con las nuevas ediciones Deluxe y Super Deluxe la versión originalmente imaginada por Bon Jovi puede finalmente llegar a sus fans con 13 demos inéditasde las sesiones de grabación remezcladas exclusivamente para este proyecto. La edición 2CD Deluxe incluye el álbum original remasterizado más tres bonustracks que fueron lanzadas como caras B de Cd singles. Más las demos y libreto de 32 páginas.

Don Tetto “Don Tetto” resume los primeros diez años de su carrera, dicen los músicos. Este martes sale a la venta “Don Tetto”, el tercer disco de estudio de la agrupación bogotana que ya cumple once años de carrera musical. El álbum que está disponible en iTunes, fue producido por Toby Tobón. “Este álbum es muy especial para nosotros, no todas las bandas llegan a grabar un tercer álbum de estudio, y aún mejor, contamos con la fortuna de tomarnos el tiempo necesario para hacerlo con calma y hacer el mejor álbum de nuestra historia hasta el momento. Además, de trabajar con dos grandes personajes de la música como son Toby Tobón y Thom Russo. Este disco resume nuestros primeros diez años de carrera y refleja la madurez de nuestro sonido”, dice Diego Pulecio, vocalista y guitarrista rítmico. “Don Tetto” incluye once canciones en su versión física y doce canciones en su versión digital, la cual está disponible desde este martes en iTunes. El trabajo musical incluye “Una noche normal”, canción que debutó en el número uno de iTunes el primer día del lanzamiento en el listado general. “Es la primera vez que trabajamos con Toby y Thom y la afinidad musical y en el estudio fue sorprendente. Aprendimos muchas cosas para seguir mejorando como músicos y compositores, y nos sentimos muy cómodos en el estudio a la hora de grabar. Logramos capturar la esencia de nuestra banda que son los shows en vivo”, comenta por su parte, Carlos Leongómez, guitarrista líder. Don Tetto se prepara para presentar este disco en el próximo Evento 40, pues aseguran que “es el momento perfecto para presentar las canciones nuevas, sabemos que todos las van a disfrutar “.

Don Tetto explica canción por canción 1- “Quién Soy yo”: uno de los más grandes retos para una banda de rock es romper con el estigma de hacer música comercial. En el caso de Don Tetto, mantener la independencia y seguir su instinto ha sido una de las maneras para evitar caer en el debate fútil de qué es rockero y qué no. “Quién Soy yo” es una canción importante ya que abre el disco y es una carta de presentación abiertamente rockera. También describe las características del disco en estilo, intensidad, calidad de producción y trabajo lírico 2- “Dime Quién”: escribir sobre el dolor de la ruptura dio como resultado una canción vertiginosa, pero profundamente triste. La voz de Diego Pulecio muestra la evolución y el esfuerzo por ser un cantante de rock afinado y poderoso. La música es contundente. En el bajo, Jaime Valderrama demostró la dedicación y la pasión por su instrumento propias de un profesional. 3- “Me odia me ama”: una canción que está destinada a ser una de las piezas clásicas en concierto. El simple coro vaticina que estamos frente a un hit; justo cuando la canción entra en un momento de tensión, la banda se arriesgó a incluir un arreglo de trompetas estilo Mariachi que complementa de manera magistral esta canción, posiblemente de lo mejor que haya hecho el grupo en su historia. 4- “No estoy buscando amor”: no hay nada por explicar. Lujuria y goce: “Dame lo peor de ti quiero que me hagas sentir que estamos cerca al infierno”. 5- “Casino”: la máquina baja las revoluciones para hacer una canción mid tempo que recuerda el sonido de clásicos como “Mi error”.

6-”Heridas”: una de las mejores letras en la historia de la banda. El ánimo se levanta y Don Tetto habla de revancha en el amor. 7- “Una noche normal”: el sencillo promocional es una apuesta basada en el cálculo de tres variables: experiencia, trabajo y suerte. En lo musical el equilibrio se mantiene. Entre las muchas premisas que Don Tetto establece en este disco sobresale la del control. 8- “Cambios”: es una de esas canciones hechas para la radio. Está perfectamente balanceada, tiene una melodía pegajosa sin sacrificar la fuerza de las guitarras. Don Tetto dejó atrás su origen punk para evolucionar hacia el hard rock, sin ocultar su orientación comercial. 9- “Si la ven”: hacer baladas rock ha sido una de las especialidades de Don Tetto desde sus inicios. Para recordar algunas “Sigamos caminando” y “Adiós”, hacen parte del repertorio de clásicos de la banda bogotana. Aquí, Don Tetto ensambla una canción sombría que habla del amor perdido, en buen colombiano, diríamos que es para “pedir cacao” que no es nada diferente que pedir perdón. Ojalá consiga su objetivo. 10-”La cura”: a pesar de su condición “etérea” hay canciones que nos pueden hacer sentir su peso, color y hasta su aroma. “La Cura” es una canción pesada como un bloque del metal más duro. Desde los primeros acordes sentimos la estampida brutal de la guitarra, el bajo y la batería creando el particular estímulo que sólo el rock transmite 11- “Ella me dijo”: un tema cotidiano y trágico como una decepción amorosa es y será el combustible que mueve las canciones de amor.

Top Music 1

Radioactive Guilty all The same Linkin Park

Radionica Seasons Future Islands

Magic Coldplay

Lazaretto Jack White

Come with me now Kongos Arabella Arctic Monkeys

Simpática Fiesta LosPetitFellas We Exist Arcade Fire

4 5 6 7 8 9 10

Best Day Of My Life

Una noche normal Don Tetto Dame una alegría Tr3s de Corazón Lagunas metales Molotov Runnin Wild Airbourne Fever The Black Keys

American Authors

7 8 9 10

Overdone Bombay Bicycle Club

High Road Mastodon An Ocean in Between the Waves

The War On Drugs Come Save Me Jagwar Ma La sangre y el eco La Vida Bohème Fever The Black Keys

Editorial 01 Precio al Publico $7500

Impresa en Colombia - Printed in Colombia