"CAFÉ. una historia de la animación española. ARTE" (catálogo) by OPEN THIS END

www.cafeexpo.cc

Idea original del proyecto y de la exposición Cristina García- Lasuén

cafe una historia de la animación española

arte

CAFE. Una historia de la animación española .ARTE www.cafeexpo.cc 1 - 26 octubre 2013. Instituto Cervantes, Tokio 2013年10月1~31日、セルバンテス文化センター、東京

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Comisario de Exposición Ramón Vicente Díaz del Campo Vicedecano de Relaciones Internacionales, Movilidad y Prácticas Externas. UCLM Universidad de Castilla-La Mancha

Comisaria Directora del proyecto y exposición Cristina García-Lasuén Fundadora de Open This End y de Casona CAFÉ, Idea original del proyecto , de la exposición y Dirección

Comisaria Adjunta, Edición y Documentación Aitana Merino Estebaranz Profesora de Arte. Máster Universidad de Tsukuba, Japón

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y Animación ArteArte y Animación

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CAFÉ. CAFÉ. UnaUna Historia Historia de la deAnimación la Animación Española Española

Diseño dede exposición Plano exposición

Artistas Artistas

Abigail Lazkoz Abigail Lazkoz

Curro González Curro González Enrique Marty Enrique Marty Eugenio Ampudia Eugenio Ampudia Fernando Renes Fernando Renes Manu Arregui

51 55 60 65 69

Manu Arregui Marina Núñez

Ruth Gómez Marina Núñez

Ruth Gómez Vicente Blanco

Biografías Vicente Blanco

Agradecimientos Biografías

123

animaci贸n

CRISTINA GARCÍA-LASUÉN Fundadora y CEO de OPEN THIS END, CAFÉ, RiR y CASONA

introducción proyecto café arte y animación

INTRODUCCIÓN

El día 1 de octubre 2013, coincidiendo con la fecha de celebración de los 400 años de amistad entre España y Japón, iniciativa que recibió el nombre de Embajada Keichô (慶長使節), se inicia en el Instituto Cervantes de Tokio la exposición “CAFÉ. Una historia de la animación española. ARTE” sobre arte y animación. En esta primera exposición de CAFÉ, que corresponde a las siglas Cine+Animación+Ficción+Exposición, en este caso, se ha centrado en la importante muestra del arte y animación española. El proyecto inicial de CAFÉ nace del estudio realizado en diferentes países y culturas observando, en todos ellos, el fuerte impacto y relevancia que tiene la animación en diversas manifestaciones de la cultura y el arte de estos años del siglo XXI. Esta importancia de la animación en los ámbitos internacionales se percibe, fundamentalmente, en diferentes medios expresivos que contienen síntomas comunes. Unos son propios del carácter universal de la globalización cultural y de la aplicación de nuevas tecnologías y las facilidades que aporta la conexión en red, generando lo que el profesor Lévy ha llamado la inteligencia colectiva. Otros, son elementos específicos de la sensibilidad y el carácter local. Continuando este análisis, el proyecto general CAFÉ se ha estructurado en forma de muestra múltiple que, como un “pentáptico”, consta de cinco partes independientes con el factor común de ser distintas manifestaciones de la mejor animación, es decir, de imagen en movimiento. De esta manera, quedan fuera de este estudio la animación gráfica y demás creaciones de dibujo estático como cómics, cuentos, cromos, pósteres, revistas, etcétera, a pesar de haber sido consideradas como material de exhibición e información complementario para cada muestra. Las cinco exposiciones se han desarrollado adecuándose y optimizando las posibilidades de exposición, en función de sus diversidades artísticas y técnicas. Se articulan en torno al Arte; el Cine (cortometrajes y largometrajes); el Cine Digital y Machinima; las Series, Webseries, Anuncios y Ráfagas y, por último; al importante apartado de Videojuegos que, recientemente, ha visto avalado su credencial artístico con una exposición permanente en el MoMA de Nueva York.

1. CAFE. Una historia de la animación. Arte 2. CAFE. Una historia de la animación. Cine 3. CAFE. Una historia de la animación. Cine Digital y Machinima 4. CAFE. Una historia de la animación. Series y Anuncios 5. CAFE. Una historia de la animación. Videojuegos

En esta ocasión, CAFÉ muestra la primera de las exposiciones del proyecto general, que es la animación en el Arte. CAFÉ es una actividad artística y cultural, sin ánimo de lucro, que promueve el conocimiento de la animación en estos cinco diferentes medios expresivos y creativos, con el fin de estimular nuevas perspectivas relacionadas con creaciones animadas. 10

Animación española La definición literal de la palabra animación proviene del latín: anima, que significa alma. Consecuentemente, la operación de animar se debería traducir en principio como dotar de alma a un objeto o dibujo o a cualquier elemento inanimado. En sentido más artístico, Animación supone cualquier contenido con creación de imágenes que sean dibujadas, filmadas, generadas o fotografiadas y proyectadas secuencialmente para transmitir movimiento, tengan la duración y periodicidad que sea: largometrajes, cortometrajes, series, webseries, documentales, ráfagas y para cualquier destino o plataforma de exhibición y visualización ya sean cinematográficas, para emitir en pantallas fijas, móviles, portátiles y tablets; o los destinados a la televisión, ordenadores u otros medios. En principio, todos los dibujos animados son considerados cine de animación, sin embargo, no todo el cine de animación, ni toda la animación en sí es de dibujos animados. Existe animación de objetos reales, de muñecos y marionetas, utilizando habitualmente la técnica del stop motion que consiste en simular el movimiento de objetos inmóviles cambiando de forma o de lugar y posición de manera que se puedan capturar fotografías secuenciales, de figuras de plastilina o claymation, o bien con otras variantes como puedan ser el “paso de manivela”, el go motion, pixilación, “animación digital” u otros materiales y medios técnicos, así como maquetas de modelos a escala. También las fotografías capturadas en la vida real o las generadas con medios digitales y proyectadas secuencialmente son animación. Por tanto, el término animación que desarrollamos es más amplio que el exclusivo de dibujo animado. Artistas españoles. El proyecto de animación española CAFÉ, nace al haber estudiado y comparado gran parte de la animación internacional contemporánea y comprobar que, en el caso concreto del estudio de España, se puede apreciar desde hace tiempo una evolución exponencial que ha alcanzado el máximo nivel de prestigio internacional. De manera que, si bien desde el inicio de la animación internacional han existido etapas en las que los artistas españoles han El Libro Blanco de la Animación en España , 2012 destacado con especial brillantez, llegando a ser considerada una de las más importantes manifestaciones de la animación europeas, en estos momentos y desde hace varios años, vive sin duda una etapa espectacular de calidad y creatividad que ha obtenido como consecuencia un extraordinario crecimiento del sector, un mayor desarrollo técnico y el reconocimiento y la admiración de profesionales y expertos. Efectivamente, la animación española vive, desde hace varios años, lo que se ha dado en llamar una Segunda Edad de Oro, como lo denominan varios autores. Un fenómeno que la revista The Hollywood Reporter ha calificado incluso como SPAnimation, palabra compuesta de SPanish+Animation, para definir el extraordinario vigor, creatividad y calidad de nuestros artistas que, sin duda, destacan entre la elite de la animación mundial. Así, contamos con numerosos autores de cinematografía que forman parte del equipo de las más importantes productoras del mundo animado como puedan ser Disney, Pixar, Dreamworks, Warner Bros y un largo listado. Si, en general, el fenómeno de la animación se ha convertido en la cultura de masas que más auge, interés e importancia ha adquirido en las últimas décadas, llegándose a celebrar multitud de certámenes, encuentros y festivales internacionales cada año, en nuestro país el crecimiento es de tal magnitud que en la actualidad existen numerosos proyectos en marcha, caracterizados por la diversificación en las propuestas y que han permitido al sector desarrollar una infraestructura sólida sólo en el sector de la animación cinematográfica. Se estima que son cerca de mil los proyectos que incluyen un intensivo de animación y que se pondrán en marcha entre este año 2013 y el 2018, con una media de 160 proyectos anuales. Estos datos y ejemplos dan una idea aproximada de la magnitud de la buena marcha que el sector español en la animación experimenta desde hace varios años.

Alex Roman: The Third and the Seventh , 2009

Rentabilidad de la animación española. Concretamente, el cine español de animación es en la actualidad uno de los sectores audiovisuales, una de las industrias, que mayor proyección internacional tiene, y que cuenta con las mejores estimaciones de crecimiento para los próximos años y con mayores ratios de exportación y de creación de nuevos puestos de trabajo. Más de 200 empresas conforman un sector que ha tenido cifras de facturación de 800 millones en 2011 y con unas expectativas de crecimiento que podrían multiplicar exponencialmente esta cifra en muy poco tiempo. Sólo atendiendo a uno de los 5 apartados de nuestro estudio, el de videojuegos, Alberto Prieto y José Luis Bernier en un curso del CEMED de la UGR, comentaron que “La industria de los videojuegos genera más beneficios que el cine y la música juntos”. Además, repercute positivamente en el empleo en el sector de la población más castigado por la crisis actual y que más necesita crecer, como es el de los jóvenes. Por cada puesto de trabajo creado en una productora de animación se repercute una media de 0,7 puestos de trabajo en otros sectores. En el año 2011 ya reunió 8.600 empleos, de los cuales 5.150 fueron directos. Se estima que, para 2017, la cifra alcance los 21.000 puestos de trabajo, según ha destacado Conrado Castillo Serna, director general de Rooter, la consultora encargada de realizar este informe. Además, el impacto fiscal total en la economía española es de 67 millones de euros, lo que supone un 0,042 por ciento sobre la recaudación tributaria, y se espera que en 2017 el impacto del sector en el PIB sea del 0,08 por ciento, el doble del dato actual. 12

Las Aventuras de Tadeo Jones, 2012

Arrugas 2011

Chico y Rita, 2010

Exportación. Marca España. Por otra parte, se confirma como uno de los sectores que ha desarrollado una mayor exportabilidad de sus productos. En estos momentos, el 38% de la facturación del sector procede del extranjero, lo que la convierte en una industria claramente exportadora. Tal y como se recoge en el informe del Libro blanco de la Animación española de Eduardo Prádanos Grijalvo. Destaca que una de las características del sector es la naturaleza heterogénea y global de sus ingresos, que consta de una internacionalización en la explotación a la que las empresas españolas han sabido adaptarse hasta el punto de que productos como los seriales televisivos de Pocoyó, Jelly Jamm, Sandra, detective de cuentos o La tropa de trapo, tienen presencia en cientos de países. De hecho, el 62 % de las empresas de este sector han exportado a más de 170 países. Esto ha convertido a España a día de hoy, -según el informe elaborado por la consultora Rooter para Diboos y citado por Pedro Pérez, presidente de la confederación de productores audiovisuales (Fapae)-, en el tercer exportador europeo de animación, tan sólo por detrás de Reino Unido y Francia, y en la séptima potencia mundial en ventas en un ámbito más amplio de lo que antiguamente se llamó dibujos animados. Las productoras esperan que esta situación siga aumentando y que en poco tiempo los ingresos se dupliquen. Además, la animación española ha ido girando hacia la ampliación en la explotación multisectorial de sus productos, generando ingresos extras. Como describe el Libro blanco, el impacto de los productos de animación como generadores de licencias - para juguetes, ropa o videojuegos - es tal que por cada euro de inversión en animación se generan 2,1 euros en el conjunto de la economía y la cadena de valor de la animación se extiende a juguetes, ropa y videojuegos. Precisamente, como señala el Libro blanco, esta fama adquirida a nivel internacional ha llevado a productoras españolas como D’Ocon, Neptuno Films, Cromosoma y BRB Internacional a la coproducción con empresas alemanas, francesas, italianas y canadienses y a la distribución de sus productos en el mundo entero, con lo que la Sociedad General de Autores y Escritores está recaudando más derechos por las series de animación que por todas las películas más taquilleras del cine tradicional, por poner sólo este ejemplo. Con la particularidad de mantener un ratio de liderazgo derivado de su excelencia en actividades de creación artística y cultural de calidad y prestigio internacional. Gracias precisamente al éxito y buen hacer de los artistas, las productoras y todos aquellos relacionados con el mundo de la industria de la animación. La creación española desarrolla y posiciona contenidos de calidad excepcional en el mercado internacional debido al uso de ideas y conceptos universalizables que le permiten cosechar éxitos en distintos países de todo el mundo. En concreto, se ha convertido en el producto de mayor exportación y rentabilidad en el sector audiovisual. Series producidas por empresas de animación españolas se están emitiendo actualmente en cadenas de prestigio internacional como BBC (Reino Unido); Discovery Kids (Estados Unidos), Sveriges Television (Suecia); TF1 (Francia), Televisa (México), ABC (Australia), Animania (USA), Noggin (USA) y un largo, etc., que han sido reconocidas con numerosos premios internacionales como: Cartoon on the Bay (Italia), el MIPCOM JR Lincensing Callenge (Francia), el Festival International du Films D’Animation (Francia), SICAF (Corea del Sur), varias seleccionadas como finalistas a los Oscar de Hollywood o el Goya (España), por mencionar sólo algunos. También se observa una repercusión indirecta en otros sectores del propio sector audiovisual y sus efectos visuales en formación, investigación y desarrollo, y en la esfera del ocio como los videojuegos, en editorial, aplicaciones, publicidad, juguetes, licensing, videojuegos educativos, mundos virtuales, libros interactivos, video on demand y para la modernización de otros muchos sectores y otros servicios empresariales. Basten algunos ejemplos como el de Las aventuras de Tadeo Jones (2012), de Enrique Gato, con sus más de 18 millones de euros recaudados en sólo seis semanas permaneciendo líder de taquilla y de su distribución en China, o el de Planet 51 (2009), de Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez que cuenta con hitos como el estreno en más de 2.500 salas de cines en 13

USA y que, sin añadir su posterior explotación en formato doméstico, ha alcanzado una recaudación mundial de más de 100 millones de dólares. Pedro Pérez también anticipaba que Justin y la espada del valor, de Manuel Sicilia y cuyo estreno en España está previsto para agosto de 2013, podría superar incluso ese número de salas en su estreno estadounidense. La filmación animada es el sector del cine español que mejor ha sobrevivido a la crisis económica actual. La excelencia y profesionalidad del sector genera unos productos que gozan de gran aceptación entre el público tanto nacional como internacional. Muestra de la importancia de este sector es que buena parte de los festivales de cine españoles han incorporado en los últimos tiempos secciones dedicadas a este género debido a su importancia dentro del cine español, como son los casos de los festivales de Málaga y Gijón o el reciente Festival de cine de San Sebastián en el que por vez primera se ha inaugurado con una película de animación: Futbolín de José Campanella, que ha servido de arranque al certamen donostiarra. También se aprecia en la atención y presentación numerosa en los Goya o la candidatura a los Oscar de la película Chico y Rita y los grandes premios conseguidos en Japón con películas como Arrugas, por ejemplo. En concreto, los ingresos anuales del sector se han triplicado en la última década siendo vendidas en más de 170 países, cosechando numerosos premios internacionales. Se prevé que esta tendencia continúe en el futuro, contribuyendo así también a la construcción de la marca España; una imagen de marca que ha hecho mirar al pasado para redescubrir otros productos que anteriormente habían pasado inadvertidos e impulsar que se viva esta etapa como algo excepcional. I+D+I Junto a las importantes cifras y beneficios económicos, hay que considerar otras cuestiones trascendentales que intervienen en su potencia y desarrollo, como es su capitalización en Investigación, Innovación y Desarrollo. El uso e importancia del I+D+I del sector de la animación es de gran dimensión por su elevada dedicación a la investigación y aplicación de las nuevas tecnologías que le hace situarse a la vanguardia de la creación y ser generadora de efectos spillovers en otras industrias. La innovación e investigación es imprescindible para obtener nuevos contenidos y para mejorar la calidad de la producción, pero también como formación de estudiantes, tal y como se realiza en varios países, para educar a futuros animadores en la propia industria y, al tiempo, abriendo posibilidades en las esferas de videojuego y efectos especiales de la cinematografía. El Libro Blanco destaca la importancia de considerar a la animación como un «sector estratégico». Entre los datos aportados por Conrado Castillo, destaca su relevancia como un sector innovador, ya que el 67 % de las empresas han realizado actividades de I+D. Además, entre el 12 y el 30 % de la plantilla está destinada a estas labores, un porcentaje «muy por encima de la media», según Castillo. Por lo que se refiere a los creadores, existen tres niveles de desarrollo de trabajo: la animación de las grandes productoras, las de equipo y la de autor. Gracias a las especiales características del sector, existe la posibilidad de trabajar e investigar tanto en equipo como individualmente desarrollando propuestas, sin necesidad de formar parte de un extenso grupo o empresa de gran tamaño. Por tanto, es imprescindible un continuo apoyo a la formación de jóvenes artistas para mantener su desarrollo, generar nuevos contenidos, mejorar la calidad de todos los procesos de producción e incentivar la creación de centros específicos en nuestro país que reviertan la temida fuga de cerebros. I+D+I, como se lee en el Libro Blanco, es una característica que, según Conrado Castillo, director de la consultora responsable del Libro Blanco de la Animación Española, está muy presente en las más de 200 empresas que conforman el sector, hasta el punto de que es uno de los sectores que invierte más en investigación y desarrollo (I+D). El 67% de las compañías tiene departamentos específicos de I+D, y un 11% de la facturación procede del desarrollo de herramientas tecnológicas propias -sobre todo software-. Entre el 12% y 30% de las plantillas - el porcentaje varía según las empresas - se dedican a investigación, un porcentaje más que notable en una economía como la española cuya media de recursos humanos dedicados a investigación apenas supera el 1%. Esto repercute a su vez en sub-sectores como el software de animación para investigación científica y médica, para arquitectura e ingeniería, o, más obviamente, en la industria de los efectos especiales, en la que contamos con compañías punteras, como Next Limits, ganadora de un Oscar por el desarrollo de software para la generación gráfica de fluidos. No obstante, continua explicando el Libro blanco, a diferencia de otras industrias europeas de animación -como la francesa y la alemana-, la española ha crecido exclusivamente gracias a su creatividad y buscando financiación y trabajo fuera de nuestras fronteras lo que ha producido, como consecuencia, la temida fuga de talentos como citábamos anteriormente.

Japón y la animación El interés que existe en el país nipón por conocer y profundizar en nuestras manifestaciones artísticas y culturales dio comienzo tiempo atrás. En el año 1613, que se corresponde con el año 18 de la Era Keicho, el señor feudal Date Masamune (1567-1636) del señorío de Sendai, tras obtener el permiso de Tokugawa Ieyasu (shôgun retirado, 1592-1616), decidió enviar una delegación a Europa, concretamente a España y Roma, con el objetivo de solicitar el establecimiento de relaciones comerciales con Nueva España (México) y el envío de misioneros a Japón. Esta misión, conocida como Embajada Keicho a Europa, fue encabezada por el Samurai Hasekura Tsunenaga (1570-1621) y el fraile franciscano español Luis Sotelo. La misión, habiendo salido desde Sendai (Japón) en octubre de 1613, llegó a España un año después, en octubre de 1614, y convirtió al embajador Hasekura Tsunenaga en el primer japonés en cruzar el Océano Pacífico y el Océano Atlántico. Posteriormente, Hasekura se trasladó a Madrid y, en enero de 1615, fue recibido en audiencia por el rey Felipe III. Después de quedarse cierto tiempo en Coria del Río, Sevilla, regresó a Japón en 1620. Su extenso viaje había durado siete años y ha pasado a la historia por ser un acontecimiento trascendental en las Hasekura Tsunenaga (1570-1621) relaciones bilaterales hispano-japonesas. En 2013/2014, pasados esos 400 años que ahora se conmemoran, el objetivo de amistad y cooperación entre ambos países continúa vigente, creciendo y adaptándose a los nuevos tiempos. Gracias a las relaciones establecidas desde entonces, en Japón son grandes conocedores y admiradores de nuestro arte, tradición y otras expresiones culturales actuales e históricas. El proyecto global está planteado como una actividad artística y cultural que promueve el conocimiento y la profundización de la animación española a fin de estimular en los países con gran interés por este arte, como es el caso de Japón, nuevas perspectivas relacionadas con dichas creaciones animadas. La posibilidad de mostrar en Japón esta muestra de nuestro arte tiene en cuenta también la importancia que tiene en este país la llamada Cultura Anime, un medio de gran expansión en Japón y que forma parte de sus señas de identidad, siendo al mismo tiempo un producto de entretenimiento comercial a la vez que instructivo que ha generado todo un fenómeno cultural en masas populares, alcanzando nuevos niveles de arte tecnológico. Esta muestra múltiple dará a conocer más profundamente al pueblo japonés algunas de las expresiones más interesantes e importantes de nuestros artistas y directores españoles permitiendo contemplar su evolución, sus colaboraciones y relación con el propio anime japonés y lo más destacado de su panorama actual.

Modelo de ojos en el anime japonés

PROYECTO CAFÉ

Concepto general de la exposición El proyecto general CAFÉ y esta exposición, se ha llevado a cabo desarrollando la idea original del proyecto y exposición de la comisaria directora Cristina García-Lasuén, fundadora y CEO de Open This End, de CAFÉ, de RiR, y de Casona, junto con el comisario de la exposición Ramón Vicente Díaz del Campo, Vicedecano de Relaciones Internacionales, Movilidad y Prácticas Externas de la Universidad de Castilla-La Mancha, UCLM, y de la comisaria adjunta, editora y documentalista Aitana Merino Estebaranz, profesora de arte y máster por la Universidad de Tsukuba, Japón. El título CAFE responde a las siglas de una serie de exposiciones que tienen como base el arte, la animación y nuevas tecnologías, basadas en el manifestaciones artísticas que tienen como medio de expresión la Animación y la Ficción. Se subtitula “Una historia del cine y animación española” lo que indica un recorrido de las obras más significativas, desde una perspectiva tanto de importancia e innovación técnica como de la innovación y calidad artística que supuso en cada momento, destacando cronológicamente los hitos más importantes en este sector, como en el caso del cine con Segundo Chomón, con el comienzo del género, hasta la actualidad. Por tanto, en manifestaciones como el cine o los videojuegos, hemos partido de una revisión histórica pero adentrándonos en el concepto que para cada generación han ido desarrollado los personajes y elementos destacados que enfatizan diferentes valores. Así, en algunas épocas, se han valorado de manera destacada conceptos como la amistad y el valor, mientras que en otras ha primado el respeto a la naturaleza, por ejemplo. En todos ellos hemos estudiado también el proceso y valor de la creación de los personajes-arquetipo y la evolución de la Teoría del Héroe, tan unido a la expresión de animación. Establecimos una estructura de la historia de los Arquetipos animados, adaptado a los tiempos en los que se plantea y que desarrolla el concepto expositivo histórico de fondo, con nuestras conclusiones y análisis que parten de una visión, un enfoque interdisciplinar, de los principales personajes nacidos de creadores, españoles en este caso, que, por su internacionalización, han formado parte de la memoria colectiva de medio mundo. Elementos de selección Como no sería posible abarcar y exponer toda la obra de animación española desde sus inicios hasta nuestros días en sus más de cien años de existencia y en los cinco apartados propuestos, en lo que refiere al desarrollo y presentación práctica del proyecto, se han tenido en cuenta diversos factores para la selección de las obras que formarían parte de la exposición llegándose a priorizar varios elementos. En primer lugar, en el ámbito artístico, se ha tenido en cuenta la trayectoria de los artistas y su evidente prestigio internacional, que responde a su discurso propio y personal, en la manifestación de una obra que sea conceptualmente interesante y cuya animación se adecue a las nuevas tecnologías, resultando unas obras que son innovadoras, profundas, rigurosas y creativas. En el ámbito cinematográfico hemos valorado el criterio especializado de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, como no podía ser de otra forma, que otorga anualmente los premios Goya. Por tanto, hemos seleccionado a los premiados de cada año en animación dentro de la categoría de Largometrajes y de Cortometrajes. Una vez destacadas estas obras premiadas, hemos aplicado para las demás obras cinematográficas seleccionadas, en concreto los cortometrajes en los que son más habituales las obras independientes y de autor, criterios de innovación y calidad artística y técnica de las obras y su desarrollo en los conceptos propuestos. También se ha tenido en cuenta la importancia de su adaptación literaria y/o cultural de aquellos trabajos que se basan en textos de culto atemporales y que, por tanto, son de carácter intergeneracional o bien aquellos que parten de estructuras narrativas populares. 16

Para las obras de cine digital o Machinima, se han apreciado los esfuerzos de abrir un camino que es totalmente nuevo. Estamos sin duda ante los comienzos de una nueva expresión cinematográfica de carácter popular, un fenómeno al que se llama Cinemapop, interactivo, sin límites y participativo que ha generado un cambio de paradigma. En las series y videojuegos la popularidad y los índices de ventas y de audiencia son factores que se han sumado a los demás criterios de calidad artística y, también se han tenido en cuenta, que se mide por el número de episodios emitidos y la cuota de pantalla. De cualquier modo, el nivel de audiencia de una serie es un factor muy complejo de determinar con exactitud, no sólo por su emisión en distintas cadenas de televisión de varios países o territorios, sino también por el hecho de que estos datos no recogen la presencia de dichas series en plataformas tan habituales para el usuario como puedan ser Youtube y otros dominios de visionado online y descarga similares donde los usuarios pueden ver repetidos algunos capítulos de sus series predilectas tantas veces como quieran. Tampoco reflejan la compra de merchandising como DVDs o VHS, ni su internacionalización y las emisiones en el extranjero de las series. Por último, se han estimado las selecciones, festivales, premios, nominaciones y reconocimientos nacionales e internacionales recibidos. Animación española en Cinco exposiciones El proyecto consta de 5 exposiciones diferentes que se corresponden a los cinco apartados independientes de la creación española en animación citados. Al ser múltiple, por sus especiales características, permite una gran versatilidad de exhibición pudiendo mostrarse en 5 fechas distintas proporcionando al contexto de la exhibición mayores opciones y posibilidades. Responde a cinco maneras de generar una creación artística basada en la animación: Arte, Cine: Largometrajes y Animación de Cortometrajes, Cine Digital o Machinima, Series y Webseries, y finalmente de Videojuegos -con algunos ejemplos de ráfagas, anuncios, cabeceras y cortinillas como complemento, importantes en la cultura del momento con el objetivo de proporcionar una mayor documentación e información- unidas todas ellas bajo el concepto del título y subtítulo de la exposición: "Una Historia de la Animación española".

ARTE Y ANIMACIÓN

La exposición “CAFE. Una historia de la animación española. Arte”, que presentamos, muestra una visión contemporánea del arte en el que la pintura y otras formas plásticas se descubren a través de los medios tecnológicos actuales, como es la proyección de imágenes en movimiento. El dibujo y la pintura cambian a forma animada. Es una transformación de la pintura. Desde hace más de un siglo se viene reiterando de manera insistente el anuncio de la muerte del arte en general y de la pintura en particular, utilizando diferentes argumentos. Este discurso se endurece entre los años 80 y los 90 del siglo pasado con las transvanguardias pictóricas, cuando se evidenció, una vez más a lo largo de la historia, la sensación de que tanto la pintura como otros medios plásticos habían alcanzado su techo. Efectivamente, a finales del siglo anterior y siguiendo su habitual marcha insegura y sinuosa, se había extendido nuevamente un sentimiento de agotamiento creativo. En realidad, se basaba en una visión estrecha del fenómeno artístico, que conducía a nociones esquemáticas y estereotipadas sobre la creación plástica, pero venía a sumarse a la expresión trascendida de la Muerte del arte. Este sombrío anuncio en realidad atendía a una sesgada interpretación de los iniciales ecos hegelianos ochocentistas. Pero también respondían a la llamada de alerta manifestada por el pintor Paul Delaroche con la expresión: «desde hoy la pintura ha muerto», pronunciada en referencia a la competencia de veracidad que resultaba de su comparación con la fotografía. Estos planteamientos fueron refrendados posteriormente por Douglas Crimp quien, refiriéndose a las pinturas negras de finales de los años 50 de Ad Reinhardt, anunció, ante el aparente duelo cromático de las obras, que en una primera impresión parecen monocromáticas y que, sin embargo, estaban compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro, que el artista estaba trabajando en «las últimas pinturas que alguien puede hacer». Porque se preguntaban: ¿qué cuadros se podían hacer después de llegar al Negro absoluto? Nada. Fin de la historia. El argumento de derrota se acrecentaba con la idea de que, en la búsqueda de la síntesis, las Ad Reinhardt, Abstract Painting N.5, 1962 condiciones pictóricas ya se habían agotado por lo que, consecuentemente, el medio quedaba privado de capacidad de sorpresa, lo que reducía irremediablemente sus posibilidades de renovación. Por tanto, ese anuncio, en términos artísticos, sólo podía augurar el ocaso y la muerte de la pintura. Sin embargo, pasados los años, abiertos nuevos horizontes y atemperados los ánimos, que invitan a reflexiones más profundas y sosegadas, se percibe hoy precisamente lo contrario. La gran capacidad de adaptación de la pintura a los nuevos medios. Observando los diferentes escenarios, vemos que no sólo el arte, la pintura u otros medios artísticos, no han desaparecido, sino que incluso gozan de un renovado y extraordinario vigor. En algunos casos, como los que presentamos, además, cambian su estructura y cobran vida y movimiento. Como si se tratase 18

Marina Núñez, Multiplicidad, 2006

de un organismo vivo, el arte del nuevo siglo se ha ido adaptando a las nuevas posibilidades y situaciones, mimetizándose con todo aquello que le rodea, sea cine, vídeo, fotografía, arquitectura, ordenadores, mundos virtuales, cómics y un largo etc. El arte contemporáneo se nutre de todas las experiencias culturales en una permanente transformación. Este proceso de evolución tiene que ver con la propia esencia del arte, en constante búsqueda, que asimila, trasciende y se adelanta al momento que vive en una evolución que tiene algo de azaroso e intuitivo, de supervivencia cuasi biológica u orgánica y de asimilación e interpretación del entorno socio cultural en el se desenvuelve, consiguiendo añadir a las circunstancias de adaptación propias de la disciplina otras periféricas igualmente dinámicas. En concreto, algunos de los más destacados artistas actuales, que ahora presentamos, revirtieron los anuncios más pesimistas y comenzaron un nuevo camino creativo ya a finales del siglo pasado. Han generado una renovación del tradicional entorno pictórico al desarrollar su obra realizando un cuerpo de trabajo artístico que, al adecuarse materialmente a las posibilidades de los nuevos medios, describe de manera actual y eficaz su discurso. Era evidente que algunos creadores sentirían la necesidad de actualizar sus expresiones artísticas con los medios existentes precisamente porque el arte, siempre a la vanguardia, no podía permanecer como una excepción anacrónica en un contexto como el actual, habituado a la cotidianeidad e interacción con las nuevas tecnologías. Algunos artistas contemporáneos, que participan de la generación web y que viven y trabajan en un entorno tecnológico, necesitaban modificar sus herramientas. Al hacerlo, han variado la anterior estructura hierática de la pintura derribando una tradición solemne, que colocaba a la pintura en una posición preeminente, y quizás vista con la perspectiva de hoy algo afectada, de configuración inmóvil.

Manu Arregui, Irresistiblemente Bonito, 2007

Desde hace un tiempo se ha establecido una nueva jerarquía en la que el artista trabaja con la pintura en un plano de igualdad con respecto a los demás recursos culturales y artísticos. La pintura pierde, por tanto, con estos artistas actuales parte de su finalidad anterior, de fin en sí misma, para transformarse en un medio expresivo más al servicio de un concepto. Un objetivo que le permite convertirse en un fiel intérprete de la realidad contemporánea compartiendo la naturaleza cambiante, virtual y fragmentaria de los medios electrónicos y de las modernas redes de información. Las especialidades y denominaciones artísticas han ido asumiendo estos cambios, adaptándose a la versatilidad del arte presente y asumiendo el cambio de estructura de los géneros artísticos con respecto a su anterior clasificación y jerarquización. Ahora, en la mayoría de los casos, resulta incompleto e inexacto hablar de un pintor o de un instalador o un video artista, porque los artistas navegan por diferentes medios, dando paso a un nuevo modelo de artista humanista-tecnológico: el artista multimedia. Los artistas que participan en esta exposición responden a este modelo internacional y al momento más actual del arte y de la animación con las nuevas tecnologías. A pesar de su juventud, son auténticos maestros y se encuentran entre los nombres de referencia del arte internacional. Han promovido una nueva forma de ver, analizar y transmitir su entorno, inaugurando una interpretación de la realidad. Con un estilo propio, su sello artístico identificable consigue captar el interés del público, expertos, autores y eruditos y también cuentan con numerosos discípulos.

Enrique Marty, Moron. The Falling Man, 2011

Es para nosotros un verdadero placer y un honor haber podido reunir y presentar en Japón a estos grandes artistas españoles del arte actual.

Eugenio Ampudia Museum and Space, 2012

Exposición y autores. En la exposición se muestran obras de nueve excelentes autores de referencia internacional. Los artistas son: Abigail Lazkoz, Curro González, Enrique Marty, Eugenio Ampudia, Fernando Renes, Manu Arregui, Marina Núñez, Ruth Gómez y Vicente Blanco. Abigail Lazkoz, muestra un delicado y etéreo Haiku visual. Curro González, exhibe obras de reflexión e ironía sobre los condicionamientos de la creación artística y el papel del artista actual. Enrique Marty, nos lanza, con suma eficacia y estilo propio inconfundible, varios mensajes contundentes sobre la estandarización y convención de los arquetipos emocionales. Eugenio Ampudia, en sus obras, reflexiona sobre el devenir del arte material, la concepción del museo como caja contenedora y la actitud del espectador y consumidor del arte actual. Fernando Renes, ilustra, con sus potentes dibujos, diversos pasajes que despiertan y centran su interés, como el famoso monte Fuji, todo un símbolo del país. Manu Arregui, con sus obras de sublimación circular, invita a reflexionar, desde una perspectiva que usa los códigos visuales y sonoros dramáticos de las grandes producciones cinematográficas de los años 40, sobre los arquetipos y convencionalismos actuales frente a tensiones del romanticismo, junto con elementos científicos, y cuestionamientos sobre la identidad e imagen sexual. Marina Núñez, desvela un solemne mensaje, con su mundo de ciencia ficción y sus monstruos, que cuestionan los códigos y arquetipos de identidad y pertenencia, generando una poderosa reflexión en el que traslada al espectador la responsabilidad y el reto de concluir la obra. Ruth Gómez con su atractivo y singular mensaje de vibrantes colores, dibujos y sorprendentes situaciones, nos permite observar elementos creativos que definen nuestro tiempo artístico real como son la actividad creativa callejera, el grafiti, y los videojuegos. Finalmente, Vicente Blanco juega con el equívoco, la inquietud, la sospecha, la fragilidad, paradigmas que llevan a la confusión, en una reflexión profunda sobre los referentes culturales, sociales, amorosos, que contienen códigos atribuidos.

CAFE. Una Historia de la Animaci贸n Espa帽ola. ARTE, Flyer (detalle), 2013 22

RAMÓN VICENTE DÍAZ DEL CAMPO Vicedecano de la Universidad de Castilla- La Mancha, UCLM

video y arte una historia de la animación diseño de exposición

Video y Arte Una historia de la animación española más reciente

El arte actual se ha desarrollado de manera vertiginosa en las últimas décadas ampliando sus códigos de comunicación y adaptando nuevos lenguajes a los ya tradicionales. Desde hace años podemos observar la gran evaluación seguida por el vídeo como disciplina artística, amplificando su presencia oficial en instituciones públicas, museos y galerías, viviendo en los últimos años una etapa dorada. Pero este medio aun tiene una pata quebrada dentro del sistema artístico español, ya que la posibilidad de comprar este formato en galerías y subastas por parte del comprador sigue siendo meramente testimonial ya que en España los compradores de este tipo de arte sigue siendo un mundo muy reducido. Pero a pesar de que para buena parte del público siga siendo un arte relativamente nuevo el videoarte está a punto de cumplir los cincuenta años. Durante este recorrido histórico este medio se ha utilizado en infinidad de formatos bien como medio de experimentación, con matices cinematográfico, con carácter teatral, con un aspecto crítico y revolucionario,… El videoarte ha alcanzado en la actualidad la autonomía plena a la que todas las artes aspiran quisieran aspirar y es uno los formatos más habituales en la escena artística. El videoarte tiene su origen en una época de grandes transformaciones sociales, políticas y económicas. El punto de partida fue la aparición del sistema doméstico de grabación de video en el mercado norteamericano y el inicio simbólico como arte es situado por muchos autores en 1965 cuando el artista Nam June Paik muestra en el café Á Go Go de Nueva York unas imágenes que ha grabado del Papa durante su visita a la ciudad ese mismo día. Esta primera experimentación coincide en el tiempo con las diferentes utilizaciones de vídeo en acciones artísticas del grupo Fluxus o con las investigaciones de Wolf Vostell. La utilización del vídeo durante los años sesenta se mueve entre el lenguaje del cine experimental y la televisión comercial, lo que conlleva el uso alternativo y renovado de este nuevo medio. En definitiva el videoarte se convirtió inmediatamente en un medio útil para comenzar a explorar la estética de una nueva práctica artística en la cultura mediática contemporánea. En los años siguientes, ya en la década de los años 70, el video dejaría de ser una apuesta meramente experimental para introducirse en el mercado artístico con la aparición de los primeros departamentos especializados de algunos museos que comenzaron a mostrar interés por formas artísticas más alternativas. Así, en el año 1970 el Museo de Arte del Carnegie Institute de Pittsburg publico un listado con las presentaciones de los nuevos trabajos de un grupo de video artistas. Este fue el inicio de todo proceso de llevo a los artistas del vídeo de los circuitos contra-culturales al reconocimiento oficial. A partir de entonces el videoarte desarrolla su propio lenguaje, generándose nuevas correlaciones artísticas como videoescultura, videoperformance y videoinstalación, entre otras. En el caso concreto de esta exposición nos centraremos en la relación existente entre el videoarte y la animación dentro del panorama artístico actual en España. La exposición reúne obras realizadas por nueve artistas de los más destacados del panorama de la animación española en los últimos años. CAFÉ. Una historia de la animación española. ARTE esta comisariada por Cristina García Lausen y Ramón Vicente Díaz del Campo, y se nos presenta una visión de las diversas técnicas de animación empleadas dentro del mundo del arte contemporáneo. Esto, unido a la particular narrativa de cada creador, ha motivado ofrecer pequeñas retrospectivas que permitan seguir la trayectoria que las técnicas de la animación han implicado en cada artista. 25

CAFÉ. Una Historia de la Animación Española

El proyecto “CAFE. Una Historia de la Animación española" (Cine+Animación+Ficción+Española) pretende hacer una revisión histórica de la animación española desde sus orígenes hasta nuestros días. La exposición CAFÉ. Una historia de la animación española. ARTE reúne obras realizadas por nueve artistas de los más destacados del panorama de la animación española en los últimos años. Se quiere poner de manifiesto la importancia de la animación dentro del panorama de la creación artística contemporánea. La animación y sus distintos procesos, son un importante vehículo de creación y experimentación en artistas españoles y que cada vez tiene una mayor presencia en el panorama artístico actual. Los artistas implicados en esta exposición componen un grupo interdisciplinar y heterogéneo que desde ámbitos distintos como el dibujo, la fotografía, la pintura o los propios medios audiovisuales han llegado hasta la animación convirtiendo esta en un medio ideal para expresar sus diversas dialécticas. A través de las creaciones presentes en la exposición se podrá apreciar en toda su dimensión la variedad de estilos, técnicas, formatos y temáticas de la animación contemporánea española. Desde artistas que trabajan sobre el papel creando de manera física cada una de las imágenes, hasta las obras realizadas mediante dibujo digital en 2D, o aquellos que utilizan el 3D como vehículo, o la investigación en nuevos medios tecnológicos aplicados a la animación. En cuanto a la temática se podrá apreciar la libertad de expresión creativa que permite ver la animación como medio idóneo para afrontar asuntos de variada temática como la ciudad, las relaciones humanas, la familia, las relaciones entre el individuo, el paisaje y la naturaleza, cuestiones de género, lo onírico, el mundo cultural, el arte público y el grafiti, entre otros. Debido a esta amplia variedad la exposición CAFÉ. ARTE gira en torno a seis espacios donde se expondrán de manera temática las distintas creaciones de los artistas españoles. Los autores presentes en la exposición son: Manu Arregui, Enrique Marty, Vicente Blanco, Eugenio Ampudia, Fernando Renes, Abigail Lazkoz, Curro González, Ruth Gómez y Marina Núñez.

Paisajes Interiores: Manu Arregui La primera parte está destinada a mostrar la obra del artista cántabro Manu Arregui bajo el epígrafe “Paisajes Interiores”, donde a través de tres obras se nos invita a reflexionar sobre distintos aspectos internos del ser humano como la belleza corporal, la capacidad de sacrificio, los géneros sexuales o el desajuste del individuo frente a la sociedad que le rodea. Manu Arregui (Santander, 1970) es uno de los video-creadores más activos del panorama español del momento. Obtiene la Licenciatura en Bellas Artes, especialidad en Audiovisuales, por la Universidad del País Vasco/ Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU) en 1993. A este artista le inquieta la fascinación que provocan las imágenes, los recursos expresivos que desatan nuestras emociones, la circularidad de los argumentos, la estetización, en suma, de nuestro entorno visual. Ha participado en un gran número de ferias internacionales de Arte Contemporáneo como ARCO, ART CHICAGO, ART BASEL MIAMI BEACH o FRIEZE ART FAIR. Sus trabajos han sido incluidos en importantes exposiciones colectivas como Trans Sexual Express Budapest 2002, Bad Boys con motivo de la 50ª edición de la Bienal de Venecia, Monocanal. Vídeos: 1996-2002 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS, Sesiones Animadas un proyecto de Juan Antonio Álvarez Reyes expuesto en el Centro Atlántico de Arte Moderno 26

de Las Palmas y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid MNCARS. En 2002 obtuvo la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín con la que completó su formación en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de Nueva York. En 2004 obtuvo el primer premio Videocreación y Formatos Digitales Caixa Galicia. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo ARTIUM de Vitoria, el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) de León, el Museo de Bellas Artes de Santander o la Fundación Ordóñez Falcón de Fotografía.

Manu Arregui: Sed de Infinito,2005

Manu Arregui: Un impulso lírico del alma ,2007

Sed de infinito (2005) En la primera de las obras del artista Manu Arregui de la exposición, el artista nos adentra en una narración lírica buscando una respuesta emocional por parte del espectador. El discurso se realiza en un paisaje nevado con claras referencias al concepto “sublime” del romanticismo al más puro estilo Friedich. En una pieza dominada por una naturaleza hostil encontramos a una mujer cuyo rostro se oculta al espectador. La protagonista atraviesa el paisaje con un niño en brazos a quien dirige sus palabras reflexionando sobre distintas emociones humanas y el arte y la realidad. Las referencias a elementos formales del melodrama cinematográfico en blanco y negro de los años cuarenta son claras y se matizan todavía más con la participación en la pieza de la actriz Elsa Fábregas, dobladora de cine profesional y que ha prestado su voz a muchas de los personajes femeninos del cine clásico como Scarlett O'Hara en el film Lo que el viento se llevó. Arregui nos traslada a una naturaleza inaudita mediante una compleja construcción en la que combina diferentes técnicas de animación como la imagen real y el uso del 3D. Un impulso lírico del alma (2007) En la obra Un impulso lírico del alma el artista atrapa al espectador realizando una mezcla de imágenes reales y virtuales en el marco de un paisaje onírico. Nos encontramos en medio de una coreografía protagonizada por Rubén Orihuela, primer deportista profesional masculino de gimnasia rítmica, una especialidad fundamentalmente reservada a las mujeres. Este personaje le sirve al artista para reflexionar sobre el género y el arquetipo de una nueva masculinidad que incorpora aspectos de la feminidad. El gimnasta nos oculta su rostro y muestra su cuerpo vestido con tonos neutros que demuestran su anatomía y evitan la desnudez. La coreografía se convierte en la verdadera protagonista de la pieza que tan sólo se complementa con un paisaje muy austero lleno de brumas y por unas escaleras de una geometría simple.

Manu Arregui: Coreografía para cinco travestis , 2001

Coreografía para cinco travestis (2001) Uno de los artistas que más han tratado en sus obras el tema del género y la problemática en torno a los rolles de masculinidad y feminidad es Manu Arregui, de hecho, fue incluido, dentro de la generación denominada por Agustín Pérez Rubio como “Bad boys”, en la 50º Bienal de Venecia. El artista, además, es un genio a la hora de mantener interrogantes constantes en el espectador sobre la apariencia y realidad, algo que se demuestra perfectamente en esta obra. El espectador se encuentra con cinco figuras andróginas, exactamente iguales, creadas en formato 3D que inician una danza. Son cuerpos aparentemente asexuados, bailando con gesto afeminado, desprovistos de los elementos característicos de cualquier rasgo de masculinidad hasta que, al final, se desvela su verdadera identidad sexual. 27

Enrique Marty : Escenas Íntimas En la segunda parte de la exposición se proyectarán la obra de Enrique Marty bajo el título “Estéticas Intimas” donde el artista reflexiona sobre la imagen y el concepto de lo familiar, pero desde una perspectiva crítica y muy personal. Marty (Salamanca, 1969) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Desde inicios de los 90, su obra figurativa adopta diferentes formatos, pintura, escultura, instalación, escenografía, teatro o vídeo. A través de su obra, Enrique Marty nos sacude e incomoda al enfrentarnos con personajes y escenas que han perdido su tranquilizador aspecto cotidiano para desplazarse al terreno teatral del esperpento y la sátira. Lo absurdo, la tensión y la angustia soterrada afloran en su trabajo, desestabilizando la realidad convencional. Enrique Marty es uno de los artistas plásticos de su generación con mayor proyección en el panorama internacional. Ha expuesto en los más importantes museos y galerías de Europa, América Latina y Asia, y su obra forma parte de múltiples colecciones internacionales. Artista cosmopolita, de gran proyección, su obra se expone en importantes museos y eventos nacionales e internacionales.

Enrique Marty: Birth of Tragedy I , 2007

Enrique Marty: Birth of Tragedy II, 2009

Ha expuesto individualmente en diversas galerías extranjeras como Greenaway Art Gallery de Adelaida (Australia), Casa Triángulo de Sao Paulo (Brasil) y Carbone.To de Turín (Italia). En 2000 expuso La Familia en el Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha participado en las exposiciones colectivas Ofelias y Ulises. En torno al Arte Español Contemporáneo, comisariada por Rafael Doctor durante la Bienal de Venecia de 2001, Pay Attenti(on) please en el Museo d’Arte Nuoro en Cerdeña o Políticas de la diferencia. Arte latinoamericano de fin de siglo, itinerante en diversos museos e instituciones de América Latina. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Marugame Hirai de Japón, La Fundación Marcelino Botín de Santander, la Junta de Castilla-León o las colecciones Unicaja y Caja Burgos. Enrique Marty es un artista que, en sus obras, tiende a presentarnos de forma descontextualizada elementos cotidianos que nos rodean mostrándonos de forma distinta la forma en que éstos se relacionan con nosotros. Así, lo familiar se muestra extraño y desconcertante. La producción de Marty es abiertamente multidisciplinar, trabajando en múltiples técnicas y lenguajes lo que le convierte en un maestro a la hora de crear una extravagante galería de personajes sacados de los tópicos que son alterados para remover los cimientos de la moralidad occidental. El resultado es una obra que resulta incómoda al espectador. Como dos ejemplos de su obra, aunque en esta ocasión no se exhiban. Una es Birth of tragedy I, cuyo contenido gira en torno a su padre que aparece disfrazado con una imagen veneciana y se aprecia como el concepto familiar es tratado desde una perspectiva crítica. El otro ejemplo es Birth of tragedy II. Si en la pieza anterior encontrábamos que estaba protagonizada por el padre del artista, en este caso es la madre la que mantiene el discurso en esta obra de Enrique Marty. Así que se conserva en el asunto que viene ocupando el interés del artista: la familia considerada, no de manera convencional, sino como el lugar de la tensión, del desamor, incluso de la violencia, en este caso representada por la máscara mejicana con la que la madre tapa su rostro. Los espacios privados y lo cotidiano se convierten en los verdaderos protagonistas de la obra del artista. Se trata además de animaciones realizadas fotograma a fotograma, y cada fotograma está formado por una acuarela independiente realizada por el artista.

Enrique Marty: Duelo, 2007

Duelo (1999/2007) El artista, en esta obra, también ha usado la acuarela para construir el desarrollo secuencial del argumento elegido: un duelo con armas de fuego entre sus progenitores. Así que se mantiene en el asunto que viene ocupando su interés: la familia considerada como el lugar de tensión y violencia.

Poéticas audiovisuales: Vicente Blanco En el apartado denominado “Poéticas Audiovisuales” en la que encontramos una muestra del trabajo de Vicente Blanco. Las referencias a elementos de diversos medios audiovisuales como el cine, la publicidad y los videojuegos se han convertido en un elemento clave de su obra, sobre todo destaca el uso de la estética de las animaciones surgidas en los años cincuenta durante la Guerra Fría. Blanco (Santiago de Compostela, 1974) Vicente Blanco Mosquera está licenciado por la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra (1995) y, posteriormente, realizó el doctorado en la Universidad del País Vasco (1997). Pese a su juventud ya ha expuesto de forma individual en la galería Van der Mien en Amberes, en el Museo Nacional Reina Sofía y en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, y de forma colectiva en Pekín, la Fundación Caixa Galicia, Centre Pompidou de París y Arco. Ha ejercido como profesor de la Facultad de Magisterio de Lugo (USC). En la actualidad es profesor de la Universidad de Santiago de Compostela. Desde su primera exposición en 1995, Blanco participa en diferentes proyectos, entre los que destaca Monocanal, organizada en el Museo Reina Sofía en 2003. El proceso de trabajo de Blanco parte de grandes fotografías de paisajes, en las que posteriormente sitúa personajes de animación. Blanco prescinde en los vídeos de la narración, sus personajes son estáticos y no emplea el movimiento rápido propio de lo fílmico. En un constante proceso de experimentación, el artista utiliza las imágenes de animación a modo de collage, con personajes que nacen como parte del paisaje fotografiado y que extrae de la publicidad y la televisión. Otra vez algo nuevo (2006) Si algo define la estética de la obra de Vicente Blanco son los referentes lingüísticos de diversos medios de masas, en concreto los cinematográficos, que ya se han convertido en elementos clave de su obra. Su belleza formal retoma las animaciones surgidas en los años 50 durante la Guerra Fría con una marcada influencia del suprematismo o del constructivismo. En esta obra nos encontramos con personajes con una estética muy familiar para el público que se envuelven en habitaciones decoradas con elementos tomados directamente de la realidad y con una narración muy crítica con el acomodamiento de la

Vicente Blanco: Otra vez algo nuevo, 2006

sociedad consumista. Los personajes se nos muestran muy estáticos y emplean un movimiento muy sosegado algo típico de la estética del videojuego. Todas las imágenes de esta obra son obtenidas o están muy influenciadas con personajes que se extraen de la publicidad y la televisión, por lo que la obra de Vicente Blanco resulta muy familiar y cercana para el público.

Vicente Blanco: The proll thing, 2006

The proll thing (2006) Si el cine es un elemento clave en la obra de Vicente Blanco en este caso un cine se convierte en el protagonista. La pieza nos muestra el interior del mítico cine Kino International, en Berlin. Se trata de un espacio que se aleja del estilo típico de las multisalas de cines comerciales. Kino International, ubicado sobre la monumental Avenida Karl Marx, fue el local de las premieres de la antigua RDA, al Este de la ciudad, y mantiene la costumbre de presentar los estrenos con carteles gigantes pintados a mano. No está permitido tomar fotos ni videos de su interior, por lo que el autor quizás pensó en utilizar la animación como medio de representar el interior del edificio mezclando la realidad y la ficción. Los dibujos para los decorados del vídeo están basados en una serie de postales vendidas como recuerdos a la entrada del cine. Sin título (Paisaje nevado) (2005) Vicente Blanco en sus obras hace uso de la animación digital mezclada con una estética que bebe directamente del cine, la publicidad y el lenguaje televisivo. En este caso la obra tiene mucho que ver con el género del suspense. Se nos presenta un paisaje nevado en el que van apareciendo los distintos personajes de la narración realizando distintas acciones. De repente, aparece una imagen repetida de un cadáver en el bosque y una casa aislada ante la que el espectador busca rápidamente una conexión para saber qué ha ocurrido, pero no la encuentra. Es así como aparecen distintos elementos que se presentan sin un enlace claro entre ellos, pero sí con una sensación de que algo está ocurriendo y que escapa a nuestra percepción. Vicente Blanco: Sin título (Paisaje Nevado), 2005

Dialécticas con símbolos: Eugenio Ampudia La obra del artista Eugenio Ampudia se muestra en el cuarto sector de la exposición: “Dialécticas con símbolos”, a través de dos obras muestra una crítica a la industria cultural internacional jugando con dos iconos de esta como son el Museo del Prado o el Guggenheim de New York. Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958). Pintor, escultor, artista multimedia y comisario de exposiciones. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza.En la actualidad es uno de los artistas españoles más reconocidos. Su trabajo multidisciplinar recibió en 2008 la beca The Delfina Foundation (Londres) y el Premio AECA al mejor artista español vivo representado en ARCO08. 30

Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos, el artista como gestor de ideas, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como sobre el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta. Sus obras se han expuesto internacionalmente en lugares como ZKM, Karlsruhe, Alemania; Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania; Museo Carrillo Gil, México; Boston Center for the Arts, Boston (MA), Estados Unidos; Ayala Museum, Manila, Filipinas; Mori Art Museum, Japón; y en Bienales como la de Singapur, la Habana, la Bienal del Fin del Mundo. Y forma parte de colecciones como la de MNCARS, MUSAC, ARTIUM, IVAM, La Caixa, entre otras. Prado GP (2008). En esta pieza el artista nos traslada a uno de los espacios más significativos de la cultura española: las galerías del Museo del Prado. En este caso convertidas en un circuito para un vertiginosa carrera de motos. Vemos como los cuadros del museo se convierten en espectadores de la carrera. El artista vincula la velocidad de las motos a la velocidad con la que habitualmente el turista visita los museos que se han convertido en una marca comercial de la mano del turismo. Esta carrera tan singular tiene su meta en la obra de Velázquez, Las Meninas, convertida en el objeto del deseo de todo buen turista que visita Madrid.La cultura de esta manera se ha convertido en un reclamo turístico que tan sólo busca un aprovechamiento económico.

Eugenio Ampudia: Prado GP, 2008

Eugenio Ampudia: Impression: Soleil Levant, 2007

Museum and Space (2011). En los últimos años se abren museos en todas partes, hay un interés por implantar franquicias de museos por todo el mundo, como si de un negocio se tratase; al fin y al cabo, el museo actual se basa en la marca-museo dentro de una dinámica industria cultural internacional. Al final lo importante de un museo es el contenedor más que el contenido. Ampudia nos presenta a la Fundación Guggenheim, reconocible por su emblemática sede de Nueva York, expandiendo su imperio museístico por el universo.

Relatos Sorprendentes I. Curro González El espacio denominado “Relatos Sorprendentes I” está integrado por las obras de Curro González, Las creaciones de este artista se caracterizan por trasladarnos a mundos irreales a través de sus discursos e historias. Estas narrativas pueden ser percibidas como una atractiva representación teatral. El artista recurre al humor y a una ironía sofisticada y en sus trabajos se mueve en las fronteras que separan el mundo real con lo extraordinario e incluso surrealista para construir sus propias historias. Curro González (Sevilla, 1960) es uno de los integrante de la generación de artistas sevillanos de los ochenta, vinculados en torno a la revista Figura. El artista ha desarrollado, a lo largo de su trayectoria artística, un lenguaje propio e independiente de cualquier estilo pictórico concreto. Su obra, íntima y reflexiva, está nutrida de un extenso bagaje literario. La ironía y el sentido del humor son habituales en la obra de este artista y constituyen dos elementos con los que se aleja del discurso serio y cargado de solemnidad que impregna parte del arte contemporáneo, al tiempo que juega constantemente con la disposición perceptiva del espectador en sus 31

creaciones. Últimamente, su obra ha traspasado las dos dimensiones de sus cuadros, para acometer, con éxito, la escultura y el vídeo. Su obra está en colecciones como la Fundación La Caixa, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MNCARS, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la colección Banco de España, ARTIUM, la colección Cajamadrid, Colección CAC Málaga, Colección Goldman Sach Int. Ltd. Madrid, la Fundación Coca-Cola, el Ayuntamiento de Pamplona, Colección Banco Exterior de España, Fundación “La Caixa”. Barcelona, o Stadtbücherei, Sttutgart (Alemania). Ha participado en exposiciones Internacionales como La Línea Inexorable (DAGC Gallery, 2012), Manila SuiteHotel Fénix. Pablo Gallery (Manila 2011), Painting with a hammer to nail the crotch of civilization: a group show of wall works and tattoo imagery. (Manila Contemporary Gallery. Manila 2010). Máquinas de mirar (Manila. 2009), El sur de nuevo (C.A.A.C. Sevilla 2009), A imagen seguinte (Espaço arte Tranquilidade. Lisboa, 2009), Lights, Camera, Action! (Arte Lisboa, Lisboa 2009). Project rooms (Lisboa, 2008), You Universe (BIACS-3. Sevilla, 2008), Aquilo sou eu (Fundaçao Carmona e Costa, Lisboa, 2008), Paixóns Privadas, Visións Públicas (MARCO. Vigo. 2007), Take Away (MCO Arte Contemporanea. Oporto, 2007), Geopolíticas de la animación (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, 2007 y MARCO, Vigo, 2007).

Curro González: La broma infinita 2009

La broma infinita (2009) En La Broma Infinita Curro González nos traslada al espacio más íntimo de cualquier artista: su taller, donde el creador se siente refugiado de los peligros del mundo exterior. En este escenario los objetos empiezan a cobran vida, primero actuando por sí mismos y luego actuando bajo la batuta del directorartista. En medio de esta sintonía entra en escena el agua que inunda todo a través de una ducha abierta. Como si se tratara de una inundación bíblica el agua arrasa con todo llevándonos a un espacio nuevo, casi desértico que posteriormente se torna en noche estrellada. Por un momento todo se pierde pero realmente no parece que se haya esfumado sino que se ha convertido en un mundo nuevo, como una especie de reencarnación. El hombre que soñó que se caía de la cama (2008) En El hombre que soñó que se caía de la cama encontramos tratado el tema del alter ego del artista. Curro González, por medio de esta obra, nos introduce directamente en las luces y las sombras de la vida del artista. A través del sueño, el artista deja escapar a su pequeño yo que se encuentra con toda una serie de personaje amenazantes logrando regresar triunfador al reposo de la cama; una vez, aspiradora en mano, haya engullido a vecinos insufribles, amenazas de desahucio y a una hidra que representa la profesión artística. Junto al vídeo, aparecen sus localizaciones, que no son sino delirantes pinturas en las que Curro González embauca a la mirada, con inquietantes imágenes, centelleantes en el espejismo inmenso de una realidad en el que se desafían las más elementales leyes de la gravedad visual.

Curro González: El hombre que soñó que se caía de la cama 2008

Relatos Sorprendentes II. Abigail Lazkoz y Fernando Renes Del mismo modo, las obras de Abigail Lazkoz y Fernando Renes no trasladan a mundos fantásticos donde, a través del humor y la imaginación, se plantean cuestiones relacionadas con la existencia humana y el devenir de nuestra sociedad.

Fernando Renes Por su parte, Fernando Renes muestra una obra impregnada de humor e imaginación a través del uso de imágenes muy reconocibles. Renes, nacido en Burgos (1970), es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Además de su extensísimo currículum, Fernando Renes es Premio de pintura Francisco de Goya Villa de Madrid (2004). El trabajo del artista abarca un amplio abanico de intereses, como la ciencia, política, economía, sexualidad, evolución, por nombrar algunos, pero todos ellos pasados por su personalísimo “embudo”. Si buscásemos un denominador común que extraer de sus últimas obras sería su sentido del humor. Su obra tiene una gran acogida tanto nacional como internacionalmente, habiendo expuesto en decenas de lugares entre los que se encuentran: La Casa Encendida, Madrid; Mücsarnok Kunsthalle, Budapest; Arts Santa Mónica, Barcelona; Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; Centre d’Art La Panera, Lleida; Freies Museum, Berlin; Musac, Museo de arte contemporáneo de Castilla y León; Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico; La Naval, Cartagena y en el Museo de arte moderno y contemporáneo de Santander.En la actualidad, el artista burgalés tiene su residencia en Brooklyn, Nueva York. En esta ocasión Renes muestra dos obras impregnadas de humor e imaginación a través del uso de imágenes de la cultura japonesa y cinco animaciones para iniciar desde ésta su discurso como ocurre con el caso del Monte Fuji que deja de ser accidente geográfico para ser símbolo y personaje.

Fernando Renes: Fujinokisha, 2007

Fernando Renes: Cinco Animaciones ,2012

Fujinokisha (2007) Esta obra está protagonizada por uno de los símbolos indiscutibles de la cultura japonesa: el Monte Fuji, que deja de ser accidente geográfico para ser símbolo y personaje de esta creación artística. En Fujinokisha vemos como un tren de vapor no deja de dar vueltas en torno a una representación elemental del monte Fuji. El título, Fujinokisha, es literalmente en japonés "el vapor del Fuji", pero en ese mismo idioma "Kisha" tendría una segunda acepción que daría nombre al tren de vapor. Sus dibujos son delicados, van y vienen, cuentan, tienen algo de japonés y dan pie a una obra con voluntad de fragilidad y que tiene mucho de diario íntimo de un artista errante. En sus obras la simplicidad del dibujo es justo el secreto de la expresividad y el movimiento que los anima. Cinco Animaciones (2012) La obra está compuesta por cinco breves vídeo-creaciones (Je suis godot, Hands on, El Rey, Pujol y Eleven U.S. President) surgidas de sencillos dibujos cargados de sinceridad, insensatez y fantasía. La composición cautiva por su extremada sencillez que invita a sucesivas relecturas e interpretaciones. La obra de Renes está basada en dibujos sencillos y directos, no es necesario interpretarlos. Sus vídeos constituyen una prolongación de sus dibujos, son auténticos dibujos animados y con un muy peculiar sentido del humor.

Abigail Lazkoz Abigail Lazkoz (Bilbao 1972) terminó los estudios de Bellas Artes en 1995 en la Universidad del País Vasco. En 2001 obtuvo una Beca de la Diputación Foral de Vizcaya que le permitió instalarse durante tres meses en Nueva York, ciudad donde se reside desde 2002 gracias a la beca de la Fundación Marcelino Botín de Santander y después, con la Beca Fundación Endesa y Museo de Teruel. En 2003 realizó el mural “Day alter day in the tunnles” en The Drawing Center de Nueva York y en 2004 fue nominada para la “Rema Hort Mann foundation grant for the Arts”. Desde entonces alterna su residencia en la ciudad de los rascacielos con sus estancias en Bilbao unidas, sobre todo en los últimos años, a continuas invitaciones expositivas que han mostrado su trabajo en importantes centros y museos nacionales. Experta en el dibujo y comprometida con el trabajo, ha logrado desarrollar una manera de hacer personal, caracterizada por la planificación y la riqueza visual y de contenidos. En 2005 participó en la exposición Greater NY en el PS1-MoMA y, desde entonces, la obra "cameraman" forma parte de la exposición permanente del centro. En el año 2007, participó en la muestra Cada uno a su gusto de artistas vascos de los años 90 celebrada en el Museo Guggenheim Bilbao. Very (2012) Con un simple dibujo Abigail Lazkoz nos presenta en “Very”, una imagen sorprendente. La de una mujer que se columpia en una rama mientras nos presenta un libro. Al igual que el resto de sus obras esta imagen está llena de aforismos. La artista con este video nos presenta una sencilla imagen con trazos negros sobre fondo blanco, inspirada por los conflictos cotidianos. Esta obra tiene mucho en común con otras obras suyas basadas en grandes dibujos de tamaño monumental. La artista dotada para el dibujo ha logrado desarrollar una manera de hacer muy personal caracterizada por la riqueza visual y de contenidos. Abigail Lazkoz Very, 2012

Meditaciones urbanas: Ruth Gómez Una sección aparte, “Meditaciones urbanas” está destinada a la obra de Ruth Gómez, por su especial relación con el paisaje de nuestras ciudades actuales. Ruth Gómez (Valladolid 1976) Estudia Bellas Artes en la Universidad de Salamanca (2000). Su obra es sensible a escenas cotidianas y cercanas en el tiempo. Propone historias animadas que reflexionan, por un lado, acerca de la naturaleza del ser humano y, por otro, sobre formas de evasión a través de la fantasía. Es una extensión de su propia experiencia que podría ser la nuestra, convirtiéndose en ocasiones en proyecciones compartidas donde la realidad y la ficción se entremezclan. Sus imágenes – caracterizadas por el dinamismo y su personal empleo del color – están influenciadas por el dibujo clásico, el Pop art y el anime japonés. Al mismo tiempo, son el resultado de un complejo entramado de líneas y puntos que acercan los medios digitales utilizados a cualidades pictóricas. Su obra se encuentra en importantes museos y colecciones nacionales: MUSAC, CAC, ARTIUM, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria, Fundación Coca-Cola, Colegio de España en Paris, Instituto Leones de Cultura, Centro de Arte de Alcobendas, etc. Spray (2011) La obra de Ruth Gómez es antes que nada una alabanza al arte público. Utilizando elementos propios de la cultura urbana y del graffitti la artista va desarrollando toda la poética de su obra. Inspirada en el barrio parisino de Belleville, a través de la simulación de un videojuego, esta obra Spray, es un graffiti que se construye progresivamente. Numerosas figuras de colores planos sobre fondo blanco van dan forma a las videocreaciones. El muro animado genera un contenedor de imágenes donde muchas tramas encajan entre ellas implicando a nuestros estados de ánimo cotidianos. El video combina al mismo tiempo escenas y figuras que provienen de animaciones anteriores de la artista con personas reales, animales y firmas.

Ruth Gómez: Spray , 2011

Marina Núñez y las poéticas del horror Para finalizar la exposición se ha creado un espacio titulado “Poéticas del Horror” que alberga la obra de Marina Núñez. En su obra está presente un interés por el ámbito de la robótica y cibernética creando sus propios personajes. El resultado es una obra marcada por la presencia de cyborg, como híbrido entre la máquina y lo humano que en ocasiones se nos presentan con aspectos casi demoniacos. Marina Núñez (Palencia, 1966) Doctorada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha y profesora titular de pintura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Representa en sus obras seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, infografías o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano. Ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía, La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el DA2 de Marina Núñez: Visión (2), 2012 Salamanca, la Casa de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac en León, el Centre del Carme en Valencia, la Sala Rekalde en Bilbao o el Patio Herreriano en Valladolid. En cuanto a las exposiciones colectivas, se pueden destacar “Transgenéric@s” (1998, Koldo Mitxelena Kulturnea, San Sebastián), “La realidad y el deseo” (1999, Fundación Miró, Barcelona), “Zona F” (2000, Espai d´Art Contemporani de Castelló), “I Bienal Internacional de Arte” (2000, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires), “Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo” (2001, Antichi Granei, Giudecca, Venecia), “Big Sur. Neue Spanische Kunst” (2002, Hamburger Banhof, Berlín),. Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que se encuentran el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Artium de Vitoria, el MUSAC de León, el Patio Herreriano de Valladolid, el TEA de Tenerife, la Fundación “La Caixa”, o la Corcoran Gallery of Art, Washington, DC. Actualmente reside entre Madrid y Pontevedra, y es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo.

La obra de Marina Núñez forma parte de importantes colecciones internacionales y ha tenido gran difusión dentro y fuera del circuito artístico, con múltiples exposiciones en prestigiosos museos y galerías de Europa, Hispanoamérica y Estados Unidos.En su obra está presente un interés por el ámbito de la robótica y cibernética creando sus propios personajes. El resultado es una obra marcada por la presencia de cyborg, como híbrido entre la máquina y lo humano que en ocasiones se nos presentan con aspectos casi demoniacos, como en “Endemoniadas”, que expuso en el Museo Patio Herreriano. La obra de Marina Núñez se preocupa en los últimos años por el concepto de lo humano, en un contexto en el que la robótica y la cibernética hacen cada vez más evidente la dificultad de definir este concepto. El cyborg como elemento de hibridación entre la máquina y lo humano podría ser la imagen de esta reconfiguración que diversos filósofos y pensadores han dado en llamar poshumana. Este concepto se trata de forma muy directa en los Monstruos de Vitruvio en el que, a través de siete videoproyecciones, encontramos el Hombre de Vitrubio de Leonardo Da Vinci ardiendo y convertido en un ser anómalo. El hombre de proporciones perfectas, el modelo ideal, es ahora, dada la violencia excluyente de los cánones, un ser quemado por grandes llamaradas de fuego. La artista se ha valido de la tradición iconográfica de cielos e infiernos para su obra, pero sintetizándolo con la cultura cíber.

Marina Núñez: Organismo, 2011

Organismo (2011) La arquitectura del Centro Niemeyer, con su aspecto de ciudad utópica moderna, se convirtió en el lugar ideal para la creación de esta pieza Organismo, formada por cuatro videoproyecciones que recrean una utopía, un estado que ampara y promueve los derechos de sus ciudadanos. Se nos presenta una ciudadestado en la que las configuraciones ortogonales de los edificios rememoran la estructura de un sistema, mientras que unas corrientes emisoras de ovoides/ojos remiten a una realidad orgánica más caótica. Los ojos se van situando en los espacios que la cubierta semiesférica prevé para ellos, pero también fuerzan una nueva configuración, una metamorfosis, ya que en toda construcción se producen desajustes.

DISEÑO DE EXPOSICIÓN

La exposición tiene lugar en la Sala de Exposiciones (2F) del Instituto Cervantes de Tokio (Japón) del 1 al 31 de octubre de 2013. En el acceso de la sala de exposiciones se puede instalar un vinilo con el título de la exposición: CAFÉ. Una Historia de la Animación Española. ARTE, en la pared Ñ de la sala dando la bienvenida al espectador.

ENTRADA A LA EXPOSICIÓN La obra Organismo de Marina Núñez da la bienvenida al visitante antes de acceder a la sala de exposiciones. Marina Núñez Organismo (1)(2)(3)(4) 2011 (00:08:44) Acompaña a la proyección un pequeño texto introductorio : “El proyecto general CAFE está estructurado en forma de muestra múltiple que consta de 5 exposiciones independientes con el factor común de ser todas ellas distintas manifestaciones de animación, es decir, imagen en movimiento. CAFE. Una historia de la animación. Arte CAFE. Una historia de la animación. Cinematografía: Largometrajes y Cortometrajes CAFE. Una historia de la animación. Cine Digital o Machinima CAFE. Una historia de la animación. Series y Webseries, Animación de Ráfagas y Anuncios CAFE. Una historia de la animación. Videojuegos En el primer proyecto expositivo que presentamos: “CAFE. Una Historia de la Animación española. ARTE", se muestra el arte español más actual por medio de nueve creadores españoles de renombre internacional que utilizan nuevos medios y animación. La exposición muestra la importancia de la animación dentro de la perspectiva de la creación artística contemporánea. Los artistas participantes en esta exposición componen un grupo interdisciplinar y heterogéneo que desde ámbitos distintos como el dibujo, la fotografía, la pintura o los propios medios audiovisuales han llegado a la animación convirtiéndola en un medio excelente para expresar sus diversas dialécticas. A través de las creaciones presentes en la exposición se pueden apreciar en toda su dimensión la calidad, profundidad y variedad de estilos, técnicas, formatos y temáticas de estos artistas españoles que trabajan con la animación más actual y son un referente internacional”.

Comisaria: Cristina García-Lasuén (Idea original y dirección) Comisario: Ramón Vicente Díaz del Campo Comisaria adjunta: Aitana Merino “

Sección I PAISAJES INTERIORES Manu Arregui

Centrada en la pared “A” Proyección de obras en loop: Coreografía para cinco travestis, Un Impulso Lírico del Alma, Sed de infinito (00:16:52)

PAISAJES INTERIORES Manu Arregui

Coreografía para Cinco Travestis 2001 (00:03:33) Un impulso lírico del alma 2007 (00:07:59) Sed de infinito 2005 (00:05:19)

Sección II ESTÉTICAS ÍNTIMAS Enrique Marty

Centrada en pared “Q” Proyección de obras en loop: Moron. The falling man, A fork in the brain, Duelo (00:11:11)

ESTÉTICAS ÍNTIMAS Enrique Marty Moron. The Falling Man 2011 (00:04:10) A fork in the brain 2009 (00:05:33) Duelo 1999/2007 (00:02:38)

Sección III POÉTICAS AUDIOVISUALES Vicente Blanco Centrada en pared “D” Proyección de obras en loop: Sin Título (Paisaje Nevado), The Proll Thing, Otra Vez Algo Nuevo,Contrato para paisaje (00:23:17)

POÉTICAS AUDIOVISUALES Vicente Blanco Sin título (Paisaje nevado) (Right) 2005 (00:04:07) Sin título (Paisaje nevado) (Left) 2005 (00:04:07) The Proll Thing 2006 (00:04:17) Otra vez algo nuevo 2006 (00:11:59) Contrato para paisaje 2009 (00:02:54)

Sección IV DIALÉCTICAS CON SIMBOLOS Eugenio Ampudia Centrada en pared “E” Proyección de obras en loop: Prado GP, Museum and Space, Impression. Soleil Levant, (00:11:05)

DIALÉCTICAS CON SIMBOLOS Eugenio Ampudia Prado GP. 2008 (00:02:50) Museum and Space 2011 (00:03:00)

Impression: Soleil Levant 2007 (00:05:15)

Sección V RELATOS SORPRENDENTES I Curro González Proyección de obras en loop:El hombre que soñó que se caía de la cama y La Broma Infinita (00:07:26)

RELATOS SORPRENDENTES I CURRO GONZÁLEZ El hombre que soñó que se caía de la cama 2006 (00:03:30) La Broma Infinita 2009 (00:04:45)

RELATOS SORPRENDENTES II Abigail Lazkoz y Fernando Renes Centradas en pared “O” y compuestas por una zona de exposición y vinilo con información. Proyección de obras en loop: Haiku , Cinco animaciones , Fujinokisha 1m27 (00:04:43)

RELATOS SORPRENDENTES II Abigail Lazkoz y Fernando Renes Vinilo/Cartela: ABIGAIL LAZKOZ Haiku 2012 (00:00:07) FERNANDO RENES Cinco Animaciones 2007 (00:03:09) Fujinokisha 1m27 2007 (00:01:27)

Sección VI MEDITACIONES URBANAS Ruth Gómez Centradas en pared “Q” Proyección de obras: Spray (00:02:47)

MEDITACIONES URBANAS RUTH GÓMEZ Spray 2011 (00:02:47)

Sección VII POÉTICAS DEL HORROR Marina Núñez Centrada en pared “K” Proyección de obras en loop: Multiplicidad, Desintegración, Visión (2), Ocaso (00:05:32)

POÉTICAS DEL HORROR Marina Núñez Multiplicidad 2006 (00:01:40) Visión (2) 2007 (00:01:24) Ocaso 2007 (00:00:56) Desintegración 2011 (00:01:23)

animaci贸n

AITANA MERINO Directora de OPEN THIS END

TEXTOS PRESENTACIÓN ARTISTAS EDICIÓN Y DOCUMENTACIÓN TRADUCCIÓN

CAFE. Una Historia de la Animaci贸n Espa帽ola. ARTE, Flyer (detalle), 2013

ARTISTAS abigail lazkoz curro gonzález enrique marty eugenio ampudia fernando renes manu arregui marina núñez ruth gómez vicente blanco

abigail lazkoz

ABIGAIL LAZKOZ

アビがイル・ラズコズ(ビルバオ、1972)の作品は一種個人の恐

El trabajo de Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) es , tal y como afirma la artista, una especie de exorcismo frente a sus miedos personales y, en ocasiones, también un libre homenaje a la pintura clásica de autores como Sánchez-Cotán, del que toma el recurso del nicho geométrico en el que descansa y se inicia la forma orgánica. Su obra se caracteriza por la constante presencia del negro en todas sus creaciones, un color que no sólo remite a la técnica del dibujo, el otro pilar sobre el que se fundamenta su obra, si no a la muerte y su relación con el ser humano y, en definitiva, con el arte y la creación.La obra de Lazkoz cuenta historias extraordinarias que se escapan del general marco temporal para analizar, al mismo tiempo, la situación de nuestra sociedad actual en soluciones que recuerdan al tenebrismo barroco y a las ilustraciones de Charles Burns.

怖との対面を表現することで特徴付けられています。彼の作品はサンチェズ・コタンのような伝統的な芸術家へのオマージュの意味もこめられています。。ラズコズのすべて作品には黒色の存在が特徴であり、彼の描画の技術を伝えるものであると同時に，死と芸術を結び付けています。彼の作品は、現代社会を分析するとともにバロック様式のテネブリズムやチャールス・バーンスのイラストを彷彿とさせます。

Haiku

Ficha técnica Autor: Abigail Lazkoz Título: “Haiku” Fecha de realización: 2012 Duración: 00:00:07 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos sistemas Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: No Idiomas: No Subtítulos: No Banda Sonora: No Color/ ByN: ByN Master: Sí Formatos: variables Producción: Abigail Lazkoz Licencia: Abigail Lazkoz Requerimientos específicos de instalación: Ver en full screen y con el aparato girado hacia la derecha. La chica debe quedar colgada del árbol boca abajo. Descripción: Una chica descabezada lee un libro colgada de una rama Link CAFÉ: http://goo.gl/nmxSrh

curro gonzรกlez

CURRO GONZÁLEZ

セビリャの80年代の著名なアーティストの一人のクッロ・ゴン

Curro González (Sevilla, 1960), uno de los artistas representantes más destacados de la generación sevillana de los años 80, se caracteriza por su obra colorida, de discurso irónico y en clave de humor. En sus creaciones confluyen las referencias teóricas a Michaux, el color de Matisse o Hockney y la narrativa norteamericana de la generación de David Foster Wallace. Desde su participación en la exposición colectiva Les Chiens Andalous, su trabajo gira en torno a la realidad ilusoria que es la representación artística; un mundo soñado que se materializa en el lienzo o en sus cortos animados. Los sueños de Curro González, sin embargo, no son fruto del inconsciente como fueran los de Dalí o Breton; en sus fantasías, el artista lleva al límite la sensación de supervivencia y sublima sus sentimientos de desapego y rabia, de soledad en la multitud. Sueños de verano donde estalla la pintura de colores rosa fucsia y azul piscina en animación clay-motion.

ザレッズ (セビリャ、1960)は、ユーモラスでカラフルそしてアイロニーにあふれた作品を特徴としています。彼の作品たちは、ミショーの理論やマチスとホックニーの色やデヴィッド· フォスター·ウォレス文学に影響を受けています。レ・シアン・アンダル展から、芸術と現実の並行的なテーマへに転向しましたが、彼の作品はダリやブレトンのような夢想ではなく、芸術家の怒りや冷淡のあわれたものです。

El hombre que soñó que se caía de la cama

Ficha técnica Autor: Curro González Título: “El hombre que soñó que se caía de la cama” Fecha de realización: 2006 Duración: 00:03:30 Categoría: VídeoArte. Animación claymotion. Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección:ambos Espacio de proyección: dependiendo sistema Sonido: Sí Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: Si Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Curro González Licencia: Curro González Requerimientos específicos de instalación: ninguno especial Descripción: Narración onírica del sueño de un hombre que, diminuto, se cae de la cama y vive una breve aventura. Link CAFÉ: http://goo.gl/GjqP3H

La Broma Infinita

Ficha técnica Autor: Curro González Título: “La broma infinita” Fecha de realización:2009 Duración: 00:04:45 Categoría: VídeoArte. Animación claymation. Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos Espacio de proyección: dependiendo del sistema Sonido: Sí Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: Fon Roman Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Curro González Licencia: Curro González Requerimientos específicos de instalación: ninguno especial Descripción: Una tienda-taller de pintura se convierte de pronto en distintos paisajes Link CAFÉ: http://goo.gl/GjqP3H

enrique marty

ENRIQUE MARTY

Enrique Marty (Salamanca, 1969) centra su trabajo en el ámbito de lo inquietante y cotidiano. Igual que en sus pinturas, esculturas y vídeos, sus creaciones han girado fundamentalmente en torno al tema de la familia, abordando de manera grotesca y amenazadora las figuras más cercanas. Alejado de cualquier preciosismo, Marty mezcla los referentes cinematográficos con los retratos de sus padres en montajes perturbadores. Así, comprobamos cómo la madre del artista, que ríe enloquecida en eterno loop, resulta más terrorífica que el propio Joker de Batman. En cuanto a su técnica, Marty alterna y re-interpreta métodos tradicionales como la acuarela con modernos métodos multimedia, aunque en este caso da otra vuelta de tuerca al valerse del stop-motion, la más primitiva forma de animación. Desde los espacios asfixiantes y la intriga escenográfica de David Lynch, hasta el ámbito más íntimo de lo familiar, con el sentido trágico de la vida característico del Barroco, la obra de Marty busca y encuentra siempre una sacudida y una reflexión en el espectador.

エンリケ・マルティー(サラマンカ、1969)の作品は日常生活がおもなテーマです。彼の制作物は家族というテーマをグロテスクかつ威嚇的な方法で表現します。たとえば、バットマンのジョーカーよりも威嚇的に笑うアーティスト自身の母親のように。技術面に関しては水彩画のような伝統的な方法を現代的なマルチメディアに取り入れています。

Moron. The Falling Man

Ficha técnica Autor: Enrique Marty Título: “Moron. The Falling man” Fecha de realización: 2011 Duración: 00: 04:10 Categoría: VídeoArte. Animación stop-motion realizada con acuarelas pintadas por el artista. Multicanal /Monocanal: monocanal Videoinstalación:No Sistemas TV/ Proyección: Proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) mínimo dos metros Sonido: Sí Idiomas: Sí (ingles cantado) Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: No Formatos: DVD HD Producción: Enrique Marty Licencia: Enrique Marty Requerimientos específicos de instalación: Asientos cómodos y buen proyector. Descripción: Son animaciones fotograma a fotograma, es decir, cada fotograma es una acuarela independiente, de manera que utilizando una expresión artística moderna como es el videoarte por animación, lo realiza utilizando una técnica artística tradicional. Link CAFÉ: http://goo.gl/xSFVNP

A fork in the brain

Ficha técnica Autor: Enrique Marty Título: “A fork in the brain” Fecha de realización: 2012 Duración: 00:05:33 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos. Preferible proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: Si Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Enrique Marty Licencia: Enrique Marty Requerimientos específicos de instalación: Asientos cóodos y buen proyector Descripción: Un hombre va a una feria de atracciones. Link CAFÉ: http://goo.gl/xSFVNP

Duelo

Ficha técnica Autor: Enrique Marty Título: “Duelo” Fecha de realización: 1999/2007 Duración: 00:02:38 Categoría: VídeoArte. Animación stop-motion realizada con acuarelas pintadas por el artista. Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Pueden ser ambas dependiendo de las necesidades. Preferible proyección. Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) Mínimo dos metros Sonido: Sí Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: Sí Color/ ByN: Color Master: No Formatos: DVD HD Producción: Enrique Marty Licencia: Enrique Marty Requerimientos específicos de instalación: Asientos cómodos y buen proyector Descripción: Película de animación, realizada en acuarela fotograma a fotograma, basada en un video rodado a los padres del artista en el que parecen batirse en duelo. Link CAFÉ: http://goo.gl/KRnxRk

eugenio ampudia

abigail lazkoz

EUGENIO AMPUDIA

Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958) cuestiona en su trabajo las relaciones dentro del trinomio artista - espectador - espacio expositivo, manteniendo una actitud crítica frente al mercado del arte, al museo como “contenedor” de obras o a la falta de innovación en ciertas prácticas y formatos. Desde el espectador que recorre los museos a la velocidad de un motorista, hasta el planteamiento de la calle o espacios insólitos como nuevos escenarios de acciones cotidianas, la obra de Ampudia investiga sobre el devenir del arte, siendo un cierto humor ácido, junto al espíritu de sorpresa y del juego, algunos elementos destacados de sus creaciones. Su obra resulta una continua revisión crítica de la historia del arte, una huida a toda velocidad del convencionalismo comercial en que el autor parece comunicarnos que percibe el escenario del arte actual.

エウジェニオ・アンプーディア（バリャドリッド、1958）の作品は、観客、展示会場、芸術市場に対して避難がましい態度をすることによって疑問を提示します投げかけます。アンプーディアの作品はバイク走者のスピードで美術館を駆け抜ける観客から、該当の展示、新しい表現の場所においてまで、辛らつなユーモアとともに考察します。彼の作品は、芸術の歴史を批判し、芸術の商業の慣例主義からの離脱を提示します。

Prado GP

Ficha técnica Autor: Eugenio Ampudia Título: “Prado GP” Fecha de realización: 2008 Duración: 00:02:50 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos. Preferible proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: Si Formatos: variables Producción: Eugenio Ampudia Licencia: Eugenio Ampudia Requerimientos específicos de instalación: Asientos cómodos Descripción: Igual que un motorista de carreras, Prado GP hace una crítica a las visitas vertiginosas que los turistas hacen a los museos de las ciudades que visitan Link CAFÉ: http://goo.gl/cB3fmJ

Museum and Space

Ficha técnica Autor: Eugenio Ampudia Título: “Museum and Space” Fecha de realización: 2011 Duración: 00:03:00 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: Sí Formatos: variables Producción: Eugenio Ampudia Licencia: Eugenio Ampudia Requerimientos específicos de instalación: Asientos cómodos Descripción: Crítica a los museos como contenedores de obras Link CAFÉ: http://goo.gl/cB3fmJ

Impression Soleil Levant

Ficha técnica Autor: Eugenio Ampudia Título: “Impression Soleil Levant” Fecha de realización: 2007 Duración: 00:05:15 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: Si Formatos: variables Producción: Eugenio Ampudia Licencia: Eugenio Ampudia Requerimientos específicos de instalación: Asientos cómodos Descripción: oda y crítica al museo y a los impresionistas Link CAFÉ: http://goo.gl/cB3fmJ

fernando renes

abigail lazkoz

FERNANDO RENES

フェルナンド・レネス (コバルービアス、ブルゴス,1970)のアニ

Las animaciones de Fernando Renes (Covarrubias, Burgos 1970) han sido calificadas de japonesas, no por la obvia presencia en sus creaciones de los más famosos símbolos de esta cultura oriental como puedan ser el monte Fuji, los manekineko, o los cuencos de arroz. Tampoco reside esta cercanía en el formato generalmente apaisado de sus obras a modo de emakimono. Lo oriental de Renes se encuentra en su particular narrativa ausente de la temporalidad occidental a la que estamos acostumbrados. El artista plantea en sus obras quiebros secuenciales imposibles, giros sin lógica aparente, mezcla de pasado y futuro en un presente que es el gesto cotidiano, cuidado hasta el extremo de forma que se convierte en protagonista de nuestra mirada. Del mismo modo que en la caligrafía oriental, donde lo que importa es la repetición del mismo trazo, universal y único al mismo tiempo, en un loop continuo que varía en función de la percepción de cada espectador.

メーションは日本的な作品とされています。それは富士山や招き猫という有名なシンボルの存在のせいではなくまた，絵巻物のような横長の判型もないのせいでもありません。レネスが“日本的”といわれるゆえんは“西洋的な時間”が存在しないことです。彼の作品には、書道にみられる動作と同じように過去、現在、未来の区別がないのです。

Fujinokisha, 2007

Ficha técnica Autor: Fernando Renes Título: “Fujinokisha 1m27” Fecha de realización: 2007 Duración: 00:01:27 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos Espacio de proyección: Sonido: No Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: no Formatos: variables Producción: Fernando Renes Licencia: Fernando Renes Requerimientos específicos de instalación: Ninguno Link de CAFE: http://goo.gl/7HR0NI

Cinco Animaciones

Ficha técnica Autor: Fernando Renes Título: Cinco animaciones (Five animations) Fecha de realización: 2012 Duración: 00:03:09 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos Espacio de proyección: dependiendo Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: ByN Master: no Formatos: variables Producción: Fernando Renes Licencia: Fernando Renes Requerimientos específicos de instalación: ninguno Link de CAFE: http://goo.gl/7HR0NI

manu arregui

abigail lazkoz

MANU ARREGUI

El trabajo de Manu Arregui (Santander, 1970), resulta una coreografía formalmente preciosista que busca la capacidad de emocionar al espectador al mismo tiempo que desvela, de modo perverso, los mecanismos que han producido esa emoción. Arregui plantea el papel del arte en una sociedad dominada por la publicidad y los reality shows, centrándose en sentimientos relacionadas con la sexualidad, los estereotipos, la adolescencia, la vida o la muerte. Un discurso que realiza a través de iconos potentes como la maternidad, la religión o la belleza de la juventud. Su estética de reducida paleta ha sido reconocida por el dominio de la técnica 3D, al igual que el concepto que ha ido desarrollando a lo largo de su carrera en etapas claramente diferenciadas. Desde Coreografía para cinco travestis hasta Streaming, prevalece en la obra de Arregui una estética sugestiva que envuelve una crítica a la moral y convicciones de la sociedad moderna, dejando en el espectador un sentimiento de melancólica tristeza.

マヌ・アッレギ (サンタンデール、1970)の作品は観客の感じる力を喚起するとともにその感情を喚起するメカニズムを認識することを意図する振り付けです。広告とリアリティーショーに支配された芸術の役割を提言します。彼の策日のテーマはセクシュアリティ、ステレオタイプ、思春期、そして生と死です。アッレギの作品は、エレガントさの中にモラルに対する批判をこめていることに特徴付けられ、観客にメランコリーを喚起します。

Coreografía para Cinco Travestis

Ficha técnica Autor: Manu Arregui Título: “Coreografía para Cinco Travestis” Fecha de realización: 2001 Duración: 00:03:33 Categoría: VídeoArte. Animación 3D Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos, preferible proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: No Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: No Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Manu Arregui Licencia: Manu Arregui Requerimientos específicos de instalación: Buen proyector Descripción: Baile de cinco figuras idénticas y andróginas que resultan ser transexuales. Link CAFE:http://goo.gl/uEdKma

Un impulso lírico del alma

Ficha técnica Autor: Manu Arregui Título: “Un Impulso Lírico del Alma” Fecha de realización: 2007 Duración: 00:08:00 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos, preferible proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: Sí. Castellano Subtítulos: Si. Japonés Banda Sonora: Si Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Manu Arregui Licencia: Manu Arregui Requerimientos específicos de instalación: buen proyector Link CAFE:http://goo.gl/uEdKma

Sed de Infinito

Ficha técnica Autor: Manu Arregui Título: “Sed de Infinito” Fecha de realización: 2005 Duración: 00:05:18 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: ambos, preferible proyección Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: Si. Castellano Subtítulos: Si. Japonés Banda Sonora: Sí Color/ ByN: ByN Master: No Formatos: variables Producción: Manu Arregui Licencia: Manu Arregui Requerimientos específicos de instalación: buen proyector Link CAFE:http://goo.gl/uEdKma

marina nĂşĂąez

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MARINA NUÑEZ

La artista conceptual y doctora en Bellas Artes Marina Núñez (Palencia, 1966) destaca en el panorama internacional por su temática centrada en lo que convencionalmente resulta inarmónico, como la locura o la monstruosidad y por su profundo conocimiento de la ciencia ficción, unidos por un discurso político de igualdad y reconocimiento feminista. Núñez se plantea el papel de la mujer a lo largo de la historia, una mujer víctima de sus propios procesos mentales, dentro de un universo particular centrado en seres aberrantes física y mentalmente. Sus monstruos, ya sean mujeres histéricas, ícaros o ciborgs, conservan algún referente humano que los relacionan con las novelas de ciencia ficción y se mueven en paisajes imaginarios de ruinas propias de la ficción post-nuclear. Visiones apocalípticas y de horror que hacen énfasis en las alteraciones que las nuevas tecnologías son capaces de crear en nuestra percepción. Independientemente de la técnica empleada, Núñez genera un mensaje potente en el que traslada al espectador la posibilidad y el reto de concluir.

コンセプチュアルアールアーティストであり、芸術博士のマリーナ・ヌーニェズ (パレンしア、1966)は狂気、サイエンス・フィクションにおける怪物と狂気の分野で国際的な認識を得ています。ヌーニェズは歴史における女性の役割について提言をします。彼女の創造した怪物は人間に対してポスト“核”のフィクショナルな風景を保持しています。

Multiplicidad

Ficha técnica Autor: Marina Núñez Título: “Multiplicidad” Fecha de realización: 2006 Duración: 00:01:40 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Sí Idiomas: Ninguno Subtítulos: No Banda sonora: Iván Solano Color/ ByN: Color Master: Archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles Formatos: 1024 x 768 pixeles Producción: Licencia: Marina Nuñez Link de CAFE: http://goo.gl/sOODvc

Desintegración

Ficha técnica Autor: Marina Núñez Título: “Desintegración” Fecha de realización: 2011 Duración: 00:01:31 / 00:01:24 / 00:01:52 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Sí Idiomas: Ninguno Subtítulos: No Banda sonora: Iván Solano Color/ ByN: Color Master: Archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles Formatos: 1024 x 768 pixeles Producción: Licencia: Marina Nuñez Link de CAFE: http://goo.gl/sOODvc

Visión (2)

Ficha técnica Autor: Marina Núñez Título: “Visión (2)” Fecha de realización: 2007 Duración: 00:01:24 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Sí Idiomas: Ninguno Subtítulos: No Banda sonora: Iván Solano Color/ ByN: Color Master: Archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles Formatos: 1024 x 768 pixeles Producción: Licencia: Marina Nuñez Requerimientos específicos de instalación: Mejor si se puede videoproyectar archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles. Preferible proyectarse en grande, o expuesta en monitor de gran tamaño. Link de CAFE: http://goo.gl/sOODvc

Ocaso

Ficha técnica Autor: Marina Núñez Título: “Ocaso” Fecha de realización: 2007 Duración: 00:00:56 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Sí Idiomas: Ninguno Subtítulos: No Banda sonora: Iván Solano Color/ ByN: Color Master: Archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles Formatos: 1024 x 768 pixeles Producción: Centro de Arte La Panera, Lleida Licencia: Marina Nuñez Requerimientos específicos de instalación: Mejor si se puede videoproyectar archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles. Preferible proyectarse en grande, o expuesta en monitor de gran tamaño. Link de CAFE: http://goo.gl/sOODvc

Organismo

Ficha técnica Autor: Marina Núñez Título: “Organismo: (1)(2)(3)(4)” Fecha de realización: 2011 Duración: 00:02:09 (cada uno de los 4 vídeos) Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Ambos Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Sí Idiomas: No Subtítulos: No Banda Sonora: Color/ ByN: Color Master: Archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles Formatos: 1024 x 768 pixeles Producción:Licencia: Marina Nuñez Requerimientos específicos de instalación: "Organismo", 2011, video instalación de 12 clips de 00:02:09, cada uno de los 3.Con sonido, instalación en el Centro Niemeyer, Avilés 2011. Mejor si se puede proyectar en archivo quicktime sin comprimir de 1024 x 768 pixeles. Preferible proyectarse en grande, o expuesta en monitor de gran tamaño vídeo instalación de 12 clips de 00:02:09, sonido, medidas variables. Se proyectó en el Niemeyer de Avilés en gigante, pero que pueden ponerse más modestamente en cualquier pared, pero debería ser una videoproyección grande. Hay colgados dos clips diferentes, pero en realidad hay más, se puede ocupar una pared enorme si se hace con varios videoproyectores seguidos, o bien al menos poner un loop con 4 diferentes, aunque sean diferencias sutiles, de cómo es la ciudad y cómo se mueven los ojos, no de la idea. Link de CAFE: http://goo.gl/sOODvc

ruth g贸mez

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RUTH GÓMEZ

La estética urbana de colores planos próxima a la ilustración y al grafiti son algunas de señas de identidad de Ruth Gómez (Valladolid, 1976). Sus composiciones barrocas cuentan historias concretas que, a pesar de su tinte profundamente autobiográfico, hacen referencia a temas generales relativos a la sociedad contemporánea a través de una estética neo-pop cercana al cómic, a la publicidad y al videojuego, sin olvidar los guiños a grandes hitos de la cultura moderna como Georges Meliés o Julio Verne. En sus obras hay cabida para animales, retratos e iconos de nuestro imaginario contemporáneo como pueda ser el Space Invader, una imagen habitual de las calles del centro de París, ciudad que fuera residencia de Gómez entre 2011 y 2013. Sus trabajos, unidos por una gama cromática muy específica, han sido valorados por su particular frescura y por el dominio de técnicas como el dibujo y la animación.

イラストに近似した現代的な美学がルーズ・コメズ (ヴァジャドリッド、1976)の作品のアイデンティティーのひとつです。ゴメズのバロックな要素は、ネオポップな観点から現在社会の具体的な問題について語ります。彼の作品には，動物や人物が、スペースインベーダーのようなやモーダンなアイコンが見出せます。

Spray

Ficha técnica Autor: Ruth Gómez Título: “Spray” Fecha de realización: 2011 Duración: 00:02:47 en loop. Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Banda sonora: Color/ ByN: Color Master: No Formatos: variables Producción: Ruth Gómez Licencia: Ruth Gómez Requerimientos específicos de instalación: proyectarse en gran tamaño. Óptimo para proyección de exterior. Descripción: Inspirada en el barrio parisino de Belleville y en el arte urbano, a través de la simulación de un videojuego, esta animación es un graffiti que se construye progresivamente. Link de CAFE: http://goo.gl/Mx3xu8

vicente blanco

abigail lazkoz

VICENTE BLANCO

Los video-collages de Vicente Blanco (Santiago de Compostela, 1974), se caracterizan por la descontextualización de personajes sobre fotografías de amplios espacios que crean una atmósfera de distancia con el espectador. Esto unido a la falta de argumento de sus proyecciones, hace de su obra algo en cierto modo interactivo. Sus obras, inspiradas en la estética pop de la Guerra Fría, intercalan técnicas como el dibujo, la fotografía, el collage y la animación. Sus fotografías tomadas entre Lugo y Berlín se convierten en marco ideológico de todas sus creaciones. Con el paso del tiempo, las familiares imágenes de los años cincuenta y sesenta en Estados Unidos que reinterpreta Blanco permiten señalar la evolución de la sociedad capitalista, de sus equívocos, saturada por el consumo y el deseo del consumo y la necesidad constante de recibir nuevos estímulos, un efecto también logrado gracias a la proyección en loop de la mayoría de sus creaciones.

ビセンテ・ブランコ（サンティアゴ · デ · コンポステーラ、1974）のビデオコラージュは観客との距離を感じさせる広い空間の写真における人物に特徴付けられています。論点をはっきりさせない映像とそのイメージは彼の作品をインタラクティブなものにします。彼の作品は、冷戦のポップな観点からインスピレーションをうけ、それを、ドローイングや写真、コラージュ、アニメーションといった技術と組み合わせています。ブランコは資本主義と過度な消費欲求への批判も作品にこめています。

Sin título (Paisaje nevado)

Ficha técnica Autor: Vicente Blanco Título: “Sin título (Paisaje nevado)” (Left and Right) Fecha de realización: 2005 Duración: 00:00:46/00:03:21 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Multicanal (Dos proyecciones simultáneas) Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Idiomas: No Subtítulos: No Color/ ByN: ByN Banda sonora: Master: Formatos: Producción: Licencia: Vicente Blanco Requerimientos específicos de instalación: Descripción: Link CAFE:http://goo.gl/DNHwAz

The Proll Thing

Ficha técnica Autor: Vicente Blanco Título: “the proll thing” Fecha de realización: 2006 Duración: 00:04:18 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Opcion multicanal (3 proyecciones simultaneas) Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Si Idiomas: No Subtítulos: No Color/ ByN: Color Banda sonora: No Master: Formatos: Producción: Licencia: Vicente Blanco Requerimientos específicos de instalación: Descripción: El proyecto "La cosa Proll" comprende un video animado en dos pantallas y un video grabado con un teléfono a mano. Mi punto de partida fue el restaurante internacional Kino en el este de Berlín. Link CAFE:http://goo.gl/DNHwAz

Otra vez algo nuevo

Ficha técnica Autor: Vicente Blanco Título: “Otra vez algo nuevo” Fecha de realización: 2006 Duración: 00:11:59 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Idiomas: No Subtítulos: No Color/ ByN: Color Banda sonora: Master: Formatos: Producción: Licencia: Vicente Blanco Requerimientos específicos de instalación: Descripción: El punto de partida fue la película Teorema de Pasolini, que critica la complacencia propia de la sociedad burguesa en marcado contraste con la realidad social. Link CAFE:http://goo.gl/DNHwAz

Contrato para paisaje

Ficha técnica Autor: Vicente Blanco Título: “Contrato para paisaje” Fecha de realización: 2009 Duración: 00:02:54 Categoría: VídeoArte Monocanal/ Multicanal: Monocanal Videoinstalación: No Sistemas TV/ Proyección: Espacio de proyección: (máx. x– mín. x ) de 3 a 6 m de ancho. Sonido: Idiomas: No Subtítulos: No Color/ ByN: Color Banda sonora: Master: Formatos: Producción: Licencia: Vicente Blanco Requerimientos específicos de instalación: Descripción: Mis últimos vídeos se crean a partir de collages hechas con papel, el uso de elementos tridimensionales y modelos de cartón. Link CAFE:http://goo.gl/DNHwAz

biografĂas

ABIGAIL LAZKOZ Biografía. Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) terminó los estudios de Bellas Artes en 1995 en la Universidad del País Vasco. En 2001 obtuvo una beca de la Diputación Foral de Vizcaya que le permitió instalarse en Nueva York, ciudad donde reside desde 2002 gracias también a la beca de la Fundación Marcelino Botín y, después, a la beca Fundación Endesa y Museo de Teruel. En 2003 realizó el mural Day alter day in the tunnels en The Drawing Center de Nueva York y en 2004 fue nominada para la Rema Hort Mann Foundation Grant for the Arts. Desde entonces, alterna su residencia en la ciudad de los rascacielos con sus estancias en Bilbao, unidas, sobre todo en los últimos años, a continuas invitaciones expositivas que han mostrado su trabajo en importantes centros y museos nacionales. En 2005 participó en la exposición Greater NY en el PS1-MoMA y, desde entonces, la obra "cameraman" forma parte de la exposición permanente del centro. En el año 2007, participó en la muestra "Cada uno a su gusto" celebrada en el Museo Guggenheim Bilbao. Según explica la artista: “Utilizo el arte para poder satisfacer mi necesidad de reflexionar sobre los hechos exteriores e interiores que determinan la vida de las personas” Premios: Gure Artea, premio de creación artística del Gobierno Vasco - Ayudas a la creación del Centro Montehermoso, VitoriaGasteiz , Beca Endesa, Teruel, beca de artes plásticas de la Fundación Marcelino Botín, Santander; Primer premio Ertibil Diputación Foral de Bizkaia XVI Muestra de Arte Joven, Injuve, Madrid. Beca “Erasmus” de la UE en Winchester School of Art, Winchester, Reino Unido.

CV Exposiciones individuales 2010

"New work". Werkraum Godula Buchholz, Denklingen, Munich

2009

“Shuffle”. Espai 13, Fundación Joan Miró, Barcelona "Máquinas extraordinarias" Sala Rekalde, Bilbao

2008

"Tres dibujos" Espacio Marzana, Bilbao, Spain “Fernando und Abi”, Homie, Berlin, Nueva York

2007

"130.000 years of last tendencies" Monya Rowe Gallery, New York “Desastres naturales” Centre d’Art La Panera, Lleida "Premios Gure Artea" Museo Artium, Vitoria-Gasteiz

2006

“Abigail Lazkoz” Galería Dels Angels , Barcelona Project room ARCO 2006, Galería Dels Angels , Madrid

2005

“On view at this exhibition…” Monya Rowe Gallery, Nueva York “Esconde La mano” MUSAC, Laboratorio 987 del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla León, León. “Abi Lazkoz” Galería DV, San Sebastian

2004

“War stories I have heard” Momenta Art Brooklyn, Nueva York “Dibujos¨” Bilkin Gallery, Bilbao

2003

“Abi Lazkoz Zeichnungen“, Werkraum Godula Buchholz, Denklingen, Munich - “Humus”, La Casa Encendida, Madrid

2001

“Dibujos de Bienvenida”, Fundación Bilbaoarte , Bilbao, Spain

Exposiciones colectivas 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española”. Instituto Cervantes, Tokyo

2010

“Merrie Melodies” Domus Artium, Salamanca “Perro y pájaro sobre arqueología de verano” La naval, Cartagena, Murcia 24 escalones” Museo Nacional de Arte de Brasilia, Brasil

2009

“Mi vida, from heaven to hell“ Colección del MUSAC. Mucsarnok, Budapest “25 obras, 17 artista, 4 relatos” La Panera, Lleida “1er Festival international d’Art Contemporain d’Alger, Argelia

2008

"L’Art en Europe", Domain Pommery, Reims, France "We have moved", Monya Rowe Gallery, Neuva York "Without borders", 30th Pontevedra Biennial, Pontevedra, Spain "From Brooklyn with Love" Parker’s Box, Brooklyn, New York "Bilder in Folge" Kunstmuseum Sttutgart, Sttutgart, Germany “NY Motion 1.0" Instituto Cervantes, Neuva York

2007

"Chacun a son gout" Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao "Streetmodernism" Mama Showroom, Rótterdam, The Netherlands "Creación Montehermoso 06" , Palacio Montehermoso, Gasteiz, Spain "Deus ex-Machina" Market gallery, Glasgow, UK

2006

"Marra Aski" Palacio Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, Spain "The world as I see it" Estrany De la Mota gallery, Barcelona "A picturesque point” Monya Rowe Gallery, New York

2005

"Greater New York” PS1, New York "The Gift", Queens Museum of Art, Queens, Neuva York "Sintesis" 15 aniversario de las Becas, Fundacieon Endesa, Madrid "Strip-Bilder in Folge/Iimages in Line", Hannover Kunstverein, Hannover

2004

"Gure Artea 04" Palacio Montehermoso, Gasteiz "Meanwhile in another place…" Sala Rekalde, Bilbao "Itinerarios 2002-03" Fundacion Marcelino Botín, Santander "IV Biennial" Leandre Cristofol, Lleida

2003

"Internal Excess, Selections Fall" The Drawing Center, New York "Urbania" Amadis Showroom, Madrid, Spain "Generación 70" Moisés Pérez de Albéniz Gallery, Pamplona, Spain

2001

"16 muestra de Arte Joven del Injuve", Círculo de Bellas Artes, Madrid.

CURRO GONZÁLEZ Biografía. Representante de la generación sevillana de los años 80, Curro González (Sevilla, 1960) rescata la práctica pictórica con nuevos discursos, al tiempo que reflexiona sobre la representación como el lugar donde construir la ilusión de realidad. La ironía y el sentido del humor son habituales en la obra de este artista y constituyen dos elementos con los que se aleja del discurso serio y cargado de solemnidad que impregna parte del arte contemporáneo, al tiempo que juega constantemente con la disposición perceptiva del espectador en sus creaciones. González pretende transmitir en su obra la sensación de vacío que le producen los espacios abarrotados y la cantidad de elementos que es capaz de acumular en la retina, con lo que se acerca a una estética próxima al Barroco. El artista muestra la sensación del hombre en la multitud, una sensación contradictoria como el vértigo o la sensación de supervivencia. Las obras están conformadas a modo de vanitas, en la conciencia de que la selva o el desierto lo acabará devorando todo y que "todo será como si nunca hubiera sido". González utiliza la metáfora del enjambre, como antaño se hizo para ilustrar el hecho de que puede surgir algo positivo de la destrucción de la guerra materializado en el espíritu de supervivencia. Según el artista "entre todas las capacidades humanas, hay una que nos hunde en el pasado más remoto, aglutinando a la especie incluso más allá de donde pierde su nombre. La supervivencia es el logro más grande obtenido hasta ahora por el ser humano y, por alguna razón, parece provocarnos vergüenza. Vivimos sobre las ruinas del pasado, nos aupamos en los esqueletos de otros, contemplamos paisajes calcinados, catástrofes terribles, y pese a todo seguimos aquí".

CV Exposiciones individuales 2011

"Manila Suite- Hotel Fénix”, Pablo Gallery. Manila

2010

"Como un Monumento al Artista" CAAC, Sevilla “Tras la era de las casa de recreo" Galería Alfredo Viñas, Málaga

2009

“La Broma Inacabada ” Galería Ad Hoc. Vigo

2008

“El final de la línea ” Galería Rafael Ortiz. Sevilla “Estudio de noche ” CAC . Málaga.

2007

“Procesos:Inventario provisional” Fundación Colegio de Aparejadores. Sevilla

2006

“El hombre que soñó que se caía de la cama” Galería Tomás March. Valencia “Desde Babel” Caja de Ahorros San Fernando. Sevilla. “En el cielo no hay cerveza sin alcohol”(con Manuel Ocampo) Galería Ad Hoc. Vigo.

2005

“El enjambre” Espacio uno, M.N.C.A.R.S. Madrid “No mires atrás” Galería Siboney. Santander

2004

“La herida” Galería Distrito4. Madrid

2003

“Deja que el Futuro pase de largo” Galería Alfredo Viñas. Málaga “Mundo Menguante” Galería Carmen de la Calle. Jerez. “El Intruso” Galería Rafael Ortiz . Sevilla

2002

“Parada Melancólica” Galería Tomás March. Valencia. “Party final” Galería Fernando Latorre. Zaragoza. “Metamorfosis” Galería. Bilbao.

2001

“Strange Fruit” Galería Joan Prats. Barcelona. “Olvidando el Eden” Galería Ad Hoc. Vigo.

2000

“Trayéndolo todo a casa”.Galería Rafael Ortiz. Sevilla. “ Después de Rorschach”.GaleríaFabien Fryns-U.B.S., Marbella

1999

“Baile-Maratón”. Galería Manuel Ojeda, Las Palmas de Gran Canaria. “The Gaslighter Nightmare”.Galería Tomás March, Valencia

1998

“Laberinto de Fortuna”. Galería Xavier Fiol, Palma de Mallorca. “Un Palacio sin puertas”. Galería Windsor Kulturgintza, Bilbao.

1997

“Soñando Babel”. Galería Joan Prats, Barcelona. “Al margen de Bruno”. Galería Tomás March, Valencia. “Al margen de Bruno”. Museo Cruz Herrera,La Linea. Cádiz

1996

“El mundo cabeza abajo”. Galería Fernando Latorre, Zaragoza. “Diptongos”. Galería Windsor Kulturguintza, Bilbao.

1995

“Doble Dirección”. Salas del Arenal. Sevilla. Galería Fabien Fryns, Marbella. Galería Fernando Silió, Santander.

1994

Galería Xavier Fiol, Palma de Mallorca. Galería Tomás March, Valencia. “El Descenso”. Galería Robayera, Ayuntamiento de Miengo, Cantabria.

1993

Galería Fúcares, Madrid. Galería Alda Cortez, Lisboa. Galería Fernando Latorre, Zaragoza.

1991

Galería Joan Prats, Barcelona. Galería Fernando Silió, Santander.

1990

Galería Sophia Ungers, Colonia. Galería Pedro Pizarro, Málaga. Galería Fúcares, Madrid.

1989

Galería Fúcares, Madrid. “Obra sobre papel”, Galería Fúcares, Almagro.

1988

Galería Ciento, Barcelona.

1987

Galería Fúcares, Madrid.

1986

Galería Cómicos, Lisboa. Galería Ciento, Barcelona.

1985

Galería Val i 30, Valencia. Galería La Máquina Española, Sevilla.

1984

Galería Fúcares, Almagro. Galería 4 Gats. Palma de Mallorca.

1982

Galería Imagen Múltiple, Sevilla. Caja de Ahorros San Fernando. Sevilla.

Exposiciones Colectivas 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española”. Instituto Cervantes Tokyo

2011

Survideovisiones 2”. Sala Santa Inés, Sevilla.

2010

“Painting with a hammer to nail the crotch of civilization: a group show of wall works and tattoo imagery.” Manila Contemporary Gallery. Manila. “Demasiado viejos para el graffiti, demasiado jóvenes para morir”,Montana Shop & Gallery. Sevilla “En construcción” Fundación Pedro Barrié de la Maza, Vigo

2009

“Nostàlgia de Futur”. Centre del Carme, Valencia. “Observatori 2009” Atarazanas, Valencia. “Máquinas de mirar” C.A.A.C. Sevilla. “El sur de nuevo” M.N.C.A.R.S. Madrid. “A imagen seguinte”. Espaço arte Tranquilidade. Lisboa. “Lights, Camera, Action!” Arte Lisboa 09. Project rooms.Lisboa. “Aprendiendo a mirar, 25 años de la Galería Rafael Ortiz”. ICAS. Sevilla.

2008

El Lenguaje Subjuntivo”. Espacio Escala. Sevilla. “Coleción Josep Suñol 1970-2001, Fundació Suñol. Barcelona “Paixóns Privadas, Visións Públicas”. MARCO. Vigo “Aquilo sou eu” Fundaçao Carmona e Costa, Lisboa. “Youniverse” BIACS-3. Sevilla

2007

“Take Away” MCO Arte Contemporanea. Oporto. “Geopolíticas de la animación” Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla. MARCO, Vigo. “ULTRAMAR” Instituto Cervantes Alburquerque, NM. USA. MAC, Niteroi, Brasil* “Imágenes de la Pintura” Museo de Cádiz. “El pensamiento en la boca” Sala Cajasol, Jerez.

2006

“¿Viva Pintura!” Hangart-7. Salzburgo. Austria.

2005

“Acentos” Colección Caja Madrid. Palacio de las Alhajas . Madrid

2004

“Sombras y Deseos” La colección(2).CAB. Burgos “Contemporánea Arte”. Sala Amós Salvador. Logroño

2003

“La vista y la visión” IVAM. Valencia. “Diciendo lo que me pasa por la mente” Galería Marlborough. Madrid.

2002

“Muestra de Arte Contemporáneo Andaluz”. Centro Cultural el Monte. Sevilla. “Los Excesos de la Mente” Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla. “Plural” Palacio del Senado. Madrid. “Espacio íntimo” Galería Trama. Madrid. “Ecos de su Memoria” Palacio de la Merced. Córdoba.

2001

“Les Chiens Andalous” Track 16 Gallery. Santa Monica. CA “En Busca de una Ética”, Museo de la Cuidad. Valencia.

2000

Galería Alejandro Sales. Barcelona. ◦“Dibujos Germinales” Sprengel Museum, Hannover. “Paisajes de la Pintura”. Palacio Episcopal, Malaga. “Artistas plásticos contemporáneos en el Estrecho de Gibraltar”. Spanish Institute. Nueva York. “Figuraciones” Galería Manuel Ojeda. Las Palmas de Gran Canaria. “Colección Testimonio 99-2000” Casa de la Provincia, Sevilla.

1999

“98, 100 años después”Museo de Arte de Ponce. Ponce, Puerto Rico. Parque Morro-Cabaña, La Habana. Cuba.M.E.I.A.C, Badajoz “La colección del Monte” Pasaje Francisco Molina.Sevilla. “Diez años de Galería” Museo Cruz Herrera. La Línea de la Concepción. “La donación Martínez Guerricabeitia”. Universidad de Valencia. “Dibujos Germinales” Sala Amós Salvador, Logroño. Museo de la Pasión. Valladolid. Palacio Almudí, Murcia. Museo Jovellanos, Gijón.

1998

“Territorio plural”.Fundación “La Caixa”, Madrid. “Vivir sin Fronteras”. Delegación de Cultura, Sevilla. “Dibujos Germinales”. M.N.C.A.R.S. Madrid. “98, 100 años después”.Centro Cultural de Filipinas. Manila.

1997

“Artistas por los derechos Humanos” Monasterio de Santa Inés. Sevilla. “En la piel de toro”. Palacio de Velázquez. Madrid. “Figuras contaminadas”. Diputación de Córdoba, Córdoba. “Artistas solidarios”. Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla.

1996

“A través del dibujo”. Sevilla, Jaen, Cádiz, Córdoba y Málaga. “Delft” .Casa de la cultura, Utrera. Museo de Arte contemporáneo, Sevilla. “Arte español para el fin de siglo”. Centro cultural TeclaSala, L´Hospitalet.

1995

“Colección Municipal ( 1989-1994)” Ayuntamiento de Miengo. Cantabria. Galería Tomás March, Valencia. I Trienal de Arte Gráfico, Palacio de Revillagigedo, Gijón.

1994

Galería Arteclio, Pamplona. “Retratos de nuestro tiempo”, Circulo de Bellas Artes, Madrid. Museo de Bellas Artes, Sevilla.

1993

“Artistas españoles de los 90, obra gráfica”, Centro Cultural Parque de España, Rosario. Argentina. “Gabinete de papel II”, Galería Fúcares, Almagro

1992

II Bienal Martínez Garricabeitia, Valencia. “Gabinete de Papel”, Galería Fúcares, Almagro. “Lo que puede un sastre” Antonio Miró y 14 artistas,Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla. Galería Mario Flecha ,Londres. “El Artista y la Ciudad”, Fundación Luis Cernuda, Sevilla. “Juana´s Adiccion”, Galería Juana de Aizpuru, Sevilla. “Entre Fieras”, Galería Tomás March, Valencia.

1991

“Gulliver’s Travels”, Galería Sophia Ungers, Colonia. “Tres artistas aún más tristes”.Galería Denise Van De Velde, Aalst. “Historias de Amor, Fragmentos de un discurso artístico”, Ateneo Mercantil , Valencia, “Un Placer, Cualquiera, Todos, Ninguno. (Más allá de la muerte del autor)”,Arteleku, San Sebastián.

1990

“Tres artistas tristes”, Galería Temple, Valencia. “10 contemporains Espagnols”, Travail et Culture, Le Péage de Roussillon. “90 a. s. o.”, Auvers-sur-Oise.* “Alice through the looking glass”, Galería Fúcares, Madrid.

1989

“Colección Testimoni (1987-1988)” Caixa de Pensions, Barcelona. Galería Pedro Pizarro, Málaga. “Mediterraneo per l’Arte Contemporanea”, Expoarte, Bari. Trienal del dibujo, Fundación Joan Miró, Barcelona. Galería Fucares, Madrid. Galería Javier Gastalver, Palma de Mallorca. “16 artistas españoles”, Forum Stadpark, Graz.

1988

“Estructuras, espacios, poéticas”,Canal de Isabel II,Madrid. “ACTA’88”, Palacio de Velázquez, Madrid. “Tres tristes artistas”,Galería Fúcares, Madrid. “Paper Image”,Galería Pedro Pizarro, Málaga. “Confrontaciones”,M.E.A.C. Madrid. “Spansk Kunst I 1980 ‘ Erne de nyeste tendenser”, Gal. Holtegaard, Copenhagen y Vejle Kunstmuseum,Dinamarca.

1987

“Pequeño formato”, Galería Fúcares, Almagro.

1986

“El San Sebastián”, Galería Pedro Pizarro, Málaga. “Veinticinco artistas”, Galería Fúcares, Almagro. “En la Torre”, Torre de los Guzmanes, La Algaba, Sevilla. II Certamen de Pintura, Fundación Luis Cernuda, Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla.

1985

“Cota Cero”, Alicante, Madrid, Sevilla, Valencia. “Artistas de Sevilla”, Galería La Máquina Española, Sevilla. “Ciudad Invadida”, Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla. “El Desnudo”, Galería Juana de Aizpuru, Madrid. “Julio 85”, Galería Fúcares, Almagro. “Un palacio dentro de otro”, Museo Municipal, Santander. Galería Cómicos, Lisboa. I Certamen de Pintura, Fundación Luis Cernuda, Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla. III Trienal de dibujo, Nuremberg. “Andalucía, Pinturas”, Amberes. “Arte Actual”, Andalucía Puerta de Europa, IFEMA, Madrid. “Dibujos”, Galería María Genis, Sevilla.

1984

“Sobre Papel”, Galería Fúcares, Almagro. Bienal de Oviedo,Asturias.

1983

“Joven Creación Plástica”, Caja de Ahorros San Fernando, Sevilla. “Dibujos de Pintores Sevillanos”, Monte de Piedad, Sevilla. “Accrochage 83”, Galería Fúcares, Almagro.

1982

“Seis pintores jóvenes”, Delegación del Ministerio de Cultura, Sevilla. “Pintores de Andalucía”. Museo de Bellas Artes, Bilbao.

1981

“Nueva Generación en Homenaje a Picasso”, Museo de Arte Contemporáneo , Sevilla.

ENRIQUE MARTY Biografía.Enrique Marty (Salamanca, 1969) ha expuesto individualmente en el Espacio Uno del MNCARS y en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, México, y en diversas galerías como Espacio Mínimo (Madrid), Enrique Guerrero de México D.F., Bryce Wolkowitz de New York, Greenaway Art Gallery de Adelaida (Australia), Casa Triángulo de Sao Paolo (Brasil) y Carbone.To de Turín (Italia); y ha participado, entre otras, en las exposiciones colectivas The Real Royal Trip que Harald Shemann ha comisariado para el MOMA/PS1 de New York, Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo comisariada por Rabel Doctor durante la última Bienal de Venecia, Pay Attenti(on) please en el Museo d’Arte Nuoro en Cerdeña o Políticas de la diferencia. Arte latinoamericano de fin de siglo, itinerante en diversos museos e instituciones de América Latina. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del MNCARS de Madrid, el Museo Marugame Hirai de Japón, el MUSAC de León, la Fundación Marcelino Botín, la Junta de Castilla-León o las colecciones Unicaza y Caja Burgos. Artista de gran proyección internacional realiza esculturas, vídeos, pinturas que expone en museos y eventos internacionales y nacionales que se exhiben en los más importantes museos y centros de arte internacionales.

CV Exposiciones individuales 2013

“Teratologías. Marina Nuñez vs Enrique Marty, (Two Person Show)”. CCEBA. Buenos Aires. Argentina. “Soft Cockney”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium.

2011

“Las tres Transformaciones… “Galería Enrique Guerrero. Méjico City. Méjico. “Art is Dangerous”.Deweer Gallery. Art Brussels. Belgium. Hablemos del Milenarismo! Espacio Marzana. Bilbao. España

2010

“Ghost´s Spirit. One and J Gallery. Seoul. Korea. “Premiere”. Kunsthalle Mannheim. Mannheim, Deutschland. “Sainte Guillotine”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “La Sombra”. FAP. Cuenca. España.

2008

“Dank and Dismal”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “Duelo”. Bastero Kulturgunea. Andoain (Guipuzkoa). España. “Watercolours”. GEM. Museum of Contemporary Art. The Hague. Holland. “Just one Bad Idea After Another”. K4 Gallery. München. Deutschland.

2007

“Una mosca en el Parabrisas”. Galería Marzana. Bilbao. España. “Duelo”. Galería Cubo Azul. León. España. “Club Matadero”. Site specific. Benavides. MUSAC. León. España. “Ghostdickyoutube”. Galería Llucia Homs. Barcelona. España

2006

“Musterhaus”. K4 Galerie. München. Deutschland. “Nephew”. Artspace Witzenhausen. Amsterdam. Holland. “Calle Apocalipstick”. Galería Espacio Mínimo. Madrid. España. “Aim at the brood!” Deweer Galerie. Otegem. Belgium. “Iglesia Verónicas”. Murcia. España. “Smells like dry blood”. Galería Arcaute Arte Contemporáneo. Monterrey. Méjico.

2005

“Lebensborn”. Galería Lluciá Homs. Barcelona. España. “Hotel Médula”. Museo de Arte Contemporaneo. Querétaro. Méjico. “Flaschengeist. La caseta del Alemán”. MUSAC. León. España.

2004

“The perfect Kiss”. Bryce Wolkowitz Gallery. New York. U.S.A.. “Hotel Médula”. Galería Enrique Guerrero. Méjico City. Méjico. Museum of Contemporary Art (MACO).Oaxaca. Méjico. “Lobos en la puerta” Galería Luis Adelantado. Valencia. España.

2003

“Incidente en la madriguera”. Galería Espacio Mínimo. Madrid. España. “Fantasmas”. Casa de America. Madrid. España. “Búnker”. Espai Quatre, Casal Solleric. Palma de Mallorca. España. “Father”. Project spaces, art Chicago. Galeria Espacio Mínimo. Chicago. U.S.A.

2002

“Casa vacía”. Galería Antonio de Barnola. Barcelona. España. “Fourteen mothers”. Greenaway art Gallery. Adelaide. Australia. “Chicas y Fantasmas”. A.E.C.I. Buenos Aires. Argentina. “El último día bueno del año”. Galería Fucares. Almagro. España.

2001

“Mis juguetes nuevos”. Galería Espacio Mínimo. Madrid. España. “Beds and Wardrobes”. Gallería Guido Carbone. Torino. Italia.

2000

“La familia”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Espacio Uno. Madrid. España.

1999

“La Casa feliz” . Galería Casa Triangulo. Sao Paulo. Brasil

1998

“Posesiones”. Galería Ray Gun. Valencia. España. “Comunión”. Galería Espacio Mínimo. Murcia. España.

Exposiciones colectivas 2013

“CEART”. Fuenlabrada. Madrid. España. “The marvelous real”. MUSAC. León. España. “TATTOO”. Gewerbemuseum. Winterthur. Switzerland. “Café. Una historia de la animación española”. Cervantes Institute. Tokio. Japan. “Play Time”. National Museum of Underwater Archaeology in Cartagena. Cartagena. España. “Taxonomy of Chaos. Rafael Doctor´s Collection”. Museo Lazaro Galdiano. Madrid. España. “Monsters. Stories, promises and drifts”. Chirivella Soriano Foundation.Valencia. España. “Portas Abertas” Fórum Eugénio de Almeida. Curated by Claudia Giannetti. Évora. Portugal. OpenStudios. Madrid. España. “Fall of the Idols. Cultural freedom in Europe”. European economic and Social Committee. Committee of the regions. Brussels. Belgium. “Epidermique 2”. Maison Folie Wazemmes. Lille. France. “ON PAINTING. Prácticas pictóricas actuales… más allá de la Pintura o más acá”. Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). Las Palmas, Gran Canaria. España. “Pasiones Contemporáneas: Arte Americano, Europeo y Latinoamericano de la colección Serapión y Belk”. Museo de Arte de Ponce. Puerto Rico. U.S.A..

2012

“Loop”, Screen Festival / Primavera Sound. Barcelona. España. “Epidermique”. Le Garage. Bethune. France. “10 years experience Pommery”. Villa Demoiselle. Reims. France. “Tirar del hilo”. Artium. Vitoria. España. “Un raro visitante”. Twin Gallery. Madrid. España. “Reopening”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “¡Se mueve! “ Estampa. Matadero de Legazpi / Museo ABC. Madrid. España. “B-sides”. Městská Knihovna. Praha. Československo. “The Drawing Room. Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “Reasons For Walling a House. Guest Files”. Valerie Traan Gallery. Antwerp. Belguim. “COLLAPSE. An essay on failure and rupture”. MUSAC Collection. Sala de Exposiciones Hospederia Fonseca. Salamanca. España.

2011

“Testimonios Derivados”. Instituto Cervantes, Sydney. Australia. “Fictions and Realities”. Museum of Modern Art. Moscow./ Patio Herreriano Museum. Valladolid. “GOLDMINE: Contemporary Works from the Collection of Sirje and Michael Gold”. University Art Museum. Long Beach. L.A.. U.S.A.. “When a Painting Moves… Something Must be Rotten”. Stenersen Museum. Oslo. Norge. “Falsas Apariencias”. Centro Torrente Ballester. Ferrol. España. “You Are All Individuals!”. Castrum Peregrini Foundation. Amsterdam. Holland. “Family Life”. Elaine Levy Gallery. Brussels. Belgium. “Olor Color. Química, Art I Pedagogia”. Arts Santa Mónica. Barcelona. España. “Failin Grace”. Jerome Zodo Contemporary. Milano. Italia. “B Sides…” Thai Short Film and Video Festival. Bangkok. Thailand. Experimental Film Festival Seoul (EXIS). Seoul. Korea. “10x10: Art Is Dangerous”. European Cultural Congress. Wroclaw, Polska. “FAZEBUK”. Weltraum. München. Deutschland.

2010

“The Valkhof Experience”. Museum Het Valkhof, Nijmegen. Holland. “Hareng Saur: Ensor en de hedendaagse kunst”. S.M.A.K. Gent. Belgium. “Mark Deweer Treats” Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “KABINET”.Kustverein Koelnberg. Köln. Deutschland. “Forbidden Games. ANEXO”. Galería Espacio Mínimo. Madrid. España. “Atopia. Art i ciutat al segle XXI”. CCCB. Barcelona. España. “Cine de Barrio. Las Veladas de Santa Lucia”. Maracaibo. Venezuela. “¿Qué es lo que hace a los espejismos de hoy tan diferentes, tan atractivos?”. Factoria Habana. La Habana. Cuba. “A piel de Cama”. Sala Parpalló. Valencia. España. “Polimorfo(s) Perverso(s)”. Galería Fernando Pradilla. Madrid. España. “España contemporanea”. Castel Dell´ovo. Napoli. Italia. “L¨Ange Exterminateur”. Bozar. Brussels. Belgium. “PHOTOESPAÑA10”. Instituto Cervantes. Madrid. España. “Se Quebró el Cántaro”. TEA. Tenerife. España.

2009

“Mi vida. From Heaven to Hell”. Mücsarnok Kunsthalle. Budapest. Magyarország. “Der Diskrete Charme der Technologie”. Neue Galerie. Graz. Austria. “Securities”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium. “Entre Paréntesis” MACO. Oaxaca. Méjico. “Huesped”.Museo Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires. Argentina. “MACRO”. Rosario. Argentina. “PERIFÈRIES 09”. Valencia. España. “Roman du lievre. Marginalia”. MTS Gallery. Anchorage. Alaska. U.S.A.. “When a painting moves, something must be rotten”. Centro Colombo Americano. Bogotá. Colombia. Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR). San Juan. Puerto Rico. “Inferno”. Galería Yautepec. Méjico D.F.. Méjico. “Faraway... so close”. Museo Nacional de Soares dos Reis. Oporto. Portugal. “¿Qué es lo que hace a los espejismos de hoy tan diferentes, tan atractivos?”. Factoría Compostela. Santiago. España.

2008

“No Más Heroes / No more Heroes”. ARTIUM. Vitoria. España. “Rock my Religion. Curated by Javier Panera. Da2. Salamanca. España. “Der diskrete Charme der Technologie”. ZKM. Karlsruhe. Deutschland. “El Discreto Encanto de La Tecnología”. MEIAC. Badajoz. España. “Mixed Emotions.”. Da2. Salamanca. España. “Works on / off paper”. K4 Gallery. München. Deutschland. “Todo lo que ame formaba parte de ti”. Cervantes Institute. Dublin. Ireland. “Enlaces+Tres”. Museo Patio Herreriano. Valladolid. España. “Spain. 1957-2007”.Palazzo Sant´Elia. Palermo. Italia. “L´Art en Europe”. Domaine Pommery. Reims. France. “Esculturismo”. Comunidad de Madrid. Madrid. España. “Portrait II”. Leme Gallery. Sao Paulo. Brasil. “Update”. Deweer Gallery. Otegem. Belgium.

2007

“Où? Scènes Du Sud”. Carré Dárt. Nimes. France. “Black in Black”. Oktogon der Hochschule. Dresden. Deutschland. “Barely Human”. The Agency Gallery. London. U.K.. “Meatdistrict”. MAMA. Rotterdam. Holland. “TROUBLEYN / LABORATORIUM”. Antwerp. Belgium. “La Vida Privada, Colección Josep Mª Civit”. CDAN. Huesca. España. “Existencias”. MUSAC. León. España. “15 Años Tiene mi Amor”. Galería Espacio Mínimo. Madrid. España.

2006

“Family Viewing”. CuratorSpace. London. U.K.. “CHECK IN - EUROPE - Reflecting Identities in Contemporary Art”. Patent Office Hall. München. Deutschland. “Sardanapale Syndrome”. Dukan &Hourdequin Galerie. Marseille. France. “Scenografie simulate”. Chiesa Santa Eulalia. Palermo. Italia. Cervantes Institute. Stockholm. Sverige. “Pintura Mutante”. MARCO. Vigo. España. “Summer Time”. Galerie Artspace Witzenhausen. Amsterdam. Holland. “VAC”. Instituto Valenciano de Arte Moderno. IVAM. Valencia. España.

2005

“Irrealismos”. Govett-Brewster Art Gallery. New Playmouth. New Zealand. “Emergencias. The Collection”. MUSAC. León, España. “Presencias / Ausencias”. CAAB. Burgos. España. “Cárcel de amor”. Museo Reina Sofía. Madrid. España. “Poles Apart Poles Together”. 51 Venice Biennale. Grand Canal. Italia. “Posthumous Choreography.” White box Gallery. New York. U.S.A.. “Barrocos y Neobarrocos. El infierno de lo bello.” DA2. Salamanca. España.

100

2004

“Irrealismos. Spanish Photomedia Now”. Freemantle Art Centre. Perth. Australia. “Institute of Modern Art.” Brisbane. Australia. “Experimental Art Foundation”. Adelaide. Australia. “The Olimsoll Gallery Centre for the Arts”. Tasmania. New Zealand. “The Real Royal Trip / El Real Viaje Real, El Retorno”. Museo Patio Herreriano. Valladolid. España. “The Power of Art”.. Forum 2004. Barcelona. España.

2003

“The Real Royal Trip”. P.S.1 MOMA Contemporary Art Center. New York. U.S.A.. “Spanish Photomedia Now”. Australian Centre for Photography. Sydney. Australia. “In the shadows of summer bliss”. Cirrus Gallery. Los Angeles. U.S.A.. “Por(no)pulsión”. C.C.C.B. Barcelona. España. “Cinema Empire”. Torino. Italia.

2002

“Políticas de la diferencia. Arte Latinoamericano de fin de Siglo.” Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. MALBA. Buenos Aires. Argentina. “Museo de Arte de Puerto Rico.” San Juan. Puerto Rico. MACSI Museo Alejandro Otero y Museo de Bellas Artes. Caracas. Venezuela. “Sin salida de emergencia”. C.E.N.A.R.T, Centro Multimedia. México DF. Méjico. “Ofelias and Ulises”. Kuppersmuhle Sammlung - Grothe Museum. Duisburg. Deutschland. “Amore”. Gallería Silbernagl. Milano. Italia. “III Bienal Iberoamericana de Lima”. Casa Rimac. Lima. Peru. “Video Collections From Europe”. Gallería De Arte Moderna, GAM. Torino. Italia. “Por(no)pulsión”. Círculo de Bellas Artes. Madrid. España.

2001

“Políticas de la diferencia. Arte Latinoamericano de fin de Siglo”. Centro de Convenciones, Pernambuco. Recife. Brasil. “Down”. Galleria Zonca & Zonca. Milano. Italia. “Pay Attenti(on) please”. MAN. Museo d’Arte Nuoro. Sardegna. Italia. “Ofelias y Ulises”. Antichi Granei, Biennale di Venezia. Giudecca. Italia. Instituto Cervantes. Roma. Italia. “Love me tender”. Sala Amadís. Madrid. España.

2000

“Innocence”.. Aeroplastics Contemporary Galerie. Brussels. Belgium. “Escenarios domésticos.”. Koldo Mitxelena. San Sebastian. España. “Time in a tumbler. A blindspot show.” Robert Mann Gallery. New York. U.S.A.. “iL Fiori del mio Giardino”.Orto Botanico. Lucca. Italia.

1998

“WELCOME”. Citt· Sant’ Angelo,( Pe). Italia.

1997

ITINERARIOS 1996- 97, IV Becas de Artes Plásticas, Fundación Marcelino Botín. Santander. España. Bienal Ciudad de Medellín. Colombia.

1996

XI Muestra de Arte Joven. Curated by Felix Guisasola. INJUVE. Antiguo MEAC. Madrid. España.

Arte escénico 2011

Collaboration in “Maldito sea el Hombre…”Angélica Liddell. Festival Davignon. Franc

2007

“Perro Muerto en Tintorería”. Angélica Liddell. Centro Dramático Nacional. Madrid.

2006

“Viaje al Sur”. Cristina Hoyos Ballet. Director Ramon Oller.

2005

“María de Buenos Aires”. A, Piazzola. Teatro Torrent. Valencia. Director José Carlos Plaza.

2004

"La Dolores" Tomás Bretón. Teatro Real. Madrid. Director José Carlos Plaza

2003

"Goyescas" Granados / "San Antonio de la Florida" Albéniz. Teatro de la Zarzuela. Madrid. DirectorJosé Carlos Plaza.

2002

"El Amor brujo / La vida breve" Manuel de Falla. Palacio de Congresos, La Coruña. Director José Carlos Plaza. "Le nozze di Figaro" W.A. Mozart. Stage design and wardrobe. Teatro Borgatti, Cento. Ferrara. Teatro Gesualdo.

2001

"Johaness-Passion" J. S Bach. Teatro Regio, Torino. Director by José Carlos Plaza. "La vida breve" Manuel de Falla / "Goyescas" Enrique Granados. Teatro Lirico di Cagliari. Sardegna. "Lorca- Granada, Yo no he nacido todavía." Generalife, Granada. Director by José Carlos Plaza.

2000

"Die Teufel von Loudun" Krysztof Penderecki. Teatro Regio Torino. Director by José Carlos Plaza.

101

EUGENIO AMPUDIA Biografía. Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958) es uno de los videoartistas españoles más reconocidos. Su trabajo multidisciplinar recibió en 2008 la beca The Delfina Foundation (Londres) y el Premio AECA al mejor artista español vivo representado en ARCO08. Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica con el sistema establecido del Arte, en la idea misma de proceso artístico, tanto del significado de la obra en sí como de los mecanismos tradicionales de promoción, contemplación e interpretación de ésta. Su tarea pues, se centra en el cuestionamiento permanente del proceso creativo como medio de transmisión de ideas y del artista como gestor de éstas y sus sistemas de comunicación. Entre sus últimas exposiciones destacan: Video(S)torias, Museo ARTIUM, Vitoria. Unwetter / Thunderstorm. Ayala Museum. Manila. Filipinas; Dialogues, Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania; Momentos-New Perspectives on Spanish Contemporary Photography, Nacional Library Copenhagen, Dinamarca; To The Elements, Aesthetic Phenomena of Climate Change, Mills Gallery, Boston Center for the Arts, Boston (MA), Estados Unidos; Ill winds/ Unwetter, Akademie der Kuenste, Berlín; Fútbol-Replay, La Casa Encendida, Madrid; la muestra El Sur de nuevo, programada en el MNCARS, Madrid; Conductus Vocis, acción urbana en el acueducto de Segovia, Festival Oxigenarte; CIGE Feria de Arte de Pekin, China; omunicacionismos, 10ª Bienal de la Habana, Cuba; Banquete, Nodos y Redes en el ZKM de Karlsruhe (Alemania); Intemperies, Bienal del Fin del Mundo en el Goethe Institut de Sao Paulo (Brasil); PLAY, en la capilla del MPH de Valladolid. Bienal de Arte de Panamá2013, en Freeze de Londres y en ARCO.

CV Exposiciones individuales 2013

“Humo”. Galería Rafael Ortiz. Sevilla. “Diálogos”. Instituto Cervantes Marrakech. Marruecos. “Dónde dormir”. Stand de Unidad Editorial (El Mundo). ARCO 2013. Madrid. “Huracán”. La Capilla. Palacio de Pronillo. Fundación Santander Creativa. Santander.

2012

“Una cuestión de pelotas”. Frágil, Madrid. “Nubes de memoria”. Scarpia XI, El Carpio, Córdoba.

2011

“Cambio de sentido”. Sala de Exposiciones de la Fundación ONCE, Madrid. “VÉNDETE TÚ”. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón. “Museo y espacio”. Museo del Grabado de Marbella, Málaga. “Fuego frío. Site specific”. MUPAM, La noche en blanco, Málaga. “Collectors”. Galería Demolden, Santander.

2010

“Dialogues”. Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania. “Nubes de memoria”. Acción en el Camino de Santiago. Varias sedes.

2009

“Incendio”. Edificio Gran Vía 1, Madrid. “Fuera de juego”. La Panera, Centro de Documentación, Lérida. “Conductus Vocis”. Acción urbana en el Acueducto de Segovia. Festival Oxigenarte, Segovia. “Espacio público”. Ciclo Asincronías, MUBAM, Murcia. “Play”. Site specific. Capilla del Museo Patio Herreriano, Valladolid.

2008

“Evacuad Madrid”. Site specific. Puerta de Alcalá, La noche en blanco, Madrid. “Eugenio Ampudia …sólo una idea devoradora”. MACRO, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina.

2007

“La verdad es una excusa”. Galería Max Estrella, Madrid. “Todas las historias”. Site specific. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón. “Chamán”. Proyect Room, ARCO’07, Galería Max Estrella. Madrid.

102

2006

“Eugenio Ampudia …sólo una idea devoradora”. ARTIUM, Vitoria-Gasteiz. Art Cologne, Project Room, Galería Max Estrella, Colonia, Alemania. Galería Mario Sequeira, Braga, Portugal.

2005

Galería Llucià Homs, Barcelona.

2004

“Fuego frío II”. Site specific. Biblioteca del MNCARS, Madrid.

2003

“Nada que ganar”. Galería Max Estrella, Madrid. “Random”. Espai Quatre, Casal Solleric, Palma de Mallorca

2002

“Crédulos”. ARCO’02, masdearte.com, Madrid.

2001

“Picasso 2001”. ARCO’01, masdearte.com, Madrid. “Dot”. Galería Rafael Ortiz, Sevilla. “Cortar por aquí… “Taberna Doña Fernanda, Madrid.

2000

“Armad a los artistas”. Galería Trayecto, Vitoria. “Armad a los artistas”. Tránsito, Galería Rafael Ortiz, Toledo.

1999

“Sweet Black Night”. Revista Matador, Círculo de Bellas Artes, Madrid. “Crédulos”. La ventana de La Fábrica, Madrid.

1998

“Acción para certificar la existencia del Guernica”. Postales. “CasaExteriorDía”. Galería Doblespacio, Madrid.

1997

Galería Fernando Latorre, Zaragoza.

1994

“Bleu II.” Fundación Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca. “Saper vedere.” Sala Robayera, Miengo, Cantabria.

1993

“Guerra fría”. ARCO’93, Galería Rafael Ortiz, Madrid. “Bleu II”. Sala Vinçon, Barcelona. Galería Paral.lel 39, Valencia. Galería Fernando Latorre, Zaragoza.

1992

ytuquehashechoporelarte. Galería Rafael Ortiz, Sevilla.

Exposiciones colectivas (selección) 2013

“Café. Una Historia de la animación española”. Instituto Cervantes, Tokyo “Hic et Nunc”. Festival Loop de VídeoArte. Fundación Tàpies. Barcelona. “Art Brussels ’13”. Galería Max Estrella. Bruselas. Bélgica. “I Bienal del Sur en Panamá – Emplazando mundos”. Panamá. “What_Now Festival”. Siobhan Davies Studios. Londres. Reino Unido. “Transfronterizos”. Sala de las Francesas. Valladolid. “ARCO’13”. Galería Max Estrella, Madrid.

2012

“Los irrespetuosos”. Museo de arte Carrillo Gil. México. “Fútbol. Arte y pasión”. MARCO. Monterrey. México. ARTifariti 2012. VI Encuentros Internacionales de Arte en los Territorios Liberados del Sahara Occidental. “Montaje de atracciones”. ARTIUM, Vitoria. “Genealogías silenciosas”. MACA, Alicante. “Del texto a la imagen”. Centro Cultural de España en Buenos Aires, Argentina. ARCO’12. Galería Max Estrella, Madrid. “Lighthouse”. ARCO’12, El Corte Inglés, calle Preciados, Madrid.

103

2011

“Crossing East West Narratives by the End of Video Art (2000-2011)”. Tabacalera, Madrid. “ArtBó”. Feria Internacional de Arte de Bogotá, Colombia. “El Antropoceno”. III Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina. “Colección CAM de Arte Contemporáneo”. Sala Municipal de Exposiciones Lonja de Alicante. “Olor color. Química, Art i Pedagogía”. Arts Santa Mónica, Barcelona. “Unwetter / Thunderstorm”. Ayala Museum, Manila, Filipinas. “Video(S)torias”. ARTIUM, Vitoria. “Architektur in der Kunst. Architekturen des Augenblicks”. Kunsthalle Bahnitz, Alemania. Premi Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” d’Arts Visuals 2010. Casal Solleric, Palma de Mallorca, Islas Baleares. ARCO’11. Galería Max Estrella. Madrid.

2010

“Homo Ludens. El artista frente al juego”. Fundación Museo Jorge Oteiza, Alzuza, Navarra. “¿Estáis listos para la televisión?“ MACBA, Barcelona. “Momentos-New Perspectives on Spanish Contemporary Photography”. Nacional Library Copenhagen, Dinamarca. “To The Elements, Aesthetic Phenomena of Climate Change”. Mills Gallery, Boston Center for the Arts, Boston (MA), Estados Unidos. “Nuevas Historias – A New View of Spanish Photograph and Videoart”. Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia. “Ars Itineris: el viaje en el arte contemporáneo”. Museu de l’Art de la Pell, Vic. “After Post. Más allá de la fotografía”. Espacio Iniciarte, Sevilla. “Sobrestructuras”. OTR, Madrid. MADRIDFOTO. Galería Max Estrella. Madrid. “Dialogues”. Festival Internacional de Vídeo de Beirut, Líbano. “Art Brussels’10. Galería Max Estrella, Bruselas, Bélgica. “Ill winds/ Unwetter”. Akademie der Kuenste, Berlín. “Unwetter-Inclemencia del tiempo”. Centre dárt le LAIT, Albi, Francia. “A-Z (de la A a la Z). Archivo Documental de Artistas de Castilla y León”, MUSAC, León. “Fútbol-Replay”. La Casa Encendida, Madrid. “Tempestade”. Centro Cultural Solar Barao, Museo da Gravura Cidades de Curitiba, Brasil. ARCO’10. Galería Max Estrella. Madrid.

2009

“Fuera de Juego”. Museo del Barça, Barcelona. “Grande hazaña! Con muertos”. Sala Puerta Nueva, Córdoba. “Después de la alambrada”. El arte español en el exilio. 1939-1960. Universidad de Zaragoza. “Aprendiendo a mirar. 25años de Rafael Ortiz”. Espacio San Clemente, Sevilla. “Experimenta Playground”. Itinerante por Australia. “Poéticas del siglo XX”. Museo Regional de Arte Moderno, Cartagena. “El Sur de Nuevo”. MNCARS, Madrid. “Vídeo Art from Spain: Hybrid Generations 2000-2009”. Ullens Center, Pekin. “Some politics of appropiation”. Laznia Centre for Contemporary Art, Gdansk, Polonia. MADRIDFOTO. Galería Max Estrella. Madrid. Art Brussels’09. Galería Max Estrella, Bruselas, Bélgica. CIGE Feria de Arte de Beijing, China. “Comunicacionismos”. 10ª Bienal de la Habana, Pabellón Cubano, La Habana, Cuba. “Banquete_nodos y redes”. ZKM, Karlsruhe, Alemania. “Intemperies o fin do tempo”. 2 Bienal del fin del mundo Sao Paulo, Brasil. “Momentos-New Perspectives on Spanish Contemporary Photography”. Museo Stenersen, Oslo, Noruega. ARCO’09. Galería Max Estrella. Madrid.

104

2008

“Alternative Revolutions”. Project Room for New Media, Chelsea Art Museum, Nueva York, Estados Unidos. “Colección Fotocopia”. Doméstico’08, Madrid. “Electrodoméstico”. MAEM.08, Muestra de arte electronico de Móstoles, Madrid. “H2O”. El Kursaal, San Sebastián. “Duelo al sol”. Coliseo Viñas, Motril, Granada. “Desire”. Art Forum Berlin, Galería Max Estrella, Berlín, Alemania. “Momentos-New Perspectives on Spanish Contemporary Photography”. Kulturhuset, Estocolmo, Suecia. BIACS Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, Sevilla y Granada. “Alternative Revolutions”. TINA B. The Prague Contemporary Art Fair 2008, Praga, República Checa. II Bienal ONCE de Arte Contemporáneo, Complejo El Águila, Madrid. Shangai Contemporary Art Fair, Galería Max Estrella, Shanghái, China. “Shaping a space II”. Galería Mario Sequeira, Braga, Portugal. “En Privat 1”. Es Baluart Museo d’Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca. “Banquete_Nodos y redes”. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón. “Levantamiento, libertad y ciudadanía”. Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid. “La tierra de nadie”. Delfina Foundation, Palacio de Carlos V, Alhambra, Granada. CIGE. Feria de Arte de Beijing, China. Art Brussels’08, Galería Max Estrella, Bruselas, Bélgica. ARCO’08, Galería Max Estrella, Madrid. “Vanguardia y deporte en la colección del IVAM”. Sala l’Almudí de Valencia, Centro Cultural Bancaja, Alicante. “Performance Space”. Carriageworks, Sydney, Australia. 9ª Bienal Martínez Guerricabeitia, Universitat de Valencia, Valencia.

2007

“100 tagen, 100 videos”. Kunstverein, Copenhague, Dinamarca. “The Arthouse” UnFair 07. Miami, Estados Unidos. “La vida privada. Colección José Mª Civic, CDAN, Huesca. “Contemporary Art”. National Gallery, Kingston, Jamaica, Estados Unidos. “Existencias”. MUSAC, León. “Experimenta Playground”. Internacional Bienal of Media Arts, Melbourne Australia. “Sesión Nocturna de videoarte”. Colección Caja Sol, Espacio Escala, Sevilla. “VideoSpain 10 años de videocreación española”. PhotoEspaña, Cuenca, España. Festival Internazionale di Roma. Roma, Italia. “Los Ojos del Mar”. Institut Valencià d’Art Modern, IVAM, Valencia. CIGE. Feria de Arte de Beijing, China. “Madrit! Entresijos y gallinejas”. Centro de Arte Santa Mónica, CASM, Barcelona. Ciclo de videoarte. Universidad de Alcalá de Henares, Madrid, España. Loughborough University, Leicestershire, Reino Unido. “Speed”. Institut Valencià d’Art Modern, IVAM, Valencia. “Anamnesis”. Bienal de Valencia, Valencia. “La palabra imaginada”. Museo Esteban Vicente, Segovia. ARCO’07, Galería Max Estrella; Galería Llucià Homs, Madrid.

2006

“Arquitecturas de la vida cotidiana: Modelos y aplicaciones en la España de los siglos XX y XXI”. Museum of the Vietnamese Revolution, Hanói, Vietnam. “Bienal del Fuego”. Museo de Bellas Artes de Caracas. Venezuela. “100 Tage. Kunstverein Heidelberg. Alemania. “Belief”. Singapur Biennale, Singapur. “37 Seconds”, prog. 9. Big Screen Liverpool, Liverpool. Reino Unido. “Loop ’03”, Barcelona. “Literatura, libros y librerías”. Galería Rafael Ortiz, Sevilla. ARCO ’06. Galería Max Estrella; Galería Llucià Homs, Madrid.

2005

“3D+1. Videocreación de artistas españoles actuales”. Castillo de Santa Bárbara, Alicante. “La belleza de la oscuridad”. En la frontera, Ayuntamiento de Zaragoza. “Inmateriales originales”. Castillo de Santa Bárbara, Alicante.

2004

III Premio de Artes Plásticas Gobierno de Cantabria. “Periferias”. Ayuntamiento de Huesca. “Travesías”. Centro Cultural de España, Santo Domingo. República Dominicana. “Arte Santander”. Santander. Cantabria. “Intrasentidos, otras miradas a la Colección ARTIUM”. ARTIUM, Vitoria-Gasteiz. “Elocuencia”. Centro Cultural de la Embajada de España, Buenos Aires. Argentina. ARCO’04, Galería Max Estrella, Madrid. “Arte dentro del arte.” Junta de Castilla-León, Monasterio de Nuestra Señora del Prado, Valladolid.

105

2003

“Loop’00”, Barcelona. “Fotografia doméstica”. Doméstico’03, Madrid. “Mad’03”. La Casa Encendida, Madrid. “Arte dentro del arte”. Sala Verónicas, Murcia. “Al plato”. Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. “Muestra Internacional de Videoarte 25 hrs”. Barcelona. ARCO’03, Galería Max Estrella; MUSAC; operariodeideas.com, Madrid.

2002

ARCO’02. Galería Max Estrella, Madrid. “143 delicias”. Festival de vídeo, Madrid. “Quién es quién el arte”. La Fabrica de Pan, Madrid. “Exposición de arte digital LG habitat futura”, Palacio de Saldaña, Madrid. “Madrid al descubierto”. Sala Alcalá 31 Comunidad de Madrid, Madrid. “Doméstico’02”, Madrid. “Jornadas de Videodanza”. Universidad de Alcalá de Henares, Madrid. “Señales’02”, Junta de Castilla-La Mancha, Valladolid.

2001

ARCO’01. Galería Rafael Ortiz; Galería Max Estrella, Madrid. “Evolveart, arte digital”. Madrid y Barcelona. “10 años”. Galería Fernando Latorre, Zaragoza. “Foto[tipo]grafía”. Cromotex, Madrid. “9 Bienal de la imagen en movimiento”. Ginebra, Suiza. “143 delicias”. Festival de vídeo, Madrid. BIDA’01. Bienal del deporte en el arte, Valencia.

2000

Doméstico’00, Madrid. Art Forum, Galería Trayecto, Berlín, Alemania.

1999

“Paisajes Españoles”. Garage Regium, Madrid. “Existencias agotadas”. Mercado de Fuencarral, Madrid. ARCO’99, Arco Electrónico, Madrid.

1998

“Las ediciones de Doblespacio”. Doblespacio, Madrid. Galería Fernando Latorre, Zaragoza.

1997

“Crédulos”. Capella Sant Roc, Valls, Tarragona.

1996

ARCO’96, Galería Ramis Barquet y Galería Fernando Latorre, Madrid.

1995

ARCO’95, Galería Fernando Latorre, Madrid. “El contrato natural”. Galería Angels de la Mota, Barcelona; Galería Fernando Latorre, Zaragoza. “Entre paréntesis”. Galería Parl.lel 39, Valencia.

1994

ARCO’94, Galería Fernando Latorre, Madrid. Bienal 94, Almería.

1993

Galería Senda, Barcelona. Biblioteca de Aragón, Zaragoza. Galería Berini, Barcelona. Círculo de Bellas Artes, Madrid. Sala de exposiciones del Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid, Madrid. III Muestra Unión Fenosa, A Coruña.

1992

VIII Premio L’Oreal. Casa de Velázquez, Madrid; Cultural Rioja, Logroño.

106

FERNANDO RENES Biografía. Fernando Renes (Covarrubias, Burgos 1970) vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Ha expuesto tanto a nivel nacional como internacional. Últimamente se ha podido ver su obra en La Casa Encendida, Madrid; Mücsarnok Kunsthalle, Budapest; Arts Santa Mónica, Barcelona; Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; Centre d'Art La Panera, Lleida; Freies Museum, Berlin; Musac, Museo de arte contemporáneo de Castilla y León; Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico; La Naval, Cartagena y en el Museo de arte moderno y contemporáneo de Santander. El trabajo del artista abarca un amplio abanico de intereses, como la ciencia, política, economía, sexualidad, evolución, por nombrar algunos, pero todos ellos pasados por su personalísimo “embudo”. La obra de Renes es heredera de una tradición oriental en donde no existe algo malo o algo bueno per se, sino que más bien todo es parte de un todo, simplemente se manifiesta de una forma u otra, esto lo podemos observar en dibujos como Raft of Cannibals surrounded by Medusas, o en Todos somos luminosos. De esta forma podríamos definir la obra de Renes como una resistencia frente al discurso generalizado, dirigido y enlatado, como una poética brusca y naïf, tartamuda y abyecta, sutil e inteligente que nos interroga, no da respuestas, sólo hace preguntas.

Exposiciones individuales 2004

“De Covarrubias a Nueva York”. CABCentro de arte Caja de Burgos . “El maíz picotea al pájaro”. Espacio Distrito Cu4tro, Madrid.

2003

“Dibujos”. Galería Magda Bellotti (Sala Algeciras), Madrid.

2002

“A Tablelander’ s Drawings”. Fish Tank Gallery, Brooklyn, New York.

2001

“A Stammerer’ s Drawings”. Fish Tank Gallery, Brooklyn, New York. “A Hermaphrodite’ s Drawings”. Lump Gallery, Raleigh, North Carolina.

1993

“Pinturas y esculturas. Sala de exposiciones Arlanzón, Burgos

1989

“Fernando Renes”. Archivo del Adelantamiento de Castilla, Covarrubias

Exposiciones colectivas 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española”. Instituto Cervantes, Tokyo. “Nunca jamás. Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla. “Una posibilidad de escape. Para asaltar el estudio de la realidad y volver a grabar el universo”. EACC Espai d’ Art Contemporani de Castelló.

2012

“Ñew York, Latin American artists in New York”. AMA, Art Museum of the Americas, Washington DC. “Colapso. Un ensayo sobre el fracaso y la ruptura”. Sala Exposiciones Hospedería Fonseca, Salamanca. “De héroes y travesías”. Colección La Naval , Museo ARQUA, Cartagena. “Burgos”, marca de fábrica. CAB de Burgos. “Proyectos autónomos”. Espacio OTR, Madrid.

2011

“Desplazamientos”. Sala Santa Inés, Sevilla “El contrato del dibujante”. Estudio Carlos Garaicoa, Madrid. “The Draughtsman’ s Contract”. Studio Sandra Recio, Genéve. “Pulso XXI”. Museo de arte moderno y contemporáneo de Santander.

2010

“Desplazamientos/Deplacements”. Centquatre104, Paris; Arts Santa Monica, Barcelona; La Casa Encendida, Madrid. “SpringFever”. 106 Green Street, Brooklyn. “Papel” . Galería Distrito 4, Madrid. “Arsenal”. Galería Baró, São Paulo. “Nulla dies sine linea”. Freies Museum, Berlin; Sangsangmadang Gallery, Seoul “25 años Injuve”. Círculo de Bellas Artes, Madrid. “La fuerza de la palabra”. Colección Musac, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, México.

107

2009

“Mi Vida From Heaven to Hell” . Mücsarnok Kunsthalle, Budapest. “Modernstars”, Colección Circa XX. Teatro Cómico Principal, Córdoba. “Huésped”. MNBA Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. “Huésped”. MACRO Museo de arte contemporáneo de Rosario, Rosario. “Irreversible”. Colección Sánchez Ubiría, Pazo da Cultura, Pontevedra.

2008

“{I+E} Adquisiciones recientes”. CAB de Burgos. “From Brooklyn with Love”. Parker’s Box, Brooklyn, New York. “Interfície”. Centre d’ Art La Panera, Ll ei da. “Low Key”. Villa Iris, Fundación Marcelino Botín, Santander. “N.Y. Motion 1.0. Insti tuto Cervantes of New York, New York. “Doméstico 08”. Madrid. “Abi und Fernando”. Homie, Berlin

2007

“Geopolíticas de la animación”. CAAC, Centro andaluz de arte contemporáneo, Sevilla. “Everyday Utopias”. La Central Electrique, Bruxelles. “Existencias”. MUSAC, Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, León. “La palabra imaginada. Museo de arte contemporáneo Esteban Vi cente, Segovia. “9”. Jeanni e Frei l i ch Fi ne Art, New York. “La colecció d’ art contemporari del Ajuntament de Lleida”. Centre d’ Art La Panera, Lleida.

2006

“Trial Balloons”. MUSAC, Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, León. “5ª Bienal Leandre Cristofol” . Centre d’ Art La Panera, Lleida. “Contos dixitais”. CGAC, Centro galego de arte contemporanea, Santiago de Compostela.

2005

“The Gift: Building a Collection for the Queens Museum”. Queens Museum of Art, New York

2004

Itinerarios 200203. Fundación Marcelino Botín, Santander.

2003

“Three Great Animations”. Queens Museum of Art, New York. “Bad Touch v.5”. The Rose Art Museum, Boston. “Solo dibujo”. Museo de arte Universidad de Bogotá. “Labor Day”. RARE Gallery, New York. “Generación 2003”. Fundación CajaMadrid, Madrid. (*) “Bad Touch v.2”. Keith Talent Gallery, London. “Artistas burgaleses”. Casa del Cordón, Burgos.

2002

Biennale Internazionale Arte Giovane di TorinoBIG. Torino. “Bad Touch v.3”. The Ukranian Institute of Modern Art, Chicago. “Certamen Audiovisual Injuve 20000102”. Videoteca Municipal, Lisboa. “Bad Touch v.2”. Space 1026, Philadelphia, Pennsylvannia.

2001

“Muestra itinerante del Injuve”. Argentina, Chile, Uruguay, Paraguay y Perú. “Bad Touch v.1”. Lump Gallery, Raleigh, North Carolina.

2000

“XVI Muestra de arte Injuve”. Círculo de Bellas Artes de Madrid, Madrid. “Certamen de Vi deocreación Injuve”. Sala Amadís, Madrid. “Splash”. Fish Tank Gallery, Brooklyn, New York. “Four Walls Film Club”. Brooklyn, New York.

1999

“Flat Files”. Pierogi Gallery, Brooklyn, New York

1998

“XVI Premio de Pintura L’ Oreal” . Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Casa do Chiado, Coimbra. Galería PS, Burgos.

1997

“Certamen de Artes Plásticas de Castilla y León”, Valladolid.

1994

“Exposición Clausura de los Talleres de Arte Actual”, Círculo de Bellas Artes, Madrid.

1993

“Exposición Clausura del Grupo Benidor”, Facultad de Bellas Artes, Madrid

1992

“Certamen de Artes Plásti cas de Castilla y León, Valladolid. Exposición Clausura de los Talleres de Arte Actual , Círculo de Bellas Artes, Madrid.

108

MANU ARREGUI Biografía. MANU ARREGUI (Santander, 1970), es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Sus trabajos han sido incluidos en importantes exposiciones como Trans-sexual Express International comisariada por Xabier Arakistain y Rosa Martínez, Bad Boys proyecto de Agustín Pérez Rubio realizado con motivo de la 50 Bienal de Venecia, Monocanal Vídeo: 1996-2002 comisariada por Juan Antonio Álvarez-Reyes y Berta Sichel para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Sesiones Animadas proyecto de Juan Antonio Álvarez-Reyes para el mismo museo y el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, Chacun à son Goût comisariada por Rosa Martínez para la conmemoración del décimo aniversario del Museo Guggenheim de Bilbao o España. Arte Español 1957-2007 en el Palazzo Sant’Elia de Palermo. Recientemente ha expuesto individualmente en La Conservera de Murcia y en el espacio Ecat en Toledo. Con la galería Espacio Mínimo ha participado en importantes ferias internacionales de Arte Contemporáneo como ARCO (Madrid), ART BASEL MIAMI BEACH (Miami), FRIEZE (Londres) o CIGE (Beijing). En el año 2002 obtuvo la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín con la que completó su formación en el ISCP de New York. En 2004 gana el Primer Premio de Videocreación y Formatos Digitales Caixa Galicia y en 2007 el Premio Altadis de Artes Plásticas. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones de los museos ARTIUM de Vitoria, Guggenheim de Bilbao y MUSAC de León, el Centre d'Art la Panera de Lérida, el Consejo Superior de Deportes, la Fundación Coca Cola o la Fundación Ordóñez-Falcón.

CV Exposiciones individuales 2009

“Objeto Singularísimo.” Galería Espacio Mínimo. Madrid

2007

“Un Impulso Lírico del Alma”. Espacio AV. Murcia “Sed de Infinito”. Centro Cultural Montehermoso. Vitoria

2005

“Sed de Infinito”. Galería Espacio Mínimo. Madrid

2003

“On My Own”. Fundación Bilbao Arte. Bilbao

2002

“Sticky Bacon”. Galería Espacio Mínimo. Madrid “Sticky Bacon”. Centro de Arte Dasto. Oviedo

Exposiciones colectivas 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española” Instituto Cervantes, Tokyo

2011

BA Photo 2011. Galería Espacio Mínimo, Buenos Aires, Argentina. ZONA MACO 2011. Galería Espacio Mínimo, México DF, México. ARCO-Madrid 11. Galería Espacio Mínimo, Madrid

2010

ARCO-Madrid 10. Galería Espacio Mínimo. Madrid

2009

CIRCA Puerto Rico 2009. Galería Espacio Mínimo. San Juan ARCO-Madrid 09. Galería Espacio Mínimo. Madrid

109

2008

“España 1957-2007”. Palazzo Sant’Elia. Palermo “Camp de Joc”. Museu de Lleida Diocesà i Comarcal. Lleida “Atemporalidad Colección Pecar”. Museo de Bellas Artes. Santander “Adquisiciones 2008. Colección de la Fundación Coca Cola”. DA2. Domus Artium 2002, Salamanca 6ª Bienal de Arte Leandre Cristófol. Centre d’Art La Panera. Lleida “Geopolíticas de la Animación”. MARCO. Museo de Arte Contemporáneo. Vigo ARCO’08. Galería Espacio Mínimo. Madrid “Otoimatge”. Universidad de Valencia “Chacun à son Goût”. Museo Guggenheim. Bilbao “Cuestion Xeneracional”. CGAC. Santiago de Compostela “Planes Futuros. Arte Español de los 2000”. Baluarte. Pamplona “Experiencias 2”. Museo de Bellas Artes. Santander “SHcontemporary”. Galería Espacio Mínimo. Shangai “Geopolíticas de la Animación”. CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla “VIDA. Bienal del Deporte en el Arte”. Antiguo Instituto Jovellanos. Gijón “Premio Altadis de Artes Plásticas”. Galería Salvador Díaz. Madrid

2007

CIGE2007. Chinese International Gallery Exhibition. Galería Espacio Mínimo. Beijing KIAF. Korea International Art Fair. Galería Espacio Mínimo. Seoul “Letterature. 6º Festival Internationale di Roma”. Basilica di Massenzio, Foro Romano. Roma “Existencias”. MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León FOROSUR 2007. Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo. Galería Espacio Mínimo. Cáceres “Todo Cuanto Amé Formaba Parte de Ti”. Instituto Cervantes. Damasco “Todo Cuanto Amé Formaba Parte de Ti”. Instituto Cervantes. Dublín “Beauty and Sadnes”.Galeria Torreao Nascente da Cordoaria Nacional. Lisboa “Beauty and Sadnes”.Industrie-und Handelskammer. Frankfurt am Main “Imágenes Mágicas”. Sala Puerta Nueva. Córdoba “Prix Altadis. Arts Plastiques 2006-07”. Cosmic Galerie. París “Cuentos Digitales”. CGAC. Santiago de Compostela ARCO’07. Galería Espacio Mínimo. Madrid “15 Años Tiene Mi Amor”. Galería Espacio Mínimo. Madrid

2006

Prix Altadis. Arts Plastiques 2006-07. MK2 Bibliothèque. París Art Beijing 2006. Galería Espacio Mínimo. Beijing Las Fronteras del Género. Centro de Historia. Zaragoza VOLTAshow02. Galería Espacio Mínimo. Basilea “Dibujando el Revés”. Centro Cultural Montehermoso. Vitoria FOROSUR 2006. Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo. Galería Espacio Mínimo.Cáceres “Catarsis”. ARTIUM. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Vitoria CIGE2006. Chinese International Gallery Exhibition. Galería Espacio Mínimo. Beijing “Generación 2006”.Premios y Becas de Caja Madrid La Casa Encendida. Madrid Sala de Exposiciones del Mercado del Este. Santander Espai Cultural de Caja Madrid. Barcelona Sala de las Atarazanas. Valencia Sala Santa Inés. Sevilla ARCO’06. Galería Espacio Mínimo. Madrid

2005

“El Puente de la Visión”. Museo de Bellas Artes. Santander “Sesiones Animadas”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid “Sesiones Animadas”. CAAM. Centro Atlántico de Arte Moderno. Gran Canaria “VOLTAshow01”. Galería Espacio Mínimo. Basilea FOROSUR 2005. Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo. Galería Espacio Mínimo. Cáceres “Animation Adventure: Animación en la Colección MUSAC”. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León ARCO’05. Galería Espacio Mínimo. Madrid LUB. Los otros placeres. Programa de vídeo para LOOP. Barcelona

2004

FRIEZE ART FAIR. Galería Espacio Mínimo. Londres Muestra Premios Videocreación y Formatos Digitales Caixa Galicia. Centro ON. A Coruña “Arquitectura Efímera”. MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León FOROSUR 2004 Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo. Galería Espacio Mínimo. Cáceres Bad Boys. MARCO. Museo de Arte Contemporáneo. Vigo “ARCO’04”. Galería Espacio Mínimo. Madrid “Itinerarios”. Fundación Marcelino Botín. Santander “Nuevas Adquisiciones. Museo ARTIUM. Vitoria “ArteSantander 2004”. Galería Espacio Mínimo. Santander ART BASEL MIAMI BEACH 2004. Galería Espacio Mínimo. Miami

110

2003

“Revolving Door. Chanbers Fine Art. New York “Programm mit computergenerierten Kurzfilmer eon Künstlern und Filmemachern: The Serious “Section. Wilhelm Lehmbruck Museum. Duisburg “Bad Boys. Fontego dei Tedeschi (Posta). 50 Edición de la Bienal de Venecia. Venecia ;Centro Cultural Español en Santiago de Chile. Bienal de la Imagen. Santiago de Chile; Centro Cultural Español en San José; Centro Cultural Español en México D.F. ; Centro Cultural Español en Montevideo ARCO’03. Galería Espacio Mínimo. Madrid “Monocanal. Vídeo: 1996-2002”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ; CGAC, Santiago de Compostela ; Casa Díaz Cassou. Murcia ; Museo Patio Herreriano. Valladolid ; Koldo Mitxelena; Kulturunea. San Sebastián ; Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo. Gijón ; Centre D'Art Santa Mónica. Barcelona ART CHICAGO 2003. Galería Espacio Mínimo. Chicago ARTISSIMA 2003. Galería Espacio Mínimo.Turín SAN FRANCISCO INTERNATIONAL ART EXPOSITION 2003. Galería Espacio Mínimo. San Francisco OPEN STUDIO International Studio & Curatorial Program. New York.

2002

ART MIAMI 2002. Galería Espacio Mínimo. Miami “Trans Sexual Express Budapest 2002”. Mücsarnok Kunsthalle, Budapest ARCO’02. Galería Espacio Mínimo. Madrid “Maquin@rte”. Arte y Música Electrónica. Auditorio de Cáceres “Trans Sexual Express A Coruña 2002”. Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco Alfonso. A Coruña “Art Night at Cervantes. Muestra de Vídeo Español Contemporáneo”. Instituto Cervantes de Chicago ART CHICAGO 2002. Galería Espacio Mínimo. Chicago 17 Festival Audiovisual de Vitoria-Gasteiz. Centro Cultural Montehermoso. Vitoria XXXIX Certamen Internacional de Artes Plásticas de Pollença. Convent de Sant Domingo. Pollença, Mallorca FOROSUR 2002. Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo. Galería Espacio Mínimo. Cáceres ARTISSIMA 2002. Galería Espacio Mínimo.Turín FFWD Miami 2002. Galería Espacio Mínimo. Miami ART BASEL MIAMI BEACH 2002. Galería Espacio Mínimo. Miami SAN FRANCISCO INTERNATIONAL ART EXPOSITION 2002. Galería Espacio Mínimo. San Francisco Joyas de la Colección Ordóñez Falcón. Sala Kubo. Kursaal. San Sebastián

2001

“Crías del Polvo”. Centro Cultural Caja Cantabria. Santander “Proyecto Arte y Electricidad”, un proyecto de FRDZ producido por Arteleku con la colaboración de Gobierno Vasco e Injuve, “Presentación del proyecto Arte y Electricidad y del ciclo de vídeo A&E”. Festival de Elektronikaldia. “Festival de música electrónica de Donostia”. Ed. Kursaal. Septiembre, 2001 “Presentación del proyecto Arte y Electricidad y del ciclo de vídeo A&E. Mediateca de la Caixa. Sept. 2001. Barcelona. Festival Audiovisual de Navarra. Mención especial sección "Cd-rom y Net art" Nov. 2001. Pamplona. Presentación del proyecto Arte y Electricidad". Galería Trayecto. 12 Julio 2001. Vitoria-Gasteiz “Presentación del proyecto Arte y Electricidad y del ciclo de vídeo A&E”. Sala “Amadís (Injuve)”, Enero-Febrero 2001. Madrid. “Cyberia 02. Villa Iris”. Fundación Marcelino Botín. Santander. ART CHICAGO 2001. Galería Espacio Mínimo. Chicago SAN FRANCISCO INTERNATIONAL ART EXPOSITION 2001. Galería Espacio Mínimo. San Francisco ART MIAMI 2001. Galería Espacio Mínimo. Miami ARTISSIMA 2001. Muestra Video d'Artista / Art Videos.Turín

1999

“Trans Sexual Express”. Bilbao Arte, Bilbao “Trans Sexual Express”. Antiguo Instituto Jovellanos, Gijón

111

MARINA NÚÑEZ Biografía. Marina Núñez (Palencia, 1966). ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía, La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el DA2 de Salamanca, la Casa de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac en León, el Centre del Carme en Valencia, la Sala Rekalde en Bilbao o el Patio Herreriano en Valladolid. En cuanto a las exposiciones colectivas, se pueden destacar “Transgenéric@s” (1998, Koldo Mitxelena Kulturnea, San Sebastián), “La realidad y el deseo” (1999, Fundación Miró, Barcelona), “Zona F” (2000, Espai d´Art Contemporani de Castelló), “I Bienal Internacional de Arte” (2000, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires), “Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo” (2001, Antichi Granei, Giudecca, 49ª Bienal de Venecia), “Big Sur. Neue Spanische Kunst” (2002, Hamburger Banhof, Berlín), “Pain; passion, compassion, sensibility” (2004, Science Museum, Londres), “Posthumous choreographies” (2005, White Box, Nueva York), “Identidades críticas” (2006, Museo Patio Herreriano, Valladolid), “Pintura mutante” (2007, MARCO, museo de Vigo), “Banquete (nodos y redes)” (2009, Laboral, Gijón, y 2010, ZKM, Karlsruhe, Alemania), “Skin”, Wellcome Collection, Londres (2010). Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que se encuentran el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MNCARS, el Artium de Vitoria, el MUSAC de León, el Patio Herreriano de Valladolid, el TEA de Tenerife, la Fundación “La Caixa”, o la Corcoran Gallery of Art, Washington, DC. Actualmente reside entre Madrid y Pontevedra, y es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo.

CV Exposiciones individuales 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española” Instituto Cervantes, Tokyo

2012

“El infierno son nosotros”, Capilla del Museo Patio Herreriano, Valladolid. “Worlds inside”, app para iphone y ipad desarrollada para el Centre d´Art La Panera, Lleida. “Creación”, galería Espacio Marzana, Bilbao.

2011

“Tapar para ver o ‘el ojo vago’”, Sala Rekalde, Bilbao. “Poéticas de la destrucción”, Factoría Compostela, Santiago de Compostela. “Organismo”, Centro Niemeyer, Avilés (proyecto “1812-2012, Una mirada contemporánea”).

2010

“Cuarta pared”, Fundación Díaz Caneja, Palencia. “Ocaso”, Centro Torrente Ballester, Ferrol. “Demasiado mundo”, Centre del Carme, Valencia. “Canon”, galeria Nuble, Santander. “Mutaciones”, Instituto Cervantes, Sao Paulo. “Informe”, galería Isabel Hurley, Málaga.

2009

“Fin”, MUSAC, León. “Retratos”, Universidad de Jaén. Centro Puertas de Castilla, Murcia

2008

“Puertas oscuras”, Centre d´ Art La Panera, Lleida. Observatorio del Arte, Arnuero, Cantabria. “Luz y tinieblas”, Claustro Bajo de la Catedral de Burgos. “Error”·, El Tanque, Tenerife. Galería Salvador Díaz, Madrid.

2007

“Ojos rojos”, galería Alejandro Sales, Barcelona. “Reflejo”, galería C5 Colección, Santiago de Compostela. “Marina Núñez. Red”, Ca L´Arenas Centre d´Art, Museu de Mataró. Galería Espacio Marzana, Bilbao.

2006

“En la red”, Instituto Cervantes, París. Galería Cubo Azul, León. “En la red”, Instituto Cervantes, Viena. Galería Salvador Díaz, Madrid.

112

2005

“Espais d´Intersecció, Fundación La Caixa, Lleida. “Natural”, MUVa, Museo de la Universidad de Valladolid

2004

Galería Salvador Díaz, Madrid. “Continente sonámbulo”, Casa de América, Madrid. “Subsuelo”, Casal Solleric, Espai Quatre, Palma de Mallorca. “Ícaros”, Escuela de Arte y Paraninfo de la Universidad, Zaragoza.

2003

Galería Alejandro Sales, Barcelona. Galería T20, Murcia.

2002

“Antimateria”, Salas Seguros Pelayo. “Marina Núñez”, Centro de Arte de Salamanca. Galería Mimmo Scognamiglio y Museo Cappella Sansevero, Nápoles.

2001

Galería Salvador Díaz, Madrid. Fundación Espais, Girona. El Roser, Ayuntamiento de Lleida. “Abducidas” (con Mercedes Carbonell), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla. “Carne”, Sala de Verónicas, Murcia.

2000

Galería Alessandro Seno, Milán. Fundación “Ramón J. Sénder”, UNED, Barbastro. Sala Juana Francés, Ayuntamiento de Zaragoza. Fundación Pilar y Joan Miró, Palma de Mallorca. Galería Tomás March, Valencia.

1999

Galería Alejandro Sales, Barcelona

1998

Galería Alejandro Sales, Barcelona. La Gallera, Generalitat valenciana, Valencia.

1997

Palacio de Abrantes, Universidad de Salamanca. Galería Pascal Polar, Bruselas. Galería Fúcares, Almagro. John Berggruen Gallery, San Francisco. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Espacio Uno.

1996

Galería Buades, Madrid. Abbaye de Maubuisson. Centre d´Art d´Herblay, Paris. Galería OMR, México D.F. Centro de Arte Contemporáneo La Fábrica, Abarca, Palencia Sala Carlos III, Universidad Pública de Navarra, Pamplona.

1995

Hof en Huyser Galerie, Amsterdam

1994

Galería Espacio Mínimo, Murcia.

1993

Sala José Mª Fernández, de Unicaja, Málaga. Galería Buades, Madrid

Exposiciones colectivas (selección) 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española” Instituto Cervantes, Tokyo “Arte Móvil”, Centre d´Art la Panera, Lleida, y Arts Santa Mónica, Barcelona. “Arte y religiosidad”, IVAM, Valencia.* “Diálogos. Colección DKV- Colección Arte Contemporáneo”, Museo Patio Herreriano, Valladolid.* “Dejar el cuerpo”, Sociedad Cervantina, Madrid. “In-out house. Circuitos de género y violencia en la era tecnológica”, Sala X, Campus de Pontevedra.* “En plenas facultades”, Museo de Pontevedra. “Monstruo. Historias, promesas y derivas”, Fundación Chirivella Soriano, Valencia.

113

2012

“Contextos en desuso. Estrategias para habitar el espacio del otro”, Centre d´Art La Panera, Lleida. “Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI”, Red Itiner de la Comunidad de Madrid. “¿En qué estás?”, Casa Encendida, Madrid. “100 años en femenino”, Centro Cultural Conde Duque, Madrid. “Desnudando a Eva”, AECID en Budapest, Instituto Cervantes de Pekín. “Las fisuras del tiempo”, Circuito de Artes Visuales de la Comunidad de Murcia. VIVA vital international video art, CaixaForum Madrid. “Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010″, Musac, León. “In-out house. Circuitos de género y violencia en la era tecnológica”, Universidad de Valencia. “Un raro visitante”, Twin Gallery, Madrid. “Alma de entraña”, Artium, Vitoria. “Nulla dies sine linea”, Crypt Gallery, London.

2011

“San Sebastián. De lo sagrado y lo profano. Un imaginario contemporáneo”, Kutxa Kubo, San Sebastián. “Desnudando a Eva”, Institutos Cervantes de Berlín, Cracovia, Bucarest, Cracovia y Varsovia. “El arte del desnudo”, Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada, Madrid. “Sueños y sombras”, Centro Cultural Galileo, Madrid. “Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI”, Fundación Caja Vital, Vitoria. “Casus belli + Refutación do contexto”, Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela. “Video(S)torias”, Artium, Vitoria. “Mundo aparte. Nuevo videoclip español”, Institutos Cervantes de de Tetuán, Estocolmo, Brasil, Cracovia y Belgrado. “Nulla dies sine linea”, Instituto Cervantes de Chicago, Biblioteca Nacional de Portugal, Lisboa. “Constelación 1″, Sala Fonseca, Salamanca. “Paral-lels”, Museu d´Art Jaume Morera, Lleida. “Olor color”, Arts Santa Mónica, Barcelona. “Drawing in relation”, DNA Galerie, Berlin. “La imagen pensativa: 15 miradas al videoarte”, Centro Puertas de Castilla, Murcia. “Figuras de la exclusión”. Museo Patio Herreriano, Valladolid. “Alchemy”, Microwave International New Media Arts Festival, Hong Kong Film Archive, China.

2010

“Contra natura. 10a Bienal Martínez Guerricabeitia”, Museo de la Ciudad de Valencia. “Gabinete artístico. Colección de arte contemporáneo Los Bragales”, Palacio de Sastago, Zaragoza. “Arte e solidariedade”, Hostal dos Reis Católicos, Santiago de Compostela. “Libertad Igualdad Fraternidad”, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria. “Skin”, Wellcolme Collection, Londres. “Desnudando a Eva”, Institutos Cervantes de Belgrado y Praga. “Nulla dies sine linea”, Freies Mueum Berlín, Gallery Sangsangmadang, Seoul. “Open This End”, World Expo Shanghai 2010, The Air Tree, Madrid Pavilion. “Humanos”, Centro de Arte de Alcobendas, Madrid.

2009

“Creadoras del siglo XX”, Museo de la Pasión, Valladolid; Caja Duero, Salamanca. “Banquet: nodes and networks”, ZKM, Karlsruhe, Alemania. “El ego alterado”, Centre d´Art Torre Muntadas, El Prat de Llobregat. “La feminidad craquelada”, Centro de las Artes de Sevilla. “Encontros da imagen 09: fronteiras do género”, Monasterio de Tibaes, Braga, Portugal. “Vídeo abierto”, Auditorio Víctor Villegas, Murcia. “Enlaces +Cuatro”, Museo Patio Herreriano, Valladolid. “Huésped. Colección MUSAC”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Museo Nacional de Rosario, Argentina. “Diálogos”, Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria. “Libertad Igualdad Fraternidad”, La Lonja, Zaragoza; Sala Alcalá 31, Madrid; Centro Huarte, Navarra. “Mundo aparte. Nuevo videoclip español”, Instituto Cervantes de Dublín. “Tiempo suspendido”, Domus Artium 2, Salamanca. “El tiempo que venga”, Artium, Vitoria. “Disparos sobre blanco”, Arteleku, San Sabastián. “Mirant des de fora”, Espai Ubú, Barcelona.

2008

“8 vídeos para marzo”, CAB, Burgos. “Fallen angels”, Domus Artium 2, Salamanca. “Banquete: nodos y redes”, Laboral, Gijón. “New spanish art. The medium is not the message”, Queen Sofia Spanish Institute, New York. “Horizontes”, Centro de las Artes de Sevilla. “Mujeres artistas en el siglo XX”, Fundación Caixanova, Pontevedra. “La colección. Figuras reclinadas, cuerpos tumbados”, TEA, Tenerife.

114

2007

“La feminidad craquelada”, Sala Alameda, Málaga. “Ojos de mar”, IVAM, Valencia. “Disparos eléctricos”, Centro Cultural Montehermoso, Vitoria. “Utopías cotidianas”, Centrale Électrique de Bruselas. “Existencias”, MUSAC, León. “Afinidades selectivas”, Casa Galega da Cultura, Vigo. “Fisuras del tiempo”, Centro de las Artes de Sevilla. “Galería Buades, 1973-2003”, Museo Patio Herreriano, Valladolid.

2006

“Identidades críticas”, Patio Herreriano, Valladolid. “5ª biennal d´art Leandre Cristòfol”, La Panera, LLeida. “La visión impura”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. “Catarsis. Rituales de purificación”, Artium, Vitoria. “Escenografías simuladas”, Chiesa di Santa Eulalia dei Catalani, Palermo, e Instituto Cervantes, Estocolmo. “Pintura mutante”, MARCO, Vigo. “Ayermañana”, Centro Cultural Aguirre, Cuenca. “Sight/Insight: Contemporary Photography from the Heather and Tony Podesta Collection”, Corcoran Gallery of Art, Washington D.C. “Videoart, una visió actual”, Sala d´Art Caixa Manlleu, Vic.

2005

“La costilla maldita”, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria. “Rostros. El retrato en el umbral del siglo XXI”, Centro Cultural Caixanova, Vigo, y Pabellón de Mixtos de la Ciudadela de Pamplona. “Emergencias”, MUSAC. León. “The beauty of darkness”, sótanos románicos de Puerta Cinegia, Ayuntamiento de Zaragoza. “Posthumous choreographies”, White Box, Nueva York. “El barco del arte”, exposición en contenedores portuarios, Bilbao. “Dual. Tránsitos y cruces por la historia del arte”, Centre d´Art la Panera, Lleida. “Reflejos”, galería Alejandro Sales, Barcelona. “Identidades críticas”, Sala Puertanueva, Córdoba.

2004

“Galería Buades, de 1973 a 2004”, Instituto Cervantes, Roma. “Arte termita contra elefante blanco. Comportamientos actuales del dibujo”, Museo Colecciones ICO, Madrid. “Pain; passion, compassion, sensibility”, Science Museum, London. “Arquitecturas efímeras”, exposición en DVD, MUSAC, León. “Labios de Penélope”, Galería c5 colección, Santiago de Compostela. “Arte y ciencia”, Círculo de Bellas Artes, Madrid “Dalímitar”, Museu Empordà, Figueras, y Museu d´Art Jaume Morera, Lleida. “Goya+España”, Centre Sperimentale per le Arti Contemporanea, Caraglio, Cuneo. “Monstruos, fantasmas y alienígenas. Poéticas de la representación de la cibersociedad”, Fundación Telefónica, Madrid.

2003

“Las tentaciones de San Antonio”, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria. “Imágenes de mujer en la plástica española del siglo XX”, Museo Pablo Serrano, Zaragoza. “Espacios y Modos. Más allá de los límites”, Edificio Miller, Ayuntamiento de Las Palmas. “¡Vete a tu habitación!”, La Casa Encendida, Madrid. “03 Villafranca Contemporáneo “, Galería Palma Dotze, Villafranca del Penedes. “La mirada a estratos”, Museo de Zamora. “Frágiles”, Galería Espacio Líquido, Gijón. “Nuevas cartografías de Madrid”, La Casa Encendida, Madrid. “Punto de encuentro”, CAB, Burgos. “Libert@ d expresión.es, 25 aniversario de la Constitución Española”, Museo de la Beneficencia, Valencia. “Museo de Museos”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. “Bienal de Pintura”, Väsby Konsthall, Estocolmo.

2002

“Identitat Condicionada”, El Roser, Lleida. “Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo”, Palacio de Abrantes, Universidad de Salamanca, y Museum Küppersmühle Sammlung Grothe , Duisburg, Alemania. “Provisión de desvelos y vigilias”, Pazo da Cultura de Pontevedra. “Paisajes del Cuerpo”, Sala Zapatería, Ayuntamiento de Pamplona. “Big Sur. Neue Spanische Kunst”, Hamburger Banhof, Berlín. “Plural. El arte español ante el siglo XXI”, Palacio del Senado, Madrid. “Anita Lacirema”, La Casa Encendida, Madrid. “LocoLoca”, Galería Pecado Mirarte, Valencia. “Arte y enfermedades mentales”, Galería Lluciá Holms, Barcelona. “The last supper”, Castel Dell´Ovo, Nápoles.

115

2001

“El viaje”, Centro Cultural Español de Cooperación Iberoamericana, Miami, USA. “Keep your distance”, BizArt, Shanghai; Moris Gallery, Tokyo; exhibit space LIVE [laiv], Tokyo; LE CRÉDAC, Paris. “VIII Bienal de El Cairo”, Art Gallery Akenaton, El Cairo. “Agua y aceite”, Monasterio del Prado, Valladolid. “Young arte from Europe”, Fondazione Ado Furlan, Pordenone, Italia. “Itinerarios 1993-2000”, Academia de España en Roma. “Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo”, Pabellón Antichi Granei de la Giudecca, 49 edición de la Bienal de Venecia. “Arte español de los años 80 y 90 en las colecciones del MNCARS”, Galería de Arte Contemporáneo Zacheta, Varsovia. “Sex.Id.: None”, Galeríe De Miguel, Munich. “Media Ambiente”, IFEMA, Madrid. “Grandes arquitecturas pequeñas”, Galería Dasto, Oviedo. “Concienciarte; 6ª Bienal Martínez Guerricabeitia”, Reales Atarazanas de Valencia. “Ninfografías-Infomanías. Poéticas fotográficas en la era digital”, Centro Cultural del Conde-Duque, Madrid. “EsencialES”, Paraninfo de la Universidad de Zaragoza.

2000

“Zona F”, Espai d´Art Contemporani de Castelló. “Canal de Seducción”, Monasterio del Prado, Valladolid. “51 Premio Michetti”, Museo Michetti, Palacio San Domenico, Francavilla Al Mare, Pescara. “Keep your distance”, TADU Contemporary Art, Bangkok; Plastique Kinetic Worms Gallery, Singapore; Alliance Française, Singapore; National Art Gallery, Kuala Lumpur. “Alleviare irrefrenabili impulsi”, Collegio Fratelli Cairoli, Universidad de Pavia. “Propuesta en un fin de siglo”, Fundación Díaz Caneja, Palencia. “Talking Heads”, Comune de Padova. “Aprimi subito”, Galleria Estro, Padova. “Luces de Arte”, Palacete del embarcadero”, Santander.

1999

“Madrid- Berlín. Condiciones de Visibilidad”, Künstlerhaus Bethanien, Berlín. “Caminos”, Fundación Díaz Caneja de Palencia, Palacio del Marqués de Comillas, Museo Provincial de Lugo, Museo de Belas Artes da Coruña, Museo Barjola de Gijón. “La realidad y el deseo”, Fundación Miró, Barcelona. “6 pintores españoles de los 90”, Casas de la Cultura de España en Santiago de Chile, Lima, Quito, Caracas. “2ª Biennal d´art Leandre Cristofoll”, Sala El Roser, Lleida

1998

“Arte 2000 en Castilla y León”, Centro de Recursos Culturales de la Comunidad de Madrid (Plaza de España), Madrid; Museo de Transportes y Comunicaciones, Oporto; Instituto Cervantes, París. “Espacio Uno. Un Espacio”, Fundación Botín, Villa Iris, Santander. “Madrid- Berlín. Condiciones de Visibilidad”, Centro Cultural del Conde- Duque, Madrid. “Sassi per Duty”, Galería Alessandro Seno, Milán. “Transgenéric@s”, Koldo Mitkelena Kulturnea, San Sebastián.

1997

“Miradas”, Facultad de Bellas Artes, Cuenca. “Itinerarios” (becarios de la Fundación Botín 97), Fundación Botín, Santander. “Fénix”, Galería Tabea Langenkamp, Düsseldorf.

1996

“Charcuterías”, Galería Buades, Madrid. “Ricas y Famosas”, Sala de Armas, Pamplona, Casas del Aguila y la Parra, Santillana del Mar, Cantabria, y Casal Solleric, Palma de Mallorca. “Viaje sin Retorno”, Casas del Aguila y la Parra, Santillana del Mar, Cantabria. “Arte Primitivo, Arte Contemporáneo”, Museo Municipal, Beranga y Casa de Cultura, Potes, Cantabria. “VII Bienal Nacional de Arte Ciudad de Oviedo”, Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo.

1995

“Territorios Indefinidos”, Museo de Arte Contemporáneo, Elche. “4×4″, Casa de Cultura Okendo, San Sebastián. “Don Tancredo o el juego con la muerte”, Galería Buades, Madrid. “Meridiano”, Centro de Recursos Culturales de la Comunidad de Madrid (Plaza de España), Madrid. “Territorios Indefinidos” (2), Galería Luis Adelantado, Valencia. “Figuraciones tuyas”, Galería Trayecto, Vitoria.

1994

“Festival de Pintura”. Fundación El Monte, Sevilla. “Confrontaciones. Los entornos de la imagen”. Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid. 1992- “Carta Blanca”. Centro Cultural Provincial, Palencia. “Circuitos”. Centro de Recursos Culturales de la Comunidad de Madrid, Madrid.

1993

Sala José Mª Fernández, de Unicaja, Málaga. Galería Buades, Madrid

1989

“Muestra de Arte Joven 1989″. Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid. “Germinations 5″, Bienal Europea de Jovenes Artistas. Lyon (ELAC), Bonn (Frauenmuseum), Breda (De Beyerd), Glasgow.

116

RUTH GÓMEZ Biografía. Ruth Gómez (Valladolid, 1976) es licenciada en BBAA por la Universidad de Salamanca. Conocida por sus videocreaciones en animación, muchas de ellas desarrolladas también como videopinturas, y también por sus dibujos digitales o a lápiz y sus murales e instalaciones, el trabajo de Ruth Gómez incide, desde la cercanía y la cotidianidad, en diferentes aspectos de la condición humana dentro de la sociedad contemporánea, abriendo la puerta a la posibilidad de escape o evasión a través de la fantasía. Rasgos de la cultura juvenil, como el graffiti o el animé japonés, el uso distintivo y significante del color y cierta renovación de tradiciones del arte pop pero también del dibujo clásico la han convertido en una de las artistas nacionales de referencia. Ha participado en ferias internacionales como Art Fiera (Bolonia), Art Dubai, Art Lisboa, Art Cologne (Palma de Mallorca), Sp Arte (Sao Paulo), The Armory Show (Nueva York) o ARCO (Madrid). Sus vídeos y dibujos se han mostrado en museos como el MUSAC (León), DA2 (Salamanca), CAC (Málaga), CAAC (Sevilla), CAB (Burgos), ARTIUM (Vitoria), MNBA (Buenos Aires), San Diego Museum of Art o MOCA (Seúl) entre otros. Ha colaborado con el Museo Guggenheim de Bilbao, realizado un videoclip para el grupo Fangoria, y participado en festivales como el SFIAF (San Francisco), PARALLAX (Belgrado) o el FIBart (Benicássim). Ha sido galardonada con el premio de Artes Plásticas de la Cámara de Comercio de España en Francia, becada por el Ministerio de Cultura en el Colegio de España en París, MUSAC y otras, y está presente en colecciones como las de la Fundación CocaCola, MUSAC (León), MAS (Santander), ARTIUM (Vitoria) o CAC (Málaga) entre otras, Vive y trabaja en Madrid. (Guillermo Espinosa)

CV Exposiciones individuales 2013

“El comienzo”. Frágil. Madrid “Dos años antes… “Centro de Arte Alcobendas. Madrid / Starting Over. Galería Mário Sequeira. Braga

2012

“Courage”. Jozsa Gallery. Bruselas.

2011

“Estampida”. Espacio Marzana. Bilbao.

2010

“El puente de la visión”. MAS, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria. Santander.

2009

“Las ilusiones fantásticas”. Galería Oliva Arauna. Madrid.

2008

“Trío”. The Black Pillar. Madrid.

2007

“Special effects”. Galería Mário Sequeira. Braga.

2006

“Ruth, made in Musac”. Espacio 5. CAC, Museo de Arte Contemporáneo. Málaga / Animales de compañía. Sala CAI Luzán. Zaragoza

2005

“Animales de compañía”. Galería Oliva Arauna. Madrid.

Exposiciones colectivas 2013

“Café. Una Historia de la Animación Española”. Instituto Cervantes, Tokyo ARCOmadrid 2013. Galería Mário Sequeira. Madrid “News, event & friends… homenaje a Walter Hopps”. La New Gallery. Madrid “Trayectorias: diez años de vídeo y fotografía en la colección Coca-Cola”. Museo de Cáceres “Creadores transfronterizos”. Sala de las Francesas. Valladolid Open Studio. Madrid.

117

2012

“Tú y moi”. Espace Cinko. París “Lighthouse”. Intervenciones ARCOmadrid 2012. Escaparates de El Corte Inglés. Madrid 5… Anniversary exhibition. Jozsa Gallery. Bruselas “¿En qué estás?”. 1º Festival Miradas de Mujeres. La Casa Encendida. Madrid “Historias Fragmentadas. Jugada a tres bandas”. Galería Liebre. Madrid “Brussels Gallery Nigth”. Art Brussels. Jozsa Gallery. Bruselas “VIVA, Vital Internacional Video Art”. CaixaForum. Madrid “Arte y videoclip. Proyectos en la intersección”. Primavera sound, SCREEN Festival y LOOP fair. Hotel Zero. Barcelona “¡Se mueve!.” ESTAMPA. Espacio Marzana. Madrid “That Obscure Object of Desire”. ART MOSCOW. Moscú “Rebobinar. Compact Cassette set. IV” Edición Festival Desvel-arte 2012. Santander “Trayectorias: diez años de vídeo y fotografía en la colección Coca-Cola”. MEIAC, Badajoz “Grey Flag”. ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Vitoria-Gasteiz.

2011

“Naturalia part 2”. Jozsa Gallery. Bruselas “Diez años de Fotografía Española Contemporánea”. Fundación Coca-Cola e Instituto Cervantes. Sao Paulo. Río de Janeiro. Brasilia y Salvador de Bahía “Expanding Drawing”. Espacio Atlántico. Galería Mário Sequeira. Vigo “Art Gwangju”. Stand ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Gwangju “Noche de luna llena”. Museo Antonio Machado. Segovia “Travesía”. MAS, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria “Espacio 5” CAC, Museo de Arte Contemporáneo. Málaga “Video(s)torias”. ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Vitoria-Gasteiz “Arte en Papel”. 1º Festival Internacional de Arte Gráfico. Cuenca “Cómplices de futuro”. Centro de Arte Alcobendas. Madrid “VIVA, Vital Internacional Video Art. Nits de Deshielo i Art 14th edition. Valencia / Puertas abiertas de los estudios. Maison Internationale. Cité Internationale Universitaire. París / Proyecto Sala 4. Abc y Museo Abc del dibujo. Madrid.

2010

VIVA at MOCA. National Museum of Contemporary Art. Seúl SFIAF. San Francisco International Animation Festival. California ARCOmadrid 2010. Galería Oliva Arauna. Madrid “The Armory Show”. Galería Oliva Arauna. Nueva York “Merrie melodies”. DA2, Museo Domus Artium. Salamanca “Estancias, residencias, presencias”. TEA, Tenerife Espacio de arte. Tenerife “Archivo documental de artistas de Castilla y León”. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León “Archivo de creadores”. Centro de Arte Matadero. Madrid.

2009

“Centros españoles para el Arte Contemporáneo: continente y contenido”. Biblioteca Miguel de Cervantes. Shanghai “Huésped”. Colección MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León “MNBA” Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires y MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario “SP ARTE”. Sao Paulo, ARCO’09 Madrid. Galería Mário Sequeira “Modern Starts”. Arte Contemporáneo en la colección Circa XX de Pilar Citoler. Córdoba “Sabor e arte”. PALEXCO, Palacio de exposiciones y congresos de A Coruña “Pretecnologías”. Foro internacional de Art Tech Media. Córdoba “Animated Painting”. Grinnell Collage. Iowa y CECUT, Centro Cultural Tijuana.

2008

“Celluloid dreams”. The Eagle theater. Nueva York. EE. UU. “Uno + Uno”, Multitud. Doméstico. Madrid “SH SHANGHAI, ART FIERA” Bolonia, ART DUBAI, SP ARTE Sao Paulo. Galería Mário Sequeira ARCO’08. Galería Oliva Arauna y Galería Mário Sequeira. Madrid EXPO ZARAGOZA. Espacio MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Zaragoza “Ver la Pintura”. DA2, Museo Domus Artium. Salamanca / 8 vídeos para Marzo. Centro de arte CAB. Burgos “No Future”. Artbus. Nueva York.

2007

PARALLAX. A View from a Different Angle, New Visual Tendencies Festival. Belgrado “Outsourcing”. Artbus. Nueva York “Planes Futuros”. Arte Español de los 2000. Baluarte, Centro de Conferencias y Auditorio de Pamplona “Animated Painting”. San Diego Museum of Art “Existencias”. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León “Geopolíticas de la Animación”. CAAC, Centro de Arte. Sevilla “FIBart”, Festival Internacional de Benicássim “Play & Stay + Stop” & Go. Ibiza ART COLOGNE. Galería Mário Sequeira. Palma de Mallorca “Contos Dixitais”. CGAC, Centro Galego de Arte Contemporánea. Santiago de Compostela “La movida, nuevos creadores”. Círculo de Bellas Artes. Madrid ARCO’07. Galería Oliva Arauna y Galería Mário Sequeira. Madrid “Historias Animadas”. Fundación La Caixa. Palma de Mallorca “El ojo que ves”. Palacio de la Merced. Córdoba / No hay arte sin obsesión. Fundación Antonio Pérez, Cuenca y Fundación Caixa Galicia, Ferrol.

118

2006

“Historias animadas”. Caixa Forum, Barcelona; Sala Rekalde, Bilbao; Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains. Tourcoing “Peekskill Proyect. HVCCA”, Hudson Valley Center for Contemporary Art. Nueva York ARTE LISBOA. Galería Mário Sequeira “Videomix, Dibujos en Vídeo”. La Casa Encendida. Madrid Pasarela Cibeles. Stand revista Glamour. Madrid ARCO’06. Galería Oliva Arauna y Artbus. Madrid “Cápsulas”. Festival de cine de Málaga Landscape of current latin – American Art. Colección CAC, Museo de Arte Contemporáneo de Málaga; Instituto Cervantes. Milán FIBart, Festival Internacional de Benicássim.

2005

ARCO’05. Galería Oliva Arauna. Madrid Emergencias. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León Cápsulas. Festival de cine de Málaga Otros Mundos Pop. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. León Animation Adventure. MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

2004

Colectiva de inauguración. Galería Oliva Arauna. Madrid “Arquitectura Efímera”. Videoclip para el grupo Fangoria

119

VICENTE BLANCO Biografía. Los video-collages de Vicente Blanco (Santiago de Compostela, 1974), se caracterizan por la descontextualización de personajes sobre fotografías de amplios espacios, logrando crear una atmósfera de distancia con el espectador que, unido a la falta de argumento de sus proyecciones consiguen que este “cree sus propias historias”. Sus creaciones, inspiradas en la estética pop de la Guerra Fría, intercalan técnicas como el dibujo, la fotografía, el collage y la animación con los referentes cinematográficos y de publicidad del siglo pasado. Con el paso del tiempo, las familiares imágenes de los años cincuenta y sesenta en Estados Unidos permiten señalar la evolución de la sociedad capitalista, saturada por el consumo y el deseo constante de recibir nuevos estímulos, una sensación que ayuda a ser creada gracias a la proyección en loop de las obras. Otro tema habitual en la obra de Blanco es el problema del desarrollo de una identidad propia en un mundo dominado por la cultura de masas, algo que le sirve para desarrollar su defensa de lo individual y lo artesanal desde multitud de perspectivas. Sus fotografías tomadas entre Lugo y Berlín no son escenarios casuales si no marco ideológico para todas sus creaciones. Blanco fue elegido ganador del I Premio Estampa Comunidad de Madrid (2008)) y del IV Premio Internacional de Artes Plásticas de la Fundación María José Jove (2010). Desde su primera exposición en 1995, este artista ha participado en multitud de proyectos y muestras colectivas entre las que destacan Monocanal, organizada en el Museo Centro de Arte Reina Sofía , MNCARS (2003), Región 0, The Latino Video Art Festival of New York, celebrada en el Centro Juan Carlos I de la Universidad de Nueva York (2011) y posteriormente en el Museo de Arte Contemporáneo de Lugo, MARCO (2012) o en The Real Marvelous en el museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC.

CV Exposiciones individuales 2009

“Contrato para paisaje”, Galerie van der Mieden, Amberes

2006

“Otra vez algo nuevo”, Galería Elba Benítez, Madrid “The Proll Thing”. 16 proyectos de arte español, ARCO’ 06, Madrid

2004

“Alguna vez pasa cuando estáis dormidos” Espacio Uno, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

2003

“Lo que se espera de nosotros”, CGAC, Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela

2002

“Oh, oh, oh, oh yeah!”, Galería Marisa Marimón, Ourense

2001

“Transeuropa Xpress, Bratislava en dos segundos”, Ciclo Miradas Vírgenes, Centro Torrente Ballester, Ferrol,

2000

“La familia”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Espacio Uno. Madrid. España.

1999

“La Casa feliz” . Galería Casa Triangulo. Sao Paulo. Brasil

1998

“Luces de artificio”, Galería Sargadelos, Santiago de Compostela

Exposiciones colectivas (selección) 2013

“Café. Una Historia de la ANimación Española”. Instituto Cervantes, Tokyo.

2011

“Colección III”, Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid “Región 0. The Latino Video Art Festival”. Centro Rey Juan Carlos I, Nueva York. “Big Screen Proyect”, Nueva York

2010

“89 Km”, MARCO, Vigo “Art Amsterdam”, Galerie van der Mieden, Amsterdam “Bienal de Arte Fundación María José Jove, A Coruña “XXV años Muestra de Arte Injuve,” Antigua Fabrica de Tabacos, Circulo Bellas Artes, Madrid “Merrie Melodies (y otras 13 maneras de entender el dibujo) “DA2, Salamanca XXXI Salón de Otoño, Itinerante, Extremadura.

120

2009

“XV Película de Pel”, Galería Marisa Marimón “Hybrid Generations: Forms and Languages of Video-Art in Spain”, CIGE 2009, Stand Casa Asia, Pekín “Rencontres Internacionales”, Haus der Kulturen der Welt, Berlin / Auditorium Sabatini, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid “Realidades, expresiones, tramas. Arte en Galicia desde 1975”, Fundación Caixa Galicia, Pontevedra “Rexistros Abertos”, Museo Provincial, Lugo.

2008

“Rencontres Internationales” Paris/Berlin, Centre Pompidou, Beaux Arts, Paris “Exposición Becarios Endesa 9”, Museo de Teruel “Parangolé”, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Valladolid, España “Mixed Emotions”. Apuntes para una colección del siglo XXI DA2 - Domus Artium 2002, Salamanca “Miradas de hoy” Instituto Cervantes de Varsovia

2007

“Fantasmagoría Dibujo en Movimiento”, Fundación ICO, Madrid “Geopolíticas de la animación”, CAAC, Sevilla, MARCO, Vigo “El Puente de la visión”, Museo de Bellas Artes de Santander “Aquí y ahora”, Sala Alcalá, Madrid “Destino Santiago”, Instituto Cervantes Praga e Instituto Cervantes Berlin. “Existencias MUSAC” - Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Léon XLIV Certamen Internacional d’Arts Plàstiques de Pollença 2007. Museu de Pollença, Pollença “O debuxo por diante”, CGAC - Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela

2006

“¿Viva pintura!”, Hangar 7, Salzburgo, Austria “16 proyectos de arte español, espacio comisariado por Maria Corral”, ARCO’ 06, Madrid “Urbanitas”, MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Vigo, “Becas Unión Fenosa”, MACUF, A Coruña “Destino Santiago de Compostela”, Instituto Cervantes de Sofía, Bulgaria “XVI Certamen de Artes Plásticas de la UNED”, Madrid “Contos dixitais”, CGAC, Santiago de Compostela

2004

“Enlaces”. Museo Patio Herreriano de Valladolid, Valladolid, “Expoactual”. Galeria DV, San Sebastián, España “Quinzaine Hispanique”, Instituto Bossuet, Condom-enˆArmagnac, Touluse,

2003

“Monocanal”, MNCARS, Itinerante “Edición” Madrid, Palacio de las Tentaciones, Madrid, “Loop”‚OO. Art, Barcelona

2002

“Narrando espacios, tiempos, historias”. XXVII Bienal de Pontevedra, Pontevedra “Figuraciones: Arte civil, magicismos, espacios de fronteras”. Itinerante “Exposición Artistas nominados Francia-España”, Prix Altadis, Paris

2001

“Figuraciones”. Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, Madrid; Edificio Sarmiento, Museo de Pontevedra, Pontevedra, “Arte emergente”. Sociedad Estatal España Nuevo Milenio. Estación Marítima de A Coruña, A Coruña, España

2000

Transfer 2000-2001, CGAC, Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela; Palacio de Revillagigedo, Gijón; Sala Rekalde, Bilbao, España; Städtisches Museum Leverkusen Schlob Morsbroich; Willhelm Lehmbruck Museum Duisburg, Städtisches Museum Abteiberg Mönchengladbach; Gessellschft für Zeitgenössische Kunst, Essen, Alemania Bloody Nose, Main Gallery CGU, Los Ángeles, USA Waves, Festival de Vídeo de Los Ángeles, Los Ángeles, USA Generación 2000, Caja Madrid. Itinerante

1998

“Exposición taller de Ángel Bados y Txomin Badiola, Arteleku, San Sebastián; Centro Cultural Montehermoso, Vitoria, España SCHOOLARSHIPS AND PRIZES

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122

AGRADECIMIENTOS

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AGRADECIMIENTOS

Esta exposición ha sido posible gracias al Instituto Cervantes. Queremos agradecer especialmente al Instituto Cervantes de Japón, Tokio, a su director D. Antonio Gil de Carrasco y a su gestora cultural Da Teresa Iniesta, y transmitirlo a todo el personal de la institución, por su excelente trabajo, entusiasmo y eficaz labor de promoción del Arte y la Cultura en el exterior. Destacar el apoyo de la Embajada de España en Japón, concretamente la de su embajador, Excmo. Sr. D. Miguel Ángel Navarro Portera. A Da Romana Sadurska, por su colaboración inestimable. Agradecemos la participación de la Universidad de Castilla-La Mancha UCLM Por supuesto, nuestro más profundo y especial agradecimiento a los artistas: Abigail Lazkoz, Curro González, Enrique Marty, Eugenio Ampudia, Fernando Renes, Manu Arregui, Marina Núñez, Ruth González y Vicente Blanco por la generosa cesión para su exhibición de las magníficas obras de arte que forman parte de esta exposición. .

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animaci贸n

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animación

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Idea original del proyecto y de la exposición Cristina García- Lasuén