The Indian Queen
Temporada 2013-2014
Henry Purcell (1659-1695)
The Indian Queen
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The Indian Queen The Indian Queen (1695), semiópera en cinco actos y un prólogo con música de Henry Purcell y libreto de John Dryden Nueva versión de Peter Sellars
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Perm y la English National Opera de Londres
5, 7, 9, 10, 13, 15, 17, 19 de noviembre de 2013 20.00 horas; domingos, 18.00 horas
Ficha artística
The Indian Queen
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Director musical Director de escena Escenógrafo Figurinista Iluminador Coreógrafo Colaborador del director de escena Director del coro Asistente del director musical Asistente del escenógrafo Asistente de la figurinista Coordinadora de producción Recopilación y revisión musical Director del continuo
Teodor Currentzis Peter Sellars Gronk Dunya Ramicova James F. Ingalls Christopher Williams Robert Castro Vitaly Polonsky Maxim Emelyanychev Lawrence Mota Danielle Domingue Cath Brittan Ryan Dudenbostel Andrew Lawrence-King
Reparto Hunahpú Vince Yi
héroe maya / Dios gemelo
Teculihuatzin (Doña Luisa) Julia Bullock la reina indígena
Doña Isabel Nadine Koutcher
esposa de Don Pedrarias Dávila
Don Pedrarias Dávila Markus Brutscher
capitán general y gobernador de Tierra Firme
Don Pedro de Alvarado Noah Stewart conquistador
Ixbalanqué Christophe Dumaux
héroe maya / Dios gemelo
Sacerdote maya Luthando Qave Leonor Maritxell Carrero
hija de Teculihuatzin y Don Pedro de Alvarado
Dioses mayas Burr Johnson, Takemi Kitamura, Caitlin Scranton, Paul Singh Tecún Umán Christopher Williams jefe maya
Leonor Celine Peña niña
Coro y Orquesta de la Ópera de Perm (MusicAeterna)
Nueva versión de Peter Sellars Canciones e himnos de Henry Purcell, con textos de Katherine Philips, George Herbert y otros Textos hablados extraídos de la novela La niña blanca y los pájaros sin pies, de Rosario Aguilar (Traducción de Edward Waters Hood)
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Perm y la English National Opera de Londres Duración aproximada
Fechas
Retransmisión
Parte I: 1 hora y 40 min. Pausa de 25 min. Parte II: 1 hora y 25 min. 5, 7, 9, 10, 13, 15, 17, 19 de noviembre de 2013 20.00 horas; domingos, 18.00 horas La función del 19 será transmitida en directo por Radio Clásica, de Radio Nacional de España, la Unión Europea de Radiodifusión (UER) y Palco Digital
Exposición de los bocetos y cuadros de Gronk para la escenografía de The Indian Queen en la sexta planta
9 Ficha artística
The Indian Queen (1695), semiópera en cinco actos y un prólogo con música de Henry Purcell y libreto de John Dryden
The Indian Queen Primera parte Primera creación maya El origen de la Tierra Primer aire Danza de la rueda de los dioses The Indian Queen
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Segunda creación maya Asentamiento del hogar Segundo aire Danza del hogar Exaltación del Árbol del Mundo Tercera creación maya Primer aire Primer juego de pelota Segundo aire Segundo juego de pelota Cuarta creación maya Obertura Adagio Danza del sacrificio en el Otro Mundo Quinta creación maya Allegro Danza de la resurección del Otro Mundo Melodía Entrada de los soldados españoles
Prólogo “Wake, Teculihuatzin” Hunahpú “Why should men quarrel” Teculihuatzin “By ancient prophecies” Hunahpú “If these be they” Teculihuatzin, Hunahpú “Their looks are such” Hunahpú “If so your goodness” Teculihuatzin, Hunahpú Melodía Regreso de los soldados españoles
Acto I Escena 1 Doña Isabel en la selva “O solitude” Doña Isabel [Texto: Katherine Philips]*
Escena 2 Conversión de los mayas “I will sing unto the Lord as long as I live” Coro [Texto: Salmo 104:33-35]*
Escena 3 Las bodas de Don Pedro de Alvarado y Doña Luisa, “la reina indígena” “Blow up the trumpet” Coro [Texto: Joel 2:15-17]*
Escena 4 La noche de bodas “Él era mi Dios” “Sweeter than roses” Hunahpú
Acto II Escena 1 Los dioses mayas regresan y entran en los sueños de la pareja que duerme Sinfonía Entrada (Los dioses emergen del Otro Mundo) Canzona (La invasión de los sueños humanos) Adagio (Divino espejo de los amantes) Allegro (Danza de los dioses del fuego solar)
Escena 2 Los dioses le hablan a Teculihuatzin en un sueño: la máscara de la Envidia y la Fama “I come to sing” Don Pedrarias Dávila, Coro (Danza de la conquista) “What flatt’ring noise is this” Sacerdote maya, Hunahpú, Ixbalanqué “Scorn’d Envy” Ixbalanqué “I fly from the place” Sacerdote maya “Begone, curst fiends of Hell” Ixbalanqué “We come to sing” Coro (Danza de la conquista) Escena 3 “He sido elegida para algo trascendental” Escena 4 Doña Isabel se encuentra con Teculihuatzin en un sueño y libera los malos espíritus “See, even night herself is here” Soprano Escena 5 “Soñé que le había convencido que dejara la guerra” “Music for a while” Ixbalanqué “I love and I must” Doña Luisa Escena 6 Maniobras de la tropa Aire Danza de los jóvenes guerreros Escena 7 La apoteósis del jefe Tecún Umán, la masacre y el río de sangre “Hear my prayer, O Lord” Coro [Texto: Salmo 102:1]*
Segunda parte Acto III Escena 1 Después de la masacre “Remember not, Lord, our offences” Coro Escena 2 “Con ojos enfermos y famélicos” “With sick and famish’d eyes” Don Pedro de Alvarado [Texto: George Herbert]*
“Not all my torments can your pity move” Doña Luisa Escena 3 Ceremonia de adivinación del sacerdote: “Máscara de sueños” “Their necessary aid you use” Hunahpú, Sacerdote maya “The air with music gently wound” Ixbalanqué, Coro “Ye twice ten hundred deities” Sacerdote maya Sinfonía “Seek not to know” Ixbalanqué Obertura, Canzona Escena 4 Don Pedro de Alvarado aterroriza a los campesinos con su hija sobre los hombros
Escena 8 Doña Luisa enferma mientras los dioses comienzan a llevársela de este mundo “I attempt from love’s sickness” Doña Luisa Melodía Danza del divino espejo de Sueño y Muerte
Acto IV Escena 1 Leonor lleva a su Madre a su última misa, donde se encuentran con Doña Isabel “Oh Lord, rebuke me not” Doña Isabel, Doña Luisa, Coro [Texto: Salmo 6:1-7]*
Escena 2 “Muy pronto recorreré el camino de las estrellas” “They tell us” Doña Luisa, Coro
Acto V Secreto ritual en la selva a medianoche “While thus we bow” Coro “You who at the altar stand” Sacerdote maya, Coro “All dismal sounds” Coro
Escena 5 Los conquistadores Don Pedro de Alvarado y Don Pedrarias Dávila beben en un bar de Chiapas “Ah, how happy” Don Pedro de Alvarado, Don Pedrarias Dávila Escena 6 El capitán general habla con su esposa sobre el suicidio “If grief has any pow’r to kill” Don Pedrarias Dávila Escena 7 Doña Luisa and Doña Isabel encuentran los espíritus en la profundidad de la selva “Oh! Lead me to some peaceful gloom” Hunahpú “We the spirits of the air” Hunahpú, Ixbalanqué, Coro
* Canciones e himnos de Henry Purcell añadidos por Peter Sellars, así como las indicaciones escénicas, que se corresponden con la concepción de este nuevo espectáculo.
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The Indian Queen
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Henry Purcell, la magia
y The Indian Queen Michael Burden
En realidad, sus óperas dramáticas –Dioclesian, King Arthur, The Fairy-Queen, y, la más importante musicalmente, The Indian Queen– siguen figurando entre los dramas musicales más difíciles de aprehender, pues la esencia de su combinación de diálogo hablado, melodías cantadas y música instrumental sigue estando (en su mayor parte) fuera del alcance de la mayoría de los intérpretes y de sus audiencias. Se han descrito a menudo como obras “espectaculares”, grandes, caras, cuya representación está reservada a los grandes auditorios, en parte porque el síndrome de “amontonar” y “concentrar” es responsable del número sorprendente (para nosotros) de teatros populares que las han albergado. A decir verdad, el tamaño comparativamente reducido del Dorset Garden Theatre, construido ex profeso, supuso que la audiencia de la Restauración tuviera una experiencia teatral muy distinta de lo que podríamos esperar: el cálculo más convincente permite estimar una audiencia de tan solo 820 personas. Incluso el miembro más pobre de la audiencia, sentado en el punto más remoto del auditorio, se encontraba a tan solo treinta metros o menos del telón, y a unos veintiún metros del punto más alejado de la corbata, en el interior de un edificio cuyas dimensiones se estiman en unos 45 por 17 metros; donde entre una persona sentada en la platea y la cúspide del arco del proscenio solo mediaban unos siete metros. Un espacio así creaba una experiencia mucho más íntima que la que se podría vivir en la mayor parte de los teatros contemporáneos, y causaba un impacto abrumador en la audiencia. Un factor determinante de esa experiencia íntima, tan fundamental para la recepción de esas obras llamadas “grandiosas y extravagantes”, era la presencia de una corbata. La corbata (que nunca formó parte del teatro continental, y es
13 Henry Purcell, la magia y The Indian Queen
Indian Queen, la última ópera dramática de Purcell, no solo contiene probablemente la mejor música del compositor, sino que además es una de sus obras dramáticas menos representadas. Es fácil comprender por qué: al parecer, la obra quedó inacabada a la muerte de Purcell, de modo que se le añadió música de otras obras suyas –la sinfonía para trompeta de la oda de 1694 Come ye Sons of Art Away, una danza de su obra de 1692-3 Fairy-Queen– y una mascarada final escrita por su hermano Daniel para completar la ópera. Las erradas normas del siglo XXI interpretan que esas circunstancias dejaron coja la ópera The Indian Queen, una obra que hubiera sido magnífica “si Purcell hubiera vivido lo suficiente para terminarla”; una obra con momentos interesantes pero cuyo valor global es inferior a la suma de lo que sus partes sugieren.
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una superficie que ya no se integra en el pensamiento teatral contemporáneo) era la zona delantera del arco del proscenio, de unos 9 metros por 7 –sin la presencia de un foso de orquesta, que ahora resulta habitual, y que tanto acercaba la audiencia a los actores, la acción y las transformaciones. Las posibilidades ofrecidas por la corbata constituyen una parte integrante del formato musical y dramático más importante de la ópera inglesa del siglo XVII: la mascarada. La mascarada –que en algunos casos se podría denominar más adecuadamente el “interludio musical”– es el punto culminante de la ópera dramática, y no solo contiene personajes mágicos y alegóricos, las piezas musicales más extensas, las danzas más grandiosas, y encierra los mayores cambios escénicos, sino que además se introduce mediante transformaciones espectaculares, con frecuencia ordenadas por uno de los personajes mágicos. Una mascarada, por definición, necesita ser “presentada” a una audiencia cuya conducta se refleja de algún modo en sus temas, pues su contexto original era la corte, que rodeaba al destinatario de la mascarada –el rey o quien fuera– sentado en su centro. La separación física de los personajes y sus mundos distintos –la corbata y el escenario– permite que las óperas que mezclan personajes mágicos, heroicos y prosaicos funcionen en varios planos a la vez. Y no solo eso, sino que además, por lo que se refiere a las relaciones entre la mascarada y el público destinatario de la misma, esa división se puede leer como una ilustración del control que ejercen esos personajes poderosos no solo sobre el mundo en el que se encuentran, sino también sobre el mundo situado detrás del arco del proscenio, el mundo mágico que se está transformando a sus instancias y para su mayor gloria. Las varitas mágicas esgrimidas por las diversas figuras mágicas de la corbata tienen poderes que van mucho más allá de mover los decorados y abrir las escenas: también pueden cambiar el nivel de iluminación y “disipar la neblina”. Hace ya mucho tiempo se ha observado que, en la ópera dramática, las transformaciones se suelen producir en conjunción con una pista esclarecedora en el texto hablado, un dispositivo jonsoniano de la mascarada. Por ejemplo, en King Arthur la noción de luz se vincula con “la riqueza, los amores, las glorias de nuestra isla”, cuando Merlín las invoca diciendo “llámalas a la Luz”. Las propias acotaciones –indicaciones de escena– se refieren a un aumento de la claridad; en Dioclesian, la descripción de la mascarada prevé un “Palacio del Sol” en el que todo el decorado está “rematado por una Nube radiante… El sol asoma a través de la Nube, y crea una Gloria a su alrededor”.
Las óperas también utilizaban la disposición básica de música de acto o de “encuadre” de las obras habladas. Fenómenos como las tres músicas de obertura –Primera Música, Segunda Música, Tercera Música o Melodía de Telón– eran posibilidades que ya estaban claramente establecidas, y aunque no fueran específicas para la ópera, esas melodías eran siempre aptas para el teatro. Estas convenciones no se aplicaban rígidamente, y los compositores aprovechaban la posibilidad de introducir variaciones en esa secuencia en un contexto operístico. De hecho, The Indian Queen ofrece la variación más interesante de esas convenciones, consistente en su Prólogo íntegramente cantado. La partitura de Purcell lo sitúa después de la Primera y la Segunda Música. La acotación de esta escena se copió sin cambios del original de 1663: Mientras la música interpreta un aire suave, el telón se alza lentamente, y descubre a un niño y una niña indios durmiendo bajo dos árboles; y cuando el telón ya está casi levantado, la música se convierte en una melodía que expresa una alarma, a raíz de la cual el niño se despierta y habla.
Para una audiencia acostumbrada a la práctica de la Restauración consistente en levantar el telón en la obertura o melodía de telón, debió ser una novedad que, para The Indian Queen, la cortina se alzara para la ejecución de ambos prólogos. Además, las óperas dramáticas como
15 Henry Purcell, la magia y The Indian Queen
Al mismo tiempo, muchos de esos cambios requieren “despejar la neblina”. Esas nieblas pueden ser tanto naturales –el Acto IV de The Fairy-Queen, cuando el sol naciente disipa la bruma de la madrugada– como conjuradas por personajes mágicos, como demuestra Coreb en Brutus of Alba, cuando agita su varita mágica y “surge de la tierra una nube de niebla”. La bruma también se puede utilizar para borrar la división entre los personajes mágicos y los prosaicos, como en Rinaldo and Armida, cuando Armida utiliza la varita mágica en el Acto V. En esas mascaradas y antimascaradas se hizo el mejor uso de la música, pero también había otras oportunidades; con frecuencia se agrupaban varios números musicales en secuencias. No había nada aleatorio en ese proceso: la “racionalidad” era el núcleo mismo de la estructura de toda ópera, y los personajes mágicos y las localizaciones exóticas hacían uso de la música con una “lógica” de drama hablado. Y precisamente la magia explica la mayor parte de los escasos números de danza y canto que se encuentran fuera de las mascaradas.
Ballet de la Ă“pera de Perm
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En última instancia, la ópera dramática era el relato de la lucha entre el cantante y el actor, de la capacidad (o incapacidad) del uno de hacer el trabajo del otro cuando era necesario, y de la capacidad de Purcell para escribir música para ambos. Aunque sería erróneo sugerir que la división está clara en todo momento, sí que se reconocía la diferencia entre el cantante profesional y el actor capaz de cantar una o dos canciones si hacía falta, como demuestra la apreciación que hace John Dryden de las interpretaciones de la Sra. Bracegirdle, la Sra. Ayliff, Solon y Redding: Su Segundo Acto fue maravillosamente ameno; cuando la escena transcurría en Bedlam: y enloquecieron tanto la Sra. Bracegirdle como Solon, el canto era maravillosamente bueno. Y los dos que he nombrado cantaban mejor que Redding y la Sra. Ayliff, cuyo trato era ese: aunque seamos aficionados, al menos les ayudamos.
Aunque los había que al menos “tenían un trato”, otros, claramente, ni trato tenían. Dryden tiene buen cuidado en señalar que probablemente la “debilidad” de la audiencia fue más responsable de la acogida que tuvo la obra que la calidad de su canto; una debilidad que probablemente guardara alguna relación con el hecho de que, como ocurría con frecuencia, estaban representando personajes cómicos de clase baja. Está claro que sacó el máximo partido de ese hecho, y optó por introducir nuevas y complejas formas y estilos italianizantes. De hecho, esta división destaca que el truco para escribir una ópera dramática de éxito residía en decidir si un cantante podía actuar o no, y si un cantante podía cantar, y disponer la obra de tal modo que se mostraran tanto los puntos fuertes como las debilidades del elenco. Dado que hay muchas obras que tienen mucha música, y que buena parte de ella se utiliza en situaciones dramáticas similares, ¿justifica ese hecho que pensemos que una audiencia de la Restauración tenía expectativas diferentes respecto a las óperas? A fin de cuentas, tanto en presencia de una sala de música como de un foso, seguimos estando ante un espacio diseñado fundamentalmente para una obra hablada, y no ante un teatro diseñado para la ópera, con independencia de la maquinaria que tuviera instalada.
17 Henry Purcell, la magia y The Indian Queen
The Indian Queen ofrecían la oportunidad de tratar este punto de la acción de manera más flexible y grandiosa de lo habitual en el teatro hablado.
The Indian Queen
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De hecho, está claro que las óperas se percibían como entidades separadas y suscitaban expectativas musicales distintas, como demuestra una queja ulterior del autor de A Comparison between the Two Stages: [La música se debería utilizar para] aliviar la atención de la audiencia, dar un respiro a los actores, pero siempre en relación con la escena; pues en ningún caso debe ser un asunto independiente de esta: a este respecto, nuestras Óperas son sumamente criminales, pues en ellas la Música es, en su mayor parte, una absurda impertinencia…
El autor albergaba directamente la opinión de que “incluso en las Óperas, la Música y el resto de la pompa son un vicio siempre que se sitúan indebidamente, es decir donde la escena no parece requerirlas fácilmente y sin esfuerzo”. Aunque el autor reduce (injustamente) la música de las obras al nivel de una “pausa para el descanso de la audiencia”, establece una clara distinción entre este uso de la música y su empleo en las óperas, donde su abundancia era tal que interrumpía el flujo de la acción, y tenía poca o ninguna relevancia para el argumento. Y parte de la música que impresionó al actor por su “absurda impertinencia” era evidentemente peculiar de las óperas, porque, tanto si en esa época se apreciaban como ideas “operísticas” exclusivamente como si no, está claro que se percibía que ese género no solo brindaba la oportunidad de hacer un mayor uso de la música, sino que también permitía una mayor flexibilidad e inventiva en su empleo. Una flexibilidad e inventiva sin duda necesarias para representar el argumento original, pues era descabellado, incluso en el teatro de la Restauración. Adaptado a partir del libreto épico de Robert Howard y John Dryden, se centra en la lucha de la reina mexicana Zempoalla contra los invasores peruanos. Los peruanos están encabezados por el mercenario Montezuma, que se infiltra en el bando mexicano, captura al príncipe mexicano Acasis, y en pago por sus servicios pide la mano de la hija de Ynca, el rey de los peruanos. Pero su petición es rechazada y Montezuma deserta. Al final, el giro revela la profunda podredumbre existente en el corazón del Estado mexicano; Montezuma descubre que su madre, perdida mucho tiempo atrás, anteriormente fue reina, y se revela que Zempoalla es una usurpadora, una inadaptada que ocupa ilegítimamente el trono. Las absurdidades del argumento se van desvaneciendo conforme Purcell centra la música en la confusión y la culpa
En su intento por esclarecer la historia de la ópera y arrojar luz sobre la música del último año de vida de Purcell, Peter Sellars ha recurrido no solo a The Indian Queen, sino también a los salmos del compositor, buscando una austeridad adecuada al Londres que conoció Purcell, un lugar amenazador donde abundaban epidemias, incendios y disturbios políticos. La música adicional que utiliza incluye la famosa canción “Music for a while”, que permite a Sellars explotar las serpientes “dejándose caer” en un nuevo contexto. Halla otras resonancias con Samuel Beckett, y se queda con una historia que no habla de triunfalismo masculino, de “polvo, sudor y lágrimas”, sino una historia de mujeres mexicanas, y de temas complejos, espirituales, que se van abriendo paso a través del argumento. El escenario elegido por Sellars para la ópera –la selva maya– permite que la Conquista cobre resonancias propias a través de las generaciones, y más inquisitivamente en las novelas de la escritora nicaragüense Rosario Aguilar, cuyo texto otorga a las mujeres una voz en la historia. Utilizando el texto de Purcell y de Aguilar (que sustituye el original de Dryden-Howard), Sellars ha reencuadrado la ópera utilizando la magia de la cultura maya, vista a través de la magia del teatro de la Restauración. Como comenta el propio Sellars, “lo que nuestras historias comparten es más interesante que lo que las separa”.
Michael Burden es musicólogo Traducción de Teresa Sans
19 Henry Purcell, la magia y The Indian Queen
que esta padece mientras mantiene su posición a la cabeza del Estado. La propia Zempoalla no expresa nunca el alcance de sus dificultades; la música lo hace por ella, de forma especialmente sobresaliente en el diálogo entre los personajes alegóricos de la Fama y la Envidia, donde ambos se yuxtaponen con el pomposo “he venido a cantar la historia de Zempoalla” sobre el fondo siniestro de “Qué ruido halagüeño es ese, al que sisean todas mis serpientes”, que capta perfectamente los estados de ánimo interiores y exteriores de la reina. Pero los temas de la ópera también ofrecen varias ideas y pugnas universales: la destrucción que puede acarrear el amor para las personas débiles de carácter; el peligro de la utilización de la magia –casi siempre falsa– para manipular a los demás; la moralidad de la usurpación, y, sobre todo, la carga de la culpa bajo el rostro de un crimen contra el Estado.
Ballet de la Ă“pera de Perm
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Vigencia de un genio
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Biografías
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Teodor Currentzis Director musical
The Indian Queen
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© Julia Chechikova
Nació en Grecia y viajó a comienzos de los noventa a San Petersburgo para estudiar bajo la tutela de Ilya Musin, maestro de directores tan destacados como Temirkanov, Gergiev y Bychkov. Desde entonces, Rusia se ha convertido en su hogar. En 2008 debutó en la Ópera Nacional de París y un año después en el Teatro Bolshoi de Moscú con Wozzeck. Ha dirigido Carmen (2010) y Così fan tutte (2011) en Baden-Baden, y el estreno de la ópera The Passenger de Weinberg en el Festival de Bregenz de 2010. Ha dirigido a la mayoría de las grandes orquestas rusas, incluyendo la Nacional de Rusia, la Nueva Orquesta Sinfónica de Rusia y la Filarmónica Rusa, en la cual comparte el puesto de director permanente con Vladimir Spivakov. Ha sido invitado a dirigir en Alemania, Austria y Francia. Actualmente es el director artístico del Teatro Estatal de la Ópera de Perm. Es el fundador y director artístico del conjunto de instrumentos de época MusicAeterna y del coro MusicAeterna, formados
bajo su mandato como director musical de la Orquesta Estatal de Novosibirsk (2004-2010). Ha recibido en dos ocasiones el premio Máscara de Oro. En el Real ha dirigido varios conciertos sinfónicos y las óperas Iolanta de Chaikovski, Perséphone de Stravinsky y Macbeth de Verdi.
Peter Sellars Director de escena
Biografías
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© Kevin Higa
Es uno de los más innovadores creadores de las artes escénicas de la actualidad, reconocido por sus sorprendentes interpretaciones de los clásicos, desde Sófocles y Shakespeare hasta obras contemporáneas de compositores como Kaija Saariaho, Tan Dun y Osvaldo Golijov; pasando por óperas de Vivaldi, Händel, Mozart y Wagner. En este campo ha sido invitado, entre otros, por centros líricos como la Lyric Opera de Chicago, el Metropolitan de Nueva York, la Ópera de San Francisco, la Nederlandse Opera de Ámsterdam y los festivales de Glyndebourne y Salzburgo para recrear obras como Tristan und Isolde, Don Giovanni, Così fan tutte, Le nozze di Figaro, Giulio Cesare in Egitto, Le Grand Macabre y Doctor Atomic. Ha sido director de varios festivales, como el Art Festival de Adelaida (Australia), el Festival de Los Ángeles (entre 1990-1993) y el Festival Internacional de Teatro de la Bienal de Venecia (2003).
Es profesor del departamento del Mundo de las Artes y la Cultura en la UCLA y ha recibido numerosos premios por su labor. Recientemente ha dirigido Tristan und Isolde en Helsinki y Toronto, y La Griselda de Vivaldi en la Ópera de Santa Fe. En el Teatro Real ha dirigido el programa doble, Iolanta y Perséphone, y Ainadamar de Golijov.
Rosario Aguilar
Gronk Escenógrafo
Escritora
Dunya Ramicova Figurinista
The Indian Queen
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© Robert Godwin
Rosario Aguilar –nombre literario de la escritora nicaragüense Rosario Fiallos Oyanguren (León, 1938)–, publicó su primera novela, Primavera sonámbula, en 1964. Su oficio de escritora estará unido a su papel de madre. Cinco hijos que crecerán escuchando el teclear de la máquina de escribir, mientras las mujeres de las novelas luchan por su vida, su dignidad e independencia. También es la primera mujer que accedió a la Academia Nicaragüense de la Lengua, y posteriormente fue nombrada por la Real Academia Española Correspondiente Hispanoamericana en Nicaragua. Además de una biografía sobre su madre, Soledad Oyanguren de Fiallos, ha publicado diez novelas, con varias traducciones. Entre ellas se encuentra La niña blanca y los pájaros sin pies, de 1992, de la que salen los fragmentos que forman parte del libreto de esta ópera. Ha recibido numerosas distinciones y galardones, entre ellos el nombramiento en 2010 como Hija Dilecta de León que le otorgó la Alcaldía, como un reconocimiento a su labor literaria, y por ser la primera mujer novelista de su país, y la Orden de la Independencia Cultural Rubén Darío.
Pintor, dibujante y artista de performances oriundo de Los Ángeles (California, Estados Unidos). Fundador del colectivo multimedia ASCO en 1970. Su obra puede encontrarse en numerosas colecciones y museos de los Estados Unidos, como la Galería Corcoran de Washington DC, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el National Hispanic Cultural Center de Albuquerque. Asimismo ha sido objeto de exposiciones en Los Ángeles Country Museum of Art y el Mexican Museum de San Francisco. Ha realizado escenografías para la Ópera de Los Ángeles y la Ópera de Santa Fe. Ha colaborado con Peter Sellars en títulos como L’historie du soldat de Stravinsky, obra que fue aplaudida en Los Ángeles, Palermo, Madrid y París, y Ainadamar (2005) en la Ópera de Santa Fe. En el Teatro Real ha colaborado en Ainadamar de Golijov.
Ha diseñado vestuario para más de 150 producciones de teatro, ópera, televisión y cine en Estados Unidos y otros países. Es colaboradora habitual del creador Peter Sellars. Con él ha trabajado en el estreno mundial de las óperas Nixon in China, The Death of Klinghoffer y Doctor Atomic (todas de John Adams); así como en la trilogía de Mozart y Da Ponte, Theodora (Händel), Saint François d’Assise (Messiaen) y Tannhäuser (Wagner). También ha colaborado con Sellars en obras teatrales (El mercader de Venecia de Shakespeare, Los persas de Esquilo, Áyax de Sófocles). Su última colaboración con Sellars ha sido The Gospel according the Other Mary, representada en Los Angeles Philharmonic en marzo de este año. Es miembro y fundadora de la Escuela de Ciencias Sociales, Humanidades y Artes de la Universidad de California en Merced.
James F. Ingalls
Christopher Williams
Robert Castro
Iluminador
Coreógrafo
Colaborador del director de escena Biografías
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Este respetado y prolífico diseñador de iluminación nacido en Estados Unidos ha colaborado en espectáculos de teatro, musicales, danza y ópera. Estudió en la Yale School of Drama y ha trabajado en Broadway. También ha creado en numerosas ocasiones la iluminación para espectáculos de danza de las compañías de Merce Cunnigham, Paul Taylor y Mark Morris, entre otras. Es colaborador habitual de Peter Sellars desde hace 32 años. También ha participado en las producciones de Saint François d’Assise para el Festival de Salzburgo, así como de Wozzeck, Orpheus et Euridice, Les troyens, El jugador, Guerra y paz y Salome para el Metropolitan de Nueva York. Ha colaborado en los estrenos de óperas de John Adams (Nixon in China, The Death of Klinghoffer, El niño) y Kaija Saariaho (L’amour de loin, Adriana Mater, La Passion de Simone). Entre sus más recientes proyectos está Les troyens en Nueva York y Tristan und Isolde en Toronto. En el Teatro Real colaboró en el programa doble, Iolanta y Perséphone, Ainadamar y en Mozart Dances (Mark Morris Dance Group).
Bailarín, coreógrafo y titiritero oriundo de Estados Unidos. Graduado en el Sarah Lawrence College y la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq de París. Ha actuado en las compañías de Tere O’Connor Dance, Douglas Dunn & Dancers, Yoshiko Chuma and the School of Hard Knocks. Obtuvo becas de varias instituciones (Fundación Nueva York para las Artes, Fundación Bogliasco, Fundación Arte Contemporáneo) y fue residente en el Centro Watermill, el Movement Research y el Djerassi Resident Artists Program, entre otros centros de estudio e investigaciones artísticas. Sus trabajos se han presentado en Nueva York (Dance Theater Workshop, Dance New Amsterdam, Joyce SoHo, Symphony Space, HERE Arts Center, Dixon Place, etc.) y otras ciudades de Estados Unidos, Colombia, Francia y Rusia. Ha colaborado con Peter Sellars, el compositor Gregory Spears y el artista visual Andrew Jordania. Ha realizado encargos para la Tisch School of Arts de la Universidad de Princeton y el Harkness Dance Festival. En 2005 recibió el premio Bessie (Ursula and The 11,000 Virgins).
Se graduó en dirección escénica y en la Yale School of Drama, en 1998. Ha sido artista residente en el Instituto de las Artes en la Universidad de Harvard (1998-1999) y en el Mark Taper Forum (2003-2005). Fue miembro del Lincoln Center Theatre Directors Lab en 1998 y del New York Theatre Workshop en 2000. Ha realizado direcciones escénicas en diversos escenarios de los Estado Unidos y de Europa (Ópera de Santa Fe, La Joya Playhouse, Mark Taper Forum de Los Ángeles, Wiener Festwochen de Viena) y ha sido colaborador de destacados directores, entre otros, Peter Sellars.
Vince Yi
Julia Bullock
Nadine Koutcher
Hunahpú
Teculihuatzin (Doña Luisa)
Doña Isabel
© Edda Pacifico
© Christian Steiner
© Denis Grigoriev
Este joven contratenor nació en Corea del Sur, creció en California y cursó sus estudios en las universidades de Boston y Michigan. Su repertorio abarca desde Monteverdi (Nerone en L’incoronazione di Poppea), pasando por Charpentier y Bach, hasta Britten (Oberón en A Midsummer Night’s Dream) y Philip Glass (Oracle en Galileo Galilei). Ha sido invitado a cantar en escenarios como la Ópera de San Francisco (Idamante en Idomeneo de Mozart y el protagonista de Giulio Cesare in Egitto de Händel) y el Festival de Música de Potsdam (Piramo en Piramo e Tisbe de Johann Adolf Hasse). Ha trabajo con reconocidos directores musicales como Diego Fasolis, Andrea Marchiol y Vaclav Luks. Más recientemente ha participado en la Gala de contratenores en el Palacio de Versalles.
Nació en St. Louis (Misuri) y obtuvo su licenciatura en la Eastman School of Music y su maestría en el Conservatorio de Bard College. Entre 2003 y 2005 participó en el programa de formación para jóvenes artistas de la Ópera de St. Louis. Actualmente estudia en la Juilliard School neoyorkina. En 2012 fue premiada en el concurso de Young Concert Artists de Nueva York. Del repertorio operístico como soprano ha interpretado los personajes protagonistas de La zorrita astuta de Janácˇek y L’enfant et les sortilèges de Ravel; así como Susanna (Le nozze di Figaro), Monica (The Medium de Menotti) y Pamina (Die Zauberflöte de Peter Brook). Participó en el estreno mundial de The Gonzales Cantata de Melissa Dunphy. Ha organizado conciertos benéficos para la Shropshire Music Foundation y el International Playground, dos organizaciones que atienden a niños afectados por la guerra a través de los programas de educación y música en Kosovo, Irlanda del Norte, Uganda y St. Louis. (www. juliabullocksoprano.com)
Nació en Minsk (Bielorrusia) y comenzó sus estudios de canto en el Conservatorio Estatal de su ciudad natal y luego los terminó en el Conservatorio de San Petersburgo. En el 2006 esta joven soprano hizo su debut como Marfa de La novia del zar de RimskiKórsakov en el Teatro de Ópera y Ballet del Conservatorio de San Petersburgo. Ha sido galardonada en diversas competiciones, entre ellas, el Concurso Internacional de Canto ‘s-Hertogenbosch (Holanda). En el 2009 comenzó a actuar en el Teatro Mijáilovski de San Petersburgo, donde ha interpretado personajes como Violetta (La traviata), Oscar (Un ballo in maschera) y la Princesa Eudoxie (La juive de Halévy). También se ha presentado en el Festival Diaghilev de Perm, donde fue premiada con la Máscara de Oro por su interpretación de Medea (Medeamaterial de Pascal Dusapin). Es miembro del conjunto de solistas del Teatro de Ópera y Ballet de Perm.
The Indian Queen
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Markus Brutscher
Noah Stewart
Christophe Dumaux
Don Pedrarias Dávila
Don Pedro de Alvarado
Ixbalanqué
Biografías
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© Anton Zavyalova
Este tenor alemán nació en Landsberg y creció en Augsburgo. Recibió una temprana formación musical en el coro de niños de la catedral de Augsburgo y de la catedral de Ratisbona. Cursó sus estudios en la Escuela Superior de Música Hanns Eisler en Berlín. Su repertorio incluye personajes como Eisenstein (Die Fledermaus), Vania (Katia Kabanová), Ferrando (Così fan tutte), Monostatos (Die Zauberflöte), Jack y Tobby (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), Max (Der Freischütz), Pedrillo (Die Entführung aus dem Serail) y Scaramuccio (Ariadne auf Naxos). Se ha presentado en reconocidos escenarios como la Ópera Nacional de París, el Theater and der Wien, la Ópera Nacional del Rin, el Teatro Estatal de Stuttgart y la ABAO bilbaína. Ha trabajado con destacados directores como Marc Minkowski, Alessandro De Marchi, Thomas Hengelbrock, Frieder Bernius, Martin Haselböck y Helmut Müller-Brühl. Recientes compromisos le han llevado a Dijon y Luxemburgo, donde ha interpretado a Aminta (L’Olimpiade de Vivaldi).
La formación musical de este tenor se inició en Nueva York, donde estudió música clásica en la Escuela de Artes de Harlem y luego en la Juilliard School de Nueva York. Entre 2007 y 2008 fue miembro del Programa Merola de la Ópera de San Francisco, donde cantó los personajes de Macduff (Macbeth) y T. Morris Chester (Appomattox de John Adams). Ha sido galardonado en numerosos concursos y más recientemente ocupó el primer lugar en el Concurso Internacional Mario Lanza (2008). Se ha presentado en escenarios como el Covent Garden de Londres, el Teatro de la Ópera de Chicago, la Ópera de Michigan, la Opera North de Leeds y el Festival de Ópera de Wexford, donde ha cantado personajes como Rodolfo (La bohème), Narraboth (Salome), Pinkerton (Madama Butterfly), Ismaele (Nabucco), Cavaradossi (Tosca) y Hassan (en el estreno mundial de la ópera Miss Fortune de Judith Weir). En fechas recientes ha interpretado a Don José (Carmen) en la Florentine Opera Company de Milwaukee. (www.noahofficial.com)
Inició sus estudios musicales en el conservatorio local de Châlons-en-Champagne y en 2000 ingresó en el Conservatorio de París. En el año 2002 hizo su debut profesional como contratenor cantando el papel de Eustazio (Rinaldo de Händel), en el Festival de Radio France de Montpellier, y luego se presentó en el Festival de Innsbruck y en la Staatsoper de Berlín. A partir de ahí, ha desarrollado una reconocida carrera internacional que le ha llevado al Metropolitan de Nueva York, la Ópera Nacional de París, el Theater an der Wien, La Monnaie / De Munt de Bruselas, la Nederlandse Opera y los festivales de Salzburgo y Glyndebourne. Su repertorio incluye los personajes de Ottone (L’incoronazione di Poppea), Unulfo (Rodelinda de Händel), Fernando (Don Chisciotte in Sierra Morena de Conti), y los protagonistas de Tolomeo, Orlando, Tamerlano, Rinaldo, todas de Händel, y Giasone de Cavalli. Recientes compromisos le han llevado a París y Nueva York, donde ha sido Tolomeo (Giulio Cesare in Egitto).
Luthando Qave
Maritxell Carrero
Burr Johnson
Sacerdote maya
Leonor
Bailarín
The Indian Queen
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© Christian Steiner
Este joven barítono sudafricano completó sus estudios musicales en la Escuela Universitaria de la Ópera en Estocolmo y fue miembro del conjunto de artistas estables de la Ópera de Ciudad del Cabo, donde hizo su debut como Marco de Gianni Schicchi. Más recientemente ha terminado su tercer y último año del Programa Lindemann para Jóvenes Artistas en el Metropolitan de Nueva York. En este teatro ha cantado los personajes de Heraldo (Otello), Fiorello (Il barbiere di Siviglia), un representante flamenco (Don Carlo) y Yamadori (Madama Butterfly), así como Guglielmo (Così fan tutte) y Ubalde (Armide de Gluck). Ha sido premiado en varios concursos internacionales (Belvedere de Viena). En el 2006 hizo su debut europeo como Jake (Porgy and Bess) en la Ópera de Malmö, la Ópera de Noruega y la Deutsche Oper de Berlín. En la anterior temporada ha interpretado a Silvio (Pagliacci) en la Ópera Nacional de Finlandia y Figaro (Le nozze di Figaro) en Estocolmo.
Desde muy joven, esta actriz y cantante puertorriqueña formó parte de una compañía de teatro itinerante por Puerto Rico, Sudamérica y el Caribe. Su formación profesional la realizó en la Universidad de California en San Diego, con una maestría en Interpretación. Ha trabajo tanto en televisión (Las dos caras de Ana, Acorralada, Dame chocolate, Las riendas del amor) y en cine (El abuelo y Living Dead Lock). En teatro ha actuado en diferentes escenarios de Estados Unidos, dando vida a personajes como Fairy y Hermia (Midsummer Night’s Dream), Bernarda (La casa de Bernarda Alba), Monika (The Physicists), Marion (Danton’s Death), Violet (Picked) y Lolita Lebrón (One Woman Show). Formó parte de la producción All My Sons del Matrix Theatre de Los Ángeles, galardonada con el premio de la NAACP al Mejor Elenco en 2012. Recientemente ha participado en el estreno mundial de la obra Becoming Cuba, de Melinda López, en el North Coast Repertory Theatre en Solana Beach (California). (www.maritxellcarrero.com)
Este bailarín y coreógrafo se graduó en Danza y Coreografía por la Virginia Commonwealth University. Ha colaborado con numerosos coreógrafos, entre otros John Jasperse, Helen Simoneau, Christopher Williams y Shen Wei. Ha actuado en dos reconstrucciones de danzas de Laura Dean: Tympani (1980/2008) e Infinity (1990/2009). También ha trabajado con artistas como Ryan McNamara, Yozmit y Benny Nemerofsky Ramsay. De sus trabajos coreográficos destacan los montajes Movement Research en la Iglesia Memorial Judson y Underexposed en Dixon Place. También ha presentado y bailado sus propias coreografías en lugares como el OneArmRed, la Galería Elizabeth Dee, la Galería Location One, la Galería Josée Bienvenu, el Proyecto Danspace y el New York Live Arts. En sus ratos libres, lejos de la danza, se dedica a la jardinería y a alimentar gatos callejeros en Bushwick.
Takemi Kitamura
Caitlin Scranton
Paul Singh
Bailarina
Bailarina
Bailarín
Biografías
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Nació en Osaka (Japón) y se graduó con una licenciatura en Danza (Phi Beta Kappa) en el Hunter College, donde recibió el Premio Coreográfico del Programa de Danza. Como bailarina ha trabajado con numerosos coreógrafos y compañías, como la Big Red Media, Nami Yamamoto, Sondra Loring, Sally Silvers, Christopher Williams, The BodyCartography Project, Risa Jaroslow and Dancers, entre otros. Ha sido líder del grupo de teatro de esgrima japonesa, Samurai Sword Soul, y miembro de la compañía Phantom Limb como titiritera y bailarina. Más recientemente, sus intereses se han extendido más allá de la danza contemporánea, haciendo incursiones en la interpretación y el teatro con títeres. (www.takemikitamura.com)
Su formación en danza la recibió en la Idyllwild Arts Academy en California y en el Ailey School de Nueva York. Es licenciada en Historia de América en el Smith College de Massachusetts. Desde 2009 es solista en la Compañía de Danza de Lucinda Childs. Como bailarina ha sido una destacada intérprete en la ópera Einstein on the Beach, con música y texto de Philip Glass, y diseñada y dirigida por el director de escena Robert Wilson. También ha actuado en numerosas obras de Christopher Williams y ha trabajo con compañías como el Metropolitan Opera Ballet, Cornfield Dance y el Ensemble The Peridance.
Obtuvo su licenciatura en Danza en la Universidad de Illinois. Ha bailado para un gran número de artistas de Nueva York, lugar donde tiene su base de trabajo. Recientemente ha bailado para Gerald Casel, Erica Essner, Risa Jaroslow, Douglas Dunn y Christopher Williams, y fue presentado en el elenco inaugural del debut estadounidense de Sleep No More de la compañía de teatro Punchdrunk. También ha presentado su trabajo en la Iglesia Memorial Judson, en el Nueva York Live Arts, en el Joe’s Pub, la Dixon Place y La MaMa Experimental Theatre Club. En 2004 su obra Stutter se presentó en el Kennedy Center. En Nueva York ha fundado la compañía de danza y coreografía Singh & Dance. (www.paulsinghdance.com)
Vitaly Polonsky
Andrew Lawrence-King
Director del coro
Director del continuo
The Indian Queen
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© Anton Zavyalova
Se graduó en el Conservatorio Estatal Glinka de Novosibirsk como director de coro. Fue solista del Coro de Cámara de la Filarmónica de Novosibirsk y más tarde su director. Asimismo, formó parte de la agrupación de música antigua Insula Magica, bajo la batuta de Arkady Burkhanov. Desde 2003 ha trabajado en diferentes proyectos con Teodor Currentzis. Ha sido asistente de dirección en el Teatro de la Ópera y Ballet de Novosibirsk, en las producciones de Le nozze di Figaro y Macbeth, dirigida esta por Dmitri Tcherniakov. Ha estado al frente del coro en Così fan tutte y Le nozze di Figaro (dirigida por Philipp Himmelmann) en el Teatro de la Ópera y Ballet de Perm, así como en el Dixit Dominus de Händel y Dido and Aeneas de Purcell en el Festival de Baden-Baden; La Sinfonía n.º 2 de Mahler, Carmina Burana de Orff y Les noces de Stravinsky. Recientemente ha participado en el Concierto para coro mixto de Schnittke. En la actualidad es el director del Coro MusicAeterna y director artístico del Teatro de la Ópera y Ballet de Perm.
Apreciado por su particular enfoque en la interpretación del bajo continuo, ha organizado bajo su dirección óperas barrocas, oratorios y conciertos de música de cámara en Milán (Teatro alla Scala), Sydney (Opera House), Tokio (Casals Hall), Viena (Konzerthaus), Nueva York (Carnegie Hall), Moscú (Philharmonia) y la Ciudad de México (Palacio de Bellas Artes). Ha recibido numerosos premios de prestigio internacional (Echo Klassik, American Haendel Society, Grammophone, Grammy, Edison, Máscara de Oro, Premio Helpmann, etc.). Como solista ha colaborado con el conjunto Hespèrion XXI. También ha obtenido premios por las grabaciones en las que ha participado (Diapason d’Or, Amadeus, London Times, Rolling Stone). Es investigador científico del Centro Australiano de Excelencia para la Historia de las Emociones. Es fundador del conjunto de música antigua The Arp Consort y de la empresa productora Il Corago.
Coro de la Ópera de Perm (MusicAeterna)
The Indian Queen
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Fundado en Perm en 2011, su amplio repertorio abarca música de diferentes épocas y estilos, pero su reputación descansa especialmente en la interpretación con criterios historicistas. Sus conciertos incluyen obras de compositores barrocos y contemporáneos, así como música coral rusa de los tres últimos siglos. Desde la temporada 2011/2012 ha tomado parte en todos los estrenos que han tenido lugar en la Ópera de Perm, y algunos de sus componentes han protagonizado partes solistas. Sopranos Irina Bagina Ganna Baryshnikova Olga Malgina Yelena Podkassik Valeria Safonova Eleni Stamellou Alfiya Khamidullina Yelena Yurchenko
Tenores Anton Bagrov Artem Volkov Evgenii Vorobyov Konstantin Pogrebovskiy Serafim Sinitsyn Konstantin Tretyakov Nikolay Fyodorov Alexei Tseloukhov
Mezzosopranos y contraltos Yekaterina Bachuk Natalia Lyaskova Yelena Tokareva Elvira Fazlutdinova Yelena Shestakova Tatiana Ikatova Anastasia Yegorova Irina Makarova Arina Mirsaetova
Barítonos-bajos Denis Bagrov Alexandr Yegorov Alexei Svetov Alexei Fitisenko Viktor Shapovalov Yevgeniy Ikatov Dmitriy Kamaletdinov Vasiliy Korostelev Pavel Nikitchenko
Inspector Victor Shapovalov Asistente Valeria Safonova Director Vitaly Polonsky
Orquesta de la Ópera de Perm (MusicAeterna)
Violines I Afanasy Chupin Inna Prokopieva-Rays Elena Rays Ivan Peshkov Maria Stratonovich Nadezhda Antipova Ivan Subbotkin Andrey Sigeda Violines II Artem Savchenko Vadim Teifikov Dina Turbina Liana Erkvanidze Olga Galkina Nato Bregvadze Ekaterina Romanova Violas Evgeniya Bauer Zoya Karakutsa Oleg Zubovich Nail Bakiev Dmitry Parkhomenko Andrey Serdyukovskiy
Violonchelos Igor Bobowitsch Igor Galkin Marina Ivanova Yuri Polyakov Alexander Prozorov Contrabajos Leonid Bakulin Dilyaver Menametov Dmitry Rays Oboes, flautas barrocas Rodrigo Gutiérrez Jasu Moisio
Continuo Violonchelo Alexander Prozorov Fagotes Gilat Rotkop Dana Karmon Laúd Vasilij Antipov Archilaúd, guitarra barroca Yavor Genov
Trompeta Fruzsina Hara
Tiorba, guitarra barroca Israel Golani Paul Kieffer
Percusión Nikolay Dulskiy Roman Romashkin
Arpa barroca, salterio Andrew Lawrence-King (Director) Ekaterina King
Zanfoña Roman Romashkin
Clave, órgano Maxim Emelyanychev Inspector Evgenia Rychagova Director Evgenii Vorobyov
35 Biografías
Es una de las orquestas rusas más solicitadas para la interpretación del repertorio barroco y clásico con criterios historicistas. Goza además de una prestigiosa reputación en la interpretación de la música del siglo XX. Fue fundada por Teodor Currentzis en Novosibirsk en 2004, y ha protagonizado conciertos en Viena, Ámsterdam, Londres, Baden-Baden, Moscú, San Petersburgo y Perm. Entre sus numerosas grabaciones destacan tres discos grabados en directo entre 2008 y 2010 con celebradas interpretaciones del Requiem de Mozart, la Sinfonía nº 14 de Shostakóvich y Dido and Aeneas de Purcell. Durante la presente temporada han llevado al disco Le nozze di Figaro y Così fan tutte con un celebrado reparto de estrellas internacionales. Próximamente completarán la trilogía de Mozart y Da Ponte con la grabación de Don Giovanni.
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