DIGRART - revista de Diseño Grafico by Paola Alexandra Rivera

Editorial

E l arte se ha ido desarrollando con distintas disciplinas como

la literatura, teatro, música, pintura etc. Gracias al uso de las tecnologías, el arte se ha visto reflejado y enriquecido sobre todo en la fotografía y el cine, incluso en el arte digital. El Arte Digital es una disciplina creativa de las artes plásticas, una nueva tendencia surgida en torno a la aplicación de programas vectoriales y gratificadores, que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales que son imprescindibles en el proceso de producción o en su exhibición, manifestando estas obras mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

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El arte digital tuvo una rápida en lo que son las tendencias del aceptación y crecimiento, aunque diseño gráfico para este año 2021, también ha tenido críticas. algunos diseñadores destacados de nuestro país, que alcazaron logros Es rechazado por algunos que mundiales por su excelente trabajo. lo ven más como una habilidad técnica que como una manifestación Así como los nuevos artistas artística, proviniendo esta actitud de que se encuentran en ascenso, rechazo del desconocimiento del además, algunos de los estudiantes arte computarizado, incluso algunos de la Escuela de Artes de la críticos han querido denominarlo Universidad de El Salvador, nos más bien como "NEW MEDIA cuentan su experiencia al estudiar ART", arte de los nuevos medios y elaborar proyectos digitales y rechazado por algunos puristas durante el confinamiento por catalogando más como una COVID-19, y que esperarían al simple habilidad técnica que regresar a los salones de clases. una manifestación artística. esperando que cada sección de esta Diseño Gráfico y el Arte Digital revista sea de agrado para nuestros forman parte del sector más lectores, que nuestro objetivo de creativo y, por tanto, el que está brindarles nuevos conocimientos se sujeto a la influencia de continuos ha alacanzado. Así como también los movimientos y tendencias que quieran participar en este mundo artísticas. Dentro de este presente de lo digital, puedan animarse e trabajo, encontraremos una gran inspirarse a compartir con todo el variedad de temas o artículos que mundo y no se queden reprimidos. su mayor enfoque es enriquerecer De esta manera contribuimos así, el conocimiento de las personas que junto a miles de otros blogs, a ofician en tan vasta rama artística. difundir el conocimiento y que no sea solo un objeto de negocio con Para que cada uno de los interasados el beneplácito de los gobiernos. La en está area, esten al tanto de las formación es un derecho de todos. nuevas novedades traemos un contenido de lo más reciente,

Sumario 06 07

LO MÀS TOP

ILUSTRACIÒN EN 3D

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DISEÑO DE PACKAGING: MUCHO MÀS QUE SIMPLES ENVASES

DISEÑADORES SALVADOREÑOS TRIUNFAN EN LA REGIÒN

(ANUNCIO - PLUMA STANDLER)

DISEÑADORES GRÀFICOS Y SU PAPEL EN TIEMPOS DE CORONAVIRUS

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11 HERRAMIENTAS GRATUITAS PARA CREAR PALETAS DE COLORES EN 2021 VICTOR MOSCOSO, EL ARTISTA GALLEGO QUE REDINIFIÒ LOS CARTELES DEL ROCK PSICODÈLICO

(ANUNCIO - EOS REBEL T6_ CANON)

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EL VALOR DE LOS ROTULOS Y CARTELES ANTIGUOS DE CUENCA COMO PATRIMONIO GRÀFICO

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EL CONCURSO IF DESIGN AWARDS OFRECE 2X1 EN LAS INSCRIPCIONES

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¿QUÈ ES EL BLOQUEO CREATIVO Y CÒMO PUEDO SUPERARLO?

(ANUNCIO - TRIPLE CERTIFICACIÒN PARA DIISEÑO GRÀFICO)

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CARTELES DE LOS AÑOS 80 Y 90 QUE AYUDARON A ROMPER EL ESTIGMA DEL SIDA

ARTE PARA TODOS

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LAS 10 MEJORES TABLETAS GRÀFICAS DE 2021

¿POR QUÈ TODOS LOS PIRATAS UTILIZABAN LA MISMA BANDERA?

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LO CREAS O NO, ¡EL DISEÑO UX COMENZÒ HACE 6 MIL AÑOS?

BRUCE NELSON BLACKBURN Y EL LOGO "GUSANO" DE LA NASA

Directorio

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DIRECTOR GENERAL

PAOLA RIVERA

COORDINACIÒN GENERAL

PAOLA RIVERA

DIRECTOR DE ARTE

PAOLA RIVERA

DIRECTOR DE FOTOGRAFÌA

PAOLA RIVERA

DIAGRAMACIÒN

PAOLA RIVERA

REDACCIÒN

PAOLA RIVERA

FOTOGRAFÌA

PAOLA RIVERA

ILUSTRACIONES

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¡LO MÁS TOP! Tendencias en diseño gráfico 2021 que causarán revuelo ¡Conócelas!

¿Qué traerá el mundo del diseño en el 2021? La última investigación de Coastal Creative menciona que el próximo año se impondrán diseños caóticos ¿Le diremos adiós a la armonía y la legibilidad? Pues parece que el 2021 se tratará de caos y enfrentamientos (en el diseño por supuesto). - Maximalismo: la tendencia de diseño 2021 que se opone al minimalismo.

Esta tendencia de diseño, que nace como respuesta opuesta al minimalismo, mezcla colores explosivos con diseños retros y futuristas. Si lo tuyo no es el orden, el maximalismo es el estilo que se ajustará con tus preferencias. En lugar de incorporar colores simétricos y convencionales, el maximalismo usa colores excéntricos y atrevidos para lograr una sensación de “caos organizado”, sin atarse a ningún esquema rígido. Y tú ¿de qué team eres? ¿maximalismo o minimalismo?

- Technodystopia: la tendencia de diseño que se impone en la pandemia. La temática apocalíptica se ha impuesto con fuerza desde inicios del 2020 tras la llegada del coronavirus. Y es que, sin duda, lo místico y caótico refleja la nueva normalidad en la que vivimos: virus, máscaras de gas, androides, etc. Y el 2021 no será una excepción para esta tendencia de diseño. - Surrealismo: lo fantástico como tendencia de diseño 2021. Este tipo de perspectiva es una ilusión óptica que en ocasiones ‘engaña’ al ojo humano, pues es creada mediante distintos tamaños y planos. Muchas personas creen que estas imágenes surrealistas han sido manipuladas en un programa de Adobe, como Photoshop, Illustrator u otros, pero, no. Esta es una técnica de percepción visual humana; y con el arribo de las tendencias del diseño gráfico en 2021 se adaptará a los colores brillantes, generando una sensación

fantástica que llamará la atención. Sigamos con más tendencias de diseño gráfico 2021. - Minimalismo: una de las tendencias de diseño más modernas. En los últimos años se han podido ver diseños minimalistas y planos que poco a poco han llamado la atención del mundo digital. “Menos es más”, recita una frase conocida. En este estilo de diseño gráfico se eliminan los elementos pesados para la vista, para que el contenido tenga más presencia. Así lo manifiesta Brian Dixon, director creativo de Grady Britton: “En línea con la búsqueda continua de transparencia y honestidad del marketing, el diseño continuará eliminando el estilo y el adorno adicionales, y avanzará hacia una presentación mucho más simple y directa". Por ejemplo, la marca de zapatillas Nike ha dominado el arte de combinar el color y la creatividad al mismo tiempo que ha abandonado

DIGRART algunos elementos innecesarios para ofrecer imágenes llamativas. - Más formas geométricas en el diseño Las tendencias en diseño gráfico 2021 seguirán apostando por formas geométricas en vez de figuras abstractas. La tendencia flat y la era minimalista han evolucionado. A ello se le suma la asimetría que ha revolucionado el mundo UI (User Interface). El resultado ha traído consigo una nueva manera de ver las formas básicas y los colores en los diseños. Las formas simétricas y asimétricas de los colores han renacido y forman parte de la nueva tendencia. Su uso lo podemos ver reflejado en el branding para marcas, por ejemplo. - Otra de las tendencias de diseño gráfico para el 2021 será su inspiración en la naturaleza De la mano del diseño gráfico minimalista, este movimiento inspirado en escenarios de la naturaleza le da una vuelta de rosca a la tendencia general del diseño que pretende relajar y descontracturar. Debido al contexto mundial de pandemia, muchas personas necesitan salir de sus casas, aunque sea de forma metafórica y aquí están los diseñadores para hacer de las suyas. Las tendencias en el diseño no son un capricho, sino que responden al contexto en cual se insertan y no pudo dejar de lado al COVID-19.

- Tipografías.

- El diseño de animación digital.

Las tipografías han tomado un rol bastante importante en las tendencias de este año. Por ejemplo, algunas marcas de bebidas y moda han optado por este recurso que ya veíamos desde el 2019. Los outlines en los textos aparecieron para quedarse, siendo la tipografía cinética uno de los principales potenciadores. Esta tendencia de diseño gráfico 2021 podemos verla en proyectos como los de Dia Studio, que utiliza este tipo de tipografía y la repetición de palabras. Recuerda que el uso de estos recursos tipográficos le dará versatilidad y equilibrio a tus composiciones. ¿Te animas a usarlos?

Aunque suene reiterativo, la animación digital es una de las maneras más efectivas y poderosas para dar vida a una marca o un personaje. Se trata de dar una sensación de movimiento a gráficos, dibujos o imágenes. Las últimas actualizaciones de los programas de animación digital traerán nuevas propuestas para el 2021. Son una tendenciaconsiderablemente relevante en el diseño gráfico, pues no sólo es muy popular en la industria del entretenimiento, también está relacionada al diseño de páginas web funcionales. Esta tendencia de diseño juega un papel esencial para que el usuario entienda cómo funciona el sistema de la plataforma. 7

ILUSTRACIÒN EN

De entre las nuevas tendencias de diseño El Arte 3D utiliza los gráficos de ordenador para crear imágenes en tres dimensiones para videojuegos, cine, publicidad y otras muchas áreas creativas. Las técnicas de animación por ordenador en 3D producen resultados mucho más realistas que la Animación 2D.

El modelado 3D está en todo lugar y se ha establecido como uno de los estilos de ilustración 2021. Si bien el modelado 3D está asociado al mundo de la animación, otras técnicas artísticas han visto en la representación de objetos tridimensionales una fuente de inspiración para sus creaciones. Este es el caso de algunos ilustradores que han tomado los principios del modelado 3D para darle una sensación de volumen y movimiento a sus ilustraciones. ¡Una tendencia de diseño que no puedes dejar escapar!

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¿Cómo se hace el arte 3D? El arte 3D se crea mediante la manipulación de mallas poligonales y moldeado de objetos, personajes y escenas. En actualidad, el arte 3D se utiliza en todo, desde anuncios impresos, a sitios web, televisión, películas, videojuegos y mucho más.Las tareas de los artistas 3D pueden desglosarse en las siguientes: Modelado: El modelado es la creación de mallas 3D para crear formas. Texturizado: El texturizado es la aplicación de las superficies de la malla 3D para simular materiales reales. Una superficie acabada puede ser en realidad una combinación de muchas texturas que simulan las características tales como la rugosidad, la transparencia, la reflexión, la difusión, etc. Iluminación: La iluminación es la colocación de fuentes de luz dentro de una escena 3D. Al igual que la realidad hay muchos tipos diferentes de luces que también tienen muchas características diferentes. VFX: Supervisar los efectos y simulaciones, sistemas de partículas para construir humo, agua, polvo, etc. Animación: La animaciónes otorga el movimiento dentro de una escena. Composición: La composición es la mezcla de imagen real con escenas un objetos 3D.

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DISEÑADORES SALVADOREÑOS TRIUNFAN EN LA REGIÓN

Iván Castro y Óscar Sermeño participaron en los "Latin American Design Awards” ganando en la categoría “Branding”. Su pieza “Shithole” compitió con otras de los mejores creativos de Latinoamérica. En diciembre del 2018, los diseñadores salvadoreños Iván Castro y Óscar Sermeño clasificaron como finalistas de los “Latin American Design Awards (LAD Awards)”, en la categoría “Branding”. El pasado viernes 8 de marzo, recibieron la noticia de haber ganado frente a una dura competencia. “¡Fue una gran sorpresa! Estábamos en un evento cuando una amiga se acercó a felicitarnos. Nos dijo que su novio estaba en el festival en Perú y escuchó que anunciaron a los ganadores que éramos nosotros. Lo verificamos al día siguiente en las redes sociales… Fue inesperado… Había más de 60 finalistas de México, Colombia, Brasil y Argentina con excelentes

piezas de diseño”, recordó Sermeño. La pieza con la que compitieron, “Shithole”, surgió de los comentarios racistas y discriminatorios que hizo el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, el año pasado, al referirse a países con problemas migratorios como El Salvador. De ahí nació el reto para los diseñadores de brindarle una identidad gráfica a los conceptos que distorsionan la imagen de los salvadoreños. En diciembre del 2018, los diseñadores Iván Castro y Óscar Sermeño clasificaroncomo finalistas de los “Latin American Design Awards (LAD Awards)”, en la categoría “Branding”. El pasado viernes 8 de marzo, recibieron la noticia de haber

ganado frente a una dura competencia. La pieza con la que compitieron, “Shithole”, surgió de los comentarios racistas y discriminatorios que hizo el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, el año pasado, al referirse a países con problemas migratorios como El Salvador. De ahí nació el reto para los diseñadores de brindarle una identidad gráfica a los conceptos que distorsionan la imagen de los salvadoreños. Su libro "La hora no marcada" es considerado por la plataforma de comercio electrónico como uno de los 100 textos más consumidos. La categoría “Branding” está enfocada en crear o mostrar gráficamente la identidad de un evento, marca o festival. Por eso, ambos creativos decidieron hacer algo más que un logo. “’Shithole’ significa lo que los demás piensan que eres, una percepción fundamentada sobre cómo te ven, lo que dicen de ti y qué sentimientos despiertan en tu interior”, sostuvieron los ganadores.

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DISEÑADORES GRÁFICOS Y SU PAPEL EN TIEMPO DE CORONAVIRUS Y de repente, de un día para otro, nos encontramos ante una pandemia mundial a causa del coronavirus, con la sanidad colapsada y unas medidas restrictivas para mantenernos confinados en casa. Todo ello para evitar la propagación y el contagio del propio virus. Parece de película, ¿verdad?. Una situación difícil y compleja a la que todos nos enfrentamos de la manera más positiva posible. compartiendo cursos. Fue el tiempo perfecto para aprender nuevas técnicas y herramientas de diseño en el tiempo que, sin cuarentena, pasarían generalmente en el tráfico. Virginia Cruz, diseñadora gráfica y catedrática de la Universidad del Istmo (UNIS), explica que, gracias a la tecnología, el trabajo en casa se puede realizar de la misma manera como en una oficina. Lo único que se necesita es: Internet, computadora o una Tablet y programas de diseño. La tecnología también permite hacer vídeo llamadas con los clientes, mandarles los artes por diferentes plataformas. Incluso pueden enviarlo por chats para que lo apruebe desde esa vía. La tecnología es un aliado en estos momentos para los diseñadores. 10

Por otro lado, si eres estudiante de diseño y quieres en algún momento dedicarte a ser freelancer, , esta será tú oportunidad para poder tener la experiencia de trabajar desde casa.

Virginia recomienda asignar un espacio en tu hogar que se convierta en tu escritorio de trabajo (lo más alejado de la cama o de la televisión). ). Esto permitirá que tu mente se concentre como si estuvieras en una oficina. “Los diseñadores pueden adaptarse a cualquier entorno, solo necesitamos un lugar de trabajo y nuestra computadora”, afirma Virginia. Además, en esta carrera, la organización es la clave del éxito para poder trabajar desde casa.

Durante la cuarentena también se pudo aprender mucho. Fue un tiempo para sacarle provecho al máximo, ya que varias plataformas compartieron, y aun siguen compartiendo cursos. Fue el tiempo perfecto para aprender nuevas técnicas y herramientas de diseño en el tiempo que, sin cuarentena, pasarían generalmente en el tráfico. Esta carrera se ha caracterizado por entregarse al cien por ciento en cada arte que realiza. Mientras diseñan, las horas se pasan volando y casi siempre se pasan de su hora de salida en el trabajo. En estos tiempos de home office, el diseño es un gran aliado para la sociedad, los diseñadores tienen la oportunidad de comunicar a la sociedad de una manera más agradable y también aprovechan el tiempo para pasar más tiempo en familia, hacer ejercicio o aprender más sobre este apasionante mundo del diseño. La actual crisis por la que atraviesa el mundo con la pandemia global del COVID19 está afectando a todos los sectores profesionales. Surgiendo así las necesidades por parte de empresas y profesionales por el diseño gráfico, ayudando increiblemente, este servicio a combatir el coronavirus.

DIGRART Estudiantes de tercer año de la Escuela de Artes de la opción Diseño Gráfico en la Universidad de El Salvador, comenta su experiencia en días de cuarentena y sus expectativas para un regreso a clases presencial.

Para algunos, el tiempo de confinamiento fue algo "normal", debido a que muchos no salian de sus casas más que solo a la universidad. Sin embargo, no fue así con las clases vistuales. Ese es el caso de algunos estudiantes: "Se tuvo que lidiar con muchas cosas, aunque no se me dificultó no adaptarme del todo ya que antes no salia más que a la universidad. Pienso que las clases presenciales son muy importantes y no podemos comparar lo virtual con lo presencial. En clases prácticas como Diseño me gustaría recibir las clases presencial, para poder tener una mejor práctica de los trabajos y desarrollarlos de mejor manera, no es lo mismo preguntar por mensaje que el hecho de que te asesoren directaente". Alejandra Lopéz comentó.

"La modalidad de estudiar en línea fue algo que nos lo impusieron de golpe, y tanto alumnos como maestros tuvieron, o mejor dicho, tuvumos que pasar por una fase de adaptamiento. En primer lugar no todos contabamos con las posibilidades de tener internet permanente. Al igual que con la entrega de los tareas, dependiendo de como pesara el documento así era de

intentar varias veces hasta lograr subirlo a las plataformas. En cuanto al regreso a clases, yo esperaría aprender más de lo que aprendí en modalidad virtual. Es mucho mejor recibir una clase en directo, al momento de corregir si los docentes ven que hay errores. Así que esperaría su funcionalidad sea mejor que la de en líne". Ingrid Durán comentò.

El estrès por la cuarentena comenzo un mes despuès. Ya no era solo la carga acadèmica, sino tambièn las nuevas responsabilidades sanitarias en el hogar. Era dificil encargarse solamente mi persona de esas cosas y estar al pendiente de las clases. La clase de diseño fue una de las que màs costo, no fue un total agrado. Hubieron muchos fallos y hubiera preferido cursarla al 100% en presencial. A todo esto, me contagiè de COVID y por la negligencia de las unidades de salud, no obtuve una constancia mèdica que me respaldara, para presentarla a los docentes Esperò que para el otro ciclo si podamos cursas màs materias pràcticas, y teòricas, en modalidad presencial. Beatriz Perez, comentò. 11

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El valor de rótulos y carteles antiguos de Cuenca como patrimonio gráfico. La Red Ibérica en defensa del Patrimonio Gráfico trabaja en toda España para salvaguardar y proteger la gráfica comercial Tal vez usted tenga en la memoria algunos de esos viejos carteles o rótulos que anunciaban negocios, locales comerciales, gasolineras, servicios… Algunos de ellos aún perviven en nuestras calles como testigos del paso del tiempo. Logotipos antiguos, tipologías de letras en desuso, anuncios de productos ya inexistentes. Algunos carteles se han hecho populares gracias a su aparición en películas, como el de Schweppes de la plaza de Callao de Madrid, pero esa suerte no la han tenido todos.

Algunos sobreviven al deterioro abandonados en fachadas o cornisas mientras el tiempo y la gravedad arrastran al suelo letras sueltas o azulejos rotos o desprendidos. Mientras esto ocurre, un grupo de personas, con inquietudes retrospectivas y aficionados a la fotografía, retratan y catalogan ese patrimonio gráfico que aún perdura en calles y plazas de pueblos y ciudades, para dar testimonio de la gráfica comercial que nos atraía con su colorido hacia un determinado

negocio o nos hacía parar en los viajes de carretera. En Hoy por Hoy Cuenca hemos hablado con dos aficionados conquenses a retratar este patrimonio gráfico. Álvaro de la Ossa es de Tarancón, publica sus fotografías en la cuenta de Instagram Retrorotulo y pertenece a la Red Ibérica en defensa del Patrimonio Gráfico, asociación creada a principios de 2020 y que trabaja con ese objetivo de salvaguardar y proteger toda la gráfica comercial de nuestras calles 13

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como patrimonio gráfico. Marcos Chumillas es de Cuenca y enfoca su objetivo hacia los coches antiguos y publica sus fotos también de cartelería antigua en la cuenta de Instagram socram_horizon. “Quizás por el hecho de no haber vivido esa época es por lo que me sugiere tanta curiosidad”, apunta Chumillas. Podéis escuchar la entrevista a continuación: Desde la Red Ibérica en defensa del Patrimonio Gráfico “intentamos que si en los locales con rótulos antiguos entra una nueva gerencia,

que lo sigan manteniendo, aunque eso pocas veces se da”, explica Álvaro de la Ossa. “Procuramos entrar en contacto con los propietarios del local, intentamos que nos cedan el cartel si lo van a tirar, nosotros lo guardamos e incluso lo restauramos para

exponerlo en alguna de las exposiciones que queremos hacer”. Sobre la Red Ibérica en defensa del Patrimonio Gráfico, De la Ossa explica que “cualquiera puede ser custodio, avisarnos si hay algún rótulo cercano en riesgo y vigilar si va a empezar una obra y corre riesgo de desaparecer”.

Los rótulos de nuestra vida ¿Qué es el patrimonio? ¿Es tan importante conservar un edificio de arquitectura barroca como el rótulo de la Mercería Manoli? ¿No debe el valor patrimonial construirse de forma colectiva? Son algunas de las preguntas que la Red Ibérica en Defensa del Patrimonio Gráfico queire poner sobre la mesa. Formada por colectivos afines repartidos por toda España, la red tiene por objetivo preseservar y 14

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San Salvador

Formada por colectivos afines repartidos por toda España, la red tiene por objetivo preseservar y reivindicar letreros comerciales que durante décadas han formado parte de la imagen de todas las ciudades. “La historia de la estética es el envoltorio emocional de un país”, asegura Alberto Graco, miembro de esta red de rescatadores de rótulos. Sostiene que poner en valor el patrimonio gráfico "es una manera de proteger la ciudad y puede ser efectivo para luchar contra la especulación, la turistización y contra el hecho de que todas las ciudades del mundo se parezcan tanto entre ellas". El escenario ideal para los miembros de la red sería conseguir proteger al máximo los letreros. Es decir, que, aunque un local tradicional cerrara sus puertas porque lo comprara una super cadena de restauración, el rótulo se preservara en honor a lo que fue ese lugar. Sin embargo, lo más habitual es que eso no pase. Es entonces cuando intentan hacerse con el letrero en cuestión para que no acabe en un vertedero. Así han llegado a acumular más de 150 en una nave industrial en Santa Cruz de la Zarza (Toledo). Esta colección, sumadas a las que hay en Lisboa, Santander, Sevilla o Jaén, "son mucho más potentes en conjunto que como un rótulo suelto". Y, en este sentido, el objetivo final es que algún día se puedan mostrar en un museo. 15

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Pero, ¿por qué es necesario recuperar un letrero roñoso de metacrilato que lleva 60 años en la puerta de un bar? "El rótulo feo es más eficaz para proteger la ciudad y construirla desde abajo que ponernos a defender los grandes monumentos. El rótulo de plastiquillo, que no tiene el valor del hierro o el neón, son las que más le gustan a la gente", explica Graco, que ensalza el "valor económico y social" que tiene implicar a los vecinos –o al tendero que va a tirar el rótulo de su tienda– en la conservación de un patrimonio que, por su perduración, nos explica y nos pertenece a todos.

En nuestro país, El Salvador, la historia no salemente se encuentra en los lugares arqueológicos, o espacios dedicados al arte y a la tradición. Sino también, en aquellos pocos carteles que conserva la capital de San Salvador. Es el caso de el ex cine Libertad del centro de San Salvador. Que a causa del terremoto de 1986 quedó dañado, dejando de ser un espacio de entretenimiento para mucha gente de barrios como El Calvaroi, Candelaria, La Vega, San Esteban o concepción. Alguno de los elementos más destacados del paisaje urbano son los rótulos, que de forma dinámica y atractiva, representan a las empresa, instituciones y todo tipo de entidades de cara al público.

El rótulo tiene dos funciones principales: actuar como señuelo e identificador al mismo tiempo, y ayudar a acicalar el entorno de quien reclama nuestra atención. La creatividad y las posibilidades a la hora de crear rótulos puede ser ilimitada, pero deben establecerse ciertos baremos de equilibrio, para que los rótulos convivan armónicamente con el contexto que les rodea. Muchos son los factores que influyen en la "personalidad" de las ciudades, tal como lo mencionamos antes, la arquitectura, la actividad económica, y por supuesto, como bien lo hemos de notar en las fotografías presentadas, los rótulos o carteles tipográficos.

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Así mismo, el Grand Majestic o Cine Maesctic, despues de 51 años de funcionamiento, ha cerrado sus puertas. Este era el último cine que funcionaba en el centro de San Salvador.

La cadena de cines comenzo a funcionar y a crecer hasta llegar a poseer 31 salas en todo el territorio. Para finales de los 70, San Salvador llegó a tener 42 salas de cine, y en todo el país se sumaban casi 100,

porque habian 6 en Santa Ana, 5 en Salvador, 2 en Chalchuapa, 2 en Ahuachapán y dos en casi toas las cabeceras. Cines como el Libertad y el Apolo recibieron artistas de la talla de Pedro Infante. Al igual que los anteriores, este es un cine con una increíble fachada, muy imponente y una tipografía única. Hace dos años La Asociación Cultural el Azoro logró un acuerdo con los propietarios del inmueble y se firmó un convenio para hacer funcionar el lugar, ahora, como un centro para la cultura y el arte. La intervención cultural de estas asociaciones permitirá darle otra cara y se planteo que será un "espacio eco amigable", transparente y se planteará como un laboratorio escénico para diferentes tipos de artistas y público en general. Sería que se dicho acuerdo se cumpliera y pudieramos darle el valor a cada edificio que ahora forma parte de nuestra historia, contribuyendo así de forma notable en la construccion de la imagen y la identidad de ciudad. 17

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El concurso iF DESIGN AWARD ofrece un 2×1 en las inscripciones 2022. BE NE FÍ CIA TE

De las ventajas del concurso de diseño internacional iF DESIGN AWARD en su nueva edición 2022. Como ayuda en estos tiempos de dificultades, el certamen ofrece dos inscripciones por el precio de una para los registros antes del 30 de junio 2021.

Un concurso de diseño casi septuagenario

La primera edición del concurso iF DESIGN AWARD se remonta al año 1953. Organizado desde Alemania, pero de carácter internacional, a lo largo de casi setenta años el certamen ha logrado posicionarse como uno de los más reconocidos y prestigiosos del sector. Cada año, premia el diseño sobresaliente y su relevancia para la economía y la sociedad. Dirigido a diseñadores profesionales, fabricantes, arquitectos e interioristas, el concurso cuenta siempre con un jurado de renombre internacional que evalúa todas las propuestas presentadas.

Ventajas early birds

Como ocurriera en la edición 2021, la organización ha decidido ofrecer una ayuda a los participantes regalando una segunda inscripción a las empresas y diseñadores que se registren en periodo early birds. De esta manera, hasta el 30 de junio, podrán inscribir dos productos por el precio de uno. El diseño español, reconocido internacionalmente Diseñadores y empresas españolas suelen destacar entre los ganadores del iF DESIGN AWARD. En los últimos cuatro años, se ha reconocido el trabajo de Simon, Nacar Design, Estudi Antoni

Arola, Resol, Lievore Altherr Molina, Santa & Cole y Pensi Design Studio como las empresas más TOP de diseño. En la última edición, celebrada hace pocos meses, se presentaron 9.509 proyectos de 52 países. 1.744 fueron reconocidos con un iF DESIGN AWARD. Entre ellos, 81 españoles, como la máquina de café Tandem de Iberital, diseñada por ACID (el estudio de Andreu Carulla) o la fresadora Axia de Nacar Design para el Grupo Nicolás Correa (iF Gold Award). Para inscribisrte visita: fworlddesignguide.com o también: diariodesign.com

¡ARTE PARA TODOS!

Sala de Exposiciones San Jacinto Exposición de réplicas de la Colección Nacional de Artes Visuales Abierta hasta diciembre Exposición fotográfica «Maestros de la imagen y el espacio 2021»

Sala Nacional de Exposiciones Salarrué Exposición de artes visuales “Transiciones 1981-2021” Abierta hasta el 8 de agosto

Abierta hasta el 16 de julio

Martes a domingo de 10:00 a. m. a 4:00 p. m.

Miércoles a domingo de 10:00 a. m. a 4:00 p. m.

Recorridos de no más de 15 minutos

Recorridos de no más de 15 minutos Aforo: 10 personas por visita

Aforo: 10 personas por visita Entrada gratis

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Sala de Exposiciones del Aeropuerto Internacional Abierta hasta el 13 de junio Exposición de artes visuales Caleidoscopio: El arte del reciclaje de Cristina Pineda Fagioli Muestra enmarcada en la conmemoración del Día Internacional de la Mujer

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Las 10 mejores tabletas gráficas de 2021

Una Tableta Gráfica o también llamada Tableta Digitalizadora, es un dispositivo externo, que se conecta a una computadora mediante un cable USD o de forma inalámbrica por medio de la tecnología del bluetooth y que permite mediante un bolígrafo o lápiz dibujar directamente sobre la tableta viendo los resultados en el ordenador. Estos dispositivos, gracias a sus niveles de de sensibilidad permiten detectar la presión y el ángulo del trazo, logrando efectos muy realistas, como si fuesen hechos en un papel con un lápiz tradicional. ¿Para qué sirve? La tableta gráfica sirve para dibujar, pintar, tomar apuntes, efectuar modelados 3D y ser usada para desplazarse en la pantalla como el ratón (mouse).

Su uso estaba enfocado a ilustradores, diseñadores o arquitectos, pero hoy en día sus precios más bajos debido al avance de las tecnologías, han permitido que estos dispositivos estén al alcance de todos, pudiendo encontrar en tiendas online modelos de tabletas gráficas

y casi dará igual el tamaño que escojas, pero cuando ya te acostumbras a una y llevas un tiempo usando, lo aconsejable al comprar una nueva tableta es mantener el tamaño o aumentarlo, tableta es mantener el tamaño o aumentarlo, no.

Una guía de compra pormenorizada con 10. Ugee M708 la que conseguirás Ideal para principiantes con encontrar la mejor el presupuesto ajustado La Ugee M708 es una tableta gráfica excelente elección para usuarios que dependiendo de tus aquellos quieran iniciarse en el diseño gráfico sin gastar un dineral necesidades muy económicas y con características bastante profesionales. La verdad es que cuando te acostumbras a usar una tableta gráfica, te das cuenta que tratar de dibujar con el ratón o mouse es como martillar un clavo con un alicate, ya que la precisión que alcanzas con la tableta es incomparable a la del mouse.

por ello, ya que ofrece buenas prestaciones a la mitad de precio que otras tabletas gráficas similares.

Se trata de una tableta gráfica de 10 x 6 pulgadas y 8.192 puntos de presión que ofrecen una gran precisión. Se conecta por USB

Si estas pensando en comprar tu primera tableta gráfica y no has tenido experiencia previa, te costara algunos días en acostumbrarte a su uso 21

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al ordenador y no provoca ningún retraso apreciable en la respuesta, y es compatible con la mayoría de sistemas operativos y programas de edición. Incluye 8 teclas de función rápida en la propia tableta mientras que el lápiz óptico, que funciona a pilas, incorpora dos más. Sin duda, una elección perfecta si no tienes demasiado presupuesto y buscas una tableta gráfica completa y de calidad. Peso: 0,65 kg | Tamaño: 35,8 x 21,1 x 0,8 cm | Superficie: 10” | Niveles presión: 8.192

Por un precio muy competitivo comparado con modelos que ofrecen prestaciones similares, esta tableta gráfica ofrece una pantalla con resolución Full HD y excelente representación del color. Si lo prefieres, puedes elegir entre otros dos modelos de menor tamaño: • Huion Kamvas Pro 13 (13,3’’) • Huion Kamvas Pro 12 (11,6’’) Peso: 1,2 kg | Tamaño: 43,8 x 25,1 x 1,15 cm | Pantalla: 15,6” | Niveles presión: 8.192 | Resolución: 1.920 x 1.080 px

con otras marcas más desconocidas. La One by Wacom de segunda generación es una gran opción para principiantes que no tienen muy claro si quieren invertir demasiado en esto.

9. HUION Kamvas Pro 16

8. One by Wacom

7. XPen Star 06

Una tableta ideal para iniciarse con pantalla Si estás empezando en el diseño gráfico digital y prefieres una tableta con pantalla incorporada para vivir una experiencia lo más parecida posible a trabajar sobre papel, la HUION Kamvas Pro 16 es una buena elección.

Para iniciarse en el dibujo digital de la mano de Wacom One by Wacom es una tableta gráfica sencilla, sin grandes extras pero con la fiabilidad de la marca Wacom. Por un precio muy razonable consigues un dispositivo de buen funcionamiento, sin jugártela

Una tableta sin cables económica y de alta precisión La XPen Star 06 es una tableta minimalista y delgada con una superficie de trabajo de 10 x 6 pulgadas bastante manejable y con un buen tiempo de respuesta y precisión.

DIGRART Puedes usarla conectada con USB al ordenador o en modo inalámbrico. Para eso tiene una batería de 1.050 mAh, de carga rápida. En dos horas de carga consigues unas 16 horas de uso independiente. Como punto mejorable, el lápiz no es muy ergonómico (sobre todo si estás acostumbrado a Wacom). A cambio, funciona sin batería e incluye la función borrado en el mango. Peso: 0,67 kg | Tamaño: 35,4 x 22 x 0,99 cm | Superficie: 16,1” | Niveles presión: 8.192

Presenta 8.192 niveles de presión, cuatro veces mayor que la mayoría de tabletas de gama similar. Su lápiz óptico funciona sin batería, no necesitarás recargarlo ni cambiar las pilas, y presenta una excelente adaptación a la inclinación. Es compatible con Windows, Mac, y la mayoría de software de edición gráfica como Adobe Photoshop, Autodesk Sketchbook, Illustrator, Corel Painter o Manga Studio. Peso: 1,22 kg | Tamaño: 42 x 25,2 x 4,2 cm | Superficie: 10” | Niveles presión: 8.192

En su zona lateral incorpora 12 teclas de función rápida junto con 16 atajos multifunción en la parte superior. No es tan personalizable como las tabletas Wacom, pero incluye un estupendo lápiz óptico recargable con dos teclas customizables, capaz de competir con los lápices de modelos mucho más caros. Peso: 0,77 kg | Tamaño: 36 x 24 x 1 cm | Superficie: 10” | Niveles presión: 8.192

6. Huion H610 Pro V2

5. Huion 1060 Plus

4. Wacom Intuos M

Una tableta muy completa por menos de 100 euros Por un precio muy ajustado encontrarás la Huion H610 Pro V2, una versión mejorada del anterior modelo, que presenta la mayoría de funciones y características de tabletas mucho más caras.

Una tableta de bajo coste para usuarios exigentes La Huion 1060 Plus es la evolución de la exitosa y popular Huion 1060 Pro, y presenta una gran superficie de dibujo con unos impresionantes 8.192 niveles de presión.

La mejor Wacom para usuarios intermedios Diseñada específicamente para aquellos que se están iniciando en el diseño gráfico. Fiable y manejable, ofrece 4.069 puntos de presión para obtener una buena variedad en el trazo de las líneas.

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Al ser reversible (ideal para zurdos) ofrece una excelente calidad y ergonomía. Su superficie imita la textura del papel, facilitando la experiencia de usuario. Incluye de serie varias aplicaciones para poder trabajar con dibujos, 3D o fotografía.Es compatible con Mac, Windows y con cualquier dispositivo Android, y además prescinde de cables y se conecta inalámbricamente mediante cable USB o Bluetooth. Incluye tres puntas de distinto grosor para personalizar el lápiz óptico, que además funciona sin batería. Peso: 0,41 kg | Tamaño: 26,4 x 20 x 0,88 cm | Superficie: 10” | Niveles presión: 4.069

Su precio la enfoca claramente a un uso avanzado y profesional, pero si buscas una tableta gráfica con pantalla que vaya a durarte muchos años al más alto nivel, esta es tu mejor opción. Su espectacular lápiz óptico Pro Pen 2 presenta 8.192 niveles de presión, funciona sin batería e incorpora el mejor reconocimiento de inclinación que hemos visto y 3 botones personalizables. Impresionante pantalla 4K IPS presenta definición y fidelidad de color. Peso: 1,5 kg | Tamaño: 41 x 26,5 x 1,7 cm | Pantalla: 15,6” | Niveles presión: 8.192 | Resolución: 3.840 x 2.160 px

Además de su lápiz ópticos más cómodos del mercado (funciona sin batería) con función de borrado en la parte trasera, la tableta incorpora un práctico círculo táctil en la parte izquierda que te permite hacer scroll, rotar, zoom, cambiar capas o modificar el grosor del pincel de forma intuitiva. Pequeña Peso: 0,66 kg | Tamaño: 32 x 20,8 x 1,2 cm | Superficie: 6,2” | Niveles presión: 2.048 Mediana Peso: 0,7 kg | Tamaño: 33,8 x 21,9 x 0,8 cm | Superficie: 8,7” | Niveles presión: 8.192 Grande Peso: 1,3 kg | Tamaño: 43 x 28,7 x 0,8 cm | Superficie: 12,1” | Niveles presión: 8.192

3. Wacom Cintiq Pro

2. Wacom Intuos Pro

1. Wacom Intuos

La pantalla más impresionante en una tableta gráfica La segunda tableta gráfica con pantalla de este listado es la Wacom Cintiq Pro, y entra de lleno en el podio gracias a sus impresionantes prestaciones y exquisita fiabilidad.

La mejor opción para usuarios avanzados Si ya tienes una tableta gráfica y quieres dar un salto de calidad o vas a darle un uso profesional durante muchos años, la Wacom Intuos Pro debería ser tu elección por defecto.

La mejor tablet para iniciarse y progresar en el diseño gráfico La gama de tabletas gráficas Intuos se ha renovado recientemente para unificar todas sus versiones en un único modelo más avanzado.

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Día a día utilizamos todo tipo de productos, bebidas, comida, productos de baño, cosméticos, perfumes… y todos ellos se encuentran dentro de un recipiente distinto, dependiendo cual sea su contenido. Pues bien, estos recipientes (cajas, bolsas, botes de cristal o plástico) es lo que se conoce como diseño de packaging, es decir, un empaquetado del producto con un diseño concreto. Y, esto lo vemos desde los más simples como son los tubos y cajas donde va la pasta de dientes o, los cartones y botellas de leche que compramos en el supermercado, hasta diseños muy elaborados, como por ejemplo, la alta perfumería, o algunos tipos de productos de baño. ¿Qué es el diseño de packaging?

Diseño de packaging:

¡MUCHO MÁS QUE SIMPLES ENVASES!

El diseño de packaging contiene, protege, transporta, informa y vende. Si se le quiere dar una definición, el packaging hace referencia a todo aquello que implica la protección de un producto para su venta y distribución, es decir, los envases, envoltorios, y etiquetados de cualquier producto comercial.

Pero no es así, el diseño de packaging va mucho más allá. Desde el punto de vista del marketing, del diseño y de la comunicación, se trata de una carta de presentación del producto, por lo que su objetivo primario es el de captar la atención del consumidor y, así, actuar como el medio de comunicación con el consumidor. Es por ello que esta presentación del producto condicionará de manera directa que el producto tenga éxito o no. Esto va más allá de la propia calidad del producto, no importa lo bueno o superior que sea respecto a otros o la cantidad de publicidad que tenga, pues finalmente es el consumidor el que decide si lo compra o no y, lo primero que ve de éste es la etiqueta y el recipiente que lo presenta. Y, esto nos lleva al momento de comunicación entre el producto y el consumidor, en el que el mensaje es el propio diseño de packaging. Todo esto nos lleva a la siguiente pregunta, ¿qué es un buen diseño de packaging? Está claro que un buen diseño de packaging, más perdurable será la imagen de la marca del producto. Por ello es muy importante tener presente siempre, que el diseño sea atractivo, funcional y reutilizable. Para que éste se convierta en una parte valiosa del producto final. 26

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Y para llegar al resultado de un buen y exitoso diseño de packaging, hay que tener en cuenta varios aspectos. Donde el primero y más importante es tener en cuenta el tipo de producto para el que se va a diseñar el packaging. Después de un estudio del producto, hay estudiar otros aspectos como son: El estudio de la empresa que desarrolla el producto. En el que hay que tener muy en cuenta sus aspectos comerciales, como son, los antecedentes en la comercialización de otros productos similares, los canales que utilizan para su distribución (tienda física, online), el tipo de publicidad que se hace de sus productos (televisiva, cartelería, web), y el tipo de público al que dirigen sus productos. De éste primero, hay que tener muy en cuenta el aspecto del público al que va dirigido “target”. Ya que una empresa puede llevar a cabo la realización de distintos productos dirigidos a una amplia variedad de público. Así pues, cada producto tendrá un público determinado por lo que es un aspecto a tener en cuenta a la hora de la creación y diseño de packaging. Pues debe adecuarse al tipo de consumidor al que va dirigido, para que tenga una buena aceptación.

Otro aspecto muy importante es el estudio de su propia imagen, es decir, de la imagen comercial de la propia compañía, su entidad corporativa, el estilo de la misma, como se mueve en el mundo del diseño…

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¡No nos olvidemos de la competencia! Ahora bien, además de los estudios propios, hay que tener en cuenta el estudio de la competencia, pues el mundo de la publicidad y la venta, no deja de ser una constante competición contra otras marcas y, hay que conocer muy bien a los rivales directos, tanto para saber qué podemos hacer para sobresalir, así como para no cometer plagios, lo que supondría un problema para la empresa. Finalmente encontramos otros aspectos a tener en cuenta, desde un punto de vista más funcional, como son los relacionados con la distribución del producto, en el que hay que tener en cuenta el tipo de almacenamiento del mismo, los distintos destinos, el transporte que se utiliza, etc. Y por otro lado los aspectos legales, pues hay que conocer todo aquello que implica legalidad e ilegalidad a la hora de llevar a cabo el diseño de un producto en competencia con otros. ¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de llevar a cabo el diseño estructural de un packaging? En primer lugar hay que tener en cuenta el producto que va a contener. Por ejemplo, si estamos hablando de un perfume, este requeriría dos tipos de envases, uno que contenga el líquido y otro que contenga el recipiente y lo proteja.

Podríamos decir, que el primer diseño estructural es más libre, aunque con unas medidas de contenido estándar. El diseño de su forma es libre, mientras que el diseño del envase que lo contendrá tendrá que ajustarse a la forma y tamaño del miso, de manera que su forma será más estándar y, con menos libertad de diseño. Por otro lado hay que tener en cuenta la composición del producto que se va a contener, ya que no es lo mismo que el

producto sea de naturaleza sólida o líquida, o por ejemplo, de cristal o de plástico. El tamaño y la forma también es importante para un buen diseño de packaging, pues esto condicionará el diseño estructural del envoltorio. El peso y densidad, pues dependiendo de esto el envase podrá ser de un material u otro y de un tamaño u otro.

La fragilidad y la resistencia del producto, pues si es muy frágil necesitaremos un envase que lo proteja de posibles golpes. La ergonomía, es decir, como se maneja el envase. Es importante que sea sencillo, para lo que habrá que valorar el público al que va dirigido. Un diseño personalizado y adaptado al consumidor Así tendremos un diseño de packaging totalmente adaptado al consumidor, con toques personales y formas muy

llamativas de captar la atención y de ir más allá del mero concepto de protección del producto. Cuando vayas a una perfumería o a cualquier tipo de tienda, párate un poco y fíjate en la gran variedad de diseños que contienen a los distintos productos. Te sorprenderá ver como desde el producto más simple hasta el más exquisito, cuida el tipo de envase que lo va a contener, para despertar tu atención. 27

11 Herramientas gratuitas para crear paletas de colores en 2021

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Diseñadores nos hablan de sus herramientas favoritas para crear paletas de color para sus proyectos

El color no es solo un acompañante de las formas sino que puede ser un elemento fundamental en tus proyectos creativos. De hecho, es uno de los elementos clave para que el resultado final resulte coherente y agradable a la vista en todas las disciplinas del arte. Por eso conviene planificar esta cuestión desde el inicio. Crear y seleccionar la paleta de color idónea es un arte que no muchos dominan a la perfección. Las tendencias juegan un papel muy importante en la elección de los colores para ciertos diseños e ilustraciones, pero un ojo entrenado será capaz de construir una paleta ganadora con mayor facilidad. ¿Qué es la teoría del color y el círculo cromático? La teoría del color es una serie de reglas aplicables al color, que rige

independientemente de la manera en que estos estén representados, y que sirve para entender la manera en que estos se crean y se complementan entre unos y otros. En términos generales, podría decirse que el círculo cromático es el lugar donde "viven" los colores y donde mejor podemos comprender cómo se relacionan unos con otros. El círculo cromático ordena de manera secuencial la progresión de los colores. ¿Cómo crear y seleccionar la paleta de color? Para ayudarte a crear gamas cromáticas perfectas para tus proyectos existen varias herramientas gratuitas. A continuación, cuatro profesores de Domestika comparten contigo sus favoritas para crear tus propias paletas de color. Todos ellos son expertos en disciplinas como el diseño textil, el diseño gráfico, la ilustración digital o el interiorismo.

1. Color Lisa Se trata de una colección de paletas de colores extraídas directamente de las obras de algunos de los más célebres artistas de todos los tiempos. Así, podemos inspirarnos en pinturas como El hijo del hombre, de René Magritte; Gravitation, de M. C. Escher o Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, de Georges Seurat –por nombrar una ínfima parte de la colección– y trabajar el color como los grandes maestros. 29

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2. Adobe Kuler

Es, quizás, una de las herramientas más conocidas y utilizadas por profesionales y estudiantes de diseño y artes visuales de todo el mundo. La herramienta de Adobe para crear paletas de color es sencilla y fácil de utilizar; justo lo que necesitamos para trabajar con eficacia.

8. Color Drop

En este caso, no te propone una paleta personalizada pero sí te muestra una selección de otras para que puedas trabajar con ella. Otras funcionalidades son su convertidor de códigos y generación de gradientes. Es una herramienta más sencilla pero si encuentras la combinación de colores perfecta, no necesitarás más.

3. Color hunter

Color hunter significa, literalmente, "cazador de colores" y es precisamente eso lo que esta herramienta hace. Puedes subir un archivo desde tu ordenador y la plataforma se encargará de mostrarte automáticamente 5 colores de su paleta cromática. También puedes inspirarte con las gamas cromáticas creadas a partir de las imágenes subidas por otros usuarios.

4. Cinema Palettes Esta herramienta funciona de manera similar a lo que propone Color Lisa, pero Cinema Palettes se inspira en el cine para obtener gamas cromáticas. Es en realidad una cuenta de Twitter que, de manera periódica, publica escenas de películas con la carta de color que la identifica.

9. Colordot

Pasar el ratón por la pantalla es todo lo que deberás hacer para seleccionar el color exacto que buscas. Si lo haces de izquierda a derecha, localizarás el tono exacto y si lo haces de arriba a abajo, podrás escoger la luminosidad y saturación. También puedes añadir tú mismo colores para buscar armonías y contrastes.

Cinema P

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5. Material design palett

A partir de la elección de dos colores, se proponen combinaciones de gamas de ocho colores armónicos. Es sencilla pero muy útil cuando buscas propuesta rápidas para tu proyectos. Como curiosidad, este sitio fue desarrollado por Google

Palettes

6. Khroma

Esta herramienta está preparada para aprender qué colores te gustan y crear así paletas ilimitadas pero muy personalizadas. Después, esas preferencias las puedes ajustar según tus necesidades. Lo único que tienes que hacer para empezar, es escoger 50 tonos de todos los que te presenta. A partir de ahí, un algoritmo generador de color empezará a diseñar tu paleta para ti.

7. Colormind

Con un funcionamiento muy sencillo, te permite ver tu paleta de color aplicada en una página web. Así estarás más seguro del resultado. También puedes subir fotos para que analice sus colores y te proponga otros. Su uso es totalmente gratuito. A la hora de crear tu paleta, puedes bloquear colores para que Colormind no los incluya.

11. Coolors

Incluye dos secciones principales: Generate y Explore. En Generate, podrás generar tu propia paleta de colores. Funciona como la mayoría de estas 10. Color hunt herramientas. Añades los Color Hunt es una gran colección de paletas de color colores que tengas elegidos creada por usuarios de todo y el programa te ofrece otros que combinen. En Explore, el mundo. Uno se podría podrás encontrar las paletas pasar horas buceando que hayan generado otros entre infinitos esquemas usuarios y podrás filtrar cromáticos de lo más entre las más nuevas, las inspiradores. más votadas y selecciones.

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Victor Moscoso, el artista gallego que redefinió los carteles del rock psicodélico

Adéntrate en los maravillosos carteles psicodélicos de este artista del diseño gráfico Puede que hayas visto alguna vez uno de esos carteles o portadas de vinilo de la psicodelia de mediados de los años 60. Diseños lisérgicos donde las mezclas de colores caleidoscópicos, las letras ondulantes o la ausencia de líneas rectas ilustraban a la perfección la efervescencia de una época que alcanzó su cima en el conocido como Verano del Amor de San Francisco. 32

Lo que quizás no sepas es que uno de los grandes artífices de toda esa estética psicodélica no era estadounidense, sino gallego. Te contamos la historia de Victor Moscoso, artista gráfico y uno de los mayores exponentes del diseño gráfico asociado al rock psicodélico. Victor Moscoso nació en Vilaboa, un pequeño pueblo de A Coruña (España),

en 1936. Ese mismo año se produjo el golpe de estado que desencadenaría la Guerra Civil Española. Y un tiempo después, su padre, hijo de emigrantes gallegos en EE UU, se exilió a ese país tras sufrir amenazas de falangistas. Años más tarde, en 1940, Víctor y su madre se marcharon también de España y la familia se estableció en el neoyorquino barrio de Brooklyn.

De joven, Moscoso se formó como diseñador y artista en el Industrial Art Institute de Manhattan, en la escuela Cooper Union y en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, donde le dio clases el maestro de la Bauhaus Josef Albers. Sus enseñanzas acerca de la interacción del color serán claves en su obra posterior. Atraído por el movimiento beat, en el año 1959 Victor Moscoso viajó a la Costa Oeste, donde continuó sus estudios en el San Francisco Art Institute con el pintor estadounidense Richard Diebenkorn y el pintor y grabador Nathan Oliveira. Pero, a mediados de los años 60, su vida dio un giro psicodélico que le alejó de la pintura tradicional. Eran los últimos meses de 1965 y comenzaba a surgir en San Francisco el movimiento psicodélico. Y junto a esta nueva escena musical, también aparece una nueva escena visual, con carteles de diseñadores icónicos como Wes Wilson, Alton Kelley o Stanley Mouse. Carteles que tenían un poderoso lenguaje gráfico que enseguida llamó la atención de Moscoso. A finales de 1966, el artista abandonó la pintura y empezó a dedicarse en exclusiva al diseño de carteles de rock psicodélico.

Durante los siguientes ocho meses, Moscoso creó tres carteles de eventos a la semana para salas como The Avalon Ballroom o The Matrix.

Pero, sin duda, el núcleo de su obra y lo que le hará pasar a la historia del diseño gráfico siempre serán esos carteles que hizo justo antes del Verano del Amor, reflejo e identidad de una época que marcaría a generaciones.

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Sus carteles, basados en la rotulación distorsionada e ilegible, las imágenes descontextualizadas y el contraste cromático agresivo, Hoy en día, Victor Moscoso reflejaron la estética de la sigue viviendo en Estados contracultura estadounidense Unidos, donde pinta, hace de los años 60, anunciando collage y crea arte sin conciertos de Steve Miller ataduras. Si quieres conocer Band, The Grassroots o Grateful más sobre su obra, puedes Dead. descubrirla en la exposición Moscoso Cosmos. O universo En sus obras también visual de Victor Moscoso en aparecieron por primera vez A Coruña en la Fundación cantantes como Janis Joplin o Luis Seoane hasta octubre The Doors, que de 2021. en esa época solo habían publicado un single y tenían un año de trayectoria como banda. Pero un año después, tras cientos de carteles que ayudaron a redefinir esta estética psicodélica, Moscoso abandonó la escena para dedicarse casi en exclusiva al cómic underground. Y también puede presumir de que museos como Louvre, el Victoria & Albert Museum o en el MoMA hayan albergado algunas de sus creaciones. 33

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Bruce Nelson Blackburn y el logo "gusano" de la NASA No olvidaremos el logotipo "gusano" de la NASA, ni tampoco a su creador 34

Si eres un millennial, cuando escuches la palabra NASA, es probable que la primera imagen que te venga a la cabeza sea el logotipo conocido como "Meatball", ese logo redondo en forma de albóndiga azul (incluso podrías llevar una sudadera con ese logo mientras lees esto). Es el logotipo que la National Aeronautics and Space Administration ha utilizado durante sus mayores logros, incluido el lanzamiento del Apolo a la Luna, y que todavía se usa hoy. Diseñado por James Modarelli en 1959, un año después de que se estableciera la NASA, estaba formado por un círculo azul lleno de estrellas, un trazo rojo que representa el ala de un avión, una nave espacial orbitando el ala y esas cuatro letras mayúsculas blancas.

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Sin embargo, los miembros de la Generación X que crecieron en los años 70 podrían encontrar que esas cuatro letras recuerdan otro logotipo icónico: "Worm" (o logotipo de gusano en español), que se introdujo en 1975 como parte del Programa Federal de Mejora del Diseño de EE. UU. Bajo este esquema, se revisaron y rediseñaron los gráficos de más de 45 agencias federales. El estudio de diseño de Nueva York Danne & Blackburn recibió la tarea no solo de modernizar el logotipo de la NASA, sino de crear una identidad de marca completamente nueva. Tras la noticia de que el galardonado artista y diseñador Bruce Nelson Blackburn de Danne & Blackburn falleció a principios de este mes, a los 82 años, hoy echamos un vistazo a sus logros en diseño y el nacimiento del logotipo atemporal de la NASA. Bruce Nelson Blackburn nació en Dallas, Texas, el 2 de junio de 1938 y luego se crió en Evansville, Indiana. Obtuvo una licenciatura en diseño de la Escuela de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cincinnati. Se desempeñó como presidente nacional del Instituto Americano de Artes Gráficas (AIGA) y fue miembro de la organización

internacional de diseño Alliance Graphique Internationale (AGI). Fue autor de los “Design Standards Manuals”, que se propusieron explicar la importancia de los manuales de diseño para los diseñadores federales y cómo se pueden utilizar. Además de crear el logo de gusano, también diseñó el símbolo oficial del Bicentenario de EE. UU. Y los programas de marca y comunicaciones para IKON Office Solutions, Champion, IBM, Equistar Chemicals, Departamento de Transporte de EE. UU., Cuerpo de Ingenieros del Ejército y Prudential. Al reconocer que el logo Meatball era difícil de reproducir dadas las limitaciones de la tecnología de impresión disponible en ese momento, en respuesta a su asignación, Richard Danne y Bruce Nelson Blackburn entregaron un logotipo en NASA Red (color Pantone número 179) que era “limpio, progresivo, se podía leer desde una milla de distancia y era fácil de usar en todos los medios". Era simple (se había eliminado el trazo transversal de la A) pero innovador. El Manual de estándares gráficos de la NASA presentó una visión futurista

para una agencia a la vanguardia de la ciencia y la exploración, demostrando una gran cantidad de aplicaciones diferentes. A pesar de que Danne y Blackburn recibieron el premio presidencial a la excelencia en el diseño por su trabajo en 1985, el logo de gusano se retiró en 1992. Se dice que el logo Meatball (o albóndiga en español) se trajo de regreso para recordarle a la gente el apogeo de la NASA y ha sido el símbolo oficial de la NASA durante los últimos 29 años. Pero el gusano no ha sido olvidado, convirtiéndose en un símbolo de la cultura popular y con licencia para camisetas y otros recuerdos vendidos en todo el mundo desde 2017. En la publicación que anunció el regreso del gusano en el sitio web de la NASA, la agencia espacial escribió: “Hay una buena posibilidad de que vea el logotipo presentado de otras formas oficiales en esta misión y en el futuro. La agencia todavía está evaluando cómo y dónde se utilizará exactamente. Parece que el logotipo de Worm no se retiró realmente. Simplemente estaba descansando para el próximo capítulo de exploración espacial". El logotipo de Worm no se ha olvidado, ni tampoco sus creadores. 35

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Incluso las mentes más creativas y los profesionales más experimentados serán, en algún momento u otro, víctimas del bloqueo creativo. Es esa sensación de que te has quedado sin ideas, de que eres incapaz de producir ningún tipo de trabajo original, o de que no puedes acceder a tu propia creatividad. El bloqueo creativo afecta a músicos y pintores tanto como a escritores y fotógrafos, o a cualquier otra persona que realice un trabajo creativo. Si no tenemos cuidado, un bloqueo creativo puede resultar en una trampa: sentirnos sin inspiración e incapaces de crear puede lastimar nuestra autoconfianza, lo que hace que nos sintamos aún menos inspirados y menos capaces de crear. Como es importante familiarizarse con diferentes dijo Sylvia Plath, "el peor enemigo de la creatividad es la duda". Por tanto herramientas y técnicas que te ayudarán a combatir tu miedo y hacer fluir tu creatividad. A continuación varios creativos, desde escritores hasta fotógrafos, comparten sus mejores consejos.

¿Qué es el bloqueo creativo y cómo puedo superarlo?

Aprende cómo superar el bloqueo creativo con consejos de expertos de distintas disciplinas Práctica, práctica y más práctica El guionista, narrador y docente Alberto Chimal, dice que la mejor manera de superar un bloqueo creativo es “practicar, practicar y practicar más”. Si te faltan ideas originales, presta atención al mundo que te rodea y seguramente algo despertará tu imaginación. “La inspiración nunca llega rápido ni cuando estás sentado en tu escritorio. Podría ser una anécdota que escuches o una noticia. Podría ser un lugar que descubras o una escena atractiva con la que te cruces", nos dice.

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¡Convierte tu búsqueda de inspiración en un juego! Natalia Méndez edita libros infantiles. Cada vez que experimenta una interrupción en su productividad, se dedica a crear juegos que generarán ideas. Recomienda crear dados y decorar cada uno de sus lados con ideas o conceptos. Siempre que estés atascado, tira los dados y deja que el azar decida quién o qué será el tema de su próxima obra de arte o historia, qué temas tocará y qué conflictos deberán resolverse. Usa tus recuerdos La diseñadora e ilustradora Violeta Hernández (@soyvioleta) sugiere dibujar desde tu imaginación. En otras palabras, crear a partir de lo que recuerdas, como los sentimientos que un animal o un ramo de flores han evocado en el pasado. No tengas miedo de desafiar la imagen que tienes en la cabeza. La parte más interesante de este viaje es encontrar tu propio lenguaje visual, independientemente de si cambia las características comunes de una planta o un animal. Entonces, distorsiona lo que tienes en tu memoria y prepárate para exagerarlo. El color también se convertirá en un elemento clave para inyectar personalidad a tu trabajo. No seas perfeccionista No tengas miedo de cometer errores. Como dijo una vez Salvador Dalí:

"No temas a la perfección, nunca la alcanzarás". La ilustradora y diseñadora Cecy Meade recomienda usar un bolígrafo en lugar de un lápiz al hacer garabatos, bocetar o escribir ideas, para que no puedas borrar lo que escribiste en el papel. De esta manera, no podrás corregir ningún "error". Más adelante, probablemente descubrirás que los errores en realidad te ayudan a encontrar nuevos caminos creativos. Prueba estos ejercicios En los días en los que simplemente no sabes qué dibujar, una indicación de dibujo o prompt

puede ayudar a romper la mala racha. Son ideas y conceptos aleatorios que te animan a poner el lápiz sobre el papel (o el lápiz óptico sobre pantalla), e incluso pueden empujarte a probar nuevos estilos. El ilustrador Mattias Adolfsson propone probar su lista de ejercicios en tu cuaderno de bocetos. - Una medusa educada - Una pintura rupestre moderna - El interior de un auto - Extraterrestres desayunando - Dibuja a tus manos dibujando - Un robot enamorado - Cables eléctricos - Un autorretrato de espaldas - Una fábrica de sueños - Un policía saltarín - Gente bailando - Tus zapatos favoritos - Globos - 10 ramas - Un cerdo genial Inicia un brainstorming o una lluvia de ideas La escritora y fotógrafa Dara Scully recurre al brainstorming o lluvia de ideas para estimular ideas para las próximas sesiones de fotos. Anota conceptos y palabras y luego encuentra conexiones entre ellos. Dara sugiere usar algunas de estas indicaciones mientras escribes: - colores para anotar diferentes tipos de información. - Subraya conceptos clave. - Escribe una palabra en un estilo diferente si te sientes atraído - Añade más notas alrededor de las palabras subrayadas. 37

Carteles de los años 80 y 90 que ayudaron a romper el estigma del sida La Universidad de Rochester pone a disposición una colección gratuita con más de 8.000 carteles de más de 100 países y en 60 idiomas

Cada 1 de diciembre se celebra el Día Mundial de la Lucha contra el Sida, instituido en 1987 para ampliar el acceso a la información sobre el virus del VIH y dar a conocer avances de una enfermedad cuyos primeros casos se registraron a principios de los años ochenta. La forma en que hablamos sobre el VIH se ha transformado al superar los prejuicios causados principalmente por la desinformación.

Aproximadamente 38 millones de personas en todo el mundo viven con el virus del VIH, según datos de ONUSIDA, el proyecto de las Naciones Unidas sobre el VIH/sida. En el sitio web de la universidad también encontrarás carteles

diseñados para educar a niños, ancianos y personas en general sobre prevención, riesgos, defensa social y compasión por las personas afectadas por el VIH. Los carteles son una forma de arte y comunicación, además de documentos históricos importantes para comprender cómo vemos el virus.

Uno de los pilares del trabajo de educación sobre el virus fueron los carteles informativos creados en la década de 1980. Con ellos se buscaba acercar la información científica a la población y llegar al mayor número de personas. De esta manera, el miedo en torno al VIH podría destruirse para dar paso a la información, la prevención y el tratamiento. Una excelente colección de estos carteles está disponible de forma gratuita en el sitio web de la Universidad de Rochester, cuya colección tiene más de 8.000 piezas documentadas. Son creaciones de más de 100 países en 60 idiomas, recopiladas desde 1982 hasta la actualidad. Además, también encontrarás proyectos de estudiantes. 39

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¿Por qué todos los piratas utilizaban la misma bandera?

Descubre la historia de la bandera Jolly Roger, la poderosa imagen de marca de los piratas

Imagínate estar surcando los océanos en un navío mercante cuando de pronto, en la lejanía, una embarcación iza una bandera: es negra con una calavera y una cruz de huesos blancos en el centro. Seguro que, con solo verla, sabes qué significa: tienes delante un barco pirata que, con toda seguridad, se dispone a atacar.

Su uso se extendió durante el siglo XVIII, convirtiéndose rápidamente en el símbolo de diferentes tripulaciones de piratas a lo largo y ancho del océano. ¿Por qué este diseño se popularizó entre todos los piratas? La respuesta es simple y a la vez compleja: por la capacidad del diseño y el branding para influir sobre las personas

La bandera que conocemos como la clásica bandera pirata recibe el nombre de Jolly Roger.

Una marca capaz de transmitir mensajes y emociones

Se dice que el nombre de Jolly Roger proviene del francés "Joli Rouge" ("Bonito Rojo") en referencia a la bandera roja que utilizaban los corsarios franceses, pero el origen de su nombre, y de su diseño original, nunca se ha confirmado. Las primeras apariciones de la Jolly Roger se remontan a principios del siglo XVIII. Su objetivo era comunicar: al ser izada anunciaba la presencia de los piratas, y provocaba terror en sus víctimas.

Una de las primeras versiones fue la del pirata francés Emanuel Wynn, cuya bandera constaba de una calavera, unos huesos cruzados y un reloj de arena, que representaba el tiempo agotándose para sus enemigos. Estos símbolos fueron adoptados por las diferentes tripulaciones que surcaban los mares en esa época, adaptándolos a su identidad y utilizando su propia versión. Otra de las más famosas banderas fue la del pirata Jack Rackham, que utilizaba una calavera sobre dos espadas cruzadas en vez de dos huesos, o la de Stede Bonnet, que contaba con un cráneo, un sólo hueso, un cuchillo y un corazón, lo que simbolizaba los extremos de la justicia pirata. Más allá de los diseños que aparecieran en ellas, sus colores también transmitían mensajes: izar una bandera negra significaba que la tripulación tendría piedad con el navío que se disponían a abordar, mientras que alzar una roja comunicaba que no mostrarían clemencia en el ataque ni tomarían prisioneros. Pero, ¿por qué los piratas usaban una bandera que les identificaba como delincuentes a primera vista y prevenía a sus víctimas de su ataque?

La efectividad del branding para las marcas

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No está claro cómo la calavera y los huesos fueron elegidos como símbolos de la piratería, pero la decisión de adoptar este diseño por tripulaciones a lo largo y ancho del mundo, fue una gran estrategia de branding. Toda bandera pirata contaba con un logo fácilmente reconocible, colores específicos y símbolos claramente asociados a su industria: el pillaje y la muerte. El diseño tenía tanta fuerza que incluso las tripulaciones analfabetas que surcaban los mares entendían perfectamente su significado. De hecho, como cada tripulación diseñaba su propia versión, se ha comparado esta bandera con el logo cambiante de Google, otro ejemplo de identidad de marca híbrida.

El éxito de esta bandera residió en su efectividad comunicativa, un aspecto vital en todo diseño de marca. Su utilización a lo largo de los años, y el hecho de haberse convertido en el símbolo de la piratería que perdura a lo largo de la historia, demuestra el poder que el branding tiene sobre la sociedad, aunque para nosotros parezca un concepto totalmente moderno.

El objetivo de los piratas era capturar el barco enemigo intacto: cuanto más botín pudieran conseguir, mejor. Aterrorizando primero a la tripulación de la embarcación a la que querían atacar, los piratas eran capaces de realizar un abordaje sin apenas resistencia con una mínima pérdida de hombres, munición y esfuerzo. 41

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LO CREAS O NO, ¡EL DISEÑO

comenzó hace 6 mil años! ¿Qué tienen en común Walt Disney, Leonardo Da Vinci y Apple? El UX está detrás de algunas de sus mejores creaciones El diseño UX o de experiencia de usuario es uno de los campos más populares y en creciente demanda del diseño digital. Su definición exacta variará de forma considerable dependiendo de a quién le preguntes, pero una buena forma de resumirlo es que el UX es el proceso de diseñar un producto o servicio que resuene con el usuario y sus necesidades. El diseñador Ethan Parry ha trabajado en esta disciplina con grandes marcas como Meliá Hotels International, SEAT y Dunia. 42

También ha dirigido talleres para empresas como KPMG, Accenture, El Corte Inglés y Hola, por lo que es seguro decir que es un auténtico experto en UX. Los orígenes Ethan nos cuenta: "Cuando escuché el término UX por primera vez, pensé que era un concepto relativamente nuevo, que quizá había sido acuñado un par de años antes o, como mucho, una década atrás". Sin embargo, descubrió que los orígenes del UX se remontan mucho más atrás en el pasado.

"A medida que crecí como profesional en este campo, me di cuenta de que se remonta ¡al 4000 a. C.!". Ethan ve algunos de los principios que impulsan la filosofía UX actual en el antiguo arte del feng shui, una forma de organizar diferentes objetos, principalmente muebles, en relación con el flujo de energía. Uno de los objetivos del feng shui es facilitar la navegación por el espacio y, en ese sentido, comparte algunos de los principios que los diseñadores modernos aplican al considerar el diseño UX.

Puede que no estén organizando muebles, pero el objetivo es crear un cierto "flujo" en la experiencia que beneficie al usuario.

modifican una aplicación o un servicio para asegurarse de que los usuarios la aprovechen al máximo y que lo que necesitan esté siempre a mano.

un libro titulado El diseño de las cosas cotidianas, en el que defendía no pensar en el diseño solo en términos estéticos, sino en la funcionalidad o usabilidad.

Da Vinci era diseñador

El lugar más feliz de la tierra Mucho más cerca del presente, en la década de los sesenta, Walt Disney tuvo esta visión de familias divirtiéndose en sus parques. Él diseñó meticulosamente una experiencia que hizo que los visitantes en verdad se sintieran como si estuvieran en el lugar más feliz de la tierra, y que continúa asombrando a personas de todas las edades hasta el día de hoy. "Hay una

Tal vez, como era de esperar, Apple nos ha dado otro de los ejemplos más claros de lo que significa una buena experiencia de usuario. En 2007, la compañía lanzó el iPhone, un teléfono como ningún otro hasta ese momento. Aunque ya había otros teléfonos inteligentes, Apple reinventó cómo deberían funcionar estos dispositivos y se convirtió rápidamente en el estándar moderno de usabilidad.

Una vez que lo miras desde esa perspectiva, muchos precedentes históricos podrían considerarse alguna forma de UX. Por ejemplo, en 1430, el duque de Milán le encargó a Leonardo Da Vinci que diseñara una cocina para una fiesta de alto perfil. Da Vinci pensó en la experiencia que atraviesan los chefs al preparar las comidas y diseñó un sistema de cinta transportadora para simplificar el trabajo. No funcionó como estaba planeado, pero la intención estaba ahí. Lo que Da Vinci quería era hacer que la experiencia fuera lo más fluida posible, de la misma manera que los diseñadores modernos

precisión en los detalles que me deja boquiabierto", dice Ethan.

Actualidad

La primera persona que habló sobre el diseño UX en la forma en que ahora lo consideramos fue Don Norman en 1995, el arquitecto de experiencia de usuario de Apple, quien escribió

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